Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.

Crítica Cinéfila: Lilo & Stitch

Narra la historia de una niña hawaiana solitaria y un extraterrestre fugitivo que la ayuda a recomponer su rota familia.

Ohana significa familia, y familia significa que nadie se queda atrás. Ese parece ser el lema de Disney al adaptar sus éxitos animados a nuevas versiones de acción real con distintos grados de éxito. Afortunadamente, la película de 2002, "Lilo y Stitch", ha sido de las codiciadas con una adaptación vibrante, caprichosa y sincera. Quizás se deba a que "Lilo & Stitch" siempre ha sido una excepción en el mundo de la animación de Disney, llegando con el último aliento del renacimiento del estudio. 

Combinando la cultura hawaiana con la ciencia ficción, narra la historia del Experimento 626, un alienígena peligroso y caótico que se estrella en la Tierra. No es una película de princesas de Disney ni un relato cargado de mitos como "The Lion King", "Mulan" o "Hercules". En cambio, es una película peculiar sobre la familia encontrada, la conexión y la importancia de encontrar a la gente. Stitch, como rebautiza a 626 la precoz y solitaria Lilo (Maia Kealoha), fue creado para sembrar la destrucción, pero prospera bajo el cuidado amoroso (y anárquico) de Lilo.

En esencia, esta nueva versión de Lilo & Stitch es igual a su predecesora animada, pero lo más importante (y sorprendente) es que también está interesada en contar una historia más profunda que matiza gran parte del dolor de Lilo y Nani con colores que infunden al proyecto una riqueza gloriosa. Parte de esto se debe, sin duda, al trabajo del director Dean Fleischer Camp, conocido por dirigir la igualmente encantadora y melancólica "Marcel the Shell With Shoes On". Camp toma los aspectos más disparatados de las travesuras de Stitch, como su afición por destrozar cosas y su deseo de comerse todo lo que ve, y los suaviza con la desgarradora situación de Lilo y Nani. Por muy salvaje o asqueroso que se vuelva Stitch, nunca extingue por completo la melancolía que impregna la película.

Al igual que en la película original, Nani (Sydney Agudong) es la única tutora de Lilo tras la muerte de sus padres. Si bien la pérdida de un padre es un tema frecuente en las películas de Disney, es la conmovedora dirección de Camp la que pone el dolor y la confusión a la luz, convirtiendo a Stitch en una figura sanadora en la vida de Lilo, tanto como ella en la de él. Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes dividen sabiamente al trabajador social asignado al caso de Lilo y al agente Cobra Bubbles en dos personajes distintos. Tia Carrere, quien prestó su voz a Nani en la película original, aporta una sensible compasión a la Sra. Kekoa, una trabajadora social que es menos una villana amenazante y más una auténtica funcionaria. Mientras tanto, Courtney B. Vance emplea su austera capacidad dramática en su interpretación de Cobra Bubbles, un agente de la CIA que rastrea a Stitch y otras señales de vida extraterrestre. Todo ello sin perder nunca el dinamismo que sustenta cada decisión que toma. Zach Galifianakis y Billy Magnussen se deleitan con su ridiculez como el malvado científico Dr. Jumba y el investigador Agente Pleakley, respectivamente. La alegría desenfrenada de Magnussen ante los caprichos de la Tierra es oro en comedia, mientras que Galifianakis despliega su inexpresividad característica con eficacia como el verdadero antagonista de la película. 

Aun así, nada de esto importa sin el vínculo fraternal central de la película, entre Nani y Lilo, que Agudong y Kealoha plasman con naturalidad. Kealoha es una estrella en ciernes, tan traviesa, inteligente y sabia como el personaje que interpreta. Kealoha le ofrece a Lilo un manantial de tristeza y dolorosa soledad, justo debajo de sus rasgos más traviesos. Con un brillo en los ojos, Kealoha deja claro que gran parte del mal comportamiento de Lilo se debe a su dolor y a su incapacidad para comprenderlo. Como le dice Nani, Lilo no es mala, pero a veces hace cosas malas. Con Kealoha en el personaje, eso finalmente se siente real. Kealoha se complementa con la encantadora, exasperada y profundamente amorosa interpretación que Agudong hace de Nani. Con una historia de fondo más profunda, que incluye sueños universitarios postergados, Nani logra ser ella misma, más allá de la simple hermana oprimida que de repente se siente perdida. El amor y el cariño genuinos entre Agudong y Kealoha se reflejan en la pantalla, lo que amplifica nuestra conexión emocional como espectadores. 

Pero ¿qué sería de la película sin su Stitch, animado con un efecto adorablemente esponjoso en esta representación más realista? Ahora en 3D, en lugar de solo pluma y tinta, se ve abrazable al instante, tanto que ni siquiera puedo envidiarle a Disney los miles de peluches de Stitch que seguro venderá. Chris Sanders, quien coescribió la película de 2002 y prestó su voz a Stitch, regresa al micrófono, y los años transcurridos solo han hecho que las ahora icónicas vocalizaciones de Stitch, a voz en cuello, sean más resonantes y conmovedoras. Los reto a no conmoverse cuando declara con tristeza: "Stitch es malo". Y su discurso final sobre la familia que encontró, "pequeña y rota, pero aún buena", toca una fibra sensible con mucha ternura. 

Uniendo todo esto está el personaje mudo crucial de la película: las islas de Hawái. Es imposible ignorar el impacto del entorno a la película. Lilo y Stitch siempre ha sido una carta de amor a Hawái: su gente, su cultura y su entorno. Si bien la película no es un musical en el mismo sentido que muchos de los clásicos animados, captura las tradiciones musicales de las islas en su banda sonora. Poder mostrar todo eso en acción real, en lugar de exuberantes representaciones animadas, convierte a esta película en la rara aventura de Disney que supera a la versión original. Ahora, se puede disfrutar de las vistas al mar y los paisajes tropicales que Lilo y su familia consideran su hogar, o las olas con Nani y David mientras surfean. Camp aprovecha al máximo las locaciones, sumergiendo al público en la exuberante belleza natural.

A pesar de su atmósfera intergaláctica y su ambientación paradisíaca, "Lilo & Stitch" es una película sobre temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana que las aventuras audaces o los finales felices. Esta nueva entrega pone en primer plano los poderosos temas de la película, especialmente en su clímax, que reemplaza algunas de las teatralidades de la nave espacial de la película animada con una secuencia que resalta conmovedoramente el vínculo de Stitch con Lilo y la bondad que este ha cultivado en ambos. Aquí, es menos una montaña rusa hawaiana y más una película encantadora y reconfortante sobre lo que significa encontrar a la propia familia y, a su vez, ser encontrado.

