Crítica Cinéfila: The Sandman, 2da temporada (2da parte)

Dream intenta evitar su muerte inminente a manos de las Bondadosas, a la vez que lidia con las consecuencias de sus acciones pasadas, en particular hacia su hijo, Orfeo. 

Desde sus inicios, The Sandman ha sido una serie de televisión sobre dioses y leyendas que viven para siempre, o al menos mientras los mortales contemos sus historias; terminar una serie sobre "lo Infinito" no es tarea fácil. Por eso, es un logro impresionante que The Sandman concluya con algunos de los episodios más impactantes de toda su trayectoria, dando un cierre digno a una saga extensa y centenaria. Todos los coloridos reinos de fantasía y las extrañas criaturas que hacen de esta serie un deleite visual siguen presentes. Pero también hay momentos de serena reflexión, mientras humanos, demonios y deidades se preguntan: ¿Puede un dios morir de verdad?

El dios en cuestión es Dream (Tom Sturridge), quien terminó la primera parte de la segunda temporada tomando una decisión crucial: arriesgarse a la ira de las Furias mitológicas asesinando por piedad a su hijo, Orfeo. En la amalgama de mitología, religión y folclore de "The Sandman", existen reglas inquebrantables contra el derramamiento de sangre familiar. La segunda parte de la segunda temporada se basa en gran medida en la posibilidad real de que los días de Dream estén contados, ya que las diosas griegas de la venganza, conocidas eufemísticamente como "las Bondadosas", pretenden hacerle pagar por lo que ha hecho.

Los cinco episodios evitan en su mayoría los flashbacks y digresiones prolongadas que han sido un elemento básico de Sandman hasta ahora. La trama está más centrada y posee una fascinación oscura, similar a observar un desastre que se desarrolla lenta e inevitablemente. Una vez Dream se da cuenta de que las imparables Bondadosas están decididas a matarlo, empieza a hacer planes para defender su reino etéreo, "el Ensueño", mientras se prepara para la probabilidad de su muerte. Irónicamente, casi todas las decisiones que toma para intentar evitar la fatalidad la acercan a su puerta.

El reparto secundario de Sandman disfruta de muchos momentos juguetones en esta media temporada. Freddie Fox, como el caótico dios nórdico Loki, y Jack Gleeson, como el hada malcriada Puck, cobran protagonismo desde el principio, ya que sus personajes se unen para secuestrar a Daniel, un bebé nacido en el Sueño y elegido por Dream para ser su posible sucesor. Más adelante en la temporada, Jenna Coleman, como la cínica detective sobrenatural Johanna Constantine, y Boyd Holbrook, como la pesadilla ambulante Corinthian, colaboran para encontrar a Daniel y frustrar los planes de Loki y Puck. Su inesperada química romántica aporta un toque de dulzura a episodios que, de otro modo, estarían llenos de muerte y destrucción. Ann Skelly también destaca como Nuala, un hada modesta pero valiente que se esfuerza por reunir a diversas criaturas mágicas en defensa de Dream. El rico universo que The Sandman ha construido cuidadosamente a lo largo de sus dos temporadas realmente empieza a dar frutos en estos episodios, a medida que convergen las diversas historias y personajes.

Las estrellas invitadas del Volumen 2 aparecen principalmente en escenas donde se despiden conmovedoras, en una de dos circunstancias. O reciben la visita de Dream, quien intenta cerrar viejos asuntos por si acaso ocurre lo peor, o reciben la visita de las Bondadosas, quienes los masacran. No importa cuántas veces muera un personaje favorito de los fans de Sandman en estos episodios (y sucede con frecuencia), las muertes son impactantes.

Cada vez que el Rey del Sueño y sus hermanos, cada vez más enfrentados, intentan resolver viejos rencores y compensar errores pasados, la serie se vuelve emocionante y conmovedora. Ver a Dream viajar a través de múltiples reinos y eras, terrenales y de otras épocas, mientras interactúa con otros seres sobrenaturales que conocen la vida durante miles de años, le da peso a esta imaginativa y fantástica historia de terror. 

Las debilidades que plagaron la primera temporada y media siguen siendo evidentes hasta el final. Incluso mientras brujas ancestrales arrasan el Ensueño y varios mortales e inmortales con superpoderes siembran el caos en la Tierra, el tono de El Hombre de Arena permanece extrañamente apagado. La interpretación de Sturridge de Dream —de voz suave y pausada— tiende a marcar el ritmo de los actores que lo rodean, de maneras que pueden drenar la energía de una escena. Esta cualidad apagada se acentúa especialmente en el primer episodio de este volumen, "Tiempo y Noche", en el que Dream reacciona al darse cuenta de que su vida corre peligro inminente con largas, lentas y susurrantes conversaciones con sus padres, Padre Tiempo (Rufus Sewell) y Madre Noche (Tanya Moodie).

Aun así, la quietud del Hombre de Arena siempre tiene un propósito, por frustrante que pueda ser. Dream visita a Time y Night para lidiar con sus sentimientos sobre la muerte de Orfeo y con la forma en que su familia parece esforzarse por evitar mostrar afecto o compasión por los suyos. A medida que Sueño conversa con familiares y amigos como su hermana Despair (Donna Preston), su bibliotecaria Lucienne (Vivienne Acheampong) y su viejo conocido Hob Gadling (Ferdinand Kingsley), comienza a comprender que estar vivo conlleva responsabilidades que van más allá de las reglas que sigue; que las conexiones personales importan. Aunque estas escenas carecen de hechizos mágicos y monstruos gruñones, son emocionantes a su manera, porque las ideas que exploran tienen una verdadera resonancia, tanto en este mundo de fantasía como en el nuestro. Como mínimo, es reconfortante ver que incluso el distante y oficioso rey de los sueños puede empezar a ablandarse y cambiar.

Con una gran reunión en el penúltimo episodio, The Sandman completa apropiadamente la historia que ha contado desde el estreno de la serie. Comenzó con Dream en una jaula, aprisionado por humanos que esperaban explotar su poder. Tras escapar, Dream intentó restaurar su vida a como era antes, pero encontró poca satisfacción. A lo largo de estas dos temporadas, ha estado tratando de derivar un significado más profundo de su trabajo como creador de sueños, y todo este tiempo ha estado trabajando hacia la hermosa y profunda comprensión que alcanza aquí al final. Si los dioses perduran porque los humanos creen que los necesitan, tal vez la mejor manera de que entidades como Dream sean útiles sea aprovechar las fortalezas infravaloradas de la humanidad. Esa es una nota agradable y sutil para un final de serie tan lujoso y ambicioso.

Crítica Cinéfila: Cien Años de Soledad, 1ra parte

En la intemporal población de Macondo, siete generaciones de la familia Buendía navegan entre el amor, el olvido y lo ineludible de su pasado... y de su destino.

