viernes, 31 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: Radioactive

Historia de la relación profesional y sentimental entre Marie Curie y Pierre Curie.



El descubrimiento científico va de la mano con la tragedia. Cada salto monumental hacia adelante en el progreso se encuentra con una consecuencia no deseada tarde o temprano; Cada innovación importante tiene un costo, ya sea personal, profesional o global. Pero, ¿debería ese costo desconocido evitar la experimentación y la innovación en nombre de la mejora? ¿Y cómo se mide el beneficio de un descubrimiento científico frente a un costo que solo se puede conocer con el tiempo?

Estas son preguntas embriagadoras sin respuestas fáciles, pero son aquellas con las que la reconocida científica Marie Curie tuvo que luchar una y otra vez a lo largo de su vida, como se describe en la nueva película Radioactive. Mientras que la historia recorre un territorio familiar para cualquiera que haya visto una película biográfica sobre un famoso "Great Man", la directora Marjane Satrapi considera elegantemente el costo en el corazón de los descubrimientos de Curie, y Rosamund Pike ofrece una actuación realmente emocionante como la científica detrás del campo pionero de radiactividad, y la valiente mujer detrás de tantas "primicias" para profesionales femeninas.

Para ser honesta, Radioactive comienza un poco duro. La película comienza con Curie siendo llevada de urgencia al hospital, aparentemente en su lecho de muerte, mientras su vida pasa ante sus ojos. Apunta a la película biográfica tediosa, aburrida y por números que Radioactive coquetea aquí y allá, pero afortunadamente nunca se cierne en ese aspecto por completo. Una vez que la película se pone en marcha y Pike tiene la oportunidad de brillar, la historia de Curie encuentra su lugar en la dedicación de los científicos a su trabajo.

Radioactive cubre todas las bases principales de la vida de Curie, desde su lucha por encontrar fondos y respeto como científica femenina hasta su asociación con el científico Pierre Curie (Sam Riley), con quien luego se casaría. Combinando su conocimiento e investigación, los Curies descubrieron dos elementos nuevos (radio y polonio) y desarrollaron la teoría de la radiactividad, que cambió por completo la forma en que los científicos pensaban sobre el átomo. Ganaron un Premio Nobel por su investigación (Marie ganó dos en su vida), pero decidieron no solicitar una patente para que otros científicos pudieran investigar más sobre la radiactividad, y comenzaron a surgir nuevas aplicaciones.

Satrapi le permite al público agradecer el impacto del trabajo de Curie intercalando intermitentemente escenas cortas que representan aplicaciones del descubrimiento de Curie décadas después. Estos van desde lo positivo, como el uso de radioterapia para reducir un tumor canceroso en un niño pequeño, hasta lo negativo, como el lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima. Es un dispositivo sorprendente que por sí solo puede parecer una distracción, pero en el contexto de la incomodidad de Curie profundiza en los temas de la película sobre el costo del progreso científico.

Curie y su esposo se enfermaron por la radiación, y una vez que otros que experimentaron con el radio enfermaron en París y sus alrededores, la ciudad se puso en contra de Madame Curie y comenzó a mirar con desprecio a la científica que alguna vez fue elogiada. Curie nunca podría haber predicho los efectos secundarios de su descubrimiento, del mismo modo que nunca podría haber predicho que podría convertirse en un tratamiento esencial para el cáncer o una clave para desbloquear un arma de destrucción masiva. Pero aunque ella considera las grandes pérdidas en su vida, vinculándolas a su investigación, sigue adelante en nombre de la ciencia, sin inmutarse. Esta es la vida que ella eligió llevar, y ella la llevará lo mejor que pueda, a un costo personal. De hecho, más adelante en la película, Curie le confiesa a su hija que su vida científica, con todos sus éxitos y fracasos, le ha traído poca alegría.

Este sacrificio es una distinción clave para Curie, y una que Pike juega maravillosamente. La científica nunca aparece como trágica o melodramática, y sin embargo, puedes sentir el peso de la culpa y el arrepentimiento en sus hombros atravesando la pantalla, incluso cuando está salvando innumerables vidas. Pike es matizada y, sin embargo, sorprendentemente humana, lo que le da complejidad a un papel que, en las manos equivocadas, puede parecer fría, pero la actriz no es así, y Curie tampoco. Ella era un ser humano, y es refrescante ver una película biográfica sin miedo a profundizar en las complejidades y contradicciones que conforman una persona real y viva. Especialmente uno tan importante no solo para el mundo de la ciencia, sino también para el progreso de las mujeres en todo el mundo.

Eso no quiere decir que Radioactive no esté exento de familiaridad. El guión de Jack Thorne realmente hace un buen trabajo al sombrear a Curie, pero sigue un ritmo similar a la mayoría de las biopics: ascenso meteórico, caída trágica, regreso, etc. Ciertos aspectos clave de la vida de Curie, como su aventura con Paul Langevin o su relación con sus hijas, se siente un poco subdesarrollada, mientras que la estructura familiar de la película puede volverse tediosa. Pero la química entre Pike y Riley conlleva las muchas escenas destinadas a representar el amor que la pareja de científicos sentían el uno por el otro, y la partitura electrificada y vibrante de Evgueni Galperine y Sacha Galperine mantiene la película pulsando.

Si estamos acostumbrados a innumerables biografías olvidables sobre los Grandes Hombres de la Historia, es refrescante que Radioactive, al menos, intente ofrecer interrupciones significativas de esa fórmula en la crónica de la vida de una Gran Mujer de la Historia, incluso si no tiene éxito por completo. Pike ofrece posiblemente su mejor actuación desde Gone Girl y A Private War, y la película sirve como un recordatorio sorprendente de que su talento todavía está de alguna manera subutilizado. Satrapi, mientras tanto, amplía ambiciosamente el lenguaje visual de una película biográfica para subrayar el legado de Curie, al tiempo que considera que todo gran descubrimiento científico abre una gran cantidad de posibilidades, tanto para bien como para mal.

Esto es cierto para cada decisión importante en la vida. Radioactive es un buen recordatorio de que una mujer ardiente y brillante fue responsable de tanto bien en el mundo, con un legado que abarca décadas, pero también tuvo un costo serio.


jueves, 30 de julio de 2020

Crónica Cinéfila: Programación del Festival de Toronto 2020


Las estrellas de Hollywood no estarán caminando personalmente en ninguna alfombra roja en el Festival de Cine de Toronto en septiembre, pero sus últimas películas se proyectarán en línea y, con suerte, en pantallas de cine como parte de la 45va edición durante la era de la pandemia.

Al presentar su línea completa de películas, TIFF agregó títulos de renombre como el thriller legal de J Blakeson, I Care A Lot, protagonizado por Rosamund Pike y producido por Black Bear Pictures; la película de terror y acción de Roseanne Liang Shadow in the Cloud, protagonizada por Chloe Grace Moretz; y Penguin Bloom de Glendyn Ivin , protagonizada por Jacki Weaver y Naomi Watts.

También se dirige a Toronto Regina King, ganadora del Oscar a la mejor actriz de reparto por If Beale Street could talk, con su debut como directora, One Night in Miami, protagonizada por Eli Goree, Leslie Odom Jr., Aldis Hodge y Kingsley Ben-Adir representando íconos afroamericanos de los años sesenta tales como Cassius Clay y Malcolm X; y el drama de demencia The Father, con Anthony Hopkins y Olivia Colman de Florian Zeller que debutó en Sundance.

El Festival de Cine de Toronto 2020, que se celebrará del 10 al 19 de septiembre, ha optado por un evento híbrido con proyecciones de películas en persona limitadas y en su mayoría alfombras rojas virtuales, conferencias de prensa y eventos de la industria en medio del nuevo brote de coronavirus. Para garantizar la presencia de estrellas en el festival de Toronto en medio de la crisis de COVID-19, los organizadores también han reclutado a unos 50 directores y actores de la industria para servir como embajadores de TIFF y aparecer en línea durante el evento de 10 días.

Muchos son veteranos del festival canadiense, incluidos Mortensen, Ava DuVernay, Taika Waititi, Nicole Kidman, Martin Scorsese, Nadine Labaki, Alfonso Cuarón, Tantoo Cardinal, Riz Ahmed, Isabelle Huppert, Claire Denis, Priyanka Chopra, David Oyelowo, Rosamund Pike, Sarah Gadon y Denis Villeneuve.

