Crítica Cinéfila: Three Thousand Years of Longing

 La Dra. en literatura Alithea Binnie (Tilda Swinton) parece estar feliz con su vida aunque se enfrenta al mundo con cierto escepticismo. De repente, se encuentra con un genio (Idris Elba) que ofrece concederle tres deseos a cambio de su libertad. En un principio, Alithea se niega a aceptar la oferta ya que sabe que todos los cuentos sobre conceder deseos acaban mal. El genio defiende su posición contándole diversas historias fantásticas de su pasado.

Como si liberara todos los impulsos narrativos reprimidos para el minimalismo duro de "Mad Max: Fury Road", el australiano George Miller regresa con una riqueza narrativa en su película "Three Thousand Years of Longing". Esta trama comprime intérvalos de angustia, casualidad y esperanza en una habitación de hotel en un diálogo de dos para luego florecer al tamaño del universo en diferentes épocas históricas; una parábola a la vez titánica e íntima en escala mientras negocia la soledad complaciente de una mujer contra el bienestar de las mitologías, que se remonta a la cuna de la civilización. 

En un presente obsesionado con la tecnología, la profundidad del conocimiento humano ha degradado los relatos de la creación hasta el punto de que son mero forraje para los cómics de superhéroes, pero un encuentro casual con lo fantástico le agregará un poco de asombro en un mundo plagado de aflicciones adormecedoras creadas por el hombre.

La renombrada narratóloga Dra. Alithea Binnie (Tilda Swinton) ha venido a Estambul para una de las tantas conferencias que llenan su tiempo personal que no pasa con el exmarido cuyo recuerdo ha metido en una caja en el sótano, o con los niños que nunca pudo tener. Para alguien profesionalmente familiarizada con los arquetipos de las fábulas, no duda en frotar bien una botella recogida en una tienda de curiosidades, y ahí le aparece un Djinn con la voz oscura y el físico abrebocas (Idris Elba). Él le concede el trío habitual de deseos, pero ella sabe lo suficiente como para no pedir los miles de millones de dólares o la dominación mundial, muy consciente de que las historias de genios trafican advertencias contra la avaricia. En su esfuerzo por convencerla de que no hay nada de malo en gastar esta mística ganancia inesperada, y al hacerlo, liberándolo de la servidumbre sobrenatural, relata los milenios que ha pasado en busca de un humano con deseos que pueda cumplir.

Desde una corte real a la que asisten híbridos humanoides con cabeza de animal hasta una sala de orgías forrada de pieles y concubinas regordetas, la voz del Djinn transporta a la audiencia a diferentes momentos, mientras disfruta de un tranquilo brunch en la suite del hotel de Alithea. Ella es renuente a creerle que no tiene malas intenciones hacia los posibles deseos que se le ocurren; y el es impaciente ante esto por el simple hecho de que puede ser una bomba catastrófica contra su mera existencia. 

Una de las grandes riquezas de esta película es su diseño de producción; ya sea CGI o escenarios prácticos, cada espacio es un viaje visual que engancha a cualquiera con la narrativa persé que lo protagoniza. Así también, hay todo un banquete de efectos especiales, desde un hombre imprudentemente imaginativo que convierte su cabeza en un monstruo araña y que luego se disuelve en una horda de escarabajos), hasta la figura impresionante del mismo Idris en pantalla. 

El guión, dividido en capítulos como si fuesen actos de un cuento de fábula, también se divide en géneros, teniendo un primer y segundo acto que danzan entre lo fantástico y satírico, hasta llegar a un tercer acto romántico y dramático. Esto también se traduce al tono de la misma conversación entre Alithea y el Djinn.

El tramo final toma un giro un tanto turbulento hacia el sentimentalismo, declarando abiertamente sus perspectivas sobre la preciosidad de la vida hasta entonces prudentemente dejada como sugerencia. Las partículas suspendidas en el aire insinúan que el amor rodea a los seres vivos por todas partes, aunque esa sutileza no disuadirá a Miller de tirar demasiado fuerte de las fibras del corazón añejado mientras empuja a Alithea y a su querido Djinn a un romance poco común para su gente de mediana edad. Pero, una vez más, el elemento ganador en estas escenas, a saber, es la tierna química entre Swinton y Elba, un dúo que nadie sabía que necesitaba tener junto en pantalla.