La obra magna de 1967 del ganador del Premio Nobel Gabriel García Márquez , “ Cien años de soledad ”, ha sido considerada durante mucho tiempo como una de las mayores obras de la literatura moderna. Sin embargo, Gabo se negó toda su vida a vender los derechos de la novela porque sintió que una adaptación cinematográfica no se acercaría ni por asomo a la superficie de este relato tan narrativamente cargado, sin olvidar que tiene una duración de casi un siglo. Ahora, con la bendición de sus hijos Rodrigo García y Gonzalo García Barcha, quienes se desempeñan como productores ejecutivos, Netflix ha adaptado la obra maestra en una serie limitada de dos partes que abarca más de 16 horas. Con los directores Alex García López y Laura Mora a la cabeza de la primera parte, “Cien años de soledad” es exquisitamente detallada y está llena de simbolismo intrincado. La serie es una de las adaptaciones de libro a pantalla más fieles de los últimos años. 

"Cien años de Soledad", una historia de familia, destino, poder y las fragilidades de la humanidad, comienza a mediados del siglo XIX con un amor prohibido. En medio de una boda eufórica, el público conoce a los jóvenes enamorados, José Arcadio Buendía (Marco Antonio González) y Úrsula Iguarán (Susana Morales). Desafortunadamente, sus familiares no disfrutan de la alegría de los recién casados. Como José Arcadio y Úrsula son primos hermanos, los temores de la familia sobre las aberraciones de sus descendientes interfieren en la celebración. La madre de Úrsula aterroriza a su hija con siniestras predicciones de que dará a luz bebés monstruosos con cola de cerdo. Enfurecido por la constante desaprobación, José mata a un conocido gallero por burlarse de su matrimonio aún no consumado. Una vez absuelto del asesinato, él y Úrsula hacen sus maletas y se disponen a buscar un lugar para vivir lejos de las miradas y las burlas. Sin embargo, antes de que la pareja comience su búsqueda, la madre de Úrsula le recuerda: “No importa hacia dónde corras, nunca podrás escapar del verdadero destino”.

A lo largo del primer episodio, “Macondo”, la pareja y los amigos que los siguen deambulan por Colombia durante años antes de establecerse y construir un pequeño pueblo en medio de un pantano. José Arcadio nombra rápidamente el pueblo Macondo. En este lugar, nadie decide por los demás. Justo y centrado, José Arcadio se asegura de que cada pintoresca casa reciba la misma luz solar y agua. Con el tiempo, Úrsula da a luz a tres niños sanos, José Arcadio (Thiago Padilla), Aureliano (Jerónimo Echeverría) y Amaranta (Luna Ruíz), todos con traseros perfectamente humanos. Sin embargo, como aprenden rápidamente los Buendía, no existe una verdadera utopía en la que los humanos tengan libre albedrío, ambiciones personales y lujuria. 

“Cien años de soledad”, parte 1, consta de ocho episodios envueltos en imágenes inquietantes. Los directores de fotografía Paulo Pérez y María Sarasvati revelan una familia y Macondo en expansión y secuencias que hacen eco del pasado, presente y futuro de los Buendía. Bajo la visión de los diseñadores de producción Bárbara Enríquez y Eugenio Caballero, la serie muestra elementos como la exuberante pero traicionera ladera de las montañas colombianas hasta segmentos de realismo mágico, incluyendo una niña sangrando en una bañera en el río y el fantasma de un hombre muerto que acecha a los vivos. A diferencia de la mayoría de las adaptaciones de libros a la pantalla, los aspectos de esta narrativa no son apresurados ni se pasan por alto. Mientras el público pasa mucho tiempo en el diálogo de los personajes principales, la cámara también se detiene en todo, desde los diversos escenarios de un Macondo en rápida expansión hasta los panes y las sopas en la cocina de Úrsula. 

A medida que la serie avanza en el tiempo, las políticas de respetabilidad, los hijos ilegítimos, las rivalidades entre hermanos, las autolesiones, el incesto y las enfermedades mentales van desviando y desplazando a los Buendía, expulsando a algunos miembros de la familia y atrayendo a otros. Con el paso de los años, su hogar se transforma de una pintoresca posada a una enorme mansión. Sin embargo, la dinámica familiar es solo un segmento de esta historia. Previamente aislado del resto de la civilización, el crecimiento masivo de Macondo abre las puertas a la interferencia del gobierno. En el episodio 6, "El coronel Aureliano Buendía", también hay una representación cruel y sangrienta de la Guerra de los Mil Días de Colombia, que enfrentó a conservadores y liberales entre sí. 

Las actuaciones son excepcionales. Marleyda Soto, que interpreta a una Úrsula mayor, es práctica con una vena viciosa. Claudio Cataño, que interpreta a Aureliano adulto, es atormentado por premoniciones y deseos nefastos. Mientras tanto, Nicole Montenegro y Laura Grueso —la versión joven y la versión mayor de Rebeca, respectivamente— atormentan cada escena en la que aparecen, desde el momento en que la pequeña Rebeca aparece en la puerta de los Buendía sosteniendo una bolsa de huesos hasta la mujer audaz y deslumbrante impulsada por su sexualidad. Aun así, ningún personaje se transforma más que José Arcadio (interpretado por Diego Vásquez en episodios posteriores), quien se concentra demasiado en sus inventos y su alquimia en lugar de la satisfacción de su esposa e hijos. 

Aunque el ritmo de la serie a veces parece demasiado lento, la belleza de “Cien años de soledad” permite al espectador absorber cada fotograma y momento cuidadosamente seleccionados. Como resultado, el pasado de los Buendía es un eco continuo sin importar en qué generación se encuentre la historia. Es un recordatorio de cuánto influye la historia en el presente y por qué los seres humanos están tan a menudo condenados a repetir los errores de su pasado. Además, la narrativa sugiere que el aislamiento y la languidez en pos del propio interés con frecuencia engendran la podredumbre de la moralidad. 

Una obra monumental que desentraña cada capa de la novela de Gabo, la serie a veces resulta un poco densa, permitiendo que cada secuencia se ventile, incluso cuando parece dolorosa o innecesaria. Si se hubiera controlado la trama para una audiencia televisiva moderna, se habría logrado una adaptación más emocionante. Sin embargo, al permitir que los espectadores deambulen por la historia, “Cien años de soledad” se presenta tal como la escribió el novelista, con una gran cantidad de detalles y una profunda elocuencia. 

Crítica Cinéfila: Wish

Asha y una pequeña bola de energía ilimitada llamada Star demuestran que cuando la voluntad de un ser humano valiente se conecta con la magia de las estrellas, pueden suceder cosas maravillosas.

¿Una joven valiente que se destaca a través de un "peligro" que ataca a su familia/comunidad a través de números musicales enérgicos? Listo. ¿Animales que hablan? Listo. ¿Un adorable compañero de origen indeterminado? Listo. ¿Un malhechor amenazador que trafica principalmente con aterradora magia verde? Listo. ¿Un mundo poblado casi exclusivamente de ciudadanos adorables que continuamente cantan? Listo. ¿Pariente cercano muerto? ¡Listo! Para su último lanzamiento animado original, Disney se apega a los elementos habituales con algunos giros aquí y allá, la mayoría de ellos atractivos para familias cinéfilas desesperadas por una nueva película para entretener a los niños durante las vacaciones.

