Crítica Cinéfila: Saltburn

Mientras lucha por encontrar su lugar en la Universidad de Oxford, el estudiante Oliver Quick se ve arrastrado al mundo del encantador y aristocrático Felix Catton, que le invita a Saltburn, la extensa finca de su excéntrica familia, para pasar un verano inolvidable. 

La descarada sátira en un golpe de clase de Emerald Fennell, "Saltburn", huele a una variedad de erotismo literario. Pero si recuerda algo visualmente, es ese retrato icónico de David LaChapelle de Alexander McQueen e Isabella Blow afuera de un castillo de Hedingham que ha sido incendiado: Fennell está en esa especie de modo de explosión, y el resultado es un viaje narrativamente entretenido y ruidoso protagonizado por un formidable Barry Keoghan en modo despreocupado.

No es tanto la historia lo que te dejará boquiabierto sino su audacia. Su primera película, "Promising Young Woman", no tenía miedo, era perversa y emocionante, y lo mismo ocurre con "Saltburn". Algunos han dicho que es Brideshead envuelta en maldad, con vibraciones de Tom Ripley, y es eso, pero Fennell es más atrevida que incluso Waugh o Highsmith. Al ver esta película probablemente quedará sin aliento en ciertos momentos. Es intrépido y embriagador.

Keoghan interpreta a un estudiante de primer año de Oxford, Oliver Quick; estamos en 2006. Los colores del director de fotografía Linus Sandgren están ricamente saturados y la música de apertura entona los Himnos de la Coronación ('Zadoc The Priest') sobre créditos que utilizan fuentes medievales y gritan 'diversión por venir'. En adición a representar la época desde los primeros planos, Fennell ahora utiliza el término 'cine pop' para definir su trabajo, y esta es una película oscuramente divertida que debería captar la atención de los premios por la actuación de Keoghan, sin mencionar el giro ricamente cómico de Rosamund Pike. Es posible que algunos matices sociales británicos no se transmitan tan bien si no entiende la cultura, pero hasta el más desconectado de la cultura se llevará algunas indirectas.

Fennell tiene en mente trasladar "Brideshead" a tiempos más modernos a través de su estudiante de Merseyside, Oliver, quien llega a Oxford y se da cuenta de que el orden social allí ha sido inamovible desde la escuela preparatoria, y él no está incluido. Comparte tutor con el lacónico Farleigh (Archie Madekwe), quien es el primo del magnético personaje de Felix Catton (el actor australiano Jacob Elordi), y con quien eventualmente se cruza en su auxilio por una bicicleta rota en lugar de por un exceso de alcohol. La historia de Oliver sobre padres drogadictos y una infancia bajo cuidado finalmente se gana la simpatía de Félix, quien invita a su nuevo amigo a pasar el verano en su casa familiar en Saltburn.

Fennell comienza a deshacerse de Waugh una vez que la producción llega a esta casa señorial, y hay una sección central donde la película es completamente divertida gracias a los anfitriones de Saltburn, Lady Elspeth Catton (la maravillosa Rosamund Pike) y Sir James (Richard E. Grant). Este es puramente el mundo del escritor que nos dio "Promising Young Woman", con sus mordaces observaciones y su asombrosa franqueza. Su propia experiencia personal en este entorno sin duda ayuda, mientras examina a los parásitos y dependientes de Saltburn, en particular a la siempre rehabilitada 'poor dear Pamela' (Carey Mulligan). Dan la bienvenida cautelosamente a Oliver a su redil como su último proyecto favorito. El clan también incluye al primo empobrecido Farliegh y a la hermana 'sexualmente inconstante' de Félix, Venetia (Alison Oliver), que también sufre de bulimia.

Después de una cena particularmente barroca en la que los ricos prueban el karaoke, Fennell enciende la iluminación en modo homoerótico y comienza a quitarse los guantes. De repente, Oliver está trabajando en la habitación, en más de un sentido, sin mencionar lamiendo la bañera hasta dejarla limpia. Su obsesión por Félix no está consumada, por lo que se acerca a Farleigh y también a Venetia. "Saltburn" no es corta, pero es siempre entretenido. Fennell toma algunas decisiones audaces en esas dos horas sobre dónde pasa su tiempo: en particular, un rápido corte narrativo al final parece cruel pero, cuando el sacrificio conduce a la secuencia final más entretenida que verás este año, todo puede ser perdonado. La clave del éxito de la película es la elasticidad de Keoghan: su rostro y sus ojos pueden cambiar con una sombra, y es imposible concebir que otro actor joven tenga la ventaja peligrosa para lograrlo todo. Es posible que parte de la lucha de clases no se traduzca tan bien en los mercados extranjeros, pero aquellos que lo entienden, lo sabrán.

Los espectadores que buscan porno de Oxford o de casas de campo pueden estar menos satisfechos: la producción de Fennell lo toma como leído, en lugar de insistir en los detalles visuales. Felix puede señalar a Rembrandt y Holstein, y así es como se ilumina gran parte de la película, pero la cámara está más interesada en Keoghan y Pike e incluso en el agua del baño de Felix que en los jardines o los picnics. La ubicación de la finca en la que saltó Saltburn se mantiene oculta a petición de sus propietarios, y no está claro si el laberinto en forma de Shining, en el que empiezan a aparecer alas y cuernos de ángel, está adjunto a ella. Quizás nunca lo sepamos. "Saltburn" no es imprescindible en la pantalla grande por las localizaciones o las tomas en la hora dorada, sino porque es oscura y divertida, y el tipo de película que el público más joven debería ver. De esa manera, debería continuar para siempre.

Crítica Cinéfila: Barbie

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.

¿Quién diría que "Barbie" comenzaría con un homenaje a “2001: A Space Odissey” de Stanley Kubrick? Un amanecer deslumbrante se extiende sobre un desierto árido, poblado exclusivamente por niñas de ojos tristes de la era del Dust Bowl y sus muñecas que no parpadean, mientras Helen Mirren nos narra cómo era la vida antes de Barbie. No solo era aburrida, sino que era limitada. Para tantas niñas pequeñas, las muñecas eran solo muñecas bebés, lo que significaba que su tiempo de juego solo podía girar en torno a la maternidad, la servidumbre y nada de diversión.

Pero así como los simios de Kubrick finalmente se encontraron con un monolito alienígena que cambió por completo su mundo y su visión del mundo, las niñas de Greta Gerwig están a punto de encontrarse con una nueva entidad que alterará el mundo y les distorsionará su manera de pensar: una gigante, incluso se podría decir monolítica, muñeca Barbie, en la forma de una sonriente Margot Robbie, equipada como la primera muñeca Barbie jamás hecha. Ahí es donde comienza la "Barbie" divertida, feminista y tremendamente original de Gerwig. Solo se volverá más grande, extraña,` inteligente y mejor a partir de ahí.

Imagine, si puede, un mundo dividido en dos tras el lanzamiento de la primera muñeca Barbie en 1959. Está el mundo real (conocido en la película como, por supuesto, "El mundo real"), y luego está la aparentemente idílica "Barbie Land", que existe bajo la premisa de que la invención de Barbie (la muñeca) tuvo un impacto tan drástico, tan completo y tan positivo en el mundo real que ella (la muñeca) básicamente resolvió el feminismo. Por lo que saben las Barbies (y los Kens) que pueblan Barbie Land, el mundo real es un lugar maravilloso para las mujeres (porque Barbie Land lo es en gran medida), y el mundo femenino en el que felizmente frecuentan es solo un reflejo de lo que sucede en el universo real.

