Crítica Cinéfila: Barbie

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.

¿Quién diría que "Barbie" comenzaría con un homenaje a “2001: A Space Odissey” de Stanley Kubrick? Un amanecer deslumbrante se extiende sobre un desierto árido, poblado exclusivamente por niñas de ojos tristes de la era del Dust Bowl y sus muñecas que no parpadean, mientras Helen Mirren nos narra cómo era la vida antes de Barbie. No solo era aburrida, sino que era limitada. Para tantas niñas pequeñas, las muñecas eran solo muñecas bebés, lo que significaba que su tiempo de juego solo podía girar en torno a la maternidad, la servidumbre y nada de diversión.

Pero así como los simios de Kubrick finalmente se encontraron con un monolito alienígena que cambió por completo su mundo y su visión del mundo, las niñas de Greta Gerwig están a punto de encontrarse con una nueva entidad que alterará el mundo y les distorsionará su manera de pensar: una gigante, incluso se podría decir monolítica, muñeca Barbie, en la forma de una sonriente Margot Robbie, equipada como la primera muñeca Barbie jamás hecha. Ahí es donde comienza la "Barbie" divertida, feminista y tremendamente original de Gerwig. Solo se volverá más grande, extraña,` inteligente y mejor a partir de ahí.

Imagine, si puede, un mundo dividido en dos tras el lanzamiento de la primera muñeca Barbie en 1959. Está el mundo real (conocido en la película como, por supuesto, "El mundo real"), y luego está la aparentemente idílica "Barbie Land", que existe bajo la premisa de que la invención de Barbie (la muñeca) tuvo un impacto tan drástico, tan completo y tan positivo en el mundo real que ella (la muñeca) básicamente resolvió el feminismo. Por lo que saben las Barbies (y los Kens) que pueblan Barbie Land, el mundo real es un lugar maravilloso para las mujeres (porque Barbie Land lo es en gran medida), y el mundo femenino en el que felizmente frecuentan es solo un reflejo de lo que sucede en el universo real.

En Barbie Land, son las mujeres las que gobiernan (Issa Rae es la presidenta Barbie, Alexandra Shipp es la escritora Barbie, Emmy Mackey es la física Barbie, la lista sigue). Y ¿los Ken? Sí, también están ahí. Pero se llama Barbie Land por una razón. Y aunque todas las Barbies son igualmente talentosas, realizadas, felices y libres, para el propósito de "Barbie" de Gerwig, nuestra atención se centra en una que está a punto de emprender un viaje muy inesperado: estereotipada Barbie (Robbie).

Esta Barbie (como, al parecer, todas las Barbies) tiene un gran día todos los días. Su Ken estereotípico (un Ryan Gosling desquiciado) solo tiene un buen día cuando Barbie le presta atención, y Barbie está bastante ocupada. Gerwig nos guía a través de un día típico de Barbie con meticulosa atención a los detalles. La casa de sueños de Barbie no tiene ventanas, ni escaleras que funcionen, ni agua corriente. Puede llegar a donde quiera ir simplemente saltando (al igual que una niña puede mover su muñeca, llevándola de un lugar a otro sin mucha lógica). Sus manos están rígidas. Su comida es inexistente. Su vida es perfecta. La dedicación de Robbie a la mordaza, junto con sus coprotagonistas Rae, Shipp, Mackey, Hari Nef y Nicola Coughlan, es profunda, y vale la pena.

Pero hay grietas en la fachada de Barbie Land. (Por ejemplo, si Barbie Land realmente es tan feminista, ¿por qué los hombres son tratados como ciudadanos de segunda clase y con ideas tardías?) Pronto, nuestra propia Barbie estereotipada sufrirá. Sus pies se vuelven planos, en sus muslos aparecen celulitis y en su cerebro comienzan a irradiar pensamientos de muerte. De alguna manera, al parecer, la angustia del mundo real se ha filtrado en Barbie (la angustia general parece haberse filtrado en Ken hace mucho tiempo), y solo Weird Barbie (Kate McKinnon) puede guiar a esta Barbie hacia la verdad.