Joan Didion decía que nos contamos historias para vivir, un axioma que Miller revierte para sugerir que debemos vivir para contarnos historias. Debajo de todo el jugo de tira-y-jala entre los personajes, esta es una película sobre ese momento mágico en una relación floreciente donde uno se siente seguro al compartir todas las anécdotas que conforman las partes más importantes y formativas de uno mismo con otra persona que hace lo mismo, un estado de ánimo poscoital posterior a la medianoche iluminado en este caso a la luz de la mañana. Los méritos acumulados que se exhiben en el museo del asombro de Miller, desde las recreaciones deslumbrantes de la grandeza del viejo mundo hasta los milagros más humildes compartidos entre dos almas, uno se aferra a cada palabra de la narración, como una señal segura de que nos hemos enganchado a su hilo narrativo.

Crítica Cinéfila: Suicide Squad

Un grupo de super villanos se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad con la tasa de mortalidad más alta de Estados Unidos. Para salir de allí harán cualquier cosa, incluso unirse al grupo Task Force X, dedicado a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Fuertemente armados son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos.

"Suicide Squad” es una diversión astutamente accidentada y de mala reputación. Y aunque amo Guardianes de la Galaxia de James Gunn, no puedo decir que me emocioné de saber que dirigiría esta película. El hecho de que Gunn, en 2018, fue retirado de proyectos por bromas de mal gusto que había twitteado una década antes sobre temas como agresión sexual, SIDA, pedofilia y el Holocausto, significaba quizás que mientras salía de un lugar, otro lo acogía. Se salvó al conseguir el proyecto para dirigir "The Suicide Squad". 

Es en un mundo de remakes y reinicios y reciclado lo que sea, "The Suicide Squad" es algo raro: una repetición. En 2016, "Suicide Squad" se lanzó bajo la bandera de DC y se convirtió en un gran éxito, pero fue un desastre visiblemente descuidado, a medio cocer cubierto de "mala actitud" que llevaba demasiado spray corporal. Tenía un tono muy corporativo: sonriente y vistoso acerca de su propia extravagancia.

Esta 2da película de “The Suicide Squad” lo hace mejor, perfeccionando esa actitud pícara a un borde de indignación mucho más elegante. Es una historia de origen de un equipo de desaliñados que se siente honestamente sumergida en el inframundo de la subcultura punk, y toma por toma, está hecha con un ingenio que hace honor al género de Ghostbusters. En esta película, que Gunn escribió y dirigió, su mente aparece como un lugar feliz de bromas enfermizas de baja escala, no tan salvaje como el tipo de cosas que obtuvieron en "Deadpool" o las partes más extravagantes de "The Dark Knight", pero impulsado por un vigorizante abrazo atemporal. La película es, entre otras cosas, una comedia salpicada de sensacionalismo depravado, con cabezas y cuerpos arrancados, cortados y reducidos a la carne equivalente al trabajo de celosía. Y además de eso, hay muchas ratas.

Dejando de lado el marketing, la forma en que entra en juego el escándalo de James Gunn en “The Suicide Squad” es más incendiaria y atmosférica de lo que cabría esperar. Con "Guardianes de la Galaxia", Gunn se convirtió en uno de los cineastas más poderosos de Hollywood: no solo otro rey de las taquilleras, sino algo que no ves todos los días. Su caída, en 2018, fue potencialmente catastrófica. Y debido a que Gunn es un tipo humano que se adueñó plenamente de los errores que había cometido, no solo tuvo una segunda oportunidad; tuvo la oportunidad de hacer un balance. Por un tiempo, estuvo en el desierto, y creo que sientes ese miedo de tocar fondo en "The Suicide Squad". Es una película sobre un grupo desesperado de criminales que intentan salvar el mundo, pero el mundo en el que viven es uno en el que la vida misma es totalmente desechable.

