Crítica Cinéfila: Materialists

El lucrativo negocio de una casamentera se complica cuando cae en un tóxico triángulo amoroso que amenaza a sus clientes.

¿Cómo habría sido "Sex and the City" si se hubiera presentado, a veces, como una comedia menos desenfrenada y un poco más realista? “ Materialists”, una encantadora y suntuosa historia neoyorquina de amor, dinero y citas, es la película que finalmente responde a esa pregunta. Es el segundo largometraje escrito y dirigido por Céline Song, autora de la melancólica y sublime “Past Lives”, y está protagonizada por Dakota Johnson como una matchmaker profesional, elegante y con un gran poder, y Chris Evans y Pedro Pascal como los hombres entre los que termina atrapada.

“Materialists” suena a comedia romántica, y sin duda la vende como tal. Sin embargo, la película es más bien una contradicción cautivadora: una comedia romántica con un toque de seriedad. Si bien es muy fácil imaginar la versión desenfadada de los 90 de esta película, “Materialists” no es para nada esa película. Es un drama romántico social, agudo y serio, lleno de observaciones reveladoras sobre cómo vivimos ahora y sobre cuán conectado está (o no) con cómo hemos vivido siempre. Y tiene un lado oscuro.  

La película se ambienta en la élite de la sociedad neoyorquina, donde la gente busca pareja que lo tenga todo: belleza, personalidad, buen gusto, altura (y eso es fundamental), ingresos anuales superiores a la media de seis cifras. Y la razón por la que este ambiente enrarecido libera la película, en lugar de encerrarla en un mundo pretencioso y detestable, es que permite que "Materalists" trate realmente sobre el dinero y las transacciones matrimoniales, o, mejor dicho, sobre cómo el amor y el dinero han llegado a bailar juntos.

Lucy (Dakota Johnson) es consultora de citas para Adore, una empresa que promete a cada uno de sus clientes: "Te casarás con el amor de tu vida". El servicio intenta cumplir esa promesa respetando la exigencia de los clientes y mimando su perfeccionismo. Después de cada cita, Lucy llama por teléfono a cada uno para ver cómo les fue, para calmar sus egos y para evaluar si es posible una segunda cita. Es un emparejamiento científico con un toque de terapia para sentirse bien. 

Adore no es una app de citas online, pero el servicio que ofrece refleja el cambio de conciencia que supuso este tipo de citas, que convirtió el paradigma del "romance" en un centro comercial interminable. Convirtió la búsqueda del amor en compras. Podría decirse que siempre fue así, pero quienes recordamos las citas antes de internet podemos dar fe de ello: no, no lo era (no como ahora). Sin embargo, aunque los clientes de Lucy, hombres y mujeres por igual, son prima donnas con estándares imposibles (los vemos en ingeniosos montajes) que intentan reunir sus "rasgos" ideales en un solo ser humano, hay una forma en que la película también mira hacia atrás: al espíritu de Jane Austen, que impulsó gran parte del género del "teatro de obras maestras" que prevaleció antes de la llegada de Internet, y a Edith Wharton, esa suprema cronista del amor y el dinero que es la novelista más importante de Estados Unidos debido a la profundidad con la que exploró la complejidad de los deseos de las mujeres.

Los diálogos de Celine Song rebosan ingenio y perspicacia, pero también fluyen; si se pudiera embotellar esa habilidad, Hollywood estaría a salvo. Y Dakota Johnson ofrece la actuación más contundente de su carrera. Lucy conecta de lleno con sus clientes (es una maestra de frases como «No eres feo, simplemente no tienes dinero»), pero el misterio de la película reside en lo que ella realmente cree y desea. En cierto modo, ella misma parece una trepadora materialista. Pero solo gana 80,000 dólares al año y sigue siendo buena amiga de su ex, el actor John (Chris Evans), quien sobrevive trabajando de camarero a tiempo parcial en un catering y aún tiene dos compañeros de piso que son unos fracasados. Suena cómico (y da lugar a una escena mordaz), pero Song no se deja llevar por los golpes bajos ni las risas fáciles. La falta de éxito de John es muy real, y también lo es el hecho de por qué se terminó su relación con Lucy. Vemos un flashback de su cita del quinto aniversario, y es un desastre vivido de mala planificación y tacañería. El mensaje es molesto pero contundente: en el romance, el dinero importa.

Evans está completamente despierto aquí, con una ira que hace que su ternura sea aún más atractiva. Y Pedro Pascal está impecable como un personaje que resulta ser el equivalente cinematográfico del Sr. Big de Chris Noth. Pascal, con un aspecto similar al de Burt Reynolds en sus días de bigote sexy, triunfa sin esfuerzo como el jefe de finanzas que milagrosamente parece ser tan bueno como se merece. Es lo que Lucy y el equipo de Adore lo llaman un unicornio: el hombre "perfecto" que toda mujer busca.

“Materialists” es una historia de amor en la era de la elección infinita y el control obsesivo, cuando las personas han llegado a creer que pueden escribir y diseñar sus propias vidas. La cirugía estética está presente en los intercambios pícaros de la película, y también en su trama (hay un procedimiento extremo, que cuesta varios cientos de miles de dólares, que existe en la vida real - para que el público reflexione). En el fondo, la película reconoce, sin decirlo abiertamente, que en la nueva era dorada de la aspiración, con el dinero cada vez más concentrado en la cima, el “romance”, para demasiadas personas, se está convirtiendo en una competencia por entrar en los estratos superiores (Cuando organizan una fiesta ritual en las oficinas de Adore para celebrar el noveno matrimonio de Lucy de dos de sus clientes, es como si estuvieran celebrando un experimento exitoso). Cada vez más, la percepción es que es todo o nada. Y que es su propia forma de corrupción.

En una comedia romántica clásica, la situación de Lucy se resolvería de una manera efervescente y un poco loca, y ese sería el placer del champán de todo. Pero "Materialists", en sus giros y vueltas culminantes, en realidad se topa con un pequeño dilema debido a su tono realista directo. Vemos con qué hombre pertenece Lucy y sentimos el tirón romántico entre ellos. Sin embargo, no hay esa loca carga de descubrimiento, y la película de hecho tiene que engañar un poco la situación del dinero. La película no te da una sobredosis de carga romántica. 

Crítica Cinéfila: The Sandman, 2da temporada (2da parte)

Dream intenta evitar su muerte inminente a manos de las Bondadosas, a la vez que lidia con las consecuencias de sus acciones pasadas, en particular hacia su hijo, Orfeo. 

Desde sus inicios, The Sandman ha sido una serie de televisión sobre dioses y leyendas que viven para siempre, o al menos mientras los mortales contemos sus historias; terminar una serie sobre "lo Infinito" no es tarea fácil. Por eso, es un logro impresionante que The Sandman concluya con algunos de los episodios más impactantes de toda su trayectoria, dando un cierre digno a una saga extensa y centenaria. Todos los coloridos reinos de fantasía y las extrañas criaturas que hacen de esta serie un deleite visual siguen presentes. Pero también hay momentos de serena reflexión, mientras humanos, demonios y deidades se preguntan: ¿Puede un dios morir de verdad?

El dios en cuestión es Dream (Tom Sturridge), quien terminó la primera parte de la segunda temporada tomando una decisión crucial: arriesgarse a la ira de las Furias mitológicas asesinando por piedad a su hijo, Orfeo. En la amalgama de mitología, religión y folclore de "The Sandman", existen reglas inquebrantables contra el derramamiento de sangre familiar. La segunda parte de la segunda temporada se basa en gran medida en la posibilidad real de que los días de Dream estén contados, ya que las diosas griegas de la venganza, conocidas eufemísticamente como "las Bondadosas", pretenden hacerle pagar por lo que ha hecho.

Los cinco episodios evitan en su mayoría los flashbacks y digresiones prolongadas que han sido un elemento básico de Sandman hasta ahora. La trama está más centrada y posee una fascinación oscura, similar a observar un desastre que se desarrolla lenta e inevitablemente. Una vez Dream se da cuenta de que las imparables Bondadosas están decididas a matarlo, empieza a hacer planes para defender su reino etéreo, "el Ensueño", mientras se prepara para la probabilidad de su muerte. Irónicamente, casi todas las decisiones que toma para intentar evitar la fatalidad la acercan a su puerta.

