Temporada de Premios: Ganadores de la 31ra entrega de los Screen Actors Guild Awards

El domingo por la noche se entregaron la 31ra entrega de los Premios del Sindicato de Actores de Cine.

En las categorías de películas, Conclave ganó el premio a la mejor interpretación de un elenco. Timothée Chalamet fue nombrado mejor actor principal por "A Complete Unknown", y Demi Moore ganó el premio a la mejor actriz en un papel principal por "The Substance". Kieran Culkin ganó el premio al mejor actor de reparto en una película por "A Real Pain", y Zoe Saldaña ganó el premio a la mejor actriz de reparto por "Emilia Pérez".

En el apartado televisivo, Shogun se llevó tres premios, incluido el de mejor elenco de una serie dramática. Además, Anna Sawai ganó el premio a la mejor actriz de una serie dramática, mientras que Hiroyuki Sanada fue nombrado mejor actor de una serie dramática.

"Only Murders in the Building" ganó el premio al mejor elenco de una serie de comedia, mientras que Martin Short fue nombrado mejor actor en una serie de comedia por su papel en la serie. Jean Smart fue nombrada mejor actriz en una serie de comedia por "Hacks".

Jessica Gunning ganó el premio a la mejor actriz en una película para televisión o miniserie por "Baby Reindeer", un día después de llevarse a casa un premio Independent Spirit por su papel en la serie. Colin Farrell fue nombrado mejor actor en una película para televisión o miniserie por "The Penguin".

Durante la presentación previa, se revelaron los ganadores en las categorías de conjuntos de stunts, con "The Fall Guy" y "Shogun" obteniendo las victorias en cine y televisión, respectivamente.

La premiación fue presentada por Kristen Bell, quien también está nominada a mejor interpretación femenina en una serie de comedia por "Nobody Wants This".

También durante los Premios SAG, Jane Fonda recibió el Premio a la Trayectoria.

El mes pasado, el gremio canceló el anuncio en vivo y en persona de los nominados debido a los incendios forestales que azotan Los Ángeles y, en su lugar, compartió las nominaciones a través de un comunicado de prensa. El gremio también instó a las personas a donar a una organización benéfica para ayudar a los necesitados, y señaló que se pueden realizar donaciones al fondo de ayuda para desastres naturales de la Fundación SAG-AFTRA para ayudar a la comunidad SAG-AFTRA.

La ceremonia de los Premios SAG se transmitió en vivo por Netflix desde el Shrine Auditorium y Expo Hall en Los Ángeles.

A continuación se muestra la lista completa de ganadores:

Outstanding Performance by a Cast in a Motion Picture: CONCLAVE

A COMPLETE UNKNOWN

ANORA

EMILIA PÉREZ

WICKED

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role: DEMI MOORE / Elisabeth – “THE SUBSTANCE”

PAMELA ANDERSON / Shelly – “THE LAST SHOWGIRL”

CYNTHIA ERIVO / Elphaba – “WICKED”

KARLA SOFÍA GASCÓN / Emilia/Manitas – “EMILIA PÉREZ”

MIKEY MADISON / Ani – “ANORA”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role: TIMOTHÉE CHALAMET / Bob Dylan – “A COMPLETE UNKNOWN”

ADRIEN BRODY / László Tóth – “THE BRUTALIST”

DANIEL CRAIG / William Lee – “QUEER”

COLMAN DOMINGO / Divine G – “SING SING”

RALPH FIENNES / Lawrence – “CONCLAVE”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role: ZOE SALDAÑA / Rita – “EMILIA PÉREZ”

MONICA BARBARO / Joan Baez – “A COMPLETE UNKNOWN”

JAMIE LEE CURTIS / Annette – “THE LAST SHOWGIRL”

DANIELLE DEADWYLER / Berniece – “THE PIANO LESSON”

ARIANA GRANDE / Galinda/Glinda – “WICKED”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role: KIERAN CULKIN / Benji Kaplan – “A REAL PAIN”

JONATHAN BAILEY / Fiyero – “WICKED”

YURA BORISOV / Igor – “ANORA”

EDWARD NORTON / Pete Seeger – “A COMPLETE UNKNOWN”

