Crítica Cinéfila: We Live in Time

Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.

La belleza de las películas de John Crowley es su grandiosidad en cómo cuenta una buena historia de amor. Su obra maestra nominada al Oscar en 2015, "Brooklyn", convirtió la decisión de estar con alguien en una elección que, a sabiendas, definiría el futuro de la vida de su personaje principal, mientras que su adaptación de 2019 de "The Goldfinch" fue un ejemplo defectuoso pero ambicioso del poder que altera la vida del amor de una madre. La última película de Crowley, "We live in Time", también convierte una historia de amor poderosa pero relativamente simple, con todos sus giros, vueltas y la imprevisibilidad que nos trae la vida, en una gran pieza de romance. No hay nada más atrevido que entregarse por completo a otra persona, y Crowley lo demuestra en todo su desgarrador esplendor con su última película.

Desde los primeros minutos de "We live in Time" ya empezamos a ver el alcance de esta relación entre Almut (Florence Pugh) y Tobias (Andrew Garfield). Almut, una chef de renombre y emprendedora, despierta a Tobias para compartir su última creación. Hay una alegría pura en ella compartiendo lo que ama con él, y antes de que él abra los ojos, Tobias tiene una sonrisa en su rostro por la presencia de Almut. El guión de Nick Payne nos lleva luego al embarazo de Almut, luego nos lleva a los dos descubriendo que Almut tiene cáncer. Después de esto, volvemos de nuevo a cuando estos dos se conocieron. "We live in Time" sigue tres líneas temporales diferentes: su comienzo, su embarazo y la pareja luchando contra el cáncer. Al centrarse en estos tres períodos, Crowley y Payne nos dan un amor en su mejor y peor momento, y al final, realmente sentimos que hemos visto una vida compartida y plenamente realizada.

La audaz estructuración de la historia por parte de Payne nunca es una lucha. Crowley hace un excelente trabajo al asegurarse de que siempre sepamos en qué período nos encontramos con estos dos, pero también juega con las posibilidades de esta estructura que mejoran enormemente esta relación. Al principio del proceso de cortejo, Tobias aborda la idea de tener un hijo con Almut. Sabe que se está enamorando profundamente de ella, pero la forma en que plantea la conversación molesta a Almut. Tobias quiere tener un hijo y Almut no cree que tener un hijo sea necesariamente para ella, lo que conduce a su primera pelea importante.

Y, sin embargo, ya sabemos que esta historia termina con estos dos teniendo un hijo juntos. Pero aún más importante es que Crowley poco después nos muestra un momento en el que Tobias tiene que darle una gran noticia a Almut, y en lugar de improvisar como lo hizo con la conversación sobre el bebé, ahora sabe que es importante para él tener un plan cuando habla de cosas tan importantes con Almut, ya que planea una gran muestra de su afecto y toma una gran cantidad de notas para lidiar con la situación. Es un pequeño detalle, pero hermoso. La forma inusual de contar esta historia de amor nos permite ver la evolución de esta relación de maneras encantadoras que no tendrían el mismo impacto en una historia de amor más directa o lineal.

Pero también, esta historia de amor triunfa gracias a las excelentes actuaciones de Florence Pugh y Andrew Garfield. Rara vez vemos a estos dos antes de conocerse, cuando Almut accidentalmente atropella a Tobias con su auto mientras él intenta finalizar su divorcio, pero eso se debe a que esta no es una historia sobre ninguno de ellos por separado, sino sobre la vida de toda esta relación. Sabemos que Almut vivió una vida impresionante antes de conocer a Tobias, mientras que Tobias ya tuvo que luchar en una relación, y la historia de Crowley y Payne prioriza inteligentemente sus momentos juntos y poco más. Todo lo que importa es este vínculo y en quién los convirtió, no quiénes eran antes de conocerse.

Gran parte de lo que necesitamos saber sobre esta pareja se refleja en esa escena inicial. Almut va a su jardín y elige sus ingredientes, creando un plato inesperado antes de que Tobias se despierte. Mientras tanto, Tobias encuentra consuelo y propósito en estar allí con Almut, siempre allí para apoyarla en sus esfuerzos y decisiones. Pugh y Garfield son fenomenales al mostrar esta relación en estos tres períodos distintos. Su energía y conexión son eléctricas, y está claro desde sus primeras interacciones que hay algo especial allí.

También es maravilloso tener a estos dos actores nominados al Oscar mostrando sus capacidades en una película que es simplemente un romance encantador. Hemos visto fragmentos de romances de estos dos antes, con Pugh en "Little Women", y aquí y allá para Garfield a lo largo de su carrera, pero nunca a esta escala para ninguno de ellos. Tener a estos dos actores de calidad asumiendo lo que podría haber sido poco más que un romance extremadamente emocional hace toda la diferencia, y sus talentos hacen que esto se sienta más como una relación romántica desarrollada de lo que hubiera sido manejada por dos actores menores.

Otra parte hermosa de lo que hace que "We Live in Time" funcione tan bien es la presentación de todo lo que puede ser una relación fuerte. Pugh y Garfield son adorables y sexys juntos cuando necesitan serlo, y verlos ser juguetones y tontos juntos solo nos hace querer más este vínculo. Quizás lo más importante es cómo la película muestra cuál es la escala de amor verdadero al que todo ser humano debería aspirar. Cuando las cosas se ponen difíciles y el futuro es incierto, Tobias sabe cómo estructurar sus conversaciones de manera práctica para aliviar la preocupación con la que deben lidiar. Mientras tanto, parte del arco de Almut es tratar de lidiar con sus propias ambiciones personales mientras existe dentro del marco de esta pareja. Como alguien que ha sido mucho más independiente que Tobias, a menudo lucha por ser parte de una sociedad. La forma en que estos dos equilibran las fortalezas y debilidades de cada uno es irresistible en cómo Pugh y Garfield manejan esta dinámica.