El reparto secundario de Sandman disfruta de muchos momentos juguetones en esta media temporada. Freddie Fox, como el caótico dios nórdico Loki, y Jack Gleeson, como el hada malcriada Puck, cobran protagonismo desde el principio, ya que sus personajes se unen para secuestrar a Daniel, un bebé nacido en el Sueño y elegido por Dream para ser su posible sucesor. Más adelante en la temporada, Jenna Coleman, como la cínica detective sobrenatural Johanna Constantine, y Boyd Holbrook, como la pesadilla ambulante Corinthian, colaboran para encontrar a Daniel y frustrar los planes de Loki y Puck. Su inesperada química romántica aporta un toque de dulzura a episodios que, de otro modo, estarían llenos de muerte y destrucción. Ann Skelly también destaca como Nuala, un hada modesta pero valiente que se esfuerza por reunir a diversas criaturas mágicas en defensa de Dream. El rico universo que The Sandman ha construido cuidadosamente a lo largo de sus dos temporadas realmente empieza a dar frutos en estos episodios, a medida que convergen las diversas historias y personajes.

Las estrellas invitadas del Volumen 2 aparecen principalmente en escenas donde se despiden conmovedoras, en una de dos circunstancias. O reciben la visita de Dream, quien intenta cerrar viejos asuntos por si acaso ocurre lo peor, o reciben la visita de las Bondadosas, quienes los masacran. No importa cuántas veces muera un personaje favorito de los fans de Sandman en estos episodios (y sucede con frecuencia), las muertes son impactantes.

Cada vez que el Rey del Sueño y sus hermanos, cada vez más enfrentados, intentan resolver viejos rencores y compensar errores pasados, la serie se vuelve emocionante y conmovedora. Ver a Dream viajar a través de múltiples reinos y eras, terrenales y de otras épocas, mientras interactúa con otros seres sobrenaturales que conocen la vida durante miles de años, le da peso a esta imaginativa y fantástica historia de terror. 

Las debilidades que plagaron la primera temporada y media siguen siendo evidentes hasta el final. Incluso mientras brujas ancestrales arrasan el Ensueño y varios mortales e inmortales con superpoderes siembran el caos en la Tierra, el tono de El Hombre de Arena permanece extrañamente apagado. La interpretación de Sturridge de Dream —de voz suave y pausada— tiende a marcar el ritmo de los actores que lo rodean, de maneras que pueden drenar la energía de una escena. Esta cualidad apagada se acentúa especialmente en el primer episodio de este volumen, "Tiempo y Noche", en el que Dream reacciona al darse cuenta de que su vida corre peligro inminente con largas, lentas y susurrantes conversaciones con sus padres, Padre Tiempo (Rufus Sewell) y Madre Noche (Tanya Moodie).

Aun así, la quietud del Hombre de Arena siempre tiene un propósito, por frustrante que pueda ser. Dream visita a Time y Night para lidiar con sus sentimientos sobre la muerte de Orfeo y con la forma en que su familia parece esforzarse por evitar mostrar afecto o compasión por los suyos. A medida que Sueño conversa con familiares y amigos como su hermana Despair (Donna Preston), su bibliotecaria Lucienne (Vivienne Acheampong) y su viejo conocido Hob Gadling (Ferdinand Kingsley), comienza a comprender que estar vivo conlleva responsabilidades que van más allá de las reglas que sigue; que las conexiones personales importan. Aunque estas escenas carecen de hechizos mágicos y monstruos gruñones, son emocionantes a su manera, porque las ideas que exploran tienen una verdadera resonancia, tanto en este mundo de fantasía como en el nuestro. Como mínimo, es reconfortante ver que incluso el distante y oficioso rey de los sueños puede empezar a ablandarse y cambiar.

Con una gran reunión en el penúltimo episodio, The Sandman completa apropiadamente la historia que ha contado desde el estreno de la serie. Comenzó con Dream en una jaula, aprisionado por humanos que esperaban explotar su poder. Tras escapar, Dream intentó restaurar su vida a como era antes, pero encontró poca satisfacción. A lo largo de estas dos temporadas, ha estado tratando de derivar un significado más profundo de su trabajo como creador de sueños, y todo este tiempo ha estado trabajando hacia la hermosa y profunda comprensión que alcanza aquí al final. Si los dioses perduran porque los humanos creen que los necesitan, tal vez la mejor manera de que entidades como Dream sean útiles sea aprovechar las fortalezas infravaloradas de la humanidad. Esa es una nota agradable y sutil para un final de serie tan lujoso y ambicioso.

Crítica Cinéfila: El Eternauta, 1ra temporada

Una noche de verano en Buenos Aires, una misteriosa nevada mortal acaba con la mayor parte de la población y deja aisladas a miles de personas en sus casas.

Las historias postapocalípticas son un sub-genero común en la cultura pop de estos días. No han alcanzado un punto clave abrumador, pero sí habla de una tendencia bastante amplia que algunas de las narrativas más populares en la televisión en este momento incluyan a "The Last of Us", "Fallout" y otras. No es solo que los estudios y los streamers parezcan más dispuestos a adoptar este lado de la ciencia ficción, sino que las audiencias televisivas están acudiendo en masa a ellos y, en general, todos se han ganado elogios de la crítica. También está el factor subyacente de que muchos de ellos han sido adaptados de otros medios, ya sea un libro o incluso un videojuego. En esta categoría es donde entra el nuevo thriller de ciencia ficción de Netflix, "The Eternaut" ("El Eternauta"). Creada y dirigida por el showrunner Bruno Stagnaro , quien coescribe junto a Ariel Stagnari, la serie es una adaptación de la emblemática novela gráfica de 1957 del escritor Héctor G. Oesterheld y el ilustrador Francisco Solano López. Incluso si no estás familiarizado con el material original, "El Eternauta" es una escalofriante historia apocalíptica que te atrapa por completo, con una narrativa a veces lenta que sabe exactamente cuándo dar el giro perfecto para mantenerte enganchado.

La trama comienza en una noche de verano, por lo demás sencilla, en Buenos Aires. Amigos de toda la vida, entre ellos un hombre llamado Juan Salvo (Ricardo Darín), se reúnen para disfrutar de su pasatiempo favorito: beber y jugar a las cartas. Un grupo de chicas jóvenes sale en barco a navegar al anochecer, y otros siguen con sus vidas cotidianas sin sospechar nada, ni siquiera un instinto inconsciente de que algo siniestro pueda ocurrir, hasta que se corta la luz en toda la ciudad. Entonces, empieza a nevar, lo que de por sí parecería un suceso extraño hasta que los ciudadanos descubren algo aterrador de primera mano: esos copos blancos y esponjosos son tóxicos y causan la muerte inmediata al contacto directo con la piel.

Atrapados en el interior, sin electricidad ni medios de contacto (otras tecnologías, como celulares y autos, también han dejado de funcionar), Juan Salvo y quienes lo acompañan no solo deben encontrar la manera de localizar a sus seres queridos, sino también unirse ante lo que parece ser una invasión sobrenatural de la Tierra. Desde reunir recursos valiosos hasta fabricar trajes protectores caseros, cada intento de aventurarse en esta mortífera bola de nieve conlleva sus propios riesgos, y cada vez es más evidente que algunas de las mayores amenazas para Juan Salvo y sus aliados podrían ser, en realidad, las que existen mucho más cerca de casa.

"El Eternauta" parece bastante común a primera vista, y esa parece ser la idea. Si bien el cómic original se ambienta en los años 50, cuando se escribió por primera vez, la adaptación de Netflix toma la sabia decisión de adelantar la línea de tiempo a la Buenos Aires actual. Tiene el efecto de permitir que los temas generales de la historia de aislamiento, invasión extraterrestre y terror a lo desconocido golpeen mucho más fuerte una vez que la nieve comienza a caer; pero antes de que eso suceda, el parecido de "El Eternauta" con nuestro propio presente adormece al espectador en una falsa sensación de seguridad mientras espera simultáneamente quitarle la alfombra de debajo de sus pies. ¿Cuántos de nosotros hemos vivido nuestras vidas cotidianas, haciendo cosas como recoger a viejos amigos del aeropuerto, con la creencia de que no sucederá nada extraordinario? Al representar estos primeros momentos de mundanidad antes del punto de inflexión catastrófico, se convierte en una historia de ciencia ficción con la que cualquiera puede identificarse, incluso cuando todavía se adhiere al entorno argentino de la novela gráfica original.

