Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Sirens

Devon sospecha que su hermana Simone tiene una relación muy extraña con su nueva jefa, la enigmática socialité Michaela Kell. La lujosa vida de Michaela es como una droga para Simone. Devon decide que es hora de intervenir, pero no sabe que Michaela es una oponente a la que temer.

“Sirens” es una serie peculiar, una mezcla interesante de ideas pretenciosas, drama familiar y lo que podría llamarse una oscura farsa. Ambientada durante el fin de semana del Día del Trabajo en una isla de Cape Cod habitada por gente adinerada con gustos inclinados hacia los colores pastel y los estampados florales, la serie está protagonizada por Julianne Moore como Michaela, una antigua abogada influyente que ha renunciado a su puesto por casarse con el multimillonario Peter (Kevin Bacon) y dedicarse a rescatar aves rapaces. La reina de todo lo que ve, habla con adagios melancólicos, posa para Vanity Fair y organiza una gala benéfica, entre otros entretenimientos.

Mientras tanto, en Buffalo, conocemos a Devon (Meghann Fahy), un desastre de clase trabajadora, que hace su entrada por la puerta de una estación de policía, con un vestido negro corto y luciendo descuidada. Luchando por cuidar de su padre Bruce (Bill Camp), diagnosticado con demencia, va en busca de su hermana, Simone (Milly Alcock), que ha estado trabajando como asistente personal de Michaela. Después de viajar 17 horas, cargando, por razones de comedia, el arreglo comestible gigante que Simone ha enviado en lugar de una respuesta real a su llamado de ayuda, todavía con su ropa de la noche en la cárcel, Devon descubrirá que su hermana se ha transformado: se ha quitado los tatuajes a juego que se hicieron juntas, se operó la nariz y se presenta como algo así como la versión Disney de Alicia del "País de las Maravillas". Los fanáticos de Ingmar Bergman notarán la cuna que se suponía debía ser notada de "Persona", lo que subraya la observación de Devon de que Simone se pierde en otras personas.

Simone, por su parte, está encantada de poder llamar a Michaela "Kiki", "lo cual es un honor muy especial", y fielmente amplifica las peticiones volubles de Michaela al personal, personificado por José (Félix Solís), que la odia y quien lidera un grupo de mensajes entre los demás empleados para bromear sobre ella. A pesar de su lealtad a Michaela y de considerarla su mejor amiga, ha estado ocultando sus orígenes obreros y el hecho de que se ha acostado con Ethan (Glenn Howerton), el también rico amigo y vecino de Peter.

Aunque a Michaela le preocupa que tenga una aventura, Peter, por su parte, da la impresión de ser un buen tipo, para ser un multimillonario de fondos de cobertura. Es amigo de sus empleados, que trabajan para él desde antes de casarse con Michaela (hay una primera esposa e hijos adultos fuera del escenario), sabe cocinar y se esconde de la gente de color pastel en la torre de la mansión, donde toca la guitarra y fuma un poco de marihuana. Pero hay margen para las sorpresas.

«Sirenas» es el código especial que comparten las hermanas para «SOS», lo cual parece menos práctico que, ya saben, SOS, pero enlaza con las vagas referencias mitológicas griegas con las que se ha adornado la serie —más sugerentes que sustanciales. El sistema Siri de la casa se llama Zeus. Un episodio se titula «Perséfone», en honor a la diosa de los muertos y reina del inframundo; Simone, en efecto, le dice a Michaela: «Eres literalmente una diosa» —y se viste como tal, con vestidos ligeros y vaporoso.

Fue el dulce canto de las sirenas, por supuesto, lo que atrajo a los marineros a la muerte en los antiguos cuentos, y en un momento dado, Michaela contempla el océano y reflexiona sobre los barcos balleneros que se estrellan sangrientamente contra las rocas. De hecho, hay un marinero en la serie, Jordan (Trevor Salter), capitán del yate de Ethan, a quien Devon recoge en el bar de un hotel, pero es quizás el personaje menos propenso a chocar con algo. Michaela está acompañada por un trío de mujeres (Jenn Lyon como Cloe, Erin Neufer como Lisa y Emily Borromeo como Astrid) que, como sugiere el nombre de las criaturas, hablan en armonía y actúan como una sola, pero son más la encarnación de una idea, una broma informal, que participantes activas en la historia. La banda sonora de Michael Abels presenta un coro de voces femeninas y opta por algo que uno bien podría identificar como música griega antigua, incluso sin tener idea de cómo sonaba la música griega antigua.

El núcleo de la serie es la lucha entre Devon y Michaela por el alma de Simone, aunque hay batallas secundarias que ayudarán a decidir el destino de la guerra. Para un espectador, es natural ponerse del lado de Devon, quien, tras un encontronazo con Michaela, se infiltrará en la mansión, vistiéndose según las reglas de la casa mientras ella husmea. Por muy caótica que sea, no es pretenciosa; tiene energía, audacia y constancia, y vive en el mundo que la mayoría de nosotros - lo digo porque supongo que no eres un multimillonario con una mansión en un acantilado, una pajarera llena de aves rapaces y un gran equipo para atender tus necesidades y caprichos, pero si lo eres, ¡gracias por leer!). Eso no quiere decir que Michaela no tenga sus problemas; de hecho, su necesidad, que se expresa en su cuidado, se asemeja a la de Devon. “Me encargo de todo lo que hay en mi orbe”, dice Michaela, “grandes y pequeños, presas y depredadores”.