JEREMY STRONG / Roy Cohn – “THE APPRENTICE”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Motion Picture: THE FALL GUY

DEADPOOL & WOLVERINE

DUNE: PART TWO

GLADIATOR II

WICKED

Outstanding Performance by an Ensemble in a Drama Series: SHOGUN

BRIDGERTON

THE DAY OF THE JACKAL

THE DIPLOMAT

SLOW HORSES

Outstanding Performance by a Female Actor in a Drama Series: ANNA SAWAI / Toda Mariko – “SHOGUN”

KATHY BATES / Madeline Matlock – “MATLOCK”

NICOLA COUGHLAN / Penelope Featherington – “BRIDGERTON”

ALLISON JANNEY / Vice President Grace Penn – “THE DIPLOMAT”

KERI RUSSELL / Kate Wyler – “THE DIPLOMAT”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Drama Series: HIROYUKI SANADA / Yoshii Toranaga – “SHOGUN”

TADANOBU ASANO / Kashigi Yabushige – “SHOGUN”

JEFF BRIDGES / Dan Chase – “THE OLD MAN”

GARY OLDMAN / Jackson Lamb – “SLOW HORSES”

EDDIE REDMAYNE / The Jackal – “THE DAY OF THE JACKAL”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Comedy Series: ONLY MURDERS IN THE BUILDING

ABBOTT ELEMENTARY

THE BEAR

HACKS

SHRINKING

Outstanding Performance by a Female Actor in a Comedy Series: JEAN SMART / Deborah Vance – “HACKS”

KRISTEN BELL / Joanne – “NOBODY WANTS THIS”

QUINTA BRUNSON / Janine Teagues – “ABBOTT ELEMENTARY”

LIZA COLÓN-ZAYAS / Tina – “THE BEAR”

AYO EDEBIRI / Sydney Adamu – “THE BEAR”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Comedy Series: MARTIN SHORT / Oliver Putnam – “ONLY MURDERS IN THE BUILDING”

ADAM BRODY / Noah Roklov – “NOBODY WANTS THIS”

TED DANSON / Charles Nieuwendyk – “A MAN ON THE INSIDE”

HARRISON FORD / Paul – “SHRINKING”

JEREMY ALLEN WHITE / Carmen “Carmy” Berzatto – “THE BEAR”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Television Movie or Limited Series: JESSICA GUNNING / Martha – “BABY REINDEER”

KATHY BATES / Edith Wilson – “THE GREAT LILLIAN HALL”

CATE BLANCHETT / Catherine Ravenscroft – “DISCLAIMER”

JODIE FOSTER / Det. Elizabeth Danvers – “TRUE DETECTIVE: NIGHT COUNTRY”

LILY GLADSTONE / Cam Bentland – “UNDER THE BRIDGE”

CRISTIN MILIOTI / Sofia Falcone – “THE PENGUIN”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Television Movie or Limited Series: COLIN FARRELL / Oz Cobb – “THE PENGUIN”

JAVIER BARDEM / Jose Menendez – “MONSTERS: THE LYLE AND ERIK MENENDEZ STORY”

RICHARD GADD / Donny – “BABY REINDEER”

KEVIN KLINE / Stephen Brigstocke – “DISCLAIMER”

ANDREW SCOTT / Tom Ripley – “RIPLEY”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Television Series: SHOGUN 

THE BOYS

FALLOUT

HOUSE OF THE DRAGON

THE PENGUIN

Crítica Cinéfila: A Complete Unknown

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Si tienes más de 60 años, es probable que algunos capítulos de tu vida hayan sido influenciados por la música de Bob. Si tienes menos de 30, seguro lo escuchaste gracias a ese miembro cool de tu familia. La historia de la vida de un hombre nacido como Robert Zimmerman tiene que servir de inspiración para alguien, pero ¿a quién? Hay que tomar decisiones, comprimir los plazos, sopesar los hechos frente a la leyenda.

Adaptando la excelente historia de Elijah Wald de 2015 “Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties”, “A Complete Unknown” opta por la leyenda, y lo hace de manera bastante hábil para los que desconocen su historia y que nunca entenderán por qué hubo tanto alboroto. Dirigida por James Mangold (“Walk the Line”), es una película biográfica de dos horas y 20 minutos, ágil, melodiosa y muy entretenida, con un chico popular y talentoso como protagonista para atraer a la Generación Z.