Crítica Cinéfila: El Eternauta, 1ra temporada

Una noche de verano en Buenos Aires, una misteriosa nevada mortal acaba con la mayor parte de la población y deja aisladas a miles de personas en sus casas.

Las historias postapocalípticas son un sub-genero común en la cultura pop de estos días. No han alcanzado un punto clave abrumador, pero sí habla de una tendencia bastante amplia que algunas de las narrativas más populares en la televisión en este momento incluyan a "The Last of Us", "Fallout" y otras. No es solo que los estudios y los streamers parezcan más dispuestos a adoptar este lado de la ciencia ficción, sino que las audiencias televisivas están acudiendo en masa a ellos y, en general, todos se han ganado elogios de la crítica. También está el factor subyacente de que muchos de ellos han sido adaptados de otros medios, ya sea un libro o incluso un videojuego. En esta categoría es donde entra el nuevo thriller de ciencia ficción de Netflix, "The Eternaut" ("El Eternauta"). Creada y dirigida por el showrunner Bruno Stagnaro , quien coescribe junto a Ariel Stagnari, la serie es una adaptación de la emblemática novela gráfica de 1957 del escritor Héctor G. Oesterheld y el ilustrador Francisco Solano López. Incluso si no estás familiarizado con el material original, "El Eternauta" es una escalofriante historia apocalíptica que te atrapa por completo, con una narrativa a veces lenta que sabe exactamente cuándo dar el giro perfecto para mantenerte enganchado.

La trama comienza en una noche de verano, por lo demás sencilla, en Buenos Aires. Amigos de toda la vida, entre ellos un hombre llamado Juan Salvo (Ricardo Darín), se reúnen para disfrutar de su pasatiempo favorito: beber y jugar a las cartas. Un grupo de chicas jóvenes sale en barco a navegar al anochecer, y otros siguen con sus vidas cotidianas sin sospechar nada, ni siquiera un instinto inconsciente de que algo siniestro pueda ocurrir, hasta que se corta la luz en toda la ciudad. Entonces, empieza a nevar, lo que de por sí parecería un suceso extraño hasta que los ciudadanos descubren algo aterrador de primera mano: esos copos blancos y esponjosos son tóxicos y causan la muerte inmediata al contacto directo con la piel.

Atrapados en el interior, sin electricidad ni medios de contacto (otras tecnologías, como celulares y autos, también han dejado de funcionar), Juan Salvo y quienes lo acompañan no solo deben encontrar la manera de localizar a sus seres queridos, sino también unirse ante lo que parece ser una invasión sobrenatural de la Tierra. Desde reunir recursos valiosos hasta fabricar trajes protectores caseros, cada intento de aventurarse en esta mortífera bola de nieve conlleva sus propios riesgos, y cada vez es más evidente que algunas de las mayores amenazas para Juan Salvo y sus aliados podrían ser, en realidad, las que existen mucho más cerca de casa.

"El Eternauta" parece bastante común a primera vista, y esa parece ser la idea. Si bien el cómic original se ambienta en los años 50, cuando se escribió por primera vez, la adaptación de Netflix toma la sabia decisión de adelantar la línea de tiempo a la Buenos Aires actual. Tiene el efecto de permitir que los temas generales de la historia de aislamiento, invasión extraterrestre y terror a lo desconocido golpeen mucho más fuerte una vez que la nieve comienza a caer; pero antes de que eso suceda, el parecido de "El Eternauta" con nuestro propio presente adormece al espectador en una falsa sensación de seguridad mientras espera simultáneamente quitarle la alfombra de debajo de sus pies. ¿Cuántos de nosotros hemos vivido nuestras vidas cotidianas, haciendo cosas como recoger a viejos amigos del aeropuerto, con la creencia de que no sucederá nada extraordinario? Al representar estos primeros momentos de mundanidad antes del punto de inflexión catastrófico, se convierte en una historia de ciencia ficción con la que cualquiera puede identificarse, incluso cuando todavía se adhiere al entorno argentino de la novela gráfica original.

Es después de que comienza la nevada tóxica que adopta sus mayores fortalezas, empezando por sus visuales, cortesía de un equipo que incluye al director de fotografía Gastón Girod y a los supervisores de efectos visuales Pablo Accame e Ignacio Pol. Puede sonar extraño considerar una ciudad cubierta de blanco como un signo de aprensión, pero la serie toma la decisión meditada de enfatizar el creciente terror de la situación en la que se encuentran Juan Salvo y los demás desde el principio. Para cuando notas que alguien ha dejado algunos copos en sus botas o chaqueta, es suficiente para acelerar tu pulso también. Cuando los personajes finalmente se aventuran a salir, la visión de cuerpos sin vida esparcidos por las calles, gradualmente cubiertos cada vez más por la nieve sin derretir, agrega su propia nota escalofriante cuando se combina con el sonido audible de la respiración acelerada de alguien dentro de su propia máscara desesperadamente sellada. Esta ciudad una vez floreciente se ha convertido ahora en territorio hostil, donde la exposición a los elementos es literalmente un escenario de vida o muerte.

Aunque hay breves estallidos de acción, no sería del todo preciso llamar esta serie una de carácter apocalíptico más explosivo. Esta es una historia que prioriza a los personajes, y se desarrolla como tal, a un ritmo que podría empezar a poner a prueba incluso a los fans del género más pacientes si no tienen ya cierto grado de apego al cómic original. Sin embargo, cada vez que la serie parece avanzar sin rumbo a través de su narrativa, un episodio termina con el tipo de giro que prácticamente te obliga a seguir viéndolo. Las amenazas contra Juan Salvo y aquellos con los que se ve obligado a permanecer en estrecha colaboración se vuelven cada vez más complicadas; la nieve es solo el comienzo de la guerra que se librará no solo contra la ciudad, sino contra el planeta. Aquí también hay peligros humanos en juego, incluidos aquellos que están absolutamente dispuestos a explotar a sus conciudadanos en una ciudad donde la ley y el orden han sido abandonados en favor de la necesidad más primaria de supervivencia.

Si bien una narrativa de esta importancia y magnitud solo podría haberse contado de manera episódica, al igual que el lanzamiento de la novela gráfica original, es mejor adentrarse en "The Eteranaut" con el menor conocimiento o expectativa previa posible. Con una actuación cautivadora de Darín, que aporta tanto seriedad como vulnerabilidad a Juan Salvo, así como efectos visuales impresionantes y giros narrativos inteligentes, la adaptación de Netflix merece ser elogiada junto con la innovadora historia de ciencia ficción que adapta.