A pesar de la tragedia que sabemos que se avecina para Almut y Tobias, "We Live in Time" nunca cae en las trampas de la historia de amor más convencional y empalagosa, rogando al público por sus lágrimas. En lugar de intentar hacer llorar a su audiencia, Crowley nos muestra el poder y la belleza de una vida compartida, e incluso si esto se les pudiera quitar, se trata de cómo usan el tiempo que tienen juntos que es espectacular. Poco después de su diagnóstico, mientras Almut lucha con cómo quiere continuar con el tratamiento, le dice a Tobias que preferiría tener seis grandes meses con él, creando recuerdos y siendo proactiva, que tener un año de sufrimiento que podría llevarla a la muerte. 

En esencia, "We Live in Time" trata sobre cómo aprovechamos al máximo el precioso tiempo que nos queda en esta Tierra, con quién lo pasamos y creando esos recuerdos que perduran mucho después de que nos desvanecemos de este mundo. Al igual que con sus películas anteriores, Crowley sabe cómo presentar perfectamente la idea de que el amor puede alterar el futuro. Aunque sabemos hacia dónde se dirige esta historia desde el principio, es pura alegría. Incluso en los peores momentos, la película de Crowley logra ser divertida, inesperada y encantadora en cada paso del camino. Esta no es una película sobre el duelo por una pérdida, se trata de celebrar la vida. Con Pugh y Garfield liderando esta tremenda historia de amor, se convierte en uno de los mejores romances cinematográficos en años y demuestra que pocos cineastas pueden presentar el poder del amor como Crowley.

Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: The Wonder

Región irlandesa de las Midlands, 1862. Una niña deja de comer pero permanece milagrosamente viva y en buen estado. La enfermera inglesa Lib Wright es llevada a un pequeño pueblo para observar a Anna O'Donnell, de once años. Abundantes turistas y peregrinos se reúnen para contemplar a la niña que, según se dice, ha sobrevivido sin comer durante meses.

The Wonder brilla por varias razones. Por un lado, su estudio del fanatismo religioso y el abuso sexual toca un nervio en la cultura actual. También representa narrativamente uno de los mejores trabajos del director chileno Sebastián Lelio, quien ganó un Oscar por "Una mujer fantástica" (2017) y también dirigió películas tan bien recibidas como Gloria (2013) y Disobedience (2017). Pero la película será recordada principalmente por la actuación monumental de Florence Pugh, que transporta al público en el viaje de su personaje para salvar la vida de una niña víctima de la sociedad del siglo XIX.

Sin embargo, al asignar crédito, no se debe pasar por alto la contribución de la novelista Emma Donoghue, quien primero creó la historia y también escribió el libro Room, otro estudio sobre mujeres y niños abusados ​​y atormentados (otra película que le otorgaron un Oscar a Mejor Actriz para Brie Larson). Donoghue escribió el guión de The Wonder, junto con Lelio y Alice Birch.

La historia tiene lugar en 1862, cuando una enfermera inglesa, Lib Wright (Pugh), llega a un pequeño pueblo en la Irlanda devastada por la hambruna para investigar un extraño suceso en una granja desolada. La hija pequeña de la familia, Anna (Kila Lord Cassidy), ha estado ayunando durante unos meses sin efectos nocivos aparentes. La familia de la niña y los ancianos de la comunidad quieren asegurar la seguridad de la niña y también verificar si esto podría ser un milagro cristiano de buena fe. Lib se muestra escéptica ante cualquier interpretación sobrenatural; su único deseo es ayudar a la niña y se enfrenta a una comunidad de ancianos que desconfían de su experiencia médica.

Sin ánimos de dar muchos spoilers, en algunas noticias la describen como un thriller de suspenso gótico, que en realidad no es un género tan presente, más bien lo indicaría como un drama de culto; es más un comentario sobre los extremos peligrosos de la obsesión religiosa, así como la opresión de las mujeres en muchas comunidades aisladas.

El sacerdote de la comunidad (Ciaran Hinds, nominado al Oscar) y el médico (Toby Jones) menosprecian a Lib, aunque ella claramente tiene mucho más conocimiento que ellos, así como mucha más compasión. Lib tiene su propio pasado turbulento, que se revela gradualmente, y esto puede explicar en parte su deseo de salvar a la niña bajo su cuidado. Su único aliado real es un periodista de Inglaterra (Tom Burke), que está investigando una historia que obviamente ha viajado más allá de los confines de este pequeño pueblo.

Técnicamente, la película es un logro sorprendente, con una cinematografía elegante y apropiadamente oscura de Ari Wegner, quien también filmó "The Power of the Dog" el año pasado. La espeluznante partitura musical de Matthew Herbert contribuye al impacto de la trama.

Pero nada funcionaría tan bien sin la actuación de Pugh. Ella domina la pantalla desde su primera aparición, y nunca tenemos dudas de que cualquiera que intente interferir con ella se enfrentará a un adversario formidable. Lib no es de ninguna manera un modelo de virtud: tiene una arrogancia inconfundible y su juicio no siempre es perfecto. Pero su preocupación por la niña nunca está en duda, y siempre estamos involucrados en su búsqueda para encontrar la libertad para ella y la joven Anna. La recién llegada Cassidy trabaja maravillosamente bajo la dirección de Lelio. Nunca podemos estar completamente seguros de si ella está ocultando información crucial, y esta ambigüedad se suma al poder de la película. Algunos de los otros actores tienen muy poco que hacer. El papel de Hinds parece garantizado, y otros miembros de la familia también están esbozados de forma un poco confusa. Pero no se puede discutir el poder de la historia y de la actuación central. 

