Crítica Cinéfila: Nobody 2

Cuatro años después de enfrentarse involuntariamente a la mafia rusa, Hutch sigue manteniendo con la organización criminal una deuda de 30 millones de dólares que trata de saldar poco a poco con una serie interminable de golpes contra matones internacionales. Pese a disfrutar como siempre de la faceta más trepidante y física de su «trabajo», Hutch y su esposa Becca se sienten agotados y distanciados. Para intentar remediarlo, deciden llevarse a sus hijos de escapada al mismo lugar al que Hutch iba de vacaciones con su hermano Harry cuando eran pequeños.

Esta secuela del sorprendente éxito de 2021 trae de vuelta a la familia suburbana que conoces y amas, y como muchos clanes amorosos, tienen sus problemas. En particular, Hutch (Bob Odenkirk) y su esposa Becca (Connie Nielsen) aún siguen distanciados, principalmente porque él trabaja todo el tiempo para pagar sus deudas, y sus hijos Brady (Gage Munroe) y Sammy (Paisley Cadorath) se sienten abandonados.

Suena normal, salvo por el hecho de que Hutch es un asesino profesional con habilidades especiales, y tiene una deuda de 30 millones de dólares con la mafia rusa tras cometer el error de quemar su dinero en la última película. Está cansado, sobre todo después de que una misión salió terriblemente mal en el entretenido y exagerado inicio de la película, donde se ve obligado a enfrentarse no a uno, sino a tres grupos de oponentes letales.

Unas vacaciones familiares parecen ser la solución, y Hutch conoce el lugar perfecto. Es Plummerville, el pueblo veraniego con un parque de atracciones que recuerda con cariño de niño. Así que recoge a su anciano padre (Christopher Lloyd) en la residencia de ancianos y los lleva a todos al pueblo, ahora en ruinas, para divertirse un poco. Aunque si has visto "Nobody", te darás cuenta de que a Hutch no le resulta fácil divertirse sin más. Los problemas claramente lo persiguen.

Gran parte del placer de la primera película residía en la gradual revelación de que su modesto personaje principal, de mediana edad, era en realidad un tipo duro capaz de vencer a bandas de hombres con la mitad de su edad, armados hasta la muerte. Ese elemento sorpresa falta inherentemente en la secuela, para su propio perjuicio, pero la premisa simple e ingeniosa de los guionistas Derek Kolstad y Aaron Rabin resulta muy divertida. Al fin y al cabo, ¿quién no se identifica con alguien que desea unas sencillas vacaciones con su familia y luego se ve impedido por problemas laborales?

Todo comienza de forma bastante inocente, con un altercado en una sala de juegos entre Brady y otro chico que lo acusa de coquetear con su novia. En la pelea que sigue, un guardia de seguridad excesivamente agresivo comete el error de golpear en la cabeza a la hija pequeña de Hutch. Hutch logra sacar a su familia antes de alegar que olvidó su celular y regresar a la sala de juegos para ponerse histérico con los empleados. Esto despierta la ira del agresivo sheriff del pueblo (Colin Hanks) y del corrupto dueño del parque temático (John Ortiz), quienes deciden vengarse del supuesto padre de familia que les causa problemas. Y ahí, por supuesto, se desata el caos, ya que Hutch descubre que el pueblo es el centro de operaciones de la jefa mafiosa Lendina (Sharon Stone). Es la típica psicópata dueña de un casino donde la pena por hacer trampa es la muerte, que ella misma aplica.

El director Timo Tjahjanto, quien relevó a Ilya Naishuller en la película anterior, escenifica con maestría los descontrolados acontecimientos, logrando a la perfección la mezcla de violencia demoledora y humor slapstick característico de la franquicia. El equipo de especialistas y los coreógrafos de lucha también merecen un gran reconocimiento.

Por no hablar de Odenkirk, quien supera a Liam Neeson no solo al convertirse en una estrella inesperada del cine de acción a una edad madura, sino también al exhibir una imponente destreza física en las elaboradas escenas de lucha. Gran parte de la gracia reside en la incongruencia de esta figura aparentemente afable que de repente entra en acción violenta, utilizando con ingenio cualquier objeto aleatorio que encuentre cerca y que pueda transformar en armas letales. 

Es cierto que la fórmula se desgasta con el transcurso de su metraje, especialmente en una batalla climática bien escenificada pero de sensación familiar entre Hutch y varios colaboradores, incluido su anciano padre y hermano adoptivo Harry (RZA), y los secuaces fuertemente armados de Lendina en un parque de atracciones con trampas explosivas. Pero los realizadores mantienen las cosas en movimiento a un ritmo tan rápido (la película dura afortunadamente 89 minutos) que uno se deja llevar por el viaje, con tantas secuencias de acción estupendas e inyecciones de humor mordaz e inexpresivo que resulta tremendamente entretenida. "Plummerville no es tan amigable como lo recordaba", comenta un Hutch cansado hasta los huesos en un momento dado.

Esto es especialmente cierto en el caso de Stone, quien parece estar pasándoselo en grande interpretando a una villana al estilo de Cruella de Vil, quien en un momento dado realiza lo que solo podría describirse como un baile maligno. Su trabajo aquí no es sutil, pero la sutileza no es lo que se busca en una película de Nobody.

Aunque no esperaba una secuela de esta historia, fue una entretenida sorpresa; la fórmula claramente no debería seguir usándose, pero en esta ocasión, volvió a funcionar a la perfección, dándole a la audiencia risas y dolor al mismo tiempo.

Crítica Cinéfila: The Fantastic Four, First Steps

Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, presenta a la Primera Familia de Marvel mientras se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal. 

Puede que aún falten años o décadas para un verano sin películas de superhéroes, pero al menos Hollywood parece dispuesto a lograr la Historia de Origen Cero. A pesar de un título que anticipa el debut de los personajes en el Universo Cinematográfico de Marvel, "The Fantastic Four: First Steps" se une a Superman y Thunderbolts de esta temporada como historias de superhéroes que cautivan al público, al menos en comparación con las versiones de los Cuatro Fantásticos de décadas pasadas. 

Un título informa a los nerds que todo esto ocurre en la Tierra-828, lo que explica el estilo retrofuturista de los años 60 y la ausencia de otros superhéroes visibles del UCM. Luego nos adentramos en un montaje de noticiero con aires expositivos que narra las muchas aventuras del científico elástico Reed Richards (Pedro Pascal), su esposa invisible Sue Storm (Vanessa Kirby), su fogoso hermano Johnny (Joseph Quinn) y su amigo de la familia, el monstruo de roca Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach), menos caritativamente conocido como La Cosa.

En general, sus apodos de superhéroes no tienen mucho protagonismo en esta historia, tan centrada en la familia que se vuelve casi extrañamente insular, con pocos personajes de los que hablar, y aún menos que no sean generados por computadora. Además de La Mole, una creación de efectos visuales maravillosamente impecable, y el asistente robot HERBIE (Matthew Wood), igualmente bien representado, los héroes se encuentran con un alienígena brillante conocido como Silver Surfer (Julia Garner), que llega a la Tierra para anunciar la llegada de Galactus (Ralph Ineson), una criatura enorme, divina y devoradora de mundos. 

Aunque Silver Surfer muestra cierta decencia cósmica oblicua bajo su brillante exterior metálico, Galactus parece ser una fuerza imparable e incognoscible, y el cerebrito Reed debe descubrir cómo proteger a su familia y al resto de la Tierra de esta amenaza inimaginablemente masiva. Cabe decir que algunos de los planes que idea no parecen obra de un genio de verdad.

