Crítica Cinéfila: Ferrari

Verano de 1957. El expiloto de carreras Enzo Ferrari está en crisis. La bancarrota acecha a la empresa que él y su esposa, Laura, construyeron de la nada diez años atrás. Su tormentoso matrimonio se encuentra en medio de una gran crisis, mientras lidian con la muerte de su hijo. En esta crucial etapa, Ferrari tomará decisiones arriesgadas apostándolo todo en una única carrera que atraviesa 1,000 millas a lo largo de toda Italia: la Mille Miglia.

En "Ferrari", este drama deportivo embriagador, intrincadamente oscuro y absorto de Michael Mann, hay una escena tranquila que tiene lugar la noche anterior a la Mille Miglia, la espectacular carrera de resistencia de 1,500 kilómetros. Enzo Ferrari (Adam Driver), el magnate italiano de los autos deportivos que necesita ganar la carrera (de ello depende la supervivencia de la empresa que lleva su nombre), tiene cinco pilotos programados para competir. En una especie de ritual de calma antes de la tormenta, varios de ellos escriben notas a sus parejas románticas, diciéndoles cuánto los aman, en caso de que no sobrevivan la carrera.

Esto no es una mera formalidad supersticiosa. En la Mille Miglia, la posibilidad de estrellarse y quemarse, mientras los autos pasan a 150 kilómetros por hora por las carreteras abiertas de Italia (y, en un momento, por el centro de Roma), es demasiado real. Esa es la siniestra cara oculta del poder de las carreras. La velocidad es emocionante porque representa un desafío para el universo, una oportunidad para que el hombre supere y expanda los límites que Dios le dio. El espectro de la muerte acecha las escenas de carreras de “Ferrari”. Eso es parte de su acusación de intoxicación. 

Pero no es sólo la acción la que está plagada de peligros emocionantes. Cada momento del drama se mueve con una sensación de pavor de alto riesgo, de turbulencia emocional subyacente. “Ferrari” realmente es como una buena película de los años 70. Tiene esa intensidad de agarre, esa fascinación humana en capas, y esa honestidad catártica sobre de qué se trata realmente vivir al límite.

Toda la película se desarrolla a lo largo de tres meses de 1957, durante los cuales Enzo Ferrari se enfrenta a las cuerdas en casi todos los sentidos que puedas imaginar. Visto desde fuera, es una gran figura: una celebridad, un hombre que ha creado los coches más bellos del mundo y los ha utilizado para redefinir Italia, donde se le considera un tesoro nacional. Adam Driver, con el pelo blanco grisáceo cuidadosamente peinado hacia atrás y un ceño de astucia maquiavélica, interpreta a Ferrari como una fuerza de la naturaleza estrictamente controlada, alguien que sabe que ha perfeccionado una máquina veloz de gran potencia, pero ¿podrá dirigirla hacia el final o hacia la victoria? Porque resulta que todo el mundo de Ferrari está colapsando.

Comenzó como uno de los primeros campeones de carreras (la película comienza con un montaje de noticiero en blanco y negro de carreras de autos de los años 20 y 30, con la exuberante imagen de Driver insertada en él), y las carreras es lo que todavía vive. Nos enteramos de que Ferrari lanzó su compañía en 1947, en medio de las ruinas de la Italia de posguerra, y una década más tarde, la venta de los “autos de producción” de Ferrari: los vehículos deportivos de colores brillantes y un estilo único, que vende a todos, desde los ricos civiles hasta el rey Hussein de Jordania, quienes algunos son los que financian las carreras. Pero Ferrari, una empresa artesanal, no vende ni fabrica suficientes automóviles; se ha reducido a 100 por año. El director comercial de Enzo, Cuoghi (Giuseppe Bonifati), le dice que para sobrevivir tiene que vender 400 coches al año; la única manera de hacerlo es atraer a un importante inversionista externo (posiblemente Henry Ford II), y la única manera de llamar su atención es ganando la Mille Miglia. Como observa el propio Enzo: “Se gana el domingo, se vende el lunes”.

El estado caótico de los negocios de Ferrari está ligado, financiera y espiritualmente, a la agitación de su vida personal. Inició el negocio con su esposa, Laura (Penélope Cruz), en su ciudad natal de Módena, donde los dos aún viven. Pero su matrimonio es ahora un caparazón frío. La película tiene lugar un año después de la muerte de su hijo, Dino (quien sucumbió a una distrofia muscular a los 24 años), y esa tragedia destruyó lo que quedaba de su intimidad. Laura sabe que Enzo se acuesta con alguien, pero como muchos que dicen “aceptar” ese tipo de cosas, ella está furiosa por ello; al principio, hay una escena en la que ella toma el arma que él le dio para protegerse y dispara a la pared detrás de él. Y Laura ni siquiera sabe cuál es el mayor secreto de Enzo.

Tiene una amante, Lina Lardi (Shailene Woodley), además de un hijo de 12 años, Piero, que tuvo con ella durante la guerra, y son su segunda familia, fusionada con más cariño que la primera. Pero a medida que el niño se acerca a su confirmación, Lina quiere saber: ¿su apellido será el de ella o el de Ferrari? ¿Enzo reconocerá públicamente a su hijo? Ferrari está tratando de mantener juntas las piezas de su vida, pero a medida que avanza la película, esas piezas chocan y se desmoronan. Cruz, en una actuación atrevida y comprensiva, interpreta a Laura como un espectro de venganza desvaído que ha sido cruelmente torturada por el fallecimiento a destiempo de su único hijo. Cuando descubre la otra vida de Enzo, a través de registros bancarios, la película se carga de suspenso doméstico. Laura posee la mitad de la compañía Ferrari, lo que le da mucha influencia, pero la está usando para luchar contra una combinación de tragedia y destino. ¿Cederá su mitad de la empresa para que Enzo pueda llegar a un acuerdo? ¿O cobrará el cheque por medio millón que le ha exigido y arruinará todo?

Mann, a partir de un guión del fallecido Troy Kennedy Martin, escenifica esta historia con una intriga magistral arraigada en un lujoso sentido de autenticidad sobre todo, desde los motores de los automóviles hasta los negocios y las discordias matrimoniales. Es como ver “Grand Prix” fusionada con “El Padrino”. Al principio, hay una escena que establece lo que está en juego y nos permite saber qué clase de hombre es Ferrari. En medio de la competencia con su eterno rival Maserati, está en la pista, cronometrando a uno de sus corredores, cuando algo se bloquea en el mecanismo del auto y el vehículo en forma de tubo, sin más, salta en el aire y se estrella; el conductor falleciendo (¡Y esto fue durante una práctica!). ¿Ferrari siente una punzada de culpa por ello? No, como explica, todo fue culpa de la madre del conductor, que lo empujó a tener citas por encima de sus prácticas de conducción (su novia incluso estaba en la pista cuando ocurrió el accidente). Esto lo confundió y provocó el accidente.

Lo que llama la atención de esa respuesta tajante es lo que absolutamente Ferrari cree. Para él, la velocidad es una religión; la ruptura de barreras, como ir a la luna. Es un llamado superior que requiere devoción y sacrificio. El Ferrari que vemos vive una vida arrogante y casi sagrada, pero no es como si fuera simplemente un canalla. Tiene una visión. Es el entrenador de su equipo de carreras y sabe cómo cultivar a cada miembro, desde su nuevo piloto español Alfonso De Portago (Gabriel Leone), que reemplaza al que murió, hasta el experto británico temerario Peter Collins (Jack O'Connell) y el veterano “zorro plateado” Piero Taruffi (una interpretación astuta de Patrick Dempsey), que se ha quedado tanto tiempo porque es el mejor. Cuando Ferrari reúne a estos hombres para un almuerzo y procede a regañarlos, definiendo los riesgos existenciales de lo que ahora deben alcanzar (si no están dispuestos a tentar a la muerte para llenar el espacio que tienen delante antes de que lo haga un piloto rival, no ganarán), la actuación de Driver alcanza una tensa majestad.