Pugh ha demostrado una gran fuerza en películas anteriores como Lady Macbeth (2016) y Little Women (2019), pero aquí capta la atención de la audiencia desde el primer cuadro hasta el último. En un mundo cada vez más amenazado por el extremismo religioso y la arrogancia masculina, uno se puede consolar con la idea de que mujeres como Lib Wright, al menos representadas por Florence Pugh, están ahí para luchar por el bien e incluso lograr victorias ocasionales.

Crítica Cinéfila: Don't Worry Darling

Alice (Pugh) y Jack (Styles) están felizmente casados ​​y locamente enamorados, y viven en un remoto pueblo empresarial en el desierto. Pero Alice comienza a sospechar que no todo va bien con la compañía, Victory, o su carismático fundador, Frank (Pine).

El debut como directora de Olivia Wilde en Booksmart (2019), es un encantador retrato de la vida adolescente que constantemente elude las expectativas de un prospecto camino a la adultez con un efecto hilarante. Con un concepto y tono en un giro de 180 grados, esta segunda dirección es mucho más ambiciosa y más difícil de adoptar al instante. La buena noticia es que muestra una ambición considerablemente enfocada y está anclada en una actuación extraordinaria de Florence Pugh.

La película abre en la comunidad aparentemente ideal de Victory, un oasis empresarial en un desierto hostil donde los hombres trabajan cada día y las mujeres existen para apoyarlos. Alice (Pugh) y su marido Jack (Harry Styles) parecen preparados para grandes cosas y pasan las tardes de fiesta con colegas y amigos, o intimando entre ellos. Pero después de que la amiga de Alice, Margaret (KiKi Layne) tiene un colapso y Alice decide visitar el desierto prohibido para todos los habitantes, ella comienza a experimentar los mismos síntomas que su amiga, quedando en evidencia que algo está mal en este aparentemente paraíso. ¿Por qué vio un accidente de avión que nadie más notó? ¿Qué significa? En el fondo se vislumbra el fundador de Victory, Frank (Chris Pine), la figura magnética de todo el lugar, que parece desafiar a Alice a seguir buscando.

Es una pieza extraordinaria de construcción del mundo, con Wilde y el director de fotografía Matthew Libatique capturando los pasteles bañados por el sol de la Moderna de mediados de siglo mientras logran sugerir algo oscuro y peligroso detrás de esta máscara vintage. Hay referencias obvias, desde Valley Of The Dolls a The Stepford Wives hasta las líneas limpias y los colores brillantes de How To Marry A Millionaire. Pugh, con su cabello perfectamente peinado y despeinado y sus grandes ojos, parece estar justo en el medio de este paraíso, hasta que lo destroza todo. Su actuación con sospechas y su desesperación crece, es impecable. Styles es sólido en el papel menos exigente de su esposo, pero no hay duda de que esta es su película, y todos los demás están ahí para apoyarlo. 

Esta es una historia repleta de grandes ideas, desde una crítica al capitalismo y la familia nuclear hasta cuestiones relacionadas con el control coercitivo e incluso la radicalización en línea, pero no todas están completamente formadas. Hay cuestiones sobre el uso de niños para controlar a las mujeres, de una manera que es profundamente incómoda, y cuestiones sobre la complicidad femenina en el patriarcado que no se fusionan del todo. Además de esto, la historia deja más interrogantes que reflexiones, dejando muchos cabos sueltos tanto de las actitudes de algunos personajes como de elementos narrativos que se presentaron allí y no tuvieron una resolución satisfactoria.

Hay una falta de cohesión en todo el último acto. Las revelaciones que vienen se sienten menos estremecedoras de lo que deberían, aunque el gran twist es inesperado hasta cierto punto. Tal vez porque estamos insensibilizados a la misoginia, de modo que lo que viene es al mismo tiempo demasiado familiar y externo. Pero puede ser simplemente que, después de una acumulación lenta que se deleita en los detalles y las grietas que se extienden gradualmente en la psique de Alice, todo sucede demasiado rápido para sentirse tan personal o tan inmediato como lo que sucedió antes. La confrontación de Alice contra su contraparte es casi inexistente, nunca llega a entenderse y, por lo tanto, la sensación de cierre nunca llega. Ese podría ser el punto de Wilde: estas son, después de todo, preguntas confusas y fuerzas nebulosas que van mucho más allá del individuo, pero al final hay una sensación persistente de que algo permanece sin decir y sin darse cuenta.

Pugh es excelente, mientras que Wilde da un paso adelante con confianza hacia un tema y un presupuesto más grandes para ofrecer una película elegante y hermosa. No pega bien el aterrizaje, pero su vuelo hasta ese punto es fascinante.

Crítica Cinéfila: Black Widow

Natasha Romanoff, alias Viuda Negra, se enfrenta a los capítulos más oscuros de su historia cuando surge una peligrosa conspiración relacionada con su pasado. Perseguida por una fuerza que no se detendrá ante nada para acabar con ella, Natasha debe lidiar con su historia como espía y con la estela de relaciones destruidas que dejó atrás mucho antes de convertirse en Vengadora. 