Crítica Cinéfila: Mickey 17

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. 

Mientras los estudios de Hollywood se inclinan rápidamente ante el régimen republicano, existe la preocupación de que "Mickey 17", la cruda pero extrañamente necesaria película de ciencia ficción anticapitalista de Bong Joon-ho, sea una de las últimas obras de arte honestas en colarse bajo las puertas. Si eso resulta ser cierto, deberíamos atesorarla aún más. El autor coreano, después de su victoria en Mejor Película en 2020 por "Parasite", se ha llevado 80 millones de dólares de la inversión de Warner Bros y, dejando de lado cuatro cambios de fecha de estreno, aseguró el corte final de una vertiginosa épica del género que responde a la pregunta existencial en el corazón mismo de nuestra existencia actual: ¿qué sentido tiene vivir en un mundo construido para hacernos sentir inútiles?

Aquí, la idea de un "prescindible", en una historia adaptada por Bong de la novela Mickey7 de Edward Ashton de 2022, es la idea literal del trabajador capitalista: para escapar de sus deudas, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se alista como "prescindible" en una misión colonial al planeta Niflheim. Al morir, su cuerpo simplemente es reimpreso y cargado con sus recuerdos para que pueda trabajar y morir de nuevo. Para cuando lo conocemos, hemos llegado a Mickey 17, 10 Mickeys más profundos que en el libro de Ashton.

Para quienes solo conocen la obra de Bong gracias a "Parasite", "Mickey 17" es diferente, pero su tono es bien completo: tierno, cínico, violento, humanista, absurdista y arraigado en la política de clases. Sin embargo, es más bien una continuación directa de algunas de sus películas anteriores, fusionando los entornos utilitarios futuristas de "Snowpiercer" (2013) con la adorable mascota defensora de los derechos de los animales de "Okja" (2017) . Dichas criaturas, en este caso, son los insectoides "creepers", la población indígena de Niflheim. Son larvas grandes y peludas con estómagos blandos que parecen paquetes de panecillos.

Mickey 17 los encuentra por primera vez después de caer en un barranco de hielo. "Oh, genial, ¿por qué no?", suspira. ¿Al menos pueden tragárselo entero? ¿Y no masticarlo bocado a bocado? Este es Pattinson en su mejor momento, manteniendo su carisma de estrella de cine como rehén para perseguir a adorables bichos raros en todo tipo de matices. Aquí está completamente liberado, encontrando constantemente las formas más inesperadas y encantadoras de decir una línea, con un acento estadounidense. Después de tambalearse de regreso a la nave colonial, Mickey 17 se enfrenta a Mickey 18. Ahora es un doble. Ha sido sucedido. Si muere, eso es todo.

Uno de los chistes más graciosos (aunque también extremadamente triste, si te paras a pensarlo) es la constante resignación de su personaje ante la muerte. ¿Cuando un colega revela que lo han enviado a una caminata espacial para probar los efectos de la radiación? "Ah, entiendo". ¿Y cuando se da cuenta de que sigue vivo cuando están a punto de arrojarlo al horno, solo para encogerse de hombros y seguir adelante de todos modos? "Gracias". ¿Y cuando los "rastreadores", sin dar explicaciones, deciden no comérselo? "¡Sigo siendo carne de calidad!". Mickey es un héroe para cada persona abatida hasta el punto de que ya no vive, sino que simplemente existe.

"Mickey 17" es una película de ciencia ficción sobre la clase trabajadora, con pasillos de servicio de la diseñadora de producción Fiona Crombie y enterizos a juego de la diseñadora de vestuario Catherine George. La ingeniosa y dinámica cinematografía de Darius Khondji nos arrastra directamente a la suciedad con estos personajes. Nos conecta con ellos, incluyendo lo más parecido a una voz de esperanza en la película hermosamente cargada de palabrotas: la novia de Mickey, Nasha (Naomi Ackie, con una sonrisa encantadora). 

Es esencialmente la versión de Bong de Alien (1979): una comedia sobre cómo Weyland-Yutani trata a las personas como forraje, solo que el xenomorfo es mucho más amigable e interesado en la solidaridad comunitaria. Todos aquellos en la cima de la cadena alimentaria son terriblemente horribles pero, desafortunadamente para nosotros, plausibles. Mark Ruffalo aparece como el excongresista Kenneth Marshall, con su bronceado, una mandíbula extraña y su vulnerabilidad a la explotación por parte de la derecha religiosa; sí, obviamente es Trump, pero Ruffalo le presta suficientes peculiaridades como para que funcione como una sátira y una creación diabólica por derecho propio. Lo mismo puede decirse de Ylfa, la esposa de Marshall, obsesionada con la salsa, interpretada por Toni Collette.

A pesar de toda la crueldad y la bufonería que pueda rodear a su héroe, Bong nos revela algo: lo que realmente estamos viendo es a un hombre que aprende que está bien ser feliz.

Crítica Cinéfila: El Hoyo 2

A medida que un líder misterioso impone su ley en el Hoyo, una nueva inquilina se implica en la batalla para luchar contra el brutal sistema de alimentación. Pero cuando alimentarte del plato equivocado se convierte en una sentencia de muerte, ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar para salvar tu vida?

Estrenada en Netflix en marzo de 2020 (un momento increíblemente perfecto para una película sobre personas confinadas en una prisión ineludible cuyo diseño enfrenta la salud mental de cualquier persona), “El Hoyo”, del cineasta español Galder Gaztelu-Urrutia, es una alegoría anticapitalista cuya obviedad es su mayor fortaleza. Como tantos éxitos del streaming, este ejercicio de género resonó porque su premisa de alto concepto contaba una historia convincente en sí misma. 

El personaje más memorable de la película es “El Pozo”, donde se desarrolla la trama, una estrecha torre de hormigón (o “Centro de Autogestión Vertical”) con un gran agujero cuadrado en medio de cada piso, un agujero lo suficientemente grande como para que quepa el enorme bufé de comida que baja por los 333 pisos del edificio cada día. Los dos reclusos del piso superior son agasajados con un banquete real, pero sólo quedan unas pocas sobras errantes cuando el banquete móvil llega al nivel 50 por debajo de ellos; cualquiera que sea asignado al azar a la mitad inferior del edificio tiene casi garantizado morir de hambre al final de la rotación mensual... a menos, por supuesto, que se coman a sus compañeros de celda. La barbarie de nuestras jerarquías sociales rara vez se habían mostrado de forma tan clara y punzante, y “El Hoyo” sigue siendo una de las pocas películas que hacen que los fracasos de la economía del goteo parezcan incluso más evidentes de lo que son en la vida real. 