Para encontrar la verdad deberá ir al mundo real y reparar la grieta temporal que mantiene a Barbie Land y el mundo real claramente diferentes. Y mientras que Barbie, inicialmente resistente al destino que tiene por delante, finalmente acepta el desafío con brío y vigor, las preguntas comienzan a acumularse: ¿Cuán diferentes son Barbie Land y el mundo real? Si lo que sucede en el mundo real puede afectar a Barbie Land, ¿también puede ser al contrario? ¿Y por qué está Ken en el asiento trasero del auto rosa de Barbie mientras se dirige directamente a Los Angeles/mundo real?

Una vez en el mundo real, las realizaciones gemelas de Barbie y Ken de cómo es en realidad se desarrollan a un ritmo desigual. Barbie está confundida por el comportamiento de todos, no solo de los hombres que la miran lascivamente y de las mujeres que se burlan, sino especialmente el de Sasha (Ariana Greenblatt), una adolescente atrevida que ella cree que es su dueña desde hace mucho tiempo, la misma persona que sufre una angustia tan profunda que desgarra un agujero entre el Mundo Real y Barbie Land. Gerwig y el coguionista y socio de mucho tiempo, Noah Baumbach, levantan constantemente el velo (o, según sea el caso, rasgan su propio tejido temporal) mientras Barbie se ve acosada por la verdad del mundo real (no feminista), Barbie Land (tampoco feminista), y su lugar en ambos.

Ken, mientras tanto, está vivo.  Cuando Barbie, en lo más profundo de sus pensamientos, envía a Ken a dar un paseo, el soñador termina deambulando por Century City de Los Ángeles donde se pone al día con cómo realmente funcionan las cosas. ¡Los hombres gobiernan y el patriarcado es muy real! Ken también cree que la masculinidad y el patriarcado están indisolublemente ligados a los caballos, lo que conduce a todo tipo de divertidas confusiones y maravillosos chistes visuales, todo lo cual Gosling ofrece en un discurso cómico al nivel de los Oscar.

La aventura de Gerwig y Baumbach en el mundo real es absolutamente necesaria: desbloquea la tesis de la película después de asediarnos con diversión, nos da a la querida Greenblatt y su madre Gloria, obsesionada con Barbie (America Ferrera), y permite que Will Ferrell se vuelva muy extravagante como el loco CEO de Mattel. Sin embargo, no es tan divertido, fantástico y entretenido como el rico mundo de Barbie Land: ese es el punto. Afortunadamente, regresamos allí lo suficientemente pronto, aunque ha sido enormemente alterado por la fuerza total de un Ken que regresa (y, nos atrevemos a decirlo, con una píldora roja), quien usa toda su nueva ira masculina y poder patriarcal para cambiar lo que era una vez un idilio impulsado por una dama. Mientras Barbie está teniendo un mal día.

¿Qué esperanza hay para Barbie Land? ¿Qué esperanza hay para el mundo real? ¿Y Barbie realmente puede salvar a ambos esta vez, completando con un mensaje genuino de feminismo? Las formas en que Gerwig y Baumbach resuelven esas preguntas engañosas son solo una parte de la alegría de la película, que se mantiene en un nivel muy alto, incluso cuando se trata de preguntas embriagadoras y pesadas. En el camino, Gerwig y Baumbach encuentran humor y matices en todo, desde la mini-nevera hasta el éxito de Matchbox Twenty "Push", el impulso masculino de explicar "El Padrino" a la Corte Suprema, los límites del feminismo moderno a las luces de neón. Patines. La muñeca Barbie quizás no lo es todo, pero "Barbie" lo es todo. Gerwig, como siempre, ha reunido un elenco de apoyo estelar. Todas las Barbies están encantadas, pero los Ken, muy apropiadamente, lanzan un verdadero ataque furtivo, especialmente Simu Liu y Kingsley Ben-Adir, y Michael Cera casi se lleva todo el asunto como el compañero singular Allan. 