Con "solo" cinco episodios, se mantiene más centrada que la mayoría de las miniseries, aunque el tono cambia un poco; algunos personajes parecen más profundos y complejos, lo cual es bueno a primera vista, pero también puede resultar un poco artificial. Algunos detalles se plantean simplemente para dar frutos prácticos más adelante. El final me pareció regular: satisfactorio y frustrante a la vez, según el personaje, pero hay actuaciones excelentes y comprometidas a lo largo del camino, y entretiene con creces.

Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 2da temporada

Han pasado cinco años y Joel y Ellie viven una vida idílica en una ciudad de supervivientes en Wyoming. Sin embargo, un día la tranquilidad del lugar se ve amenazada por un evento violento inesperado.

En 2020, la devastadora secuela del videojuego, "The Last of Us Part II", se estrenó en el mundo, construyendo con audacia una historia entrañable y destrozándola. Lo hizo añadiendo una brutal capa de tragedia a un mundo postapocalíptico ya de por sí plagado de pérdidas abrumadoras, sumergiendo a sus personajes en un futuro moralmente tenso donde todo lo que aman queda destruido. Es uno de los mejores —y más sombríos— juegos modernos jamás creados, ya que, a pesar de su acción atrapante, enfrenta el aterrador potencial de que la mayor amenaza para la humanidad es ella misma.

La segunda temporada de “The Last of Us” adapta esa premisa de una forma televisiva singularmente evocadora, ya que su creador, Craig Mazin, la mente detrás de la excepcional miniserie “Chernobyl”, venera el material original, a la vez que se desvía críticamente de él en aspectos clave. Es una adaptación fiel pero reflexiva, que crea nuevos momentos para los personajes que no solo dan al excelente dúo de Pedro Pascal y Bella Ramsey momentos adicionales para brillar, sino que también complican algunas de las preguntas que plantea el juego.

Trabajando de nuevo con Neil Druckmann, el creador de los juegos, Mazin se interesa no solo por esta problemática que afecta a los personajes, sino también por las pequeñas complejidades de sus vidas y lo que sucede cuando se ven consumidos por la violencia. La serie de HBO es una experiencia a menudo implacablemente negativa, pero que captura la humanidad con toda su belleza y crueldad. Al modificar partes significativas de la narrativa para añadir un contexto muy necesario, "The Last of Us" suaviza algunos de los golpes agonizantes mientras retuerce el cuchillo para otros, emocionalmente más complejos.

Esto se percibe con claridad en los primeros momentos de la segunda temporada, tras la mentira de Joel (Pascal) a Ellie (Ramsey) sobre lo que realmente sucedió con los Fireflies en Salt Lake City. Su engaño bien podría haber marcado un final apropiado para esta saga, pero al rastrear las repercusiones a partir de este momento es donde la tragedia se profundiza. La primera repercusión clave es la presentación de Abby, interpretada con frágil aplomo por la recién llegada a la serie, Kaitlyn Dever, cuya triste historia se entrelazará inevitablemente con la de Ellie.

Aunque Dever es mucho más baja en estatura en comparación con el musculoso personaje del juego, es en sus ojos donde presenciamos la agonía que se transforma en ira. Que ella y Ellie, cada una un reflejo agrietado de la otra, parezcan más jóvenes que las versiones del juego solo hace que el peso que cargan sea aún más doloroso. Con el paso de los años y a medida que Ellie forja nuevas relaciones, en concreto con la encantadora Dina (Isabel Merced), también descubre que tiene mucho que perder al partir hacia Seattle tras una inmensa pérdida.

Es mejor dejar el contexto de esto en manos de la serie, pero para quienes conocen la historia, aquí es donde la serie se toma su tiempo después. Mientras que el juego era más preciso y ágil al guiarnos a través de misiones de venganza entrelazadas, la serie dedica casi un episodio entero a cuestionar los fundamentos ideológicos del viaje que nos espera. Una reunión comunitaria completa, uno de los varios momentos en los que sentimos la sensibilidad humanista de Mazin, propia de "Chernóbil", interviniendo en la historia, es algo completamente nuevo y notable por cómo la gente habla de la violencia. No cambia la trayectoria que Ellie está empeñada en seguir, pero amplía el alcance de la historia de una manera pequeña pero crucial.

“The Last of Us” se da un respiro fuera de la acción, permitiendo conversaciones más largas entre los personajes, tan divertidas como desgarradoras. Si bien hay una secuencia inicial magníficamente escenificada y filmada que captura la fragilidad del mundo, lo que más importa son las razones por las que llegamos a las peleas.

Desde el momento en que llegamos a Seattle, la serie encuentra formas fascinantes de explorar las facciones que se han establecido allí con la reintroducción del siempre genial Jeffrey Wright, quien retoma su papel del juego como el amenazante líder Isaac. Es decepcionante que la serie no se haya rodado en la ciudad, ya que algunos intentos fallidos de recrearla resultan notablemente erróneos, pero la experiencia en general sigue siendo demoledora. Mientras que el juego trata sobre enfrentarse a hordas de enemigos en la ciudad, Ellie y Dina se abren paso a través de una Seattle silenciosa y desolada con una atmósfera melancólica. Su química, más juguetona, coqueta y compasiva, impregna los episodios de una carga sombría, ya que cada día que pasan allí no solo es una amenaza para sus vidas, sino para sus almas. En cada escena alegre, como cuando se refugian juntas brevemente en una tienda de música —con Ramsey ofreciendo una humilde y desgarradora interpretación musical, genuinamente emotiva—, existe la inevitable sensación de que no saldrán ilesas de Seattle.