Mann nos sumerge casualmente en los detalles del período de finales de los años 50, desde la decoración elegante y desaliñada hasta las conferencias de prensa previas a la cultura mediática que tienen lugar sobre la marcha en los estacionamientos. Y nos indica, en cada escena, la confusión de pensamientos y sentimientos que nadan detrás de la fría máscara del rostro de Ferrari. Eso es lo que hace que la película sea tan flexible y convincente: la forma en que gran parte de ella sucede justo debajo de la superficie. Hay que darle crédito a la excelente actuación de Driver, Cruz y Woodley (como una protofeminista que está cansada de interpretar a la amante adoradora), así como a la singular habilidad de Mann para entrelazar las crisis de la película como cargas de drama profundo y oculto.

Mann, por supuesto, también es un técnico fantástico, y su puesta en escena de la Mille Miglia es más que emocionante: convierte la carrera en una odisea del destino a través del país que se graba a fuego en tu imaginación. Los coches de color rojo caramelo están salpicados de suciedad y, a medida que avanza la carrera, empiezan a mostrar el desgaste, con ejes y transmisiones rotos; un giro equivocado hacia el césped y un corredor probablemente haya arruinado sus posibilidades. El cataclismo culminante, que ayudó a definir la Mille Miglia, es una casualidad total: el auto de De Portago atropella un pequeño objeto en la carretera, cortando su neumático, y lo que sucede después es horrible y te dejará sin aliento, (todo gracias a la forma en que Mann lo ha montado) digno de lágrimas. La dramática grandeza de “Ferrari” es que no hace que las carreras o la vida parezcan más fáciles de lo que son. La película trata sobre ganar, pero también sobre el precio que hay que pagar tras la gran victoria.

Crítica Cinéfila: 65

Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que realmente está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con solo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

A pesar de su posición como una de las pocas películas de ciencia ficción "originales" a gran escala que parecen competir con franquicias, secuelas y remakes por los dueños de taquilla, "65" está demasiado fabricada en el mejor de los casos. Improvisado a partir de partes de "Jurassic Park", "The Descent", "Armageddon" y más, el guion de Scott Beck y Bryan Woods se parece demasiado a sus antepasados ​​para abrir nuevos caminos, mucho menos particularmente interesantes. Sin embargo, anclada por otra en una serie de actuaciones comprometidas de Adam Driver y un conjunto de bestias prehistóricas adecuadamente amenazantes que lo persiguen durante poco más de 90 minutos, la aventura de Beck y Woods ofrece las emociones necesarias, incluso si su creatividad parece estancada en el pasado cinematográfico.

Driver interpreta al Comandante Mills, un piloto y explorador de "antes del advenimiento de la humanidad" que acepta a regañadientes pilotar una misión de dos años a cambio de un salario suficiente para pagar un procedimiento médico que salva la vida de su hija Nevine (Chloe Coleman). Cuando los escombros del asteroide matan a los otros pasajeros y dejan varada su nave en un Planeta Tierra de la era del Cretácico, Mills contempla si enviar o no una señal de socorro para pedir ayuda. Pero después de localizar a la única sobreviviente, una niña llamada Koa (Ariana Greenblatt) que tiene casi la edad de Nevine pero no habla inglés, él se compromete a salvarla de los muchos peligros del planeta.

Al identificar los restos distantes del resto de su nave utilizando un puñado de reliquias de su cultura tecnológicamente avanzada, Mills y Koa emprenden un viaje difícil a través de un terreno lleno de arenas movedizas, géiseres llenos de vapor, flora que amenaza la vida y una variedad de especies de dinosaurios. Pero incluso cuando superan cada nuevo peligro, aparece uno mucho más grande: el asteroide que derribó su nave está en curso de colisión con la Tierra. Pronto se encuentran en una carrera contrarreloj para llegar a la cápsula de escape de la nave antes de morir por el impacto del asteroide que nivela el planeta o ser devorados por un reptil carnívoro.

Dado su título, es difícil saber qué detalles en “65” califican como sorpresa o “spoiler” y, de todos modos, la película te dice inmediatamente cuándo y dónde está sucediendo. Sin embargo, lo que no hace es decirte por qué sucede; aparte de su fecha estelar, esta es solo otra historia sobre un padre con exceso de trabajo que descuida a su hijo en nombre de asegurar su futuro. Hay algo ampliamente acogedor en esa familiaridad, y Driver, por supuesto, imbuye incluso los momentos tranquilos con más sustancia que la exposición proporcionada en flashbacks periódicos de tarjetas de memoria.

Pero esos momentos de tranquilidad también hacen que la audiencia se pregunte: entonces, una especie similar a la humana de otro planeta, armada con la tecnología para el viaje interestelar (sin mencionar las pistolas láser y el GPS 3D) llegó a la Tierra hace 65 millones de años, mucho antes de que existiera la humanidad, y ¿el punto es "solo" que están tratando de volver a casa? Parece un largo camino por recorrer para no llegar a ningún lugar particularmente significativo.

Dicho esto, Beck y Woods hacen que los dinosaurios sean aterradores por primera vez en décadas, gracias a una dirección clásica y una puesta en escena que involucra muchas sombras para hacer que la audiencia diga "no" cuando los personajes deciden adentrarse más en ellos. Si su filmación no es particularmente inventiva, el dúo lo aborda con el mismo tipo de habilidad sólida que usan cuando toman prestadas escenas o repeticiones de género para contar sus historias. El guion de “A Quiet Place” funcionó porque modificó suavemente muchas fórmulas familiares y luego el director John Krasinski ejecutó todo con una atención al detalle profesional; “65” no tiene la misma emotividad central que la mantiene unida (esta familia está fracturada, no lucha por mantenerse unida), pero detrás de las cámaras, Beck y Woods simplemente sirven sus ideas en lugar de fortalecerlas desde la página.

Sin embargo, con solo 93 minutos, "65" se siente agradablemente divertido en competencia con una gran cantidad de secuelas que incluyen "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" y "Scream VI, que no tienen nada de original. Por otra parte, tal vez la razón por la que todavía se queda corta es porque la idea de una historia independiente parece demasiado buena para ser verdad en una era de universos cinematográficos, especialmente dado el hecho de que en su premisa, incluso antes de la tarjeta de título, está la idea. hay más de un mundo que el nuestro por explorar.

En cuyo caso, lo mejor para “65” sería que no le siguieran más entregas, pero si resulta ser un éxito, el público no podría tener tanta suerte. ¿Quiénes eran los otros pasajeros de Mills? ¿Por qué los estaba transportando? ¿De qué manera su “pueblo” se relaciona, genéticamente o de otra manera, con los humanos comunes? Todas estas son preguntas que puede ver a Sony salivando ante la perspectiva de responder en una secuela o spin-off, pero todas se sienten más intrigantes sin algún tipo de respuesta canónica. En cuyo caso, “65” es una película cuyo pasado se siente como si hubiera habido 65 millones de películas en proceso, y su futuro depende de varios cientos de millones en ingresos de taquilla. La mejor manera de disfrutarlo es dejar ir todo eso y vivir el presente.

Crítica Cinéfila: White Noise

Un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica. Jack, un profesor universitario que ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo, se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad.

Como cineasta, Noah Baumbach siempre ha sido un realista dramático empedernido, una división neurótica conversativa. “The Squid and The Whale” (2005), el drama de divorcio que estableció su reputación y es muy apreciado por muchos cinéfilos, no es la mitad de la película que es “Marriage Story”. La última película fue el logro culminante de Baumbach después de 25 años como guionista y director, y llevó sus fortalezas a un nuevo nivel de realización: su habilidad para captar la dinámica de las relaciones problemáticas en todas sus capas desgastadas, su extraordinaria habilidad con los actores y la ágil ligereza de sus diálogos, que emergen de la comedia humana.

Con "Marriage Story", Baumbach disfrutó del tipo de éxito con el que sueñan los cineastas independientes. Así que no sorprende, en cierto modo, que su primera película desde entonces, “White Noise”, sea diferente a todo lo que haya hecho antes. Una adaptación meticulosamente reverente de la mordaz novela distópica satírica de Don DeLillo sobre la vida de la clase media estadounidense en la década de 1980.