"Estamos recurriendo a nuestros embajadores para que nos ayuden a iniciar conversaciones de la industria para la audiencia de la industria. Tenemos muchas partes interesadas que son partidarios realmente importantes de los nuestros y queremos asegurarnos de que obtengan las oportunidades que normalmente tendrían en un sala verde o en un evento social y pueden hacerlo en línea (este año) ", dijo el director artístico y codirector de TIFF, Cameron Bailey.

En una era de cooperación, y no competencia, entre los festivales de cine de otoño tradicionalmente rivales, TIFF también ha reservado Falling de Viggo Mortensen, que se inclinó ante Sundance; City Hall de Frederick Wiseman y The Best is Yet to Come de Wang Jing se mostrarán en Venecia antes de pasar a las proyecciones en Toronto.

En otra parte, Summer of 85 de Francois Ozon y la comedia de solicitantes de asilo de Ben Sharrock, Limbo, se proyectarán en Toronto después de ser nombrados como selecciones del Festival de Cannes 2020. Y el debut de Emma Seligman, Shiva Baby, protagonizada por Polly Draper y Rachel Sennott, está reservada en Toronto después de ser programada para el festival SXSW, cancelado este año.

Los codirectores del festival Joana Vicente y Cameron Bailey planean un evento reducido de septiembre que tendrá lugar principalmente en línea este año con una plataforma digital por primera vez para cumplir con las precauciones de seguridad durante la pandemia de COVID-19. "Confiaremos en los autocines y las proyecciones al aire libre y tendremos algunas proyecciones en interiores, y luego habrá un fuerte componente digital, no solo para el público, sino también para la industria", dijo Vicente a THR .

Otros títulos que representan lo mejor del cine internacional incluyen 180 Degree Rule del director iraní Farnoosh Samadi; Notturno del director italiano Gianfranco Rosi; Bandar Road de Manijeh Hekmet, Bandar Road; Lift Like a Girl de Mayye Zayed; Wildfire del director irlandés Cathy Brady; Chaitanya Tamhane con The Disciple; y Quo Vadis, Aida?de Jasmila Zbanic.

Toronto también proyectará episodios de series de televisión internacionales, incluida la adaptación de la novela de A Suitable Boy de Mira Nair , programada para cerrar el festival de Toronto este año, así como las miniseries CBC de Michelle Latimer Trickster y The Third Day, el drama de HBO y Sky protagonizado por Jude Law y Naomi Harris.

El contingente canadiense en Toronto incluirá a Latimer que también proyectará su documental Inconvenient Indian, sobre el narrador canadiense Jonathan King; el drama sobre la mayoría de edad de Tracey Deer, Beans; No Ordinary Man, de los directores Aisling Chin-Yee y Chase Joynt; y el thriller psicológico Violation, dirigida por Madeleine Sims-Fewer, quien también protagoniza junto a Dusty Mancinelli.

Otros títulos anunciados previamente para Toronto incluyen Ammonite de Francis Lee, dirigida por Kate Winslet y Saoirse Ronan; Another Round de Thomas Vinterberg; Fauna, del director Nicolás Pereda; Good Joe Bell, de Reinaldo Marcus Green, protagonizada por Mark Wahlberg; Spring Blossom, la película debut de la directora Suzanne Lindon; y True Mothers de Naomi Kawase .

Otros documentales agregados a la alineación de Toronto 2020 incluyen Enemies of the State, de la directora de National Bird, Sonia Kennebeck, y se centraron en el caso de la supuesta persecución de un hacker por parte del gobierno de los Estados Unidos; la película de Werner Herzog Fireball: Visitors from Darker Worlds, ya recogida por Apple para su plataforma Apple TV+; y MLK / FBI del director de derechos civiles Sam Pollard , que relata la vigilancia del Dr. Martin Luther King por parte del FBI.

martes, 28 de julio de 2020

Temporada de Premios: Nominados a los Premios Emmy 2020

Netflix rompió el récord de la mayoría de las nominaciones en un solo año, con 160 en total, mientras que la serie más nominada fue 'Watchmen' de HBO, con 26 en total.



Las nominaciones para los 72º Premios Emmy se anunciaron este martes por la mañana.

La serie más nominada fue Watchmen de HBO, con 26 en total, seguida por The Marvelous Mrs. Maisel de Amazon con 20. Ozark de Netflix  y Succession de HBO  obtuvieron 18 cada una, mientras que The Mandalorian de Disney +, Saturday Night Live de NBC y Schitt's Creek de  Pop TV obtuvieron cada una 15 noms.

The Mandalorian,  Ozark  y Succession se completarán para la mejor serie dramática con Better Call Saul de AMC, The Crown de Neflix, The Handmaid's Tale de Hulu, Killing Eve de BBC America y Stranger Things de Netflix.

Además de Maisel y Schitt's Creek, los espectáculos que compiten por la mejor comedia son Curb Your Enthusiasm de HBO, Dead to Me de Netflix, The Good Place de NBC, Insecure de HBO, The Kominsky Method de Netflix y What We Do in the Shadows de FX.

En medio de los llamados a la justicia racial y la inclusión, es digno de mención que los Emmy otorgaron la mayor cantidad de nominaciones a Watchmen, que comenzó con la masacre racial de Tulsa. Del mismo modo, numerosos actores negros obtuvieron nominaciones en las principales categorías, incluidas Issa Rae, Zendaya, Yvonne Orji, Kerry Washington, Anthony Anderson y Tracee Ellis Ross.

Los 72vo Premios Emmy serán organizados por Jimmy Kimmel, quien también se desempeña como productor ejecutivo, y se transmitirá el 20 de septiembre en ABC.

Los Creative Arts Emmys, que habían sido programados para el 12 y 13 de septiembre, ahora se entregarán en ceremonias virtuales "durante varias noches en septiembre", con esas fechas por determinar. Además, por primera vez en la historia de los Emmy no habrá Governors Ball después de las ceremonias Creative Arts Emmys o Emmys.

A continuación se incluye una lista de nominados en categorías selectas:

Mejor Serie Dramática
Better Call Saul (AMC)
The Crown (Netflix)
The Handmaid's Tale (Hulu)
Killing Eve (BBC America)
The Mandalorian (Disney +)
Ozark (Netflix)
Stranger Things (Netflix)
Succession (HBO)
 
Mejor Serie de Comedia
Curb Your Enthusiasm (HBO)
Dead to Me (Netflix)
The Good Place (NBC)
Insecure (HBO)
The Kominsky Method (Netflix)
The Marvelous Mrs. Maisel (Amazon)
Schitt's Creek (Pop)
What We Do in the Shadows (FX)

Mejor Serie Limitada
Little Fires Everywhere (Hulu)
Mrs. America (FX on Hulu)
Unbelievable (Netflix)
Unorthodox (Netflix)
Watchmen (HBO)
 
Mejor Actor de una Serie Dramática
Jason Bateman (Ozark)
Sterling K. Brown (This Is Us)
Steve Carell (The Morning Show)
Brian Cox (Succession)
Billy Porter (Pose)
Jeremy Strong (Succession)

Mejor Actriz en una Serie Dramática
Jennifer Aniston (The Morning Show)
Olivia Colman (The Crown)
Jodie Comer (Killing Eve)
Laura Linney (Ozark)
Sandra Oh (Killing Eve)
Zendaya (Euphoria)

Mejor Actor de una Serie de Comedia
Anthony Anderson (Black-ish)
Don Cheadle (Black Monday)
Ted Danson (The Good Place)
Michael Douglas (The Kominsky Method)
Eugene Levy (Schitt's Creek)
Ramy Youssef (Ramy)

Mejor Actriz de Serie de Comedia
Christina Applegate (Dead to Me)
Rachel Brosnahan (The Marvelous Mrs. Maisel)
Linda Cardellini (Dead to Me)
Catherine O'Hara (Schitt's Creek)
Issa Rae (Insecure)
Tracee Ellis Ross (Black-ish)
 
Mejor Actor en una Serie Limitada o una Película de Televisión
Jeremy Irons (Watchmen)
Hugh Jackman (Bad Education)
Paul Mescal (Normal People)
Jeremy Pope (Hollywood)
Mark Ruffalo (I Know This Much Is True)
 
Mejor Actriz en una Serie Limitada o una Película de Televisión
Cate Blanchett (Mrs. America)
Shira Haas (Unorthodox)
Regina King (Watchmen)
Octavia Spencer (Self Made)
Kerry Washington (Little Fires Everywhere)
 