También hay una fila de talentos innegables detrás de cámara: se pueden escribir y se escribirán obras de análisis sobre el diseño de producción de Sarah Greenwood y el vestuario de Jacqueline Durran. Pero el verdadero análisis se lo merece el mensaje de la película. Aunque la paleta de colores rosa brillante y el estilo de diálogo ingenuo establecen un tono "no tan serio", esta metacomedia se sumerge en una exploración existencial intensa. Inspirándose en Wings of Desire (1987) de Wim Wender y su estructura narrativa de “conversaciones con un ángel”, Barbie se convierte en un ángel figurativo que desciende del cielo para comentar sobre el estado de la humanidad, en toda su belleza y fealdad.

Parte de la magnificencia de esta hazaña radica en la dificultad de combinar elementos contrastantes en una historia fluida. Barbie cruza la línea entre el sarcasmo y el sentimentalismo con tanta facilidad. La tontería de la charla de Barbie combina bien con la tontería del mundo real dirigido por Will Ferrell, pero complementa los momentos desgarradores entre Gloria y su hija Sasha. Barbie es un enfoque metamoderno para diseccionar la posición del juguete en el mundo y cómo se relaciona con las formas en que construimos nuestras propias identidades. Barbie se pone un espejo ficticio a sí misma como una forma de revelar más sobre quiénes somos colectivamente.

El empleo de Ruth Handler representa uno de los aspectos más destacados y las deficiencias de la marca Barbie, ya que llama la atención sobre todo el espectro de quién es ella. Ruth revela que Barbie lleva el nombre de su hija Barbara, lo que enfatiza la dinámica madre-hija que impregna la trama. Y también se burla de sus propias faltas, bromeando brevemente sobre sus episodios de evasión de impuestos, lo que finalmente la llevó a renunciar a la empresa en 1974. 

Esto nuevamente hace eco del tema principal de esta película: aceptar todo sobre ti, defectos y todo. Al incluir versiones descontinuadas de las muñecas Barbie y Ken, además de incorporar nuevas ediciones como Cellulite Barbie, Gerwig resalta los vergonzosos aspectos negativos que la compañía trata de ocultar. Al aceptar estos "errores" de frente, Gerwig llama la atención sobre lo que esta muñeca ha significado para nuestra sociedad, como un barómetro de la política de género, como un reflejo de cómo nos representamos a nosotros mismos y como un personaje por derecho propio a pesar de ser una idea para tantos.

Con un tono satírico reflexivo, una estética inolvidable y un discurso completamente inesperado (pronunciado por una de las actrices más icónicas para el empoderamiento femenino y autoestima de toda una generación), sin duda, aún en la vida real, es el mundo de Barbie y todos vivimos en él.

Crítica Cinéfila: White Noise

Un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica. Jack, un profesor universitario que ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo, se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad.

Como cineasta, Noah Baumbach siempre ha sido un realista dramático empedernido, una división neurótica conversativa. “The Squid and The Whale” (2005), el drama de divorcio que estableció su reputación y es muy apreciado por muchos cinéfilos, no es la mitad de la película que es “Marriage Story”. La última película fue el logro culminante de Baumbach después de 25 años como guionista y director, y llevó sus fortalezas a un nuevo nivel de realización: su habilidad para captar la dinámica de las relaciones problemáticas en todas sus capas desgastadas, su extraordinaria habilidad con los actores y la ágil ligereza de sus diálogos, que emergen de la comedia humana.

Con "Marriage Story", Baumbach disfrutó del tipo de éxito con el que sueñan los cineastas independientes. Así que no sorprende, en cierto modo, que su primera película desde entonces, “White Noise”, sea diferente a todo lo que haya hecho antes. Una adaptación meticulosamente reverente de la mordaz novela distópica satírica de Don DeLillo sobre la vida de la clase media estadounidense en la década de 1980.

"White Noise" está ambientada en una acogedora y frondosa ciudad universitaria, que ha crecido alrededor de una pequeña escuela de artes liberales llamada The-College-on-the-Hill, y eso hace que la película sea un vehículo ideal para el tipo de personas que serían parte de la charla polémica en la que Baumbach es un profesional. El personaje central, Jack Gladney (Adam Driver), enseña en la universidad, donde ha sido pionero en toda una disciplina dedicada a los Estudios de Hitler, lo que suena como una broma de Woody Allen, excepto que la película, como Jack, se lo toma todo muy en serio. Jack no solo está enseñando sobre Hitler; es el excavador del alma del dictador, un rapsoda del fascismo.