El único problema con una premisa tan inteligente es que el resto de la historia tiene que perturbarla, y si bien la prisión en la película de Gaztelu-Urrutia se volvía más intrigante con cada nuevo detalle que conocíamos sobre ella, no hacía que la gente buscara desesperadamente una salida. Tampoco se veía la ejecución de sus cada vez más febriles planes de escape. Elaborar una metáfora del capitalismo es una cosa; resolverlo en el transcurso de un thriller distópico financiado de forma independiente es otra. 

Al ver la primera mitad de “El Hoyo 2”, parecería que Gaztelu-Urrutia ha identificado dónde se equivocó su película anterior. En lugar de centrarse en el diseño de la prisión (y, por extensión, en cómo sus peculiaridades podrían explotarse para lograr salidas), esta secuela financiada por Netflix inmediatamente cambia su atención a los sistemas que podrían permitir que los reclusos de la película sobrevivan, una decisión que le permite a Gaztelu-Urrutia profundizar en el estudio de la naturaleza humana de la franquicia, al estilo del Experimento de la prisión de Stanford. 

Mientras que su predecesora instruía a la gente a ser el cambio que deseaban ver en el Pozo, “El Hoyo 2” se ocupa de la solidaridad necesaria para que todos sigan vivos. Por desgracia, las personas son, en última instancia, prisioneras de sí mismas (de sus deseos y de sus heridas), y ni siquiera los sistemas más idealistas son inmunes a las debilidades que sembramos en ellos. Al igual que la primera película, que “El Hoyo 2” espera que recordemos detalles delirantemente explícitos, esta secuela se desmorona a la par que su orden social. 

Por mucho que Gaztelu-Urrutia reafirme su talento para mezclar una filosofía cartesiana con una estética inspirada en Saw, también reafirma su lucha por aprovechar esa combinación para crear una historia que valga la pena contar. Si bien esta película reitera la idea original de una manera que demuestra el potencial de franquicia de esta propiedad, se desmorona casi exactamente de la misma manera que la película anterior, abandonando la naturaleza ampliamente representativa de su premisa en favor de la mitología enloquecedoramente específica de sus tontos personajes estereotipados. Excepto que esta vez es peor, porque esa mitología, ya aburrida para empezar, ahora está consagrada en una leyenda de importancia pseudorreligiosa. Al igual que el propio andén, esta secuela rebosa de cosas deliciosas para masticar cuando comienza, solo para ser desmenuzada a medida que desciende hacia la oscuridad a partir de allí. 

Es difícil decir cuánto tiempo ha pasado desde los acontecimientos de “El Hoyo”, pero la nueva heroína de mirada acerada Perempuan (Milena Smit) ha estado allí el tiempo suficiente para aprender los trucos del oficio. Una artista cargada de culpa que comienza la película en el piso 24, le da instrucciones a su nuevo compañero de habitación Zamiatin (el actor, cómico y ex boxeador Hovik Keuchkerian) sobre cómo han funcionado las cosas desde la revolución que parece haber resultado del final ultranebuloso de la primera película. 

Ahora, el Pozo es mucho más justo, ya que la sagrada ley de compartir por igual se infiltra cada vez más en la torre con cada rotación. Impulsados ​​por la historia cristiana de un prisionero que alimentó a otras personas con su propia carne, cada recluso come solo el plato que pidió personalmente al llegar, lo que en teoría garantiza que nadie muera de hambre. Los residentes del Pozo hacen cumplir esta ley con extremo prejuicio, y algunos de ellos llegan al extremo de asesinar (y cosas peores) a cualquiera que pruebe un solo bocado de la comida de otra persona. Eso incluye, fundamentalmente, cualquier posible resto, ya que nadie debería beneficiarse jamás del asesinato de un camarada.

Aún quedan algunos eslabones débiles en la cadena, pero el sistema está empezando a funcionar; algunos restos de comida llegaron hasta el piso 175 durante la última rotación. Como es habitual en esta franquicia emergente, “El Hoyo 2” está en su mejor momento durante las etapas en las que se prepara la mesa, ya que Perempuan convence gradualmente a Zamiatin (que es más inteligente de lo que parece) de que siga las reglas, y la solidaridad que muestran con sus compañeros de prisión genera una amistad genuina entre ellos. Perempuan incluso se ofrece a afeitarle la espalda a Zamiatin. 

Por desgracia, el final del mes llega justo a tiempo y Perempuan se encuentra reubicada en el piso 180, junto con una nueva compañera de habitación (la actriz de "Game of Thrones", Natalia Tena) que está muy familiarizada con el tipo de justicia sagrada que ha comenzado a extenderse por el Pozo. Será solo cuestión de tiempo antes de que ese celo fundamentalista, administrado por un profeta sin ojos llamado Dagin Babi, amenace con volverse incluso más letal que el enfoque de "cada uno por sí mismo" que pretendía reemplazar.

Ese conflicto es lo suficientemente convincente siempre que arroje una luz húmeda y repugnante sobre las verdades reconociblemente feas del mantenimiento de una sociedad: la ley es más fácil de respetar para las personas que están en la cima, y ​​esas personas a su vez tienen una mayor responsabilidad de seguir las reglas que establece. Cuando alguien en el piso 40 decide actuar en su propio interés, son los prisioneros de los 293 pisos inferiores los que sufren las consecuencias... a menos que los prisioneros de arriba acepten aplicarle un castigo apropiado. 

Pero Gaztelu-Urrutia pierde el control de la lucha por crear un futuro en el que nadie tenga que matar a nadie, ya que los argumentos opuestos detrás de ese conflicto pronto dan paso a las cuestiones prácticas de sobrevivirlo. Si bien una película más nutritiva podría haber convertido eso en un comentario social por sí misma, “El Hoyo 2” parece no poder decidir si debe abordar la guerra que comienza a gotear por el Pozo como una crisis literal o filosófica, y por eso, haciendo eco de la última película, se sitúa entre esos dos enfoques de una manera que hace que sea casi imposible preocuparse por cualquiera de ellos. 