Parecen, de hecho, restos de películas más pequeñas que precedieron a esta, anunciando el olvido. Específicamente, a pesar de un viaje al espacio y a través de algunos portales que dilatan el tiempo, en el papel First Steps es más o menos una nueva versión de "Fantastic Four: Rise Of The Silver Surfer" de 2007. Esa secuela de bajo costo gasta una cantidad considerable de sus 87 minutos sin créditos en una espantosa secuencia de baile de Mr. Fantastic y una escena en la que los superhéroes más famosos del mundo irritan a los pasajeros de una aerolínea comercial. 

First Steps no tiene tales payasadas, y aunque la nueva película es mejor que la especie de serie dirigida por Tim Story, que ya lleva dos años, por un factor que puede alcanzar los tres dígitos, tal vez un poco más de extravagancia habría sido útil. Una extraña melancolía se apodera de la película en su segunda mitad, principalmente debido a un dilema moral que aumenta las apuestas. Dado, sorprendentemente, cuánto se extrae material de la primera media hora de la publicidad, este giro probablemente se considere un spoiler. Debido a esa cuestión moral profunda, casi al estilo de Star Trek, la película, en última instancia, parece incapaz de tomar en serio.

Del mismo modo, y como es natural de las películas de acción de estos tiempos, esta se auxilia en momentos claves del CGI para proyectar las grandes hazañas de los superhéroes, pero hay un personaje que claramente necesitaba más trabajo de postproducción. Franklin Richards, el bebé superpoderoso de Mr. Fantástico y la Mujer Invisible, es interpretado por un grupo de bebés reales. Sin embargo, en varias escenas, el pequeño se representa mediante CGI. Dados los poderes cósmicos del niño y las escenas más impactantes en las que participa, tiene sentido que Marvel necesitara un bebé al que ambos pudieran hacer lo que necesitaran para una toma y mimetizarse con otros personajes generados por computadora como The Thing y Galactus. Sin embargo, sigue habiendo algo extraño en ver a un pequeño humano hecho completamente de CGI en una película de acción real, y solo ha mejorado marginalmente en la última década aproximadamente.

Cualquier ruptura con el estilo ligero de peleas de Marvel es bienvenida, pero "The Fantastic 4: First Steps" aún encuentra espacio para un montón de diálogos malos. Las infinitas posibilidades de un universo alternativo retrofuturista se utilizan, en parte, para imaginar que la pereza de escribir en choques de puños o frases y afectaciones aburridas y contemporáneas puede escapar del estado de anacronismo por un tecnicismo. 

La primera escena donde Sue anuncia su embarazo es una lección mortal sobre la camaradería forzada de múltiples borradores, inspirando pensamientos nostálgicos sobre cómo aparentemente le advirtieron a Pascal que no hiciera un acento del Atlántico Medio. Los trajes elegantes son una cosa; la actuación estilizada es, al parecer, otra muy distinta. Durante gran parte de la película, todo el elenco evita cortésmente meterse en problemas.

Crítica Cinéfila: Squid Game, 3ra temporada

Tras perder a su mejor amigo en el juego y quedarse sin esperanza por culpa del Líder, que ha ocultado su verdadera identidad para infiltrarse en el juego. Gi-hun continúa empeñado en poner fin al juego, pero el Líder planea su siguiente movimiento y las decisiones de los supervivientes derivan en consecuencias cada vez peores a medida que avanzan las rondas.

¿Qué tan sombrío puede ser “Squid Game” ? Al concluir la segunda temporada del sensacional drama de Netflix, nuestro héroe, Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), se vio envuelto en su mayor fracaso. Tras reunir a sus compañeros contra las fuerzas que controlan los juegos, el líder (Lee Byung-hun) cambió el guion, llevando a Gi-hun a presenciar el asesinato de su mejor amigo ante sus propios ojos. Fue una decisión del creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, que recordó a los espectadores que, a pesar de conocer lo que estaba en juego, Gi-hun está tan atrapado ahora como lo estuvo en su primera participación en los juegos. "Abandonen toda esperanza, los que entran aquí".

La temporada 3 dedica gran parte de sus episodios a la devastación, lo que hace que los primeros compases de la temporada final sean apropiadamente sombríos. Si bien la temporada 2 incluyó mucha preparación, esta nueva entrega se adentra en las consecuencias inmediatas de la rebelión fallida. Gi-hun y los demás protagonistas, como Lee Myung-gi (Im Si-wan), Kim Jun-hee (Jo Yu-ri), Dae-ho (Kang Ha-neul), Cho Hyun-ju (Park Sung-hoon), Jang Geum-ja (Kang Ae-shim), Park Yong-sik (Yang Dong-geun), entre otros, se ven arrastrados de nuevo al meollo del asunto. 

Si bien las frustraciones por un final en suspenso pueden haber molestado a la audiencia al final de la segunda temporada, el enfoque dividido y el aumento general en el número de episodios dan sus frutos. De forma similar a cómo el comienzo de la temporada pasada subvirtió las expectativas de la audiencia sobre los juegos que podrían jugarse, este bloque de episodios se beneficia una vez más de que el espectador no sepa qué está por venir. Cada interacción entre los personajes adquiere un tono significativamente más serio a medida que "Squid Game" se acerca a su conclusión, un impacto que se hace aún más poderoso por el hecho de que Dong-hyuk deja de lado activamente a Gi-hun durante las primeras horas para dedicarse al reparto secundario. Es una decisión muy efectiva, que encaja a la perfección con las crecientes apuestas de los juegos de las últimas rondas. El efecto infunde a la serie una nueva sensación de desesperanza. ¿Recuerdan lo aplastante que fue el juego de canicas en la primera temporada ? Un episodio temprano de la tercera temporada logra superar eso, con un efecto absolutamente desgarrador.

Sin embargo, hay algo de luz; después de todo, esto es la serie al final de este oscuro túnel. A medida que avanza la temporada, Dong-hyuk explora las relaciones familiares con un efecto sorprendentemente emotivo. Este elemento siempre ha estado presente en la serie, pero el concepto de lo que padres e hijos se deben mutuamente se convierte en una parte crucial de la trama y, por ello, enriquece aún más la serie. Parte de esa elevación se debe a la actuación de Lee Jung-jae. El recuerdo de su fracaso como padre siempre ha sido una gran preocupación para Gi-hun, y sin revelar mucho, la posibilidad de cierto nivel de redención personal ayuda a elevar la ya superlativa actuación de Lee Jung-jae a otro nivel. Su trabajo, especialmente en el quinto episodio, es mágico.

Lo que sigue siendo menos convincente son las tramas de Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon) y Kang No-eul (Park Gyu-young), que no ofrecen a ninguno de los personajes mucho que hacer más allá de sus tramas existentes de la primera mitad de la temporada. Ambos se encuentran prácticamente atrapados en la misma rutina: intentar escapar en el caso de No-eul o encontrar la isla en el caso de Jun-ho. El resultado final es que estas tramas se estancan hasta el episodio final, resolviéndose de maneras que no son ni de lejos tan impactantes como la narrativa principal. Además, entrelazar sus tramas diluye la fuerza y ​​el impulso de los juegos, estancando la tensión en lugar de aumentarla. Lo mismo ocurre con la inclusión de una nueva ronda de VIP, cuya naturaleza, similar a un coro griego, se convierte en un vehículo para reiterar lo obvio en lugar de ofrecer algo nuevo o revelador a los procedimientos.

