Crítica Cinéfila: A Complete Unknown

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Si tienes más de 60 años, es probable que algunos capítulos de tu vida hayan sido influenciados por la música de Bob. Si tienes menos de 30, seguro lo escuchaste gracias a ese miembro cool de tu familia. La historia de la vida de un hombre nacido como Robert Zimmerman tiene que servir de inspiración para alguien, pero ¿a quién? Hay que tomar decisiones, comprimir los plazos, sopesar los hechos frente a la leyenda.

Adaptando la excelente historia de Elijah Wald de 2015 “Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties”, “A Complete Unknown” opta por la leyenda, y lo hace de manera bastante hábil para los que desconocen su historia y que nunca entenderán por qué hubo tanto alboroto. Dirigida por James Mangold (“Walk the Line”), es una película biográfica de dos horas y 20 minutos, ágil, melodiosa y muy entretenida, con un chico popular y talentoso como protagonista para atraer a la Generación Z.

¿Y cómo está el chico? Está bastante bien, aunque su interpretación no tiene arco, por loque será la segunda mejor de la película. La historia sigue a un joven Bob Dylan durante cinco años de su vida, tocando la guitarra y la armónica, y trabajando duro para conseguir esa voz tan particular que aún hoy lo caracteriza. El esfuerzo técnico ha dado sus frutos, pero, lo que es más importante, Chalamet transmite la presencia de este jovencito folkie advenedizo: la seguridad y el mal humor, el oído que escucha más los cantos de sirena en su cabeza que a cualquiera de los presentes en la sala. La ética de trabajo y el desprecio, la inquietud y las máscaras, las letras ardientes y la voz de un joven profeta malhumorado: todo está ahí, excepto por la ligereza y la picardía que poseía Dylan en sus primeros años, antes de que todos lo confundieran con Dios.

"A Complete Unknown" abarca desde su llegada a Greenwich Village en 1961 como un don nadie de Minnesota de 19 años hasta su traición al resurgimiento del folk en Newport '65, coloca al cantante en el centro de una contracultura joven, seria y harta. La música se ve como una conexión con una versión más antigua y oprimida de los Estados Unidos: es una música de protesta contra la proliferación nuclear y en apoyo de los derechos civiles, y al principio Dylan encaja perfectamente.

El guión de Mangold y Jay Cocks muestra a Bob apareciendo junto a la cama del hospital de Nueva Jersey de Woody Guthrie (interpretado por Scoot McNairy), que está en cama debido a la enfermedad de Huntington. Pete Seeger (Edward Norton) también está allí, y el chico canta a los hombres mayores una canción —“Song for Woody”— que conmueve tanto a Seeger que lleva a Dylan a casa con su esposa, Toshi (Eriko Hatsune), y su familia para pasar la noche. 

Los meses de aprendizaje de Dylan, perfeccionando su personalidad y sus habilidades, se resumen en una aparición en el café del Village en la que cuatro personas importantes para la historia están convenientemente presentes: Robert Shelton, el escritor del New York Times cuyo artículo de septiembre de 1961 sobre Dylan impulsó su carrera; el poderoso productor discográfico John Hammond (David Alan Basche); Albert Grossman (Dan Fogler), que se convertirá en el manager de Dylan; y Joan Baez (Monica Barbaro), que se convertirá en su amante y rival.

“A Complete Unknown” transmite dos ideas importantes: que el resurgimiento del folk fue una reelaboración sobria y bastante privilegiada de material, y que Dylan revolucionó todo al escribir sus propias canciones. La película transmite el impacto electrizante que “Blowin' in the Wind” y “Masters of War” tuvieron en sus primeras audiencias; para cuando Dylan presenta “The Times They Are a-Changin'” en Newport '64, el público la ha adoptado como himno incluso antes de que llegue a la segunda estrofa. Para mucha gente, Dylan era un salvador; para la vieja guardia de la escena folk, era cada vez más una amenaza. La trama refleja con precisión el respeto que sentían por el joven Dylan personas como Seeger y Alan Lomax (Norbert Leo Butz), el legendario músico de campo y pilar del Newport Folk Festival. Y dramatiza con precisión su preocupación cuando el joven Jeremiah, entre ellos, siguió desafiante su propio camino.

“¿Qué quieres ser?”, pregunta Bobby Neuwirth (Will Harrison), uno de los pocos en el círculo de Dylan que lo trataba simplemente como un amigo. “Lo que sea que no quieren que sea”, espeta Dylan. Como su ídolo Marlon Brando, rechazó la fama, y ​​en ese rechazo parecía más glamoroso, más necesario que nunca. 

Enfrentado a una multitud que persigue a su nuevo gurú por la calle exigiéndole la verdad, el Dylan de Chalamet se esconde tras unas gafas de sol, una mueca de desprecio y un rock and roll que, para los folkies de clase media, era la música de los matones. Aparece en el estudio de grabación con un grupo de chicos malos, entre ellos el guitarrista Mike Bloomfield (Eli Brown) y Al Kooper (Charlie Tahan), que se sienta al órgano en “Like a Rolling Stone” porque los productores le han dicho expresamente que no lo haga. La música es cruda y eléctrica, y sumamente enfadada. 

En esta película, el jefe es Pete Seeger. Un Norton perfecto convierte esa traición en el aspecto más inesperadamente trágico de “A Complete Unknown”. Seeger —el dulce, santurrón y nada irónico Pete— fue indispensable para llevar la música folk y su conciencia socialmente progresista a las masas de jóvenes nacidos en el baby boom. En la actuación de Norton, se ve cómo la tristeza se apodera de los ojos del hombre mayor cuando Dylan abandona su talento por algo que Seeger no puede entender que es mayor: la fusión de folk y rock, pop y poesía, la conexión con las masas y un sentido de rebelión mucho más profundo. Disfruté la actuación de Chalamet, pero la de Norton me afectó en el mejor de los sentidos, tan perfectamente captura la generosidad, la piedad y la incomprensión casi total de Pete ante lo que está sucediendo: toda su generación se volvió obsoleta de la noche a la mañana.

¿Qué le falta a “A Complete Unknown”? La adicción de la época y una inmersión más profunda en la escena folk. Me habría gustado que Joe Tippett apareciera más de dos veces brevemente como el cantante folk Dave Van Ronk, y digamos que una película sobre un hombre que escribió más (y mejores) canciones de despedida que canciones de amor no va a dar mucho espacio a las mujeres de su historia. Suze Rotolo, la novia que se aferra a Dylan en la portada de su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, la han cambiado (aparentemente a petición del cantante) como Sylvie Russo (Elle Fanning); ella y Baez luchan una batalla perdida por la atención del cantante y de la película.