¿Y cómo está el chico? Está bastante bien, aunque su interpretación no tiene arco, por loque será la segunda mejor de la película. La historia sigue a un joven Bob Dylan durante cinco años de su vida, tocando la guitarra y la armónica, y trabajando duro para conseguir esa voz tan particular que aún hoy lo caracteriza. El esfuerzo técnico ha dado sus frutos, pero, lo que es más importante, Chalamet transmite la presencia de este jovencito folkie advenedizo: la seguridad y el mal humor, el oído que escucha más los cantos de sirena en su cabeza que a cualquiera de los presentes en la sala. La ética de trabajo y el desprecio, la inquietud y las máscaras, las letras ardientes y la voz de un joven profeta malhumorado: todo está ahí, excepto por la ligereza y la picardía que poseía Dylan en sus primeros años, antes de que todos lo confundieran con Dios.

"A Complete Unknown" abarca desde su llegada a Greenwich Village en 1961 como un don nadie de Minnesota de 19 años hasta su traición al resurgimiento del folk en Newport '65, coloca al cantante en el centro de una contracultura joven, seria y harta. La música se ve como una conexión con una versión más antigua y oprimida de los Estados Unidos: es una música de protesta contra la proliferación nuclear y en apoyo de los derechos civiles, y al principio Dylan encaja perfectamente.

El guión de Mangold y Jay Cocks muestra a Bob apareciendo junto a la cama del hospital de Nueva Jersey de Woody Guthrie (interpretado por Scoot McNairy), que está en cama debido a la enfermedad de Huntington. Pete Seeger (Edward Norton) también está allí, y el chico canta a los hombres mayores una canción —“Song for Woody”— que conmueve tanto a Seeger que lleva a Dylan a casa con su esposa, Toshi (Eriko Hatsune), y su familia para pasar la noche. 

Los meses de aprendizaje de Dylan, perfeccionando su personalidad y sus habilidades, se resumen en una aparición en el café del Village en la que cuatro personas importantes para la historia están convenientemente presentes: Robert Shelton, el escritor del New York Times cuyo artículo de septiembre de 1961 sobre Dylan impulsó su carrera; el poderoso productor discográfico John Hammond (David Alan Basche); Albert Grossman (Dan Fogler), que se convertirá en el manager de Dylan; y Joan Baez (Monica Barbaro), que se convertirá en su amante y rival.

“A Complete Unknown” transmite dos ideas importantes: que el resurgimiento del folk fue una reelaboración sobria y bastante privilegiada de material, y que Dylan revolucionó todo al escribir sus propias canciones. La película transmite el impacto electrizante que “Blowin' in the Wind” y “Masters of War” tuvieron en sus primeras audiencias; para cuando Dylan presenta “The Times They Are a-Changin'” en Newport '64, el público la ha adoptado como himno incluso antes de que llegue a la segunda estrofa. Para mucha gente, Dylan era un salvador; para la vieja guardia de la escena folk, era cada vez más una amenaza. La trama refleja con precisión el respeto que sentían por el joven Dylan personas como Seeger y Alan Lomax (Norbert Leo Butz), el legendario músico de campo y pilar del Newport Folk Festival. Y dramatiza con precisión su preocupación cuando el joven Jeremiah, entre ellos, siguió desafiante su propio camino.

“¿Qué quieres ser?”, pregunta Bobby Neuwirth (Will Harrison), uno de los pocos en el círculo de Dylan que lo trataba simplemente como un amigo. “Lo que sea que no quieren que sea”, espeta Dylan. Como su ídolo Marlon Brando, rechazó la fama, y ​​en ese rechazo parecía más glamoroso, más necesario que nunca. 

Enfrentado a una multitud que persigue a su nuevo gurú por la calle exigiéndole la verdad, el Dylan de Chalamet se esconde tras unas gafas de sol, una mueca de desprecio y un rock and roll que, para los folkies de clase media, era la música de los matones. Aparece en el estudio de grabación con un grupo de chicos malos, entre ellos el guitarrista Mike Bloomfield (Eli Brown) y Al Kooper (Charlie Tahan), que se sienta al órgano en “Like a Rolling Stone” porque los productores le han dicho expresamente que no lo haga. La música es cruda y eléctrica, y sumamente enfadada. 