Codirigida por el veterano de Pixar, Chris Buck (“Frozen”), y la directora Fawn Veerasunthorn (artista de cuentos desde hace mucho tiempo, conocida por su trabajo en “Moana” y “Raya and the Last Dragon”), “Wish” se siente superficialmente familiar, pero contiene algunos elementos contemporáneos astutos que insinúan una nueva dirección para Disney. Coescrita por Buck, Jennifer Lee (directora creativa de Disney Animations y maestra de “Frozen”) y Allison Moore, “Wish” realza algunos elementos clásicos (¡autodeterminación! ¡Cuidado de los demás! ¡Música!) y acentúa en otros novedosos (nuestra heroína es una chica de 17 años sin un interés amoroso a la vista; lo que más le interesa es su familia y su círculo increíblemente grande de amigos).

A pesar de su comienzo literal como un libro de cuentos, “Wish” ofrece una isla mágica sin ataduras a otros cuentos de hadas. La gente de Rosas es un elenco diverso de personajes; son inmigrantes que buscan una nueva vida en esta próspera ciudad del Mediterráneo. Su amado Rey Magnífico (con la voz de Chris Pine) promete nuevas oportunidades a través de sus propias habilidades mágicas (se nos dice que adquirió sus poderes a través de su pasión personal y erudición ilimitada, inspirada por algún ligero trauma infantil desconocido).

Si bien la promesa de Rosas suena genial en el papel, cuéntale tu deseo al Rey Magnífico cuando cumplas 18 años, y tal vez él te lo conceda. Hay reglas en torno a esta concesión de deseos que hacen que todo empiece a parecer mucho menos mágico. Resulta que una vez que le cuentas al rey tu deseo, lo olvidas. Esto inevitablemente imbuye a la mayoría de los felices habitantes de Rosas con una suave tristeza que no pueden nombrar. Y, como pronto aprende nuestra heroína Asha (con la voz de Ariana DeBose) durante la peor entrevista de trabajo del mundo con el rey (una parte de revelaciones impactantes, dos partes de encantadores cantos a dúo), Magnifico solo concederá los deseos que crea que son buenos para Rosas. Los deseos, representados aquí como orbes azules flotantes y brillantes, no pertenecen a Magnifico, pero él parece pensar que está a cargo de ellos.

Asha, una residente de toda la vida de Rosas que ama tanto a su comunidad que da vertiginosamente recorridos turísticos a posibles nuevos ciudadanos y espera conseguir un trabajo como aprendiz del rey (el mejor trabajo en la isla, dicen), se da cuenta del mal latente de este plan casi de inmediato. Después de todo, su amado abuelo (con la voz de Victor Garber) acaba de cumplir 100 años y su deseo nunca se ha cumplido, a pesar de que es un sueño encantador, hermoso y de corazón puro que principalmente implica preparar a Rosas y su generación más joven para el éxito. ¿Qué podría estar mal con eso? Para el fanático del control Magnifico, "mucho".

Horrorizada por la verdad de su reino, Asha, con el corazón roto (y su compañero cabrito Valentino, finalmente expresado por Alan Tudyk) se dirige a su lugar favorito en la isla (uno que ella, naturalmente, asocia con su amado y fallecido padre), un enorme árbol que sobresale sobre la tierra, prácticamente hasta el cielo. Y, cuando Asha expresa su propio deseo, toda la fuerza y ​​el poder de su súplica atrae una estrella del cielo (representada como un ente risueño y blando que inevitablemente engendrará toda una serie de risueños y blandos), con Estrella aterrizando en Rosas, esta estará empeñada en ayudar a Asha y su gente.

Los propios poderes de Estrella son un poco confusos, pues lo primero que hace es esparcir polvo (de estrellas) por toda Asha, Valentino y toda una maraña de flora y fauna del bosque (hongos, árboles, conejos, ciervos, búhos, osos y más) haciéndolos que puedan hablar, conduciendo a una canción y baile verdaderamente psicodélico (y ligeramente alucinógeno) que, lo mejor que podemos decir, hará maravillas para enseñar a los niños que todos estamos hechos literalmente de material de estrellas. (Suponemos que también impulsará a algunos niños traumatizados a interesarse tempranamente por el veganismo). “I'm a Star” es una de las mejores canciones de “Wish”, que alterna entre un nuevo clásico y una canción olvidable con sorprendente regularidad (cualquier cosa que cante Pine es memorable, al igual que cualquier cosa que cante DeBose suena increíble). Pero las técnicas de Estrella se aclaran cuando se logra interpretar que puede hacer cualquier deseo realidad. Lamentablemente, para lograr esto, debe recuperarlos de la guarida de Magnífico.

El equipo de Disney utilizó el sistema de dibujo digital Meander, galardonado con el premio Academy Sci-Tech, para crear “Wish”, que a menudo parece pictórico y hecho a mano (especialmente cuando se centra en Asha y sus adorables pecas, sus trenzas realistas y su apariencia general genuinamente encantadora). También deslumbra durante los escenarios más importantes, pero se vuelve confuso cuando se trata de momentos más tranquilos y secuencias que involucran a multitudes más grandes. Manténgase concentrado en Asha, Star y el cada vez más loco Magnifico (Pine claramente se lo está pasando genial), y "Wish" será fácil de entender.

Quizás demasiado fácil. Mientras Disney celebra su centenario, “Wish” sirve como un retroceso al pasado, una celebración del presente y un suave empujón hacia el futuro. Dicho esto, hay un sinnúmero de referencias de otros clásicos de Disney, incluyendo por alguna extraña razón a Peter Pan y Wendy. El viaje de Asha es clásico, pero su origen birracial, la historia de los inmigrantes en el centro, su grupo diverso de amigos y saltarse un amor, la hace aún más moderna. La subtrama de interés insinúa algo más subversivo, algo más oportuno, algo más interesante en marcha en la Casa de Walt Disney. Eso es lo que deseamos ver más, y pronto.

Crítica Cinéfila: The Craft, Legacy

Un grupo de estudiantes de instituto deciden formar un aquelarre de brujas. 

Ha pasado casi un cuarto de siglo desde que el clásico de terror de culto "The Craft" aprovechó la fascinación por las brujas de Harry Potter, lo que le dio al público adolescente una sensación de lo empoderador que podría sentirse para cuatro mujeres jóvenes, perseguidas por una violación en una cita y reinas de baile abiertamente racistas, para invocar un poco de magia negra en su deseo de vengarse. Ese éxito sorpresa fue chirriante incluso para los estándares de 1996, pero su actitud gótica era muy vanguardista en comparación con "Clueless" y otras ofertas de la época, y uno esperaría que se hiciera un seguimiento.