Mejor Actor Secundario en una Serie Dramática
Giancarlo Esposito (Better Call Saul)
Bradley Whitford (The Handmaid's Tale)
Billy Crudup (The Morning Show)
Mark Duplass (The Morning Show)
Nicholas Braun (Succession)
Kieran Culkin (Succession)
Matthew Macfadyen (Succession)
Jeffrey Wright (Westworld)

 
Mejor Actriz de Reparto en una Serie Dramática
Laura Dern (Big Little Lies)
Meryl Streep (Big Little Lies)
Helena Bonham Carter (The Crown)
Samira Wiley (The Handmaid's Tale)
Fiona Shaw (Killing Eve)
Julia Garner (Ozark)
Sarah Snook (Succession)
Thandie Newton (Westworld)

Mejor Actor Secundario en una Serie de Comedia
Andre Braugher (Brooklyn Nine-Nine)
William Jackson Harper (The Good Place)
Alan Arkin (The Kominsky Method)
Sterling K. Brown (The Marvelous Mrs. Maisel)
Tony Shalhoub (The Marvelous Mrs. Maisel)
Mahershala Ali (Ramy)
Kenan Thompson (Saturday Night Live)
Daniel Levy (Schitt's Creek)

Mejor Actriz de Reparto de una Serie de Comedia
Betty Gilpin (GLOW)
D'Arcy Carden (The Good Place)
Yvonne Orji (Insegura)
Alex Borstein (The Marvelous Mrs.Maisel)
Marin Hinkle (The Marvelous Mrs.Maisel)
Kate McKinnon (Saturday Night Live)
Cecily Strong (Saturday Night Live )
Annie Murphy (Schitt's Creek)
 
Mejor Actor Secundario en una Serie o Película limitada
Dylan McDermott (Hollywood) 
Jim Parsons  (Hollywood)
Tituss Burgess (Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend)
Yahya Abdul-Mateen II (Watchmen)
Jovan Adepo (Watchmen)
Louis Gossett Jr. (Watchmen)
 
Mejor Actriz de Reparto en una Serie o Película limitada
Holland Taylor (Hollywood)
Uzo Aduba (Mrs. America)
Margo Martindale (Mrs. America)
Tracey Ullman (Mrs. America)
Toni Collette (Unbelievable)
Jean Smart (Watchmen)
 
Mejor Serie de Variedades
The Daily Show With Trevor Noah (Comedy Central)
Full Frontal With Samantha Bee (TBS)
Jimmy Kimmel Live! (ABC)
Last Week Tonight With John Oliver (HBO)
The Late Show With Stephen Colbert (CBS)

Mejor Programa de Competencia
The Masked Singer
Nailed It
RuPaul's Drag Race
Top Chef
The Voice

domingo, 26 de julio de 2020

Crónica Cinéfila: Mi querida Semana Más Corta


Cuando estaba realizando el grado, mi parte favorita siempre eran los veranos. Y no se debía únicamente a que el semestre era más corto: era especialmente por mi querida Semana Más Corta. Ahora, tres años después fuera de mi media isla, llegué justo a tiempo y lo hago desde otra posición.

13 años después, seguimos en esto y con más ánimo que nunca. Volver a mi alma mater siempre ha sido un honor, y que mejor manera que participando en la Semana Más Corta 2020, en su primera edición completamente virtual, con el patrocinio de Listín Diario y DGCine.

Para los que no saben, la Semana Más Corta es un festival de Cortometrajes que celebra la Escuela de Comunicación y Artes Cinematográficas de la PUCMM, donde se presentan tanto audiovisuales realizados por los estudiantes de la escuela, como de otras universidades y escuelas de cine. Es toda una semana de cortos, documentales, campañas, cortos animados, reportajes, propuestas de largometrajes, entre muchas otras, dándole una noche de premiación al arduo trabajo de los jóvenes cineastas. 

Este año se estarán proyectando 61 audiovisuales durante toda la semana, tanto producciones de la PUCMM, como de las escuelas de cine de Chavón, INTEC y UNIBE. Pero además de esto, tendremos la participación de panelistas nacionales e internacionales, con temas sumamente interesantes, desde el actual tema popular "Cine y Covid-19", como otros temas más específicos como cine de animación, construcción de personajes en guiones, Función del compositor musical en cine, entre muchas otras.

Como estudiante siempre lo vi como una oportunidad de exponer mi persona como creadora y mis producciones; como crítica lo veo como una oportunidad para evaluar el talento creciente y los que vienen en camino; pero como docente es un sazón diferente: es el mejor momento para impulsar a los estudiantes a hacer mucho más de lo que ellos se limitan a hacer y motivarlos a expandir su creatividad en cuanto a los formatos que ya se han visto.

Los invito a todos a la Semana Más Corta 2020, en su Edición virtual. 

Se transmitirá en vivo del 27 al 31 de julio a través de los canales de la universidad, Exprésate en PUCMM en Facebook y @expresatepucmm en Instagram, y los canales digitales del Listín Diario.

viernes, 24 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: Babyteeth

Milla, una adolescente gravemente enferma, se enamora de un traficante de poca monta llamado Moses, dando así comienzo a la peor pesadilla que jamás han experimentado sus padres. Sin embargo, a medida que Milla descubre lo que realmente significa el amor, todos aquellos que están a su alrededor aprenden de ella cómo vivir como si realmente cada día fuese el último. Lo que podría haber sido un desastre para la familia Finlay pronto se convierte en una circunstancia que les permite disfrutar del glorioso caos que representa la vida.



Eliza Scanlen interpreta a una adolescente que se enfrenta a su propia mortalidad, tomando decisiones audaces para sentirse viva en la película debut del director australiano Shannon Murphy, también protagonizada por Essie Davis y Ben Mendelsohn. En la primera escena que conocemos a Milla (Scanlen), está parada frente a los rieles del tren, y sus pensamientos se sienten suicidas. Está preocupada por algo, no sabemos lo que es, pero en segundos su vida cambia cuando conoce a Moses (Toby Wallace), un drogadicto de 23 años que fue expulsado de la casa de su familia después de lo que parece haber sido una serie de episodios alarmantes. Él se tambalea de la nada en el andén de una estación de Sydney y casi la golpea frente a un tren entrante. Pero al instante se siente atraída por el desaliñado chico. A partir de ahí, y en el proceso de tratamientos por el que Milla pasa, su relación con Moses evoluciona de todas maneras, queriendo convertirlo en su primer/último amor. 

Hay un hermoso interludio hacia el final de este primer largometraje del director de televisión Shannon Murphy, Babyteeth, en el que Milla, una adolescente gravemente enferma, jugó con una mezcla de nervios retorcidos, tocando la esperanza y la tristeza penetrante de Eliza Scanlen, tomando su violín en un almuerzo navideño de amigos y familiares, y acompañando a su madre en el piano. Una encantadora conmoción no forzada emerge en ese momento de la cálida conexión entre las dos mujeres, así como las caras alrededor de la mesa, todas suspendidas en una contemplación silenciosa. La cámara finalmente observa en lugar de agitar, y se permite a los personajes simplemente ser, en lugar de ser actores.

A partir de ese momento, Murphy y el elenco se sintonizan con la vida interior melancólica de las personas en pantalla y la película se beneficia de manera inconmensurable, con una serie de capítulos finales que profundizan nuestro acceso a la experiencia emocional de los personajes y hacen que la pérdida que enfrentan afecte genuinamente. Pero durante un período considerable de esta película de dos horas, que la guionista Rita Kalnejais desarrolló a partir de su propia obra, Murphy presiona demasiado. Acumula las peculiaridades en una serie de capítulos cortos con títulos cursis que aparecen en pantalla, empujando a sus actores a favorecer la excentricidad tensa sobre la integridad del personaje. 

Babyteeth evita con cuidado dejarse atrapar por la trampa de las películas que cuentan historias similares, como la inquietantemente inquieta Restless de Gus Van Sant. Pero a menudo, desea apropiarse de todos los involucrados y darles una buena sacudida, persuadiéndolos para que se calmen lo suficiente como para mostrar un sentimiento real debajo de todo el realismo elevado y con exceso de cafeína.

La primera vez que sucede es una media hora completa de la película, cuando la vulnerabilidad de Milla, de 15 años, se expone repentinamente después de que comienza la quimioterapia y su compañera insiste en probarse la peluca en el baño de la escuela. En lugar de inquietarse sin cesar para transmitir la inestabilidad que gira alrededor de Milla utilizando los medios visuales más literales posibles, la cámara de Andrew Commis finalmente hace una pausa para investigar lo que siente. Esto crea un primer momento de honestidad emocional en una película que por mucho tiempo sofoca el dolor y el miedo de Milla en la afectación autoconsciente.