Desde su introducción en Iron Man 2 de 2010, Black Widow / Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) ha tenido una presencia constante en el MCU, pero mientras sus contemporáneos obtuvieron películas en solitario, ella fue relegada constantemente a un personaje de reparto con Marvel prometiendo constantemente que le haría propia película a su debido tiempo. Y ahora, como murió en Avengers: Endgame parece que es el debido tiempo para obtener una especie de precuela incómoda que pretende completar la historia de fondo de Natasha, pero que en realidad es más un empujón para su hermana (y probablemente futura poseedor del manto de "Viuda Negra"), Yelena Belova (Florence Pugh) ser introducida. Sí, aprendemos sobre los orígenes de Natasha, pero hay un curioso agujero en esta película. Su arco es dolorosamente fino, y hace que "Black Widow" se sienta más interesante en el personaje como una marca que continuará que en un héroe/persona que, especialmente las mujeres (como la única mujer miembro de los Vengadores originales) podríamos admirar.

Después de un prólogo que narra parte de la infancia de Natasha, la historia comienza después de "Captain America: Civil War". Natasha está huyendo del general Ross (William Hurt) y busca permanecer oculta cuando recibe un paquete de su hermana Yelena, incomunicada de ella desde hace mucho tiempo. Sin embargo, el paquete también está siendo rastreado por el infame Taskmaster, un soldado enmascarado cuyos movimientos pueden imitar a cualquiera, pero para los propósitos de la película, imita solo a los Vengadores. El paquete pone a las hermanas en el punto de mira del malvado Dreykov (Ray Winstone), por lo que piden la ayuda de sus ex padres sustitutos Melina (Rachel Weisz) y Alexei/Red Guardian (David Harbour), el súper soldado ruso similar al Capitán América, para derribar la Sala Roja, el lugar donde Dreykov hace sus viudas negras, de una vez por todas.

Puedes ver el esquema más tenue del arco del personaje destinado a Natasha con esta película, ya que aparentemente se trata de la familia. Después de Civil War, Natasha había perdido a los Vengadores, la única familia que había conocido, y eso probablemente habría tenido un impacto diferente si esta película hubiera salido en 2016 o 2017 en lugar de en 2021 cuando el personaje ya había muerto en Endgame. Pero como concepto, Natasha pierde a su familia de los Vengadores y recupera a la familia de su infancia, no está mal, especialmente cuando tienes una química tan fuerte entre los cuatro actores, y especialmente entre Johansson y Pugh, con Pugh trayendo una perfecta energía de "hermana malcriada” a los procedimientos. Para una película que parece depender de esta dinámica familiar, Black Widow es una experiencia bastante agradable.

El problema es que estas temáticas familiares, y especialmente Yelena, están desplazando en gran medida a Natasha de protagonizar su propia película. La película rara vez tarda un momento en asentarse antes de que Natasha vuelva a una nueva misión y esa misión involucre a Yelena, pero nunca llegamos a entender realmente de dónde viene Natasha. La película está llena de marcadores de Natasha enfrentándose a sí misma (la llegada de su familia, la participación de otras Viudas Negras, el hecho de que la habilidad de Taskmaster es básicamente un "espejo" de su enemigo), pero poca introspección por parte del personaje. De esta manera, Black Widow crea más el perfil de Natasha que ahondar en su personaje y desafiarla de tal manera que crea una especie de crecimiento personal, aunque un crecimiento que se sentiría algo decepcionante dado que ahora está muerta.

Como película de Marvel, Black Widow se siente como si estuviera en la parte inferior de esta fase. Si bien sigue siendo entretenimiento y tiene algunas escenas de acción buenas, todo el esfuerzo juega como en gran parte superficial y en muchos de los casos imposible para el personaje. Los fanáticos exigieron constantemente una película en solitario de Black Widow, Marvel arrastró los pies, y ahora finalmente está aquí como algo a medio formar que es parte del origen de Natasha pero también de Yelena. Imagínese si nunca hubieran hecho ninguna película del Capitán América y luego, después de Endgame, finalmente hicieron una en la que Cap le entrega el escudo a Bucky. Una de las secuencias que seguro fueron de las más costosas de producir pero una de las más incoherentes es la confrontación final en la sala Roja con su caída al vacío. Recordemos por un momento que Natasha, a pesar de tener un entrenamiento incomparable y una capacidad de planificación lógica superior a otros personajes, no es inmortal, por lo que ¿cómo, después de ustedes haberla sacrificado cayendo por un declive, me dicen que cayendo desde el cielo no va a morir ni a tener lesiones mayores? ¿O que iba a poder pelear y correr con toda la potencia que tuvo después de haber sido casi mutilada a golpes por las demás viudas negras? ¿O que se cae por la ventana de un edificio junto a otra viuda, y esa muere pero Natasha no? Repito, no es inmortal. A parte de esto, la falta de continuidad narrativa entre las situaciones y acciones de los personajes no hacen mucho sentido.

Lo sorprendente es que Black Widow casi lo logra porque Yelena es inolvidable. Si puede dejar de lado cualquier afinidad hacia Natasha y lo que el MCU le debe a su narrativa, entonces tiene un nuevo personaje brillante que probablemente se establecerá como un nuevo favorito de los fanáticos. Pugh ha estado escalando grandemente en las películas durante años, y es estupenda como Yelena. Como mínimo, sabemos que cuando Yelena inevitablemente asuma el título de "Black Widow", tendrá un giro diferente al héroe que Johansson, lo que hace que el futuro del personaje sea brillante, incluso si esta película en solitario no lo hace. 

Si bien la dinámica familiar es divertida y la misión es la tarifa estándar de Marvel, Black Widow parece estar contando la historia equivocada, pero no tiene otra opción dada en qué parte de la línea de tiempo de MCU cae. Si esta película hubiera salido a mediados de la década de 2010, aún podrían haber seguido la ruta de la precuela, pero contaron la historia sobre Budapest y su fatídico encuentro con Hawkeye / Clint Barton (Jeremy Renner). Sabemos que es un punto de inflexión importante en su vida, y hubiera sido genial ver cómo se desarrolló y cambió su dirección de asesina a sueldo a agente de SHIELD. En cambio, la historia que estamos recibiendo es más un piloto de puerta trasera para Yelena Belova. Solo espero que Marvel le haga mejor honor.