En cambio, "The Craft: Legacy" de Blumhouse aparece como "The Craft: Lite", un reinicio de PG-13 diluido en el que los forasteros ya no son tratados como monstruos, y su misión equivale a esclarecer a los compañeros de clase neandertal y otros machistas sobre los riesgos de subestimar a las mujeres jóvenes. Hacerlo podría hacer que te maten en "The Craft", mientras que en la versión de la escritora y directora Zoe Lister-Jones, lo peor que puede pasar es despertar, expresando tu nuevo aprecio por el feminismo y admitiendo que eres bisexual.

Aún así, con un cuarteto completamente nuevo de entusiastas de la hechicería adolescentes, una de los cuales es trans, este es un thriller sobrenatural sin mucho poder narrativo apreciable. Como en la película anterior, un trío de brujas aficionadas busca una cuarta recluta cuando conocen a una recién llegada inconsciente de sus dones "naturales"; Lily (Cailee Spaeny), que tiene la desgracia de que le llegue su periodo durante su primer día en una escuela desconocida, lo que puede parecer traumático para cualquiera que no haya visto a "Carrie".

En lugar de burlarse de ella, Frankie (Gideon Adlon), Tabby (Lovie Simone) y Lourdes (Zoey Luna) hacen que Lily se sienta como si los otros estudiantes fueran los raros por reaccionar exageradamente. Lily ha llegado a la ciudad con su madre soltera, Helen (Michelle Monaghan), quienes se mudaron con el orador motivacional Adam (David Duchovny) y sus tres hijos en lo que podría ser un giro retorcido de "The Brady Bunch". Lamentablemente, la película realmente no sabe qué hacer con sus nuevos hermanos por lo que sus roles son muy innecesarios para la historia.

Lily no tenía amigas en su escuela anterior y está agradecida de ser abrazada por las tres chicas de su clase, sin importar que sus nuevas compañeras la presionen para que participe en un encantamiento en el que logran congelar el tiempo al primer intento. En 1996, "The Craft" fue criticado por exagerar los efectos visuales, pero esta vez, en un momento en el que casi la mitad de las películas son fantasías mejoradas por CGI de algún tipo, es como si Lister-Jones se estuviera conteniendo, pues sin contar el montaje en el que las chicas practican levitación y otros hechizos variados, por lo demás mantiene los poderes bajo control.

Por un lado, lo que dio miedo a "The Craft" fue la idea de que la magia realmente podría existir, y que incursionar en ella podría despertar fuerzas ocultas mucho más fuertes de las que las brujas principiantes están listas para enfrentar. Pero la verdadera fuerza de la película provino de reconocer cómo los varones de la escuela podían desempoderarlos, ignorando sus límites en una cita (como lo hizo el personaje de Skeet Ulrich) o avergonzándolos frente a sus compañeros y dándoles a las brujas los medios para obtener lo que sea que les plazque.

“The Craft: Legacy” cambia las tornas, pero no de la manera que sugiere algún tipo de diseño consciente por parte de sus creadores. Si estas cuatro jóvenes son tan ilustradas políticamente como la película las muestra, ¿por qué "Legacy" no toma una posición cuando una de ellas usa un hechizo de amor para anular las defensas del tipo rudo Timmy (Nicholas Galitzine)? ¿Embrujarlo para que se bese contigo (especialmente cuando está enamorado de tu hermanastro...) equivale a violar su consentimiento?

Más escenas como esa, donde los personajes cruzan la línea, podrían haberle dado mejores conflictos que esta secuela pudo aprovechar, pero carece de la forma segura de una película. De vez en cuando, Lily tiene visiones impactantes, que consisten en serpientes, una espada y sangre, todo lo cual sugiere algún tipo de ritual satánico. Pero "Legacy" es esa rara película en la que tales premoniciones no dan resultado. Lily tiene derecho a ser escéptica sobre los motivos de Adam, pero el final en el que Duchovny interpreta al villano no es nada sorprendente ni difícil de descifrar, sobretodo por toda la actitud del personaje durante toda la película.

La sabiduría convencional sostiene que contratar a mujeres cineastas para que cuenten tales historias debería aportar algo nuevo a la ecuación, pero “The Craft: Legacy” parece un paso atrás, incluso si el original fue escrito y dirigido por hombres. A diferencia del remake de "Black Christmas" del año pasado, donde las alumnas tomaron la delantera, en las películas de "Craft", los personajes femeninos ya tenían el control de esta franquicia. Aproximadamente una hora después, la película indica que (alerta de spoiler) Lily fue adoptada, lo que sugiere que la parte de "Legado" en el título de la película puede ser literal: es más que probable que sea el engendro de una de las brujas originales de "Craft". ¿Pero esa revelación agrega algo? Ejem... no.

En teoría, les da a los fanáticos de la película anterior algo sobre lo que adivinar, pero no hay mucho más con lo que esa generación se conecte. En todo caso, esta secuela de décadas después se siente como el tipo de programación obsoleta al estilo de “Party of Five” contra la que reaccionó la película relativamente punk de 1996. Y no hay nada aquí que pueda compararse con la locura de ojos ardientes de la actuación de Faruza Balk en esa película. El original “The Craft” puede ser un desastre, pero sí tienen un legado, y esta no lo es ni lo será.

Crítica Cinéfila: Sonic the Hedgehog

Sonic, el descarado erizo azul basado en la famosa serie de videojuegos de Sega, vivirá aventuras y desventuras cuando conoce a su amigo humano y policía, Tom Wachowski (James Marsden). Sonic y Tom unirán sus fuerzas para tratar de detener los planes del malvado Dr. Robotnik (Jim Carrey), que intenta atrapar a Sonic con el fin de emplear sus inmensos poderes para dominar el mundo.

A pesar de todo el alboroto que estalló en la primavera de 2019 sobre el diseño visual de Sonic the Hedgehog, al parecer los efectos visuales que querían trabajar solo se lograron única y exclusivamente en el muñeco y no en el resto de la película.

Sonic, quien fue atacado por claramente ser una criatura salida de otro universo, ahora está más cerca del estafador de ojos grandes y rojos con una sonrisa estilizada lanzada por Sega en 1991 y terminó convirtiéndose en una especie de Mario o Pac-Man para los millennials. En la película, ahora se aproxima al aspecto tierno de Astro Boy de Sonic de la franquicia del juego. Pero habla como el último bocado inteligente de dibujos animados excesivamente familiar: un poco sarcástico, un poco nerd, con un leve quejido de actitud, aunque esencialmente es expresivo para sonar como tu amigo, como si la película hubiera inventado algún tipo de batido vocal de Garfield y Fritz the Cat y Owen Wilson y Patton Oswalt.

Dado el nivel de obsesión con el que los fanáticos de Sonic lo consideran, los creadores de "Sonic the Hedgehog" habrían hecho bien en convertir la película en un parque temático de trucos de videojuegos, como el implacablemente imaginativo "Ralph Breaks the Internet". ¡Pero no! Su verdadera mala decisión épica, mucho peor que el diseño humanoide quisquilloso original de Sonic, fue convertir la película "Sonic" en una de esas comedias de aventura de acción en vivo torpe con una pelea genérica animada digitalmente en el medio.