Cuando "Squid Game" profundiza en sus momentos intensos, la serie demuestra que aún es más que capaz de crear una historia trágicamente cautivadora que logra entretener y conectar emocionalmente con sus personajes. La serie de Dong-hyuk reinventó y revitalizó el género Battle Royale con resultados extraordinarios. Claro, la intensidad es una característica, no un defecto, pero se combina con personajes fuertes y visuales cautivadores que perduran. La tercera temporada continúa esta tradición, ofreciendo un final especialmente impactante.

"Squid Game", en sus momentos finales, dice que mientras la vida continúa, encontrar la manera de mejorar las vidas que nos rodean en el contexto de la gran máquina en la que estamos atrapados vale los sacrificios necesarios para hacerlo posible. La serie logra encontrar un rayo de luz en medio de tanta desolación. En una realidad tan difícil, esa victoria vale todo el dinero del mundo.

Crítica Cinéfila: F1

Sonny Hayes fue el fenómeno más prometedor de la Fórmula 1 en la década de 1990, hasta que un accidente en la pista acabó prácticamente con su carrera. Treinta años después es un piloto nómada a sueldo al que contacta su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes, propietario de un equipo de Fórmula 1 al borde de la quiebra. Rubén convence a Sonny para volver a la categoría reina del automovilismo y tener una última oportunidad para salvar al equipo. Su compañero será el novato Joshua Pearce, el piloto estrella del equipo, que está decidido a imponer su propio ritmo.

Hace unos años, una serie de telerrealidad tensa y bien hecha llamada "Drive to Survive" sumergió a los espectadores en el mundo altamente competitivo y sorprendentemente dramático de las carreras de Fórmula 1. La serie, que se estrenó en Netflix en 2019, pero cobró gran impulso durante los primeros años de la pandemia de COVID-19, ayudó a popularizar el automovilismo en Estados Unidos. Ferrari, Mercedes y Red Bull no eran solo marcas de coches de lujo y bebidas con cafeína, sino equipos que competían agresivamente por los títulos de Grand Prix en todo el mundo. Mónaco, Silverstone, Bakú y Singapur no eran ciudades, sino formas de medir el progreso dentro de una temporada, que consistió en 24 carreras entre marzo y diciembre. Y Lewis Hamilton, Max Verstappen, George Russell y Charles Leclerc no eran solo personas, sino pilotos cuyos nombres cobraron mucho más significado a medida que los confinados hablaban con entusiasmo de sus vidas dentro y fuera de la pista. 

Parte de lo que hizo a "Drive to Survive" tan cautivador fue la profunda inmersión de los espectadores en este mundo desconocido y la representación del conflicto entre la búsqueda individual de la gloria y el éxito del equipo. Basta con unos pocos episodios para darse cuenta de que los pilotos no solo compiten con atletas de otros equipos; luchan con sus compañeros por distancias de apenas una décima de segundo. Joseph Kosinki comprende la emoción de esta tensión, y eso es lo que hace que "F1" sea tan emocionante. La película es una excelente incorporación a una sólida tradición de películas de automovilismo, desde "Rush" y "Gran Turismo" hasta "Ford vs. Ferrari" y, más recientemente, "Ferrari". 

Pero lo que distingue a "F1" de esas otras ofertas es la manera impresionante en que Kosinki entrelaza las realidades de la Fórmula 1 en su narrativa ficticia. Colaborando nuevamente con su guionista de "Top Gun: Maverick", Ehren Kruger, y el director de fotografía Claudio Miranda, el director da forma a una aventura de alto octanaje sobre el retorno de un piloto de deportes de primer nivel que alguna vez fue prometedor. El formidable elenco, liderado por un excelente Brad Pitt y un convincente Damson Idris, el equipo filmaron durante 18 meses en más de una docena de Grand Prix reales. Los protagonistas condujeron autos de carrera de F1 reales y, como en "Top Gun", Miranda y Kosinki experimentaron con qué tan lejos podían llevar la cámara para capturar con precisión la energía adictiva de vivir al límite. Hay escenas en F1 que colocan a los espectadores en el auto para traducir los sentimientos evocados por tal proximidad. 

Sonny Hayes, interpretado con una actitud despreocupada por Pitt, vive para conducir. Cuando conocemos al expiloto profesional, compite en las 24 Horas de Daytona, una carrera de resistencia en Florida. Tras asegurar el liderato, ayudando al equipo a alcanzar la victoria, Sonny, sin interés en el glamour ni la gloria, toma su sueldo y traza una ruta a Ensenada, donde una empresa busca pilotos.

Pero los planes de viaje por carretera del discreto piloto se ven frustrados al encontrarse con su viejo amigo y excompañero de equipo, ahora dueño de un equipo de Fórmula 1 en apuros. Reuben (Javier Bardem) le ruega a Sonny que sea el segundo piloto de su novato Joshua Pearce (un excelente Damson Idris) para que APXGP pueda ganar una carrera. Si no lo hacen, la junta directiva despedirá a Reuben y disolverá el equipo. 

Por supuesto, Sonny no está seguro de todo esto. Aún se recupera de un accidente casi fatal que puso fin a su carrera hace 30 años. Los recuerdos de aquella desastrosa carrera en España, evocados al azar y vívidamente por la ágil técnica de Stephen Mirrone, aún lo persiguen. Reuben recuerda ese momento, pero anima a su amigo diciéndole que aún lo tiene. A diferencia de Joshua, quien representa a una generación más joven de pilotos de F1, Sonny es maduro y posee una disciplina que podría serle útil. Tras un poco de insistencia, convincente y juguetona, Sonny acepta ayudar a Reuben. 

F1 sigue las experiencias de Sonny como piloto veterano que intenta recuperar su posición en un deporte muy diferente a lo que era en su época dorada. Además de la representación de las carreras por parte de Kosinki, algunos de los elementos más emocionantes de la F1 abordan las diferencias intergeneracionales entre Sonny y Joshua, a la vez que exploran la evolución del deporte. La Fórmula 1 siempre se ha basado en el dinero (los equipos suelen pagar medio millón de dólares a los pilotos para que compitan en carreras), pero como en muchos deportes, sus atletas también deben ser encantadores fuera de la pista para mantener su relevancia. A Sonny no le importa nada de eso, pero Josh no puede permitirse la misma actitud. 

Hamilton, el primer y único piloto negro de la Fórmula 1, ayudó a producir la F1 y aparece interpretándose a sí mismo en la película. Hay un momento conmovedor cerca del final, donde su personaje cruza brevemente la mirada con Joshua antes de una carrera, abordando sutilmente un tema clave de diversidad en el deporte. También parece un guiño al futuro, donde el acceso a la Fórmula 1 se vuelve menos prohibitivamente costoso y, por lo tanto, más inclusivo. 

El guion de Kruger aborda estos problemas. Reconocer y cuestionar esto habría aportado más matices a la relación entre Joshua y Sonny, que en cierto punto se inclina hacia arquetipos convencionales para mantener la historia. ¿Qué significa para esta pareja intergeneracional de desfavorecidos —el británico negro y el estadounidense, ambos ajenos a un deporte mayoritariamente europeo— trabajar juntos?