Y aun así se quedan, y la serie se toma su tiempo para vislumbrar la crueldad que ha llegado a definir la ciudad, a medida que nuevos flashbacks muestran a Ellie dándose cuenta de que Joel es una persona más imperfecta de lo que pensaba. Se trata entonces de que ella no sabe qué más hacer con toda esta información. No hay un episodio como el destacado de la primera temporada donde vimos a Bill y Frank construyendo amorosamente una vida juntos en el fin del mundo, pero hay un compromiso general de encontrar estos remanentes de humanidad en medio de los horrores. Ya sea con Dina y Ellie descubriendo cómo es que se cuidan mutuamente cuando la muerte las persigue a cada paso, o cuando vemos cómo los de Seattle han llegado al punto de matarse entre sí, es profundamente humano.

Al igual que el juego, la segunda temporada de "The Last of Us" está bien construida y es una experiencia cautivadora, aunque el mayor impacto reside en los ciclos de violencia que se siguen desarrollando. En momentos como cuando Ellie contempla Seattle mientras los disparos resuenan y las explosiones la consumen en llamas, es al ver el miedo en sus ojos al girarse para estrecharle la mano a Dina donde sentimos todo lo que tienen por perder.

Crítica Cinéfila: Final Destination: Bloodlines

Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.

Toda una generación fue traumatizada con esta franquicia, y ahora le toca conquistar a un nuevo grupo con la sexta entrega de la venerable saga de películas de terror que nació, o mejor dicho, nos manipuló, hace un cuarto de siglo. Llegando 14 años después de la última entrega —una eternidad para los estándares de la franquicia—, "Destino Final: Linajes de Sangre" ofrece a su público justo lo que espera: una serie de fatalidades diabólicas, ingeniosamente diseñadas y al estilo de Rube Goldberg, tan realistas que te encontrarás cruzando la calle con mucho cuidado al salir del cine.

El hecho de que la propia muerte sea la protagonista, y no un maníaco homicida enmascarado, es lo que da a estas películas su encanto morboso. Es improbable que la mayoría de nosotros nos crucemos en el camino de un asesino en serie. Pero es muy fácil imaginarse resbalándose en la ducha o siendo atropellado por un autobús. Las películas de Destino Final simplemente magnifican estas ansiedades comunes y las elevan al máximo, dejándote hecho un manojo de nervios en el proceso.

Dos directores, Adam Stein y Zach Lipovsky, dirigen con elegancia esta entrega, que presenta una secuencia inicial magníficamente coreografiada que posiblemente sea la mejor de la serie. La trama se ambienta en 1969, cuando una joven pareja, Iris (Brec Bassinger) y Paul (Max Lloyd-Jones), llega a cenar a un restaurante ubicado en lo alto de una torre en su día de apertura. Es claro anticipar que las cosas empiezan a ir terriblemente mal en una serie de desastrosos sucesos que resultan en la muerte de hordas de clientes de las formas más espantosas. Basta decir que nunca volverás a escuchar "Raindrops Keep Falling on My Head" de la misma manera. Los aficionados a la serie adivinarán rápidamente que todo fue en realidad una premonición de Iris que salvó decenas de vidas. Años después, su nieta Stefani (Kaitlyn Santa Juana) sufre pesadillas recurrentes sobre los mismos sucesos, aunque desconoce la conexión personal.

Tras indagar un poco en la historia de su familia, Stefani visita a su abuela Iris (Gabrielle Rose), ahora anciana, quien vive recluida en una cabaña fortificada en lo profundo del bosque. Iris explica que, al salvar la vida de todos en la torre, engañó a la muerte, quien desde entonces se ha dedicado a rectificar el error asesinando sistemáticamente no solo a los supervivientes, sino también a sus descendientes (que de otro modo no habrían nacido). Esto incluye a Stefani y a su familia, a quienes intenta advertir y proteger. No es ningún spoiler revelar que sus esfuerzos son prácticamente en vano.

No es si las víctimas morirán, sino cómo morirán, lo que da jugo a estas películas, y "Final Destination: Bloodlines" no decepciona. Se atasca en una trama tediosa que gira en torno a dinámicas familiares disfuncionales que te hace impaciente por que las muertes comiencen a llegar. Pero una vez que lo hacen, la diversión espeluznante se reanuda. Las escenas sangrientas, que involucran cosas como una cortadora de césped, un camión de basura y, lo más espectacular, una máquina de resonancia magnética, están tan inteligentemente orquestadas que el público estará aplaudiendo de la emoción con cada una como si fueran números de canto y baile. La combinación de CGI y efectos prácticos funciona a la perfección, y las secuencias están editadas sádicamente para máxima tensión, que afortunadamente se alivia con frecuentes dosis de humor mordaz.

Santa Juana es una heroína atractiva y valiente, y Richard Harmon tiene momentos muy divertidos como uno de los primos sarcásticos de Stefani. Pero el punto álgido de la actuación lo aporta el difunto Tony Todd, un pilar de la serie que hace su última aparición en pantalla en su emblemático papel como el misterioso William Bludworth. El actor, a quien está dedicada la película, regresa para una breve escena, luciendo muy frágil y visiblemente enfermo. Pero aun así, es imponente, recordándonos conmovedoramente que en la vida real, como en estas películas, la muerte llega para todos.     