Crítica Cinéfila: Little Women

Cuatro hermanas llegan a la mayoría de edad en los Estados Unidos después de la Guerra de Secesión.

Yo crecí leyendo Little Women. Fue, y todavía es uno de mis libros favoritos. Pero, a pesar de mi gran amor por su historia, he detestado todas las adaptaciones. Entre el sexismo de la época y actuaciones pobres, ninguna había llegado a subir a mi pedestal... hasta que Greta le echó manos al libro, y pasó algo que nunca me había pasado antes: noté el parecido que existe entre Jo March y yo.

Con una transición de retrato íntimo del paso de la adolescencia femenina contemporánea a una pieza de conjunto a gran escala que representa el camino hacia la madurez de cuatro hermanas en Massachussets del siglo XIX, Greta Gerwig muestra que su propia transición a escritora-directora con Lady Bird no fue casualidad. Su gratificante interpretación de Little Women de Louisa May Alcott aporta frescura, vitalidad y matices emocionales al material original que ha sido grabado durante generaciones en la imaginación popular, moviendo piezas cronológicas para revitalizar los ritmos familiares de la trama. La película debería ser un potente atractivo familiar, especialmente para el público femenino joven, ya sea descubriendo la historia por primera vez o volviendo a ella con placer.

Gerwig navega hábilmente por la línea entre respetar los huesos pasados ​​de moda de la historia mientras ilumina la modernidad de su perspectiva proto-feminista, ocasionalmente inclinándose hacia la defensa abierta del derecho de una mujer a la autorrealización más allá del matrimonio. Su elenco puede estar ligeramente vinculado por sus tipos de personajes canónicos, pero aquí hay un trabajo de conjunto encantador, capitaneado con una Saoirse Ronan como Jo.

El guión de Gerwig comienza con Jo ya viviendo independientemente en una pensión de Nueva York, enviando dinero a su familia de sus trabajos de tutoría. El punto de inflexión que dará forma a su futuro se produce cuando vende su primera historia al Sr. Dashwood (Tracy Letts), editor del Volcán Semanal, aunque a pesar de sus dedos manchados de tinta, Jo insiste en que está enviando el trabajo "por una amiga" y pide que se publique de forma anónima. Ella acepta las "alteraciones" de Dashwood, y acepta transmitir el consejo de que si su amiga tiene la intención de escribir más historias con una protagonista femenina, debe asegurarse de que esté casada para el final, "o muerta". En la entrega completamente seca de Letts, es como si la ambición de Jo fuera recompensada y castigada al mismo tiempo.

La hermana menor de Jo, Amy (Florence Pugh, perfección) también se introduce bien en su desarrollo, estudiando pintura en París mientras sirve como acompañante de su adinerada tía March (Meryl Streep). Envuelta en adornos imponentes, incluidas las joyas antiguas de Fred Leighton, no menos, Streep claramente se está divirtiendo como la narcisista tía que resopla con desaprobación sobre cómo "las décadas han arruinado a París" y hace todo lo posible para ocultar su afecto por sus sobrinas detrás de su mirada entrecerrada y su desdén general. Amy está siendo cortejada por un británico adinerado, pero un encuentro casual con el amigo de la familia, Theodore Laurence (Timothée Chalamet), conocido como "Laurie", sugiere que su enamoramiento de la infancia por él no ha disminuido, a pesar de su muestra de simpatía por el rechazo de Jo a su propuesta de matrimonio.

La hermana mayor Meg (Emma Watson) también se encuentra no como una niña sino como una mujer joven, ya casada y viviendo en una cabaña por medios modestos con su esposo, el maestro de escuela John Brooke (James Norton), ex tutor de Laurie. Además de una breve visión de ella tocando el piano, la delicada cuarta hermana, Beth (Eliza Scanlen), permanece relativamente inexplorada en las primeras partes de la película, por razones que serán claras para cualquier persona familiarizada con la novela.

Antes de retroceder siete años para comparar la experiencia de las hermanas como jóvenes adultas con su adolescencia en Concord, Gerwig planta las semillas del romance entre Jo y su conocido en la pensión, Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de idiomas de Francia. Pero esa floreciente atracción mutua se interrumpe cuando critica sin rodeos una de sus historias de duelos y aventuras, diciéndole que escriba sobre algo que ella sabe. Su reacción hostil muestra lo poco acostumbrada que está Jo al rechazo del mundo real, pero la honestidad de Friedrich finalmente le servirá bien.

La mezcla volátil de buen humor, camaradería y celos en el hogar femenino March está muy bien dibujada, con la madre de las niñas Marmee (Laura Dern) presidiendo con paciencia y amor mientras su padre (Bob Odenkirk) está fuera sirviendo como capellán en la Guerra Civil. Tía March está muy dispuesta a señalar cómo su mal manejo de sus finanzas los ha dejado en circunstancias reducidas, instando a las hermanas a casarse bien. Pero Marmee está más decidida a dar el ejemplo de la caridad, alentando a sus hijas a dar a los menos afortunados.

Algunas escenas de las hermanas haciendo payasadas interpretando obras escritas por Jo bordean la preciosidad tensa. Pero los lazos de una familia muy unida se juegan con una intimidad infecciosa, mientras que las explosiones de ira se sienten tremendamente fieles a la vida, especialmente una la muy recordada cuando Jo toma represalias contra un rencoroso acto de rebelión de Amy. Gerwig identifica los diferentes grados en que las ideas de romance consumen a las March, desde la emoción convencional del amor en los libros de cuentos hasta los aspectos prácticos de la expectativa social, todo lo cual se deja de lado a medida que cada hermana sigue su corazón.