Eso se aplica prácticamente a todos los personajes, comenzando por sus padres. Se necesita habilidad perversa para hacer que dos actores tan dotados como Essie Davis y Ben Mendelsohn se vean mal. Pero la escena en la que nos encontramos por primera vez con el padre de Milla, Henry, en la oficina en casa que él usa como psiquiatra, y su madre, Anne, en su sofá en una sesión regular de los martes que se convierte en un rapidito en su escritorio, es vergonzoso.

Como suele ser el caso en la acción temprana, la comedia laboriosa y la torpeza estudiada pierden por completo la marca tonal. La neurótica Anne se agita llena de Xanax y Zoloft, mientras que Henry tiene sus propias debilidades, y también se distrae por intercambios coquetos con Toby (Emily Barclay), la nueva vecina embarazada al otro lado de la calle.

La relación clave que da forma a la trayectoria de Milla es con Moses, con quien vive todas las etapas de amores y desamores, en medio de su propia enfermedad. A principios parece ciega a lo que él hace, básicamente utilizándola para conseguir sus medicamentos, pero poco a poco el mismo Moses se envuelve en los sentimientos, al punto que le resultará difícil apoyarla en una última decisión errática de Milla. La mayor parte de la acción rastrea el progreso de un romance que Henry y Anne inicialmente están decididos a detener, hasta que se dan cuenta de que Moses podría ser su mejor opción para mantener a Milla motivada y optimista, independientemente de que sea un adicto impredecible. Mientras tanto, Milla comienza a cuestionar sus motivos mientras él revela que carece de las herramientas para manejar su situación con sensibilidad. O tal vez hay más en él de lo que parece.

La película, al igual que las actuaciones de su pequeño conjunto, funciona mejor cuando la directora se sale de su propio camino, olvidando su aversión a la narrativa limpia y convencional y dando al material un respiro para resonar. Esto finalmente sucede en la espiral hacia el final que la mayoría de esas historias inevitablemente toman. El hecho de que Murphy golpee esas notas con una fuerza desgarradora que se siente honestamente ganada y nada de lagrimeo es aún más sorprendente dada la sensación artificial de tanto que ha sucedido antes. 

No es que sea nada novedoso, pero su puesta en escena es muy cautivadora y todos sus personajes son estupendamente maravillosos. Babyteeth no se deja caer en el cliché de la temática y otorga unos momentos conmovedores para autoanalizar los pequeños detalles de la vida que nos hacen felices en circunstancias dolorosas.


Crónica Cinéfila: The Beach House

El viaje de dos enamorados se convertirá en una carrera por la supervivencia cuando unos invitados inesperados comiencen a mostrar signos de una misteriosa infección. 



The Beach House es un sueño de fiebre apocalíptica hecho realidad. Es una dedicatoria a las elevadas películas de ciencia ficción de los años 50, otorgando a la era el debido respeto que merece dentro del género de terror. Pero aunque toma sus inspiraciones de esos tiempos, funciona con sensibilidad moderna. El director Jeffrey A. Brown crea algo especial aquí: él sabe dónde actualizar su material de origen y ser más agresivo con estos arquetipos más antiguos. Al igual que los mejores híbridos de ciencia ficción / terror, la película encuentra una historia humana y la cuenta a través de una parábola sobrenatural. El resultado es una historia que se siente familiar, pero que en repetidas ocasiones da vueltas sorprendentes. 

Cuando comienza The Beach House, Randall (Noah Le Gros) y Emily (Liana Liberato) llegan a la casa de la playa donde ya hay una pareja de ancianos que se quedan allí. Esto solo podría ser la premisa para una gran película de terror, pero en cambio se forma una alianza inusual aquí cuando estas dos parejas descubren que el mundo entero está en llamas. El día siguiente trae terrores que terminan de arruinarles el fin de semana, ya que el entorno mismo parece rebelarse contra los vivos. Una amenaza de un tamaño indefinido se posa repentinamente sobre estas personas no preparadas. La película toma esta configuración fuerte y solo va a lugares más desafiantes e impresionantes con todo, pero tomándose su tiempo con cada situación que los personajes enfrentas.

Todos los elementos sobrenaturales en esta película son muy divertidos, pero The Beach House es igual de gratificante cuando se trata de su elenco. Tanto Liana Liberato como Noah Le Gros son excepcionales en sus papeles de Emily y Randall. Ambos exhiben una gran variedad a través de esta experiencia inusual y Liberato, en particular, parece un talento próximo a estar pendiente. Ella es muy buena aquí y la película se convierte lentamente en un esfuerzo en solitario para su personaje. Este virus infecta a todos, pero en realidad es la historia de Emily, si se dejará consumir por las decisiones de su novio o seguirá con sus planes a futuro.

The Beach House tiene cuidado de ilustrar cómo Emily y Randall no son totalmente disfuncionales cuando comienza la película. Al menos quieren mejorar. Las cosas están lejos de ser perfectas, pero aún tienen una conexión profunda. Sin embargo, toques sutiles como la cámara que se detiene en una toma sugieren problemas debajo de la superficie. Hay una pasión allí, pero una falta fundamental de comprensión entre ellos.

The Beach House se toma su tiempo y permite que la audiencia conozca a Emily y Randall por sí misma antes de agregar otros elementos y personas a la mezcla. Es un enfoque inteligente para esta variedad de historias internas y aisladas. Todo es un descenso gradual al infierno. Otra decisión inteligente que toma la película es no convertir a Mitch (Jake Weber) y Jane (Maryanne Nagel) en antagonistas o fuerzas negativas. Son educados y cordiales, lo que hace que el desorden que todos se ven involucrados en el trabajo sea aún mejor. Además, hay una química muy afable entre estas dos parejas. Es muy divertido verlos pasar el rato, casi deseándose que nada salga mal y este será solo un fin de semana discreto en una casa de playa.

La película muestra confianza en cómo no oculta el virus que comienza a infectar la costa. Las escenas que exploran esto son algunos de los momentos más alucinantes de la película. Son hermosos para asimilar y son como estar dentro de una lámpara de lava viva. La película está llena de elementos visuales igualmente evocadores y abstractos. Incluso las imágenes triples que se derivan del uso de drogas en la película realmente agregan mucho a la experiencia. La casa de la playa se vuelve realmente aterradora cuando esta infección se intensifica y este caos inestable finalmente se desata. Cada desarrollo y nueva criatura que aparece solo empuja las cosas más fuera de control.

La película profundiza en un espantoso horror corporal que es todo tipo desagradable de ver. Todo esto empeora por el hecho de que Emily es lo suficientemente inteligente como para comprender lo que sucede durante el proceso de infección (aunque The Beach House es muy cuidadoso de no explicarse en exceso o perderse en la exposición). Hay un momento que involucra un gusano parásito y un par de pinzas que son simplemente una locura, casi haciendo honor a Crawl y Gerald's Game. La evolución del virus también es perturbadora y hace que esta amenaza se sienta única e impredecible. Para agregar a esto, hay una partitura muy poderosa que deslumbra al público con un sonido abrasivo. Es una experiencia discordante y ayuda a The Beach House adecuadamente sentirse como un ataque inesperado. Todo se une correctamente aquí para crear la abrumadora sensación de que el mundo se está desmoronando.

Detrás de todo el dolor y los ataques cósmicos que The Beach House arroja a su audiencia, también hay un oscuro sentido del humor que recorre la película. Proporciona un buen equilibrio a tierra para todo el temor apocalíptico. Una película mucho más seria no hubiera sido una mejora. Para ser justos, The Beach House sufre de conveniencias particulares y artilugios de la trama. Sin embargo, es mucho más fácil mirar más allá de estas fallas debido a la efectividad del resto de la película. Todavía hay mucha originalidad en exhibición aquí. También es un poco sorprendente ver hasta qué punto la película abarca el angustioso ángulo de "pesimismo" para su historia. No se detiene.

Esta, que es una versión de bajo presupuesto de The Mist, está tratando de contar una historia profunda detrás de todos los monstruos, efectos especiales y efectos visuales abstractos. The Beach House se destaca en esta área y ofrece muchos efectos prácticos geniales y monstruos terriblemente únicos y desagradables que se sienten reales por derecho propio. Hace mucho con su premisa espeluznante y el director Jeffrey A. Brown tiene una voz clara aquí. Hace un gran trabajo para dar vida a su visión cósmica y malhumorada, inmediatamente creando una atmósfera misteriosa. Desde el primer plano y los créditos ya hay oscuridad entrante. Es muy atmosférico y convierte cosas simples como el océano en paisajes sagrados y temerosos, algo que aunque anteriormente ha sido tocado, no siempre lo hace con el respeto y filosofía que lo hace Emily. Se siente como el nacimiento del mal.