En Barbie Land, son las mujeres las que gobiernan (Issa Rae es la presidenta Barbie, Alexandra Shipp es la escritora Barbie, Emmy Mackey es la física Barbie, la lista sigue). Y ¿los Ken? Sí, también están ahí. Pero se llama Barbie Land por una razón. Y aunque todas las Barbies son igualmente talentosas, realizadas, felices y libres, para el propósito de "Barbie" de Gerwig, nuestra atención se centra en una que está a punto de emprender un viaje muy inesperado: estereotipada Barbie (Robbie).

Esta Barbie (como, al parecer, todas las Barbies) tiene un gran día todos los días. Su Ken estereotípico (un Ryan Gosling desquiciado) solo tiene un buen día cuando Barbie le presta atención, y Barbie está bastante ocupada. Gerwig nos guía a través de un día típico de Barbie con meticulosa atención a los detalles. La casa de sueños de Barbie no tiene ventanas, ni escaleras que funcionen, ni agua corriente. Puede llegar a donde quiera ir simplemente saltando (al igual que una niña puede mover su muñeca, llevándola de un lugar a otro sin mucha lógica). Sus manos están rígidas. Su comida es inexistente. Su vida es perfecta. La dedicación de Robbie a la mordaza, junto con sus coprotagonistas Rae, Shipp, Mackey, Hari Nef y Nicola Coughlan, es profunda, y vale la pena.

Pero hay grietas en la fachada de Barbie Land. (Por ejemplo, si Barbie Land realmente es tan feminista, ¿por qué los hombres son tratados como ciudadanos de segunda clase y con ideas tardías?) Pronto, nuestra propia Barbie estereotipada sufrirá. Sus pies se vuelven planos, en sus muslos aparecen celulitis y en su cerebro comienzan a irradiar pensamientos de muerte. De alguna manera, al parecer, la angustia del mundo real se ha filtrado en Barbie (la angustia general parece haberse filtrado en Ken hace mucho tiempo), y solo Weird Barbie (Kate McKinnon) puede guiar a esta Barbie hacia la verdad.

Para encontrar la verdad deberá ir al mundo real y reparar la grieta temporal que mantiene a Barbie Land y el mundo real claramente diferentes. Y mientras que Barbie, inicialmente resistente al destino que tiene por delante, finalmente acepta el desafío con brío y vigor, las preguntas comienzan a acumularse: ¿Cuán diferentes son Barbie Land y el mundo real? Si lo que sucede en el mundo real puede afectar a Barbie Land, ¿también puede ser al contrario? ¿Y por qué está Ken en el asiento trasero del auto rosa de Barbie mientras se dirige directamente a Los Angeles/mundo real?

Una vez en el mundo real, las realizaciones gemelas de Barbie y Ken de cómo es en realidad se desarrollan a un ritmo desigual. Barbie está confundida por el comportamiento de todos, no solo de los hombres que la miran lascivamente y de las mujeres que se burlan, sino especialmente el de Sasha (Ariana Greenblatt), una adolescente atrevida que ella cree que es su dueña desde hace mucho tiempo, la misma persona que sufre una angustia tan profunda que desgarra un agujero entre el Mundo Real y Barbie Land. Gerwig y el coguionista y socio de mucho tiempo, Noah Baumbach, levantan constantemente el velo (o, según sea el caso, rasgan su propio tejido temporal) mientras Barbie se ve acosada por la verdad del mundo real (no feminista), Barbie Land (tampoco feminista), y su lugar en ambos.

Ken, mientras tanto, está vivo.  Cuando Barbie, en lo más profundo de sus pensamientos, envía a Ken a dar un paseo, el soñador termina deambulando por Century City de Los Ángeles donde se pone al día con cómo realmente funcionan las cosas. ¡Los hombres gobiernan y el patriarcado es muy real! Ken también cree que la masculinidad y el patriarcado están indisolublemente ligados a los caballos, lo que conduce a todo tipo de divertidas confusiones y maravillosos chistes visuales, todo lo cual Gosling ofrece en un discurso cómico al nivel de los Oscar.

La aventura de Gerwig y Baumbach en el mundo real es absolutamente necesaria: desbloquea la tesis de la película después de asediarnos con diversión, nos da a la querida Greenblatt y su madre Gloria, obsesionada con Barbie (America Ferrera), y permite que Will Ferrell se vuelva muy extravagante como el loco CEO de Mattel. Sin embargo, no es tan divertido, fantástico y entretenido como el rico mundo de Barbie Land: ese es el punto. Afortunadamente, regresamos allí lo suficientemente pronto, aunque ha sido enormemente alterado por la fuerza total de un Ken que regresa (y, nos atrevemos a decirlo, con una píldora roja), quien usa toda su nueva ira masculina y poder patriarcal para cambiar lo que era una vez un idilio impulsado por una dama. Mientras Barbie está teniendo un mal día.

¿Qué esperanza hay para Barbie Land? ¿Qué esperanza hay para el mundo real? ¿Y Barbie realmente puede salvar a ambos esta vez, completando con un mensaje genuino de feminismo? Las formas en que Gerwig y Baumbach resuelven esas preguntas engañosas son solo una parte de la alegría de la película, que se mantiene en un nivel muy alto, incluso cuando se trata de preguntas embriagadoras y pesadas. En el camino, Gerwig y Baumbach encuentran humor y matices en todo, desde la mini-nevera hasta el éxito de Matchbox Twenty "Push", el impulso masculino de explicar "El Padrino" a la Corte Suprema, los límites del feminismo moderno a las luces de neón. Patines. La muñeca Barbie quizás no lo es todo, pero "Barbie" lo es todo. Gerwig, como siempre, ha reunido un elenco de apoyo estelar. Todas las Barbies están encantadas, pero los Ken, muy apropiadamente, lanzan un verdadero ataque furtivo, especialmente Simu Liu y Kingsley Ben-Adir, y Michael Cera casi se lleva todo el asunto como el compañero singular Allan. 

También hay una fila de talentos innegables detrás de cámara: se pueden escribir y se escribirán obras de análisis sobre el diseño de producción de Sarah Greenwood y el vestuario de Jacqueline Durran. Pero el verdadero análisis se lo merece el mensaje de la película. Aunque la paleta de colores rosa brillante y el estilo de diálogo ingenuo establecen un tono "no tan serio", esta metacomedia se sumerge en una exploración existencial intensa. Inspirándose en Wings of Desire (1987) de Wim Wender y su estructura narrativa de “conversaciones con un ángel”, Barbie se convierte en un ángel figurativo que desciende del cielo para comentar sobre el estado de la humanidad, en toda su belleza y fealdad.