Todos los episodios más queridos de la historia tienen un espacio respiratorio acorde y un manejo seguro: el manuscrito quemado, el casi ahogo de Amy, el elegante baile al que asiste Meg, la salida alarmada de Marmee hacia Washington cuando su esposo se enferma.

El arco más devastador es el destino de Beth, cuya naturaleza dulce y gentil es interpretada con subestimación y afectando la serenidad, incluso en su punto más bajo, por Eliza Scanlen. Esos acontecimientos más tristes se ven atenuados por algunas escenas hermosas, mientras vemos al abuelo viudo de Laurie, el Sr. Laurence (Chris Cooper) responder con ternura a Beth, invitándola a tocar el piano en su majestuoso salón cuando lo desee, y luego presentarle el instrumento en un gesto de generosidad conmovedora. Cooper es maravilloso al exponer la humanidad apagada de este hombre intensamente privado que ha sufrido una pérdida terrible. El actor lo abre en grados infinitos, comenzando con un disparo intensamente en movimiento mientras el Sr. Laurence se sienta en las escaleras sin ser observado, llorando en silencio mientras Beth toca.

Gerwig realmente muestra su profundo sentimiento por el material en la escena de la propuesta de Laurie a Jo, capturada por el cinematógrafo francés Yorick Le Saux contra los verdes crujientes de una ladera ondulada, con una clásica iglesia blanca de Nueva Inglaterra, estratégicamente la única estructura visible.

La química entre Ronan y Chalamet (quienes aparecieron juntos en Lady Bird) es encantadora en todo momento: invierte los tipos de género tradicionales, avanzando con certeza y determinación. Cuando finalmente él se declara, sentimos dolor por Laurie, observando su rostro y su postura desmoronarse mientras pronuncia desesperadamente palabras inútiles, defendiendo su caso antes de absorber el golpe aplastante de la negativa diplomática de Jo. Sin faltarle el respeto a las mujeres que dan actuaciones vividamente habitadas, las sorprendentes elecciones de Chalamet lo convierten en el verdadero destacado aquí.

Es un testimonio de la afinidad de Gerwig por los personajes de Alcott y la artesanía inteligente de su ensamblaje narrativo que, por mucho que alentamos a Jo y Laurie a cimentar lo que claramente es una combinación de mentes y temperamentos contrastantes, los retorcidos resultados románticos de la historia se sienten perfectos - aunque suavemente cepillados con melancolía por lo que podría haber sido. Aún más importante para este recuento es la aparición de Jo como escritora, con su incipiente carrera dada una forma tangible mientras observa las imprentas y las carpetas de libros produciendo la primera edición de la novela que da título a la película. La cronología de doble pista también deja más claro que nunca que los recuerdos de Jo de su educación alimentan el descubrimiento de su verdadera voz como artista.

Entre el gran elenco, Watson se desvanece un poco en el fondo, posiblemente porque la chica bonita y vivaz se abre paso tan temprano para la esposa completamente buena que se casó por amor, no por comodidad material. Dern a veces parece un poco contemporánea como Marmee, pero esto no le quita calidad al personaje. 

Como siempre, el personaje más complicado es Amy, una egoísta redimida por su incuestionable amor por sus hermanas. Pugh (también excelente este año en Midsommar) continúa demostrando ser un talento distintivo, manejando todas las contradicciones engañosas del papel con gracia desarmadora, humor y una racha deliberada que se convierte casi imperceptiblemente en sabiduría. También hay una buena percepción del personaje en su ausencia de autocompasión cuando Amy toma la decisión de abandonar la pintura después de darse cuenta de que nunca será una gran artista. Su negativa a hacer cualquier cosa a medias le da al personaje una fuerza innata que contrarresta sus cualidades más fugaces. E incluso en su momento más desagradable, ella sigue siendo entrañable, obteniendo la línea más divertida de la película cuando jadea por cabello cortado de Jo, exclamando: "¡Jo, tu única belleza!". A pesar de mi gran miedo por este personaje, hay una novedad en su encarnación, y es cómo la misma Amy explica lo cansada que está de ser una segunda opción en todo, incluyendo la elección de Laurie después del rechazo de Jo.

Sin embargo, nunca hay ninguna duda de que Ronan está al mando, tanto en términos de conducir la historia como de la posición exaltada que ocupa dentro de su familia. La costurera Jacqueline Durran la viste con elegantes camisas de época, corbatas, abrigos y chalecos, con sombreros tricorne y atuendos militares para las escenas de actuación. Está llena de fuego, con sus trenzas salvajes volando en la brisa, descaradamente despreocupada de las reglas que dicen que lo máximo a lo que una mujer joven debe aspirar es al amor y al matrimonio. Y hay un intercambio intergeneracional encantador en el que Marmee le confiesa a Jo que ella también tiene un temperamento que brota dentro de ella, pero que ha aprendido a controlarlo. En lugar de instar a Jo a hacer lo mismo, admira la franqueza sin filtro de su hija. Sin embargo, hay un momento muy importante para Jo que nunca había sido explorado, y es cómo esta temperamental y ambiciosa escritora sigue deseando cosas que para muchos de la audiencia parecerán extrañados, como ser amada o tener una familia. 

La dirección de Gerwig tiene un ritmo agradable a lo largo de su tiempo de ejecución de dos horas y cuarto, con un ágil trabajo de cámara y edición que sugiere el vigor de la juventud y la urgente sensación de descubrimiento que viene con la edad adulta. La exuberante composición de Alexandre Desplat es un poco grueso, pero incluso eso parece apropiado para una historia cuyos sentimientos siempre se basan en una emoción genuina.