The Beach House es un triunfo atmosférico del recién llegado director Jeffrey A. Brown. Él crea una ingeniosa historia de invasión y destrucción que es íntima y cósmicamente grandiosa. The Beach House es un retroceso amoroso a las imágenes de monstruos de antaño, pero al mismo tiempo, ayuda a que el género evolucione a nuevos lugares. Es el cóctel perfecto donde lo extraño desconocido se mezcla con emociones crudas.

De seguro no querrás entrar al mar por un tiempo después de verla.


sábado, 18 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: Palm Springs

Cuando el desenfadado Nyles y su reticente dama de honor Sarah tienen la oportunidad de encontrarse en una boda de Palm Springs, las cosas se complican al verse incapaces de escapar del lugar y el uno del otro. 



Nyles de Andy Samberg, está atrapado en una rutina sinfín en la comedia romántica Palm Springs de Max Barbakow. La película no usa simplemente su fantasía como un camino hacia la redención; en cambio, considera seriamente la cuestión de cómo uno podría vivir con su propio daño, si está atrapado en la éxtasis eterna y se le niega la salida de la muerte. La inutilidad, el aislamiento y la garantía de que nadie entenderá su situación pueden no parecer las creaciones de un corazón lleno de risas, pero en las manos de Barbakow y el guionista Andy Siara, lo es.

Nyles está atrapado reviviendo algo mucho peor que una pesadilla: la boda de un desconocido. Cuando lo conocemos, él ya ha vivido cientos o miles de iteraciones del día (ya ni se recuerda hace cuanto está atrapado en el loop), lo que explica lo poco que le importa impresionar a otros huéspedes en el evento en medio del desierto de Palm Springs. Se viste para el evento con pantalones cortos y camisa de playa, abre latas de cerveza durante la ceremonia y se acerca casualmente para brindar por los recién casados ​​cuando la dama de honor Sarah (Cristin Milioti) está demasiado borracha para hacerlo. Luego hace algunos movimientos sutiles en la pista de baile, se abalanza sobre Sarah y la convence de escabullirse a las colinas con él. Tal vez ha tenido mucha práctica en esto.

A la mañana siguiente, cuando Nyles se despierta con la misma vista que ha tenido innumerables veces, Sarah está teniendo la misma experiencia en otra habitación. Ahora también está atrapada en este día y tiene muchas más razones para temer el día de la boda que él. Está furiosa con Nyles, quien finalmente calma las cosas lo suficiente como para explicar que él ya ha intentado todas las formas posibles para terminar con este fenómeno. "No tenemos otra opción más que aprender a sufrir en el loop". Gracias a Dios, cada lata de cerveza que consuma estará llena de un nuevo mañana y de repente nuevas aventuras.

Poner a dos personas atractivas juntas en esta situación resuelve un dilema moral inherente al género del bucle de tiempo: si el hombre puede probar un número infinito de cosas para hacer que la mujer se enamore de él, ¿ella es realmente una participante en la relación? Los ajustes al formato no se detienen allí: un flashback de una de las noches más salvajes de Nyles, con un invitado a la boda interpretado por JK Simmons, explica que hay complicaciones en su plan de existencia, pero eso solo justificaría otra película más empleando esta premisa familiar.

Una pregunta arde en la mente de cualquiera que haya visto más de un par de estas películas de bucle de tiempo: ¿que tan inteligente es esta trama en función a su montaje? Está entre las mejores. El guión ofrece algunos trucos realmente novedosos incluso antes de imaginar las innumerables formas en que uno podría arruinar el día perfecto y especial de una pareja durante su boda.

Incluso aquí, sin embargo, la película está siendo pensada mientras te hace reír: en un momento problemático, mientras Sarah está frustrando a los demás, Nyles la insta a reconsiderar: no importa que tus víctimas no recuerden tu maldad cuando el día se restablezca. Lo recordarás, y no hará que la existencia sea más fácil.

Ese intercambio llega en medio de la mayor decisión que enfrentarán estos dos. Ya que están atrapados despertando en la misma casa todos los días por la eternidad, ¿es una locura o ideal comenzar a dormir juntos? Piensa dos veces antes de responder; romper no será divertido. La lógica del cine dice una cosa: esta es una comedia comercial que agrada a la multitud, pero Nyles ha estado en la cuadra tal vez miles de veces. Él sabe una o dos cosas. El hecho de que todavía sea más tonto que Sarah hace de Palm Springs un lugar muy divertido para quedarse atrapado.



viernes, 17 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: A Whisker Away

Miyo "Muge" Sasaki es una joven estudiante de secundaria que se ha enamorado de su compañero Kento Hinode. Aunque le persigue todos los días, él nunca parece percatarse de su presencia. Sin embargo, mientras esconde un secreto que no puede contar a nadie, Muge decide seguir persiguiéndole.



Es fácil apreciar por qué la última película anime de Netflix ha sido retitulada "A Whisker Away" para su lanzamiento. No solo suena muy parecido a la popular "Spirited Away", sino que también es una forma bastante breve de unir dos puntos de venta más importantes de esta película: la fantasía juvenil y los felinos. Por otro lado, el título original sorprendentemente expresivo del proyecto, traducido literalmente del japonés como "Queriendo llorar, pretendo ser un gato", realmente se traduce al tema central de la película.

El último largometraje producido por la emergente potencia del anime Studio Colorido ("Penguin Highway"), la dulce y vibrante película original de Satô Jun'ichi y Shibayama Tomotaka nos presenta a una colegiala cuya exuberante personalidad oculta sus sentimientos privados de abandono y un cambio refrescante de ritmo que tiende a anclar sagas de mayoría de edad sobre la soledad y el amor no correspondido. piensa en ella. Miyo es muy extrovertida y alocada; sus compañeros de clase se ríen y la llaman "Miss Ultra Gaga" directamente a la cara, pero eso no impide que ella siempre le recuerde a voz alta a Hinode el amor profundo que siente por él, algo que no es muy bien visto por él, y que nunca oculta su desinterés hacia ella.

Pero debajo de su confianza y apertura, Miyo está sufriendo. Vive con su padre y su novia Kaoru desde que su madre se separó de la familia desde hace algún tiempo; Miyo es indiferente al afecto que siente en su casa y desesperada por el afecto que parece no poder sentir fuera de él. Ella quiere ser amada incondicionalmente; ella quiere que Hinode piense que su devoción hacia él es adorable en lugar de loca; ella quiere acurrucarse en sus brazos y calentar su corazón hasta que se abra. En otras palabras, ella quiere ser el gato de Hinode. Y eso es exactamente lo que le ofrece el vendedor de máscaras, un gato atigrado tipo genio cuya obesidad de dibujos animados no es lo único mórbido sobre él. Él le da una máscara de gato inspirada en kitsune que le permite a Miyo ignorar sus problemas y convertirse en un gatito de ojos azules cada vez que quiera, y la niña está demasiado encantada con la idea que ignora preguntar si hay alguna trampa detrás de esta oferta.

Esa es en realidad la primera escena desorientadora de la película, como se dice "A Whisker Away" con un desinterés infantil en la línea entre fantasía y realidad, posee un guión de Okada Mari que siembra cuidadosamente sus reglas a lo largo de la historia (al menos hasta que todo se vuelva loco en el acto final), pero siempre hay una agradable sensación de que estamos atrapados en la imaginación hiperactiva de Miyo y solo tratamos de aferrarnos a esta mientras ella trata de escapar. Pero ella realmente se está convirtiendo en una adorable gata y se escabulle para ver a Hinode, quien la llama "Taro" por su difunto perro y le devuelve el amor de cachorro que Miyo siempre ha querido de él.

Este nuevo vínculo es casi suficiente para distraer a Miyo de sus problemas en el hogar (y a Hinode de la pérdida del estudio de cerámica de su abuelo y la mayor carga económica de mantener a su familia), pero estos niños están a punto de aprender que un buen sueño no es siempre preferible a la vida que quieren asumir, sobretodo en el caso de Miyo que debe asumir características peculiares de gatos, como el hecho de que ellos se limpian solos con la lengua. 