Aun así, Joshua cuenta con una sólida caracterización y hay escenas memorables entre el joven conductor y su madre, Bernadette. Ella protege ferozmente a su hijo, pero también reconoce cómo el ego de Joshua lleva a momentos inapropiados de discriminación por edad. A veces parece estar imitando a Deloris Jordan, interpretada por Viola Davis, en "Air". En una de las primeras escenas humorísticas, Bernadette obliga a Joshua a disculparse con Sonny por faltarle el respeto al conductor durante una conferencia de prensa. 

Sonny y Joshua chocan desde el principio porque sus similitudes son más profundas de lo que ninguno de los dos está dispuesto a admitir. Joshua posee una confianza que puede rozar la desfachatez. Ha trabajado duro para abrirse camino en este mundo, y parte de su actitud arrogante es autoprotectora. Idris canaliza estos elementos más sutiles de la personalidad de su personaje con una actuación que se basa en una fisicalidad discreta y una expresión facial más suave. Mientras Joshua despliega comentarios sarcásticos, sus ojos cuentan una historia marcada por el miedo. Sonny lo comprende, y a medida que los dos conductores se conocen, y él aprende a interpretar a Joshua. En general, Pitt interpreta al protagonista curtido como un vaquero rudo en el Salvaje Oeste de este deporte de lujo. Mientras que Joshua luce looks impecables de telas mixtas, como si acabara de salir de una pasarela, Sonny opta por diversas combinaciones de jeans rotos (vestuario de Julian Day). 

La mayor parte de "F1" narra cómo Sonny y Joshua transforman su hostilidad mutua en un sano espíritu competitivo. Su relación personal se desarrolla a través de hitos profesionales. Kosinki usa cada Grand Prix para avanzar en esta improbable amistad, así como para ayudar a los espectadores a comprender diferentes partes de la Fórmula 1. Las primeras carreras se tratan de los autos, la velocidad y el dinero. Sonny se familiariza con su vehículo y la ingeniera principal que lo construyó, Kate McKenna. Ella es la primera y única mujer en su puesto, y hay mucho en juego en el éxito o el fracaso de APXGP para ella porque, con razón, quiere demostrar que cualquiera que dude de ella está equivocado. También conoce al director del equipo, Kaspar, y a Peter Banning, un miembro de la junta entusiasta pero escurridizo.

Las carreras posteriores cambian el enfoque de lo mecánico a lo emocional, mostrando cómo cada miembro del equipo, desde los pilotos hasta los mecánicos, debe autorregularse y colaborar para obtener la mayor ventaja posible. En palabras de un personaje: «Lo lento es suave, y lo suave es rápido». Las escenas más impactantes de "F1", que cuenta con dos horas y media de duración, son estos momentos durante los fines de semana de carreras, cuando Kosinki integra su equipo ficticio con el real. Los aficionados reconocerán las apariciones de Verstappen, Leclerc, Carlos Sainz, Lando Norris y muchos otros pilotos. La emocionante banda sonora de Hans Zimmer sube la apuesta, añadiendo tensión a momentos ya de por sí emocionantes, como un piloto que toma una curva peligrosa en una pista resbaladiza o los mecánicos en boxes con apenas segundos para cambiar los neumáticos.

La impresionante maestría de estas escenas se extiende a la exploración de Kosinki de las diversas tecnologías, como los simuladores de carretera, utilizadas para ayudar a los pilotos a obtener ventaja. Claro que hay algunos elementos irreales en "F1", fragmentos que podrían sorprender a los más exigentes, pero la película no resulta menos dramática que la realidad.

Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Ballerina

Eve Macarro es una asesina entrenada por la Ruska Roma desde su infancia, la misma organización criminal encargada del adiestramiento de John Wick. En esta violenta historia de venganza, Eve intentará por todos los medios averiguar quién está detrás del asesinato de su padre. En su lucha por conocer la verdad, tendrá que atenerse a las normas de la Alta Mesa y, por supuesto, a las del Hotel Continental, donde descubrirá que existen secretos ocultos sobre su pasado.

Al principio de "Ballerina", la aspirante asesina interpretada por Ana de Armas recibe elogios por su singular instinto asesino. Cualquiera que haya visto este spin-off de John Wick coincidirá con esta afirmación, ya que la actriz nominada al Óscar ofrece una actuación feroz y vigorosa que casi supera las debilidades de la película. Los aficionados a la acción deberían disfrutar de las escenas espectacularmente violentas, pero su villano tan soso y su narrativa decepcionante resultan, en última instancia, incluso más letales que De Armas. No tiene ninguno de los fundamentos emocionales de John Wick.

"Ballerina" pondrá a prueba el poder de taquilla de De Armas: anteriormente protagonizó películas como "Knives Out" y "Blonde", y tuvo un breve pero memorable cameo en "No Time to Die" de 2021, donde pudo mostrar sus habilidades de acción. Esta es la primera entrega de la franquicia desde "John Wick: Chapter 4" de 2023, que recaudó 440 millones de dólares en todo el mundo, la mayor cantidad de la serie, y Keanu Reeves efectivamente aparece en este spinoff. Ballerina se ambienta durante los eventos de "John Wick: Chapter 3 - Parabellum", lo cual es importante considerando que el sicario de Reeves murió al final de la película de 2023.

De Armas interpreta a Eve, quien, de niña, presenció el asesinato de su padre a manos de hombres enmascarados. Entrenada por la temible Ruska Roma, quien le ha enseñado el arte del ballet y el asesinato, esta formidable asesina busca a los responsables. La búsqueda de Eve la llevará a Nueva York, la República Checa y Austria, donde dará con el Canciller (Gabriel Byrne), líder de una secta letal responsable de la muerte de su padre.

En los 11 años transcurridos desde la primera entrega de John Wick, la franquicia se ha vuelto más grandiosa en cuanto a su creación de mundos, presupuesto y secuencias de lucha. Desafortunadamente, las secuelas a veces se volvieron tan egocéntricas y operísticas que sacrificaron los placeres brutales de la película original. Pero si bien "Ballerina" presume de la misma teatralidad con luces de neón que los Capítulos 3 y 4, este spin-off regresa en cierta medida a la acción ingeniosa y descaradamente sangrienta de las entregas anteriores.

La venganza de "Ballerina" carece del trasfondo emocional de John Wick, pero De Armas (que reemplaza a la bailarina Unity Phelan, quien interpretó el papel en el capítulo 3) elimina convincentemente a muchos villanos. Puede que a Eve le falte el ingenio y la gracia de su personaje de "No Time to Die", pero De Armas demuestra una vez más una presencia imponente al interpretar a una asesina ingeniosa y férrea. Impresiona especialmente en las extensas y contundentes escenas de lucha de la película, empuñando desde minas terrestres hasta ametralladoras, martillos y patines de hielo para derrotar a sus enemigos.

Aunque la película se retrasó debido al rodaje de escenas de acción adicionales (que fueron dirigidas por el ex especialista Chad Stahleski), se nota lo planas que son las secuencias sin acción de Ballerina. El guion de Shay Hatten, quien coescribió el Capítulo 3 y el Capítulo 4, recupera a los personajes secundarios más memorables de la serie interpretados por Anjelica Huston, Ian McShane y el fallecido Lance Reddick (quién murió en 2023), pero sus apariciones son en gran medida superficiales. También es decepcionante el diálogo pesado y pseudoprofundo de la película sobre cómo el destino y la elección dictan el destino de Eve. La película es mucho más satisfactoria cuando deja de lado las pretensiones y simplemente abraza su espectáculo vertiginoso y exagerado, especialmente durante un final agradablemente ridículo que implica un enfrentamiento entre dos personajes con sus respectivos lanzallamas.