En esta película, el jefe es Pete Seeger. Un Norton perfecto convierte esa traición en el aspecto más inesperadamente trágico de “A Complete Unknown”. Seeger —el dulce, santurrón y nada irónico Pete— fue indispensable para llevar la música folk y su conciencia socialmente progresista a las masas de jóvenes nacidos en el baby boom. En la actuación de Norton, se ve cómo la tristeza se apodera de los ojos del hombre mayor cuando Dylan abandona su talento por algo que Seeger no puede entender que es mayor: la fusión de folk y rock, pop y poesía, la conexión con las masas y un sentido de rebelión mucho más profundo. Disfruté la actuación de Chalamet, pero la de Norton me afectó en el mejor de los sentidos, tan perfectamente captura la generosidad, la piedad y la incomprensión casi total de Pete ante lo que está sucediendo: toda su generación se volvió obsoleta de la noche a la mañana.

¿Qué le falta a “A Complete Unknown”? La adicción de la época y una inmersión más profunda en la escena folk. Me habría gustado que Joe Tippett apareciera más de dos veces brevemente como el cantante folk Dave Van Ronk, y digamos que una película sobre un hombre que escribió más (y mejores) canciones de despedida que canciones de amor no va a dar mucho espacio a las mujeres de su historia. Suze Rotolo, la novia que se aferra a Dylan en la portada de su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, la han cambiado (aparentemente a petición del cantante) como Sylvie Russo (Elle Fanning); ella y Baez luchan una batalla perdida por la atención del cantante y de la película.

Más evidente aún es el clímax del Newport Folk Festival de 1965, cuando la multitud de folkies responde a la explosión sónica de “Maggie's Farm” con abucheos y casi disturbios. ¿Importa que gran parte del problema fuera que el sistema de sonido de un festival acústico no estaba a la altura del desafío y que redujo la revolución del rock de Dylan a un fango sonoro? ¿O que un miembro del público que gritara “¡Judas!” no se produjera hasta un año después y en otro país? La ironía es que la gran película biográfica de Bob Dylan ya existe: “I'm Not There” de Todd Haynes de 2007, una película tan desafiante como cualquier canción de Dylan y que responde a los trucos de toda su carrera al elegir a seis actores para interpretarlo, entre ellos Cate Blanchett y un joven negro.

Esa película, el libro de Wald y el documental de Martin Scorsese de 2005 “No Direction Home” son todo lo que se necesita si se quieren conocer los hechos y los restos, las joyas y los binoculares de la ascensión de Dylan. “A Complete Unknown” sólo cuenta la historia. Pero tal vez eso sea suficiente para que una nueva generación sienta la alegría de su apostasía en un momento en que el mundo parece estar una vez más al borde del precipicio de la artimaña, la traición y el desastre. Si es así, ¿qué siente al ver esta trama?

Crítica Cinéfila: Dune - Part Two

Tras los sucesos de la primera parte acontecidos en el planeta Arrakis, el joven Paul Atreides se une a la tribu de los Fremen y comienza un viaje espiritual y marcial para convertirse en mesías, mientras intenta evitar el horrible pero inevitable futuro que ha presenciado: una Guerra Santa en su nombre, que se extiende por todo el universo conocido.

En una de las secuencias dramáticas más decentes de "Dune: Part Two" de Denis Villeneuve, la luchadora Fremen Chani ( Zendaya ) le enseña al duque Atreides Paul (Timothée Chalamet) la forma correcta de caminar por la arena. Aunque a simple vista parecerá una burla, incluso un baile, tiene su lógica y uno se adentra a las reglas de Arrakis. Mientras arrastran los pies con delicadeza por ese árido terreno eterno, evitando el patrón rítmico que atrae a los gusanos de arena del desierto, hay una discreta dulzura en sus interacciones, una señal de la creciente intimidad de la pareja. Pero todo se cae cuando Paul insiste en los métodos que aprendió en un video antropológico y Chani responde con una mirada escéptica y exasperada. Desde los rituales Fremen hasta las tradiciones que son intercambiadas por miembros del grupo históricamente nómada van perdiendo peso narrativo a lo largo de esta secuela que, por alguna razón particular, se adentra más en un terreno de chistes fuera de lugar y un ritmo tan cercano como el anterior; quizás levemente mejorado en esta ocasión.