Uno de los aspectos más impresionantes de esta animación es el detalle en sus escenarios. Aunque las ciudades están claramente inspiradas en calles reales de una ciudad de Japón, es difícil poder diferenciarlo de imágenes reales por el pincel tan sutil que sus animadores han utilizado para darle vida a cada espacio. Los colores son los que nos regresan a la realidad, de que estamos viendo una película animada con un árbol elevado en el mismo cielo que es la ciudad de los gatos pero que solo ellos pueden ver, o los fuegos artificiales durante el festival del Año Nuevo. 

Exuberantemente animado en un estilo poco exigente, "A Whisker Away" mantiene las cosas livianas y amigables para los niños, incluso cuando toca el tipo de heridas emocionales crudas que pueden llevar a Miyo y Hinode para confundir vulnerabilidad por debilidad. Los espectadores no deberían esperar el golpe emocional agudo que podría estar dentro de una película de Shinkai Makoto como "Your Name": esta película está más interesada en dividir la diferencia entre Miyazaki Hayao y el Disney clásico, con la influencia de esta última especialmente clara después del gato doméstico de Kaoru se pone la máscara humana de Miyo y comienza a disfrazarse de una persona que se lame las patas, pero incluso en su forma más juguetona y dispersa, la historia es aún más emocional de lo que su trama podría sugerir.

"A Whisker Away" equilibra todos sus aspectos narrativos en su celebración de la plenitud de la vida humana. Los altibajos que sienten algunos personajes pueden ser difíciles de seguir, pero a medida que el mundo humano y de gatos se desarrollan en papel, se vuelve cada vez más palpable que Miyo y Hinode están aprendiendo a apreciar el balance entre lo bueno y lo malo de la vida. Si un viaje culminante a la Isla del Gato es demasiado frenético por su propio bien, solo hace que sea mucho más fácil apreciar cuán ansiosos están Miyo y Hinode por volver a casa y aprovechar al máximo el amor que les han dado. Divertido, atractivo y siempre lleno de vida: "A Whisker Away" es una experiencia completa.


viernes, 10 de julio de 2020

Crónica Cinéfila: La visión narrativa de Sakura Card Captor


Año 2000. Estaba tan obsesionada (como ahora) con series anime como Digimon, Dragon Ball Z y Sailor Moon. Pero una se robó mi atención por su honestidad y sencillez: Sakura Cardcaptor. Yo agradezco no haberla tenido en Netflix u otra plataforma de streaming en aquellos tiempos, porque creo que no hubiese parado de verla aún si eso significase volver a iniciarla después de ver los 70 episodios. Como dice el buen dominicano: la serie da seguidilla. 

Sakura es una niña de cuarto grado que descubre que tiene poderes mágicos cuando accidentalmente libera un set de cartas que pertenecían a un poderoso mago llamado Clow Reed y que habían sido selladas hace muchos años. Con ayuda de Kero, el guardian protector de las cartas Clow, y su amiga Tomoyo, Sakura comienza a recolectar las cartas mientras se desatan poco a poco en su ciudad. En su aventura conoce a Syaoran Li, un niño chino que llega de intercambio para recolectar las cartas Clow ya que es descendente del mago; aunque al principio se comporta como un rival pues tiene la misma meta de Sakura, con el tiempo se desarrolla una amistad entre ellos, convirtiéndose en un romance. Así también, la historia se mezcla con la familia de Sakura, sus amigos, profesores y demás personas que viven en la ciudad.

Esta es una serie enfocada a una audiencia relativamente joven, con un discurso aclarativo constante, recordándonos aspectos de la historia, de los personajes, los cambios en su vida y el lugar dónde se encuentran. Desde un punto de vista crítico, las aclaraciones llegan a ser innecesarias en algunas ocasiones, pero reconociendo que la serie está dirigida para niños y niñas menores de 10 años, tiene sentido que a veces quiera recordarnos por qué están ocurriendo ciertas situaciones. Ahora... para ser de ese tipo de audiencia, hay subtramas, relaciones e incluso temáticas que se sienten como pensamientos muy modernos para la época y el lugar donde surge esta serie. 

Han existido múltiples críticas hacia el anime, sobretodo en las características principales de la protagonista Sakura, al punto de eliminar ciertos aspectos de la historia cuando esta fue presentada a la audiencia occidental. La serie comenzó como un manga y fue adaptada en una serie de televisión de anime de 70 episodios por Madhouse, transmitida en Japón desde 1998 hasta 2000. Durante este período, la animación japonesa estaba comenzando a entrar en el mercado estadounidense y la serie de aventuras dirigida a los niños era más popular.

En lugar de ajustarse al estereotipo en muchos espectáculos contemporáneos que requieren que las heroínas adopten rasgos masculinos para lograr sus objetivos, Sakura mantiene una personalidad convencionalmente femenina. Su poder proviene del amor y la pureza de corazón, complementado siempre por los atuendos llamativos que le realiza su amiga Tomoyo. Aunque muchos de los vestuarios podrían caer en el exhibicionismo, si se comparan a los típicos trajes de superhéroes y superheroínas que existen hoy en día, estos tienen un mensaje más cercano a la seguridad y cualidad del personaje de Sakura, siempre recordando que, al final del día, sigue siendo una niña de 4to grado. Así mismo, al llegar al doblaje inglés, las cortesías de los personajes fueron eliminadas para darles un lenguaje más plano y similar al occidental, algo que también hace un choque de culturas por cómo actúan y son los japoneses.

El anime también explora las complejidades del amor, tanto platónico como romántico, algo que, para aquel entonces, no era tan común en las series para jóvenes. Sakura tuvo un amor platónico durante toda la serie por Yukito, el mejor amigo de su hermano Toya; más adelante en la segunda temporada, cuando ella le revela sus sentimientos hacia él, se da cuenta de que este amor que siente es más un amor paternal. Sin embargo, en el caso de Syaoran, el amor que Sakura siente hacia él no se desarrolla verdaderamente a lo romántico hasta el último episodio de la 2da temporada y la secuela de Clear Cards, dejando que su relación fuese más de amistad y cariño relativamente infantil para las edades de los personajes. 

El tema del amor platónico y romanticismo se amplia cuando toca áreas "inimaginables" para ese momento, como las relaciones profesor-estudiante (como es el caso de Toya y Miss Mitzuki), el bromance (Toya y Yukito), el matrimonio en la adolescencia (como es el caso de los padres de Sakura, sobretodo resaltando las diferencias de edades y otra vez relación de profesor-estudiante), y los enamoramientos entre amigos (como Tomoyo hacia Sakura, que aunque no cayese en el romanticismo, siempre resaltaba el amor fraternal que sentía hacia su amiga). Así mismo, se tocan las atracciones hacia el mismo sexo, la pansexualidad y los romances triangulares, que en las producciones manga no es algo sorprendente, pero para la comunidad asiática es aún parte de los "temas delicados".

De modo que, a pesar del discurso aclaratorio del anime, Sakura Cardcaptor siempre estuvo moderno para la época. Estaba abierto a temas diferentes y considerados complicados, lo cual para algún niño o niña que lo veía en el inicio de los 2000, quizás no tenía el mismo significado, pero le permitían reconocer la diversificación de las relaciones interpersonales y amorosas, así como la apreciación hacia las familias distintas (sin el considerado típico nucleo familiar). 

Sakura abre los ojos a un universo emocional distinto. Ser testigo una vez más del anime me recordó momentos de mi niñez que pensé nunca podría volver a experimentar. Me hizo volver a valorar las historias que, aún teniendo fantasía de por medio, se sienten reales, vivas y cercanas a mi corazón. Es increíble cómo uno puede seguir disfrutando los recuerdos animados de nuestra infancia.

P.s.: ¿sabían de la secuela de Clear Cards? ¿Cómo es posible que me acabo de enterar?


jueves, 9 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: Hamilton

La versión filmada del exitoso musical "Hamilton" combina lo mejor del teatro en vivo y de la cinematografía en una asombrosa mezcla de hiphop, jazz, R&B y comedia musical. Este relato sobre Alexander Hamilton, uno de los padres fundadores de Estados Unidos, constituye un momento revolucionario en el teatro y narra la historia desde una perspectiva actual.




Broadway cerrado hasta el 2021 + la película de Hamilton no será lanzada hasta el 2021 = Disney+ estrena la obra musical de Hamilton en su canal. 

Es verdad que el escenario y la película son dos medios diferentes, y el Hamilton en Disney+ es una versión filmada de un espectáculo. Siempre estará limitado por cómo se hace un espectáculo. Una película tiene diferentes localizaciones, efectos visuales y edición. Una versión filmada de una obra teatral siempre será un extraño híbrido entre dos medios, y es un testimonio del trabajo del director Thomas Kail. Ninguna obra filmada podría ser un sustituto adecuado para una presentación en vivo, pero como alguien que ha visto a Hamilton en teatro, la película de Kail acerca al público a la misma emoción y maravilla creada por el galardonado premio del musical, el genio Lin-Manuel Miranda.