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.

Crítica Cinéfila: Bad Boy

Un cómico relata ante su publico cómo, gracias a su humor, consiguió sobrevivir en un durísimo reformatorio.

En una de las primeras escenas de Bad Boy, una galardonada serie dramática israelí que acaba de llegar a Netflix, Tamara Scheinman abre la puerta de su casa y encuentra el pasillo de su edificio lleno de policías. Aún no ha amanecido, pero ya han conseguido una orden para registrar la casa de la agobiada madre soltera y arrestar al mayor de sus dos hijos, Dean (Guy Manster). "Les pedí que no vinieran", insiste Tamara (Neta Plotnik) a la trabajadora social que acompaña a los policías. "Llamé porque me asusté". A pesar de sus protestas, y de la negativa de él a vestirse, arrastran al niño fuera de la cama y lo meten en un coche patrulla, donde viaja a la comisaría en ropa interior. 

Para los aproximadamente 130 millones de espectadores que, según Netflix, han convertido a Adolescence en la tercera serie en inglés más vista de todos los tiempos de la plataforma , la escena seguramente les resultará familiar. Esa miniserie comienza con una situación notablemente similar: la policía, la familia conmocionada, el silencio de la madrugada, el joven sospechoso despertado de su cama. A los 13 años, Dean tiene incluso la misma edad que el asesino de la escuela secundaria de "Adolescence". Lo que no quiere decir que "Bad Boy" sea una copia; de hecho, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2023 antes de emitirse en Israel el siguiente año. Pero Netflix seguramente sabía lo que hacía al revelar la serie justo cuando Adolescence estaba cayendo de sus listas de audiencia. Sin embargo, en realidad, las series tienen poco en común aparte de su fórmula de enganche. Y la inevitable comparación no favorece a "Bad Boy", cuya visión a menudo atractiva pero inconexa y tonalmente incoherente de la detención juvenil no está a la altura de su predecesora centrada y perspicaz.

Mientras que "Adolescence" usó a su asesino con cara de niño para explorar la misoginia en una generación que nunca ha disfrutado de un día sin redes sociales, "Bad Boy" sigue a su protagonista a un reformatorio con una agenda menos definida. Una estructura narrativa innecesariamente elíptica, con múltiples líneas de tiempo, deja la historia tras el arresto de Dean, del que culpa a Tamara, turbia hasta bien entrada la temporada de ocho episodios. Lo que sí sabemos desde el principio es que Dean salió de prisión relativamente ileso. La serie se estructura con extractos de monólogos cómicos de un Dean adulto, quien ahora, de forma confusa, se hace llamar Daniel Chen, el verdadero nombre del comediante, actor y cocreador que protagoniza como una versión de sí mismo. Uno pensaría que esta estructura le permitiría filtrar las experiencias de Dean a través de la sabiduría de un hombre mayor, pero sus monólogos se apoyan en chistes superficiales. (“¿Sabes por qué no me gustan los pedófilos? Piensan en pequeño.”) Fuera de escena, a lo largo de los primeros episodios, se reproduce un mensaje de un antiguo compañero para generar suspenso, pero no llega a nada.

La serie es mucho mejor cuando rastrea la relación del joven Dean con su compañero de celda, Zion Zoro (Havtamo Farda), un adolescente conocido en el centro de detención por ser un "psicópata" que golpeó a una niña hasta la muerte con una piedra. Zoro es odiado por sus compañeros de prisión, quienes susurran que llevó a su último compañero de celda al suicidio, aunque es difícil decir cuánto de esa animosidad es una reacción a su crimen y cuánto tiene que ver con él siendo negro y etíope. Por su parte, el niño es tranquilo y parece arrepentido, lo que hace de la celda un refugio tranquilo para Dean dentro de una institución gobernada extraoficialmente por un mini jefe de la mafia despiadado, Freddie (Ishay Lalosh). Pronto, Freddie obligará a Dean a elegir entre su propia seguridad y su lealtad a Zoro, que está plagada del conocimiento de Dean de lo que Zoro hizo y la ignorancia de los detalles que rodearon ese acto monstruoso.

Mostrado a través de una cinematografía íntima pero discreta, con primeros planos que revelan emociones que los niños que se hacen pasar por matones adultos intentan ocultar, los jóvenes actores, especialmente Manster y Farda, completan detalles psicológicos que rara vez aparecen en el diálogo. Estas actuaciones son los puntos destacados de "Bad Boy". Si solo la serie, cuyo tema es lo suficientemente crudo sin adornos, no se esforzara tanto en ser atrevido. Otro de sus muchos creadores es el showrunner Ron Leshem, el escritor detrás de la versión original israelí del controvertido drama adolescente "Euphoria". Pero los toques fuera de lugar como una banda sonora arrastrada de garage y folk rock, y animaciones descaradas del tipo que puntualizan los momentos dulces, sugieren un esfuerzo por cortar la seriedad de la historia. La comedia irreverente de Daniel podría haber cumplido un propósito similar si hubiera sido más divertida, más introspectiva y menos dependiente de estereotipos. Un breve fragmento sobre árabes, acompañado de una viñeta violenta pero semicómica del tiempo de Dean en un bloque de celdas de mayoría musulmana, podría haber resultado menos mezquina si Bad Boy hubiera presentado personajes árabes relevantes.