Los detalles de los personajes que nos llegan son ridículos de una manera que abarata la realidad que Gaztelu-Urrutia está tratando de construir a su alrededor, y los vagos flashbacks con los que los rellena sólo sirven para desvincularse de los horrores de la situación de Perempuan. Hay suficiente horror en exhibición para mantener a los fanáticos del terror interesados ​​hasta el tercer acto (los acólitos idean algunos métodos de tortura únicos centrados en el Pozo), pero la película se aburre con los límites e implicaciones de su propia metáfora, y su tendencia a volverse más moralista a medida que se hunde más en la prisión la obliga a deshacerse de su drama humano en favor de una abstracción descuidada. 

Partiendo de unas alturas tan altas, “El Hoyo 2” desciende hasta convertirse en un lodazal aburrido y delirante de geles de color, iconografía religiosa y referencias que dejan aún más confundido (que continúan hasta bien entrados los créditos finales), ninguna de las cuales es ni la mitad de interesante que la premisa básica de la trama que todos se esfuerzan tanto por diluir. Hay espacio para seguir expandiendo este mundo, y el final de “El Hoyo 2” sugiere que Gaztelu-Urrutia pretende hacer justamente eso, pero “El Hoyo 3” necesita darnos mucho más para justificar otra temporada en el Pozo. Los prisioneros allí pueden tener suerte si encuentran algo en su plato, pero los suscriptores de Netflix ávidos de alegorías de ciencia ficción torpes no tienen nada si no estropean la elección. 

Crítica Cinéfila: Kingdom of the Planet of the Apes

Ambientada varias generaciones en el futuro tras el reinado de César, en la que los simios son la especie dominante que vive en armonía y los humanos se han visto reducidos a vivir en la sombra. Mientras un nuevo y tiránico líder simio construye su imperio, un joven simio emprende un angustioso viaje que le llevará a cuestionarse todo lo que sabe sobre el pasado y a tomar decisiones que definirán el futuro de simios y humanos por igual.

Qué apropiado que la franquicia “El planeta de los simios” siga evolucionando, a pesar de rodear siempre los mismos temas ineludibles de inhumanidad (incluso en un mundo posthumano) y el arma de doble filo del avance tecnológico. La exuberante y matizada “Kingdom of the Planet of the Apes” de Wes Ball puede carecer del alcance épico o el fervor revolucionario de las recientes películas de Matt Reeves que salvaron esta serie del hedor que la había afectado desde 2001, pero esta aventura bien mejorada aún logra aprovechar lo mejor de su legado, aunque en gran parte debido a su gran enfoque en las lecciones duramente reñidas que se han olvidado de él. 

Han pasado “muchas generaciones” desde que César unió a los simios en su lucha contra las milicias humanas que buscaban destruirlos, y los siglos de paz les han permitido comenzar a desarrollar una civilización en sus propios términos. Se han formado varias colonias en todo el continente, incluida una, el Clan del Águila, que ha dado forma a su cultura en torno a los rascacielos cubiertos de malezas que quedaron de los días del hombre (la visión verde y post-apocalíptica de la película del noroeste del Pacífico se siente como una vista previa de lo que vendrá en la segunda temporada de “The Last of Us”).

Jóvenes chimpancés como Noa (Owen Teague) escalan los edificios como un rito de iniciación, en busca del huevo de águila perfecto que puedan llevar a su aldea y criarlo como propio después de que eclosione. La única regla: los chimpancés siempre tienen que dejar al menos un huevo en los nidos que roban, asegurando que el crecimiento de su especie no se produzca a expensas total de otra. 

Es bastante fácil para el Clan del Águila vivir en paz con el resto del reino animal; los simios están firmemente en la cima de la cadena alimentaria y las amenazas a su supervivencia son pocas y espaciadas. Los humanos todavía existen, pero sus mentes están tan disminuidas por los efectos negativos del virus que hizo a los monos más inteligentes; la tribu de Noa se refiere a ellos como "ecos". El Clan del Águila es un grupo curioso más interesado en construir aviarios que en armas, pero ni siquiera sus mayores parecen saber mucho sobre el mundo que los rodea. Quizás sea una elección deliberada. Quizás ese sea su propio tipo de sabiduría. 

La tribu de Noa son perfectos inocentes (al menos en el sentido bíblico), pero el "progreso" es una fuerza corruptora a la que ninguna especie inteligente ha sobrevivido ilesa, y hay un simio que acaba de descubrir el fuego. O peor: picanas eléctricas para ganado. Convencido de que es la segunda venida, ese simio se hace llamar Proximus César (Kevin Durand bullicioso pero aterradoramente controlado, cuyo personaje demuestra que incluso los monos están obsesionados con el Imperio Romano), y cuando sus fuerzas queman la aldea de Noa y secuestran a todos los chimpancés, nuestro joven héroe protegido se ve obligado a viajar mucho más allá de donde el Clan del Águila se atreve para rescatarlos: una búsqueda corta pero llena de acontecimientos que le enseñará mucho sobre el mundo en general. 

Tenga en cuenta que cuando digo "corto" me refiero más a la distancia recorrida que al tiempo que tarda Noa en llegar a su destino. Con una duración pausada de 145 minutos, “Kingdom of the Planet of the Apes” es en realidad la entrega más larga de su franquicia, y la película de Ball, escrita por el guionista de “War of the Worlds”, Josh Friedman, aprovecha ese tiempo al desarrollar el conflicto filosófico que consumirá esta historia una vez que finalmente llegue a la impresionante base de Proximus (un buque petrolero varado al pie de una enorme e impenetrable bóveda cuyo contenido podría permitir a los simios salvar varios milenios de avances tecnológicos en un abrir y cerrar de ojos). Hay algunas ráfagas de acción dispersas y desgarradoras a lo largo del camino, mientras Noa es perseguido por los agresivos soldados de infantería de Proximus dondequiera que vaya, pero su breve aventura está menos definida por el peligro que por el descubrimiento. 

El primero de esos descubrimientos es un amable orangután que vive en una terminal de aeropuerto. Su nombre es Raka, interpretado por Peter Macon (está perfectamente a la altura del excelente trabajo de Karin Konoval como Maurice en las películas de Reeves) y estudia las enseñanzas originales de César de que "el mono no atacará a los simios" de una manera que completa la canonización del difunto mono como una figura simia de Cristo. Por encima de todo, el erudito Raka proporciona un contraste convincente para Mae (Freya Allan), una chica humana aparentemente salvaje, tan hambrienta que sigue los pasos de Noa para comerse las migajas de pan que deja atrás en su camino. Su presencia desencadena un escepticismo que Noa nunca supo que era capaz de hacer, y “Kingdom of the Planet of the Apes” extrae lo mejor de su tensión ambiental de la sutil desconfianza que hierve a fuego lento entre ellos. 