Gerwig ha tomado un tesoro perenne de la literatura popular estadounidense y lo ha reformado para una nueva generación, lo que debería darle a la cautivadora película una larga vida útil, al punto que cuando hable de Little Women, ya no solo haré referencia del libro.

Crítica Cinéfila: Midsommar

Dani (Florence Pugh) y Christian (Jack Reynor) atraviesan una dura crisis de pareja que ha dejado realmente tocada su relación amorosa. Sin embargo, ambos deciden darse una oportunidad, y junto con el resto de sus amigos, se embarcan en un prometedor viaje a un festival de verano que se celebra una vez cada 90 años en una remota aldea de Suecia. 

Ari Aster hizo su debut en la pantalla grande el año pasado con la película Hereditary, una trama que a muchos impresionó, excepto a mi. Mi mayor queja fue que, a pesar de una premisa interesante y un trailer que prometía salir del cine aterrorizado, me pareció lenta y con carencia de elementos del cine de terror. Un año después, mi opinión se mantiene, mas no la curiosidad de entender a este cineasta. Y después de ver sus cortometrajes The Strange Thing About the Johnsons (2011) y Munchausen (2013), y Midsommar, la sensación de terror de este verano, me atrevo a decir que finalmente he sido atrapada por la narrativa de Aster.

Dani es una estudiante de psicología que pasa por uno de los momentos más difíciles de su vida. Después de que su hermana se suicidara, matando también a sus padres, se ve a la vez atrapada de una relación amorosa tóxica donde no ve ningún interés en su novio Christian por querer sacar la relación adelante. Christian, quien desde hace meses le ha expresado a sus amigos lo problemática que es su relación con Dani, no termina de coger valentía y salir de ella por el simple hecho de que se ha acostumbrado a sus problemas de pareja. Pero cuando es invitado a Suecia con sus amigos, el miedo a mentirle a Dani lo obliga a invitarla a último momento para que asista a un evento de verano que su amigo Pelle (Vilhelm Blomgren) les ha motivado a asistir, un festival que solo ocurre cada 90 años y que su comunidad, los Hårga, permanece recluída en una zona escondida de Suecia. 

Pero entre bebidas alucinógenas y algunos rituales fuera de lo común, Dani se va alejando del grupo y va experimentando el duelo por la pérdida de su familia, sino también encuentra hombros para llorar una relación que nunca le ha sumado y que solo parece ser un dolor en el pecho.

Ari Aster es un cineasta que tiene un estilo e incluso una narrativa cinematográfica muy particular: cada momento tiene un significado y una razón de ser dentro de la misma película, y hay escenas claves que son las que desatarán no solo el conflicto principal, sino también catálisis que representan un desgarre de emociones para los personajes. Su enfoque siempre ha sido las relaciones y la familia, pero en esta ocasión se encuadra en las etapas que una relación amorosa pasa antes del rompimiento, por eso, cada "escena de terror" realmente es una metáfora de cómo la relación de Dani y Christian está siendo encaminada hacia la separación.

Del mismo modo, Aster deja a un lado el típico horror para darle momentum al terror psicológico, causado por la tensión del "qué pasará" con una paciencia que solo está creando las expectativas de un final desastroso. Cada personaje tiene sus propias pesadillas.

Dani no solo está de duelo. Ella se siente profundamente sola. Su familia se ha ido. Su novio parece haber perdido interés en ella. Y a veces a los ojos de Dani, este pueblo sueco parece ofrecerle lo que más necesita: una comunidad humanitaria y profundamente íntima. Ella no esta equivocada. A pesar de todos los horrores que esconden los residentes de la aldea, se preocupan profundamente por los que están en los pliegues de la comunidad, incluso si ese amor se manifiesta de una manera seriamente retorcida. La película nos recuerda que las comunidades cerradas pueden tener una cultura de apoyo. Pero la historia también advierte que cuando formamos parte de una comunidad así, corremos el riesgo de comprar valores que puedan ser casi incestuosamente distorsionados.

En cuanto a Christian, él no la deja en su momento de mayor vulnerabilidad, pero la invita a Suecia, lo que parece un buen gesto. Es como un niño pequeño que arrastra los pies limpiando su habitación: al menos la limpia. Sin embargo, su mayor reto será ignorar la infidelidad a la que está siendo motivado a cometer, y se apoya en el dicho "me obligaron", cuando entre polvos alucinógenos y drogas en té lo llevan a una ceremonia de impregnación.

A nadie que haya visto The Wicker Man (1973), o películas de terror folclóricas similares, no se sorprenderá con ninguno de los giros de esta trama. Desde el principio, no hay duda de que los rituales paganos en el centro de la película marcarán la fatalidad para el grupo de amigos que visitan la Suecia rural en un intento casi antropológico de observar el festival del solsticio de verano de un culto, y que cada escritura o cada dibujo marcan el destino de sus personajes. Pero estos son elementos que ya se han visto en la cinematografía de Aster. Desde el juego en la casa de muñecas, hasta las tomas de secuencia a lo largo de grandes espacios para establecer premoniciones son parte de su estilo narrativo utilizado para avisar que el gran ritual se acerca.