Más evidente aún es el clímax del Newport Folk Festival de 1965, cuando la multitud de folkies responde a la explosión sónica de “Maggie's Farm” con abucheos y casi disturbios. ¿Importa que gran parte del problema fuera que el sistema de sonido de un festival acústico no estaba a la altura del desafío y que redujo la revolución del rock de Dylan a un fango sonoro? ¿O que un miembro del público que gritara “¡Judas!” no se produjera hasta un año después y en otro país? La ironía es que la gran película biográfica de Bob Dylan ya existe: “I'm Not There” de Todd Haynes de 2007, una película tan desafiante como cualquier canción de Dylan y que responde a los trucos de toda su carrera al elegir a seis actores para interpretarlo, entre ellos Cate Blanchett y un joven negro.

Esa película, el libro de Wald y el documental de Martin Scorsese de 2005 “No Direction Home” son todo lo que se necesita si se quieren conocer los hechos y los restos, las joyas y los binoculares de la ascensión de Dylan. “A Complete Unknown” sólo cuenta la historia. Pero tal vez eso sea suficiente para que una nueva generación sienta la alegría de su apostasía en un momento en que el mundo parece estar una vez más al borde del precipicio de la artimaña, la traición y el desastre. Si es así, ¿qué siente al ver esta trama?

Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.

Crítica Cinéfila: Emilia Pérez

Sobrecualificada e infravalorada, Rita es una abogada de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar al temido jefe de un cartel a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser.

Como una rosa que florece en medio de un campo minado de bombas, es un milagro que exista “Emilia Pérez” de Jacques Audiard: una ópera pop del sur de la frontera sobre una metamorfosis muy improbable y la redención personal que despierta en un criminal de sangre fría. Con un Palma de Oro entre sus piernas y el atrevimiento para abordar su tercera película en una cultura y un idioma que no son los suyos (después de “Dheepan” y “The Sisters Brothers”), el director de “A Prophet” lleva a la audiencia al reino machista de los cárteles mexicanos, donde Manitas del Monte, un temible capo de la droga con una parrilla plateada y una voz agravada, quiere salir, no porque haya tenido una crisis de conciencia, sino porque ha decidido abrazar su verdadero yo: quiere ser mujer.

La deslumbrante y divisiva película de Audiard —protagonizada por Zoe Saldaña como la abogada que ayuda a Manitas en su transición y Selena Gomez como la madre de sus dos hijos— no se adhiere estrictamente a los códigos establecidos por GLAAD y otros defensores de los derechos LGBTQ, y sin embargo, “Emilia Pérez” surge como un retrato poderoso y sin filtros de alguien que desafía varios estereotipos a la vez. Eso es un testimonio de la protagonista Karla Sofía Gascón (que interpreta a Manitas/Emilia) y la audacia de Audiard, que tuvo el buen sentido de incorporar la experiencia personal de Gascón al personaje.

El cineasta tomó la idea de la novela “Écoute” del editor de Le Monde, Boris Razon, en la que la misión del personaje es solo una de las innumerables preguntas que se plantean sobre la identidad. Pero “Emilia Pérez”, en su mayoría en español, no es tanto una adaptación, sino una interpretación totalmente diferente de esa idea extravagante: ¿qué pasaría si tomaras al chico del cartel de la masculinidad tóxica y lo convirtieras en una mujer, no a la Griselda Blanco (“La madrina de la cocaína”), sino de tal manera que eclipsara el personaje original agresivo?

Una de las observaciones útiles que la comunidad trans ha compartido sobre películas como “Girl” y “The Danish Girl” es que el público en general tiende a estar más preocupado por la transición en sí que por las personas que se sienten realizadas por ese proceso. En “Emilia Pérez”, es fundamental para el viaje del personaje, pero eso es solo el primer acto de una historia mucho más grande. Quién sabe cómo juzgará la sociedad la representación de Audiard dentro de dos años o dos décadas, aunque el proyecto es coherente con una carrera dedicada a imaginar entornos alejados del suyo y sumergir al público en esos mundos, sin psicología reduccionista ni juicios.

Audiard comienza presentando al personaje de Saldaña, Rita, una abogada defensora que ayuda a los sinvergüenzas a salir libres, justificando sus dudas a través de una canción. Sobreestresada y subestimada, Rita acepta la propuesta sospechosa de un cliente potencial, lo que significa que la llevarán a quién sabe dónde con una capucha sobre la cabeza. Ultra cuidadosa para evitar un posible asesinato, Manitas le hace jurar a Rita que guardará el secreto antes de decirle por qué la han convocado: "Quiero ser una mujer", gruñe un hombre que parece que no dudaría en hacer que la maten. Y luego Manitas se abre la camisa y revela su compromiso con Rita (pero no ante la cámara).

Al principio, todas las referencias a Manitas son masculinas, lo que es cierto incluso entre los médicos de reasignación de género a los que Rita viaja por todo el mundo para entrevistar. “Cambiar el cuerpo cambia la sociedad”, canta Rita al cirujano en Tel Aviv (interpretado por Mark Ivanir), quien finalmente acepta realizar el procedimiento, lo que indica hacia dónde se dirige la historia. No es como si Manitas pudiera contarle a alguien lo que está haciendo, ya que cuenta con que Rita finja su muerte y reubique a su familia en Suiza. De hecho, cuando el ex capo se reúne con Rita unos años después en Londres —ahora radiante, imberbe y rebautizada como Emilia— la abogada se pone tensa, temerosa de que haya venido a borrar el último rastro de su pasado. En cambio, Emilia le pide a Rita que traiga a su esposa/viuda Jessi (Gómez) y a sus hijos de regreso a México. Según notas de prensa, Gascón (que interpreta a Emilia) todavía vive con la madre de su hija, y aquí surge una dinámica similar, ya que Emilia se presenta como una tía perdida hace mucho tiempo.

La escena que mejor se vio en Cannes muestra a Rita observando con cautela esta reunión, mientras Emilia da la bienvenida a Jessi y a los niños a su vida. ¿La reconocerán? “Hueles a papá”, le dice uno de sus hijos a Emilia en una hermosa canción de cuna (al revés). “Emilia Pérez” habría sido una película muy diferente si Manitas hubiera encontrado el coraje de confiar en la familia. No hacerlo establece las apuestas para el resto de la película: ¿Podrá Emilia seguir siendo su tutora? ¿Qué sucede si Jessi, que la cree muerta, se escapa con su nuevo amor, Gustavo (Édgar Ramírez)?

La subtrama de Jessi-Gustavo justifica lo que seguramente se convertirá en el himno de la película, el ardiente “El Camino” de Selena Gomez, cuya letra se traduce como “Quiero amarme completamente” (Clément Ducol y Camille coescribieron las canciones de la película con Audiard). ¿Y dónde encaja la vida personal de Rita en todo esto? Si “Emilia Pérez” no fuera un musical, el público podría no aceptar un descuido tan evidente, y sin embargo, la forma permite a Audiard excluir grandes franjas de la historia de fondo, como casi la totalidad del pasado criminal de Emilia. Renunciar a su identidad como jefa de un cártel no significa que no fuera responsable de innumerables asesinatos en su vida anterior. Emilia quiere restablecer selectivamente lo que hubo antes, gastando el dinero sucio ganado antes de su transición y prodigando atención a sus hijos mientras ignora casi por completo a la madre.