Ya no sorprende que las herramientas de captura de interpretación sean capaces de representar personajes tan bien sombreados, o que actores hábiles como Teague y Durand tengan suficiente confianza en el proceso para brindarle a Wētā todos los datos que sus magos de efectos especiales necesitan para hacer que el público olvide. No estamos viendo simios reales, pero aún así es demasiado creíble para convencerse que estamos viéndolos en una película que los usa para contar una historia relativamente contenida, extrayendo gran parte de su drama de los primeros planos. Es probable que James Cameron siempre esté en su propia liga cuando se trata de estas cosas, pero "Kingdom of the Planet of the Apes" no tiene el beneficio de tener lugar en un mundo alienígena con héroes alienígenas. 

De hecho, la película de menor escala de Ball no tendría nada que redimir si no lograra vendernos el cálculo emocional que tiene lugar detrás de los ojos de Noa cuando llega al campo de trabajo de Proximus y considera qué es lo mejor para el futuro de su especie. Pero la fe del director en los dispositivos modernos es bien recompensada, en la medida en que agrega un rico matiz metatextual a una historia que ve incluso la tecnología aparentemente más benigna por su potencial como arma. 

Esa ambivalencia se refleja en la elección de un antagonista en el guión, ya que Proximus, hambriento de poder, no es solo un bruto egoísta que domina a cualquiera que considere inferior y se complace en tratar a las personas de la misma manera que alguna vez trataron a los simios. De hecho, es un fanático de los humanos, hasta el punto de que mantiene a William H. Macy cerca para que le lea novelas de Kurt Vonnegut y lo ayude a aprender lo que pueda sobre la antigua grandeza de nuestra especie. Proximus es un estudiante de historia, simplemente le falta la perspectiva para apreciar cómo tiende a repetirse, o para entender por qué armar a su tribu hasta los dientes podría no ser la mejor manera de cumplir la promesa de que “los simios juntos son fuertes”. 

Y, sin embargo, “Kingdom of the Planet of the Apes” es un viaje cerebral gratificante debido a su negativa a avergonzar a su villano u ofrecer una alternativa clara para los simios obligados a servir a su merced. Por muy emocionante y coherente que pueda ser su final anegado, la película de Ball infunde una sensación palpable de lamento incluso en los momentos de esperanza más enfáticos de esta historia, ya que el surgimiento de Noa como un héroe capaz de rescatar a su clan, y tal vez a toda su especie, es siempre compensado por la sensación de que la única manera responsable de traer a los simios al futuro sería asegurarse de que permanezcan atrapados en el pasado. 

Esto está muy lejos del éxito de taquilla de emoción de un minuto que su fecha de estreno temprana de “verano” podría hacerle esperar, y el patetismo simplemente no es tan profundo como al final de la trilogía de Reeves, pero los momentos finales de la película de Ball hacen fácil imaginar que sus secuelas podrían alcanzar niveles similares en altura dramática. Esas son noticias siniestras para la última generación de personajes de esta franquicia, pero información alentadora para cualquiera que pueda apreciar la disonancia cognitiva de una película de “Planet of the Apes” que te deja con una renovada sensación de esperanza para el mañana.

Crítica Cinéfila: Parasyte, The Grey - 1ra Temporada

Cuando unos misteriosos y violentos parásitos, alojados en huéspedes humanos, se hacen con el poder, la humanidad deberá alzarse para combatir esta temible amenaza. Versión live-action inspirada en el manga "Parasyte", con cambios con respecto al manga original. 

Si creciste con el manga japonés del mismo nombre, y luego te obsesionaste con la serie ánime; aunque la historia no sigue a los mismos personajes ni es en el mismo país, te va a emocionar comoquiera y mantiene la fórmula del universo: mezcla perfecta de acción con emociones y una calidad más creíble de los efectos visuales (y esto es haciendo referencia para nunca recordar aquel live-action que trataron de hacer con la historia original del manga...). Los fanáticos del director de género Yeon Sang-ho, quien nos dio Train to Busan, Hellbound y Jung_E estarán felices porque él está detrás de esto. La 1ra temporada tiene solo episodios de seis horas de duración y es imposible no seguir viéndolos de golpe, concluyendo con un personaje familiar en la escena final de la temporada que solo dará más sed de parásitos y temporadas.

Cuando comienza la serie, queda inmediatamente claro que "Parasyte: The Grey" es en gran medida una historia de terror de ciencia ficción. Se ve cómo una espora cae del cielo, rebota suavemente y parece un juguete de niños hasta que brota un tentáculo de su interior. La criatura emergente se desliza hacia la persona más cercana y salta a su cerebro a través de su oreja. ¿De dónde vino la extraña masa de esporas? ¡Quién sabe! Ciertamente no es de este mundo. Lo que sí llegamos a saber rápidamente es que el humano infectado por el extraterrestre se convierte en una criatura con tentáculos que pone en peligro a todos los que están a la vista. Cualquier sensación de que esto será una serie amigable se evapora a partir de ese momento, cuando todas las secuencias se vuelven más brutales y mortales con cada segundo. Y apenas estamos en el prólogo del primer episodio.

Si has visto la película de Hulu "Nadie te salvará" (2023), es posible que reconozcas la forma en que los seres humanos siguen existiendo sin dejar de ser humanos. En cambio, ahora están controlados por el  parásito en su cerebro; excepto nuestro personaje principal, que termina en una extraña relación simbiótica con su parásito. Un poco como en "Venom", excepto el parásito en "Parasyte: The Grey" solo quiere proteger a su anfitrión. No hace nada que la ponga en peligro. Todo lo contrario: incluso puede controlar su hambre obviamente natural por la carne humana (Oh, sí, nos hemos convertido en comida para los extraterrestres en esta serie).

Como ya se mencionó, esta nueva serie surcoreana de Netflix está basada en el manga japonés. Jeon So-nee (interpreta a Jeong Su-in) es una joven que ha tenido una infancia brutal y es salvada por el  parásito que infesta su cerebro mientras es atacada por un desconocido. La parte parásita de ella significa que entra en una especie de personaje de Jekyll y Hyde. 