Es después de que comienza la nevada tóxica que adopta sus mayores fortalezas, empezando por sus visuales, cortesía de un equipo que incluye al director de fotografía Gastón Girod y a los supervisores de efectos visuales Pablo Accame e Ignacio Pol. Puede sonar extraño considerar una ciudad cubierta de blanco como un signo de aprensión, pero la serie toma la decisión meditada de enfatizar el creciente terror de la situación en la que se encuentran Juan Salvo y los demás desde el principio. Para cuando notas que alguien ha dejado algunos copos en sus botas o chaqueta, es suficiente para acelerar tu pulso también. Cuando los personajes finalmente se aventuran a salir, la visión de cuerpos sin vida esparcidos por las calles, gradualmente cubiertos cada vez más por la nieve sin derretir, agrega su propia nota escalofriante cuando se combina con el sonido audible de la respiración acelerada de alguien dentro de su propia máscara desesperadamente sellada. Esta ciudad una vez floreciente se ha convertido ahora en territorio hostil, donde la exposición a los elementos es literalmente un escenario de vida o muerte.

Aunque hay breves estallidos de acción, no sería del todo preciso llamar esta serie una de carácter apocalíptico más explosivo. Esta es una historia que prioriza a los personajes, y se desarrolla como tal, a un ritmo que podría empezar a poner a prueba incluso a los fans del género más pacientes si no tienen ya cierto grado de apego al cómic original. Sin embargo, cada vez que la serie parece avanzar sin rumbo a través de su narrativa, un episodio termina con el tipo de giro que prácticamente te obliga a seguir viéndolo. Las amenazas contra Juan Salvo y aquellos con los que se ve obligado a permanecer en estrecha colaboración se vuelven cada vez más complicadas; la nieve es solo el comienzo de la guerra que se librará no solo contra la ciudad, sino contra el planeta. Aquí también hay peligros humanos en juego, incluidos aquellos que están absolutamente dispuestos a explotar a sus conciudadanos en una ciudad donde la ley y el orden han sido abandonados en favor de la necesidad más primaria de supervivencia.

Si bien una narrativa de esta importancia y magnitud solo podría haberse contado de manera episódica, al igual que el lanzamiento de la novela gráfica original, es mejor adentrarse en "The Eteranaut" con el menor conocimiento o expectativa previa posible. Con una actuación cautivadora de Darín, que aporta tanto seriedad como vulnerabilidad a Juan Salvo, así como efectos visuales impresionantes y giros narrativos inteligentes, la adaptación de Netflix merece ser elogiada junto con la innovadora historia de ciencia ficción que adapta.

Crítica Cinéfila: You, 5ta temporada

Joe Goldberg regresa a la ciudad de Nueva York para vivir en paz, pero su peligroso pasado y sus deseos amenazan su nueva vida.

"You" no es un referente cinematográfico, pero me mantuvo entretenido e inmerso en el desenlace final. Creada por Sera Gamble y Greg Berlanti y llevada a un sangriento final por los showrunners Michael Foley y Justin W. Lo. Si has seguido la serie hasta ahora, te habrás apuntado a giros escandalosos, personajes caricaturescos y una cantidad exorbitante de asesinatos, todo ello unido por la cautivadora actuación de Penn Badgley. No es televisión de prestigio, pero es entretenida sin complejos, y la quinta temporada cumple con todo lo que obsesionó al público con esta serie.

Ambientada tres años después de que Joe resucitara en Londres, ahora está casado con Kate (Charlotte Ritchie) y regresa a su antiguo hogar en Manhattan. Kate y Joe son adorados por su historia de amor contra todo pronóstico y su intensa filantropía, pero cuando alguien amenaza su nuevo statu quo, Joe lo gestiona a su antiguo método y enciende la mecha para destruir su vida.

También hay una nueva desventaja: Bronte (Madeline Brewer), una chica "de ensueño", maníaca, con aires de duendecillo literario, perfectamente calibrada para desentrañar a Joe con solo una mirada. Está escrita como una ingenua fastidiosa, lo cual debe ser deliberado, resaltando la falta de imaginación con la que Joe percibe a las mujeres y lo poco que se necesita para alejarlo de la vida que supuestamente aprecia tanto.

De hecho, las interacciones entre Joe y Bronte dan lugar a algunas de las mejores comedias de la temporada, todo a expensas de nuestra asesina pseudofeminista. Badgley es, sin duda, divertidísimo, ya que su personaje reacciona a los más mínimos indicios de coqueteo, cayendo en sus patrones habituales con una previsibilidad propia de una comedia de situación, lo que refuerza su constante incapacidad para cambiar. Badgley sigue estando magnífico en un papel oscuro, exigente e inquietante, convirtiendo a Joe en una obra maestra de interioridad que nunca suaviza su naturaleza siniestra. Ha sido una actuación magistral, de principio a fin, y sin duda la razón por la que la serie ha alcanzado tanto popularidad como permanencia.

No es el único que se divierte en este último encuentro; un punto culminante del reparto es Anna Camp como las hermanastras gemelas de Kate, ambas igual de exageradas y encantadoras. La estrella de "Pitch Perfect" se luce en los papeles dobles que roban cada escena en la que aparece, hundiéndose en el tono desenfrenado de la serie como si hubiera estado ahí desde el principio. Griffin Matthews equilibra esto hábilmente como su hermano Teddy, y claro, aparecen y desaparecen más personajes a lo largo de los diez episodios.

Al igual que las temporadas anteriores, la quinta temporada comienza con lentitud antes de tomar impulso, pero Netflix tomó la inteligente decisión de estrenarla completa de una vez, a diferencia del desafortunado lanzamiento en dos partes de la cuarta temporada. El giro a mitad de la temporada abre el camino a un territorio narrativo inexplorado, desde las relaciones cercanas de Joe hasta su imagen pública y las preguntas sin respuesta de su pasado. Sabíamos que no puede escapar de su destino para siempre, pero... ha sido divertido verlo intentándolo.

Crítica Cinéfila: Pepe

Una voz que dice provenir de un hipopótamo. Una voz que no entiende la percepción del tiempo. Pepe, el primer y último hipopótamo muerto en América, cuenta su historia con la arrolladora oralidad de estos pueblos.

En 2017, Nelson Carlo sorprendió las salas de cine con su película "Cocote", una historia que con estilo narrativo, visual y técnico muy particular, rompió con cualquier estándar que ya se había visto anteriormente dentro de la cinematografía dominicana. Pero más que su distancia hacia parámetros y técnicas anteriormente visitadas, el director anticipó con su primer largometraje de ficción que no es el cineasta visionario tradicional que la industria local entiende. "Pepe", su obra más reciente que lo hizo ganador de Mejor Dirección en la Berlinale 2024, trae un estilo y una narrativa todavía más alejada a lo que comúnmente se aprecia en el cine dominicano. Esta definitivamente no es una película para todo público; ni siquiera para todo público amante del cine.

Cuando Pablo Escobar murió en un tiroteo con las fuerzas especiales colombianas en 1993, el "Rey de la Cocaína" dejó tras de sí una manada privada que incluía cuatro hipopótamos. Para 2007, la manada había crecido a 16 hipopótamos que vivían en libertad y continuaban multiplicándose en el río Magdalena y sus alrededores, siendo percibidos gradualmente como una amenaza para los agricultores y pescadores locales. Un macho rebelde que se había separado de la manada, bautizado "Pepe" por los medios de comunicación, fue asesinado dos años después por cazadores que actuaban bajo órdenes de las autoridades. Nelson Carlos de los Santos Arias presenta una versión peculiar de esa historia en Pepe.