Estos dobles estándares añaden dimensiones fascinantes a la segunda mitad de la película, especialmente después de que Emilia decide fundar La Lucecita, una ONG diseñada para ayudar a los familiares en duelo a encontrar a sus parientes "desaparecidos". En el proceso, Emilia también encuentra el amor. Aparte de una escena en la que Rita se preocupa de que la pareja de Emilia (Adriana Paz) haya descubierto las cosas, Audiard no se distrae con ese viejo arquetipo. Una vez más, habría sido bueno ver a Emilia confesarse con otros, pero la película no trata el miedo a ser descubierto como un punto de suspenso. En cambio, Audiard se pregunta cuánto cambian realmente las personas cuando hacen ese tipo transición. En el caso de Emilia, menos de lo que le gustaría, pero lo suficiente como para inspirar un cambio positivo en la sociedad.

Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: Joker, Folie à Deux

Tras crear el caos, Arthur Fleck ha sido internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lidia con su doble identidad, Arthur no sólo se topa con el amor verdadero, sino que también descubre la música que siempre ha estado dentro de él. Secuela de 'Joker'.

Debo admitir que al principio no sabía dónde ubicar a “Joker” de Todd Phillips. El polarizador drama sobre un supervillano, basado en el mayor enemigo de Batman, deslumbró a muchos espectadores con su fotografía épica, su indignación justificada por los sistemas sociales rotos y la actuación inquietante y frágil de Joaquin Phoenix como Arthur Fleck que le otorgó un Oscar a Mejor Actor. Pero debajo de todo eso había una frustrante falta de especificidad sobre lo que realmente enojaba y de paso tenía varias fuentes obvias, especialmente “Taxi Driver” y “The King of Comedy” de Martin Scorsese.

Todas las buenas cualidades de la película y todas sus deficiencias están en una relación simbiótica, y la deriva es su tejido que lo conecta con todo este universo. Después de todo, “Joker” es la historia de un comediante fracasado que solo encuentra aceptación y éxito después de abandonar su oficio en favor de un arte escénico llamativo y violento. Tiene sentido que piense en su historia a través de la lente de otras historias mejores porque no puede crear ningún buen material por sí solo. Arthur Fleck es el nuevo santo patrón de la mediocridad, y “Joker” celebra esa mediocridad con una extraña mezcla de artesanía fina y pretensión de mal gusto.

Es una interpretación que parece aún más apropiada después de ver la extraña secuela, “Joker: Folie à Deux”. Pero a diferencia de la original, que encuentra un heroísmo perverso en los fallos de Arthur Fleck, “Folie à Deux” redobla la apuesta por lo patético que es, y asegura que siempre lo será. Es una película triste, pensativa e impresionantemente extraña que utiliza la teatralidad de los musicales cinematográficos para socavar las ambiciones de su héroe en lugar de elevarlas. ¿No hay negocio como el mundo del espectáculo? Es negocio y lo sabemos.

“Joker: Folie à Deux” se desarrolla dos años después de que Arthur Fleck asesinara al presentador de un programa de entrevistas Murray Franklin en directo por televisión e incitara a un motín que dejó huérfano a Bruce Wayne, quien probablemente era su medio hermano secreto (o no, si quieres creer en la palabra de un multimillonario moralmente comprometido). Arthur ha pasado los últimos dos años en Arkham Asylum esperando su audiencia, que está a la vuelta de la esquina. 

Si Arthur es declarado cuerdo, su juicio comenzará y la pena de muerte está sobre la mesa, por lo que su abogada Maryanne Stewart (Catherine Keener) intenta demostrar que no fue Arthur quien mató a todas esas personas, sino una personalidad independiente que se hace llamar “Joker”. Pero ni siquiera Arthur parece estar tan seguro. Todo lo que sabe es que hay otra reclusa, Lee Quinzel (Lady Gaga), que ama a Joker. Incluso vio una película para televisión que hicieron sobre Arthur, un montón de veces. Arthur se siente repentinamente revitalizado por la posibilidad de que alguien lo ame, incluso si no lo aman por lo que realmente es. O solo por la mitad de lo que es. Y desde que se conocen en la clase de musicoterapia de Arkham, Arthur comienza a fantasear con expresarse a través de canciones. "For once in my life", entona en su cabeza. No es un sentimiento sutil, pero los musicales no son precisamente famosos por su realismo crudo.

“Joker: Folie à Deux” adopta el enfoque de Rob Marshall de “Chicago” para los números musicales. La mayoría de los números tienen lugar dentro de las cabezas de Arthur y Lee, y representan sus mundos interiores mejor que sus circunstancias reales. Arthur canta al menos una canción donde otras personas pueden escucharlo claramente, y es mucho más espeluznante en persona que en su cerebro. Todo el enfoque establece un contraste obvio pero efectivo entre la realidad de Fleck y su imagen inflada de sí mismo como artista. (Y sí, “Folie à Deux” se califica como musical según cualquier interpretación significativa, sin importar el giro que intenten darle).

"Joker" se convirtió en un acto de violencia y caos que validó el colapso de Arthur, aunque solo fuera para él mismo. Encontró a su público, causó su impacto. Lo que deja en claro "Folie à Deux" es que este no es un universo de cómic donde eso es un acto de gloriosa contracultura. Ni siquiera es tan impresionante. Arthur, como muestra esta película una y otra vez, es una criatura patética y solitaria, y todo aquel que proyecta grandeza sobre él o su historia posiblemente esté más alejado de la realidad que él. Incluso en sus momentos más dinámicos y poderosos, Fleck es un peón en el juego de todos los demás.

Lawrence Sher vuelve como director de fotografía para la secuela y, una vez más, se esfuerza al máximo. Su iluminación es rica, sus encuadres son burlones y sus alegorías suelen resultar dolorosamente directas (cuando Arthur se siente feliz, el sol empieza a brillar sobre él). Pero, una vez más, ese es el mundo de Arthur. Se siente oprimido como ningún otro ser humano se ha sentido jamás. Se siente liberado por el amor de la misma forma en que ningún otro novio se ha sentido jamás liberado por el amor. Canta canciones de otras personas porque no puede expresarse por sí solo. Simplemente, no tiene tanto talento.