El problema con esta forma es que el escenario de acción en vivo inevitablemente resulta en un tono empalagoso y alegre, y en este caso la historia de cómo Sonic compite con Tom Wachowski (James Marsden), un sheriff en la pequeña ciudad de Green Hills, Montana. Los dos finalmente aterrizan en San Francisco, para que la película pueda tener un clímax de acción sobre una de las plataformas de la Pirámide Transamerica. Sin embargo, estén donde estén, son una extraña pareja lo suficientemente sarcástica como para hacer que cualquiera se sienta incómodo.

¿Qué tan rápido es Sonic? Es tan rápido que trota a 297 millas por hora, juega un juego de béisbol consigo mismo y puede detener el tiempo efectivamente en cualquier situación, gateando dentro de él para hacer los ajustes necesarios (esta habilidad es útil y entretenida cuando está atrapado en una barra de redneck). Al principio, se lanza al ritmo de "Don't Stop Me Now" de Queen. Pero también, Sonic tiene sus anillos dorados de videojuegos que le permiten teletransportarse, y su mente también se mueve rápidamente, lo que significa que agrega un giro de fuego rápido a líneas como "La cara con la que nací, la confianza que recogí en el camino".

"Sonic the Hedgehog" se anima, más o menos, cuando Jim Carrey aparece en pantalla como el malvado Dr. Robotnik, cuya historia de origen es básicamente esta. Después de que la luz eléctrica de uno de los locos rayos de Sonic corta todo el Noroeste del Pacífico, el ejército de los EE. UU. está convencido de que debe haber algún tipo de invasión alienígena en marcha. Entonces envían a Robotnik, un mago de máquina independiente, para investigar. Carrey, con un gran bigote encerado de un viejo western, un largo abrigo negro con un forro rojo satánico y un corte de pelo que solo puede describirse como un desvanecimiento de Hitler, hace un giro vintage, es decir, podría haberse dado exactamente el mismo rendimiento en 1998, y tal vez lo hicieron, pero hay una vertiginosa nostalgia por verlo ejecutar estas rutinas con un abandono intemporal de demonios que solo nos recuerdan a The Grinch.

Robotnik es un genio tirano agrietado que controla un ejército de drones sensores, y su fuerza impulsora en la vida parece demostrar, en cada oportunidad , su superioridad innata. Todos sabemos que la comedia promedio de Hollywood tiende a incluir un poco de improvisación en el set, ¡pero en este caso el contraste entre la pseudo-descarado del resto de la película y el diálogo de Carrey es tan marcado que casi se siente como si hubiera inventado todo su personaje en el acto.

Una revisión como esta probablemente debería venir con un descargo de responsabilidad: a pesar de todo el tedio límite que sentí en "Sonic the Hedgehog", me doy cuenta de que esta es una imagen hecha para niños de 8 años. Y probablemente les gustará muy bien. Sin embargo, también llamaría un error el tono excesivamente infantil de la película. Los manifestantes que se unieron por los cambios en el diseño de Sonic tratándolo como un problema de línea en la arena, no eran niños de 8 años. Como héroe de la película, Sonic podría (y debería) haber sido más moderno y agudo, menos megaplex. Incluso mientras arreglaban su rostro, los cineastas se esforzaron tanto por hacerlo "agradable" que nunca descubrieron una manera de hacerlo genial.

Crítica Cinéfila: Gretel and Hansel

Cuando su madre cae en la locura, los hermanos Gretel y Hansel deben valerse por sí mismos en el bosque oscuro e implacable. Hambrientos y asustados, tropiezan fortuitamente con una generosa cantidad de comida que queda fuera de una casa aislada. Invitados al interior por el dueño aparentemente amigable, los niños pronto sospechan que su comportamiento generoso pero misterioso es parte de un siniestro plan para hacerles daño.

El mundo no necesitaba otra película sobre el famoso cuento, pero dado que Hollywood se agota de historias constantemente, ¿por qué no?

La posible realidad es que los hermanos Grimm deben estar realmente indignados porque su simple historia sobre abuso infantil, desnutrición, canibalismo y brujería ha sido tan retorcida. El guión de Rob Hayes se centra en Gretel, de ahí el cambio de nombre del título, y la convierte en una súper heroína despierta y mayor que vence a una bruja. No está claro por qué esta historia del siglo XIX necesitaba ser remodelada de esta manera. El cuento original trata sobre hermanos hambrientos que se encuentran con una casa hecha de pan y pastel, un señuelo construido por una malvada bruja que quiere cocinarlos y comerlos. Ella es más astuta y los niños llegan a casa a salvo. La moraleja: los extraños apestan y no se salen del camino.

Gretel (Sophia Lillis) y su hermano Hansel (Sammy Leakey) viven en un momento y lugar de pestilencia y pobreza. Incapaces de cuidarlos, su madre expulsa a los niños y los dirige a través del bosque hacia un convento que, con suerte, los acogerá. Pero Gretel y Hansel toman desvíos que los encuentran viendo siluetas en los árboles, conversando con hongos y, finalmente, sucediendo en la casa de una anciana, Holda (Alice Krige).

Impulsado por un hambre gruñona y una mesa forrada de comida, Hansel entra a la casa pero pronto descubre que la dueña está muy feliz por su compañía. Los niños son acogidos, pero Gretel comienza a cuestionar los motivos de su anfitriona mientras los secretos acechan detrás de las paredes y debajo de las tablas del piso de la casa.

Alice Krige interpreta a la bruja aterradora con un bufé sin fin y está perfectamente moldeada, usando su amenaza precisa y silenciosa para un uso excelente, como cuando huele siniestramente la cabeza de Hansel. Ella tienta a Gretel con la vida eterna, por un precio. 

Este recuento parece ser una lección sobre la corrupción o tal vez el ecologismo: "nada se da sin que se quite algo", entona Gretel, pero todo está confundido por sets muy estilizados y piezas de montaje que son visualmente fascinantes pero sumando poco, todo listo para una banda sonora nivel "Stranger Things". La única lección que los cineastas no nos dijeron es que los carbohidratos son claramente el demonio.

El director Osgood Perkins conoce una toma bien enmarcada cuando la ve: misteriosas figuras envueltas en la distancia con sombreros extraños en bosques brumosos, pero conectar cientos de imágenes artísticas no hace una película coherente. Todos están muy orgullosos de convertir la deliciosa cabaña del cuento de hadas en el ejemplo posmoderno de la arquitectura. Felicidades por el fresco y asimétrico techo, pero olvidaste que la historia no tiene sentido. Muchas velas y árboles desnudos no son una trama.