Todo esto está plasmado en la elaborada broma oscura de la secuencia de apertura de la película. Mientras se despliega "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, Viola Davis, como la directora dura de ARGUS Amanda Walla, llama a un asesino llamado Savant (Michael Rooker) en la prisión de Belle Reve para unirse a su último escuadrón suicida, más propiamente conocido como Task Force X: un equipo de estafadores violentos que reúne para misiones que probablemente resultarán muertos. Si una misión tiene éxito, se les recorta 10 años de su sentencia.

Savant termina en un avión con media docena de otros rufianes, que son entregados a una playa tropical en medio de la noche, donde uno del equipo, interpretado por Pete Davidson, los ha vendido y, efectivamente, terminan ametrallados por los disparos, tan muertos como los soldados en la playa de Omaha. Nuestros "héroes" ya han sido eliminados, lo que le permite a Gunn crear una secuencia de créditos asesina. Lo que hace que esto sea más que una broma descarada de inicio en falso es la forma en que establece el tono de nihilismo de la película. El "escuadrón suicida", tal como se presenta, no es un equipo icónico de superhéroes; es un cubo de basura infinitamente reemplazable de personajes: el equipo de superhéroes como picadera de entrada. Son prescindibles. Cuando nos encontremos con el equipo de errores homicidas que reemplaza al primero, estos serán nuestros héroes, pero somos conscientes, como lo son, de los grandes obstáculos que enfrentarán.

Gunn los reúne como una versión sinvergüenza de los Guardianes. Como Bloodsport, un mercenario con un complejo conjunto de armas que solo él puede usar (y una hija adolescente que lo odia), con la interpretación de Idris Elba quien toma un tiempo para enfocarse, pero asciende en autoridad a medida que avanza la película; su carisma se filtra en muerte por muerte, menosprecio por desprecio. John Cena está perfectamente elegido para interpretar a Peacemaker, un fortachón que viste un traje de Capitán América modificado y coronado por lo que parece un casco de metal de juguete (que Bloodsport, en un momento, compara con un inodoro), y dice cosas como: “Aprecio la paz con todo mi corazón. Y no me importa cuántos hombres, mujeres y niños tenga que matar para conseguirlo". Está King Shark, una especie de tiburón/humano pero con un cerebro muy reducido, junto con Ratcatcher (Daniela Melchior), que puede controlar a cualquier rata en medio, lo que asusta al Bloodsport quien tiene una fobia a las ratas.

Lo más parecido aquí a un superhéroe real es Polka-Dot Man (David Dastmalchian), aunque es uno profundamente deformado. Debido a un experimento que le realizó su madre científica quien trabajaba en Stars Lab (guiño a Flash), se llena de discos multicolores que tiene que expulsar como Tiddly Winks dos veces al día, y son letales. También es un naufragio edípico que, en su cabeza, convierte a cada persona que ve en su madre para matarla. Es una gran broma cuando Gunn visualiza esto, porque la madre (Lynne Ashe) parece el tipo de opresor Munchausen de clase media monótona que es peor que cualquier bruja.

Y luego, por supuesto, está Harley Quinn, la estrella emergente de “Suicide Squad”. Ella es la única miembro del Escuadrón que regresa aquí, y la deliciosa actuación de Margot Robbie te recuerda por qué sucedió todo eso. Su Harley sigue siendo una loca muñeca de Brooklyn que vive tanto en el momento que ve lo que está justo frente a ella a expensas de ver cualquier otra cosa. Robbie le da el carisma de los verdaderamente desquiciados: un pulso de duelo de espacios abiertos y racistas, inocencia y posesión. Su escape de una celda de mazmorra, usando piernas de tijera y dedos prensiles, es la secuencia más entretenida y potente de toda la película.