Joaquin Phoenix, por supuesto, tiene un talento increíble y aporta nuevas perspectivas a Arthur Fleck que el propio Arthur no parecía entender hasta ahora. Está a la altura de Lady Gaga, cuya interpretación de Harley Quinn va en contra de prácticamente todas las demás interpretaciones. El guion de Phillips y Silver utiliza la idea básica de una groupie del Joker como punto de partida e ignora prácticamente todo lo demás, creando un nuevo personaje que encaja en su mundo y probablemente en ninguno de los demás. Lo que puede ser una distracción para algunos, ya que los fans de Harley Quinn son un grupo devoto.

Lo más impresionante de “Joker: Folie à Deux” es la forma en que Phillips socava voluntariamente su propio éxito de taquilla de mil millones de dólares. Está mirando hacia dentro. Arthur está mirando hacia dentro. Esperemos que el público también lo haga y se pregunte por qué les importa tanto Arthur Fleck en primer lugar. ¿Realmente amamos a Arthur o simplemente amamos cómo su historia, en sí misma un melodrama televisivo glorificado sobre una persona triste que comete crímenes tristes por el bien de un público curioso y triste, nos hace sentir sobre nosotros mismos? 

“Folie à Deux” es la película más interesante sobre Arthur Fleck. Es realmente un poco atrevida, realmente un poco desafiante y realmente un poco genuina. Y no es ninguna broma.

Crítica Cinéfila: The Color Purple

En 1909, Celie, una chica negra norteamericana, es entregada en matrimonio por su maltratador padre a un granjero local, Albert, que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y su liberación llega en forma de una cantante de jazz. 

Para una historia tan llena de trauma y dolor (violencia, sufrimiento, racismo, secuestro de niños, abuso conyugal), la segunda adaptación cinematográfica de la novela de Alice Walker ganadora del Premio Pulitzer de 1982, "El color púrpura", es una experiencia sorprendentemente alegre y satisfactoria. La conclusión predominante son sus temas resonantes de espiritualidad, autodescubrimiento, redención y resiliencia. Basada en el musical de Broadway de 2005 que fue revivido con gran éxito 10 años después, la producción marca un paso seguro hacia un lienzo mucho más grande para el artista multimedia Blitz Bazawule. Hace un guiño elegante a la huella de la película de Steven Spielberg de 1985 mientras forja vigorosamente su propia identidad.

El musical teatral presenta canciones de Brenda Russell, Allee Willis y Stephen Bray y un libro de Marsha Norman, que acredita tanto la novela de Walker como el guión de Menno Meyjes para la película de Spielberg como material fuente. El dramaturgo Marcus Gardley escribió la última adaptación, que se mantiene fiel a las versiones anteriores de la historia y a su retrato indeleble de las vidas de las mujeres negras en el sur rural de principios del siglo XX. Donde podría decirse que esta nueva película gana en complejidad es en su mayor comprensión de los personajes masculinos clave y la viveza con la que da forma al entorno en torno a la importancia de la cultura popular, la música y la fe.

Fantasia Barrino asumió el papel principal de Celie en el segundo año de la presentación original del programa en Broadway. Ella demostró ser no sólo una vocalista potente sino también una actriz instintiva, aprovechando con ternura y vulnerabilidad lo que parecía una fuerte conexión personal con la historia. Su actuación fue cruda y real, colocando a Celie más firmemente en el centro emocional de un musical en el que la protagonista pasa mucho tiempo como una figura pasiva al margen. Ese es uno de los riesgos inherentes de tener personajes secundarios que roban escenas como la indomable Sofía y el extravagante cantante de juke-joint Shug Avery.

En un impresionante debut cinematográfico dramático, Barrino hace un conmovedor viaje del surgimiento de Celie, de las dificultades y la opresión a la independencia, su orgullosa autoestima y su amor desbordante. Incluso si la película de Bazawule vuelve a tomarse su tiempo para centrar a Celie en su propia narrativa, pocos se quejarán cuando comparta la atención con la maravillosa Danielle Brooks, una fuerza titánica que retoma el papel de Sofía que interpretó en Broadway en la reposición de 2015; y con una igualmente divina Taraji P. Henson, que muestra un carisma indescriptible, una musicalidad exultante y un glamour estridente al nivel que Shug lo requiere.

Como Mister, el marido que adquiere a Celie por el precio de una vaca y un par de huevos y luego la trata como a un caballo de batalla que golpea a su voluntad, Colman Domingo es adecuadamente despreciable. Pero también es un hombre dañado que heredó los peores rasgos de su padre dominante y mezquino (Louis Gossett Jr.). No puede estar con Shug, la mujer que ama de verdad, que va y viene de su vida cuando le place y está destinada a seguir siendo esquiva. Domingo localiza un anhelo inarticulado debajo del quebrantamiento de Mister que hace que su eventual expiación sea creíble y conmovedora.

El hijo de Mister, Harpo, también adquiere más matices en la caracterización de Corey Hawkins, sin mencionar que se basa en el trabajo del actor de "In the Heights" que pone en más evidencia sus habilidades para cantar y bailar. Impulsado por su corazón y no por los condicionamientos sociales de su educación, Harpo parece decidido a romper el ciclo de los hombres regidos por su dureza. Tropieza gravemente y se arrepiente al instante al sucumbir a nociones anticuadas sobre cómo mantener a raya a su luchadora esposa Sofía. Pero hasta ese error de juicio, que provocó la estruendosa negativa de Brooks a dejarse subyugar en una de las canciones más destacadas, "Hell No!" — su matrimonio es el feliz opuesto de la unión sin amor que tienen su padre y Celie.

Bazawule y Nick Baxter han escrito una nueva canción para Harpo, “Workin'”, interpretada mientras construían el local de música junto al pantano que lo encamina en su camino empresarial. La marcada diferencia entre Mister y su hijo mayor se resume con humor cuando Harpo y los hombres de su equipo de construcción son dejados de lado mientras Sofia y las mujeres toman el control. Esa canción casi desechable, como muchos de los interludios musicales, es impulsada por la enérgica coreografía de Fatima Robinson en un número de producción sólido. Si hay un defecto persistente en el enfoque de Bazawule hacia el material, es la sensación desde el principio de que no todas las canciones necesitan ser tan grandes.

Hay un espectáculo innegable en los feligreses arremolinados que se dirigen al servicio dominical, una cuadrilla de percusivos blandiendo picos, un grupo de mujeres lavando ropa contra la cortina de una cascada (estas últimas imágenes evocadas de la imaginación de Celie) o el júbilo general de “Shug Avery Comin' to town." Pero la película podría haberse beneficiado de la colocación anterior de una o dos baladas íntimas, particularmente en términos de acceso emocional a una protagonista que, por diseño narrativo, tarda mucho en encontrar su voz.