Al igual que en "Cocote", la película se comporta como un collage discursivo, un híbrido de documental y ficción, concebido aparentemente como un poema filosófico. El inconexo comienzo es especialmente desafiante, y muchos lo encontrarán frustrante, probablemente lento y opaco. Gran parte se desarrolla en una pantalla en blanco o en escenas nocturnas oscuras. Más enfocada en su narrativa, parecería que el director quiere que relacionemos a Escobar con Pepe, sin aportar mucha información concreta. Se desvía hacia los pensamientos en off del narrador hipopótamo, maravillándose del lenguaje desconocido que sale de su boca, de las historias que parece conocer instintivamente y preguntándose sobre sus orígenes, aunque solo sabe con certeza que ya está muerto. 

Lo que más sorprende es que parecería que el hipopótamo está actuando cuando se ve en pantalla. La narración intermitente de la bestia del título cambia en varios momentos del afrikáans al mbukushu, el idioma bantú de Namibia, y luego al castellano, a menudo acompañado por los gruñidos y mugidos de sus compañeros hipopótamos. Pepe incluso vocaliza sonidos como la Oruga de Alicia en el País de las Maravillas. El drama humano resulta menos atractivo cuando la atención se centra en un pescador de río que se asusta al encontrar el cuerpo corpulento de Pepe enredado en su red, casi tirándolo de su bote. Es difícil despertar interés en las disputas del hombre con su irascible esposa, quien resta importancia a sus afirmaciones de un encuentro con una bestia monstruosa como si fueran solo otra tontería de borracho, o incluso en las rutinas y costumbres del pueblo atemorizado por la criatura.

La película se transforma en documental de naturaleza cuando la criatura visualiza sus raíces ancestrales en el suroeste de África, a orillas del río Okavango, en la primera de muchas impresionantes tomas con dron. Esta captura los cuerpos de una manada de hipopótamos, que brillan como piedras lisas en aguas poco profundas. Si bien un desvío con un grupo de turistas alemanes resulta bastante torpe y probablemente innecesaria, su guía local nos enseña que el hipopótamo es un animal sabio con un profundo conocimiento tanto del agua como de la tierra, y que, a pesar de su considerable corpulencia, puede moverse más rápido que cualquiera de nosotros.

De los Santos Arias hace una referencia pasajera a seres traídos a un país extranjero y tratados como una amenaza que debe ser eliminada. Sin embargo, cualquier alegoría humana que pretenda representar la dislocación cultural o la esclavitud sigue estando poco desarrollada. Si bien Pepe salta mucho más y dedica demasiado tiempo a la afectación artística, alcanza su potencia en una imagen final mientras la cámara se aleja sobre el triste espectáculo de Pepe abatido por las balas en una exuberante pradera, con un semicírculo de humanos boquiabiertos de pie junto al cuerpo ensangrentado del hipopótamo. Esa es la escena que más merece la pena ver. Todo lo anterior, es algo que lo dejo a libertad de la audiencia; hasta lo de catalogar si se puede considerar o no una película dominicana.

Crítica Cinéfila: Books and Drinks

David es el bohemio dueño de una librería de Brooklyn en bancarrota. Tras una visita inesperada de su madre, descubre que su padre ha muerto de un infarto, dejándole en herencia su casa en el Caribe. Raquel, su novia, insiste a David en que vuele a República Dominicana para vender la casa y así poder saldar las deudas y convertir su librería en el lugar que siempre ha soñado. María, una apasionada agente inmobiliaria, le ayudará en la gestión de la venta. 

"Libros y bebidas"; suena a la combinación perfecta para los que somos amantes literarios. Me lleva a verme en una playa con una buena Piña Colada acompañada de una novela relajada. En definitiva, una forma agradable pero sin complicaciones de pasar el rato. Que pena que la combinación se cae totalmente en la película de Geoffrey Cowpar. Esta trama, que es una co-producción de Caribbean Films, abandona las emociones de su título a su totalidad cuando nos da un personaje que no toma y que excluye en su lista de lectura cualquier Bestseller.

David (Jackson Rathbone) está estancado. Es dueño de una librería en decadencia en Brooklyn y vive a la sombra de su exitosa y exigente prometida, Rachel (Clara Lago). Su vida da un vuelco cuando su madre le revela que el padre que ella le dijo que llevaba muchos años muerto, en realidad estaba vivo, pero finalmente ha fallecido. Ahora David debe viajar a la República Dominicana para vender la mansión de su difunto padre y obtener su herencia. En el camino, se encuentra en una encrucijada "amorosa". Descubrirá qué atrajo a su padre a la isla: la gente, la cultura y la posibilidad del amor verdadero.

Cuando el público conoce a David y su librería, seguro les vendra a la mente "Alta Fidelidad". Al igual que Rob y su tienda de discos en esa película, el negocio de David apenas sobrevive, en parte debido a su actitud ligeramente esnob hacia la literatura (se niega a encargarle un ejemplar de "Fifty Shades of Grey" a alguien), y tiene que pasarse los días escuchando a su ruidoso y descarado empleado Michael (David Maler), quien quiere diversificar la oferta de la librería con "fiestas literarias". En esencia, fiestas literarias con temática de libros y bebidas que son "literarias" en el lenguaje moderno de nuestros tiempos.

La repentina revelación del fallecimiento de su padre, a quien se creía fallecido, envía a David a República Dominicana durante unos días para vender la mansión que ha heredado y así poder salvar su propio negocio. Lo que sigue es una clásica historia de pez fuera del agua: David lucha por congraciarse con los lugareños, especialmente con los empleados de su padre en la casa. Muchos lo ven como el hombre blanco que viene a perturbar la comunidad con la venta.

Pero su actitud ante su propia estancia temporal cambia cuando conoce a María (Nashla Bogaert), la agente inmobiliaria que vende esta propiedad. El resultado es el inevitable triángulo amoroso que comienza a gestarse. Uno que implica un malentendido obvio y artificial, que incluye un chapuzón "accidental" en la piscina y alguien que entra en el momento menos indicado. El problema de esta subtrama es: ¿de qué lado debemos ponernos? Del lado de David y sus crecientes sentimientos hacia María (quien de por sí tiene novio) o del lado de Rachel (quien de por sí es la novia de años de David). No lo ponen tan difícil en la medida que van mostrando aún más el comportamiento obsesivo/posesivo/narcisista de Rachel. Por lo que la audiencia naturalmente se inclinará por apoyar "el amor orgánico".

Es esta falta de conflicto la que da como resultado un plato bastante insípido, carente del sabor y el picante que caracterizan la gastronomía de nuestro país. No solo decide evitar el drama de la relación que se está deteriorando creando otras relaciones alternativas, sino que David evita congraciarse con la comunidad y el conflicto que allí surge con relación a su fin. Al ser vegano, no prueba su comida. Se niega a conducir el clásico descapotable de su padre debido al calentamiento global. Y, salvo alguna partida de dominó con los lugareños, pasa la mayor parte del tiempo sentado en casa leyendo un libro (sin una copa de vino, por cierto).

Al centrarse en el tema central de la relación, la película pierde la oportunidad de explorar el aspecto más interesante de su viaje: intentar asimilar la pérdida de este hombre al que nunca conoció. Un descubrimiento emocional que no se puede lograr simplemente tocando las teclas del viejo piano de su padre. Jackson Rathbone, famoso por interpretar a Jasper en la saga "Twilight", es un protagonista simpático. Sin embargo, el guion no le da suficiente para engancharle, a diferencia de las películas de vampiros. Sus diálogos son extremadamente superficiales y sus saltos de personalidad, dependiendo de con quien esté conversando, lo hacen aún más confuso.

El resultado final es como una novela que ya has leído muchas veces. No hay nada sorprendente en la trama, el romance no es creíble, y los personajes son olvidables. Como las bebidas que disfrutan con un buen libro, no tiene la intensidad ni la profundidad de sabor necesarias para dejar una impresión duradera.

Crítica Cinéfila: Ainda Estou Aqui

Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que narra cómo su madre se vio obligada al activismo político cuando su marido, el diputado izquierdista Rubens Paiva, fue capturado por el gobierno durante la dictadura militar de Brasil, en 1971.