En gran parte se debe a que la sociedad Fremen y la relación de Paul con Chani se convierten en los hilos narrativos principales de esta segunda parte. "Dune: Part Two" mantiene el grandioso estilo visual introducido en su primera película y al mismo tiempo presta más atención a la historia y el desarrollo de los personajes, algo definitivamente mejorado en esta ocasión. 

La película, escrita entre Denis Villeneuve, Jon Spaihts y Craig Mazin, comienza horas después de los acontecimientos de la primera película. Paul y Lady Jessica (Rebecca Ferguson) se unieron al grupo Fremen de Chani, y su integración generó curiosidad y sospecha a partes iguales. Algunos miembros aceptan fácilmente a los nobles Atreides, mientras que otros se preguntan si son espías. Mientras tanto, los Harkonnen, liderados por el sanguinario barón Vladimir (Stellan Skarsgard), han recuperado el control de la producción de especias en Arrakis y han lanzado una guerra genocida contra los Fremen. 

Sin embargo, y a pesar de que la trama es aún más precisa en este encuentro, con una duración de cerca de tres horas, "Dune: Part Two" se mueve a un ritmo similar al paseo de arena de Paul y Chani por el desierto abierto. La narrativa se detiene en momentos inadecuados, conversaciones coincidentes y situaciones aparentemente chistosas;  un punto a favor es que la música de Hans Zimmer es aún más envolvente y la cinematografía de Greig Fraser ofrece perspectivas interesantes que profundizan nuestra comprensión del planeta fervientemente buscado. 

Y aún con esa impresionante cinematografía, esta segunda parte está plagada de una persistente superficialidad cuando se trata de retratar a los Fremen, un pueblo indígena que lucha por la autodeterminación dentro del imperio; la película tiene dificultades para abarcar plenamente los matices del texto antiimperial y ecológicamente distópico de Herbert. 

Parecería que Villeneuve no está interesado en los Fremen y se preocupa más por la integración de Paul con ellos, explorando cómo funciona su sociedad desde un punto de vista foráneo. Después de matar a Jamis (Babs Olusanmokun), Paul se gana el respeto de Stilgar (Javier Bardem), un líder religioso del ejército Fremen que espera al Mesías, y la tentativa aprobación de Chani. La pareja ayuda a Paul a aclimatarse a la vida en el desierto, enseñándole cómo tener una relación con la tierra. A través de sus lecciones, Paul ve el planeta como más que un lugar del cual extraer la mezcla psicotrópica conocida como Spice. Aprende a trabajar con el terreno árido en lugar de intentar dominarlo, un enfoque que mejora sus habilidades de combate. Y de repente, en menos de 10 minutos, ya se acostumbró, todos lo han aceptado y hasta nuevo nombre tiene.

A Villeneuve no se le puede menospreciar las secuencias de lucha, que muestran cómo el pequeño ejército de los Fremen burla constantemente la fuerza tecnológica de los Harkonnen. Desde montar gusanos extraterrestres hasta usar las tormentas de arena como cobertura, recurren a su mundo natural para mantener la ventaja. En algunas escenas, los alrededores de arena brillante y blanqueada quedan envueltos en profundas nubes de polvo casi como sangre, que desorientan a los enemigos. Mientras los antagonistas intentan encontrarse a sí mismos, los Fremen se mueven rápidamente para desarmarlos y desmembrarlos.

Cuando la película va más allá de las escenas de lucha, el acercamiento a las tradiciones Fremen es bastante inestable. Mientras Paul genera confianza entre el ejército Fremen, su madre siembra rumores entre la gente en las cuevas de que su hijo es el Mesías. A pesar de las protestas de Paul, Lady Jessica y su feto "no nacido" quieren cumplir la misión del todopoderoso grupo religioso matriarcal Bene Gesserit; es bastante confuso comprender si son parte del mismo grupo o no.