El florecimiento estilístico de Celie imaginándose a sí misma y a Shug en un tocadiscos de gramófono también parece fuera de sintonía con el resto de la película. Es como si Bazawule no pudiera decidir entre integrar dramáticamente las canciones o desviarse hacia desvíos fantasiosos, una distracción innecesaria que también ocurre a mitad del espectacular tema de Henson, "Push Da Button". El toque del director es más consistente en las escenas dramáticas, donde la narración y las actuaciones son lo suficientemente fuertes como para superar los errores.

Phylicia Pearl Mpasi es conmovedora como la joven Celie, cuyo corazón se abre cuando su adorada hermana menor Nettie (Halle Bailey) es arrancada de su vida. También es un testimonio de la encantadora presencia de Bailey (Nettie es alegre, extrovertida y segura de sí misma en formas que su oprimida hermana puede admirar pero aún no emular) que el anhelo representado por la ausencia de Nettie en la vida de Celie se sienta palpablemente en todo momento.

Esa ausencia se ve mejorada hasta cierto punto por la entrada explosiva de Sofía, cuya actitud de no aceptar nada que Brooks transmite con gusto y dominio naturales. Su contagioso humor y efervescencia hacen que sea aún más aplastante ver al personaje brutalizado por su franqueza con la condescendiente esposa del alcalde (Elizabeth Marvel). Aún así, incluso si Sofía queda deprimida durante gran parte de la historia, la radiante actuación de Brooks es una de las principales fuentes de la ligereza de la película, atravesando constantemente como rayos de sol a través de las nubes.

La otra persona que abre los ojos hipnotizados de Celie a un modelo diferente de feminidad dueña de sí misma es Shug, quien captura su imaginación incluso antes de conocerse, a partir de una fotografía enmarcada que Mister guarda junto a su cama. Henson convierte a Shug en un faro de calidez y vitalidad sensual, incluso cuando aparece en la casa de Mister necesitando secarse después de una borrachera. Nunca se burla de Celie ni la trata como a una inferior, sino que toma bajo su protección a la servil esposa de su amante intermitente con una edificante hermandad, brindándole una felicidad que no ha conocido desde la partida de Nettie. Si bien el elemento lésbico de la relación de la novela de Walker se ha diluido aún más con cada recuento, no se borra del todo, y el dúo rapsódico de Barrino y Henson en "What About Love?" es un punto de inflexión emocional cuando la esperanza comienza a iluminar la vida de Celie.

Las señales de su emancipación están escritas en gran medida, primero en una conmovedora reescenificación de la clásica escena de la comida familiar en la que finalmente se enfrenta a Mister. Para entonces, todos los presentes en el público compartirán la indignación de Celie, su recién adquirida autoridad y el derecho que Dios les ha concedido a exigir retribución, interpretada con fuego formidable por Barrino y reproducida con humor salado por Brooks mientras Sofía más o menos regresa de la muerte.

Shug también celebra la liberación de Celie una vez que sale de la bota de Mister en Memphis, rindiendo un cariñoso homenaje cantando “Miss Celie’s Blues (Sister)”, una de las melodías de Jones heredadas de la película de Spielberg. El otro es "Maybe God is Tryin’ to Tell You Somethin’", un himno que marca el final del exilio de Shug como una "mujer suelta" marginada y su renovada aceptación por parte de su padre predicador (David Alan Grier). Los atuendos de la vestuarista Francine Jamison-Tanchuck para Shug son deslumbrantes, particularmente el impresionante conjunto rojo que usa para su debut como atracción estrella en Harpo's, haciendo una gran entrada en barco.

Cualquiera que aprecie el estilo disfrutará con los pantalones de cintura alta de los años 40, utilizados como símbolo de autorrealización triunfante femenina, y el excelente trabajo de Jamison-Tanchuck resulta especialmente vibrante una vez que el negocio de sastrería de Celie despega. “Miss Celie's Pants” es un número de producción exuberante donde la gran energía se siente totalmente ganada. A partir de ahí, Barrino navega por la transición hacia la independencia y la orgullosa autoestima con un sentimiento de éxtasis en "I'm Here". Ella interpreta la gran versión de la canción directamente ante la cámara, lo que le permite a Celie tomar posesión decisiva de su historia y hacer la transición a un acto final que se convierte en una declaración total de gratitud y elogio.

Si bien Bazawule y sus compañeros productores musicales ejecutivos Baxter y Bray honran la mezcla estilística del musical de gospel, pop, R&B, blues, jazz y melodías de espectáculos de Broadway, también hay un bienvenido sabor contemporáneo en algunos de los números aquí, en particular “Keep It Movin'” dirigido por la joven Nettie de Bailey con una voz preciosa.

Además de Grier, Gossett y Marvel, el casting de lujo, incluso para papeles menores, incluye a Ciara interviniendo para una breve aparición como la Nettie adulta; Gabriella Wilson, también conocida como HER, como Squeak, la novia de Harpo; Aunjanue Ellis-Taylor (tan intensamente conmovedora en Origin de Ava DuVernay) como la madre de Celie en flashbacks; y Jon Batiste, luciendo fabuloso con trajes elegantes como Grady, el elegante esposo de Shug.

La experiencia de Bazawule como artista con múltiples guiones (anteriormente codirigió el álbum visual de Beyoncé "Black Is King", hizo su debut cinematográfico en 2019 con la fábula afrofuturista con buenas críticas "The Burial of Kojo" y también actúa como artista de grabación de hip-hop "Blitz the Ambassador") garantiza que la película no sólo suene genial sino que también luzca suntuosa. El uso de la luz y el color en la cinematografía de Dan Laustsen es cautivador, y el diseño de producción de época de Paul Denham Austerberry añade un atractivo toque de magia teatral a escenarios auténticos. Las características de la ubicación, como una playa de Georgia con enormes marañas esculturales de madera flotante o árboles cubiertos de musgo español, son hermosas.

Es prácticamente imposible resistirse a la explosiva recuperación de la vida en las enormemente satisfactorias escenas finales de la película, que deberían cumplir el doble objetivo de reinventar "The Color Purple" para una nueva audiencia y, al mismo tiempo, darle un brillo fresco y brillante a la historia para la generación que creció con la versión de Spielberg.

Crítica Cinéfila: Mean Girls

La nueva estudiante Cady Heron (Angourie Rice) es bienvenida a la cima de la cadena social por el elitista grupo de chicas populares llamado "Las Plásticas", gobernado por la intrigante abeja reina Regina George (Reneé Rapp) y sus secuaces Gretchen (Bebe Wood) y Karen (Avantika). Sin embargo, cuando Cady comete el grave error de enamorarse del ex novio de Regina, Aaron Samuels (Christopher Briney), se encuentra en el punto de mira de Regina. Con la ayuda de sus amigos marginados Janis (Auli'i Cravalho) y Damian (Jaquel Spivey), Cady se propone acabar con la depredadora del grupo y aprender a ser fiel a sí misma en la jungla más despiadada de todas: el instituto. 