Como profesor, es lo suficientemente célebre como para tener, a veces, seguidores de culto. Sin embargo, en casa, Jack preside un clan rebelde que lo mira con mucho menos asombro, incluso si él sigue siendo, a su manera, el gran académico. Driver, engordado, un corte de pelo bohemio y una chaqueta de cuero terrible, convierte a Jack en un estudio de cierto tipo de hombre de finales del siglo XX que se considera un cruzado por la libertad y la verdad pero que, de hecho, es un intelectual complaciente de la derecha. En su casa, pase lo que pase, lo principal que parece interesarle a Jack es la próxima comida.

La esposa de Jack, Babette (Greta Gerwig), tiene un cabello rizado que parece un permanente, así como una actitud lo suficientemente puntiaguda para equilibrar su narcisismo, y toma misteriosas píldoras farmacéuticas a escondidas. Cada uno se ha casado tres veces antes, y entre ellos tienen una camada razonablemente bien adaptada de niños: la inteligente adolescente Denise (Raffey Cassidy) y su dulce hermana menor Steffie (May Nivola), que son las hijas de Babette, el brillante conversador Heinrich (Sam Nivola), que es el hijo de Jack, y un hijo pequeño que es de ambos. Son como Brady Bunch con un toque de Los Soprano, y Baumbach, por un tiempo, mantiene el diálogo familiar zumbando.

También presenta a los colegas académicos de Jack, a quienes se trata como si estuvieran locos pero sin burlarse de ellos, en particular Murray (Don Cheadle), que es una especie de profesor de estudios estadounidenses con una visión profunda de las dimensiones más tontas de la sociedad gringa. Piensa que los supermercados son una forma profunda de nirvana, y la película comienza con su conferencia, ilustrada por un deslumbrante montaje de fragmentos de películas, sobre el significado del accidente automovilístico en el cine de Hollywood, que él ve como una expresión de pura alegría. En cierto modo, esto establece el tono para todo lo que sigue. Le saber a la audiencia que “White Noise” va a ser, en algún nivel, sobre violencia y catástrofe, y que va a considerar esas cosas con una mirada divertida e irónica.

La primera pista de que se está viendo algo más que una comedia de observación sobre un profesor enloquecido y su familia fracturada cuando un hombre que conduce un camión lleno de químicos tóxicos choca contra un tren y el accidente produce una enorme nube química negra que flota en la distancia, acercándose inexorablemente al pueblo. ¿Se moverá y envenenará a todos? Mientras Jack y su familia se amontonan en su camioneta Chevy, evacuando en una acumulación de tráfico de millas de largo tan portentosa, la película, así como así, se convierte en una película metafórica de desastres sobre miedo, conspiración, y la toxicidad de los productos de consumo.

“White Noise” se publicó en 1985, y parte del atractivo de la novela es que se adelantó mucho a su tiempo. DeLillo vislumbró, a mediados de los años 80, una maraña de pistas sobre el mundo que estaba surgiendo. Y ahora que han pasado 37 años, se puede ver que gran parte de lo que vio se ha movido al frente y al centro: el envenenamiento literal de la vida estadounidense, la sensación de temor espiritual que brota bajo el sueño americano, la reconfiguración de lo que significa una familia en la era del divorcio y, de manera más perspicaz por parte de DeLillo, el surgimiento de una nueva cultura farmacéutica insidiosa en la que la gente ahora intentaría drogar su desesperación. Algo de esto incluso se conecta con el mundo post-Covid. Sin embargo, es la naturaleza de estas cosas que donde "White Noise" una vez se sintió profético, sus percepciones pesimistas ahora parecen, en todo caso, parte del presente.  

Esas pastillas que toma Babette resultan ser presagios del nuevo mundo. No son estimulantes, son, más bien, estabilizadores del estado de ánimo destinados a calmar su miedo a la muerte. Jack y Babette están obsesionados con la muerte, y cuando Jack, durante ese escape de la nube tóxica, sale del automóvil durante dos minutos para llenar el tanque de gasolina, se entera de que puede haber recibido una dosis letal de productos químicos. ¿Es ese diagnóstico solo otra conspiración?