Probablemente no sea del todo culpa de Leshem y sus cocreadores que tantas de sus decisiones resulten inexplicables para el espectador estadounidense. La comedia puede ser famosamente difícil de traducir más allá del idioma y la cultura de donde proviene; Daniel podía ser divertidísimo en hebreo. Estoy seguro de que parte de mi considerable confusión sobre la trama y la dinámica de los personajes se debe a mi propia falta de familiaridad no solo con el sistema de justicia penal israelí, sino también con la forma en que factores como la raza, la etnia y la religión influyen en él. 

Aun así, a "Bad Boy" le falta algo fundamental, algo que la convierte, en concreto, en una decepcionante continuación de la conversación sobre chicos y violencia que "Adolescence" planteó con tanta elocuencia. Su perspicacia y análisis son tan sospechosos que dejan temas sin explorar y reflexiones sin concluir. ¿Cómo vive Zoro consigo mismo? ¿Por qué Dean resulta tan ávido de la misma compañía que Zoro y algunos otros reclusos juveniles le brindan? ¿Les ha fallado la sociedad a los adolescentes que solo se consideran "buenos en prisión"? ¿Cómo pudo Dean imaginar pasar décadas tras las rejas con Zoro como "una cadena perpetua de libertad"? Su abordaje de todas estas cuestiones es bastante superficial.

La serie se ve impulsada, en última instancia, por dos grandes lagunas en la comprensión de los espectadores sobre cómo se conecta el pasado de Dean con su presente. Primero, no sabemos por qué él y Zoro perdieron el contacto. Esa historia, como la que rodea al otro viejo amigo de Dean, resulta demasiado fácil de resolver. También nos preguntamos cómo Dean evolucionó de un preso juvenil con poco interés en construir un futuro a un comediante exitoso. La respuesta parcial, una que se siente extrañamente aislada de casi todo lo demás en la serie, es que el centro de detención tiene un programa de teatro cuya maestra (Bat-Chen Sabag) ves algo extraordinario en él, lo mismo que hace que Zoro perciba a Dean como superior y, por lo tanto, digno de protección. No importa que los chistes de Dean difícilmente constituyan una prueba irreprochable de talento. Más frustrante es hasta qué punto su supuesta excelencia eclipsa la humanidad de los demás reclusos. Después de todo, lo que era tan escalofriante de "Adolescence" era la insinuación de que su protagonista podría haber sido cualquier niño enojado del mundo. No se puede asumir lo mismo de esta serie.

Crítica Cinéfila: Mission: Impossible - The Final Reckoning

El agente Ethan Hunt continúa su misión de impedir que Gabriel controle el tecnológicamente omnipotente programa de IA conocido como "the Entity". Octava entrega de la franquicia 'Misión Imposible', continuación de 'Dead Reckoning Part One'.

En el clímax imperdible de " Mission: Impossible: Dead Reckoning Part One", el último capítulo de la serie "M:I", cargado de terror y desenlace fatal, Tom Cruise hace algo que esperas —aparece en la elaborada secuencia de acrobacias que se ha convertido en el sello distintivo de esta serie de 30 años— pero también hace algo inesperado. Se supera a sí mismo de la forma más escandalosa. Vuela, literalmente, más allá de todas las acrobacias que ha hecho antes, dejándonos en un estado de asombro eufórico.

Cruise, como el imparable agente del FMI Ethan Hunt, intenta alcanzar a Gabriel (Esai Morales), el villano siniestro de la película, quien quiere controlar la Entidad, la proyección apocalíptica de la inteligencia artificial y todo lo que es capaz de hacer, como iniciar una guerra nuclear global, simplemente porque puede. Del cuello de Gabriel cuelga la "píldora venenosa" digital creada por Luther, el mago tecnológico interpretado por Ving Rhameas. Si Ethan logra hacerse con ese dispositivo e introducirlo en el Podkova (un dispositivo del tamaño de un teléfono móvil que contiene el código fuente de la Entidad), puede provocar el fin de su poder. 

Los dos hombres viajan en avionetas de hélice primitivas. Gabriel pilota una amarilla y negro, y Ethan... bueno, se ha subido a una roja con otro piloto antagónico, y mientras los aviones atraviesan un cañón soleado y luego salen al aire libre, intenta controlarlo. Esto significa caminar sobre el ala, colgando de una barra delgada y serpenteando desde el asiento del pasajero hasta la cabina, todo mientras el avión avanza a toda velocidad. Cuando he visto secuencias de aviones temerarios y alucinantes, como en "The Great Waldo Pepper", los especialistas allí arriba tienden a ser bastante serios. Pero Tom Cruise, filmado en un primerísimo plano, corretea alrededor de ese avión como si fuera un juego de barras de mono, con la cara aplastada por la fuerza G del viento, la pradera extendiéndose una milla debajo de él. Después de lanzar al piloto, se desliza hacia el avión amarillo de Gabriel, y es entonces cuando la acción se vuelve demasiado vertiginosa para describirla con palabras. Cruise se arrastra sobre el avión, y ahora está inclinado hacia un lado, casi boca abajo, así que está colgando de él, y yo estaba literalmente boquiabierto mirando la pantalla pensando: "¿Cómo demonios hizo esto?" Porque lo que estamos viendo parece imposible de hacer, (sobre todo - e irónicamente - en medio del boom de la inteligencia artificial).