Grabado en el Richards Rodgers Theatre en la ciudad de Nueva York en junio de 2016, Hamilton captura todo el musical de principio a fin con el adherido de una breve introducción de Miranda y Kail sobre por qué decidieron hacer la película y lanzarla ahora. La historia sigue la vida del padre fundador Alexander Hamilton (Miranda) desde su llegada a la ciudad de Nueva York a trabajar durante la Guerra Revolucionaria, su matrimonio con la socialité Eliza Schuyler (Phillipa Soo) , su servicio bajo George Washington (Christopher Jackson), su tiempo contencioso en el gobierno contra Thomas Jefferson (Daveed Diggs) y James Madison (Okieriete Onaodowan), y a pesar de todo, su enemigo eterno y el hombre que lo mataría, Aaron Burr (Leslie Odom Jr.).

Ver a Hamilton es una sensación única. La belleza del musical y la historia escrita por Miranda le da tanta vida, complementado con todo lo que logra que las representaciones teatrales sean tan inmediatas y cercanas. Podemos ver los matices de las actuaciones de los actores. Podemos ver la hermosa coreografía. La iluminación está impecablemente trabajada. Todo se combina cuando te das cuenta de que no solo son el libreto, la lírica y la música los sobresalientes de la trama, lo que hizo que Hamilton fuera una sensación o incluso que eligiera actores de color para interpretar personajes históricos blancos. Todo se unió para hacer de esta una obra maestra y uno de los mejores musicales del siglo XXI, sin distinción de raza, forma u origen.

Antes de ver a Hamilton en Los Angeles en 2018, estaba obsesionada con su música. Pero, a pesar de que la banda sonora compone el 98% del guión narrativo, escuchar la composición es solo la mitad de la imagen. Ver el espectáculo llena el resto, y la pregunta para la película es ¿qué tan cerca te lleva de estar en el teatro? En el teatro, estás en una posición fija y Kail usa numerosos ángulos de cámara y ediciones para hacer esta versión más cinematográfica. Pero en el teatro, también tienes la electricidad de la multitud, y puedes sentir a un artista alimentándose de la energía de la audiencia. Las películas son diferentes a las producciones teatrales, pero Kail nos acerca sorprendentemente a estar en el Teatro Richard Rodgers.

Hamilton no se siente pequeño en una pantalla. Kail hace un buen uso de sus primeros planos -incluso si esto significa ver la saliva del Rey Jorge de Jonathan Groff-, y sabe cómo transmitir los ingeniosos chistes visuales del musical. Para cualquiera cuya experiencia con Hamilton provenga únicamente de escuchar el playlist en Spotify, sentirá que la versión filmada es un despertar. Está a unos pocos pasos de lo que realmente desea, estar en la habitación, pero no se puede descartar simplemente porque no es la experiencia ideal. 

En un entorno tan politizado con una nueva versión no convencional del material, tal vez se piense que Hamilton nos cautivó a todos en su momento de origen en el 2016 y ahora esa pasión se ha enfriado. Pero Miranda hace que perdure y pueda usar la historia de Hamilton para llegar a temas más grandes de legado y valores en el contexto del experimento estadounidense, e incluso cuando se ha visto que los principios de Estados Unidos fueron increíblemente degradados en los últimos cuatro años, la calidad aspiracional del trabajo de Miranda nos recuerda el pensar y los sentimientos con que se crearon este país: una tierra de inmigrantes. Quizás los cínicos lo descartarán como si fuera un relajo o como si realmente no presentara suficiente veracidad, pero la electricidad de "Wait for It" y el rompecorazones de "It's Quiet Uptown" nos da esos aspectos tridimensionales de sus personajes. Este es un espectáculo especial, y me alegra que más personas tengan la oportunidad de verlo.

Hamilton es, y siempre ha sido, un espacio sorprendentemente cinematográfico. Kail y Miranda juegan con el tiempo, ralentizando las cosas, creando la apariencia de efectos especiales como una bala que se ralentiza, como cuando Angélica (Renee Elise Goldsberry) reproduciendo una escena desde su perspectiva en lugar de la de su hermana. Estos son elementos que podrían traducirse a una película real, y lo será muy pronto. Pero por lo que tenemos ahora, un espectáculo en el escenario capturado como una película, tenemos una aproximación impresionante de la experiencia de ver el teatro.


viernes, 3 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: Nobody Knows I'm Here

Memo fue una estrella de pop adolescente en los años 90. Más de 15 años de reclusión en una isla del sur de Chile lo han transformado en un hermitaño y en un momento determinado su vida se verá sacudida por la llegada de inesperados visitantes.



"Nobody Knows I'm Here", producido por Larraín, es el pequeño y extraño debut de Gaspar Antillo, que trata sobre un hombre a quien le pasaron su talento musical y se lo dieron a otro por su imagen. Él es Memo, un hermitaño que oculta su talento secreto en una isla de Chile, interpretado con tremenda gracia de Jorge García. Muy conocido como Hurley de "Lost", García se electrifica silenciosamente en un papel que se siente como una ruptura; su alma simpática es la que ofrece los armónicos más resonantes.

Cuando era niño, Memo (Lukas Vergara), administrado por su rapaz padre (Alexander Goic), parecía estar en la cúspide del éxito del canto pop cuando un productor sugirió grabar su voz y colocársela a la imagen de Angelo, un chico más "atractivo". La canción, "Nobody Knows I'm Here" se convierte en un éxito y hace de Angelo una estrella. Pero esto convirtió a Memo en una sombra de su voz, y debido a circunstancias de lo que ocurrió en el pasado, en el presente evita que lo vean avergonzado de su imagen.

Años después, Memo se ha retirado lo más lejos posible del mundo, retirándose a una granja de ovejas aislada en el enorme y apacible lago Llanquihe de Chile, que es propiedad de su tío terco (Luis Gnecco). Y aún más, se ha retirado a su propio cuerpo voluminoso, su peso casi palpable para significar una armadura adicional contra un mundo insensible. Angelo (Gastón Pauls), mientras tanto, ha convertido su estrellato temprano en una carrera de celebridades que Memo monitorea celosamente desde el margen de las revistas, los videos y sus libros de autosuperación.

Seguir la carrera de Angelo es solo una de las compulsiones secretas de Memo. También irrumpe en casas de verano de extraños cuando no están en casa, solo para mirar a su alrededor, y pasa sus tardes agachado en su máquina de coser, clavando lentejuelas y lurex y telas metálicas en una especie de abrigo de colores Technicolor. Solo en el bosque, Memo despliega su traje deslumbrante, se pone los auriculares Walkman anticuados y cierra los ojos, dando rienda suelta a una fantasía lejos de su realidad de camisa gris y cielo sucio.

La historia real de la película, entonces, no se aleja demasiado de la plantilla indie de conexión de búsqueda de inadaptados solitarios; de hecho, esas credenciales se refuerzan significativamente con la llegada de la extravagante Marta (Millaray Lobos), una amigable estilista de moda con un flequillo contundente y la sonrisa amplia, que tiene un interés poco probable en Memo, pero que responde con alarma a partes iguales y tímida atracción.

Gran parte del estado de ánimo de la película se debe al maravilloso trabajo de cámara de Sergio Armstrong, que ocupa sus planos de un centro iluminado habitual y sugiere una malevolencia montañosa que acecha en algún lugar cercano, merodeando por los misteriosos bosques, flotando implacablemente sobre aguas de color gris acero o enmarcando a Memo, vestido con un impermeable amarillo como el niño condenado en un libro de Stephen King, contra el rugido borroso de una cascada. 

La composición musical de Carlos Cabezas Rocuant, también se inclinan hacia lo misterioso, a pesar de que no hay un gran misterio aquí, excepto quizás el misterio de por qué todo esto es tan misterioso. Las secuencias surrealistas que pueden o no estar sucediendo realmente también nos dan algunas imágenes sorprendentes, como una toma aérea inexplicablemente hermosa (pero surrealista) de Memo vomitando un líquido viscoso. Y las floraciones ocasionales, como un corte entre un disparo de dron alto y un dron real que cae inesperadamente frente a Memo, tienen un ingenio bienvenido. 