Para apaciguar a los fieles de John Wick, los cineastas no solo recuperan al icónico asesino de Reeves, sino que también lo presentan en un tenso duelo con Eve al final de la película. De la misma forma que los spin-offs recientes de Star Wars siguen incluyendo a Darth Vader o Luke Skywalker, la llegada de Wick destila desesperación, aunque Reeves mantiene una serena figura de ballet en el papel. Pero no tiene mucho que hacer, lo que podría decirse también de Byrne, quien intenta dotar de cierta amenaza a un personaje poco desarrollado. El Canciller no merece la ira de Eve, al igual que "Ballerina" no es lo suficientemente aguda como para merecer la actuación decisiva de De Armas.

Crítica Cinéfila: Number 24

Durante la II Guerra Mundial, el joven noruego Gunnar Sønsteby decide unirse a la resistencia noruega tras la invasión de su país por la Alemania nazi, comenzando una lucha que le llevó a convertirse más tarde en el líder de la "banda de Oslo", llevando a cabo innumerables y audaces actos de sabotaje que le convirtieron en el mayor héroe de guerra de la historia de Noruega.

Basada en la historia real de Gunnar Sønsteby, un combatiente de la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, la película “Number 24” del director noruego John Andreas Andersen es una pieza de época sólida y elegante que describe el costo emocional que requiere la libertad. Comienza con un anciano Sønsteby (Erik Hivju) preparándose para hablar ante un grupo de jóvenes estudiantes en Rjukan. La cámara de Andersen adopta un enfoque documental, apoyándose en zooms evocadores para capturar a un nervioso Sønsteby mordiendo ansiosamente un palo antes de aparecer en el escenario. Ha dado este discurso muchas veces, pero está claro que el acceso a estos recuerdos difíciles —“el quinto cajón de su mente”, como él lo llama— todavía le causa una angustia inconmensurable. 

El recurso que utiliza Sønsteby para enmarcar la película es obvio, pero no por ello menos eficaz: durante la conferencia de Sønsteby saltamos de su presentación a sus recuerdos y retrocedemos hasta Rjukan en 1937. Sønsteby (Sjur Vatne Brean) está de excursión por las montañas con su mejor amigo Erling Solheim (Jakob Maanum Trulsen). En otro lugar, los nazis están quemando libros, pero sólo uno de estos hombres está asustado. Solheim cree que los nazis no son tan malos; sólo tienen como objetivo a los comunistas. Sønsteby, como se puede suponer, tiene otros pensamientos al respecto. La división ideológica entre amigos pasará a un segundo plano, pero se sentirá en cada escena de este drama angustioso.

A pesar del tono intenso de la película y de su escena inicial, el joven Sønsteby rara vez se pone nervioso. Es un planificador meticuloso y de mente cerrada cuya tenacidad silenciosa lo convierte en un recluta atractivo para la resistencia heterogénea de Noruega. Sønsteby se convierte en parte del ejército, luego en editor de panfletos antinazis, antes de finalmente encontrar su lugar como espía con el nombre en código "Número 24". Pronto, las misiones de alto perfil de Sønsteby lo ponen en la mira de los nazis. Pero Sønsteby es demasiado ágil para ser atrapado; posee múltiples nombres, múltiples pasaportes y documentos de identificación e innumerables apartamentos. Es un bonito juego del gato y el ratón que Andersen no exagera. Sønsteby no es una figura carismática cuyas escapadas apuradas nos deleitan. De hecho, se burla de sus camaradas por sucumbir a distracciones como las mujeres y la bebida. En pocas palabras: la naturaleza aparentemente anodino de Sønsteby le permite realizar actos notables. 

A primera vista, el tema de un taciturno combatiente rebelde puede parecer extraño para Andersen. El director es más conocido por dirigir extravagantes películas de catástrofes como “El mar en llamas” y “El terremoto”. Pero el noruego Roland Emmerich sabe cómo generar tensión a través de escenas magistralmente elaboradas que ponen a prueba la voluntad de sus personajes. En este caso, hay varias secuencias de espionaje en las que Sønsteby y sus camaradas tienen la tarea de colocar explosivos en objetivos de alto riesgo, como fábricas de armas. En estas escenas, el montaje rápido empuja al espectador entre las múltiples piezas que deben unirse para completar estas misiones. 

Un tipo diferente de aprensión afecta las escenas ambientadas en la época moderna. La relación de Sønsteby con estos estudiantes no es una calle de un solo sentido en la que él les habla. También le hacen preguntas, sondeando la moralidad de sus operaciones en tiempos de guerra, especialmente los abundantes asesinatos en los que participó. Sønsteby no se echa atrás. Para él, la situación es blanco o negro: es libertad u opresión. Pero una joven mujer pone a prueba su determinación, haciéndole una pregunta que casi abre todos los compartimentos mentales y emocionales que ha encerrado durante décadas. Andersen recurre a una audaz canción de Radiohead, “Exit Music (For a Film)”, que en cierto modo funciona (es emocionalmente apasionante), pero también parece tonalmente inadecuada (la música anacrónica está fuera de lugar en una pieza de época tan detallada). 

En otras partes de la película, Andersen logra equilibrar la naturaleza metódica de esta figura histórica (el pausado Trulsen es indispensable) con la carga temática. Hay momentos sombríos de tortura y traiciones, y algo de humor sorprendente. Cuando un estudiante le pregunta a Sønsteby por qué él y sus compañeros no siguieron las enseñanzas no violentas de Gandhi en lugar de recurrir al asesinato, Sønsteby responde con franqueza: "Gandhi no se enfrentó a los nazis". Eso es lo más cerca que Andersen llega a cuestionar las acciones de Sønsteby o su personalidad. En cambio, el director crea una imagen principalmente patriótica de un hombre dedicado exclusivamente al deber. Es un enfoque inflexible que a menudo hace que la película sea emocionante incluso a través de una lente estrecha.

Crítica Cinéfila: Squid Game, 2da temporada

Tres años después de su victoria, el jugador 456 decide no viajar a Estados Unidos y regresa con un nuevo objetivo. Para conseguirlo, Gi-hun compite una vez más en el misterioso juego de supervivencia donde tendrá que superar situaciones de vida o muerte con nuevos participantes que sueñan con llevarse el premio de 45,600 millones de wons.

Para una serie a la que se le atribuye el inicio de una revolución televisiva internacional, la segunda temporada de “Squid Game” se siente como la secuela estándar de un éxito de taquilla de Hollywood. La historia refleja las ideas del proyecto original, siguiendo a un nuevo grupo de desesperados desposeídos que compiten en juegos de la escuela primaria con una fortuna considerable para los ganadores y una ejecución despiadada para los perdedores. La segunda temporada también está protagonizada por el mismo personaje principal, o personajes, ya que Gi-hun (Lee Jung-jae) guía la trama A dentro del juego, y Jun-ho (Wi Ha-joon) conduce la trama B detrás de escena. El creador Hwang Dong-hyuk también está de regreso, escribiendo y dirigiendo cada episodio, y la producción, ya de por sí sorprendente, está impregnada del estilo más grande y audaz que tiende a venir con recursos adicionales.