A primera vista, rehacer con éxito "Mean Girls" parecía improbable. Pero afortunadamente, la nueva versión, con un guión nuevo de Tina Fey (basado en el libro de Broadway y su guión de su película de 2004), logra hacer que la vida con los Plásticos sea bastante fantástica.

La historia es igual que la exitosa película de 2004, y sigue a Cady Heron (Angourie Rice) mientras intenta adaptarse a la vida en una escuela secundaria del Medio Oeste en medio de grupos, chismes y novios robados. Con sus nuevos amigos, Janis (Auli'i Cravalho) y Damian (Jaquel Spivey), Cady trama un plan para arruinar la vida de Regina George (Reneé Rapp) y sus compañeras plásticas, Gretchen (Bebe Wood) y Karen (Avantika). Pero las cosas se descarrilan cuando la propia Cady cae presa en la dinámica del poder rosa fuerte, particularmente cuando ella y Regina compiten por la atención del chico popular Aaron Samuels (Christopher Briney).

Aunque la historia central sigue siendo la misma, Fey actualiza sabiamente el guión para una nueva generación de adolescentes. Muchas de las frases más citadas del guión original (“Mi padre fue el inventor del strudel tostado” y “Entra, perdedor, vamos de compras”) se eliminan y se integra una lírica moderna, adaptada a números musicales, o tocados deliberadamente para evitar llamar la atención sobre ellos. Los esfuerzos combinados de Fey, los directores Samantha Jayne y Arturo Pérez Jr. y el elenco brindan la debida deferencia a la película original, al mismo tiempo que se esfuerzan por hacer una película que exista completamente en sus propios términos. De hecho, muchos de los chistes aquí parecen haber sido líneas alternativas que Fey archivó hace 20 años y reelaboró ​​ahora con un toque GenZ.

La cultura adolescente ha cambiado drásticamente desde 2004 (en gran medida, para mejor), ya que la Generación Z ha trabajado para hacer de los “dolores de crecimiento” una época marcada por mucha más inclusión y aceptación que las generaciones anteriores. Como tal, se han eliminado algunos de los aspectos más problemáticos de la trama. Muchos cambios son bienvenidos. Pero hasta cierto punto, esto le quita los dientes a Mean Girls. Las plásticas y sus tácticas deben ser tan salvajes como las llanuras africanas. Pero cosas como las famosas páginas de Burn Book que llaman a Regina “vaca” en lugar de “puta” son falsas. Parte de la genialidad del "Mean Girls" original fue cómo capturó la franca crueldad de las adolescentes, y parte de esa mordedura depredadora ha sido amordazada aquí.

Otros cambios sociales, en particular el dominio absoluto que las redes sociales tienen sobre la cultura pop y las vidas de los adolescentes, se integran perfectamente en la trama. Jayne y Perez dirigen con mano firme, entrelazando impecablemente secuencias de videos de reacción de TikTok, comentarios de Instagram y más para ayudar a crear el mundo de North Shore High School alrededor de 2024. De hecho, desde los momentos iniciales de la película, que enmarcan los estilos musicales de la historia. A través de la lente de una grabación de iPhone, Jayne y Perez se encargan de establecer esto como un musical con un punto de vista claramente moderno.

A pesar de los esfuerzos de la campaña de marketing por ocultar el hecho de que esta adaptación es un musical, en gran medida lo es. Su partitura, con música del esposo de Fey, Jeff Richmond, y letra de Nell Benjamin ("Legally Blonde: The Musical"), es en gran medida corriente (como gran parte del teatro musical contemporáneo). Pero hay números destacados, en particular el tema principal de la película, “Revenge Party”, que se presenta como un montaje expositivo lleno de brillo y con los colores del arcoíris en el que Janis y Damian le explican su trama a Cady.

Ahora, aunque la musicalización no es tan sorprendente, los números musicales en sí son una delicia. Jayne y Perez crean un lenguaje visual claro para el mundo, con una sesión improvisada en el garaje que se expande a un mundo más amplio y brinda a la audiencia una lente útil para comprender el contexto de por qué los personajes empiezan a cantar. Desde Rob Marshall y "Chicago", ningún debut cinematográfico había mostrado una comprensión tan segura e innata del género musical y de cómo hacerlo visualmente apto de la pantalla grande para una audiencia moderna.

Si las barras Calteen son el arma secreta de Cady, entonces en "Mean Girls" es parte de su elenco. Eso fue el punto fuera de la versión de 2004 y lo sigue siendo ahora, aunque no necesariamente para los mismos personajes. El papel de Cady Heron marcó la transición de Lindsay Lohan de estrella infantil a actriz más adulta como muestra de su amplio poder de estrella. Por el contrario, Rice está ganando, aunque sea demasiado apacible, para vender de manera creíble el descenso de Cady a la chica popular maliciosa (y en un nivel quisquilloso, su voz es muy aflautada para ser una protagonista musical). Aunque es un gran agradecimiento al equipo de casting por las parejas épicas de parecido entre madre e hija en Rice y Jenna Fischer, así como a Busy Philipps y Rapp.

Si bien Mean Girls impulsó la carrera de Amanda Seyfried e hizo que Lacey Chabert fuera infinitamente memeable antes de que eso existiera, es poco probable que haga lo mismo con Karen y Gretchen. Wood es completamente olvidable como Gretchen, despojada de muchas de las mejores líneas del personaje y marginada como la ocurrencia tardía que Gretchen tan desesperadamente teme que sea. Como Karen, Seyfried canalizó su energía etérea en oro cómico, pero eso no es algo natural para Avantika y, en cambio, su actuación está terriblemente sobreactuada. Hacerse la "retardada" es casi tan difícil como hacerse el borracho, y Avantika no tiene las habilidades para ello, y su expresión parpadeante de ciervo ante los faros se desvanece en sus primeros momentos en la pantalla.

La verdadera estrella de la película es Rapp, quien transforma a la abeja reina Regina en una monstruosa de proporciones épicas. Ella lo canta a todo pulmón, la voz de Rapp no ​​toma prisioneros como su personaje. Pero es su decisión de adoptar un tono entrecortado e hipersexualizado que recuerda a Marilyn Monroe lo que muestra la brillantez de su interpretación irónica. Si Regina de Rachel McAdams tenía una precisión fría y letal, Regina de Rapp es mucho más atrevida. Ella es una carnívora lista para comerse a todas las chicas de North Shore High en el desayuno en un mundo que ella considera hecho para la "supervivencia del más apto". Su Regina es una chica que es dueña de su sexualidad y su poder y al mismo tiempo se niega a ceder ni un ápice de control. Es una actuación atrevida, un retrato de un maestro manipulador que no está dispuesto a liberarse de la prisión de su propia popularidad.