Se dice que el duelo tiene cinco etapas: negación, ira, negociación, depresión y aceptación. Pero en la pesadilla que sufre la familia Paiva no hay esperanza de aceptar lo que les ha sucedido, ya que el gobierno que torturó y ejecutó al amado patriarca de su familia niega que haya sido arrestado. La última película del director brasileño Water Salles, mejor conocido por "Diarios de motocicleta", descubre la crueldad kafkiana en el centro de la dictadura militar que gobernó su país entre 1968 y 1985. Cuando una familia queda irreparablemente traumatizada por el destino de su padre y, como dice su matriarca Eunice (Fernanda Torres), "deja a todos atrás en un estado de tortura irreparable". Esa tortura fue capturada en las memorias del miembro más joven de la familia Paiva, Marcello, cuyo libro sobre lo que le sucedió a su padre Rubens (Selton Mello) es la base de la película de Salles. 

Cuando “Aún estoy aquí” (Ainda Estou Aqui) presenta a la numerosa y bulliciosa familia, viven en una casa bien equipada pero cálida junto a la playa de Río de Janeiro, el tipo de existencia idílica que es la envidia de sus vecinos. Su característico suflé nunca deja de estar en la mesa, todos están siempre elegantemente vestidos y la puerta siempre está abierta a un desfile de amigos, colegas y dulces cachorros listos para ser adoptados. Este es el mundo en el que nos sumerge casi la mitad de la película de Salles. De fiestas, buen whisky con hielo y cálidos vínculos familiares que capturan con amor en viejas cámaras de Super-8, pero Salles hace que la violencia se introduzca lentamente, con camiones llenos de soldados que avanzan a toda velocidad por la calle de fondo y el zumbido de los helicópteros que interrumpen sus conversaciones. Su felicidad y su posición política (Rubens es un ex congresista bien conectado) les han dado una agonizante ilusión de seguridad, e incluso cuando han visto que son objetivos, no lo asimilan del todo. Una Eunice desesperada le admite a la maestra de su hijo: "¡Mi esposo está en peligro!", y le corresponde a ella informar claramente a la cuasi viuda que "todos estamos en peligro".

Aún así, incluso sabiendo lo que está por venir, dado que la infamia del destino de Rubens todavía es bien conocida como un símbolo de la crueldad del régimen, el acto de su arresto se presenta de manera insoportable, con sus ingenuos hijos más pequeños felizmente inconscientes de lo que significan los cinco hombres que ingresan a su casa con pistolas escondidas en sus cinturones. Las escenas de interrogatorio son igualmente brutales, con las figuras de autoridad adoptando un estilo menos típico de policía bueno-policía malo y casi destrozando la psique de las personas al mantenerlas libres del tiempo en celdas oscuras de donde solo salen para ser torturadas o para que les hagan exactamente el mismo conjunto de preguntas. 

La segunda mitad de la película se centra en Eunice y su búsqueda simplemente de respuestas; la idea de que obtengan justicia nunca parece estar sobre la mesa, pero la película, en cambio, es un camino para salir de la locura del sistema donde simplemente admitir lo que le sucedió a su padre llenaría parte del vacío que ha dejado atrás.

La interpretación de Fernanda Torres como Eunice es tan espectacular como sugiere su filmografía, destacándose como una de las mejores actrices del continente sudamericano en papeles en “Tierra extranjera” (también dirigida por Salles) y ganando una Palma de Oro a la Mejor Actriz en “Ámame por siempre o nunca”. Su Eunice posee una fuerza y ​​un estoicismo fenomenales que hacen que cada momento de dolor que se asoma por las grietas de su armadura sea aún más conmovedor. También es, gracias a los formidables talentos de ella y de Mello, una familia cuyo afecto se siente vivido e íntimo. Incluso si no se puede escapar por completo de este estancamiento del duelo, las razones por las que son capaces de soportarlo son claras en las muchas pequeñas bondades que llenan tantas de sus escenas, un agarre tranquilizador en el hombro, una camisa prestada y un espacio hecho en la cama a su lado para aquellos que tienen demasiado miedo de dormir. 

Si bien el impacto de lo que la dictadura militar le hizo a esta familia que alguna vez fue feliz es una parte vital del registro histórico de Brasil, hay problemas de ritmo a medida que se acerca el final. La última media hora de la película es una serie de finales falsos, en los que uno no está seguro de qué momento le daría al público la satisfacción que la familia siempre eludiría, y es muy probable que la intención sea quedarse con ese vacío que deja la desaparición de un ser querido. Es imposible seguir adelante, la marcha del tiempo solo va en una dirección y la vida sin Rubens termina con un beso y una promesa de que volvería a tiempo para probar un trozo del famoso suflé de su esposa. 

Todavía hay una sensación de optimismo a medida que la película, en el estilo clásico de una película biográfica, muestra una serie de fotografías de las figuras reales antes de los créditos finales, lo que consolida que se trata de una obra sobre una crueldad indescriptible, pero también un legado de amor. Rubens Paiva fue un hombre que fue profundamente amado por aquellos que dejó atrás y, sin importar lo que la dictadura sádica, los soldados brutales o los burócratas de corazón frío hicieron para borrarlo, nunca lo lograron. 

Crítica Cinéfila: Sing Sing

Un pequeño grupo de presos encarcelados en el Centro Correccional Sing Sing, una de las prisiones de máxima seguridad más famosas del mundo, se propone montar su propia obra teatral como parte de un taller de teatro. A través de las artes escénicas, estos hombres consiguen ver el mundo como un lugar por el que luchar.

Las rejas no pueden contener la enorme cantidad de imaginación que ofrece “Sing Sing”, no solo por la forma en que el director Greg Kwedar y su coguionista Clint Bentley concibieron el drama ambientado en la prisión, sino también por la fuerza esperanzadora entre sus personajes. Aparte de Colman Domingo y algunos otros, la mayoría del elenco son ex-encarcelados del programa Rehabilitation Through the Arts, que presenta producciones teatrales en el Centro Correccional Sing Sing de Nueva York. Mientras están dentro de los muros de una penitenciaría, los actores aficionados tienen la oportunidad de salir de sus peores delitos y simplemente habitar otro personaje para variar, alguien que probablemente sea más revelador de quiénes son realmente de lo que les permite su uniforme de trabajo de la cárcel.

A partir de su experiencia como profesores voluntarios en centros penitenciarios, Kwedar y Bentley son conscientes del poder que supone ver a estos hombres transformarse ante nuestros ojos de prisioneros endurecidos en artistas juguetones. Es posible que algunas escenas duren un poco más de lo debido pero no la hace más pesada, considerando la mirada profundamente empática y sumamente cautivadora que ofrece “Sing Sing” del sistema penitenciario, donde nadie debería ser definido por su pasado ni descartado por la sociedad.

El dúo creativo, que alterna proyectos en la silla del director, se basa en el enfoque que adoptaron en “Jockey”, la colaboración de 2021 dirigida por Bentley que colocó a Clifton Collins Jr. entre los miembros de la comunidad de las carreras de caballos. En “Sing Sing”, la pareja ha ideado una historia con un anclaje claro en el personaje de Domingo, Divine G, uno de los fundadores en la vida real del programa RTA, que cumple una condena por un asesinato que jura no haber cometido. Dado el énfasis de la película en la imaginación, el objetivo final de montar una producción es mucho menos importante que los ejercicios de actuación que hacen a lo largo del camino. El público comparte una sensación palpable de catarsis con los prisioneros en los momentos en que surge una verdad emocional profundamente enterrada, normalmente bajo el manto de interpretar un personaje.

Paul Raci, que aportó una integridad y un sentimiento similar a “Sound of Metal”, también contribuye a la obra. En esta ocasión, interpreta a Brent, un director de teatro contratado para dirigir estos ejercicios y, finalmente, tratar de poner en forma una producción poco ortodoxa. Como los prisioneros no se ponen de acuerdo sobre qué obra representar, Brent diseña una extravagante comedia de viajes en el tiempo con papeles para todos, desde un príncipe egipcio hasta Hamlet y Freddy Krueger, además de enormes batallas de gladiadores y números musicales para todo el elenco.