Parte de la magnificencia de esta hazaña radica en la dificultad de combinar elementos contrastantes en una historia fluida. Barbie cruza la línea entre el sarcasmo y el sentimentalismo con tanta facilidad. La tontería de la charla de Barbie combina bien con la tontería del mundo real dirigido por Will Ferrell, pero complementa los momentos desgarradores entre Gloria y su hija Sasha. Barbie es un enfoque metamoderno para diseccionar la posición del juguete en el mundo y cómo se relaciona con las formas en que construimos nuestras propias identidades. Barbie se pone un espejo ficticio a sí misma como una forma de revelar más sobre quiénes somos colectivamente.

El empleo de Ruth Handler representa uno de los aspectos más destacados y las deficiencias de la marca Barbie, ya que llama la atención sobre todo el espectro de quién es ella. Ruth revela que Barbie lleva el nombre de su hija Barbara, lo que enfatiza la dinámica madre-hija que impregna la trama. Y también se burla de sus propias faltas, bromeando brevemente sobre sus episodios de evasión de impuestos, lo que finalmente la llevó a renunciar a la empresa en 1974. 

Esto nuevamente hace eco del tema principal de esta película: aceptar todo sobre ti, defectos y todo. Al incluir versiones descontinuadas de las muñecas Barbie y Ken, además de incorporar nuevas ediciones como Cellulite Barbie, Gerwig resalta los vergonzosos aspectos negativos que la compañía trata de ocultar. Al aceptar estos "errores" de frente, Gerwig llama la atención sobre lo que esta muñeca ha significado para nuestra sociedad, como un barómetro de la política de género, como un reflejo de cómo nos representamos a nosotros mismos y como un personaje por derecho propio a pesar de ser una idea para tantos.

Con un tono satírico reflexivo, una estética inolvidable y un discurso completamente inesperado (pronunciado por una de las actrices más icónicas para el empoderamiento femenino y autoestima de toda una generación), sin duda, aún en la vida real, es el mundo de Barbie y todos vivimos en él.

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Babylon

Ambientada en Los Ángeles durante los años 20, cuenta una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.

Con la temeraria y obscena “Babylon”, el director Damien Chazelle lanza una mezcla de amor y odio a la misma ciudad que describió tan obsesionadamente en “La La Land”. Separadas por nueve décadas y casi un océano de cinismo, es muy poco creíble que las dos películas ambientadas en Tinseltown hayan surgido de la misma cabeza; nunca sospecharíamos que lo habían hecho, si no fuera por la partitura ocupada de su eterno colaborador musical, Justin Hurwitz. Aquí, Chazelle hace retroceder el reloj a los estridentes primeros días de Hollywood, específicamente, la transición del cine mudo al cine sonoro, cuando la industria aún estaba fresca y averiguando qué podría ser.

Reuniendo a las estrellas de "Once Upon a Time in Hollywood" Margot Robbie y Brad Pitt, junto con el recién llegado Diego Calva, la película sigue a tres personajes, y varios otros que se aferran a estos parásitos drogados y atrapados en la atracción de carnaval desquiciada que siempre ha sido la cultura americana. ¿Ha habido algún momento en que Hollywood no haya estado en transición? Cambia a diario, en la medida en que "Babylon" se siente como la última opción para observar esa misma transición: es extravagante, bizarra, irrazonablemente larga y costosa.

Desde la fiesta saturnaliana del mundo del espectáculo que da la introducción a la historia —una bacanal completamente libertina e impresionantemente escenificada hasta el montaje encantadoramente cheesy con el que culmina esta locura vertiginosa de tres horas, Chazelle exige que veamos la historia del cine con ojos diferentes. Bien. Hollywood no era la industria inocente y asexual que un clásico como "Singing in the rain" describió con tanto cariño. Pero esas películas brindan mucho más placer que esta, que desgasta escena tras escena, mientras pretende dejar las cosas claras.

Al expandir el marco, no solo a la gloriosa pantalla ancha anamórfica, sino también para incluir las tribulaciones de los personajes negros, latinos y asiáticos tan a menudo marginados, el ambicioso director no recrea tanto el Hollywood clásico como lo revisa selectivamente. A juzgar por el final bizarro, “Babylon” se presenta como el desenlace de todo lo que ha venido antes, un éxtasis del propio potencial del medio, y de hecho, es una experiencia que no será superada fácilmente, en este o cualquier año. Pero eso no la hace genial o incluso particularmente coherente.

Chazelle nos deja saber desde el principio el tipo de imagen que tiene reservada cuando un elefante alquilado vacía sus entrañas sobre un desafortunado domador de animales (y, dado el lugar donde se coloca la cámara, sobre nuestras cabezas también). Ese escandaloso espectáculo se ve rematado instantáneamente por una escena pervertida en lo que podría ser el dormitorio de Fatty Arbuckle, mientras un corpulento cómico mudo espera vertiginosamente su lluvia dorada. Más tarde esa noche, la estrella que lo complació morirá de una sobredosis de drogas, lo que obligará a un reparador desesperado del estudio (Flea) a recurrir al empleado mexicano Manny Torres (Calva) para que sea creativo y se deshaga del cuerpo. Los personajes principales y secundarios mueren constantemente en "Babylon": no menos de ocho en el transcurso de la película, permitiendo una lluvia de obituarios al final; pero el tono se eleva a un extremo tan satírico que nadie lo registra emocionalmente.

Chazelle esencialmente ha orquestado una caricatura de acción en vivo, vulgar y ruidosa, y aunque a veces es emocionante presenciar el puro virtuosismo de su puesta en escena, las actuaciones están por todas partes. "Babylon" carece dolorosamente de un punto de vista. Manny es lo más parecido que ofrece la película a un representante de la audiencia, comenzando como un extraño con los ojos ambiciosos, deseoso de ser parte de la industria, y avanzando hasta llegar a un puesto ejecutivo en el estudio. Pero cuando la fuerza de la naturaleza, Nellie LaRoy (Robbie), le pregunta por qué quiere estar en el mundo del espectáculo, lo mejor que Manny puede decir es: "Solo quiero ser parte de algo más grande, supongo".

Casi todos los personajes principales obtienen un monólogo de por qué las películas importan, pero casi todos están mal escritos. Uno de ellos viene de la estrella de cine Jack Conrad (Pitt, presentándolo como un protagonista romántico al estilo de John Gilbert) quien pregunta: “El hombre que pone gasolina en tu tanque va al cine, ¿por qué? … Porque allí se siente menos solo”. Estos discursos pretenden evocar la poderosa influencia que las películas tienen sobre nosotros, tanto como espectadores y, en el caso de estos personajes, como almas incompletas que darán cualquier cosa por ser parte de ellas. 

Al igual que "The Day of the Locust" antes, "Babylon" tiene más éxito cuando su atención se centra en el deseo devorador de sus estrellas, Manny, Nellie y Jack, de verse a sí mismos en la pantalla. En un momento temprano, todos trabajan para el estudio Kinoscope, y Chazelle nos lleva al set para un día de rodaje. Él escenifica una secuencia de planos elaborados, donde vemos múltiples producciones arrancando una al lado de la otra en un campo abierto. En un extremo, hay una escena de batalla masiva filmada con cientos de extras; por el otro, Nellie hace su debut en la pantalla, invocando una lágrima para un primer plano.