"White Noise" está ambientada en una acogedora y frondosa ciudad universitaria, que ha crecido alrededor de una pequeña escuela de artes liberales llamada The-College-on-the-Hill, y eso hace que la película sea un vehículo ideal para el tipo de personas que serían parte de la charla polémica en la que Baumbach es un profesional. El personaje central, Jack Gladney (Adam Driver), enseña en la universidad, donde ha sido pionero en toda una disciplina dedicada a los Estudios de Hitler, lo que suena como una broma de Woody Allen, excepto que la película, como Jack, se lo toma todo muy en serio. Jack no solo está enseñando sobre Hitler; es el excavador del alma del dictador, un rapsoda del fascismo.

Como profesor, es lo suficientemente célebre como para tener, a veces, seguidores de culto. Sin embargo, en casa, Jack preside un clan rebelde que lo mira con mucho menos asombro, incluso si él sigue siendo, a su manera, el gran académico. Driver, engordado, un corte de pelo bohemio y una chaqueta de cuero terrible, convierte a Jack en un estudio de cierto tipo de hombre de finales del siglo XX que se considera un cruzado por la libertad y la verdad pero que, de hecho, es un intelectual complaciente de la derecha. En su casa, pase lo que pase, lo principal que parece interesarle a Jack es la próxima comida.

La esposa de Jack, Babette (Greta Gerwig), tiene un cabello rizado que parece un permanente, así como una actitud lo suficientemente puntiaguda para equilibrar su narcisismo, y toma misteriosas píldoras farmacéuticas a escondidas. Cada uno se ha casado tres veces antes, y entre ellos tienen una camada razonablemente bien adaptada de niños: la inteligente adolescente Denise (Raffey Cassidy) y su dulce hermana menor Steffie (May Nivola), que son las hijas de Babette, el brillante conversador Heinrich (Sam Nivola), que es el hijo de Jack, y un hijo pequeño que es de ambos. Son como Brady Bunch con un toque de Los Soprano, y Baumbach, por un tiempo, mantiene el diálogo familiar zumbando.

También presenta a los colegas académicos de Jack, a quienes se trata como si estuvieran locos pero sin burlarse de ellos, en particular Murray (Don Cheadle), que es una especie de profesor de estudios estadounidenses con una visión profunda de las dimensiones más tontas de la sociedad gringa. Piensa que los supermercados son una forma profunda de nirvana, y la película comienza con su conferencia, ilustrada por un deslumbrante montaje de fragmentos de películas, sobre el significado del accidente automovilístico en el cine de Hollywood, que él ve como una expresión de pura alegría. En cierto modo, esto establece el tono para todo lo que sigue. Le saber a la audiencia que “White Noise” va a ser, en algún nivel, sobre violencia y catástrofe, y que va a considerar esas cosas con una mirada divertida e irónica.

La primera pista de que se está viendo algo más que una comedia de observación sobre un profesor enloquecido y su familia fracturada cuando un hombre que conduce un camión lleno de químicos tóxicos choca contra un tren y el accidente produce una enorme nube química negra que flota en la distancia, acercándose inexorablemente al pueblo. ¿Se moverá y envenenará a todos? Mientras Jack y su familia se amontonan en su camioneta Chevy, evacuando en una acumulación de tráfico de millas de largo tan portentosa, la película, así como así, se convierte en una película metafórica de desastres sobre miedo, conspiración, y la toxicidad de los productos de consumo.

“White Noise” se publicó en 1985, y parte del atractivo de la novela es que se adelantó mucho a su tiempo. DeLillo vislumbró, a mediados de los años 80, una maraña de pistas sobre el mundo que estaba surgiendo. Y ahora que han pasado 37 años, se puede ver que gran parte de lo que vio se ha movido al frente y al centro: el envenenamiento literal de la vida estadounidense, la sensación de temor espiritual que brota bajo el sueño americano, la reconfiguración de lo que significa una familia en la era del divorcio y, de manera más perspicaz por parte de DeLillo, el surgimiento de una nueva cultura farmacéutica insidiosa en la que la gente ahora intentaría drogar su desesperación. Algo de esto incluso se conecta con el mundo post-Covid. Sin embargo, es la naturaleza de estas cosas que donde "White Noise" una vez se sintió profético, sus percepciones pesimistas ahora parecen, en todo caso, parte del presente.  

Esas pastillas que toma Babette resultan ser presagios del nuevo mundo. No son estimulantes, son, más bien, estabilizadores del estado de ánimo destinados a calmar su miedo a la muerte. Jack y Babette están obsesionados con la muerte, y cuando Jack, durante ese escape de la nube tóxica, sale del automóvil durante dos minutos para llenar el tanque de gasolina, se entera de que puede haber recibido una dosis letal de productos químicos. ¿Es ese diagnóstico solo otra conspiración?

Estas son preguntas pesadas, y la novela “White Noise” alcanzó una pesadez total. Era un libro de ideas. Como película, anuncia sus temas en voz alta y con orgullo, pero el problema es que los anuncia más de lo que los hace sentir. Gerwig tiene una de las mejores escenas: un monólogo lleno de lágrimas, arrancado de las entrañas, en el que le confiesa su adulterio a Jack, aunque su transgresión no se trata tanto de un deseo de desviarse como de su compulsión por conseguir esas pastillas por cualquier medio necesario. La película se anuda a sí misma para explicar las malas noticias. Qué revelador, entonces, que es mucho más efectiva cuando está dispuesto a ser optimista, especialmente en una secuencia de baile de créditos de cierre triunfalmente loca que tiene lugar en los pasillos brillantemente iluminados de A&P. Con el ritmo alegre y resonante de “New Body Rhumba” de LCD Soundsystem, el lugar realmente parece un nirvana irónico.

Crítica Cinéfila: House of Gucci

Drama criminal en torno al asesinato en 1995 de Maurizio Gucci, nieto del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como la "viuda negra de Italia".

La película de Ridley Scott es un filme defectuoso que aún así no me habría perdido por nada con toda la anticipación que generó. Lamentablemente, no logra establecerse en un tono constante: demasiado largo e narrativamente indisciplinado mientras se desplaza entre el gran drama y la ópera bufona. Los intercambios ágiles de diálogos recuerdan algunas historias de los 80, cuando las emociones eran tan grandes como las hombreras y el cabello, y los sucesos de mal gusto detrás de la riqueza y la ambición de un imperio empresarial familiar proporcionaban una escandalosa capa para historias de primera plana. La diferencia aquí es que la sórdida saga del amor, la traición y el asesinato se basa en hechos se pierde en una ejecución descuidada. Scott regresa a un territorio similar de riqueza dinástica, crimen y un entorno italiano solo cuatro años después de All the Money in the World, que fue impasible pero al menos competente. Esta vez parece estar dirigiendo episodios de una miniserie con múltiples géneros.

Scott parece extrañamente inseguro de sí mismo aquí, no ayudado por el torpe diálogo del guión peatonal de Becky Johnston y Roberto Bentivegna. Pero no se puede justificar que sea por los desafíos de filmar un drama de conjunto trotamundos que abarca décadas durante una pandemia, y menos aún para un elenco de un calibre impresionante sin escasez de escenografías. Junto con el inevitable y fabuloso diseño de vestuario y producción de época, el punto culminante es la actuación de Gaga.

En una actuación que la mayoría de las veces se marca hasta 110, Gaga ofrece un espectáculo fascinante, que aporta un carisma y un impulso feroz a Patrizia, una contadora de la compañía de camiones de su familia que se casó con Maurizio Gucci en 1972 y ordenó su asesinato en 1995. Incluso cuando está encendiendo un cigarrillo o revolviendo un espresso, Gaga se lanza al personaje con un entusiasmo salvaje. Siempre que está en la pantalla, la película está llena de electricidad. Por el contrario, Driver, en su segundo proyecto consecutivo para Scott después de The Last Duel, está bastante moderado, creando un personaje complejo por medios más matizados. Eso coloca a los dos protagonistas prácticamente en películas diferentes.

Luego están los actores secundarios, liderados por Jeremy Irons como el padre narcisista de Maurizio, el ex actor Rodolfo, con un acento que se desplaza entre el italiano y británico. En otro nivel está el enfrentamiento cómico entre Al Pacino y Jared Leto como el exuberante tío Aldo de Maurizio y su hijo sonso Paolo, respectivamente. Leto gana ese concurso por una milla con una actuación ridiculizada con traje de gordo y prótesis que es simplemente asombrosa, y no en el buen sentido de la palabra. 