El director de fotografía Patrick Scola no es el único que encuentra ángulos interesantes dentro de los confines industriales de “Sing Sing”. A medida que la película avanza diligentemente hacia el gran día del espectáculo, encuentra una tensión fascinante entre Divine G y otro prisionero, Divine Eye (Clarence “Divine Eye” Maclin), que se resigna a “ser un gánster cuando eso es lo que funciona”, aunque claramente es capaz de más. Divine G no habría iniciado la RTA si no creyera en el potencial reformador de personas como Divine Eye, pero su generosidad se pone a prueba cuando el nuevo recluta hace una audición para el papel que quería. De esta pequeña amenaza a su ego surge una amistad tentativa, ya que Divine G anima a Divine Eye a buscar una audiencia de libertad condicional, incluso cuando su propia apelación llega a un callejón sin salida.

Domingo ofrece una actuación imponente. Ver cómo la luz en los ojos de Divine G se apaga aunque sea un poquito es una tragedia que “Sing Sing” no necesita exagerar. Aunque Divine G se ve a sí mismo como una figura de autoridad entre los prisioneros, el actor también es cautivador cuando simplemente absorbe información, reconociendo instintivamente cuándo ceder el protagonismo a sus coprotagonistas no profesionales. Hay una energía viva en las escenas en las que participa todo el elenco, acentuada por el trabajo de cámara vertiginoso de Scola y la ágil y enérgica banda sonora de piano y cuerdas de Bryce Dessner durante las escenas de ensayo. A medida que estos actores poco convencionales desaparecen en sus papeles asignados en el escenario, “Sing Sing” demuestra que a menudo no están en el lugar adecuado para sus propias vidas.

Crítica Cinéfila: The Brutalist

Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Toth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio...

El pasado cobra vida como un mundo envolvente en "The Brutalist", el tercer largometraje de Brady Corbet como director, de estilo novelesco y visual granuloso, sobre un hombre de genio que llega a probar el sueño americano, pero también siente la dolorosa humillación de una bienvenida condicional que se vuelve áspera. Esta extensa historia de un brillante arquitecto judío húngaro formado en la Bauhaus que sobrevive a la Segunda Guerra Mundial y comienza una nueva vida en Pensilvania es una originalidad provocativa.

Escrita por Corbet con su compañera y colaboradora habitual Mona Fastvold, "The Brutalist" se acerca más a las ideas agitadas de una mente que ha pasado por un sinnúmero de traumas y representa un gran salto de alcance, contemplando temas tan sustanciosos como la creatividad y el compromiso, la identidad judía, la integridad arquitectónica, la experiencia de los inmigrantes, la insularidad arrogante del privilegio y el largo alcance del pasado. Con una duración de tres horas y media repleta de acción, incluido un intermedio con entreacto, esta cautivadora película le ofrece a Adrien Brody su mejor papel en años, como el talentoso arquitecto László Tóth, llevado a través de la puerta de la fortuna por un magnate rico ansioso que financia el proyecto de sus sueños y luego brutalmente reducido a la nada cuando su patrón está disgustado.

Brody se vuelca en el personaje con una inteligencia desbordante y un fuego interior, sin guardarse nada mientras transmite visceralmente tanto los momentos de júbilo como las tristezas desgarradoras. Su exigente trabajo de acento por sí solo es una medida de su compromiso con el audaz proyecto. 

El comienzo nos sacude de inmediato y nos sumerge en una atmósfera de ansiedad mientras László es empujado de un lado a otro en un vagón de barco abarrotado de gente; el diseño de sonido estremecedor sugiere la pesadilla de su terrible experiencia. Sobre las turbulentas notas de la poderosa banda sonora de Daniel Blumberg, se escuchan en off cartas de la esposa del arquitecto, Erzsébet (Felicity Jones), de quien se separó durante el internamiento, que detallan su situación en un campo de desplazados en Hungría con la sobrina de László, Zsófia (Raffey Cassidy). László se encuentra a bordo de un barco con destino a Estados Unidos, con planes para que Erzsébet y Zsófia lo sigan.

Las escenas de llegada a Ellis Island son un elemento básico de los dramas sobre inmigración, pero los desconcertantes ángulos desde los que la directora de fotografía Lol Crawley filma la Estatua de la Libertad cuando aparece ante sus ojos parecen presagiar tanto la euforia de la liberación como los desafíos que se avecinan. Las miradas vacías de los pasajeros reunidos, que apenas pueden seguir las instrucciones en inglés de los funcionarios del puerto, brindan una imagen inquietante de personas para quienes la libertad conlleva miedo.

Después de un encuentro rápido y notablemente gráfico con una trabajadora sexual inmigrante, László viaja a Pensilvania, la capital de la industria. Allí se reencuentra cálidamente con su primo Attila, interpretado por Alessandro Nivola, con sutiles indicios de una generosidad fraternal que tiene límites. El olvido del viejo mundo es evidente en su acento moderado, su esposa Audrey (Emma Laird) y en el nombre de la tienda de muebles de la pareja, Miller & Sons: "Aquí a la gente le gusta un negocio familiar". Incluso se convirtió al catolicismo antes de casarse.

Harry (Joe Alwyn), un nuevo cliente potencialmente importante, contrata a Miller & Sons para rediseñar la lúgubre biblioteca de la mansión de su familia como una sorpresa para su padre, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), que está de viaje de negocios. Attila confía el proyecto a László, y el arquitecto contrata a Gordon (Isaach De Bankolé), un joven padre soltero negro a quien conoció en una fila en busca de ayuda humanitaria, como ayudante de construcción. El perfeccionismo del arquitecto causa retrasos, pero la transformación resultante crea un refugio de serenidad y luz, con la valiosa colección de primeras ediciones de la habitación inteligentemente protegida de daños. La reacción de Van Buren Sr. no es la sorpresa que su hijo pretendía. No le impresiona la nueva biblioteca y se enfurece al encontrar su casa patas arriba y a “un hombre negro” en su propiedad, y despide a los contratistas en un ataque de furia.

Cuando Harry se niega a pagar debido a los daños en el techo, Attila culpa a su primo. Audrey ya ha estado presionando a László para que se vaya desde una supuesta transgresión durante una noche de borrachera en su casa. Attila usa esa tensión como una justificación adicional para echarlo. Aterriza en un refugio con Gordon, aceptando trabajos de construcción para sobrevivir y usando opio para adormecer el dolor de sus heridas de guerra.

László se sorprende cuando Harrison aparece en una obra en construcción con un ejemplar de la revista Look con una serie de fotografías que describen la biblioteca como un triunfo del diseño minimalista. El millonario tiene una carpeta con información sobre el arquitecto, incluidas fotos de notables edificios proto-brutalistas que diseñó antes de la guerra. Dado que el Reich consideró que el trabajo de László y sus colegas era “no germánico”, se emociona hasta las lágrimas, ya que dio por sentado que todas las fotografías fueron destruidas.

Esa escena es una de las muchas en las que la respuesta emocional de László a la arquitectura indica la pasión afín del director por esta forma de arte en relación con su época. El protagonista ficticio se inspiró en parte en la vida de Marcel Breuer, y Louis Kahn y Mies van der Rohe también figuran entre las referencias de Corbet y Fastvold.

Harrison envía un coche para László el domingo siguiente, cuando éste se tambalea de regreso a casa después de una noche de excesos. Se encuentra en un almuerzo formal, donde un abogado judío se ofrece a ayudar a Erzsébet y Zsófia a llegar a Estados Unidos. Los invitados reciben instrucciones de seguir a Harrison mientras los conduce en un frío abrasador hasta la cima de una colina desde la que se puede ver todo Doylestown. Él comparte su visión de un gran centro comunitario que será diseñado por László, que se instalará en una casa de huéspedes en la propiedad mientras se lleva a cabo la construcción.

La compensación económica y la oportunidad artística marcan un punto de inflexión en la historia, al igual que la llegada de Erzsébet y Zsófia, la primera físicamente destrozada por la guerra y el hambre, y la segunda inicialmente muda por los horrores que vivió. Pero casi desde el principio, el proyecto soñado de László está plagado de dificultades, cada una de las cuales socava su sentido de control y su ego.