Gran parte de la superposición es una consecuencia inevitable de seguir una sensación mundial que no exigía una continuación, pero hay diversión entre la repetición agotadora y los arcos argumentales alargados: la temporada 2 es más como media temporada, completada con un final de suspenso. Para cualquiera que esté satisfecho con la primera competencia, es probable que los siete nuevos episodios sigan proporcionando suficiente entretenimiento visceral o emociones indirectas como para merecer un viaje de regreso. La temporada 2 continúa capitalizando una premisa que es instintivamente absorbente: quién ganará y quién perderá, quién jugará con honor y quién se degradará, con quién nos identificaremos y a quién vilipendiaremos. Las preguntas un poco más complicadas, las que duran un poco más que la duración de cada juego: ¿Cuándo un personaje cruza una línea? ¿Por qué la cruza? ¿Y podemos empatizar con sus justificaciones para hacerlo?

Mientras que la primera temporada prosperó gracias al descubrimiento (no solo la gran revelación de cada juego nuevo, incluidas sus reglas y costumbres, sino también un éxito inesperado que se hizo popular de boca en boca en lugar de por el entusiasmo previo al lanzamiento), la segunda temporada sobrevive sabiendo que hay menos por descubrir. Se apoya en nuestra anticipación y, ocasionalmente, juega con ella, desplegando un giro aquí y otro allá, pero la mayoría de las veces satisface hábilmente nuestras expectativas. Además, como un medio para que Hwang corrija parte de la desigualdad de riqueza entre el creador y el distribuidor (haciendo una segunda temporada que se haga eco de la primera como su único recurso para ver una parte de lo que Netflix ganó con su trabajo original), es, francamente, mucho más fácil de disfrutar.

"Squid Game" nunca fue sutil, prefiriendo combinar su indignación por la desigualdad de riqueza impulsada por el capitalismo con una violencia física tan brutal y gráfica como la dolorosa y penosa rutina de vivir de un sueldo a otro. Semejante carnicería fue comprensiblemente desagradable para algunos espectadores, incluso para aquellos que simpatizan con la actitud de "comerse a los ricos" de la serie, y la segunda temporada sigue optando por la violencia.

A estas alturas, tal vez se den cuenta de que es un poco complicado hablar de lo que sucede en la segunda temporada de "Squid Game" sin dar spoilers. La historia más amplia sigue tan de cerca de lo que vino antes, que cada pequeña alteración y pequeño desarrollo ayuda a tener muchas más consecuencias. Dos años después de que Gi-hun abandonara su vuelo a Los Ángeles, donde se reuniría con su hija, el único superviviente de los últimos Juegos del calamar no está viviendo la vida de un multimillonario coreano. Está escondido en un hotel sucio, planeando su venganza y tratando de encontrar al Reclutador (Gong Yoo). Tiene a todo un equipo recorriendo el metro en busca de un hombre alto, flacucho y de traje que desafía a desconocidos desafortunados a un ddakji uno a uno. Durante años, Gi-hun no ha encontrado nada y, durante años, sigue invirtiendo cada vez más dinero en la búsqueda.

Por supuesto, el dinero no le importa. Gi-hun lo ve como una maldición, un recordatorio de todas las vidas perdidas por codicia e interés propio. Necesita el dinero para llevar a cabo su misión, pero su antipatía hacia el dinero (y en lo que podría convertirlo) refleja su antipatía por el Juego del Calamar, que no ha hecho más que crecer desde que ganó. “No lo entiendes”, dice. “No podrías saber cómo fue estar allí, lo que hice para salir. No tienes ni idea de cómo es realmente el juego”.

Y, sin embargo, ya sea que Gi-hun encuentre al Reclutador o no, no hay duda de que volverá a jugar el juego. Hwang hace un buen trabajo al justificar el regreso del Jugador 456 a la arena, pero tiene dificultades para justificar cómo Gi-hun pone fin a estas batallas campales. Como una trama secundaria sobre la búsqueda de la isla, las férreas convicciones de Gi-hun sobre el Juego del Calamar van y vienen con las necesidades de "Squid Game": los espectadores quieren ver los juegos y, por un tiempo, Gi-hun tiene que callarse y jugar.

Una vez que lo hace, la segunda temporada cae en los patrones familiares pero atractivos de su predecesora. Los nuevos jugadores se sorprenden al enterarse de las apuestas de vida o muerte y rápidamente se dividen en dos grupos: los que quieren quedarse y seguir compitiendo, y los que quieren cobrar y marcharse. A partir de ahí surgen más facciones, a medida que la gente empieza a jugar dentro del Juego del Calamar, formando grupos de amistades y alianzas, reales y falsas. El nuevo grupo de arquetipos amplios (que incluye una madre y un hijo muy unidos, una mujer embarazada en secreto y un ex-multimillonario mandón) también presenta a algunos bichos raros intrigantes, como el subcampeón de un reality show de rap llamado Thanos (con el pelo morado y las uñas pintadas en el tono de las Gemas del Infinito) y un agente de bitcoin que se arruinó.

En general, el nuevo elenco se une sin problemas (en parte porque se adaptan a una dinámica similar a la del equipo de la temporada 1), y la temporada 2 encuentra sus mejores momentos cuando se sienta con estos personajes y sus elecciones. También da un vistazo tentador a las vidas de los guardias, y los jugadores más arrogantes y aduladores no solo son villanos satíricos, sino que también crean un trasfondo de comedia negro en el que la temporada puede apoyarse cuando necesita un impulso. La temporada 2 no es más ligera (Gi-hun todavía está "en el infierno", después de todo), pero es más divertida, lo que tiene su propio sentido peculiar. Los juegos ya no son nuevos (lo que no quiere decir que no haya juegos nuevos) y los entornos se han vuelto familiares, para nosotros y para nuestro protagonista. Entonces, en lugar de intentar superar la intensidad de no saber qué horror aguarda detrás de cada puerta, la temporada 2 combina su sensación de fatalidad con una inevitabilidad de "qué horror" que se siente demasiado familiar.

Sí, la segunda temporada de “Squid Game” sin duda generará una cantidad desmesurada analizando diversos paralelismos modernos, pero en realidad no tiene nada que decir que no se haya dicho ya la primera temporada. Tal vez eso cambie cuando llegue la tercera temporada (que, de nuevo, es más como la segunda mitad de la segunda), pero por ahora, “Squid Game” se conforma con existir como entretenimiento instintivo.

Si hay una razón por la que existe la segunda temporada más allá de la responsabilidad fiduciaria de Netflix es por el conflicto entre los jugadores que resienten a sus señores multimillonarios y los jugadores que los sirven conscientemente. Al principio, alguien menciona "Matrix" con bastante franqueza, tal vez para subrayar mejor que, en esta temporada, Neo/Gi-hun no está luchando contra el Arquitecto/Oh Il-nam (O Yeong-su), que creó el Juego del Calamar y que derrotó en la temporada 1. Está luchando contra los Agentes Smith/Front Men que mantienen los juegos en funcionamiento. Después de todo, en este punto de la sociedad, no importa cómo comenzó el capitalismo. Lo que importa es si podemos encontrar una salida sin perdernos a nosotros mismos, nuestras vidas y a los demás.

Crítica Cinéfila: Twisters

Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios; ahora estudia los patrones de tormentas en las pantallas de forma segura en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la atrae de regreso a las llanuras abiertas para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens, encantador e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras, persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor. A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatarán fenómenos aterradores nunca antes vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran de lleno en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre el centro de Oklahoma en la lucha de sus vidas.