Supongo que Gaga y Pacino pueden jugar la carta italoamericana, pero en realidad, House of Gucci no tienen ningún italiano involucrado en la actuación de esta película. Es un infierno de acentos tambaleantes.

Dicho esto, nunca es más divertido que cuando Patrizia de Gaga está tramando con su amiga Pina (Salma Hayek), una psíquica de televisión de bajo costo y una dama de los gatos, para recuperar su cada vez menor influencia dentro de la familia Gucci y, eventualmente, para congelar a Maurizio. Desde su primera aparición, está claro que la película pertenece a Gaga cuando Patrizia atraviesa el depósito de camiones de su padre hacia la oficina, vistiendo un vestido ajustado y tacones, empapándose de los silbidos de lobo y los comentarios lascivos de los conductores con evidente placer. Conoce a Maurizio en una fiesta lujosa en la era disco de Milán y tiene estrellas en sus ojos en el momento en que escucha su apellido.

Ella se interpone en su camino con tanta frecuencia que se ve obligado a invitarla a salir; en poco tiempo le presentará a papá, Rodolfo, hijo del fundador de la casa de moda Guccio Gucci. Ella no puede distinguir un Klimt de un Picasso, pero Rodolfo encuentra a Patrizia encantadora hasta que Maurizio comienza a hablar de matrimonio, momento en el que lo repudia de inmediato. Rodolfo encuentra a Patrizia aceptable como un juguete para su hijo, pero inmediatamente la juzga como una cazafortunas cuando Maurizio la introduce en la familia. Eso sucede en un descarado corte de los dos jorobando locamente en el escritorio de la oficina de Patrizia hasta que ella camina por el pasillo con un elaborado vestido de novia.

En la actuación moderada de Driver, ya sea elegantemente reservada o cautelosa, dependiendo de cómo lo vean, obtenemos un acceso psicológico íntimo a Maurizio a medida que la pasión de los primeros años disminuye y la vulgaridad de Patrizia comienza a irritarse. Esto es notable en la escena de una estación de esquí en St. Moritz con sus amigos ricos, incluida la mujer que reemplazaría a Patrizia, Paola Franchi (Camille Cottin). La bofetada definitiva llega cuando le da a Patrizia una tarjeta de regalo de Bloomingdale's para Navidad. Más de ese tipo de humor astuto podría haberle dado a la película un toque satírico.

Mucho antes de que las fisuras en su matrimonio se vuelvan irreparables, Patrizia empuja a Maurizio a superar su ambivalencia sobre unirse a la empresa familiar, reparando la brecha con su padre justo a tiempo para apoderarse de la participación mayoritaria del anciano en la empresa, aunque con algunos movimientos furtivos. Al principio, encuentra un aliado en el presidente de la compañía, el tío Aldo, mientras van y vienen entre Milán y Nueva York; y se las arregla para trabajar con Paolo, quien tiene la ilusión de ser un diseñador visionario.

No se puede dejar de mencionar al abogado de la familia Domenico De Sole, un papel asegurado en el que Jack Huston apenas se registra, excepto en la medida en que se parece a Tom Ford mucho más que Reeve Carney, quien se convierte brevemente en ese papel.

En la escena de St. Moritz antes mencionada, Patrizia responde a una pregunta sobre los macarrones de merengue que ha traído con un monólogo incoherente sobre un viaje a París con Maurizio. "Estás llenando la historia de detalles innecesarios", le dice en una despectiva cortante. "Solo quieren saber de dónde sacaste los macarrones, cariño". En cierto sentido, eso es lo que hace el guión de Johnson y Bentivegna. Dado que esta es una película y no una miniserie de los 80, está demasiado abarrotada de tramas tan ocupadas que nos siguen alejando del macarrón de la relación que se desmorona de Patrizia y Maurizio. O tal vez es solo que la energía de la película se desploma cada vez que Gaga está fuera de cámara.

Claro, es moderadamente interesante conocer las tribulaciones de Aldo por evasión de impuestos y las artimañas corporativas que lo empujan a él y a Paolo a salir de la compañía cuando Maurizio se asocia con el grupo financiero de Bahrein Investcorp. Pero Scott no puede sacarle mucho jugo a estos desarrollos. Lo mismo ocurre con el cambio de imagen después de que Gucci se haya asociado al prodigio de Texas, Ford (Carney), traído para revolucionar el estilo de la casa, con una aparición misericordiosamente breve de una mala imitadora de Anna Wintour.

A pesar de los fragmentos frenéticos de la trama lanzados entre las pistas musicales de los 80 por Eurythmics, David Bowie, Donna Summer, Blondie, y otros, el ritmo de la película se cuela de una manera increíblemente lenta, incluso cuando debería generar suspenso como el filme anticipado y anticlimático que prometieron. Scott, que se incorporó al proyecto por primera vez en 2006, parece convencido de que está haciendo algo parecido a The Godfather. Pero, en cambio, la acción sigue deslizándose hacia un carácter inadvertido.

El director de fotografía Dariusz Wolski mezcla el brillo con una apariencia de época descolorida para lograr un efecto decepcionante de los 80, pero el diseño de producción de Arthur Max y el vestuario de Janty Yates le agregan muchos de esos detalles lujosos que se esperan cuando uno escucha "Gucci". Al igual que Gaga, que llama la atención en un vehículo que depende mucho más exclusivamente de ella que A Star Is Born, donde el centro de atención se comparte por igual con Bradley Cooper. Su trabajo aquí puede ser masticable, pero está fascinantemente viva en el papel, lo que calienta el hambre de Patrizia y aumenta la desesperación en una película confusa que rara vez se enciende.

Crítica Cinéfila: The Last Duel

 Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges y Jacques Le Gris, dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges, que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. 

The Last Duel trae las escenas de lucha con espadas más brutales en décadas, lo que demuestra que nadie lo hace realmente como Sir Ridley Scott cuando se trata de piezas de la época medieval, quien establece un nuevo estándar para las peleas con espadas en tierra. Aún así, la acción retorcida no es más que un delicioso aperitivo para el plato principal: un exquisito guión parecido a The Handmaiden que muestra una serie de eventos trágicos contados desde tres perspectivas diferentes, con impresionantes actuaciones que cambian sutilmente según quién está contando la historia, mientras que presenta una conmovedora exploración del poder y el género durante un tiempo y sistema donde los personajes secundarios femeninos se sienten como simples accesorios.

Ambientado durante la Guerra de los Cien Años, una época en la que Francia e Inglaterra están envueltos en batallas y conflictos sin fin, es un gran momento para hacerse un nombre y ganarse la vida ganando la gloria y la tierra para su señor feudal, siempre y cuando pague su alquiler a tiempo y da una parte de todo lo que tú y tus vecinos hagan a un conde o duque lejano. Este es un momento en el que todo, incluidas las mujeres, se consideran propiedad. Desde la escena inicial, Scott deja en claro que este es un momento cruel e implacable en la historia, donde miles de personas se reúnen en una plaza pública para ver a dos hombres en una pelea a muerte mientras el rey y su corte miran con deleite. Justo antes de que las lanzas golpeen su objetivo, nos remontamos unos años atrás.

Seguimos al futuro caballero Jean de Carrouges (Matt Damon), un escudero conocido por su habilidad en la batalla. La suya es una tragedia de proporciones griegas, ya que vemos cómo las hazañas de batalla de Jean en nombre del rey solo le provocan dolor y humillación. Primero, la plaga reclama a su familia, trabajadores y cultivos, luego el conde al que se ve obligado a jurar lealtad, Pierre d'Alençon (Ben Affleck) lo trata con desdén. Peor aún, el conde comienza a conspirar con el mejor amigo de Jean, Jacques Le Gris (Adam Driver), quien toma toda la herencia de Jean, la dote de su esposa y, finalmente, su esposa. Cuando Marguerite (Jodie Comer) afirma que fue violada por Le Gris, Jean decide dejar la justicia en manos de Dios, y la hoja de su espada, desafiando a su antiguo amigo a un duelo frente al rey.