Las actuaciones de Chalamet y Ferguson son más fuertes cuando madre e hijo discuten sobre qué hacer. A través de estos argumentos, Chalamet se deshace de la inocencia juvenil de la primera película por una personalidad más oscura y complicada, pero por momentos con una actitud casi satírica y picarona que no encaja. El personaje de Ferguson es el que verdaderamente se pierde cuando entra en un terreno moralmente más ambiguo y los Fremen le piden que se convierta en la Reverenda Madre del grupo. Aceptar el papel significa heredar los recuerdos de los Fremen. Es aquí donde la película de Villeneuve podría haber aprovechado la oportunidad para interrogar la razón de que Paul y Jessica, dos forasteros conectados al régimen imperial, heredaran los secretos y tradiciones de los indígenas Arrakis. 

En cambio, "Dune: Part Two" se hunde aún más en los intentos de explicar mientras complica la comprensión más texturizada del imperialismo al jugar repetida y sutilmente con la religiosidad de los Fremen para reír. Habría sido mucho más interesante analizar, aunque sea brevemente, por qué existen divisiones dentro de los Fremen sobre la existencia de un Mesías en primer lugar. ¿Por qué Chani lucha con vehemencia contra la creciente popularidad de Paul, mientras que Stilgar se desespera por abrazarla? ¿Se pueden atribuir estas facciones a algo más que a las maquinaciones Bene Gesserit? La película de Villeneuve es mucho mejor al mostrar la violencia más obvia del poder imperial y escenificar una batalla más familiar y básica entre el bien y el mal. 

La segunda parte  amplía el imperio Dune, introduciendo junto al Emperador (Christopher Walken) a su hija, la Princesa Irulan (Florence Pugh), así como al sobrino sociópata del Barón, Feyd (un loquísimo Austin Butler). A través de estos personajes, Villeneuve construye nuestra comprensión de los vínculos políticos y personales en juego y establece la absorbente narrativa de venganza de Paul. Ambos decentes en sus roles pero no necesariamente memorables.

Mientras el Duque aprende de los Fremen, lucha con la crisis existencial de someterse a la profecía Bene Gesserit y se enamora de Chani, mantiene a su padre cerca de su corazón. Gran parte del viaje personal y del desarrollo del carácter de Paul están ligados al deseo de vengar a su padre y al pueblo. Esa misma crisis existencial es lo que pasaba dentro de mí mientras observaba otra película de Villenueve que queda en mi lista negra, donde realmente se siente lo que está en juego en las preguntas más interesantes de la segunda parte sobre el destino y la lealtad, los agravios individuales y el bien común, y el futuro de Arrakis en general, pero que son literalmente abandonadas por rescatar otros ideales y momentos, seguramente por la impresión visual que causarían más que su comprensión e interés narrativo.

Crítica Cinéfila: Wonka

Basada en el personaje que protagoniza 'Charlie y la fábrica de chocolate', el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, 'Wonka' cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.

A todo fan de “Willy Wonka y la fábrica de chocolate” del 1971 le encanta la escena en la que Gene Wilder, como el místico fabricante de dulces, lleva a sus invitados a un viaje psicodélico por un túnel, recorriendo las entrañas de la fábrica de chocolate mientras canta un pequeño verso “No hay forma terrenal de saber en qué dirección vamos…”, volviéndose más enojado y más histérico a cada segundo durante la películ. El Wonka de Wilder era un amor, pero tenía un lado maníaco oculto. Y en “Charlie y la fábrica de chocolate”, la majestuosamente loca versión de Tim Burton de 2005, Johnny Depp, entonces en la cúspide de su estrellato cinematográfico, se volvió completamente Depp, interpretando a Wonka como un cruce vampírico entre Anna Wintour y Michael Jackson.