"Twisters", de Lee Isaac Chung, es una secuela independiente del segundo mayor éxito de taquilla del verano de 1996, que podría pertenecer a un milenio diferente al de la película original de Jan de Bont, y sólo comparte un personaje con ese clásico de las vacas voladoras de los primeros CGI de Hollywood (una máquina de datos llamada Dorothy), pero cada uno de estos blockbusters está impulsado por el mismo espíritu creativo. Para citar a un personaje que corre para salvar a tantos civiles como pueda del enorme tornado que arrasa una ciudad de Oklahoma durante el clímax de la película de Chung : “¡Tenemos que llevar a todos al cine!”. 

Al igual que su predecesora, esta emocionante y sorprendente ráfaga romántica de diversión en los multicines mezcla una extraña combinación de géneros en un viaje convencionalmente satisfactorio. Mientras que “Twister” convirtió una comedia disparatada clásica en una película de catástrofes de vanguardia, “Twisters” cambia efectivamente ese guión al lanzar una comedia romántica moderna (muy) alegre en el vórtice de una aventura de Amblin de la vieja escuela. 

Glen Powell está aquí, por supuesto, la estrella de “Anyone but You” que produce puro carisma de la nada como Tyler, un YouTuber llamativo que persigue tornados por más views. No es compatible con la mucho más seria Kate (la revelación de “Normal People”, Daisy Edgar-Jones), una científica de ojos grandes cuyos sueños adolescentes de resolver la crisis de tornados se ven destruidos por el mismo tornado que se traga a todos sus amigos en la secuencia inicial de la película. 

La diferencia de presión entre estos personajes sería lo suficientemente fuerte como para hacer avanzar la trama por sí sola, incluso sin los monstruos del tamaño de una nube que están cazando por Oklahoma como tiburones terrestres, o sin el triángulo amoroso a medias que amenaza con formarse cada vez que el viejo amigo de Kate, Javi, interpretado por Anthony Ramos, aparece con motivos sospechosos y tecnología de imágenes militares. Pero los avances en la tecnología de imágenes cinematográficas permiten a Chung reunir una medida de asombro spielbergiano que faltaba en la película de De Bont. 

Aunque el guion de Mark L. Smith pone un mayor énfasis en el poder destructivo de estos desastres naturales (así como en el costo que tienen para las personas y las comunidades que se ven aplastadas en su camino), la devastación que causan está rodeada de asombro, y ese asombro permite a Kate, Tyler y su variopinto grupo de renegados cazadores de tornados compartir la euforia visceral de rescatar la esperanza de la catástrofe. Gente hermosa, acción trepidante, patetismo genuino y algunos comentarios discretamente subestimados sobre el capitalismo depredador del cambio climático, "Twisters" hace lo que puede para que todos vayan al cine, incluso si no hay mucho sobre ella que alguien pueda apreciar.

De todos modos, siempre es maravilloso ver una gran película de verano que simplemente funciona tan bien como esta, y más aún una película de gran presupuesto de 200 millones de dólares que nunca permite que esa escala se aleje de ella. Basada en una historia que se atribuye al director de "Top Gun: Maverick", Joseph Kosinski, "Twisters" fue palpablemente concebida por personas lo suficientemente inteligentes como para reconocer que, a pesar de los efectos especiales del siglo XXI disponibles para ellos, esta secuela no podía depender del espectáculo crudo en el mismo grado que la original. Los días en que el público podía ser deslumbrado tan fácilmente por los embudos de viento generados por computadora han quedado muy atrás, un hecho que presentó al equipo creativo de la película un desafío que aceptaron como una oportunidad.

Con su capacidad comparativamente limitada para sembrar lo digital a gran escala, “Twister” no tuvo más opción que confiar en sus dos personajes principales, o rodearlos con el mejor elenco de apoyo que cualquier estudio pudiera esperar reunir en ese momento. En lugar de engañarse a sí mismos pensando que las herramientas modernas los habían liberado de esa obligación del viejo mundo, Chung y compañía optaron por seguir el mismo camino. Un tornado es un tornado (a menos que en realidad sean dos tornados a la vez), y aunque “Twisters” puede manipularlos (y a menudo lo hace) con una precisión que no era posible en la película anterior, la gente detrás de esta franquicia naciente claramente entiende que solo pueden llevar las cosas hasta cierto punto antes de que puedan desbordarse al territorio de “The Day After Tomorrow”. 

Así, mientras que esta secuela nos ofrece una deslumbrante toma de un EF-5 convirtiéndose en un infierno dantesco mientras atraviesa una planta de energía, una secuencia espectacular en la que un tornado engulle a personas desde el fondo de una piscina vacía como si las estuviera eliminando a propósito, y una gran cantidad de escenas en las que se forma un vórtice todopoderoso justo en su objetivo, el énfasis sigue estando puesto en el reparto humano. Repitiendo inteligentemente el momento semi-cómico de "Twister" en el que Helen Hunt mira fijamente a un tornado como si fuera el mismo que se tragó a su padre unos 30 años antes, el guion de Smith se esfuerza por hacer que las cosas sean personales pero no demasiado personales, y el director de "Minari", Chung, que no es ajeno a las historias íntimas que se desarrollan en el contexto épico del corazón de Estados Unidos, es igualmente adecuado para caminar por esa línea con facilidad.

Kate encarna los pros y los contras de ese enfoque en casi igual medida. Una quimera que combina los dos protagonistas de la película anterior en una única (y a menudo frustrantemente recesiva) cazadora de tormentas, Kate combina el trauma formativo de Hunt con los dones psíquicos renuentes de Bill Paxton (tiene un sexto sentido para saber qué hará un tornado a continuación). Kate puede no ser el personaje más dinámico del mundo, pero es fácil creer que es una visionaria herida, y Edgar-Jones nos vende la idea de que podría estar demasiado herida para ayudar a alguien más. 

Eso hace que Tyler sea el complemento perfecto para ella, ya que la sonrisa burlona que cada tornado extiende por su rostro hace que parezca que se está riendo de la cicatriz en la pierna que dejó el último tornado de Kate, y su papel de YouTuber (un marcado contraste con el profesionalismo uniformado del equipo de Javi) implica una actitud insufriblemente despreocupada hacia los efectos en el mundo real de un fenómeno meteorológico que arruina la vida. El lema de Tyler: "Si lo sientes, persíguelo". Es una inversión inteligente de la película original, donde nuestros héroes eran los forasteros adictos a la adrenalina y Cary Elwes era el idiota corporativo que seguía tratando de robarles el protagonismo. 

Por supuesto, Powell es demasiado simpático como para seguir en el lado amargo de Kate por mucho tiempo, y el equipo de su personaje es demasiado genial como para que alguien lo contradiga: Katy O'Brian, Sasha Lane, Brandon Perea y el gran Tunde Adebimpe le dan al elenco estelar de De Bont una seria competencia. Por más divertido que haya sido ver a los ex casi divorciados de Hunt y Paxton redescubrir su amor mutuo, "Twisters" hace un trabajo aún más limpio al generar emociones palpables a partir de puro espectáculo, ya que la película es más atractiva durante las diversas escenas que obligan a Kate a ver el altruismo detrás del destello del tamaño de un fuego artificial de Tyler. Es raro ver un éxito de taquilla de verano en el que los efectos especiales sean tan inseparables de la emoción, pero es lógico que todo esté mezclado de esa manera.