Así mismo, los colores y las flores son aspectos importantes que hacen contraste con las emociones de los personajes. En todo momento, la cámara y la arquitectura de la escenografía están sincronizados de forma casi inusual con la psique del espectador, respondiendo y manipulando nuestra atención con composiciones sutilmente inquietantes y movimientos precisos de la cámara. La película cambia entre tomas increíblemente inmóviles, observando silenciosamente la disposición de las viviendas y las estructuras oscuras en la colonia de culto, y movimientos grandiosos de la cámara, como en la toma de grúa que se extiende por encima del automóvil cuando el grupo sale de Stolkholm y termina al alza. La transición entre la quietud y el movimiento es perfecta, llegando en el preciso momento en que uno quiere acercarse a las cosas, anticipando lo terrible que sabemos que vamos a ver.

Aunque es metódico en su enfoque de ritmo y estructura, Aster está interesado en las extremidades (visual, física y emocionalmente) y sabe cuándo debe desplegar una para mejorar la otra. Midsommar tiene tramos sangrientos, y sus imágenes de muerte violenta son más que sorprendentes, ya que pretenden dejarnos con una impresión persistente de los sentimientos de dolor, separación y pérdida de una mujer. La película encuentra el escenario perfecto para la confrontación de Dani con sus propios recuerdos perturbadores a la luz diurna de un verano sueco. Pero es la construcción de esta comunidad lo que hace de Aster un genio sobre el desarrollo de universos, que desde pasteles con bellos púbicos para encantamientos de amor, hasta el sacrificio de ancianos que pasan de 72 años, se demuestra lo cuidadósamente específico que es con sus historias.

Crítica Cinéfila: Fighting With My Family

Paige y su hermano Zak están extasiados cuando tienen la oportunidad única en la vida de probar para la WWE. Pero cuando solo Paige se gana un lugar en el programa de entrenamiento competitivo, debe dejar a su familia y enfrentarse a este nuevo mundo despiadado.

Florence Pugh dirige el ring en Fighting With My Family, una comedia de lucha libre con mucho corazón junto con algunos clichés de películas de deportes agradables. Basada en la familia Bevis, un estrecho clan de Norwich unido por su amor compartido por el falso entretenimiento violento, la película se beneficia de la actuación carismática de Pugh y la alegre mezcla del escritor y director Stephen Merchant de sentimientos que complacen al público, risas irónicas y auténtica dulzura.

Después de su estreno en Sundance, Fighting With My Family aterrizará en los cines de EE. UU. El 14 de febrero, antes de venir al Reino Unido un par de semanas después. Producida por WWE Studios y Dwayne Johnson, la película es sin duda un atractivo para los fanáticos de la lucha libre, y el breve cameo de The Rock solo puede ayudar a aumentar la popularidad, pero claramente avanza alegremente gracias a la flotabilidad incontenible de Florence Pugh.

Pugh interpreta a Saraya (quien adopta el nombre artístico de Paige), la cual lucha con su hermano mayor Zak (Jack Lowden), ambos soñando con ser parte de la WWE (World Wrestling Entertainment). Animados por sus padres Ricky (Nick Frost) y Julia (Lena Headey), entran en una competencia para ser considerados para la compañía, que es juzgada por el entrenador de mano dura Hutch (Vince Vaughn). Paige llega a la siguiente ronda, que tendrá lugar en Florida, pero Zak es rechazado y su aspiración de vida ha sido rota en pedazos.

Incluso aquellos que no ven la hora de la lucha libre saben que es mayormente falso o, como lo describen los personajes de la película, "arreglado". Pero Merchant no desprecia el espectáculo, lo cual, para ser justos, no lo es, una postura sorprendente ya que WWE supervisó el proyecto. Aún así, se conecta a esta historia de familia y lo que sucede cuando una persona alcanza su sueño y la otra no. Aunque el filme es principalmente una comedia, también hay algunos momentos conmovedores cuando Paige y Zak descubren que sus vidas van en direcciones opuestas: la de ella hacia una posible fama y fortuna, y la de él a una vida de paternidad ahora que él y su novia, con quien acaba de tener un hijo.

Fighting With My Family se desarrolla como muchas películas de deportes: por ejemplo, Paige se enfrenta a Hutch de manera similar a como Rocky y Mickey solían enredarse mientras que Vaughn eleva el personaje con sus habituales entregas sarcásticas. El guión cubre todas las bases predecibles, como los tantos montage de entrenamientos, cuando Paige comienza a dudar de sí misma y necesita las charlas motivadoras de los demás, y otra muy popular como cuando los miembros de la familia apoyan antes de entrar al ring para el gran partido final.

Pero lo que hace que la película avance alegremente es el talento actoral de Pugh. Paige proviene de una familia de clase trabajadora amorosa pero cruda, y lo que pronto descubre mientras audiciona para WWE es que se enfrenta a mujeres mucho más esculturales, exmodelos, bailarinas y porristas, y ella es la única que realmente sabe luchar, mientras el resto han sido escogido porque se ven bien. Pugh, mejor conocida por su sutil y malvado twist en Lady Macbeth, tiene que ofrecer más de una actuación de estrella de cine, y ella se encarga de la tarea con habilidad. Sentimos la inseguridad de Paige con estas otras mujeres, y es emocionante ver que el personaje encuentra su voz a medida que crece su confianza.

También es bueno que Lowden sea su hermano mayor, que no sabe qué hacer consigo mismo después de que Hutch lo haya sobrepasado. Fighting With My Family es la rara película deportiva que pasa tiempo considerando la vida de alguien que no alcanzará sus sueños, y Merchant le da a la trama una verdadera reflexión, no solo examinando el desaliento de Zak sino también cómo afecta su relación con su hermana.

El cineasta también se asegura de proporcionar risas en todo momento, y algunos se refieren a la reacción de los hermanos al conocer a Dwayne Johnson. A veces, Fighting With My Family puede ser rutinario en su conspiración y obvio en sus ritmos emocionales. Pero la película nunca simula su afecto por estos personajes tan atractivos.