Con el tiempo, tanto Jeon So-nee como Hyde se alían a otro personaje, que le pone al parasito alienígena el apodo de Heidi, y está también tratando de salvar su vida e iniciar otra lejos de su realidad actual. Su nombre es Seol Kang-woo y es un criminal que tiene el corazón en el lugar correcto... la mayor parte del tiempo. En esencia, Jeon So-nee interpreta tanto a Jeong Su-in y Heidi, quienes tienen personalidades muy diferentes. Y realmente le dacredibilidad a cada uno, con unas transformaciones impresionantes en su actitud y forma de hablar. 

Si bien todos los parásitos (como en los humanos infectados por extraterrestres) quieren comerse toda la carne humana que puedan, existe una línea de defensa llamada "Equipo Gris". Están trabajando para erradicar la amenaza alienígena por cualquier medio necesario. Choi Jun-kyung (Lee Jung-hyun) es la líder del grupo de trabajo del Equipo Gris. Como cada episodio comienza con breves flashbacks que nos ayudan a comprender a los personajes en su situación actual, también ayuda a comprender por qué alguien parece demasiado oscuro, demasiado bueno o simplemente demasiado malvado,  dándonos una idea de cómo llegó a ser así. Una manera brillante de garantizar que la historia basada en los personajes tenga el impacto deseado.

Otros personajes clave incluyen a Kim Chul-min, un detective de policía y viejo amigo de Jeon So-nee, interpretado por Kwon Hae-hyo (The Vanished). Kang Won-seock (Kim In-kwon) como colega de Chul-min, y Kwan Hyuk-ju (Lee Hyun-kyun) como el pastor en el centro de la conspiración alienígena. 

Como suele ser (o siempre es) el caso con las historias de Corea del Sur, nadie es del todo bueno o malo. Todo el mundo es capaz de hacer algo bueno o algo terrible, independientemente de cómo les hayamos visto actuar de otra manera. Esto también hace que la versión surcoreana le dé su propio toque a la narración de la historia. También, esta adaptación de Netflix presenta una historia original simplemente ambientada en el mismo universo. Muchos de los detalles del manga todavía se encuentran en esta historia. Sólo que de maneras ligeramente diferentes. Como se trata de una producción surcoreana dirigida por Yeon Sang-ho, también tiene lugar en Corea del Sur. Específicamente, la ubicación cambió de Fukuyama en Hiroshima, a una ciudad de Corea del Sur llamada Namil en la serie.

Aún así, por mucho que la historia de la serie sea original, está claramente ambientada en el mismo universo que el manga. Además, la escena final de la temporada 1 presenta un personaje alrededor del cual es obvio construir la temporada 2. Especialmente porque este personaje es el mismo que el personaje principal del manga japonés original. Una escena final perfecta de la temporada 1 que ofrece el segway perfecto para la temporada 2 (o un spin-off japonés) y al mismo tiempo resume a la perfección la historia de esta serie surcoreana. Y sí, obviamente, quiero una temporada 2 de "Parasyte: The Grey" ya que apenas hemos comenzado a conocer este mundo.

Crítica Cinéfila: Three Body Problem - 1ra Temporada

Una decisión tomada en China en los años 60 trasciende el tiempo y el espacio, obligando a unos científicos a afrontar la peor amenaza para la humanidad en el presente.

En física, el "problema de los tres cuerpos" es lo que se llamaría un verdadero quebradero de cabeza: un enigma científico que tiene que ver con las posiciones y velocidades de tres cuerpos de masa cuando se atraen entre sí con la gravedad. Es una cuestión de siglos de antigüedad de la teoría del caos; un enigma matemático, aparentemente irresoluble. Y sólo un poco más complicado que adaptar la novela de Liu Cixin de 2008, "El problema de los tres cuerpos", a una serie. El libro (y sus secuelas posteriores) abarca desde la historia hasta la muerte por calor del universo; incluye una densa charla sobre astrofísica teórica; y se fija, en un punto, en la décima dimensión. ¿Cómo exactamente se hace una serie a partir de eso?

"Ambicioso" no es suficiente, lo que quizás convierte a los showrunners de "Game Of Thrones", David Benioff y DB Weiss, junto con Alexander Woo de "True Blood", en los productores ideales para la enorme apuesta multimillonaria de Netflix. Los tres creadores tienen experiencia con presupuestos gigantes; conocen bien cómo darle a la audiencia una secuencia de escneas asombrosas; pueden luchar con material fuente extenso y difícil de manejar; pueden construir el mundo; pueden desarrollar el personaje. Para tomar prestada una frase, consideran el caos una escalera fácil. 

En muchos sentidos, este es un cambio notable con respecto a esas dos series. Hay mucho contenido en estos ocho episodios, tanto en tonos, estilos y géneros. Es en parte un servicio de procedimientos policiales, en parte una epopeya de ficción histórica, en parte un misterio de rompecabezas, en parte una aventura de descubrimiento científico, en parte una ciencia ficción de invasión alienígena. Comienza con una serie de muertes de científicos, aparentemente conectadas, que son investigadas por el observador detective Da Shi, al estilo Raymond Chandler (Benedict Wong); termina con el amanecer de una guerra intergaláctica. Que se sienta coherente es un logro. En el fondo se encuentra la cuestión de qué significa ser humano. 

La fundamentación a la pregunta inicial es una de las mayores contribuciones de los showrunners. El libro de Liu estaba más enamorado de sus conceptos que de sus personajes. Esta adaptación simplifica, combina o inventa cinco personajes principales, interpretados por Jess Hong, Jovan Adepo, Eiza González, John Bradley y Alex Sharp, para que sean todos de la misma promoción de graduados de Oxford. Siempre que aceptes la pulcritud ligeramente conveniente de esa elección, son fuertes sustitutos de la audiencia, lo que le da una sensación humana de incredulidad a todo. Algunas de las relaciones se sienten un poco trilladas (un triángulo amoroso parece innecesario y trivial), pero hay momentos de verdadero trabajo. Hong y Sharp emergen como los MVP, ambos ofreciendo actuaciones cálidas, magníficamente presentadas, llenas de humor y humildad.

El resultado es algo más accesible que el libro (no se necesita un doctorado para comprender o disfrutar esta serie), incluso cuando se centra en personas increíblemente inteligentes que se dedican a la resolución de problemas de alto concepto mientras juegan con Apple Vision Pros nivel alien. Sin embargo, todavía se pueden encontrar los temas más importantes de Liu. Esta es una adaptación internacional en inglés de un libro chino, pero conserva sus alegorías sociales e históricas: la serie, como el libro, comienza con la violencia de la Revolución Cultural de China, y nos invita a establecer comparaciones entre humanos y extraterrestres, y estructuras de poder: el espectro de un régimen opresivo, la aterradora deferencia hacia un culto y a la personalidad, que se forja de un nuevo mundo a cualquier precio.