Y esto es lo que lo fusiona todo. Hace dos años, cuando Cruise hizo ese salto en paracaídas en motocicleta desde un acantilado en "Dead Reckoning Part One", fue impresionante, sin duda, pero todo lo que recuerdo experimentar fue la audacia física abstracta de ello. En "The Final Reckoning", Cruise está haciendo algo en ese avión que ningún especialista podría hacer tan bien: está actuando. Dobla sus extremidades alrededor del metal con cada fibra de su miedo y deseo, mostrándonos la ferocidad de la voluntad de Ethan para derrotar al mal, que coincide con la propia voluntad de Cruise no solo de entretenernos, sino de dejarnos en un estado de asombro absorto. En "The Final Reckoning", Tom Cruise está dispuesto a salvar películas tanto como Ethan Hunt está dispuesto a salvar el mundo. Está haciendo lo que hace en ese avión para que nosotros no tengamos que hacerlo.

Hasta entonces, "The Final Reckoning" es más bien una película que va danzando constantemente entre ritmos lentos y agitados. Sin embargo, la película es lo suficientemente buena como para recordarte lo divertido que es cuando algo realmente está en juego en una película comercial de alto nivel, con una trama enrevesada y. Nadie diría que esta es la película más despreocupada de "M:I". Las secuencias que recuerdo con más cariño de la serie tienen un ágil sentido del juego: Cruise colgado de un cable en ese atraco vertiginoso en la primera "Misión: Imposible", su vertiginoso ascenso con ventosa al Burj Khalifa en "Ghost Protocol", todas las decepciones de las fiestas de esmoquin con trampilla. “The Final Reckoning” tiene una duración de dos horas y 49 minutos y avanza con una profunda ansiedad ante la precariedad de la civilización en la era de la tecnología omnipotente.

Sin embargo, esa seriedad le funciona a la película. La IA era solo una amenaza sigilosa en "Dead Reckoning". Aquí es un espectro cuyo momento ha llegado, y eso es parte de lo que hace de esta aventura una experiencia aún más impactante. Una frase que los miembros del equipo del FMI repiten constantemente (y se convierte en un chiste recurrente) es "Ya lo resolveremos". Y eso significa: cuando el mundo pende de un hilo, la necesidad siempre será la madre de la invención del espionaje instantáneo. "The Final Reckoning" es una oda a la improvisación.     

A estas alturas, hemos visto más que suficientes películas que giran en torno a la perspectiva de la destrucción del planeta, y eso no significa automáticamente que haya algo en juego en ellas. Pero en "The Final Reckoning", Cruise y su socio y director de "M:I", Christopher McQuarrie, intensifican el fervor apocalíptico con suficiente convicción y obsesión para llevarte por giros de suspense. La película recuerda, en varios montajes rápidos, las siete películas anteriores de la serie, tomando el rasgo distintivo de Ethan: su propensión a volverse rebelde, que por supuesto es lo que hace cuando no puede cumplir su misión de otra manera, y doblándolo a la sinfónica sensación de peligro de la película. La Entidad, que se presenta como la culminación lógica de la IA (es decir, una fuerza que no necesariamente estará de nuestro lado), busca controlarlo todo, acceder a los sistemas de armas nucleares del mundo y destruir a la raza humana. El poder absoluto es el resultado de su inteligencia. Pero Ethan es casi un primo de la IA: una y otra vez, ha estado dispuesto a arriesgar el destino del mundo.

“The Final Reckoning” tiene algunos momentos irregulares, pero creo que es la entrega más envolvente de la serie desde “Ghost Protocol”, porque encuentra una nueva forma de hacer que lo imposible sea emocionante. En lugar de engañarnos con máscaras de goma e ilusión digital, la película se centra en llevar situaciones descabelladas hasta el límite, donde Ethan tiene que actuar en un instante. Al principio, es capturado, junto con la elegante Grace (Hayley Atwell), y mientras están sentados en un calabozo esposados, se saca una muela falsa que lo intoxicará si la muerde; esa resulta ser la salida. Después de un tiempo, Ethan sale del atolladero, apareciendo en una reunión dirigida por la presidenta de Estados Unidos, Erika Sloane (Angela Bassett), mientras Eugene Kittridge (Henry Czerny), un ejecutivo de la CIA convertido en jefe del FMI, y otros jefes severos observan con desaprobación. Ethan pide que le den el control de un portaaviones (llamado así en honor a George H. W. Bush, un poco de nostalgia de "no sabíamos lo bien que lo teníamos" adaptada a la era de Trump), y el presidente le da la aprobación... a escondidas.

Es aquí donde la película se transforma en una misión muy diferente, una intensa aventura de acción ambientada en el mar helado. William Donloe (Rolf Saxon), un analista de la CIA destituido que fue exiliado tras el atraco de Ethan en la primera película, regresa. Él es quien conoce la ubicación exacta del submarino ruso que la Entidad engañó para que se autodestruyera al comienzo de "Dead Reckoning", y allí es donde encontrarán el código fuente de la Entidad.

La secuencia en la que Ethan se sumerge en las profundidades del mar de Bering para excavar en los restos de ese submarino tiene una majestuosidad logística flotante y silenciosa. El submarino, impulsado por el peso de Ethan, sigue crujiendo, cayendo y girando, derramando agua en su interior, lo que le da a la secuencia, lenta como es, un encanto espectral. Pero la película también tiene mucha tensión en el último momento, como cuando Benji (Simon Pegg) dirige la desfusión de una bomba a través de la niebla de su pulmón colapsado. Y es la sinceridad obstinada de la actuación de Cruise lo que hace que todo signifique algo. La lealtad de Ethan se ha convertido en un tema principal, pero a pesar de las contribuciones al juego de Atwell y Rhames, cuyo Luther ofrece la conmovedora despedida de la serie, Ethan rara vez ha estado solo como lo está aquí.