La trama de "The Suicide Squad" es descaradamente básica, y hay una limitación incorporada en eso. Durante su primera hora, la película se basa en el estilo punk de Gunn, pero carece de la fascinante complejidad de algo como "La Liga de la Justicia" de Zack Snyder. El Task Force X vuelve a ser arrojado a esa playa de medianoche, que es la nación insular de Corto Maltés frente a la costa de América del Sur. Ha habido un golpe militar allí, lo que significa que los generales corruptos ahora tienen el control de Jotunheim, una torre de prisión de piedra construida por los nazis, que realizaron experimentos demoníacos allí. El lugar ahora alberga el Proyecto Starfish, un experimento de dominación mundial que consiste en una estrella de mar gigantesca con un ojo gigante en el medio que envía un montón de estrellas de mar más pequeñas que se adhieren a los rostros de las personas como la criatura de “Alien”. Exacto, eso mismo que entendieron.

En el momento en el que nuestros héroes se infiltran en Jotunheim para revestirlo con explosivos plásticos, "The Suicide Squad" cobra vida. Hay una alegría destructiva en la puesta en escena. La película tiene una mente maestra vivaz, tiene una visión saludable de la hipocresía de doble tratos de la política exterior estadounidense, y cuando la estrella de mar gigante escapa, se une a las filas de aquellos espectáculos pero con su nivel de lo absurdo, en las que el enorme monstruo que llena la pantalla parece una criatura dulce, el niño que todos llevamos dentro. “The Suicide Squad”, no se equivoca, es un material que entretiene aún en sus momentos absurdos y exagerados. James Gunn lo ha dirigido como un chico malo, pero ese era su mandato. Al cumplirlo, ha demostrado ser un buen chico (razón por la cual Disney lo volvió a contratar para hacer “Guardians of the Galaxy Vol. 3”). Y hay que admitir que solo él sabe sumergirse en desastres colosales revividos con estilo.

Crítica Cinéfila: Cats

Adaptación del famoso musical de Andrew Lloyd Webber, 'Cats'. La trama gira en torno a una tribu de gatos -los Jellicles- durante la noche del año en que toman su más trascendente elección: la de decidir cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Comenzaré diciendo con que no me pareció una película terrible... por el contrario, la encuentro entretenida y hasta pegajosa. No es perfecta, tiene inconsistencias de guión y un rompimiento inesperado de la cuarta pared al final que llega sin sentido. Pero aún así, no es una mala película.

En general, hay dos tipos de musicales exitosos: los que son complacientes de la multitud y accesible para una amplia audiencia, y los que son extraños éxitos de culto que atraen a una multitud de nicho. Es lo que hace que todo el fenómeno de Cats sea ​​una excepción tan única a la regla. El caprichoso megamusical de Broadway de los años 80 de Andrew Lloyd Webber se basa en una fuente igualmente fantasiosa (la colección de poesía Libro de gatos prácticos de Old Possum de TS Eliot), la cual tiene poca trama real y es conocida por su estética y marco polarizantes. Agregue a esto el director Tom Hooper a la mezcla, obteniendo la receta perfecta para una adaptación de película maravillosamente loca. Cats da vida a la sensación de Broadway de Webber como un espectáculo audazmente extraño que seguramente deleitará y dividirá tanto como el musical original.

La trama se reduce a esto: una noche, una ingenua gata joven llamada Victoria (Francesca Hayward) es abandonada en un callejón, enfrentándose cara a cara con los miembros de la tribu de gatos Jellicles. Resulta que esta noche es la noche de Jellicle Ball, un evento en el que la vieja y sabia Deuteronomia (Judi Dench) tomará "la elección de Jellicle" y decidirá cuál de ellos es digno de ascender a la Capa Heaviside y regresar en una nueva vida. Pero a medida que los diversos gatos Jellicles se preparan para las festividades de la noche, el astuto y mágico Macavity (Idris Elba) conspira para derrotar a su competencia.