La testigo de todo es una columnista de chismes llamada Elinor St. John (Jean Smart), que dicta sus despachos desde la barrera. Es un personaje curioso, una Hedda Hopper adelantada a su tiempo, aunque es la más elocuente. Su discurso de "por qué se rieron" es la mejor escena de una película llena de escenarios mucho más vistosos. Temprano en la película, Elinor será contratada por el estudio como una especie de entrenadora de modales para Nellie, lo cual no tiene sentido, pero tampoco lo tiene la idea de que una mujer bisexual llamada Lady Fay Zhu (Li Jun Li), inspirada libremente por Anna May Wong, se desempeña como cantante de cabaret por la noche pero paga sus cuentas pintando intertítulos.

La hora intermedia de la película, que encuentra a Jack y Nellie adaptándose al advenimiento del sonido en el cine. Chazelle apila una gran pieza tras otra, una estructura de collar de perlas, con la comedia obscena más que la música como el foco de cada una, luego pasa a la siguiente escena, a menudo con un estallido de jazz a todo volumen. Se podría argumentar que el trompetista negro Sidney Palmer (Jovan Adepo) también es uno de los personajes principales de la película, aunque obtiene una parte mucho más anémica de la trama y podría haber sido cortado por completo sin cambiar mucho la química de la película. Mientras que todos los demás personajes reciben presentaciones sobrescritas, Sidney hace su entrada en el escenario, tocando su trompeta, y con esto Chazelle demuestra lo obsesionado que está con el jazz. O tal vez el editor Tom Cross se enfrenta a demasiados hilos.

Hay una mirada de otros personajes extravagantes en un conjunto vertiginoso que toma prestado más de lo razonable de otros directores. Esa gran fiesta de apertura, por ejemplo, parece ser la forma en que Chazelle supera a "Nueva York, Nueva York", aunque carece del instinto de Scorsese de privilegiar los personajes por encima de los movimientos de cámara. Hacia el final, un traficante de drogas en el set que se hace llamar "El Conde" (Rory Scovel) mete a Manny en un lío con un gángster nervioso (Tobey Maguire). Allí inicia una secuencia del país de las maravillas en "Boogie Nights", hasta que toma un giro trastornado que sugiere la escena "Gimp" de "Pulp Fiction".

En su libro “Hollywood Babylon”, Kenneth Anger revela los secretos de las estrellas de la Edad de Oro. "La gente del cine de la época se representa participando en alocadas e ininterrumpidas travesuras fuera de la pantalla", escribe. “La leyenda pasa por alto un hecho: el miedo. Ese miedo erótico y emocionante siempre presente de que el fondo podría caerse de sus sueños dorados en cualquier momento”. Chazelle toma prestado tanto su título como esa pizca de sabiduría de la vulgar narración de Anger, centrándose en un fenómeno alarmante de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930 —antes de que nadie se atreviera a etiquetar tal entretenimiento como "arte"— en el que tantas personas involucradas en la industria cinematográfica sacrificaron sus propias vidas con tan solo ser parte de ella.

Chazelle ama las películas y no parece reprocharle a la industria que sus primeros días fueran tan sobrios. En cambio, celebra la sexualidad descarada de la época, tanto en la pantalla como entre adultos que lo consienten. Pero, ¿quiere el público ver a Nellie casada con Manny, que se vuelve cada vez más gritón y beligerante a medida que avanza la película? Chazelle se muestra deliberadamente ingenuo sobre las dinámicas de poder que hacen que el Hollywood clásico sea tan problemático para los estándares contemporáneos. “Era el lugar más mágico del mundo, ¿no?” Jack bromea con un personaje que mantiene su dignidad, a pesar de ser tratada como una cortesana. En lugar de sonar melancólico, la línea parece sorda, como si Chazelle estuviera pidiendo "Hacer que Hollywood vuelva a ser grandioso" a ese mismo nivel.

Crítica Cinéfila: Amsterdam

Epopeya romántica sobre tres amigos que se ven envueltos en una de las tramas secretas más impactantes de la historia de Estados Unidos. 

Desde hace un tiempo, David O. Russell ha sido el tío problemático de la industria, seguro de entretener y molestar en igual medida, dependiendo de lo que uno esté dispuesto a pasar por alto cuando se está haciendo la película. El hecho de que el guionista y director nominado al Oscar vuelva a participar en la comedia de aventuras de época "Amsterdam" después de siete años (desde "Joy" de 2015) indica que Hollywood está dispuesto a soportar los recordatorios de sus problemas de conducta y a apostar sobre la receta del poder de las estrellas, la inteligencia emocional y la farsa provocativa que forjaron "Flirting with Disaster", "Silver Linings Playbook" y "American Hustle".

Sin embargo, solo el primer ingrediente está en evidencia con "Amsterdam", y ni una alta dosis de Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Zoe Saldana, Anya Taylor-Joy, Rami Malek, Robert De Niro o Michael Shannon, pueden sacar este género sin gracia de su tropiezo narrativo hacia la relevancia contemporánea.

Al principio, la historia inicia en Nueva York en 1933, y se siente que se está gestando una imagen excéntrica de amigos, centrada en temas de integración y el trato a los veteranos. El personaje de Bale (y semi-narrador) es Burt Berendsen, un médico desaliñado, mitad católico, mitad judío, centrado en nuevos medicamentos para soldados heridos de la Gran Guerra como él (quien perdió un ojo) y separado de su esposa de Park Avenue, consciente de su estatus.

Respondiendo a una llamada de su amigo abogado Harold (Washington), un compañero veterano, la pareja se ve envuelta en desentrañar la misteriosa muerte de un general respetado (Ed Begley Jr.) que estaba programado para hablar en el evento de reunión de veteranos. La elegante hija del general (Swift, también describiendo su apariencia) sospecha de un crimen, lo que resulta cuando Burt y Harold se convierten en el objetivo de una investigación criminal dirigida por dos detectives (Schoenaerts y Nivola).

Pero luego retrocede a la Europa de 1918 y a un bromance empapado de sangre pero jovial sobre la curación y la libertad que detalla los orígenes de la amistad de Burt y Harold en un hospital del ejército francés, y su vínculo con la atenta y seductora enfermera Valerie (Robbie) para vivir una vida de arte, invención y amor en la bohemia Ámsterdam. También se conoce a un par de maestros espías aliados (Myers y Shannon), y la peculiaridad forzada, el estilo caótico y la química débil, especialmente entre Washington y Robbie, parece una preocupación más apremiante que si se está contando una historia coherente.

La sobrecarga de personajes y la complejidad de la trama alcanzan niveles críticos cuando es 1933 nuevamente. Malek y Taylor-Joy aparecen como una pareja adinerada con un gran interés en ayudar en la investigación de Burt y Harold, y De Niro emerge en el modo de anciano estadista como un general condecorado que puede ser la clave para exponer una infame conspiración. Pero en este punto, el giro hacia el thriller con una revelación malvada se siente como un mal trabajo de prótesis en un paciente. El mensaje torpe de Russell llamando a la diligencia en tiempos de paz en un mundo dividido con respecto al nexo de poder, dinero e influencia juega como una ocurrencia tardía subrayada en los márgenes de un guión que de todos modos no se estaba utilizando. Saber, cuando comienzan los créditos finales, que el personaje de De Niro está basado en una figura militar real de alguna consecuencia histórica entre las guerras hace poco para reconfigurar en nuestra mente el tedioso lío que acaba de concluir.