Estas son preguntas pesadas, y la novela “White Noise” alcanzó una pesadez total. Era un libro de ideas. Como película, anuncia sus temas en voz alta y con orgullo, pero el problema es que los anuncia más de lo que los hace sentir. Gerwig tiene una de las mejores escenas: un monólogo lleno de lágrimas, arrancado de las entrañas, en el que le confiesa su adulterio a Jack, aunque su transgresión no se trata tanto de un deseo de desviarse como de su compulsión por conseguir esas pastillas por cualquier medio necesario. La película se anuda a sí misma para explicar las malas noticias. Qué revelador, entonces, que es mucho más efectiva cuando está dispuesto a ser optimista, especialmente en una secuencia de baile de créditos de cierre triunfalmente loca que tiene lugar en los pasillos brillantemente iluminados de A&P. Con el ritmo alegre y resonante de “New Body Rhumba” de LCD Soundsystem, el lugar realmente parece un nirvana irónico.

Crítica Cinéfila: Little Women

Cuatro hermanas llegan a la mayoría de edad en los Estados Unidos después de la Guerra de Secesión.

Yo crecí leyendo Little Women. Fue, y todavía es uno de mis libros favoritos. Pero, a pesar de mi gran amor por su historia, he detestado todas las adaptaciones. Entre el sexismo de la época y actuaciones pobres, ninguna había llegado a subir a mi pedestal... hasta que Greta le echó manos al libro, y pasó algo que nunca me había pasado antes: noté el parecido que existe entre Jo March y yo.

Con una transición de retrato íntimo del paso de la adolescencia femenina contemporánea a una pieza de conjunto a gran escala que representa el camino hacia la madurez de cuatro hermanas en Massachussets del siglo XIX, Greta Gerwig muestra que su propia transición a escritora-directora con Lady Bird no fue casualidad. Su gratificante interpretación de Little Women de Louisa May Alcott aporta frescura, vitalidad y matices emocionales al material original que ha sido grabado durante generaciones en la imaginación popular, moviendo piezas cronológicas para revitalizar los ritmos familiares de la trama. La película debería ser un potente atractivo familiar, especialmente para el público femenino joven, ya sea descubriendo la historia por primera vez o volviendo a ella con placer.

Gerwig navega hábilmente por la línea entre respetar los huesos pasados ​​de moda de la historia mientras ilumina la modernidad de su perspectiva proto-feminista, ocasionalmente inclinándose hacia la defensa abierta del derecho de una mujer a la autorrealización más allá del matrimonio. Su elenco puede estar ligeramente vinculado por sus tipos de personajes canónicos, pero aquí hay un trabajo de conjunto encantador, capitaneado con una Saoirse Ronan como Jo.

El guión de Gerwig comienza con Jo ya viviendo independientemente en una pensión de Nueva York, enviando dinero a su familia de sus trabajos de tutoría. El punto de inflexión que dará forma a su futuro se produce cuando vende su primera historia al Sr. Dashwood (Tracy Letts), editor del Volcán Semanal, aunque a pesar de sus dedos manchados de tinta, Jo insiste en que está enviando el trabajo "por una amiga" y pide que se publique de forma anónima. Ella acepta las "alteraciones" de Dashwood, y acepta transmitir el consejo de que si su amiga tiene la intención de escribir más historias con una protagonista femenina, debe asegurarse de que esté casada para el final, "o muerta". En la entrega completamente seca de Letts, es como si la ambición de Jo fuera recompensada y castigada al mismo tiempo.

La hermana menor de Jo, Amy (Florence Pugh, perfección) también se introduce bien en su desarrollo, estudiando pintura en París mientras sirve como acompañante de su adinerada tía March (Meryl Streep). Envuelta en adornos imponentes, incluidas las joyas antiguas de Fred Leighton, no menos, Streep claramente se está divirtiendo como la narcisista tía que resopla con desaprobación sobre cómo "las décadas han arruinado a París" y hace todo lo posible para ocultar su afecto por sus sobrinas detrás de su mirada entrecerrada y su desdén general. Amy está siendo cortejada por un británico adinerado, pero un encuentro casual con el amigo de la familia, Theodore Laurence (Timothée Chalamet), conocido como "Laurie", sugiere que su enamoramiento de la infancia por él no ha disminuido, a pesar de su muestra de simpatía por el rechazo de Jo a su propuesta de matrimonio.