"Gretel & Hansel" es tan visualmente deslumbrante como tediosa. Entre el diseño de producción de Jeremy Reed y la cinematografía de Galo Olivares, "Gretel & Hansel" es una maravilla visual. Las películas anteriores de Perkins, "The Blackcoat's Daughter" y "I Am the Pretty Thing That Lives in the House", fueron creadas con elegancia, pero esto parece una obra de arte. La arquitectura y el diseño del escenario le dan a la película una inclinación expresionista. Cada cuadro está compuesto tan cuidadosamente que es más probable que pierda el aliento debido a la belleza de la película en lugar de sus horrores.

Lillis, que dejó su huella en "It", interpreta a Gretel, de 16 años, mientras que Leakey interpreta a su hermano Hansel de 8 años. Aumentar la edad de Gretel la pone en la cúspide de la feminidad y le da dominio sobre su hermano menor. Pero no solo eso... pronto ella se entera que tiene poderes relacionados a la brujería, preparando el escenario para la trama de que Gretel es sombría. Sin embargo, incluso aquellos que conocen el clásico de memoria encontrarán algunas sorpresas aquí, particularmente en torno a sus ideas feministas modernas. Desafortunadamente, sus temas están confusos, lo que hace que la audiencia se pregunte si un director y guionista masculino encuentran el poder femenino irremediablemente contaminado con una mancha de maldad.

También está Charles Babalola como un buen tipo fugaz que mata a un demonio con un disparo en la cabeza impulsado por una flecha, una secuencia completa que parece de otra película. Pero esa es la acción más real en la película hasta el final cuando hay cadáveres sangrientos en las mesas de autopsias, entrañas humanas moviéndose y alguien se quema gráficamente vivo. Por qué esto está clasificado PG-13, no tenemos idea. Por qué incluso se hizo esta película en primer lugar también está más allá de nosotros. 

Crítica Cinéfila: Star Wars Episode IX, the Rise of Skywalker

Un año después de los eventos de "Los últimos Jedi", los restos de la Resistencia se enfrentarán una vez más a la Primera Orden, involucrando conflictos del pasado y del presente. Mientras tanto, el antiguo conflicto entre los Jedi y los Sith llegará a su clímax, lo que llevará a la saga de los Skywalker a un final definitivo. Final de la trilogía iniciada con "El despertar de la Fuerza".

Hace dos años, mi gran amigo, mentor y molleto Rubén Peralta me avisaba que tenía dos entradas para ver Star Wars The Last Jedi en el screening para prensa. Que conste: no soy ni nunca seré fanática de esta saga. A pesar que sus personajes principales (o por lo menos los de la trilogía original) son muy interesantes, y que todo el universo creado por George Lucas ha sido bien pensado, no crecí conociéndolo, y por lo tanto, habiendo tantas otras sagas, ahora no me llama la atención. Pero ya que tenía la entrada, pues me sumé a verlas. Las primeras tres fueron geniales, la trilogía/precuela fue terrible, y ya la séptima me pareció interesante a pesar de que asesinaron a mi Han Solo (mi único gran amor, después de Adam Driver/Kylo Ren). The Last Jedi fue buena, pero no nada del otro mundo. Sin embargo, y después de haber visto todas las películas, una detrás de otra, hay un aspecto que se mantiene y esta última película me lo confirma: Star Wars es demasiado inconsistente.

Dirigida por JJ Abrams, quien inició este último conjunto de películas con The Force Awakens, gran ganadora de multiples premios y nominaciones en 2015, se trataba de un mínimo enfoque a la trayectoria de Luke Skywalker, que ya tenía una pista bastante bien establecida, pero que a la vez quería rescatar una de las ideas originales de Star Wars: "cualquiera puede ser un Jedi". Sin embargoo, es así como The Rise of Skywalker se dedica a una doble tarea agotadora: atar los hilos de una serie dispersa de una manera satisfactoria mientras también atiende los últimos pleitos entre Jedis de los fanáticos más molestos. Abrams es un talento, pero no es rival para un mandato corporativo tan pesado: su elegante fantasía caprichosa de Spielberg no es suficiente para cortar todo el mantenimiento torturado de la marca. Pero de todos modos se aleja, llenando The Rise of Skywalker con un millón de partes entrecortadas, y una carrera turbia hacia una conclusión que no creo que nadie quisiera.

Cuando se abre la película, Rey (Daisy Ridley) continúa su entrenamiento Jedi mientras que sus amigos Finn (John Boyega) y Poe (Oscar Isaac) están dando vueltas por la galaxia para obtener información sobre la temida Primera Orden de un informante secreto dentro de esa organización fascista. En otra parte, Kylo Ren (Adam Driver) está en busca de algo bastante serio, algo que sería la clave para desbloquear el pasado y el futuro de todo este melodrama dinástico.

La película está demasiado decidida en su curso sudoroso, sin prestar atención al interés real de la audiencia en su búsqueda con visión de túnel para ser ampliamente amada o, al menos, aprobada por Internet. Los juegos de acción: una persecución en el desierto durante una versión alienígena de Burning Man, una misión de rescate en un bergantín de naves espaciales (que recuerda desfavorablemente al de la primera película), un combate cuerpo a cuerpo y explosiones de más, todos se apresuran junto con sencillez superficial. Todas las escenas, incluyendo las que son guiadas por diálogos, se sienten cortadas, apresuradas, o una mezcla de ambas. Y peor aún, hay una pasión que falta en las grandes escenas de la película (y, en realidad, en las pequeñas también).

De esa manera, la película es un estudio interesante sobre cómo los megaestudios reaccionan a los comentarios de los fanáticos. No parece haber ninguna idea orgánica real que anime a Rise of Skywalker; en cambio, se siente improvisada a partir de notas de Twitter, lo cual es terriblemente cínico.

Es incuestionable en cada decisión, sobretodo con los personajes, y cómo no se arriesga a tomar decisiones que realmente empujen a los protagonistas al abismo, casi delimitando la historia a tener una gran muerte por película, lo cual en este tipo de género se siente muy extra. Rey se siente corta, no es aquella conocimos en la VII, pero tampoco parece alguien que va camino a descubrir una gran verdad de sí misma. Cuando llega a su batalla final, se siente tan apresurada que hasta uno espera más. Mientras tanto, la relación de Finn y Poe toma un giro completamente inexplicable, cuando ya había desarrollado un bromance bien natural en las dos anteriores. Otros personajes secundarios vuelven, pero se sienten innecesarios en la historia que hasta te olvidas de que siguen con vida, mientras los androides son empujados a decisiones demasiado humanas y un poco tontas.

Esta entrega también es triste, todo este bombardeo sin vida, hecho para apaciguar alguna idea vaga de un fanático de Star Wars puro. No creo que Rise of Skywalker tenga malas intenciones, exactamente, no es malévolo como lo son algunas películas de carpa sin alegría. Pero no se complace en su propia existencia, agregando débilmente un poco de ternura aquí y allá para animar las cosas, pero de otra manera arrastrando los pies malhumoradamente mientras hace lo que cree que necesita, lamentablemente inconsciente de que no tenía que ser así. 