Luego volvemos al principio una vez más, mientras revisamos los hechos una vez más, ahora contados desde la perspectiva de Le Gris, al estilo de The Handmaiden o Rashomon. Es un testimonio para los actores que son capaces de ofrecer tres actuaciones distintas y sutilmente diferentes según quién esté contando la historia. Damon ofrece una actuación impresionante que transforma a De Carrouges de un escudero orgulloso y confiado en sus propios ojos, a un patético y ridículo tonto cuando Le Gris cuenta la historia, a un marido obediente aunque enojado, resentido y celoso cuando Marguerite está contando la historia. Driver, por otro lado, actúa como un personaje de Alexandre Dumas que cobra vida, con el carisma de un héroe romántico, combinado con la energía cruda y fuerte de su bosquejo de la época medieval. Podría decirse que es Affleck quien ofrece la actuación más entretenida, profundizando en su personaje libertino de playboy de hace 20 años para un papel deliciosamente y absurdamente cruel, y alegre como el recuento de la perilla rubia blanqueadora.

Aún así, este es inequívocamente el vehículo estrella de Comer, ya que emerge de las sombras en el tercer acto, habiendo engañado intencionalmente a la audiencia actuando en silencio y al margen como poco más que como un apoyo para ayudar a las historias de los dos hombres sobre la lucha y a la muerte por ella. La capacidad de Comer para inyectar humanidad en el personaje de Marguerite con las expresiones más sutiles, revelando lenta pero seguramente más del dolor, las frustraciones y también la alegría de la vida de la recién casada antes de que se cuente su versión de la historia es lo que realmente vende la película, como toda la historia descansa sobre sus hombros. 

El guión, coescrito por Affleck, Damon y Nicole Holofcener (que maneja la versión de los hechos de Marguerite) toma la decisión correcta de no jugar con la ambigüedad sobre si la violación realmente sucedió, sino más bien jugar con la forma en que las normas sociales enseñaron y permitieron a los hombres percibir a una mujer huyendo con miedo como un juego previo inocente, o gritos de terror como una farsa hecha por mujeres casadas como una obligación hacia Dios más que como verdaderas protestas. The Last Duel deja en claro que la razón por la que la versión de los eventos de Marguerite es objetiva es que ella es el único personaje que ve a todos los demás como humanos, reconociendo objetivamente sus cualidades y sus defectos, en lugar de mirar a los demás como propiedad u objetos.

Pero el guión funciona tan bien como lo hace gracias a la dirección de Scott y el director de fotografía Dariusz Wolski, que cambia el encuadre y los ángulos de la cámara de un capítulo a otro, reencuadra los eventos para mostrar cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás. De Carrouges puede ser un hombre grande e impresionante a sus ojos, con sus heroicas escenas de lucha presentadas en cámara lenta y con ángulos bajos que representan su grandeza, pero cuando Le Gris está contando la historia, la cámara retrocede y hace que Jean se encoja como un tonto en un mar de grandeza real. De hecho, el bloqueo, e incluso la edición, se desvanecen en escenas que ya hemos visto, y casi como una novela policíaca, revelan detalles o incluso personas que estaban allí, escondiéndose fuera de la vista de los dos hombres demasiado grandes y ensimismados para fijarse en ellos antes.

Lamentablemente, para una película que intenta tanto ser un tipo diferente de drama medieval para la era #MeToo, The Last Duel no ofrece a sus personajes secundarios femeninos el mismo tratamiento humanista que Marguerite, tratándolos principalmente como dispositivos de trama, apareciendo solo cuando es estrictamente necesario y desapareciendo rápidamente de la vista. Asimismo, la película se centra tanto en la escena de la violación, extendiendo la escena y con la edición de sonido acentuando los gemidos y los gritos, que casi se siente gratuito y contradictorio en una película que supuestamente trata de devolverle la voz a las mujeres y retratarlas como humanas. en lugar de objetos.

Entonces, ¿qué pasa con el duelo titular? Bueno, a pesar de un largo tiempo de ejecución de 152 minutos, la espera vale la pena para ver a Scott flexionar sus músculos de acción de una manera que no se ha visto en el cine convencional de Hollywood desde Kingdom of Heaven . Este no es el tipo de pelea de espadas romántica de algo como El señor de los anillos, o el enfoque exagerado en la sangre de Game of Thrones, pero una lucha a muerte agotadora, brutal y lenta que es tan poco romántica como puede ser una película, con cada corte, barra y puñalada con un tremendo peso visual, auditivo y emocional. Sabes que el equipo de acrobacias hizo su tarea en el momento en que Damon de Carrouges comienza a sostener su espada con una mano en la hoja real, y el resto de la pelea se siente como en tierra, incluso si florece para hacer lo que fue un asunto muy corto, parecen más cinematográficos de lo habitual.

Una película sobre un duelo a muerte por la violación de una mujer, escrita por dos hombres, tenía mucho escepticismo en su contra, pero The Last Duel se levanta contra cualquier escepticismo con un guión complejo y matizado, actuaciones fenomenales que deben ser estudiadas. en clase de actuación, y algunas de las mejores escenas de lucha medievales puestas en pantalla.

Temporada de Premios: Nominados a los BAFTA 2020

Las nominaciones para los Premios de Cine BAFTA 2020 del Reino Unido se anunciaron el martes, con “Joker” presente en 11 categorías. La oscura historia del origen del villano del cómic, protagonizada por Joaquin Phoenix, es candidata para mejor película, actor principal, mejor guión adaptado y mejor director.

La película épica de la mafia de Martin Scorsese “The Irishman” y “Once Upon a Time … in Hollywood” de Quentin Tarantino recibieron 10 nominaciones.

Phoenix, quien ganó un Globo de Oro al mejor actor en una película dramática el domingo, se une a Leonardo DiCaprio, Adam Driver, Taron Egerton y Jonathan Pryce en la categoría de actor principal. Jessie Buckley, Charlize Theron, Scarlett Johansson, Saoirse Ronan y Renée Zellweger — que se llevó a casa el Globo de Oro el domingo– son las nominadas en la categoría de actriz principal. Margot Robbie fue nominada dos veces como actriz de reparto: una por su interpretación de Sharon Tate en “Once Upon a Time … in Hollywood” y otra por “Bombshell”.

La ceremonia de entrega de premios, que se considera un indicador importante para los Oscar, se llevará a cabo el 2 de febrero.

A continuación los nominados a los BAFTA 2020:

Best Film
1917
The Irishman
Joker
Once Upon a Time in Hollywood
Parasite

Outstanding British Film
1917
Bait
For Sama
Rocketman
Sorry We Missed You
The Two Popes

Best Director
Sam Mendes, 1917
Martin Scorsese, The Irishman
Todd Phillips, Joker
Quentin Tarantino, Once Upon a Time… in Hollywood
Bong Joon-ho, Parasite

Best Leading Actress
Jessie Buckley, Wild Rose
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell
Renée Zellweger, Judy

Best Leading Actor
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time… in Hollywood
Joaquin Phoenix, Joker
Adam Driver, Marriage Story
Taron Egerton, Rocketman
Jonathan Pryce, The Two Popes

Best Supporting Actress
Laura Dern, Marriage Story
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell
Margot Robbie, Once Upon a Time… in Hollywood

Best Supporting Actor
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman
Brad Pitt, Once Upon A Time … In Hollywood

Best Film Not In The English Language
The Farewell
For Sama
Pain And Glory
Parasite
Portrait Of A Lady On Fire

Best Documentary
American Factory
Apollo 11
Diego Maradona
For Sama
The Great Hack

Best Animated Film
Frozen 2
Klaus
A Shaun The Sheep Movie: Farmageddon
Toy Story 4

Best Director
1917, Sam Mendes
The Irishman, Martin Scorsese
Joker, Todd Phillips
Once Upon A Time… In Hollywood, Quentin Tarantino
Parasite, Bong Joon Ho

Best Original Screenplay
Booksmart, Susanna Fogel, Emily Halpern, Sarah Haskins, Katie Silberman
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon A Time… In Hollywood, Quentin Tarantino
Parasite, Han Jin Won, Bong Joon-Ho,

Best Adapted Screenplay
The Irishman, Steven Zaillian
Jojo Rabbit, Taika Waititi
Joker, Todd Phillips, Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony Mccarten