Estos impulsos opuestos, dulces y siniestros, a veces amenazan con romper la película, pero la actuación de García siempre une las dos mitades. De hecho, su Memo es un personaje tan vívido, con una vida interior tan claramente enunciada (a pesar de tener un total de quizás 20 palabras de diálogo), que podemos imaginar de manera plausible que el sombrío elenco de la realidad de la película es simplemente la proyección de cómo ve el mundo exterior tan hostil y mal intencionado. Ciertamente, aquí es donde se desvía del trabajo temprano de Larraín, pues tiene alguna dimensión alegórica particular. En cambio, la atmósfera sombría es una intrigante operación de bandera falsa. 

El mayor logro de esta película es su historia tan emocionalmente compleja. Explora la clara verdad detrás de las consecuencias de los traumas psicológicos de la niñez, y cómo estos afectan el comportamiento adulto. "Nobody Knows I'm Here", es una primera película envolvente y lograda con un giro central brillante. Te mantiene atento, te ata a la historia y te obliga a empatizar con un personaje que claramente se ve rechazado por el mundo, por el simple hecho de su imagen.


jueves, 2 de julio de 2020

Crítica Cinéfila: El Despertar de las Hormigas

Isa es modista y vive con su familia en un pequeño pueblo de Costa Rica. Su esposo Alcides desea que tengan un tercer hijo: un varón. Isa, sin embargo, no quiere otro embarazo. Sin embargo, cuando se da cuenta de que Alcides no parece estar escuchando y persiste con su deseo de tener un tercer hijo, se da cuenta de que algo debe cambiar.



Todos los hombres tienen cierto grado de machismo. Crecen así, y así mismo hay muchas mujeres que crecen entendiendo que es normal. Isa tiene un esposo que siempre espera que lo atiendan. "Dame agua"; "¿dónde está mi desayuno?", "pásame el cuchillo". Y ella lo complace. Atiende a las niñas y procura guardar la casa limpia para cuando él llegue. Le escucha sus planes, aunque estuviese contando algo y haya sido descortésmente interrumpida. Lo acompaña a todas sus actividades familiares, aunque no se lleve bien con su madre. Es la típica esposa que lo hace sin que le pese porque es "lo normal". 

Isa es una mujer humilde. Es modista y ama de casa a la vez. Sin pensarlo dos veces, coloca el dinero de sus ganancias en una pequeña alcancía que su esposo Alcides y ella comparten para dividirse los gastos de la casa, pero más bien pareciera para que su esposo le administrara de manera indirecta lo que ella gana, solo preguntando cómo van los pagos de sus entregas. A pesar de todo esto, ama su familia sobre todas las cosas. Todo cambia en el momento que Alcides pide un cambio. Y el favorito de los que no tienen que cargar con el peso de un embarazo: otro hijo. 

Y mientras él se esfuerza por lograr su cometido, ella se esfuerza por todo lo contrario. Ahí comienzan las alucinaciones y el ataque de unas hormigas que más bien parece la conciencia de Isa carcomiéndosela por la mentira que le oculta a su esposo, hasta el punto en que explota y solo sabe salir huyendo.

Daniela Valenciano es una actriz bien talentosa que hace su debut en la pantalla grande en compañía de Antonella Sudasassi con su opera prima "El Despertar de las Hormigas", un drama costarricense que se adentra en los detalles del micromachismo y cómo este puede romperse con algo tan sencillo como contar lo que no nos gusta del otro. Ese miedo constante a dar la opinión personal ha sido el mayor de los temores de muchas mujeres, no únicamente para evitar la promoción de la violencia de género, pero en su mayoría por el rechazo a desencantar a otra persona, sin importar los años de relación que tengan. 

Aquí Valenciano usa sus silencios para reflejar la realidad social que acosa a otras. Es expresiva a través de sus miradas y quasi-expresiones que nunca se concretan por ser interrumpidas a mitad. Se envuelve en los detalles con sus suspiros y le da tanta naturalidad a sus disgustos. Por eso quizás se crea tanta empatía con sus situaciones y se apoya las decisiones aunque afecten otra causa. Pero esa debilidad de callarse sus inquietudes es lo que genera el conflicto más interesante de toda la historia, y cómo envuelve otros personajes en este problema, aunque sea "pleitos de marido y mujer", es lo que aterriza esta película en comparaciones con realidades que se escuchan a diario.

Por su parte, la cinematografía y la mezcla de sonido se envuelven en esa naturalidad y se dejan llevar por el realismo del tema. Con mucha sencillez y sin la necesidad de grandes inversiones en equipos, solamente es un elemento más para continuar plasmando el mensaje de la trama, pero sin mucha necesidad de caer en el tecnicismos de películas machistas modernas, como The Invisible Man o North Country, y cada aspecto de este se siente natural, desde las caminatas acompañando a Isa, hasta los colores de cada escena.Visualmente, se hace mucho uso irónico de la brillante luz costarricense y las sombras fuertes que podrían sugerir un tipo de película más soleada. Pero otro tropo es el de las bombillas parpadeantes que continuamente amenazan con desaparecer, casi sirviendo de metáfora a la situación familiar que vive Isa con su familia. 

Pero no es su familia la que hace que Isabel se sienta miserable, es la idea de la familia misma. Alcides, el marido irreflexivo de Isa, no es un villano, y se muestra que es tan víctima de conceptos culturales latinos pasados ​​de moda como lo es Isabel, excepto, por supuesto, que está en el lado aventajoso.

Los niños son maravillosos en su naturalidad, y en sus escenas "El Despertar de las Hormigas" logra el humor y la calidez de un buen drama. En el corazón de la película, Valenciano es excelente en un papel que la invita a comunicar un mundo de miseria interior frustrada, sin expresarlo en voz alta. Para cuando llegue la escena familiar final maravillosamente discreta y potente, la expresión inicialmente desconcertada de Isa podría haber dado paso a algo más seguro, pero aún existe la sensación de que al desear su libertad, está haciendo algo mal. Ella termina la película como la comenzó, como una mujer al borde de un ataque de nervios.


Temporada de Premios: Ganadores a los Premios Platino 2020


El cine y la televisión iberoamericana han celebrado una vez más la entrega de los Premios Platino 2020. Aunque no se celebró en el Teatro Gran Tlachco de Xcaret como estaba previsto, la era digital ha sido el responsable de darnos la oportunidad de vivirlo por otro año más hasta que todo se regule. Las producciones españolas Dolor y Gloria, de Pedro Almodóvar, y la serie La Casa de Papel han sido las galardonadas arrasadoras de la edición con hasta nueve estatuillas, anunciadas a través de YouTube por el actor Omar Chaparro y la actriz y cantante Májida Issa.

El filme de Almodóvar continúa siendo premiado con otros seis galardones, entre ellos el de mejor película, mejor dirección y mejor actor para su protagonista Antonio Banderas, un reconocimiento que se suma al Platino de Honor que concedieron en 2015 al malagueño. Por su parte, los ladrones más famosos de la ficción española, se llevaron el premio a mejor teleserie, mejor interpretación masculina para Álvaro Morte, como El profesor, y mejor interpretación femenina de reparto para Alba Flores, en el papel de la queridísima Nairobi.


Mejor película iberoamericana de ficción:
Dolor y Gloria

Mejor dirección:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación masculina:
Antonio Banderas, por Dolor y Gloria

Mejor interpretación femenina:
Carol Duarte, por A Vida Invisível

Mejor música original:
Alberto Iglesias, por Dolor y Gloria

Mejor película de animación:
Buñuel en el Laberinto de las Tortugas

Mejor película documental:
Democracia em vertigem

Mejor guión:
Pedro Almodovar, por Dolor y Gloria

Mejor ópera prima de ficción iberoamericana:
La Camarista

Mejor dirección de montaje:
Teresa Font, por Dolor y Gloria

Mejor dirección de arte:
Juan Pedro de Gaspar, por Mientras dure la guerra

Mejor dirección de fotografía:
Jasper Wolf, por Monos

Mejor dirección de sonido:
Lena Esquenazi, por Monos

Premio Platino al cine y educación en valores:
El Despertar de las Hormigas

Mejor miniserie o teleserie cinematográfica iberoamericana:
La casa de Papel

Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie:
Álvaro Morte, por La casa de Papel

Mejor interpretación femenina en miniserie o teleserie:
Cecilia Suárez, por La casa de las Flores

Mejor interpretación masculina de reparto en miniserie o teleserie:
Gerardo Romano, por El marginal III

Mejor interpretación femenina de reparto en miniserie o teleserie:
Alba Flores, por La casa de Papel