¿Es este realmente el ajuste de cuentas final de la serie? Ahora estamos en una era en la que John Wick puede volver a la vida, y donde incluso la muerte de James Bond, en "No Time to Die" (una película que se siente como una prima de esta). "The Final Reckoning" demuestra ser una de las películas imperdibles del verano, y al final, Ethan Hunt está muy vivo. Un elemento del poder de la película es que genuinamente se despide de estos personajes, de esa reconfigurada artimaña de los años 60, del encanto de Ethan. En "The Final Reckoning", Tom Cruise ha demostrado ser más que solo el mejor de los adictos al peligro. Ha convertido el espectáculo de hacer sus propias acrobacias en una forma de arte comercial.

Crítica Cinéfila: Drop

Violet es una madre cuyo marido falleció y que tras mucho tiempo dedicada a sus hijos decide tener su primera cita en años. Cuando llega al restaurante descubre además que su cita, Henry, es un hombre mucho más encantador y guapo de lo que podía esperar. Pero la velada empieza a estropearse cuando Violet comienza a recibir una serie de inquietantes mensajes anónimos en su teléfono.

La tecnología y el trauma se unen una vez más en el último thriller de Christopher Landon para Blumhouse, "Drop", un viaje divertido y satisfactorio a través de una primera cita infernal. Años después de la traumática muerte de su esposo, Violet (Meghann Fahy) está lista para volver a salir, aceptando una primera cita con el encantador Henry (Brandon Sklenar) tras tres meses de coqueteos en línea. Pero su noche romántica da un giro de pesadilla cuando Violet empieza a recibir mensajes anónimos en su teléfono con memes e instrucciones maliciosas, mientras su hijo se encuentra secuestrado en su propia casa.

Con la dirección visualmente impactante de Landon, al estilo Hitchcock, los guionistas Jillian Jacobs y Chris Roach brindan una divertida actualización basada en tecnología de la leyenda urbana que generó bastante terror en "Cuando un extraño llama" de 1979 mientras las gotas de sangre caen alrededor de la casa. Es cierto que la gran revelación fue un poco predecible después de una serie de pistas falsas iniciales, pero eso se perdona totalmente gracias a los ininterrumpidos giros y vueltas inteligentes que le esperan a Violet (Fahy), una madre ferozmente protectora, aunque avergonzada, que es buena para pensar con rapidez, especialmente cuando su hijo está en peligro.

Fahy ofrece una actuación cautivadora como una mujer ansiosa que lucha por mantener la compostura en su primera cita en años. Interpretando a una terapeuta que ayuda a otras mujeres maltratadas a encontrar su valor mientras lucha por encontrar el suyo propio, Fahy ofrece una actuación digna y dinámica que la convierte en una "chica final" a tener en cuenta.

Mientras tanto, la química entre Fahy y Sklenar solo crece con la tensión, incluso cuando Violet sospecha que su cita es quien la acosa. También sería un pecado no elogiar la actuación hilarantemente desquiciada de Jeffery Self como un aspirante a actor de improvisación que, por las noches, trabaja como camarero sin ningún tipo de sentido social. Menciona brevemente un sketch en el que interpreta el sombrero de Allison Janney, y siendo honesta, me gustaría ver ese acto.

El extravagante restaurante, situado en las alturas, es el escenario perfecto para Landon, quien aprovecha cada centímetro del espacio para ilustrar el horror claustrofóbico de la cita desde la perspectiva de Violet. Los ángulos y la iluminación meticulosos también se utilizan para elevar la tensión con belleza.

Acentuando el divertido y juvenil repertorio de terror de Landon, "Drop" aborda la obsesión moderna por las pantallas en lugar de la conexión humana, a la vez que presenta una versión falsa de nosotros mismos en línea y nos hace luchar por aceptar nuestro propio bagaje. Es, además, un thriller divertidísimo que aprovecha al máximo sus 100 minutos de película.

Crítica Cinéfila: El Eternauta, 1ra temporada

Una noche de verano en Buenos Aires, una misteriosa nevada mortal acaba con la mayor parte de la población y deja aisladas a miles de personas en sus casas.

Las historias postapocalípticas son un sub-genero común en la cultura pop de estos días. No han alcanzado un punto clave abrumador, pero sí habla de una tendencia bastante amplia que algunas de las narrativas más populares en la televisión en este momento incluyan a "The Last of Us", "Fallout" y otras. No es solo que los estudios y los streamers parezcan más dispuestos a adoptar este lado de la ciencia ficción, sino que las audiencias televisivas están acudiendo en masa a ellos y, en general, todos se han ganado elogios de la crítica. También está el factor subyacente de que muchos de ellos han sido adaptados de otros medios, ya sea un libro o incluso un videojuego. En esta categoría es donde entra el nuevo thriller de ciencia ficción de Netflix, "The Eternaut" ("El Eternauta"). Creada y dirigida por el showrunner Bruno Stagnaro , quien coescribe junto a Ariel Stagnari, la serie es una adaptación de la emblemática novela gráfica de 1957 del escritor Héctor G. Oesterheld y el ilustrador Francisco Solano López. Incluso si no estás familiarizado con el material original, "El Eternauta" es una escalofriante historia apocalíptica que te atrapa por completo, con una narrativa a veces lenta que sabe exactamente cuándo dar el giro perfecto para mantenerte enganchado.