Best Original Score
1917, Thomas Newman
Jojo Rabbit, Michael Giacchino
Joker, Hildur Guđnadóttir
Little Women, Alexandre Desplat
Star Wars: The Rise Of Skywalker, John Williams

Best Casting
Joker, Shayna Markowitz
Marriage Story, Douglas Aibel, Francine Maisler
Once Upon A Time… In Hollywood, Victoria Thomas
The Personal History Of David Copperfield, Sarah Crowe
The Two Popes, Nina Gold

Best Cinematography
1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
Le Mans ’66, Phedon Papamichael
The Lighthouse, Jarin Blaschke

Best Editing
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Le Mans ’66, Andrew Buckland, Michael Mccusker
Once Upon A Time… In Hollywood, Fred Raskin

Best Production Design
1917, Dennis Gassner, Lee Sandales
The Irishman, Bob Shaw, Regina Graves
Jojo Rabbit, Ra Vincent, Nora Sopková
Joker, Mark Friedberg, Kris Moran
Once Upon A Time… In Hollywood, Barbara Ling, Nancy Haigh

Best Costume Design
The Irishman, Christopher Peterson, Sandy Powell
Jojo Rabbit, Mayes C. Rubeo
Judy, Jany Temime
Little Women, Jacqueline Durran
Once Upon A Time… In Hollywood, Arianne Phillips

Best Makeup & Hair
1917, Naomi Donne
Bombshell, Vivian Baker, Kazu Hiro, Anne Morgan
Joker, Kay Georgiou, Nicki Ledermann
Judy, Jeremy Woodhead
Rocketman, Lizzie Yianni Georgiou

Best Sound
1917, Scott Millan, Oliver Tarney, Rachael Tate, Mark Taylor, Stuart Wilson
Joker, Tod Maitland, Alan Robert Murray, Tom Ozanich, Dean Zupancic
Le Mans ’66, David Giammarco, Paul Massey, Steven A. Morrow, Donald Sylvester
Rocketman, Matthew Collinge, John Hayes, Mike Prestwood Smith, Danny Sheehan
Star Wars: The Rise Of Skywalker, David Acord, Andy Nelson, Christopher Scarabosio, Stuart Wilson, Matthew Wood

Best Special Visual Effects
1917, Greg Butler, Guillaume Rocheron, Dominic Tuohy
Avengers: Endgame, Dan Deleeuw, Dan Sudick
The Irishman, Leandro Estebecorena, Stephane Grabli, Pablo Helman
The Lion King, Andrew R. Jones, Robert Legato, Elliot Newman, Adam Valdez
Star Wars: The Rise Of Skywalker, Roger Guyett, Paul Kavanagh, Neal Scanlan, Dominic Tuohy

Best British Short Animation
Grandad Was A Romantic, Maryam Mohajer
In Her Boots, Kathrin Steinbacher
The Magic Boat, Naaman Azhari, Lilia Laurel

Best British Short Film
Azaar, Myriam Raja, Nathanael Baring
Goldfish, Hector Dockrill, Harri Kamalanathan, Benedict Turnbull, Laura Dockrill
Kamali, Sasha Rainbow, Rosalind Croad
Learning To Skateboard In A Warzone (If You’re A Girl), Carol Dysinger, Elena Andreicheva
The Trap, Lena Headey, Anthony Fitzgerald

Best Rising Star Award
Awkwafina
Jack Lowden
Kaitlyn Dever
Kelvin Harrison Jr.
Micheal Ward

Crítica Cinéfila: Star Wars Episode IX, the Rise of Skywalker

Un año después de los eventos de "Los últimos Jedi", los restos de la Resistencia se enfrentarán una vez más a la Primera Orden, involucrando conflictos del pasado y del presente. Mientras tanto, el antiguo conflicto entre los Jedi y los Sith llegará a su clímax, lo que llevará a la saga de los Skywalker a un final definitivo. Final de la trilogía iniciada con "El despertar de la Fuerza".

Hace dos años, mi gran amigo, mentor y molleto Rubén Peralta me avisaba que tenía dos entradas para ver Star Wars The Last Jedi en el screening para prensa. Que conste: no soy ni nunca seré fanática de esta saga. A pesar que sus personajes principales (o por lo menos los de la trilogía original) son muy interesantes, y que todo el universo creado por George Lucas ha sido bien pensado, no crecí conociéndolo, y por lo tanto, habiendo tantas otras sagas, ahora no me llama la atención. Pero ya que tenía la entrada, pues me sumé a verlas. Las primeras tres fueron geniales, la trilogía/precuela fue terrible, y ya la séptima me pareció interesante a pesar de que asesinaron a mi Han Solo (mi único gran amor, después de Adam Driver/Kylo Ren). The Last Jedi fue buena, pero no nada del otro mundo. Sin embargo, y después de haber visto todas las películas, una detrás de otra, hay un aspecto que se mantiene y esta última película me lo confirma: Star Wars es demasiado inconsistente.

Dirigida por JJ Abrams, quien inició este último conjunto de películas con The Force Awakens, gran ganadora de multiples premios y nominaciones en 2015, se trataba de un mínimo enfoque a la trayectoria de Luke Skywalker, que ya tenía una pista bastante bien establecida, pero que a la vez quería rescatar una de las ideas originales de Star Wars: "cualquiera puede ser un Jedi". Sin embargoo, es así como The Rise of Skywalker se dedica a una doble tarea agotadora: atar los hilos de una serie dispersa de una manera satisfactoria mientras también atiende los últimos pleitos entre Jedis de los fanáticos más molestos. Abrams es un talento, pero no es rival para un mandato corporativo tan pesado: su elegante fantasía caprichosa de Spielberg no es suficiente para cortar todo el mantenimiento torturado de la marca. Pero de todos modos se aleja, llenando The Rise of Skywalker con un millón de partes entrecortadas, y una carrera turbia hacia una conclusión que no creo que nadie quisiera.

Cuando se abre la película, Rey (Daisy Ridley) continúa su entrenamiento Jedi mientras que sus amigos Finn (John Boyega) y Poe (Oscar Isaac) están dando vueltas por la galaxia para obtener información sobre la temida Primera Orden de un informante secreto dentro de esa organización fascista. En otra parte, Kylo Ren (Adam Driver) está en busca de algo bastante serio, algo que sería la clave para desbloquear el pasado y el futuro de todo este melodrama dinástico.

La película está demasiado decidida en su curso sudoroso, sin prestar atención al interés real de la audiencia en su búsqueda con visión de túnel para ser ampliamente amada o, al menos, aprobada por Internet. Los juegos de acción: una persecución en el desierto durante una versión alienígena de Burning Man, una misión de rescate en un bergantín de naves espaciales (que recuerda desfavorablemente al de la primera película), un combate cuerpo a cuerpo y explosiones de más, todos se apresuran junto con sencillez superficial. Todas las escenas, incluyendo las que son guiadas por diálogos, se sienten cortadas, apresuradas, o una mezcla de ambas. Y peor aún, hay una pasión que falta en las grandes escenas de la película (y, en realidad, en las pequeñas también).

De esa manera, la película es un estudio interesante sobre cómo los megaestudios reaccionan a los comentarios de los fanáticos. No parece haber ninguna idea orgánica real que anime a Rise of Skywalker; en cambio, se siente improvisada a partir de notas de Twitter, lo cual es terriblemente cínico.

Es incuestionable en cada decisión, sobretodo con los personajes, y cómo no se arriesga a tomar decisiones que realmente empujen a los protagonistas al abismo, casi delimitando la historia a tener una gran muerte por película, lo cual en este tipo de género se siente muy extra. Rey se siente corta, no es aquella conocimos en la VII, pero tampoco parece alguien que va camino a descubrir una gran verdad de sí misma. Cuando llega a su batalla final, se siente tan apresurada que hasta uno espera más. Mientras tanto, la relación de Finn y Poe toma un giro completamente inexplicable, cuando ya había desarrollado un bromance bien natural en las dos anteriores. Otros personajes secundarios vuelven, pero se sienten innecesarios en la historia que hasta te olvidas de que siguen con vida, mientras los androides son empujados a decisiones demasiado humanas y un poco tontas.