La marca de Russell de locura inspirada en Sturges siempre ha sido un acto de energía y tono de cuerda floja, pero "Amsterdam" ni siquiera se siente como un fracaso. Es descuidado y desconectado, repleto de personajes apenas dibujados que actúan como locos en medio de los años 30 cuando la cámara sin amarres de Russell y la edición discordante fuerzan el problema en lugar de capturar algo genuino que, incluso con un elenco tipo A, claramente no estaba allí para empezar. Sin embargo, Bale tiene sus momentos, y él y la enfermera de autopsias de Saldana comparten algunos repletos de vulnerabilidad que insinúan que una narrativa más enfocada habría servido mejor este enfrentamiento.

La deriva ingenua de Russell también se extiende a las áreas técnicas, ya que esta puede ser la película con peor aspecto de la carrera histórica del director de fotografía Emmanuel Lubezki: el pasado representado con un papel implacablemente plano, de color marrón grisáceo que embota los sentidos y crea una similitud visual en todos los continentes, las locaciones y los interiores cuidadosamente auténticos de la diseñadora de producción Judy Becker.

Cuando está trabajando a toda máquina, Russell puede organizar una fiesta acogedora y maravillosamente tensa, y claramente quería la misma vibra de "Amsterdam", ya que trata de valorizar la amistad y el amor mientras señala con el dedo una gran cantidad de males sociales. En cambio, cada escena se siente como una improvisación incoherente ensamblada apresuradamente después de que los miembros de la audiencia gritaran a la pantalla.

Crítica Cinéfila: Suicide Squad

Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

"Suicide Squad” es una diversión astutamente accidentada y de mala reputación. Y aunque amo Guardianes de la Galaxia de James Gunn, no puedo decir que me emocioné de saber que dirigiría esta película. El hecho de que Gunn, en 2018, fue retirado de proyectos por bromas de mal gusto que había twitteado una década antes sobre temas como agresión sexual, SIDA, pedofilia y el Holocausto, significaba quizás que mientras salía de un lugar, otro lo acogía. Se salvó al conseguir el proyecto para dirigir "The Suicide Squad". 

Es en un mundo de remakes y reinicios y reciclado lo que sea, "The Suicide Squad" es algo raro: una repetición. En 2016, "Suicide Squad" se lanzó bajo la bandera de DC y se convirtió en un gran éxito, pero fue un desastre visiblemente descuidado, a medio cocer cubierto de "mala actitud" que llevaba demasiado spray corporal. Tenía un tono muy corporativo: sonriente y vistoso acerca de su propia extravagancia.

Esta 2da película de “The Suicide Squad” lo hace mejor, perfeccionando esa actitud pícara a un borde de indignación mucho más elegante. Es una historia de origen de un equipo de desaliñados que se siente honestamente sumergida en el inframundo de la subcultura punk, y toma por toma, está hecha con un ingenio que hace honor al género de Ghostbusters. En esta película, que Gunn escribió y dirigió, su mente aparece como un lugar feliz de bromas enfermizas de baja escala, no tan salvaje como el tipo de cosas que obtuvieron en "Deadpool" o las partes más extravagantes de "The Dark Knight", pero impulsado por un vigorizante abrazo atemporal. La película es, entre otras cosas, una comedia salpicada de sensacionalismo depravado, con cabezas y cuerpos arrancados, cortados y reducidos a la carne equivalente al trabajo de celosía. Y además de eso, hay muchas ratas.

Dejando de lado el marketing, la forma en que entra en juego el escándalo de James Gunn en “The Suicide Squad” es más incendiaria y atmosférica de lo que cabría esperar. Con "Guardianes de la Galaxia", Gunn se convirtió en uno de los cineastas más poderosos de Hollywood: no solo otro rey de las taquilleras, sino algo que no ves todos los días. Su caída, en 2018, fue potencialmente catastrófica. Y debido a que Gunn es un tipo humano que se adueñó plenamente de los errores que había cometido, no solo tuvo una segunda oportunidad; tuvo la oportunidad de hacer un balance. Por un tiempo, estuvo en el desierto, y creo que sientes ese miedo de tocar fondo en "The Suicide Squad". Es una película sobre un grupo desesperado de criminales que intentan salvar el mundo, pero el mundo en el que viven es uno en el que la vida misma es totalmente desechable.

Todo esto está plasmado en la elaborada broma oscura de la secuencia de apertura de la película. Mientras se despliega "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, Viola Davis, como la directora dura de ARGUS Amanda Walla, llama a un asesino llamado Savant (Michael Rooker) en la prisión de Belle Reve para unirse a su último escuadrón suicida, más propiamente conocido como Task Force X: un equipo de estafadores violentos que reúne para misiones que probablemente resultarán muertos. Si una misión tiene éxito, se les recorta 10 años de su sentencia.

Savant termina en un avión con media docena de otros rufianes, que son entregados a una playa tropical en medio de la noche, donde uno del equipo, interpretado por Pete Davidson, los ha vendido y, efectivamente, terminan ametrallados por los disparos, tan muertos como los soldados en la playa de Omaha. Nuestros "héroes" ya han sido eliminados, lo que le permite a Gunn crear una secuencia de créditos asesina. Lo que hace que esto sea más que una broma descarada de inicio en falso es la forma en que establece el tono de nihilismo de la película. El "escuadrón suicida", tal como se presenta, no es un equipo icónico de superhéroes; es un cubo de basura infinitamente reemplazable de personajes: el equipo de superhéroes como picadera de entrada. Son prescindibles. Cuando nos encontremos con el equipo de errores homicidas que reemplaza al primero, estos serán nuestros héroes, pero somos conscientes, como lo son, de los grandes obstáculos que enfrentarán.

Gunn los reúne como una versión sinvergüenza de los Guardianes. Como Bloodsport, un mercenario con un complejo conjunto de armas que solo él puede usar (y una hija adolescente que lo odia), con la interpretación de Idris Elba quien toma un tiempo para enfocarse, pero asciende en autoridad a medida que avanza la película; su carisma se filtra en muerte por muerte, menosprecio por desprecio. John Cena está perfectamente elegido para interpretar a Peacemaker, un fortachón que viste un traje de Capitán América modificado y coronado por lo que parece un casco de metal de juguete (que Bloodsport, en un momento, compara con un inodoro), y dice cosas como: “Aprecio la paz con todo mi corazón. Y no me importa cuántos hombres, mujeres y niños tenga que matar para conseguirlo". Está King Shark, una especie de tiburón/humano pero con un cerebro muy reducido, junto con Ratcatcher (Daniela Melchior), que puede controlar a cualquier rata en medio, lo que asusta al Bloodsport quien tiene una fobia a las ratas.

Lo más parecido aquí a un superhéroe real es Polka-Dot Man (David Dastmalchian), aunque es uno profundamente deformado. Debido a un experimento que le realizó su madre científica quien trabajaba en Stars Lab (guiño a Flash), se llena de discos multicolores que tiene que expulsar como Tiddly Winks dos veces al día, y son letales. También es un naufragio edípico que, en su cabeza, convierte a cada persona que ve en su madre para matarla. Es una gran broma cuando Gunn visualiza esto, porque la madre (Lynne Ashe) parece el tipo de opresor Munchausen de clase media monótona que es peor que cualquier bruja.