La trama comienza en una noche de verano, por lo demás sencilla, en Buenos Aires. Amigos de toda la vida, entre ellos un hombre llamado Juan Salvo (Ricardo Darín), se reúnen para disfrutar de su pasatiempo favorito: beber y jugar a las cartas. Un grupo de chicas jóvenes sale en barco a navegar al anochecer, y otros siguen con sus vidas cotidianas sin sospechar nada, ni siquiera un instinto inconsciente de que algo siniestro pueda ocurrir, hasta que se corta la luz en toda la ciudad. Entonces, empieza a nevar, lo que de por sí parecería un suceso extraño hasta que los ciudadanos descubren algo aterrador de primera mano: esos copos blancos y esponjosos son tóxicos y causan la muerte inmediata al contacto directo con la piel.

Atrapados en el interior, sin electricidad ni medios de contacto (otras tecnologías, como celulares y autos, también han dejado de funcionar), Juan Salvo y quienes lo acompañan no solo deben encontrar la manera de localizar a sus seres queridos, sino también unirse ante lo que parece ser una invasión sobrenatural de la Tierra. Desde reunir recursos valiosos hasta fabricar trajes protectores caseros, cada intento de aventurarse en esta mortífera bola de nieve conlleva sus propios riesgos, y cada vez es más evidente que algunas de las mayores amenazas para Juan Salvo y sus aliados podrían ser, en realidad, las que existen mucho más cerca de casa.

"El Eternauta" parece bastante común a primera vista, y esa parece ser la idea. Si bien el cómic original se ambienta en los años 50, cuando se escribió por primera vez, la adaptación de Netflix toma la sabia decisión de adelantar la línea de tiempo a la Buenos Aires actual. Tiene el efecto de permitir que los temas generales de la historia de aislamiento, invasión extraterrestre y terror a lo desconocido golpeen mucho más fuerte una vez que la nieve comienza a caer; pero antes de que eso suceda, el parecido de "El Eternauta" con nuestro propio presente adormece al espectador en una falsa sensación de seguridad mientras espera simultáneamente quitarle la alfombra de debajo de sus pies. ¿Cuántos de nosotros hemos vivido nuestras vidas cotidianas, haciendo cosas como recoger a viejos amigos del aeropuerto, con la creencia de que no sucederá nada extraordinario? Al representar estos primeros momentos de mundanidad antes del punto de inflexión catastrófico, se convierte en una historia de ciencia ficción con la que cualquiera puede identificarse, incluso cuando todavía se adhiere al entorno argentino de la novela gráfica original.

Es después de que comienza la nevada tóxica que adopta sus mayores fortalezas, empezando por sus visuales, cortesía de un equipo que incluye al director de fotografía Gastón Girod y a los supervisores de efectos visuales Pablo Accame e Ignacio Pol. Puede sonar extraño considerar una ciudad cubierta de blanco como un signo de aprensión, pero la serie toma la decisión meditada de enfatizar el creciente terror de la situación en la que se encuentran Juan Salvo y los demás desde el principio. Para cuando notas que alguien ha dejado algunos copos en sus botas o chaqueta, es suficiente para acelerar tu pulso también. Cuando los personajes finalmente se aventuran a salir, la visión de cuerpos sin vida esparcidos por las calles, gradualmente cubiertos cada vez más por la nieve sin derretir, agrega su propia nota escalofriante cuando se combina con el sonido audible de la respiración acelerada de alguien dentro de su propia máscara desesperadamente sellada. Esta ciudad una vez floreciente se ha convertido ahora en territorio hostil, donde la exposición a los elementos es literalmente un escenario de vida o muerte.

Aunque hay breves estallidos de acción, no sería del todo preciso llamar esta serie una de carácter apocalíptico más explosivo. Esta es una historia que prioriza a los personajes, y se desarrolla como tal, a un ritmo que podría empezar a poner a prueba incluso a los fans del género más pacientes si no tienen ya cierto grado de apego al cómic original. Sin embargo, cada vez que la serie parece avanzar sin rumbo a través de su narrativa, un episodio termina con el tipo de giro que prácticamente te obliga a seguir viéndolo. Las amenazas contra Juan Salvo y aquellos con los que se ve obligado a permanecer en estrecha colaboración se vuelven cada vez más complicadas; la nieve es solo el comienzo de la guerra que se librará no solo contra la ciudad, sino contra el planeta. Aquí también hay peligros humanos en juego, incluidos aquellos que están absolutamente dispuestos a explotar a sus conciudadanos en una ciudad donde la ley y el orden han sido abandonados en favor de la necesidad más primaria de supervivencia.

Si bien una narrativa de esta importancia y magnitud solo podría haberse contado de manera episódica, al igual que el lanzamiento de la novela gráfica original, es mejor adentrarse en "The Eteranaut" con el menor conocimiento o expectativa previa posible. Con una actuación cautivadora de Darín, que aporta tanto seriedad como vulnerabilidad a Juan Salvo, así como efectos visuales impresionantes y giros narrativos inteligentes, la adaptación de Netflix merece ser elogiada junto con la innovadora historia de ciencia ficción que adapta.