Esta entrega también es triste, todo este bombardeo sin vida, hecho para apaciguar alguna idea vaga de un fanático de Star Wars puro. No creo que Rise of Skywalker tenga malas intenciones, exactamente, no es malévolo como lo son algunas películas de carpa sin alegría. Pero no se complace en su propia existencia, agregando débilmente un poco de ternura aquí y allá para animar las cosas, pero de otra manera arrastrando los pies malhumoradamente mientras hace lo que cree que necesita, lamentablemente inconsciente de que no tenía que ser así. 

Pero con todo esto, no quiere decir que la película sea completamente mala. En una secuencia, aparece el descomunal naufragio de la Estrella de la Muerte de Return of the Jedi, que se avecina en la distancia como un recordatorio potente y conmovedor de todas las estrellas y todas las guerras que han sucedido antes. También reaparecen importantes personajes así como se despiden algunos con gran valentía y altura. Hay muchos momentos rescatados desde la primera trilogía, lo cual funciona como un buen vistazo atrás de lo mejor de la saga. Y por supuesto no se puede dejar de mencionar el juego de luces y sonido, complementados por una edición y efectos especiales que es obvio que llegará a nominaciones.

En fin, así termina. Nunca me atrajo, aunque lo mejor que me llevo de la saga son las anécdotas de personajes que ya no están, así como todo un universo que parece sacado de un libro fantasioso intergaláctico. Pero esta última entrega se preocupa tanto por gustar y alagar a grandes fanáticos que no se toma los riesgos necesarios y simplemente confunde más a aquellos que están tratando de entender la saga, como yo.

Y un consejo para J.J. Abrams: a veces las escenas deberían durar más de dos minutos. ¡Deja de cortar películas a la mitad de la conversación!

Crítica Cinéfila: Marriage Story

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.

Marriage Story comienza con una falsificación. A través de la voz en off, los cónyuges Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) enumeran las cosas, grandes y pequeñas, que adoran el uno del otro: ella es una oyente incomparable, una experta en dar los regalos perfectos, una bailarina "infecciosa"; él es genuino con su hijo, un aparador sorprendentemente genial, llorador en el cine. Todo es cálidamente romántico de una manera adulta y sólida.

Por desgracia, esas listas no son tarjetas del Día de San Valentín que Charlie y Nicole han escrito el uno para el otro, o un ejercicio de intimidad destinado a acercarlas. Son algo que un mediador le ha pedido a la pareja que improvisen para separarse en buena fe. En la superficie, esta no es una historia de amor, sino de creciente hostilidad mutua, aunque, cómo argumenta la nueva y magistral película de Noah Baumbach, la línea entre esos sentimientos puede ser muy borrosa.

Los espectadores que cavaron la relativa suavidad del último proyecto de Baumbach, The Meyerowitz Stories (New and Selected) de 2017, deben prepararse: este es un trabajo duro, lleno de dolor que se siente sorprendentemente real (se basa en el propio divorcio de Baumbach de la actriz Jennifer Jason Leigh) y sin disimulo en su disposición a observar, a veces sorprendentemente con una proximidad emocional a las buenas personas en su peor momento.

También es divertido y, cuando menos lo esperas (y la mayoría de las veces lo necesitas), casi insoportablemente tierno, gracias en gran parte a los protagonistas sensacionales, que ofrecen las actuaciones más profundas, vivas y sintonizadas de sus carreras. Marriage Story te pone al revés, pero te deja entusiasmado por haber sido testigo de un cineasta y sus actores se superan a sí mismos.

La yuxtaposición del montaje de apertura de la película con la escena de mediación tensa que sigue genera suspenso: ¿Qué salió mal entre Charlie y Nicole? Pero Marriage Story encuentra a Baumbach en un estado de ánimo que confunde las expectativas; en lugar de una melancólica autopsia de un romance fallido a la Annie Hall, la película ofrece una crónica de conflicto y de cómo cambia una relación en el transcurso del proceso de divorcio. En el camino, captamos la dinámica que condujo a este colapso matrimonial en particular, pero ese no es el punto de Baumbach ni su propósito.

Cuando los conocemos, Charlie es director de un teatro de Brooklyn y Nicole, que rechazó algunas ofertas lucrativas en Hollywood, la actriz principal de su compañía. Después de separarse, Nicole toma a su hijo de 8 años, Henry (Azhy Robertson), y regresa a su ciudad natal, Los Ángeles, para actuar en una serie de televisión. Ella pasa tiempo con su deslumbrante madre (Julie Hagerty), y su hermana (Merritt Wever). Una nueva vida comienza a tomar forma.

El desafío es descubrir dónde encaja Charlie. Decidiendo hacer oficial su separación, Nicole consulta con la abogada de divorcios de alto poder, Nora Fanshaw (Laura Dern). Mantenerse amiga de su ex marido es la prioridad, insiste Nicole. "Lo haremos lo más gentilmente posible", Nora le tranquiliza. 

Nicole le cuenta a Nora su versión de la historia, relatando cómo su identidad, sus ideas, personalidad y ambiciones, gradualmente se volvieron secundarias y absorbidas por las de Charlie. La sustancia del monólogo es familiar: una mujer que se encuentra encogida en la sombra del ego y las necesidades de su esposo. Pero Baumbach lo enseña en algunas tomas largas, la cámara acercándose lentamente a Nicole y el torbellino de sentimientos que Johansson evoca resultando asombroso.

Aprendemos que el deseo de Nicole de pasar más tiempo en Los Ángeles fue un punto importante de discusión durante el matrimonio, y lo sigue siendo durante el divorcio. Aunque su trabajo todavía está en Nueva York, Charlie renta una residencia de medio tiempo cerca de Nicole para negociar la custodia compartida de Henry. Se establece una nueva normalidad, con recogidas y devoluciones, honorarios legales exorbitantes y conversaciones incómodas.

Los ex todavía se preocupan el uno por el otro, como lo ilustran dos momentos de gentil desamor: uno en el que Nicole recorta el cabello de Charlie, otro en el que le ordena el almuerzo en una conferencia de conciliación. Una de las ideas más penetrantes de la película es que el divorcio, incluso cuando es necesario, no siempre es intuitivo; a veces es un acto de abnegación, contrario a lo que el corazón quiere y que requiere un grado casi cruel de disciplina.

También puede acumularse, tomando proporciones de desagrado que empequeñecen o oscurecen las razones por las que se persiguió en primer lugar. Otras películas estadounidenses sobre el divorcio ( Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, The War of the Roses) han retratado este fenómeno, el proceso legal que impulsa y da forma a los sentimientos de la pareja en lugar de viceversa, pero ninguno con la fuerza y ​​claridad de Marriage Story.

Con los abogados empujándolos hacia posturas más agresivas, Charlie y Nicole se enfrentan en una discusión que conmociona el alma, sus quejas surgiendo como lava abrasadora. A medida que se ponen al descubierto los problemas de su matrimonio (su egoísmo reflexivo y su infidelidad, su tendencia a convertirse en una víctima), la escena se capta angustiosamente, recordando cuán fácilmente el amor puede convertirse en odio.

Todo esto hace que Marriage Story suene más sombrío de lo que es. Baumbach siempre ha sido un maestro de la comedia tintineante, y hay risas que animan el ambiente aquí. Una secuencia en la que la madre y la hermana de Nicole la ayudan a entregar los documentos de divorcio de Charlie se ejecuta con un vertiginoso chasquido. Y cuando una trabajadora social (Martha Kelly) visita a Charlie y Henry, el resultado es una pieza de comedia furtiva que, en su forma desconcertante, es aún más un acto de alto perfil. 

En colaboración con el cinematógrafo Robbie Ryan, emplea un estilo visual ágil y flexible, entrelazando primeros planos que capturan cambios sutiles en sus actores con ángulos más amplios que llaman la atención sobre la distancia física entre Charlie y Nicole, así como sus movimientos y lenguaje corporal alrededor del otro. El encuadre, la puesta en escena y el control sobre el flujo de la acción son seguros, a veces deslumbrantes. Los objetos, los gestos y los momentos (una puerta cerrada, un cordón de zapatos atado, un estallido inesperado en la canción) están persuadidos. Este es el trabajo de un cineasta al mando de sus poderes.