Al principio, el hecho de que Harry supervise el trabajo y no se esfuerce por disimular su desagrado por László no es más que una molestia. Pero cuando se contrata a un contratista y a otro arquitecto para evaluar los costes y los representantes de planificación urbana empiezan a plantear exigencias, László se siente obligado a cubrir los excedentes presupuestarios con sus propios honorarios. El proyecto se ve paralizado por un accidente ferroviario en el que se ve involucrado un tren que transportaba materiales, lo que hace que nos acordemos de la ira que mostró Harrison en su primera reunión.

La tensión en el matrimonio del arquitecto se alivia, pero no se resuelve, en una escena espectacular en la cama, durante la cual Erzsébet, en quizás el momento más fuerte de Jones, hace llorar a László al expresar lo bien que lo entiende. Lo apoya, pero no lo somete, y se enoja por la forma en que él la excluye de las decisiones que los afectan a los tres. Como dice más adelante, “László solo rinde culto en el altar de sí mismo”. Aunque un incidente degradante entre Harry y Zsófia se desarrolla fuera de la pantalla, a László no se le escapa y, aunque nunca se habla del asunto, presagia un acontecimiento impactante que ocurrirá años después, cuando se haya reanudado el trabajo en el proyecto. Ese momento culminante ocurre en Italia, donde Harrison acompaña a László a las canteras de mármol en las montañas de Carrera.

En un pasaje de una extraordinaria belleza, Orazio (Salvatore Sansone), un amigo y compañero de antes de la guerra, comparte sus profundos sentimientos sobre el mármol y su importancia para su época como combatiente de la Resistencia, sobre el peso del milagro geológico tanto en la historia europea como en la América fundacional. El hecho de que una declaración tan conmovedora preceda a la brutal degradación de László no hace más que amplificar su impacto demoledor. Los Van Buren son la quinta esencia de la corrupción moral engendrada por la riqueza y el poder; sólo la hermana gemela de Harry, Maggie (Stacy Martin), parece valorar la bondad genuina. 

"The Brutalist" se convierte en una crítica mordaz de las formas en que la clase adinerada y privilegiada de Estados Unidos gana prestigio a través del trabajo y la creatividad de los inmigrantes, pero nunca los considerará iguales. A pesar de las grandes declaraciones de Harrison sobre la responsabilidad de los ricos de cuidar a los grandes artistas de su tiempo, es un guardián cultural en un club excluyente. Despreciando la debilidad, termina por reducir a László a su mínima expresión con una crueldad que, en retrospectiva, parece predestinada desde ese primer encuentro. Pocas veces Brody ha estado mejor, pues aporta una tremenda seriedad, pero también un dolor que corroe el orgulloso sentido de sí mismo de László, su sentido de propósito y destino. Es una actuación imponente; ver al arquitecto tratado como basura es aplastante.

El papel de Jones parece casi marginal al principio, pero el personaje crece en estatura y fuerza a medida que la clarividente Erzsébet (solitaria, no bienvenida y trabajando arduamente en un trabajo que está por debajo de ella) hace una evaluación condenatoria de los Estados Unidos y su lugar en el país mientras su esposo se derrumba bajo presión. Alwyn hace uno de sus mejores trabajos, haciendo que Harry sea despreciable sin caer en la caricatura. Pero el verdadero protagonista del elenco secundario es Pearce en su forma imponentemente fría. Harrison es un visionario como László, pero su encanto practicado se ve socavado por una ausencia de humanidad.

La película está dedicada a la memoria del compositor Scott Walker, que murió en 2019 y compuso la música de las películas anteriores de Corbet. La conmovedora obra de Blumberg lo honra con ecos sutiles, evocando también comparaciones a veces con los bordes irregulares de Mica Levi o la solemne grandeza de Terence Blanchard. El editor David Jancso teje la extensa historia con un hilo conductor que nos lleva a lo largo del tiempo, incorporando material de archivo para el contexto histórico. Y la fotografía de Crawley es magnífica, más aún cuando se recorren los pasillos que parecen mausoleos del proyecto inacabado o los túneles de Carrera. Junto con la diseñadora de producción Judy Becker y la diseñadora de vestuario Kate Forbes, el director de fotografía muestra un ojo atento para los detalles, evocando el aspecto de los Estados Unidos de mediados de siglo con una verosimilitud de la época que parece viva, nunca congelada en ámbar.

"The Brutalist" es una película enorme en todos los sentidos, que cierra con un epílogo resonante que ilustra cómo el arte y la belleza surgen del pasado, trascendiendo el espacio y el tiempo para revelar una libertad de pensamiento e identidad a menudo negada a sus creadores.

Crítica Cinéfila: Juror #2

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Imagine que usted es una persona cumpliendo con ser jurado de un juicio por primera vez, y de repente, el primer día, descubre que el acusado ha sido acusado de un crimen terrible del que usted es, de hecho, responsable. Ése es el detonante de la última película de Clint Eastwood, “Juror #2”, una extensión ligeramente absurda pero sumamente atractiva de la fascinación que ha sentido durante toda su carrera alrededor de las temáticas de la culpa, la justicia y las limitaciones de la ley.

En las películas en las que Eastwood actúa, las armas son de gran ayuda para resolver problemas que el sistema no puede resolver. Pero el director no aparece en “Juror #2”, un drama judicial de corte moral en el que Nicholas Hoult interpreta al único que se resiste en un juicio por asesinato. La película puede comenzar con una nota de idealismo, pero rápidamente se vuelve cínica cuando el personaje de Hoult, el esposo “perfecto” y ciudadano honrado Justin Kemp, honra su citación al jurado, aunque preferiría quedarse en casa con su esposa embarazada, Ally (Zoey Deutch).

En el momento que la fiscal Faith Killebrew (Toni Collette) describe el asesinato (un claro caso de violencia doméstica, en su opinión), Justin se da cuenta de que estaba en el bar de la carretera la noche en cuestión. Lo que es aún más inquietante es que, según los flashbacks de Justin, parece claro que el ciervo al que atropelló de camino a casa no era un ciervo, sino la víctima, Kendall Carter (Francesca Eastwood).

¿Cuáles son las probabilidades? Es mejor no cuestionarlo. O estás de acuerdo con la premisa o no estás en una película que se toma en serio la situación resultante, invitando al público a reflexionar sobre lo que harían en el lugar de Justin. Para complicar las cosas, el futuro padre es un alcohólico en recuperación, y su padrino (Kiefer Sutherland) —que también es abogado— le advierte que si confiesa, nadie creerá que estaba sobrio en la fatídica noche.

No es casualidad que la película esté ambientada en Georgia, donde el homicidio vehicular en primer grado se considera un delito grave. La ubicación le da a Collette (y a nadie más del elenco) la oportunidad de hacer un marcado acento sureño, ya que su personaje alterna entre los tribunales y la campaña electoral. Faith se postula para fiscal de distrito con una plataforma dura contra el abuso doméstico, y este caso podría llevarla a la victoria, lo que hace que la verdad sea tan incómoda para ella como lo es para Justin. 

Una vez que el juicio termina y comienzan las deliberaciones, Eastwood parece contar con que haya visto “12 Angry Men” (1957), y plantea la posibilidad de que Justin pueda convencer al resto del jurado para que se absuelva, o bien empujarlos hacia un veredicto de culpabilidad, dejando que el novio de Kendall, James Sythe (Gabriel Basso), cargue con la culpa. Pero el guión de Jonathan Abrams tiene algunos giros bajo la manga que parecen encajar con la visión más escéptica de Eastwood sobre el proceso legal.

Al principio, Justin da un breve discurso digno tipo Frank Capra sobre cómo el acusado merece el beneficio de la duda, pero está claro que es su conciencia la que habla. Diez de los jurados están dispuestos a condenar, mientras que Justin encuentra un aliado en Harold (JK Simmons), un ex detective de policía cuyo instinto le dice que el acusado es inocente.

Justin se da cuenta de que el problema de influir en los demás es que actúan con base en prejuicios, lo que supone una crítica bastante dura del sistema de “pares” con el que funcionan los jurados. Al igual que la policía y el fiscal, estos civiles son susceptibles a los prejuicios, ya que solo consideran las pruebas que respaldan las conclusiones a las que llegaron apresuradamente. Por supuesto, todo podría resolverse bastante rápido si Justin dijera la verdad.