Y luego, por supuesto, está Harley Quinn, la estrella emergente de “Suicide Squad”. Ella es la única miembro del Escuadrón que regresa aquí, y la deliciosa actuación de Margot Robbie te recuerda por qué sucedió todo eso. Su Harley sigue siendo una loca muñeca de Brooklyn que vive tanto en el momento que ve lo que está justo frente a ella a expensas de ver cualquier otra cosa. Robbie le da el carisma de los verdaderamente desquiciados: un pulso de duelo de espacios abiertos y racistas, inocencia y posesión. Su escape de una celda de mazmorra, usando piernas de tijera y dedos prensiles, es la secuencia más entretenida y potente de toda la película.

La trama de "The Suicide Squad" es descaradamente básica, y hay una limitación incorporada en eso. Durante su primera hora, la película se basa en el estilo punk de Gunn, pero carece de la fascinante complejidad de algo como "La Liga de la Justicia" de Zack Snyder. El Task Force X vuelve a ser arrojado a esa playa de medianoche, que es la nación insular de Corto Maltés frente a la costa de América del Sur. Ha habido un golpe militar allí, lo que significa que los generales corruptos ahora tienen el control de Jotunheim, una torre de prisión de piedra construida por los nazis, que realizaron experimentos demoníacos allí. El lugar ahora alberga el Proyecto Starfish, un experimento de dominación mundial que consiste en una estrella de mar gigantesca con un ojo gigante en el medio que envía un montón de estrellas de mar más pequeñas que se adhieren a los rostros de las personas como la criatura de “Alien”. Exacto, eso mismo que entendieron.

En el momento en el que nuestros héroes se infiltran en Jotunheim para revestirlo con explosivos plásticos, "The Suicide Squad" cobra vida. Hay una alegría destructiva en la puesta en escena. La película tiene una mente maestra vivaz, tiene una visión saludable de la hipocresía de doble tratos de la política exterior estadounidense, y cuando la estrella de mar gigante escapa, se une a las filas de aquellos espectáculos pero con su nivel de lo absurdo, en las que el enorme monstruo que llena la pantalla parece una criatura dulce, el niño que todos llevamos dentro. “The Suicide Squad”, no se equivoca, es un material que entretiene aún en sus momentos absurdos y exagerados. James Gunn lo ha dirigido como un chico malo, pero ese era su mandato. Al cumplirlo, ha demostrado ser un buen chico (razón por la cual Disney lo volvió a contratar para hacer “Guardians of the Galaxy Vol. 3”). Y hay que admitir que solo él sabe sumergirse en desastres colosales revividos con estilo.

Crítica Cinéfila: Promising Young Woman

Cassie tenía un brillante futuro por delante hasta que un acontecimiento inesperado truncó su carrera. Ahora nada en su vida es lo que parece: es inteligente, audaz y vive una doble vida de noche. Cassie tiene la oportunidad de enmendar todo lo que no salió bien en su pasado... vengándose de los culpables.

Cassie es una mujer meticulosa que lleva un registro de nombres y números en un pequeño cuaderno ordenado, escondido debajo de su cama. Lo mejor es que lo esconda muy bien, porque si alguien encuentra dicha libreta y su lista de nombres de hombres y todas esas pequeñas marcas, podría tener una idea equivocada sobre lo que significa todo. Cassie piensa que la gente tiene una idea equivocada sobre las cosas como son y han sido; en su mayoría, ha terminado con personas que no identifican bien sobre aspectos tan básicos como la empatía, la humanidad y el respeto, y su ordenado cuaderno pequeño la está ayudando en esa misión. El estridente debut de Emerald Fennell, "Promising Young Woman", retuerce su sinopsis llena de palabras de moda y sin spoilers: es un thriller de venganza hacia la violación del #MeToo, en algo fresco y totalmente salvaje.

Gracias a la mente perversa de Fennell y a la actuación de alguna manera aún más perversa de la estrella Carey Mulligan: Cassie es una antiheroína para nuestro tiempo, y una completamente única en eso.

Descubierta por primera vez tanto por el público como por un grupo itinerante de "buenos chicos" en un club local, Cassie está mareada y borracha y casi se desploma en una cabina roja brillante. Cuando uno de los tipos comprensiblemente "preocupado" (Adam Brody) se acerca a Cassie para ver si está bien, la noche se vuelve un presagio. Y, sin embargo, Cassie nunca deja de tener el control, ya que Jerry golpea su cuerpo borracho aparentemente desmayado, mientras promete que él es un buen tipo, uno de los buenos, y que ahora está a salvo.

Cassie está a salvo, pero solo porque en realidad no está borracha y está a punto de desatar una furia justa sobre el repulsivo Jerry. Es su juego, pronto aprendemos: insinúa que ella no es la única que merodea por los bares y clubes locales en busca de hombres groseros, una pieza tentadora de construcción de un mundo muy interesante, aunque los detalles del estilo particular de justicia de Cassie siguen siendo vagos hasta más adelante en la película. Herida después de un horrible acto de violencia contra su amada mejor amiga, Cassie ha estado usando sus artimañas (y su cuaderno) para enseñar algunas lecciones serias a los hombres vulgares durante bastante tiempo, castigando a los depredadores mientras evita al verdadero villano de su vida.

En los años transcurridos desde el incidente (cuyos detalles se van explicando lentamente a lo largo de la película), Cassie se ha convertido en una persona totalmente consumida por su necesidad de venganza, ya no es la prometedora joven titular que solía ser. La presentación de un conocido de sus días de escuela de medicina mal engendrados (Bo Burnham) ofrece tanto una esperanza inesperada de que finalmente podría haber encontrado un buen chico del que enamorarse como nueva información que solo lleva sus misiones a fines más específicos.

Mientras Cassie intenta equilibrar dos partes muy dispares de su vida, "Promising Young Woman" logra ser divertida, sexy, inteligente y absolutamente aterradora, todo en un paquete elegante. Si bien el público simpatiza naturalmente con Cassie, el enfoque con el que experimentamos el mundo delirantemente demente y color caramelo de "Promising Young Woman", Fennell y Mulligan no tienen miedo de llevarla a un territorio lo suficientemente oscuro como para cuestionar si en realidad es la antagonista de la película, la persona equivocada a quien apoyar. Es una apuesta complicada, y aunque no siempre vale la pena cuando lo hace, las únicas personas que se divierten más que Fennell y Mulligan son su audiencia sintonizada y empática.

La película está llena de opciones de bandas sonoras inspiradas: una versión pesada de "Toxic" de Britney Spears antes de que se revele en el momento perfecto, y un uso divertido de "It's Raining Men" vende el negro sentido del humor de Fennell desde el principio, agregando un nivel de cuidado que a veces falta en otros elementos de la película. El mordaz guión de Fennell se puntúa ocasionalmente con grandes saltos y dudosas recompensas, y el breve cambio de Cassie está inspirado en una secuencia increíble y finamente escrita que no coincide con el resto de sus misiones cuidadosamente planeadas. Pero todo esto tiene su pay-off cuando se aclaran algunas dudas de la nueva vida que ella posiblemente haya decidido.