Su contraste no es Cady, sino Janis de Cravalho, quien actúa como narradora de facto de la historia junto a Damian de Spivey. Los dos intérpretes elevan estos roles con una gran energía del personaje principal: mientras Cravalho matiza a Janis más allá de la outsider gótica, convirtiéndola en una artista herida y empática; Spivey es una delicia como su compañero con una mirada magistral, una reina del drama que vive para derramar el té. Si bien Spivey infunde en Damian un perverso sentido del humor, también le otorga una gentileza que subraya el corazón de la sátira del pop ácido.

Cravalho ofrece una actuación poderosa y canta como Janis, particularmente en su número de las 11 en punto, "I'd Rather Be Me". Ella aporta alegría y dinamismo al papel que se alinea con esta versión más amable y menos extravagante de la historia. Cada vez que la estrella de Moana está en la pantalla, es imposible apartar los ojos de ella. Tiene una potente cualidad de estrella que finalmente brilla en un proyecto de acción real digno de su talento. Esperemos que su Janis sea sólo el detonante de hasta dónde llegará.

Como lo hizo en 2004, "Mean Girls" es un patio de recreo para una mezcla de talentos nuevos y frescos para quienes esperamos que no exista el límite. ¿Realmente necesitábamos otra versión cinematográfica? No. Pero es genial que la que hemos obtenido sea tan divertida como su original.

Crítica Cinéfila: Cyrano

Película que narra la vida de Cyrano de Bergerac, novelista y dramaturgo francés del siglo XVII.

El público inglés siempre ha preferido la historia trágica de Romeo y Julieta, pero en mi opinión, “Cyrano de Bergerac” de Edmond Rostand es la obra trágica más romántica. Para empezar, su tragedia no depende de la impaciencia y el suicidio de los adolescentes, sino de un afecto profundo y no correspondido durante mucho tiempo. Convencido de que su apariencia física no lo hace digno de su amada Roxanne, el caballeroso Cyrano no se atreve a expresar su ardor directamente y finalmente se lleva su secreto a la tumba. Y, sin embargo, la historia de Shakespeare sobre amantes desafortunados se cuenta una y otra vez infinitamente más a menudo que la de Rostand.

En aquellas ocasiones en que “Cyrano de Bergerac” se interpreta en el teatro, a menudo se le quita el verso o se interpreta para reír y hacer una farsa, mientras que la nueva y espléndida adaptación de Joe Wright presenta “Cyrano” como un musical dramático. Al reclutar a Bryce y Aaron Dessner de The National para componer las canciones, encantadoras y nostálgicas baladas pop para las cuales Matt Berninger y Carin Besser proporcionaron la letra, “Cyrano” restaura el sentido de la poesía de la obra. Al mismo tiempo, Wright, de nuevo en forma y evidentemente revitalizado por la pandemia, muestra una vez más el tipo de creatividad radical que hizo que "Pride and Prejudice" y "Atonement" fueran tan electrizantes en su época.

Con sus cámaras en picada y un diseño de producción más que deslumbrante, el estilo de Wright está más vivo que nunca, lo que le da un nuevo significado a la palabra "estilo". Pero incluso antes de que el director subiera a bordo, la escritora Erica Schmidt tuvo una epifanía: que podría reimaginar a Cyrano como un enano, y que no había actor más adecuado que su esposo, Peter Dinklage, para interpretar el papel principal (lo cual ya había hecho en una puesta en escena Off Broadway que ella dirigió). Hollywood puede haber tardado en reconocerlo, pero Dinklage realmente merece el estatus de actor principal, y aunque su voz para cantar deja mucho que desear, el guión personalizado de Schmidt aprovecha muchas de las fortalezas únicas de la estrella: es una carta de amor como la que Rostand sin duda aprobaría.

Aquí, la diminuta estatura de Dinklage cumple el mismo propósito que el schnoz de gran tamaño del personaje originalmente, otorgando a Cyrano una cualidad de extraño que debe compensar en exceso con su personalidad. Nuestro héroe ha sido llamado "fenómeno" tan a menudo que el insulto ha perdido su aguijón, y el manejo de la espada y el ingenio de Cyrano son tales que cualquier réplica seguramente resultará más cortante, como lo demuestra la película en su narración dinámica de la escena de apertura del teatro, en la que Cyrano hace su entrada extravagante. Interrumpe al actor a mitad del monólogo, luego procede a eclipsarlo con una batalla y duelo.

Como el amigo de confianza de Cyrano, Le Bret (Bashir Salahuddin), reconoce rápidamente, este tonto espectáculo ha sido en beneficio de una persona: Roxanne (Haley Bennett), que asiste con el poderoso pero desagradable Duque de Guiche (Ben Mendelsohn), rediseñado aquí como el tipo de rival que podríamos esperar encontrar en un cuento de hadas de Disney. Hay una buena razón para este cambio, que permite a Schmidt definir mejor el carácter de Roxanne desde el principio: "No soy la mascota de nadie, la esposa de nadie, la mujer de nadie", afirma desde el principio. Concedido la primera canción de la película, "Alguien para decir", Roxanne es más que el objeto abstracto del afecto de Cyrano, sino una mujer independiente que sabe lo que quiere, o al menos, cree que lo sabe, cuando se enamora de uno de los nuevos reclutas de Cyrano, Cristiano (Kelvin Harrison Jr.).

Pero Cyrano conoce el corazón de Roxanne quizás mejor que ella, y aunque se rompe cuando ella le cuenta sus sentimientos por Christian, promete proteger al joven recluta. Cyrano también se da cuenta de que sin su ayuda, el soldado inarticulado no tiene ninguna posibilidad de cortejar a Roxanne, por lo que se ofrece a escribir las cartas de amor que ella espera. El trato, como lo ve Cyrano: "Te haré elocuente, mientras tú me haces guapo". Y así comienza el cortejo más grande que jamás haya conocido el escenario, con Christian repitiendo el número anterior de "Alguien para decir", esta vez desde su perspectiva.

La trama de “Cyrano de Bergerac” es lo suficientemente conocida como para ahorrarse el relato, excepto para señalar que Wright se ha superado a sí mismo al idear formas originales e innovadoras desde el punto de vista cinematográfico para poner en escena el filme. Siempre ha habido algo un poco barroco en el estilo de Wright: un enfoque adornado y algo ostentoso además del vestuario, los escenarios y cualquier coreografía elaborada que la cámara pueda estar haciendo contribuyen al placer general que obtenemos al verlo. En “Anna Karenina”, todo se volvió demasiado molesto. Pero ahora se ha recuperado y no estaba dispuesto a dejar que el COVID se interpusiera en su camino.