El editor Joel Cox y su hijo David siguen haciendo cortes para mostrar primeros planos del rostro de Justin, mientras Hoult transmite su confusión a través de ojos furtivos y miradas nerviosas, emociones que seguramente mantendría ocultas en la vida real. No es el único personaje que enfrenta una crisis de conciencia: Faith finalmente comienza a cuestionar su caso, lo que podría poner en peligro sus ambiciones políticas, al tiempo que le da a Collette la oportunidad de redimir a un personaje que antes parecía un obstáculo moralista a la justicia y ahora parece su defensor más digno de Eastwood.

Después de centrarse en la culpabilidad de Justin durante la mayor parte de la película, el guion de Abrams juega una mala pasada hacia el final, saltándose el voto final del jurado para sorprendernos cuando se lee el veredicto en el tribunal: una trampa eficaz, dramáticamente hablando, que deja la decisión más importante de Justin fuera de la pantalla. Si bien hay mucho que analizar a lo largo de la película, la última escena de la película nos deja a nosotros como jueces.

Como siempre, Eastwood respeta nuestra inteligencia. Y, sin embargo, “Juror #2” es una anomalía en su obra: se encuentra entre sus películas más serenas a nivel de acciones, en las que se renuncia al espectáculo en favor de la autorreflexión. Se podría decir que todo el sistema está siendo juzgado, y, sin embargo, el único hombre enojado aquí es Eastwood, no los jurados, ya que Harry el sucio no termina con una explosión, sino con un susurro ambivalente.

Crítica Cinéfila: Cien Años de Soledad, 1ra parte

En la intemporal población de Macondo, siete generaciones de la familia Buendía navegan entre el amor, el olvido y lo ineludible de su pasado... y de su destino.

La obra magna de 1967 del ganador del Premio Nobel Gabriel García Márquez , “ Cien años de soledad ”, ha sido considerada durante mucho tiempo como una de las mayores obras de la literatura moderna. Sin embargo, Gabo se negó toda su vida a vender los derechos de la novela porque sintió que una adaptación cinematográfica no se acercaría ni por asomo a la superficie de este relato tan narrativamente cargado, sin olvidar que tiene una duración de casi un siglo. Ahora, con la bendición de sus hijos Rodrigo García y Gonzalo García Barcha, quienes se desempeñan como productores ejecutivos, Netflix ha adaptado la obra maestra en una serie limitada de dos partes que abarca más de 16 horas. Con los directores Alex García López y Laura Mora a la cabeza de la primera parte, “Cien años de soledad” es exquisitamente detallada y está llena de simbolismo intrincado. La serie es una de las adaptaciones de libro a pantalla más fieles de los últimos años. 

"Cien años de Soledad", una historia de familia, destino, poder y las fragilidades de la humanidad, comienza a mediados del siglo XIX con un amor prohibido. En medio de una boda eufórica, el público conoce a los jóvenes enamorados, José Arcadio Buendía (Marco Antonio González) y Úrsula Iguarán (Susana Morales). Desafortunadamente, sus familiares no disfrutan de la alegría de los recién casados. Como José Arcadio y Úrsula son primos hermanos, los temores de la familia sobre las aberraciones de sus descendientes interfieren en la celebración. La madre de Úrsula aterroriza a su hija con siniestras predicciones de que dará a luz bebés monstruosos con cola de cerdo. Enfurecido por la constante desaprobación, José mata a un conocido gallero por burlarse de su matrimonio aún no consumado. Una vez absuelto del asesinato, él y Úrsula hacen sus maletas y se disponen a buscar un lugar para vivir lejos de las miradas y las burlas. Sin embargo, antes de que la pareja comience su búsqueda, la madre de Úrsula le recuerda: “No importa hacia dónde corras, nunca podrás escapar del verdadero destino”.

A lo largo del primer episodio, “Macondo”, la pareja y los amigos que los siguen deambulan por Colombia durante años antes de establecerse y construir un pequeño pueblo en medio de un pantano. José Arcadio nombra rápidamente el pueblo Macondo. En este lugar, nadie decide por los demás. Justo y centrado, José Arcadio se asegura de que cada pintoresca casa reciba la misma luz solar y agua. Con el tiempo, Úrsula da a luz a tres niños sanos, José Arcadio (Thiago Padilla), Aureliano (Jerónimo Echeverría) y Amaranta (Luna Ruíz), todos con traseros perfectamente humanos. Sin embargo, como aprenden rápidamente los Buendía, no existe una verdadera utopía en la que los humanos tengan libre albedrío, ambiciones personales y lujuria. 

“Cien años de soledad”, parte 1, consta de ocho episodios envueltos en imágenes inquietantes. Los directores de fotografía Paulo Pérez y María Sarasvati revelan una familia y Macondo en expansión y secuencias que hacen eco del pasado, presente y futuro de los Buendía. Bajo la visión de los diseñadores de producción Bárbara Enríquez y Eugenio Caballero, la serie muestra elementos como la exuberante pero traicionera ladera de las montañas colombianas hasta segmentos de realismo mágico, incluyendo una niña sangrando en una bañera en el río y el fantasma de un hombre muerto que acecha a los vivos. A diferencia de la mayoría de las adaptaciones de libros a la pantalla, los aspectos de esta narrativa no son apresurados ni se pasan por alto. Mientras el público pasa mucho tiempo en el diálogo de los personajes principales, la cámara también se detiene en todo, desde los diversos escenarios de un Macondo en rápida expansión hasta los panes y las sopas en la cocina de Úrsula. 

A medida que la serie avanza en el tiempo, las políticas de respetabilidad, los hijos ilegítimos, las rivalidades entre hermanos, las autolesiones, el incesto y las enfermedades mentales van desviando y desplazando a los Buendía, expulsando a algunos miembros de la familia y atrayendo a otros. Con el paso de los años, su hogar se transforma de una pintoresca posada a una enorme mansión. Sin embargo, la dinámica familiar es solo un segmento de esta historia. Previamente aislado del resto de la civilización, el crecimiento masivo de Macondo abre las puertas a la interferencia del gobierno. En el episodio 6, "El coronel Aureliano Buendía", también hay una representación cruel y sangrienta de la Guerra de los Mil Días de Colombia, que enfrentó a conservadores y liberales entre sí. 

Las actuaciones son excepcionales. Marleyda Soto, que interpreta a una Úrsula mayor, es práctica con una vena viciosa. Claudio Cataño, que interpreta a Aureliano adulto, es atormentado por premoniciones y deseos nefastos. Mientras tanto, Nicole Montenegro y Laura Grueso —la versión joven y la versión mayor de Rebeca, respectivamente— atormentan cada escena en la que aparecen, desde el momento en que la pequeña Rebeca aparece en la puerta de los Buendía sosteniendo una bolsa de huesos hasta la mujer audaz y deslumbrante impulsada por su sexualidad. Aun así, ningún personaje se transforma más que José Arcadio (interpretado por Diego Vásquez en episodios posteriores), quien se concentra demasiado en sus inventos y su alquimia en lugar de la satisfacción de su esposa e hijos. 

Aunque el ritmo de la serie a veces parece demasiado lento, la belleza de “Cien años de soledad” permite al espectador absorber cada fotograma y momento cuidadosamente seleccionados. Como resultado, el pasado de los Buendía es un eco continuo sin importar en qué generación se encuentre la historia. Es un recordatorio de cuánto influye la historia en el presente y por qué los seres humanos están tan a menudo condenados a repetir los errores de su pasado. Además, la narrativa sugiere que el aislamiento y la languidez en pos del propio interés con frecuencia engendran la podredumbre de la moralidad. 

Una obra monumental que desentraña cada capa de la novela de Gabo, la serie a veces resulta un poco densa, permitiendo que cada secuencia se ventile, incluso cuando parece dolorosa o innecesaria. Si se hubiera controlado la trama para una audiencia televisiva moderna, se habría logrado una adaptación más emocionante. Sin embargo, al permitir que los espectadores deambulen por la historia, “Cien años de soledad” se presenta tal como la escribió el novelista, con una gran cantidad de detalles y una profunda elocuencia.