El salto más grande de Fennell también es el más satisfactorio. Si bien la película rara vez es predecible en sus elecciones, Fennell se guarda las sorpresas más grandes para ella (y Cassie) para sus últimos veinte minutos, asumiendo riesgos que son admirables incluso cuando no parece que vayan a dar sus frutos. El talento de Fennell para el humor visual es evidente a lo largo de la película: la pesadilla que es la casa de los padres de Cassie es diez veces más divertida de lo necesario, solo se vuelve mejor y más extraña con cada visita, pero guarda sus mejores partes para el final, cuando las ideas más ambiciosas se fusionan en un perverso giro final que deja una huella increíble.

Crítica Cinéfila: Birds of Prey

Después de separarse de Joker, Harley Quinn y otras tres heroínas (Canario Negro, Cazadora y Renée Montoya) unen sus fuerzas para salvar a una niña (Cassandra Cain) del malvado rey del crimen Máscara Negra.

Para una persona que no vio Suicide Squad, no le interesa ver películas de DC y no es fanática del género de la acción, Birds of Prey me entretuvo lo suficiente. El sacrificio no estuvo tan mal y los personajes me convencieron de que, independientemente de todo el mal karma que ha arrastrado esta franquicia de superhéroes en los últimos años, ellas no siguen los estereotipos tan al pie de la palabra... o no tanto como sus antecesoras, porque también tienen sus momentos exagerados.

Harley Quinn abre el telón narrando la historia, explicándonos que su relación con el Joker se acabó, pero que a ella le sigue yendo excelente. Mientras continúa embobando a la audiencia, vemos la realidad de una persona psicótica, dependiente del amor que necesita recibir de algún hombre, con daddy issues, y ahora temerosa de que, si alguien se entera de que su relación terminó, las venganzas que van en su contra comenzarán a caer como lluvia de verano. 

Pero a pesar de esto, cuando Harley Quinn (Margot Robbie), la vengativa villana "Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)", intenta romperle las piernas a alguien, lo hace con un cierto infierno que ni se puede explicar. Primero sucede en el club nocturno propiedad de Roman Sionis (Ewan McGregor), un señor del crimen de Gotham City, donde Harley, después de haber roto recientemente con el Joker, se está recuperando (no es que tenga un modo particularmente más restringido), probándola nueva identidad como un singleton desquiciado. El conductor de Roman intenta atraerla a un coqueteo vicioso llamándola "tonta" y "puta", y como cualquiera que conozca a Harley lo sabe muy bien, es la parte tonta lo que realmente le pica. Entonces ella salta de un escenario, chocando contra sus piernas extendidas. Eso no es solo un contraataque violento, es un momento feminista del siglo XXI.

Los movimientos de acción de rock and roll de Harley son rápidos, sueltos y fuera de control, ya sea que esté rompiendo extremidades entre disparos de bala o cargando a través de una estación de policía. Pero la mente de Harley tampoco deja de competir. Una ex psiquiatra que se cayó por un espejo roto cuando se enamoró del Joker y se unió a él en el inframundo, es un caso que parece ser en pleno control de su actual colapso mental. Al principio, ella cierra su relación fracasada con el Joker al enviar un camión de petróleo a una refinería química gigante y volarlo por las nubes.

La chispa inspirada de la actuación de Margot Robbie es un fenómeno total: con su cabello rubio platino dividido en coletas teñidas (una rosa, una azul), su cara adornada con tatuajes de un pequeño corazón negro y la palabra "ROTTEN", y esa sonrisa que ilumina la habitación con locura, es una sirena psicópata que se tambalea entre la venganza y el valor.

Harley, quien hizo su primera aparición en DC Comics en 1992, obviamente fue lo mejor de "Suicide Squad", el destartalado éxito de una travesura de la película de DC de 2016. Así que había muchas razones para esperar que construir una película completa a su alrededor valiera la pena a lo grande. "Birds of Prey" es una historia de origen de un equipo de superhéroes que rastrea cómo Harley, principalmente por pura casualidad, se une con una colección de inadaptados para formar un abigarrado equipo de superheroínas. Como película, es delgada, viva, ruidosa, descarada, divertida y olvidable. En todo caso, es una película más ajustada que "Suicide Squad", pero ha sido dirigida por Cathy Yan, con el mismo tipo de estética slapdash en la cara, intensificando los cómics en descarada sobremarcha. Harley eclipsó a sus camaradas infernales antes, y ella hace lo mismo aquí, aunque Mary Elizabeth Winstead, como la Cazadora que empuña una ballesta, tiene una implacabilidad feroz, fría y de gran tamaño que es lo suficientemente potente como para estar lista para spin-off.

"Birds of Prey" es la octava película del Universo Extendido de DC, así como la primera en ser clasificada como R, y después del fenómeno independiente de "Joker", es una película de cómics que no pretende ser, en un solo momento, lanzar un hechizo de asombro poético. Sin embargo, sigue siendo una gran novela de palomitas de maíz. "Wonder Woman" y "Captain Marvel" fueron películas de superhéroes femeninas que ofrecieron la potenciación de la fantasía sincera. "Birds of Prey" ofrece el poder de la irresponsabilidad absoluta. Las mujeres en esta película se ven más mal que las heroínas anteriores porque, en su mayor parte, simplemente no dan una... Pero sus actuaciones exageradas y líneas cuestionables no les quitan tantos puntos a su favor.

El guión, de Christina Hodson ("Bumblebee"), tiene actitud de sobra, pero de una manera bastante escueta. Se trata del desafío nihilista de "Deadpool", con un comentario de Harley que rompe la cuarta pared, y hay identificaciones de personajes descarados en la pantalla, como cuando Harley se descubre atacada por el conductor detrás de ella. Pero si el corazón (negro) de la película está en el lugar ácido correcto, "Birds of Prey" podría haber usado más de la intrincada inteligencia de "Deadpool". Las actrices que se unen para formar el grupo de Harley, como Jurnee Smollett-Bell como la cantante del club nocturno Black Canary, o Ella Jay Basco como la astuta Cassandra, tienen presencia de sobra, pero desearían que se les hubiera dado más para hacer.

Crítica Cinéfila: Bombshell

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes.

La palabra Bombshell tiene dos significados: puede ser una noticia impactante, ya sea positiva o negativa; puede también ser una mujer (normalmente rubia) sumamente atractiva. Así, cuando Jay Roach se sentó a descifrar el nombre de su próxima gran película, el título se lo dió la misma historia y su temática.

Este es un tema tan jugoso que los cineastas simplemente no pueden mantenerse alejados de él, especialmente los adictos políticos como Roach y Charles Randolph. El director de  Recount, Game Change, The Campaign, y Trumbo,  y el escritor de The Big Short, han puesto su mirada en un viejo y poderoso golpe y han generado un gran placer al dramatizar su derribo. Este hilo conductor sobre la caída deslumbrante del fallecido déspota de Fox News, Roger Ailes, no puede afirmar que ofrece temas nuevos, pues ya lo hemos visto en una miniserie de televisión reciente (Showtime's The Loudest Voice) y un documental muy bueno (Divide and Conquer: The Story of Roger Ailes). Pero las actuaciones, mejoradas por las transformaciones físicas de Charlize Theron, Nicole Kidman y John Lithgow que son asombrosamente convincentes, entregan los productos de una manera muy atractiva. Cualquiera que haya estado siguiendo las noticias durante los últimos tres años no pudo evitar sentirse intrigado por este petardo de película.