Tampoco escatima en el factor sorpresa del libro. Hay una sensación colosal de escala y ritmo en todo momento. El episodio 5, en particular, tiene una secuencia que rivaliza con la Boda Roja por su nivel de violencia y sangre. Esta temporada inicial sigue un patrón familiar de Thrones, anticipando sus grandes momentos mientras termina con una nota más reflexiva. Casi decepcionantemente, ese final se siente más silencioso, ofrece algunas respuestas pero muchas más preguntas, sentando las bases para temporadas futuras actualmente no confirmadas. Hay un enorme potencial aquí. Si lo logran, este podría ser una de las mejores series de ciencia ficción de todos los tiempos. Pero primero necesitan aterrizar el avión. Netflix, te lo rogamos: no nos dejes colgados. No hagas de esto un problema más sin solución. Tenemos suficientes.

Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: 65

Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que realmente está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con solo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

A pesar de su posición como una de las pocas películas de ciencia ficción "originales" a gran escala que parecen competir con franquicias, secuelas y remakes por los dueños de taquilla, "65" está demasiado fabricada en el mejor de los casos. Improvisado a partir de partes de "Jurassic Park", "The Descent", "Armageddon" y más, el guion de Scott Beck y Bryan Woods se parece demasiado a sus antepasados ​​para abrir nuevos caminos, mucho menos particularmente interesantes. Sin embargo, anclada por otra en una serie de actuaciones comprometidas de Adam Driver y un conjunto de bestias prehistóricas adecuadamente amenazantes que lo persiguen durante poco más de 90 minutos, la aventura de Beck y Woods ofrece las emociones necesarias, incluso si su creatividad parece estancada en el pasado cinematográfico.

Driver interpreta al Comandante Mills, un piloto y explorador de "antes del advenimiento de la humanidad" que acepta a regañadientes pilotar una misión de dos años a cambio de un salario suficiente para pagar un procedimiento médico que salva la vida de su hija Nevine (Chloe Coleman). Cuando los escombros del asteroide matan a los otros pasajeros y dejan varada su nave en un Planeta Tierra de la era del Cretácico, Mills contempla si enviar o no una señal de socorro para pedir ayuda. Pero después de localizar a la única sobreviviente, una niña llamada Koa (Ariana Greenblatt) que tiene casi la edad de Nevine pero no habla inglés, él se compromete a salvarla de los muchos peligros del planeta.

Al identificar los restos distantes del resto de su nave utilizando un puñado de reliquias de su cultura tecnológicamente avanzada, Mills y Koa emprenden un viaje difícil a través de un terreno lleno de arenas movedizas, géiseres llenos de vapor, flora que amenaza la vida y una variedad de especies de dinosaurios. Pero incluso cuando superan cada nuevo peligro, aparece uno mucho más grande: el asteroide que derribó su nave está en curso de colisión con la Tierra. Pronto se encuentran en una carrera contrarreloj para llegar a la cápsula de escape de la nave antes de morir por el impacto del asteroide que nivela el planeta o ser devorados por un reptil carnívoro.

Dado su título, es difícil saber qué detalles en “65” califican como sorpresa o “spoiler” y, de todos modos, la película te dice inmediatamente cuándo y dónde está sucediendo. Sin embargo, lo que no hace es decirte por qué sucede; aparte de su fecha estelar, esta es solo otra historia sobre un padre con exceso de trabajo que descuida a su hijo en nombre de asegurar su futuro. Hay algo ampliamente acogedor en esa familiaridad, y Driver, por supuesto, imbuye incluso los momentos tranquilos con más sustancia que la exposición proporcionada en flashbacks periódicos de tarjetas de memoria.

Pero esos momentos de tranquilidad también hacen que la audiencia se pregunte: entonces, una especie similar a la humana de otro planeta, armada con la tecnología para el viaje interestelar (sin mencionar las pistolas láser y el GPS 3D) llegó a la Tierra hace 65 millones de años, mucho antes de que existiera la humanidad, y ¿el punto es "solo" que están tratando de volver a casa? Parece un largo camino por recorrer para no llegar a ningún lugar particularmente significativo.

Dicho esto, Beck y Woods hacen que los dinosaurios sean aterradores por primera vez en décadas, gracias a una dirección clásica y una puesta en escena que involucra muchas sombras para hacer que la audiencia diga "no" cuando los personajes deciden adentrarse más en ellos. Si su filmación no es particularmente inventiva, el dúo lo aborda con el mismo tipo de habilidad sólida que usan cuando toman prestadas escenas o repeticiones de género para contar sus historias. El guion de “A Quiet Place” funcionó porque modificó suavemente muchas fórmulas familiares y luego el director John Krasinski ejecutó todo con una atención al detalle profesional; “65” no tiene la misma emotividad central que la mantiene unida (esta familia está fracturada, no lucha por mantenerse unida), pero detrás de las cámaras, Beck y Woods simplemente sirven sus ideas en lugar de fortalecerlas desde la página.

Sin embargo, con solo 93 minutos, "65" se siente agradablemente divertido en competencia con una gran cantidad de secuelas que incluyen "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" y "Scream VI, que no tienen nada de original. Por otra parte, tal vez la razón por la que todavía se queda corta es porque la idea de una historia independiente parece demasiado buena para ser verdad en una era de universos cinematográficos, especialmente dado el hecho de que en su premisa, incluso antes de la tarjeta de título, está la idea. hay más de un mundo que el nuestro por explorar.

En cuyo caso, lo mejor para “65” sería que no le siguieran más entregas, pero si resulta ser un éxito, el público no podría tener tanta suerte. ¿Quiénes eran los otros pasajeros de Mills? ¿Por qué los estaba transportando? ¿De qué manera su “pueblo” se relaciona, genéticamente o de otra manera, con los humanos comunes? Todas estas son preguntas que puede ver a Sony salivando ante la perspectiva de responder en una secuela o spin-off, pero todas se sienten más intrigantes sin algún tipo de respuesta canónica. En cuyo caso, “65” es una película cuyo pasado se siente como si hubiera habido 65 millones de películas en proceso, y su futuro depende de varios cientos de millones en ingresos de taquilla. La mejor manera de disfrutarlo es dejar ir todo eso y vivir el presente.