Si ha habido una limitación en las películas de Baumbach, es en la concepción de ciertos personajes. Sin embargo, Charlie y Nicole son tremendamente complicados, escritos con una sensación generosa del caos y la contradicción de las emociones humanas. Johansson te hace sentir los impulsos e instintos en conflicto (ira y anhelo, desafío y culpa, audacia y temor) en cada paso de la transición de Nicole a la vida sin Charlie. Mientras tanto, Charlie no es un narcisista ostentoso como los padres interpretados por Jeff Daniels y Dustin Hoffman en The Squid and the Whale y The Meyerowitz Stories de Baumbach, respectivamente. El es afable, cariñoso y consciente de sí mismo. Pero Charlie ha tenido un efecto eclipsante en la mujer que ama, y ​​Driver ofrece un retrato brillantemente habitado y sombreado de un hombre que se ve obligado a considerar esa realidad.

Algunos dirán que Marriage Story favorece a Charlie. Es el sustituto del cineasta, y la segunda mitad, en particular, se centra en su perspectiva y experiencia. Pero Baumbach es duro a la vez con Charlie, y al final perdona a los dos personajes. Es un testimonio de la película que cuando llega a su delicada conclusión, a pesar de todo lo que Charlie y Nicole se han dicho y hecho, el enloquecedor desastre que han hecho de las cosas, hemos llegado a amarlos a ambos.

BlackKklansman

Un detective afroamericano en Colorado Springs, en el estado de Colorado, se infiltra en el capítulo local del Ku Klux Klan y finalmente se convierte en el jefe del capítulo.

A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad. No obstante, para lograr infiltrarse, deberá aliarse con policías blancos que logren pasarse por él, puedan participar en las atroces actividades de las que son parte y conocer los niveles de racismo que existían (y todavía existen).

Spike Lee regresa con una película de Blaxpoitation, para otorgar una trama que toma lugar en los años 70, pero que hace mucha referencia al racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de que el estilo es muy particular del conflicto entre los blancos y los negros, también trata del racismo a nivel general, con escenas particulares hacia los judíos, chinos, latinos y otros grupos étnicos que puedan ser target de ataque. A su vez, la decisión de hacer contraste entre la lucha por la igualdad de los años 60-70 con los actuales rallies de grupos en apoyo de la supremacía blanca es un grito a la sociedad de que todo parece seguir igual.

Esta es una película cargada de comedias amplias, discursos audaces, embotadas representaciones de racismo y un asombroso toque visual; es una película muy típica de Spike Lee, hecha con el tipo de brío artístico y político que recuerda su mejor trabajo. La historia tiene toda la sutileza de un mazo en la cara, pero el argumento de Lee comienza y termina con el hecho de que este es un momento poco sutil en Estados Unidos. ¿Por qué otra razón concluiría su película (una obra de época) con imágenes del mitin de Charlottesville, la lucha que estalló, el accidente automovilístico intencional que mató a la contrarrevolucionaria Heather Heyer y la negativa de Donald Trump a condenar a los nacionalistas blancos después?

El personaje de Ron Stallworth es muy particular pues, a pesar de saber que ser negro en esta época representaban muchas desventajas para sí mismo, era un tema que lo mantenía reservado para sí mismo, pero a la hora de ser víctima de racismo en su propio trabajo, más conocer revolucionistas afroamericanos luchando contra el racismo, su mentalidad se fue transformando de manera notoria. La mejor secuencia de la película llega temprano: después de contratar a Stallworth como el primer oficial de policía negro en la historia del departamento, tiene la tarea de asistir a un discurso del activista de derechos civiles Stokely Carmichael (entonces conocido como Kwame Ture) para supervisarlo por subversivo actividad. Lee filma la escena como un momento de despertar relámpago para Stallworth, la cámara volviendo a su rostro (y tomas individuales de otras caras en la audiencia) repetidas veces mientras Ture (Corey Hawkins) le dice a la audiencia que "deje de huir de ser negro".

Los personajes, protagonizados por John David Washington y Adam Driver, tienen una química que representan el mejor entretenimiento de la historia, aún durante la lucha por la igualdad. Ambos personajes son conflictivos y complejos, representan grupos minoritarios de su época, pero a la vez luchan por diferentes objetivos: uno busca la igualdad y otro un camuflaje para no llamar la atención. Son las actuaciones más sobresalientes de la película, pero esto no significa que sean las únicas, pues todas las actuaciones saben lograr la ironía y empoderamiento que requierern sus personajes.

El diseño de producción es otro aspecto a resaltar, pues presenta una ambientación de la época bien inspirada, pero a la vez sabe volver a traer a la luz monumentos que resaltaban el racismo de algunos y la lucha de otros. Por igual, la vestimenta complementa la musicalización de la historia para saber resguardar el Blaxpoitation que es la película. Del mismo modo, el montaje hace referencia a este género y se inspira de otros clásicos de este estilo, con el objetivo de resaltar la diferencia de étnias y mantener la misma línea gráfica que Spike Lee ha establecido en todas sus películas.

BlacKkKlansman celebra el orgullo negro como arma necesaria contra el Klan y la sociedad para que despierte y se de cuenta del racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de todos los momentos cómicos que crea a lo largo de la historia, también refleja que la lucha sigue y que muchos están contra ella. Es un sabor amargo, pero real.

Logan Lucky

Intentando revertir una maldición familiar, tres hermanos, Jimmy (Channing Tatum), Mellie (Riley Keough) y Clyde Logan (Adam Driver), intentan llevar a cabo un gran atraco durante una importante carrera de coches en Concord, Carolina del Norte. (FILMAFFINITY)

Después de varios años de mala suerte y pérdidas de trabajo por problemas físicos, a los hermanos Logan no se les pudo haber ocurrido una mejor idea de un robo maestro que no fuese con tal estilo: reclutar a Joe Bang (interpretado por Daniel Craig) para que les colabore con su plan, realizarlo un día en que la entrada de dinero a la caja grande seá constante y en billetes mayores, y tomar las medidas necesarias para que sigan pasando desapercibidos por el resto de la sociedad.

Tres brazos, una bomba casera un poco inesperada y el trabajo de un elenco simplemente impresionante hacen de la trama de Logan Lucky un momento divertido y entretenido. Steven Soderbergh (Erin Brockovich, Ocean's Eleven, Contagio, Magic Mike) retoma el papel de director con esta historia que desde un principio toma una tonalidad de humor bien negro, en la que sus protagonistas deciden llegar a la decisión de robar al mismo responsable de algunas de sus desgracias. Para la buena suerte de estos hermanos, cuentan con una habilidad de convencimiento que  harán que muchos de los demás personajes caigan en el juego y se unan a este plan ingeniosamente elaborado para que todos salgan ganando, incluso los que sufrirán el atraco.

El mejor aspecto es la caracterización de los personajes, destacándose los de Channing Tatum, Daniel Craig y Adam Driver. Aquí se nota un increíble trabajo en la preparación y desarrollo de sus roles: desde el acento en que hablaban hasta todo su comportamiento físico y psicológico. Es primera vez que veo a Craig haciendo este tipo de papeles y realmente creo que vale la pena que siga agregándolos a su filmografía, porque ya está muy establecido en el género de acción; sin embargo, aquí lo vemos como una persona mucho más aterrizada a la realidad que le rodea pero con un sentido del humor y una actitud frente a la vida que lo complementa y perfecciona. Lo mismo sucede con Driver, quien me sorprendió mucho, y Tatum a quien finalmente lo veo no como el típico estereotipo de galán de acción y romance, sino como alguien que, del mismo modo, trata simplemente de sobrevivir a los achaques de la vida.

Por otro lado, y a pesar de que la temática de "asalto de banco" ha sido bien utilizada en estos últimos años, el objetivo de la trama nos llevó a un escenario en que la audiencia no se imagina cómo transcurrirá la situación y que segundo a segundo uno piensa que simplemente caerán, cuando en realidad todo estuvo completamente coordinado para que hasta los fallos fuesen a propósito. 

Logan Lucky sabe guiar a su espectador exactamente dónde quiere: entretiene pero a la vez da una poderosa reflexión sobre las grandes discriminaciones que ocurren en nuestra sociedad y que muy pocas personas se atreven a defender.