Sin preámbulos, la película arroja al espectador directamente a la alta presión de los preparativos finales para el primer debate televisado de la campaña presidencial de 2016, que será transmitido por Fox News y moderado por Megyn Kelly (Theron); está inquieta por las preguntas que no le ha formulado a Donald Trump y se siente desesperadamente enferma en el trato. Pero espera, esta es una película y la mujer que estamos viendo realmente se parece exactamente a Megyn Kelly. El realismo es asombroso.

Kidman interpreta a otra de las estrellas de la cadena desde hace mucho tiempo, Gretchen Carlson, que tiene su propio programa. La tercera rubia en la parte superior del boleto no se parece a nadie más que a Margot Robbie, pero tiene la excusa de interpretar a un personaje compuesto, una recién llegada hermosa e ingenua llamada Kayla, que en poco tiempo sufre la desgracia de atraer la atención de Ailes. Como lo representa Lithgow, Ailes tiene la distinción de verse más gordo, asqueroso y mucho más parecido al tipo real que Russell Crowe a principios de este año en  The Loudest Voice.

Si los atributos físicos de los directores exigen que se los considere con cierta extensión, es porque se destacan en el esquema de las cosas de Fox, una construcción que  Bombshell  disecciona y examina con considerable vigor. Después de décadas durante las cuales se esperaba que las noticias transmitidas por los Estados Unidos mantuvieran un cierto equilibrio y no se entregaran a un partidismo absoluto (había una cosa llamada doctrina de la justicia), Fox cambió este decoro con su descarada defensa de posiciones conservadoras y un servicio público abierto de derecha, a menudo dispensado por rubias atractivas. En el momento de las elecciones de 2016, la red era más poderosa que nunca y puso toda su fuerza considerable para defender a Trump como presidente.

Cuando Kayla aparece en las oficinas de Fox en Nueva York, parece una candidata ideal en el aire, tanto físicamente como políticamente, ya que proviene de una familia cristiana evangélica. También es ingenua y ansiosa por complacer, pero está paralizada por Ailes, quien le ofrece a las mujeres que le interesan dos frases para prosperar: "Para salir adelante tienes que dar un poco de cabeza" y "Si quieres jugar con los grandes, tienes que acostarte con los chicos grandes". 

Bombshell, su doble sentido plenamente justificado, se sumerge directamente en este turbulento pozo negro de sexo y política con confianza, entusiasmo e inteligencia. Como demostró en su guión ganador del Oscar (con Adam McKay) para  The Big Short,  Randolph es experto en agitar eventos y sistemas reales complicados y combustibles (economía, política, juegos de azar, presión sexual) y usarlos para impulsar la narrativa hacia adelante. El Director Roach complementa esto manteniéndose alerta todo el tiempo, a menudo usando disparos rápidos que parecen atrapados sobre la marcha, como corresponde a figuras de poder que saben lo que quieren, no pierden el tiempo y siempre tienen hambre de más poder, no importa qué tan bien alimentados están.

Todos los personajes principales aquí están obsesionados con el poder; si no lo fueran, no estarían en este negocio. El propio Trump no figura personalmente en los eventos de  Bombshell  y las elecciones aún faltan cuatro meses. Pero Fox News en este punto se ve en la transición de un corredor de poder a un poder importante en sí mismo, muy probablemente capaz de influir decisivamente en el resultado de las próximas elecciones. 

Roach y Randolph usan esta energía e intención maligna que se transmite de Ailes, o Jabba the Hut, como se le llama, para beneficio considerable de la película. Ailes tiene un facilitador que todo lo sabe, una mujer mayor (Holland Taylor) que organiza discretamente todas las idas y venidas de la oficina del gran hombre. También aprendemos la fórmula mágica de la red para el éxito: "Asustar y excitar", un enfoque que Ailes ha transformado en una forma de arte. Pero, ¿qué es lo más importante para Ailes cuando se trata de una excelente cobertura de noticias de televisión?

El impulso dinámico y el ritmo de la película pueden atribuirse en parte simplemente al hecho de que el escenario principal es una sala de redacción, donde los escritores con plazos fijos están constantemente bajo presión; infundido con energía y tensión constantes, la sede de Fox está hecha para parecer el segundo lugar más importante en la Tierra, justo por debajo de la Casa Blanca. Se menciona de pasada que en el año anterior los Murdochs obtuvieron una ganancia de $15 mil millones solo de Fox News, por lo que es fácil ver por qué el jefe está bien protegido.

Pero aún así tiene una gran caída. Es provocado por el despido de la periodista Carlson, mientras le dice: "Eres sexy, pero eres demasiado trabajo". A pesar de un gran pago, ella toma represalias con una demanda de acoso sexual contra el propio Ailes, contratando a los mejores abogados e inspirando a muchas otras mujeres, incluida Kelly, a presentar demandas contra el gran jefe. El abogado de Ailes, Rudy Giuliani (la única figura famosa en el reparto que no tiene un físico ideal, aunque su primera aparición genera una gran risa bajo las circunstancias) entra en el conflicto, seguido por el propio Rupert Murdoch (Malcolm McDowell) y sus dos hijos. En poco tiempo, los grandes jefes emiten el edicto: Jabba se debe ir.

Los actores se lanzan a sus roles con un celo excelente, animados por el diálogo a menudo contundente y los temas en juego. Las tres mujeres pasan por extenuantes pruebas personales y pruebas de fuerza en el período de tiempo muy comprimido, todas emergiendo más fuertes de lo que eran antes, incluso si la lucha no tuviera nada que hubieran elegido voluntariamente. Kelly de Theron y Carlson de Kidman están en lugares claramente diferentes en el espectro de la carrera, con Kelly en el centro de las cosas al rojo vivo y Carlson quizás superando su pico. Por su parte, la joven y ficticia Kayla de Robbie se encuentra en el trampolín, lista para saltar, o ser empujada, hacia el fondo.

Lithgow es memorablemente asqueroso y depredador como el mejor jefe de malas noticias en lo que respecta a las mujeres. Lo único que puedes decir de Ailes como se muestra aquí es que él es sincero; él es bastante claro sobre el precio de la entrada, y cada mujer decide si pagarlo o no. Se exhibe suficiente comportamiento groseramente abusivo de Ailes para dejar en claro que el precio es muy alto.

Bombshell no ofrece un análisis profundo de la televisión moderna, las actividades corporativas o las prácticas de explotación a puerta cerrada que han estado ocurriendo desde el principio de los tiempos. Pero más allá de crear una imagen dinámica de una entidad mediática famosa en acción, respalda firmemente la noción de que, si las personas se ponen de pie con valentía y se pronuncian contra la impropiedad y la ilegalidad, incluso contra los ricos y los más privilegiados, se puede hacer justicia y se puede progresar.