Aquellos familiarizados con el musical de Broadway saben que Cats es una prueba de fuego adecuada para saber cuánto se ama el arte del teatro musical en sí mismo, y la versión de la película no es diferente. En todo caso, Hooper y su coguionista Lee Hall (Rocketman) se apoyan en la rareza de la obra y lo duplican con su adaptación. Esta es una película donde los gatos usan abrigos de piel, la gata mimada Jennyanydots (Rebel Wilson) realiza un número de baile al estilo de Busby Berkeley con otras criaturas que tienen rostros humanos, y la coqueta Bombalurina (Taylor Swift) muestra qué hacer para poner a todos los gatos drogados con la pólvora mágica que los felinos aman. Cualquiera que esté deprimido por este tipo de locura debería verse arrastrado a ver el musical de Broadway, un viaje increíblemente demente e impulsado por el puro carácter pegadizo de las melodías fuera de ritmo de Webber, las cuales tienen sus encantos. Bendícelos, el elenco está tan comprometido con esta locura como su director, y no hay ni rastro de autoconciencia mientras se pelean, silban, acarician o lanzan juegos de palabras.

Al igual que el espectáculo en el escenario, Cats tiene un mensaje básico (la amabilidad y la aceptación son buenas, el tribalismo y el comportamiento egoísta son malos), y su historia es una preocupación secundaria de su artesanía. Para la película, Hooper tomó la audaz elección de transformar su elenco en gatos humanoides de aspecto muy extraño del tamaño de felinos reales (con sets prácticos construidos a escala) utilizando la llamada "tecnología de pelaje digital". Pero tan fácil como burlarse del engaño CGI, tiene el efecto deseado, permitiendo que los gatos transporten a la audiencia a un mundo que se siente tan alejado de la realidad como sea posible, a pesar de estar en Inglaterra. Si Hooper fue demasiado lejos con el naturalismo en Les Misérables, él va al extremo opuesto aquí, y por una buena razón. No hay nada ni remotamente "real" en esta configuración, por lo que el artificio de las apariciones del elenco solo se suma a la calidad de sueño febril de todo el asunto. Y debido a que hay mucha coreografía de baile (además del espléndido diseño de producción de Eve Stewart), Hooper y su cinematógrafo Christopher Ross se ven obligados a filmar la mayor parte de la película en tomas fluidas y de gran angular, tomas que, sin duda, tienden a editarse juntos de manera no rítmica, lo que resta valor a los números musicales más que a mejorarlos.

Cats combina perfectamente a sus actores con sus respectivos roles. A pesar de que Hayward no tiene una buena actuación, Victoria se caracteriza más por el baile y la canción (su canción solista, "Beautiful Ghosts", fue escrita para la película por Swift y Webber), permitiendo que la bailarina brille por sí sola. Wilson, Swift, James Corden (como Bustopher Jones) y Jason Derulo (como Rum Tum Tugger) también aportan sus talentos musicales a la mesa, dando a cada uno de sus grandes números un sonido distintivo y ambiente de género. Dench e Ian McKellen (como Gus, el viejo gato de teatro) adoptan un enfoque más de cantar y hablar de sus canciones, pero la pareja es cálida y cariñosa, y el Deuteronomio de intercambio de género resulta ser un movimiento para mejor. Y aunque Elba es extrañamente carismático como el Macavity intrigante, la destacada jugadora de apoyo es fácilmente Jennifer Hudson como la solitaria y decrépita Grizabella; su poderosa interpretación de la encantadora "Memory" es inolvidable.

El único gran problema de esta película es el desvío constante del rol protagónico, el cual se baila entre todos los felinos, de momento enfocado en Victoria y su exploración alrededor de los gatos Jellicles, pero constantemente yéndose a las manos (o patas) de los demás personajes. Otro aspecto es el final, con la canción del personaje de Judi Dench); pero no es tanto la canción sino cómo esta fue presentada, casi imitando la idea de la obra de teatro y olvidándose que este es un medio diferente. Pero ni esto o el hecho de que el 95% de los diálogos son cantados hacen que la película caiga en un puntaje negativo desde mi punto de vista. Creo más bien que quienes la han calificado como una "mala película", lo hace por el problema de la edición de sonido o porque simplemente no le gustan los musicales.