Pero con todo esto, no quiere decir que la película sea completamente mala. En una secuencia, aparece el descomunal naufragio de la Estrella de la Muerte de Return of the Jedi, que se avecina en la distancia como un recordatorio potente y conmovedor de todas las estrellas y todas las guerras que han sucedido antes. También reaparecen importantes personajes así como se despiden algunos con gran valentía y altura. Hay muchos momentos rescatados desde la primera trilogía, lo cual funciona como un buen vistazo atrás de lo mejor de la saga. Y por supuesto no se puede dejar de mencionar el juego de luces y sonido, complementados por una edición y efectos especiales que es obvio que llegará a nominaciones.

En fin, así termina. Nunca me atrajo, aunque lo mejor que me llevo de la saga son las anécdotas de personajes que ya no están, así como todo un universo que parece sacado de un libro fantasioso intergaláctico. Pero esta última entrega se preocupa tanto por gustar y alagar a grandes fanáticos que no se toma los riesgos necesarios y simplemente confunde más a aquellos que están tratando de entender la saga, como yo.

Y un consejo para J.J. Abrams: a veces las escenas deberían durar más de dos minutos. ¡Deja de cortar películas a la mitad de la conversación!

Crítica Cinéfila: The Lighthouse

Ambientada a finales del siglo XIX, cuenta la historia de dos fareros que trabajan juntos en una misteriosa isla perdida de Nueva Inglaterra.

Willem Dafoe y Robert Pattinson interpretan al arquero experimentado y su nuevo compañero principiante en The Lighthouse, atrapados en una isla escarpada de Maine en la década de 1890 por un espectáculo apasionante con un dialecto de época sabroso y sacudidas de locura cada vez más intensas, empapadas en ron. Después de sumergirnos en los rincones más oscuros de las mentes de una familia de colonos puritanos de 1630 puritanos de Plymouth en su inquietante debut de 2015 The Witch, el escritor y director Robert Eggers confirma su reputación instantánea como maestro del gótico de Nueva Inglaterra con esta segunda película, aún más claustrofóbica y intensamente abstracta.

Al igual que con su predecesor, la nueva película es más fuerte en una atmósfera embriagadora y un temor de construcción lenta que en la claridad narrativa da su recompensa, y los giros violentos y acelerados del tramo climático probablemente perderán una porción de la audiencia. Pero el director, aquí trabajando con su hermano Max Eggers como coguionista, ha creado otro cuento alucinante distintivo, esta vez fusionando la leyenda marítima con la mitología antigua, la tradición del leñador, la sugerencia sobrenatural, el terror elemental envolvente y la paranoia creciente del aislamiento prolongado.

Desde el principio, Eggers nos empuja a un puesto avanzado de soledad de otro mundo mientras el haz del faro atraviesa la niebla blanca y espesa. El puntaje atonal, vientos de madera y la percusión de Mark Korven se mezcla con el paisaje sonoro intrincadamente estratificado de las olas y el viento, y las explosiones de cuernos de niebla que podrían confundirse con los gritos de las ballenas o los rugidos de los monstruos marinos.

Thomas Wake (Dafoe) y Ephraim Winslow (Pattinson) se ven por primera vez mirando directamente a la cámara, sus graves expresiones nos dicen que la estrecha convivencia de estos dos no está destinada a ir bien. Luego, la cámara se retira para revelar el brillante trabajo del diseñador de producción Craig Lathrop, un faro a gran escala, un edificio de servicios públicos y una cabaña de guardia de piedra construida desde cero y ubicada en la roca volcánica de Cabo Forchu en Nueva Escocia, que se encuentra a finales del siglo XIX en Maine.

En una caracterización lujuriosamente habitada que Dafoe muerde con gran deleite teatral, Wake es un viejo marinero crujiente con ojos salvajes, una barba enredada y una cojera de piernas rígidas frecuentemente acompañada de un pedo. Dejó en claro por adelantado que está a cargo, manejando a Winslow con dificultad para mantenerse al tanto de tareas domésticas como limpiar la cisterna, limpiar los pisos y alimentar el horno de la sala de máquinas, volviéndose espinoso y territorial cuando el joven recién llegado solicita tomar su turno atendiendo el faro en la parte superior de la torre. Wake insiste en que él, y nadie más, es "el guardián del faro".

La insistencia de Wake de que Winslow se mantenga alejado del faro solo hace que el recién llegado resentido esté más ansioso por experimentar su energía posiblemente mística, y las tomas de Pattinson agachado en las escaleras debajo de la cabina superior mientras el rayo giratorio que atraviesa su cara hipnotizada se encuentra entre las más fascinantes de la película. De hecho, el interior de la torre, en lugar de limitar las posibilidades de movimiento de la cámara, crea una cámara de sombras y luz que corresponde al psicodrama que se desarrolla en la cabeza de cada hombre.

Winslow, un tipo escaso de pocas palabras cuya renuencia a participar en un brindis en su primera noche sugiere una historia problemática con el alcohol, encuentra una figura de sirena escondida en su colchón, que alimenta sus sueños y sus fantasías sexuales. Si bien es cauteloso acerca de su pasado, resulta que Winslow era un maderero de la Bahía de Hudson que dejó ese trabajo atrás en circunstancias misteriosas y ha estado yendo de un trabajo a otro. Ahora está buscando ahorrar su salario y construir una casa en algún lugar donde no pueda estar en deuda con nadie.

Lo que la cabra llamaba Black Phillip era para The Witch, para esta película es una gaviota particularmente irritante  mirando a Winslow como si el intruso humano fuera el propio Tippi Hedren. Wake, al observar la respuesta agresiva de su subordinado a la gaviota, le advierte que es mala suerte matar este tipo de ave porque llevan las almas de los marineros que se encontraron con sus creadores. Pero un desagradable roce con la gaviota hace que Winslow olvide esas palabras. A partir de ese momento, el viento cambia, marcando el comienzo de lo que Wake llama "clima sucio", que se convierte en una temible tormenta, arruinando sus provisiones y trayendo olas atronadoras que chocan contra la cabaña.

El brindis con el que Wake prepara cada cena termina con "Dios, que escucha las oleadas, se digna para salvar un alma suplicante". Pero ni Wake ni Winslow podrían llamarse suplicantes, y mucho menos una vez que el alcohol es lo único que les queda para mantenerlos. Y mientras Wake mantiene su diario de registro bajo llave, guardándolo tan estrictamente como mantiene la cabina de la luz fuera de los límites, la determinación de Winslow de descubrir los secretos del hombre mayor convierte su creciente batalla de voluntades en un espantoso choque de motín y locura.

Al igual que The Witch, los detalles meticulosos se han convertido en la creación de un mundo completamente inmersivo desde hace mucho tiempo. La película es un poco exagerada debido a que es un juego de dos jugadores de un solo escenario, pero solo por su originalidad, exige ser vista.