La hermana mayor Meg (Emma Watson) también se encuentra no como una niña sino como una mujer joven, ya casada y viviendo en una cabaña por medios modestos con su esposo, el maestro de escuela John Brooke (James Norton), ex tutor de Laurie. Además de una breve visión de ella tocando el piano, la delicada cuarta hermana, Beth (Eliza Scanlen), permanece relativamente inexplorada en las primeras partes de la película, por razones que serán claras para cualquier persona familiarizada con la novela.

Antes de retroceder siete años para comparar la experiencia de las hermanas como jóvenes adultas con su adolescencia en Concord, Gerwig planta las semillas del romance entre Jo y su conocido en la pensión, Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de idiomas de Francia. Pero esa floreciente atracción mutua se interrumpe cuando critica sin rodeos una de sus historias de duelos y aventuras, diciéndole que escriba sobre algo que ella sabe. Su reacción hostil muestra lo poco acostumbrada que está Jo al rechazo del mundo real, pero la honestidad de Friedrich finalmente le servirá bien.

La mezcla volátil de buen humor, camaradería y celos en el hogar femenino March está muy bien dibujada, con la madre de las niñas Marmee (Laura Dern) presidiendo con paciencia y amor mientras su padre (Bob Odenkirk) está fuera sirviendo como capellán en la Guerra Civil. Tía March está muy dispuesta a señalar cómo su mal manejo de sus finanzas los ha dejado en circunstancias reducidas, instando a las hermanas a casarse bien. Pero Marmee está más decidida a dar el ejemplo de la caridad, alentando a sus hijas a dar a los menos afortunados.

Algunas escenas de las hermanas haciendo payasadas interpretando obras escritas por Jo bordean la preciosidad tensa. Pero los lazos de una familia muy unida se juegan con una intimidad infecciosa, mientras que las explosiones de ira se sienten tremendamente fieles a la vida, especialmente una la muy recordada cuando Jo toma represalias contra un rencoroso acto de rebelión de Amy. Gerwig identifica los diferentes grados en que las ideas de romance consumen a las March, desde la emoción convencional del amor en los libros de cuentos hasta los aspectos prácticos de la expectativa social, todo lo cual se deja de lado a medida que cada hermana sigue su corazón.

Todos los episodios más queridos de la historia tienen un espacio respiratorio acorde y un manejo seguro: el manuscrito quemado, el casi ahogo de Amy, el elegante baile al que asiste Meg, la salida alarmada de Marmee hacia Washington cuando su esposo se enferma.

El arco más devastador es el destino de Beth, cuya naturaleza dulce y gentil es interpretada con subestimación y afectando la serenidad, incluso en su punto más bajo, por Eliza Scanlen. Esos acontecimientos más tristes se ven atenuados por algunas escenas hermosas, mientras vemos al abuelo viudo de Laurie, el Sr. Laurence (Chris Cooper) responder con ternura a Beth, invitándola a tocar el piano en su majestuoso salón cuando lo desee, y luego presentarle el instrumento en un gesto de generosidad conmovedora. Cooper es maravilloso al exponer la humanidad apagada de este hombre intensamente privado que ha sufrido una pérdida terrible. El actor lo abre en grados infinitos, comenzando con un disparo intensamente en movimiento mientras el Sr. Laurence se sienta en las escaleras sin ser observado, llorando en silencio mientras Beth toca.

Gerwig realmente muestra su profundo sentimiento por el material en la escena de la propuesta de Laurie a Jo, capturada por el cinematógrafo francés Yorick Le Saux contra los verdes crujientes de una ladera ondulada, con una clásica iglesia blanca de Nueva Inglaterra, estratégicamente la única estructura visible.