Quizás más que cualquier otra película lanzada este año, Cats es una que puedes juzgar de manera justa por su comercialización. Si ver los trailers de la película te dejó con poco o ningún deseo de ver todo, entonces es seguro asumir que los gatos no te gustarán. Pero si los avances te dejaron emocionado por descubrir cuán ridícula es realmente la adaptación cinematográfica de Hooper, usted es un fanáticoa de la megamusical original de Broadway que espera que la versión de pantalla grande capture su excentricidad inspirada en forma cinematográfica, entonces vale la pena echarle un vistazo. Quién sabe: esto aún puede pasar a ser la obra maestra de la locura musical que Hooper tuvo dentro de él todo el tiempo.

Crítica Cinéfila: Fast & Furious presents: Hobbs & Shaw

Hobbs y Shaw, tan distintos como siempre, son reclutados por una organización de origen no determinado para detener a una amenaza internacional.

Loretto siempre decía "la familia es lo más importante". Y por esta razón, las películas de Fast & Furious han arrastrado está temática, convirtiéndola en el centro de cada uno de sus conflictos generales y dándole a la audiencia las escenas más emocionantes de la saga. A pesar del bullicio de los carros y las carreras poco creíbles pero reales, el cariño de la fanaticada fue más por la familia que los personajes habían presentado a toda la audiencia. Pero cuando se trata de un spin-off de la franquicia, con dos personajes a los que no se les conoce su familia, la temática se rompe y el forcejeo es notorio.

Luke Hobbs (Dwayne Johnson) es un leal policía, miembro de los Servicios de Seguridad del Cuerpo Diplomático de EEUU. Por su parte, Deckard Shaw (Jason Statham) es un solitario mercenario, ex miembro del Cuerpo de élite del ejército británico. De entrada, no tienen nada en común. Además, desconfían el uno del otro, y los insultos y golpes entre ambos no han cesado desde que se conocieron. Eso sí, cuando el mundo se enfrente a una terrible amenaza que podría cambiar nuestro planeta para siempre, estos dos adversarios no tendrán más remedio que unir sus fuerzas. Su objetivo será detener a Brixton (Idris Elba), quien se ha hecho con una peligrosa arma biológica. Hobbs y Shaw tendrán que dejar a un lado su enemistad para salvar el mundo.

El mayor problema de esta película no es el hecho de que es un spin-off innecesario para la franquicia de Fast & Furious, sino que resulta ser una advertencia vociferada de "nunca hagan esto en casa". Es una exageración a todo vapor de lo que el cuerpo humano es capaz de lograr. Por más agilidad y dobles que hayan de por medio, las fatalidades que deberían haber en esta película son muy precarias, incluyendo las de sus protagonistas, quienes por más entrenamiento físico que ambos tengan, es imposible que sobrevivan a todo esto. 

Pero lo aún más intolerable es la cantidad de chistes y sketches de toda la trama. Los guionistas Drew Pearce (Iron Man 3, Mission Impossible: Rogue Nation) y Chris Morgan (quien ha escrito las últimas ocho películas de Fast & Furious, y la que estrenará el próximo año), han decidido dedicar el 50% de la energía de la película en las discusiones baratas y tiraderas de muy bajo nivel entre Hobbs y Shaw, dejando bien claro el odio que estos personajes sienten entre ellos, a pesar de que esto no es información novedosa. Los insultos llegan a un nivel que parecen cambiar de género, y pasar de acción a comedia con tiros y carreras. Esto también va de la mano con la introducción innecesaria de agentes nuevos, protagonizados por Ryan Reynolds y Kevin Hart, en la que su objetivo no es más que agregarle un poco de comedia a algunas de las escenas más "tensas" de la película.