Esa originalidad no es menos legítima por estar impregnada de inspiraciones que se extienden desde Moby Dick hasta The Shining, con un sentido de lugar robusto que a menudo recuerda el escenario del documental de ficción de Robert Flaherty, El hombre de Aran. Una vez más, junto con el director de fotografía Jarin Blaschke, Eggers filma la película en las texturas de tinta en blanco y negro con poca luz y en la relación de aspecto cuadrada de Movietone de finales de la década de 1920 y principios de los años 30. El formato produce retratos especialmente ricos de los rostros de Dafoe y Pattinson, quienes no ocultan nada.

Dafoe está en su elemento, haciendo poesía salada a partir del antiguo diálogo de Wake, mientras que Pattinson al principio parece menos confiado, lidiando con un acento errático. Pero se vuelve cada vez más dominante a medida que Winslow, cuya verdadera identidad finalmente se revela, se rebela contra la autoridad de Wake. Ambos actores aportan un aspecto físico estimulante a sus actuaciones, junto con momentos particularmente cómicos, especialmente en una noche de borrachos en la que se divierten con canciones marinas antes de sumergirse en un baile lento y desordenado como amantes exhaustos. A veces parece poco claro si van a pelear o acostarse.

Lo que está claro desde el principio es que ninguno de los hombres saldrá intacto de su confinamiento compartido, pero Eggers, sus actores del juego y el equipo de artesanos ingeniosos, que incluye la contribución clave del diseñador de sonido Damian Volpe, hacen de su vertiginoso descenso un espectáculo fascinante.

Crítica Cinéfila: Maleficent, Mistress of Evil

Tiene lugar varios años después de los acontecimientos narrados en la primera película, y explora la relación entre Maléfica y Aurora y las alianzas que se forman para sobrevivir a las amenazas del mágico mundo en el que habitan. 

Erase una vez, en un reino salido de un cuento de hadas, había una princesa que reinaba a todas las criaturas mágicas en las Ciénegas. Su nombre era Aurora, y después de haber roto la maldición de Maléfica, en algún momento desconocido para la audiencia se ha enamorado del Príncipe del reinado justo al lado de las Ciénegas. Para Maléfica estas son malas noticias, porque así como los humanos ven a las criaturas como enemigos, así ellos ven a los humanos como malignos. 

Al principio, muy poco se sabe de la futura familia de Maléfica: geográficamente, están ubicados a pocos kilómetros de donde estaba el castillo de los padres de Aurora. El Príncipe Phillip es hijo único del Rey John y la Reina Ingrith; pero diferente de sospechar del Rey, es la Reina que de entrada se anuncia como la más mala de la historia, hasta con algún plan en contra de las hadas, y por supuesto de Maléfica (quizás por los aires de poder que no quieren que le roben). Cuando la boda se anuncia entre los jóvenes, Maléfica debe afrontar la realidad que algún día se veía venir y asistir a una cena organizada por los reyes, sin siquiera esperar que este es un plan para desaparecerla del reino, matarla si es posible. Lo que no se esperara la Reina ni Maléfica es de los que realmente terminarían salvándola. 

Angelina Jolie y Elle Fanning se vuelven a poner los vestuarios medievales para encarnar los famosos personajes de Disney. Hace cinco años, trajeron a la pantalla una adaptación del cuento de los hermanos Grimm, pero diferente a la película animada de 1959 sobre la Bella Durmiente, la película de 2014 se enfocaba en la bruja que maldijo a la princesa, en su razón por causar dicha maldición y cómo, con los años, ella misma fue la que logró romperla. Aunque la crítica estuvo bien dividida, la fórmula funcionó para mí, al punto que la consideré una de las mejores películas de fantasía de aquel año. Y la idea de una segunda oportunidad para volver a ver a Maléfica no parecía tan grave... hasta que te das cuenta lo que harían con el guión.

El problema de esta película es la lógica que le hace falta. A pesar de tomar lugar en un tiempo y lugar ficticio, la continuidad con la película anterior no hace sentido. El reino nuevo ha salido de la nada, y los humanos parecen haberse acoplado a su existencia y sus reglas, olvidándose de que alguna vez ya habían aceptado a las hadas y las criaturas. Se desconoce si ambos reinos estaban tan cerca uno del otro en la primera película, aunque en una imagen aérea enseñan el castillo destruido de los padres de Aurora. 

El Príncipe Phillip es supuestamente el mismo que se enamoró de Aurora en la primera película (aunque es un actor diferente), y con quien en la última escena habían concluido la historia como un "final feliz" para ambos reinos (de humanos y mágicos) unificados, mientras que aquí, el odio y el miedo mutuo se mantiene, y no hay puente que los una. A pesar de las buenas intenciones de volver a traer muchos de los personajes que ya conocía la audiencia, ha terminado siendo un cocido de ideas sin cocinar apropiadamente. 

Mientras tanto, los personajes parecen haber sido cortados estrictamente de una manera: son buenos o son malos. Maléfica, una vez más interpretada por Jolie, mantiene la misma crueldad de antes pero es la única que lo hace por razones bien específicas; sin embargo, en más del 50% de la película está muy pasiva y ausente, y aunque sabemos que eventualmente explotará y causará destrucción, no se siente como el personaje principal. Mientras que Aurora, en el cuerpo de Elle Fanning, es extremadamente inocente para lo que ya vivieron en la primera historia, dejándose manipular de quien quiera controlarla; casi como si no se hubiese aprendido nada de las moralejas de la primera película y aquí estuvieran en un borrón y cuenta nueva. Por otro lado, la Reina Ingrith, interpretada por Michelle Pfeiffer, es innecesariamente cruel desde el principio. No le dan ni un ápice de humanidad, lo cual la empeora a la hora de sentir "compasión" con su historia de por qué no le gustan las criaturas mágicas.

Hubo muy pocos elementos de sorpresa: la trama fue predecible y la guerra parecía un intento de Game of Thrones versión Disney, mientras que el final se siente repetitivo en función a la primera entrega; no obstante, no se le puede quitar mérito a los trabajos de producción de diseño a nivel general para crear diversos paisajes, sobretodo el espacio de las cavernas subterráneas y el valle de las flores mágicas. Otra gran sorpresa fueron nuevas criaturas mágicas y otros personajes que serán un nuevo atractivo para la audiencia, sin importar la edad.

Lamentablemente, no fue lo que hubiese querido. La historia se siente innecesaria de haberse contado y el guión parece haberse dividido entre seis personas para poder concluirse. La trama parece un intento de suspenso de adultos con terror/comedia para niños y al final se convierte en una pelicula canzona, en la que solo se espera que anuncien "The End" para salir de la sala. 

Si "Maléfica" dio un golpe valiente para el feminismo múltiple, su victoria en la taquilla fue mucho más decisiva. Como la mayoría de las secuelas que existen por razones principalmente comerciales, "Maléfica: Mistress of Evil" no es una gran película; con su diálogo plano, batallas exageradas y criaturas CGI empalagosas, ni siquiera es particularmente bueno. En cierto punto, sus excesos visuales y narrativos podrían recordarle los restos de la franquicia de fantasía de "The Huntsman: Winter's War", o tal vez un episodio inusualmente sangriento de "Game of Thrones".

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.

Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.

A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.

Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.