La química entre Ronan y Chalamet (quienes aparecieron juntos en Lady Bird) es encantadora en todo momento: invierte los tipos de género tradicionales, avanzando con certeza y determinación. Cuando finalmente él se declara, sentimos dolor por Laurie, observando su rostro y su postura desmoronarse mientras pronuncia desesperadamente palabras inútiles, defendiendo su caso antes de absorber el golpe aplastante de la negativa diplomática de Jo. Sin faltarle el respeto a las mujeres que dan actuaciones vividamente habitadas, las sorprendentes elecciones de Chalamet lo convierten en el verdadero destacado aquí.

Es un testimonio de la afinidad de Gerwig por los personajes de Alcott y la artesanía inteligente de su ensamblaje narrativo que, por mucho que alentamos a Jo y Laurie a cimentar lo que claramente es una combinación de mentes y temperamentos contrastantes, los retorcidos resultados románticos de la historia se sienten perfectos - aunque suavemente cepillados con melancolía por lo que podría haber sido. Aún más importante para este recuento es la aparición de Jo como escritora, con su incipiente carrera dada una forma tangible mientras observa las imprentas y las carpetas de libros produciendo la primera edición de la novela que da título a la película. La cronología de doble pista también deja más claro que nunca que los recuerdos de Jo de su educación alimentan el descubrimiento de su verdadera voz como artista.

Entre el gran elenco, Watson se desvanece un poco en el fondo, posiblemente porque la chica bonita y vivaz se abre paso tan temprano para la esposa completamente buena que se casó por amor, no por comodidad material. Dern a veces parece un poco contemporánea como Marmee, pero esto no le quita calidad al personaje. 

Como siempre, el personaje más complicado es Amy, una egoísta redimida por su incuestionable amor por sus hermanas. Pugh (también excelente este año en Midsommar) continúa demostrando ser un talento distintivo, manejando todas las contradicciones engañosas del papel con gracia desarmadora, humor y una racha deliberada que se convierte casi imperceptiblemente en sabiduría. También hay una buena percepción del personaje en su ausencia de autocompasión cuando Amy toma la decisión de abandonar la pintura después de darse cuenta de que nunca será una gran artista. Su negativa a hacer cualquier cosa a medias le da al personaje una fuerza innata que contrarresta sus cualidades más fugaces. E incluso en su momento más desagradable, ella sigue siendo entrañable, obteniendo la línea más divertida de la película cuando jadea por cabello cortado de Jo, exclamando: "¡Jo, tu única belleza!". A pesar de mi gran miedo por este personaje, hay una novedad en su encarnación, y es cómo la misma Amy explica lo cansada que está de ser una segunda opción en todo, incluyendo la elección de Laurie después del rechazo de Jo.

Sin embargo, nunca hay ninguna duda de que Ronan está al mando, tanto en términos de conducir la historia como de la posición exaltada que ocupa dentro de su familia. La costurera Jacqueline Durran la viste con elegantes camisas de época, corbatas, abrigos y chalecos, con sombreros tricorne y atuendos militares para las escenas de actuación. Está llena de fuego, con sus trenzas salvajes volando en la brisa, descaradamente despreocupada de las reglas que dicen que lo máximo a lo que una mujer joven debe aspirar es al amor y al matrimonio. Y hay un intercambio intergeneracional encantador en el que Marmee le confiesa a Jo que ella también tiene un temperamento que brota dentro de ella, pero que ha aprendido a controlarlo. En lugar de instar a Jo a hacer lo mismo, admira la franqueza sin filtro de su hija. Sin embargo, hay un momento muy importante para Jo que nunca había sido explorado, y es cómo esta temperamental y ambiciosa escritora sigue deseando cosas que para muchos de la audiencia parecerán extrañados, como ser amada o tener una familia. 

La dirección de Gerwig tiene un ritmo agradable a lo largo de su tiempo de ejecución de dos horas y cuarto, con un ágil trabajo de cámara y edición que sugiere el vigor de la juventud y la urgente sensación de descubrimiento que viene con la edad adulta. La exuberante composición de Alexandre Desplat es un poco grueso, pero incluso eso parece apropiado para una historia cuyos sentimientos siempre se basan en una emoción genuina.