Aunque es una película bastante predecible para ser sobre un fenómeno meteorológico tan volátil que puede arrasar una ciudad entera con apenas unos segundos de aviso, “Twisters” no tiene ningún interés en reinventar la rueda, pero nunca olvida que no es nuestro primer “tornado” y aprovecha al máximo sus oportunidades para darle un giro del siglo XXI a una fórmula clásica. Esto es especialmente cierto una vez que la película logra liberarse de los grilletes oxidados del dolor de Kate; a través de su negociación sincera con un mundo moderno en el que la madre naturaleza y la naturaleza humana están apiladas, “Twisters” insta a sus personajes a luchar por un futuro mejor a pesar de los vientos en contra que amenazan con derribarlos, una súplica a la que Chung se compromete con una convicción que a veces falta en la historia de amor de su película: “Si lo sientes, persíguelo”. 

Y a pesar de toda la buena voluntad inmerecida que “Twisters” extiende a los creadores de contenido viral, sigue siendo uno de los argumentos más enfáticos de este verano a favor de la experiencia de la pantalla grande. Una sala de cine puede no ser el lugar más seguro para esconderse de un tornado, pero este éxito de taquilla ganador del mes de julio deja perfectamente en claro que acurrucarse en la oscuridad con extraños es mucho mejor que ver la tormenta desde casa. 

Crítica Cinéfila: Parasyte, The Grey - 1ra Temporada

Cuando unos misteriosos y violentos parásitos, alojados en huéspedes humanos, se hacen con el poder, la humanidad deberá alzarse para combatir esta temible amenaza. Versión live-action inspirada en el manga "Parasyte", con cambios con respecto al manga original. 

Si creciste con el manga japonés del mismo nombre, y luego te obsesionaste con la serie ánime; aunque la historia no sigue a los mismos personajes ni es en el mismo país, te va a emocionar comoquiera y mantiene la fórmula del universo: mezcla perfecta de acción con emociones y una calidad más creíble de los efectos visuales (y esto es haciendo referencia para nunca recordar aquel live-action que trataron de hacer con la historia original del manga...). Los fanáticos del director de género Yeon Sang-ho, quien nos dio Train to Busan, Hellbound y Jung_E estarán felices porque él está detrás de esto. La 1ra temporada tiene solo episodios de seis horas de duración y es imposible no seguir viéndolos de golpe, concluyendo con un personaje familiar en la escena final de la temporada que solo dará más sed de parásitos y temporadas.

Cuando comienza la serie, queda inmediatamente claro que "Parasyte: The Grey" es en gran medida una historia de terror de ciencia ficción. Se ve cómo una espora cae del cielo, rebota suavemente y parece un juguete de niños hasta que brota un tentáculo de su interior. La criatura emergente se desliza hacia la persona más cercana y salta a su cerebro a través de su oreja. ¿De dónde vino la extraña masa de esporas? ¡Quién sabe! Ciertamente no es de este mundo. Lo que sí llegamos a saber rápidamente es que el humano infectado por el extraterrestre se convierte en una criatura con tentáculos que pone en peligro a todos los que están a la vista. Cualquier sensación de que esto será una serie amigable se evapora a partir de ese momento, cuando todas las secuencias se vuelven más brutales y mortales con cada segundo. Y apenas estamos en el prólogo del primer episodio.

Si has visto la película de Hulu "Nadie te salvará" (2023), es posible que reconozcas la forma en que los seres humanos siguen existiendo sin dejar de ser humanos. En cambio, ahora están controlados por el  parásito en su cerebro; excepto nuestro personaje principal, que termina en una extraña relación simbiótica con su parásito. Un poco como en "Venom", excepto el parásito en "Parasyte: The Grey" solo quiere proteger a su anfitrión. No hace nada que la ponga en peligro. Todo lo contrario: incluso puede controlar su hambre obviamente natural por la carne humana (Oh, sí, nos hemos convertido en comida para los extraterrestres en esta serie).

Como ya se mencionó, esta nueva serie surcoreana de Netflix está basada en el manga japonés. Jeon So-nee (interpreta a Jeong Su-in) es una joven que ha tenido una infancia brutal y es salvada por el  parásito que infesta su cerebro mientras es atacada por un desconocido. La parte parásita de ella significa que entra en una especie de personaje de Jekyll y Hyde. 

Con el tiempo, tanto Jeon So-nee como Hyde se alían a otro personaje, que le pone al parasito alienígena el apodo de Heidi, y está también tratando de salvar su vida e iniciar otra lejos de su realidad actual. Su nombre es Seol Kang-woo y es un criminal que tiene el corazón en el lugar correcto... la mayor parte del tiempo. En esencia, Jeon So-nee interpreta tanto a Jeong Su-in y Heidi, quienes tienen personalidades muy diferentes. Y realmente le dacredibilidad a cada uno, con unas transformaciones impresionantes en su actitud y forma de hablar. 

Si bien todos los parásitos (como en los humanos infectados por extraterrestres) quieren comerse toda la carne humana que puedan, existe una línea de defensa llamada "Equipo Gris". Están trabajando para erradicar la amenaza alienígena por cualquier medio necesario. Choi Jun-kyung (Lee Jung-hyun) es la líder del grupo de trabajo del Equipo Gris. Como cada episodio comienza con breves flashbacks que nos ayudan a comprender a los personajes en su situación actual, también ayuda a comprender por qué alguien parece demasiado oscuro, demasiado bueno o simplemente demasiado malvado,  dándonos una idea de cómo llegó a ser así. Una manera brillante de garantizar que la historia basada en los personajes tenga el impacto deseado.

Otros personajes clave incluyen a Kim Chul-min, un detective de policía y viejo amigo de Jeon So-nee, interpretado por Kwon Hae-hyo (The Vanished). Kang Won-seock (Kim In-kwon) como colega de Chul-min, y Kwan Hyuk-ju (Lee Hyun-kyun) como el pastor en el centro de la conspiración alienígena. 

Como suele ser (o siempre es) el caso con las historias de Corea del Sur, nadie es del todo bueno o malo. Todo el mundo es capaz de hacer algo bueno o algo terrible, independientemente de cómo les hayamos visto actuar de otra manera. Esto también hace que la versión surcoreana le dé su propio toque a la narración de la historia. También, esta adaptación de Netflix presenta una historia original simplemente ambientada en el mismo universo. Muchos de los detalles del manga todavía se encuentran en esta historia. Sólo que de maneras ligeramente diferentes. Como se trata de una producción surcoreana dirigida por Yeon Sang-ho, también tiene lugar en Corea del Sur. Específicamente, la ubicación cambió de Fukuyama en Hiroshima, a una ciudad de Corea del Sur llamada Namil en la serie.

Aún así, por mucho que la historia de la serie sea original, está claramente ambientada en el mismo universo que el manga. Además, la escena final de la temporada 1 presenta un personaje alrededor del cual es obvio construir la temporada 2. Especialmente porque este personaje es el mismo que el personaje principal del manga japonés original. Una escena final perfecta de la temporada 1 que ofrece el segway perfecto para la temporada 2 (o un spin-off japonés) y al mismo tiempo resume a la perfección la historia de esta serie surcoreana. Y sí, obviamente, quiero una temporada 2 de "Parasyte: The Grey" ya que apenas hemos comenzado a conocer este mundo.