Los problemas de los personajes se extienden a sus pensamientos machistas, irónico porque los personajes femeninos, desde la hermana de Shaw (Vanessa Kirby) y Madam M (Eiza González) hasta la madre de Hobbs (Lori Pelenise Tuisano) y la madre de Shaw (Helen Mirren), tienen todas una actitud matriarcal y de superioridad que no solo con la fuerza bruta derrotan a toda persona que se le cruce por el camino.

Quien se salva de toda la parte negativa de la historia es Idris Elba, el único que verdaderamente trae algo novedoso a la pantalla, representando un agente mercenario del futuro, casi un terminator en estos años, imposible de noquear con un puñetazo de la Roca, y planificado en cuestión de segundos. Se hace llamar el Black Superman y se ha ganado el título sin necesidad de la capa y el traje.

Al final, Hobbs & Shaw es el recuerdo de elementos de Fast & Furious que nunca funcionaron en mí, y un ejemplo importante de que las películas de acción están tomando un giro nuevo que en algunas ocasiones funciona, pero en la mayoría no. Más puñetazos, el doble de diálogos: una historia que no era necesaria contar. Ah! Y el típico zoom cinematográfico al aceite de arranque de los carros.

Molly's Game

Se centra en la vida de Molly Bloom, una esquiadora de talla mundial que llegó a ser millonaria antes de los 21. Tras perderse los Juegos Olímpicos, Molly se fue a vivir a Los Ángeles donde incluso trabajó de camarera. Gracias a sus dotes empresariales, la joven acabó ganando millones de dólares con el mundo del póker antes de que el FBI la investigara. (FILMAFFINITY)

Siempre quise aprender a jugar poker. Es un juego de estrategias que demuestra no solo quién es más audaz con las cartas, sino también quién sabe engañar más a su competencia. O por lo menos así es que Molly lo plantea.

Molly Bloom es una mujer de tácticas, quien desde muy joven aprendió a planear sus propias estrategias de vida. Así logró independizarse de sus padres (sin remordimientos), conseguir dos trabajos en Los Angeles y trabajar como secretaria en un juego de póker anónimo, donde solo asistían famosos. De ahí, pasó a crear su propia mesa de póker e invitar a empresarios, actores y demás personajes que convertirían su negocio en algo más peligroso, involucrando mafiosos rusos y falsos empresarios.

La voz narradora de Jessica Chastain le cuenta a la audiencia la difícil vida de este personaje: su relación complicada con su padre; cómo su personalidad fue construyéndose hacia una actitud impositora por las distintas circunstancias de su vida; cómo trabajar en un bar le consiguió otro como secretaria de un hombre que casualmente organizaba juego de pókers ilegales; cómo estar en esos juegos la motivó a crear su propio juego de póker; cómo una "mala jugada" de ella lo convirtió en algo verdaderamente ilegal. 

El desarrollo e interesante arco del personaje de Molly es complementado por la actuación de Chastain, quien hizo a la protagonista lo suficientemente interesante para mantener a su audiencia interesada durante los 144 minutos de duración de la historia; sin embargo, esta misma fuerza actoral faltó en otros personajes que, para la sorpresa de muchos fanáticos, no fueron tan impactantes como suelen ser, y esto se debió fortalecer más desde la dirección.

Por otro lado, el guión es narrado de una manera dinámica y entretenida, donde se logra enfocar la atención en dos aspectos importantes de la vida de Molly: su crecimiento como empresaria y administradora de un juego de póker, y el proceso judicial que tuvo que vivir cuando fue expuesta por el FBI, dos años después de que ya había cerrado su "negocio". El estilo narrativo en que se ha desarrollado la historia logra mantener el tono que se establece desde un principio y la velocidad en la que sucederán las escenas. Así mismo, el montaje se motiva a no solo ser un elemento estructural, sino también a dar lecciones de póker, enseñar las estrategias y destacar los mejores detalles de la trama.

Molly's Game es una película que motiva a ser emprendedor, pero a la vez saber los peligros que se pueden enfrentar en el camino. Es entretenida, es divertida y tiene un paso que mantiene a su audiencia atento a las situaciones.