Gerwig ha tomado un tesoro perenne de la literatura popular estadounidense y lo ha reformado para una nueva generación, lo que debería darle a la cautivadora película una larga vida útil, al punto que cuando hable de Little Women, ya no solo haré referencia del libro.

Isle of Dogs

Después de que todas las mascotas caninas de Megasaki City sean exiliadas a una isla que es un vertedero, un niño de 12 años emprende un viaje para buscar a su perro extraviado. (FILMAFFINITY)

En un Japón distópico, el virus de la gripe se esparce por toda la población canina de Megasaki. El alcalde decide exiliar todos los perros a Trash Island, cariñosamente denominada como Ciudad de Perros. Mientras algunos tratan de encontrar una cura para esta enfermedad, el resto de la población se ha unido a la causa del exilio de los perros, sin importar cuales perros sufren de la gripe o no.

En la isla, los perros se dividen por clanes y territorios. Chief, un perro que (según él) siempre vivió en las calles, es el líder de un grupo de perros domesticados "con collar", quienes pelean contra quiensea por las bolsas de basura que lanzan a la isla, en busca de posibles residuos de comida.

Un día, una pequeña avioneta aterriza a la isla. Su piloto, un niño de 12 años, le pide al grupo de Chief que lo ayuden a encontrar a su perro Spots. El grupo acepta la aventura, excepto por Chief, que siempre se ha negado al amor humano. Mientras inicia la búsqueda alrededor de la isla, la amistad de Chief y el niño comienza a crecer; no obstante, los planes malignos del alcalde de Megasaki contra la Ciudad de los Perros se cruzan por el camino de nuestros aventureros, quienes deberán idear un plan para salvar todos los perros de la isla.

Wes Anderson es un cineasta que siempre ha tenido un estilo muy bien marcado de contar historias, tanto en sus guiones como en la cinematografía. Quien no es fanático de Wes Anderson quizás no se sienta atraído, pero es una forma que se ha convertido en un arquetipo del cine y permiten reconocer sus películas con facilidad, al punto de que es una tendencia y quienes sí son fanáticos lo imitan.

Pero si dejamos a un lado la ideología de su cineasta, Isle of Dogs es una historia que puede ser utilizada como un ejemplo de un guión completo. Tiene personajes memorables y muy particulares, que no solo son graciosos, sino que tienen complejos y que crean conflictos inimaginables en la trama (lo cual, siempre es bueno).

Es una historia donde la única confusión es quién es el verdadero villano de la historia, y es un "misterio" que no afecta pues no es algo que ya no hayamos visto en otras películas. Es graciosa, pero no al exceso de convertirse en una comedia, sino al punto de tratar de darle un lado amigable a una historia que trata sobre abuso animal y desigualdad.

En fin, es completa, pues desarrolla cada una de las tramas que introduce, les da final lógico y no te deja con esa inquietud de "¿pero qué pasa después?", sino que deja ese buen sabor en la boca de que no has desperdiciado 1 hora y media de tu vida.

Desde el punto de vista cinematográfico, es visualmente sorprendente, principalmente por el hecho de que ha sido realizada con el método de stop-motion; sin embargo, se ve tan fluida, donde debe destacarse el trabajo de cada uno de los animadores que trabajaron en este proyecto, por la naturalidad que le dieron a cada acción de los personajes, desde las peleas de perros hasta las lagrimas derramadas. La técnica "Wes Anderson" está bien acentuada en la elección de planos, pues a pesar de que parezcan muy estáticos, es algo que ya hemos visto en la mayoría de sus películas.

La musicalización, realizada por el compositor Alexandre Desplat, reciente ganador al Oscar por Mejor Banda Sonora, es pegajosa y se mantiene a lo largo de la película, creando momentum en cada una de las situaciones de los personajes y cediendo indicios de las emociones de los personajes y sus posibles decisiones.

Esta película es arte en su máxima expresión. Es una historia que habla de problemáticas sociales que no son extrañas para la audiencia, pero que a través de su humor, entretiene y se convierte en una película atractiva. Nadie, ni siquiera los Anderson-haters, puede perderse esta película. Recomendada para todo público.