Un solitario profesor de inglés con obesidad severa intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.
La agonía humana tanto física como emocional es un elemento básico del estilo cinematográfico de Darren Aronofsky, pero The Whale , que está impulsada por el trabajo devastador de Brendan Fraser como un maestro de 600 libras que come hasta morir, lleva ese tema a los extremos mientras se mantiene firme dentro de los límites del naturalismo. Adaptando la novela homónima de Samuel D. Hunter, el intenso drama nunca disfraza sus raíces escénicas, sino que las trasciende con la gracia y la compasión de la escritura y las capas de dolor, desesperación, amor y tenaz esperanza que se desprenden en la actuación central. Fraser nos hace ver más allá de la apariencia alarmante hacia el corazón profundamente conmovedor de este hombre destrozado.
En esta trama, el autor ha construido un mundo ordinario temático, predominantemente ambientado en Idaho, en el que las cuestiones de identidad queer, espiritualidad, soledad, tristeza existencial y la pérdida colectiva de comunidades que se desvanecen se examinan con una empatía penetrante y una excavación magistral del sentimiento reprimido. Su habilidad para iluminar vidas ordinarias lo ha convertido en una de las voces más valiosas que han surgido en la dramaturgia estadounidense en la última década.
Con un único escenario sin aire exterior y el personaje principal cuya terrible crisis de salud hace evidente el límite de tiempo en su vida desde el principio, The Whale parecía una perspectiva complicada para pasarlo a versión cinematográfica. Aronofsky lo logra no abriendo artificialmente la pieza, sino apoyándose en su teatralidad, y sumergiéndonos en la claustrofobia que se ha vuelto ineludible para el personaje de Fraser, Charlie. La estructura de la escena de un personaje central confinado en unas pocas habitaciones mientras que los personajes secundarios van y vienen, a veces superpuestos, sigue siendo muy parecida a la de una obra de teatro.
La escasez de luz que se filtra desde el exterior del apartamento de Charlie es simbólicamente torpe. Pero la cámara ágil del director de fotografía Matthew Libatique y la edición dinámica de Andrew Weisblum aportan un movimiento sorprendente a la situación estática. La única elección cuestionable significativa es la exageración de la partitura emocionalmente enfática de Rob Simonsen, en lugar de confiar en los actores para hacer ese trabajo.
Aronofsky y Hunter sorprenden a la audiencia desde el principio, no solo al exponer la obesidad severa de Charlie (una transformación física responsabilidad de Adrien Morot), sino al revelar que esta montaña de hombre todavía es capaz de deseo sexual. Charlie mantiene la cámara apagada durante el curso de escritura en línea que imparte, alegando que la cámara web de su computadora portátil está rota. Pero su componente de video funciona bien cuando momentos después está viendo porno gay.
Es interrumpido por un golpe en la puerta de Thomas (Ty Simpkins), un joven misionero aparentemente poco mundano de la iglesia New Life, que predica la aceptación de Cristo como una puerta de entrada de los últimos tiempos a un mundo mejor. La intrusión incómoda deja a Charlie luchando por respirar. Convencido de que se está muriendo, una eventualidad para la que parece haber estado ensayando durante meses, le ruega a Thomas, preso del pánico, que le lea un ensayo de un estudiante sobre Moby Dick de Melville, lo que le brinda consuelo por razones que se aclararán más adelante.
La crisis de Charlie se evita con la llegada de su amiga Liz (Hong Chau), una trabajadora de la salud que está acostumbrada a lidiar con sus emergencias. Ella le dice que su insuficiencia cardíaca congestiva y su presión arterial altísima significan que probablemente estará muerto dentro de una semana. Exasperada por su continua negativa a ir al hospital, aparentemente debido a la falta de seguro médico, Liz a menudo se muestra impaciente y enojada con Charlie. Pero su amor por él es tal que se entrega a regañadientes a su adicción a la comida rápida, llevándole cubos de pollo frito y sandwiches de albóndigas.
El mayor duelo es la dolencia que une a Charlie y a la mordaz Liz, y también la vuelve feroz con la presencia del persistente Thomas. Su padre adoptivo es un miembro principal del consejo de New Life, y ella culpa a la iglesia de la muerte de su hermano Alan, quien también era un ex alumno de Charlie que se convirtió en el amor de su vida, pero nunca pudo superar la condena de su padre y desarrolló un trastorno alimentario crónico que eventualmente lo mató.
La ordenada simetría de un compañero muriendo de hambre y la autodestrucción del otro a través de la glotonería es un poco esquemática, al igual que los elementos de Moby Dick son una alegoría que muestra la mano del escritor. Pero el guión de Hunter y la intimidad del trabajo de los actores mantienen el drama melancólico enraizado y creíble.
Además de su tormento por su papel en la muerte de Alan, Charlie se siente atormentado por la culpa de haber abandonado a su hija Ellie (Sadie Sink) a la edad de 8 años, cuando dejó a su esposa Mary (Samantha Morton) para estar con Alan. Mary obtuvo la custodia total e impidió que Charlie viera a su hija, pero él la contacta, ansioso por conocerla en el tiempo que le queda. Ellie es una misántropa llena de ira que corre el riesgo de reprobar la escuela secundaria, y su hostilidad hacia su padre se manifiesta como disgusto y crueldad. Pero cuando él gana su tiempo ofreciéndose a ayudarla con sus ensayos y prometiéndole dejarle todo el dinero que tiene, Ellie sigue regresando.
Las confrontaciones puntiagudas de la adolescente con el gentil gigante de su padre se combinan con sus intercambios punzantes con Thomas, a quien manipula de la misma manera que lo hace con Charlie y su dura madre. Sink no se detiene en una caracterización que justifica la descripción de Mary de ella como "malvada". Pero el amor residual debajo de los arrebatos de ambas mujeres y la distancia herida se revela lentamente en algunos momentos genuinamente conmovedores, especialmente cuando Charlie recuerda con Mary un viaje familiar a Oregón cuando pesaba mucho menos.
Todos los miembros del pequeño conjunto causan una gran impresión, incluso Sathya Sridharan como un amable repartidor de pizzas que nunca deja de preguntar sobre el bienestar de Charlie desde detrás de la puerta cerrada del apartamento.
La más destacada, junto a Fraser, es Chau, con un giro matizado como una mujer golpeada por la pérdida y preparándose para otro golpe devastador. Su incapacidad para intervenir la ha dejado indefensa, enfurecida, exhausta y con un dolor visible. También hay humor en la molestia de Liz con la positividad innata de Charlie, que perdura sin importar cuán malas sean sus circunstancias. En una película que trata en parte sobre el instinto humano de preocuparse por otras personas, Chau te rompe el corazón.
Sin embargo, la actuación heroica en The Whale que merecidamente dominará la atención es Fraser. Un excelente actor que pasó desapercibido durante demasiado tiempo, usa sus grandes ojos de cachorro con un efecto encantador, sin permitirnos olvidar que hay un hombre marcado por laceraciones emocionales crudas debajo del montículo de carne sudorosa y sibilante. Es angustioso presenciar su físico, que se esfuerza por navegar en espacios incómodos y maniobrar un cuerpo que requiere más fuerza de la que le queda a Charlie, al igual que sus ataques de tos, asfixia y dificultad para respirar. En las pocas ocasiones en las que lucha por mantenerse en pie en toda su altura, llena el encuadre, una figura de tremendo patetismo menos por su tamaño que por su sufrimiento. Pero en una película sobre la salvación, es la humanidad inextinguible de la actuación de Fraser lo que te deja boquiabierto.