Cambiando el escenario a la isla de Sicilia, donde podía crear una burbuja responsable dentro de la cual ejecutar su visión épica, Wright embelleció el diseño de producción natural de las ubicaciones. Cyrano y compañía pueden haber sido personajes de la vida real, pero incluso Rostand (famosamente meticuloso con los detalles históricos) se tomó una licencia considerable. Aquí sirven como arquetipos mientras Wright actualiza los aspectos del siglo XVII para adaptarlos a su estética, condenando a la nobleza con cintas, volantes y rostros empolvados mientras le da a Bennett un aspecto moderno más icónico como Roxanne.

Wright nunca se limita a los marcos convencionales. Al final del Acto 1, cuando Cyrano es acorralado por una multitud de matones, lleva a cabo una escena de lucha coreografiada que sigue en una sola toma, mientras Dinklage despacha hábilmente a 10 adversarios. Más tarde, cuando el personaje asume sus deberes de escribir cartas, Wright superpone ingeniosamente tomas de Roxanne y sus dos pretendientes para transmitir la complejidad de este triángulo amoroso. Y lo que es más importante, en la famosa escena del balcón, el momento en que Rostand supera claramente a "Romeo y Julieta", la película ingeniosamente diseña una forma para que su enamorado héroe se dirija directamente a Roxanne. Por brillante que pueda ser el guión de Schmidt, Cyrano sería el primero en admitir: "Las palabras solo pueden llevarme hasta cierto punto". La dirección de Wright hace el resto.

Crítica Cinéfila: Encanto

Cuenta la historia de una familia extraordinaria, los Madrigal, que viven escondidos en las montañas de Colombia, en una casa mágica situada en un enclave maravilloso llamado Encanto. La magia de Encanto ha dotado a todos los niños de la familia un don único, desde la súperfuerza hasta el poder de curar... Pero se olvidó de un miembro de la familia: Mirabel.  

Dirigida por Jared Bush y Byron Howard (el coguionista y codirector de "Zootopia"), con Charise Castro Smith como codirectora, "Encanto" ha sido visualizada con un vivaz resplandor naturalista que, por momentos, es casi psicodélico. Las canciones, de Lin-Manuel Miranda, son contagiosas, manteniendo a la película vibrando. Y la imagen completa es lo suficientemente intrincada y lograda como para hacer que la era en la que la película animada promedio de una casa de Disney estaba varios niveles por debajo de la de Pixar parezca historia antigua. Sin embargo, a pesar de todo el deslumbramiento que se exhibe, nada de eso significaría mucho si "Encanto" no presentara el conmovedor viaje de su heroína de una manera que no dejara de sorprenderlo. Esa es la clave para una animación cautivadora: se mantiene un ritmo jubiloso por delante de la audiencia.

Puede ser irónico, pero ciertamente es innegable que una fuerza clave que convirtió el poder femenino en un motor de la cultura popular fue Walt Disney Studios. Si quisieras, podrías ubicar la era del poder femenino contemporáneo en dos películas de Disney: "La Sirenita" (1989), con el personaje retro de autorrealización de su heroína principal, y luego, al año siguiente, "Pretty Woman”, que puso su sello en la era del feminismo moderno de la princesa con tanta seguridad como lo hizo“ Sex and the City ”ocho años después. Los animadores de Disney mantuvieron encendida la antorcha del poder femenino en todo, desde "Brave", pero estaba en "Frozen" que Disney forjó una epifanía del poder femenino. Elsa, la princesa que podía congelar cualquier cosa en su órbita, era una heroína dotada de poderes que ella consideraba demasiado fuertes; ella era una metáfora primordial de las dudas que una niña puede sentir acerca de dar rienda suelta a la plenitud de su propio ser.

"Encanto", aunque no es tan grandioso ni tan inquietante como "Frozen", es en gran medida una composición de seguimiento de lo que se siente para una niña al buscar habilidades que desatarán su verdadero yo. Mirabel, con ojos risueños y la vibra de una estudiante inteligente de primer año en Stanford, es amable, valiente y autosuficiente, y acepta su lugar dentro de su familia, o, al menos, trabaja muy duro para hacerlo. Pero ella es como la única mortal en un clan de X-Men, y para ella eso es desalentador.

Su madre, la cariñosa Julieta (Angie Cepeda), tiene la capacidad de curar las dolencias de las personas con su cocina, mientras que las hermanas y parientes de Mirabel tienden a ser superestrellas obsesionadas con su propia imaginación. Como, por ejemplo, su hermana Luisa (Jessica Darrow), cómica descomunal y de voz baja, que tiene superfuerza pero define su existencia enteramente a través de ese atributo; su tía Pepa (Carolina Gaitán), una especie tempestuosa que lleva una mini tormenta sobre su cabeza; su primo cambiante Camilo (Rhenzy Feliz), que sufre de una identidad débil; más prominentemente, su hermana Isa (Diane Guerrero), una princesa altiva "perfecta" que puede hacer florecer en cualquier lugar, lo que significa que nunca pierde la oportunidad de hacer alarde de su narcisismo florido.

Todos estos poderes y personalidades entrarán en juego, y hemos visto suficientes fábulas de superheroísmo para suponer que Mirabel finalmente localizará su propio destino mágico. Pero “Encanto” es más sutil que eso. La magia de los Madrigales es real, pero tiene una historia oscura (eran refugiados cuyo destino cambió por un milagro y ahora es sostenido por una vela de llama encendida). Su magia fluye hacia el pueblo, infundiendo y protegiendo a toda la comunidad de Encanto. Es una especie de utopía. Hasta que, literalmente, comienza a deshacerse por las costuras.

Cuando la vela comienza a parpadear, y la casa Madrigal comienza a romperse en fisuras y grietas. Mirabel, ahora bajo la mirada sospechosa de la matriarca de la familia, Abuela (María Cecilia Botero), se encarga de investigar y la película se convierte en una historia de detectives domésticos. Una figura clave es Bruno, el tío de Mirabel, expresado con un aplomo inseguro y ganador por John Leguizamo. Su capacidad para ver el futuro lo condenó al ostracismo, porque seguía siendo culpado por la más mínima mala noticia. Pero Bruno tiene la clave de lo que resulta ser un rompecabezas emocionalmente fascinante.

Una pista importante radica en que ella resuelva sus diferencias con su familia. Pero, ¿por qué eso resolvería algo? Esa es una de las ocho canciones originales que Miranda escribió para la película, todas buenas pero algunas inolvidables, como la fuerte Luisa rompiendo el juego de palabras estimulantemente complicado de "Surface Pressure" o el número de conjunto "We Don't Talk About Bruno", que tiene un coro lo suficientemente pegadizo. 

Toda la película tiene una vibra de forma libre y voluble, donde los personajes son obligados a encontrar antagonistas en sus propias inseguridades. ¿Hay algún villano? Por un momento, seguro que lo parece. Pero resulta que lo más vil de este astuto y conmovedor cuento de hadas es ignorar el amor que tenemos ante nuestras narices.