Pero en “Wonka”, la precuela musical divertida, conmovedora, impecablemente escenificada y asombrosamente estelizada del legendario cuento de Roald Dahl, Timothée Chalamet interpreta al personaje principal como el alma radiante de bondad efervescente. Su pasión por el chocolate está ahí (está prácticamente definido por eso), pero los problemas han desaparecido; también lo es cualquier rastro de un lado oscuro. Willy, un joven de unos 25 años, llega a Londres después de siete años de navegar alrededor del mundo, durante los cuales recorrió tierras oscuras en busca de las raras delicias que le darán a sus dulces su trascendente sabor. Tiene sus recetas de dulces (como el hoverchoc, un huevo de chocolate con un insecto en su interior que te hace levitar) y tiene su estilo (abrigo largo morado, chaleco, pañuelo, sombrero de copa arrugado). Pero, sobre todo, tiene su sueño: levantar el mundo llevando la maravilla de sus dulces a todos los que lo habitan.

Para Willy, el chocolate no es un simple dulce. Es una religión, algo que te elevará y cambiará tu día, tu estado de ánimo, tu vida. Y esa creencia se encarna en la actuación delirantemente contagiosa de Chalamet. Es un truco interpretar a alguien tan entusiasta, inocente y ansioso y hacerlo magnéticamente encantador y creíble, y Chalamet tiene el carisma de estrella para lograrlo. Como Willy, es el alma de la dulzura juvenil, aunque con un toque de tristeza (extraña a su difunta madre, interpretada en un flashback por Sally Hawkins), quien le inculcó su amor por la fabricación de chocolate y que se expresa en el delgado y la pensativa mirada de cejas oscuras que nos sigue indicando lo que está pensando. Es como PT Barnum interpretado por el hijo de Daniel Day-Lewis. Chalamet canta con un tono de barítono puro y sincero, comprometiéndose con líneas como "¡Pon tu mano dentro de tu bolsillo, consigue un poco de chocolate Wonka!" Y no es sólo el personaje el que está sano hasta un centímetro de su vida. Como película, “Wonka” puede ser el musical de Hollywood de mayor escala en décadas.

¿Qué tan cuadrado es? En una era que nos ha brindado musicales visionarios de siguiente nivel como “La La Land”, “Moulin Rouge!” y la sorprendentemente subestimada “The Greatest Showman”, así como adaptaciones de Broadway tan modernas y vibrantes como “Chicago”, “Hairspray”, “In the Heights”, “Mamma Mia!”, “Les Misérables” y “Rent”, “Wonka”, dirigida y coescrita por Paul King (quien hizo las películas de “Paddington”), interpretan como una versión visualmente más ágil de alguna reliquia de canto y baile de la era tardía del sistema de estudio de “Oliver!” (1968) y “Scrooge” (1970). Es tan cuadrado que hace que “Mary Poppins Returns” parezca vanguardista.

Willy ha venido a Londres para montar su primera tienda de chocolates, algo que planea hacer en las Galleries Gourmet, un vasto y ornamentado centro comercial que alberga las tiendas de los tres chocolateros reinantes (y corruptos) de la ciudad: Slugworth (Paterson Joseph), el untuoso cabecilla con sonrisa de serpiente; el snob Fickelgruber (Matthew Baynton), a quien literalmente le dan arcadas cada vez que escucha las palabras "los pobres"; y el pomposo Prodnose (Matt Lucas), quien no sabe filtrar información. Willy tiene 12 soberanos de plata a su nombre, que utiliza en un solo día. Sabe que tan pronto como la gente pruebe su chocolate, tendrá el dinero para abrir la tienda de sus sueños. Pero cuando nuestro trío de villanos lo prueba, saben que tendrán que acabar con él utilizando al Jefe de Policía (Keegan-Michael Key), un tonto adicto al chocolate que cumple sus órdenes para obtener una gran recompensa clandestina de dulces.

Como si este sindicato del chocolate no fuera impedimento suficiente, el destino de Willy es aterrizar en una pension dirigida por la Sra. Scrubbit (Olivia Colman), un ogro dickensiano que atrapa a sus clientes con un contrato de por vida, encarcelándolos en el sótano como esclavos trabajadores. Colman y Tom Davis, como el corpulento secuaz de la señora Scrubbit (que se convierte en su ridículo novio vestido con un kimono de seda), se burlan y gruñen como si salieran de una producción itinerante suburbana de "Sweeney Todd". Quizás tengas que volver al Child Catcher en “Chitty Chitty Bang Bang” (1968) para encontrar villanos musicales en este nivel de cobardía.

Da la casualidad de que Willy puede entrar y salir del cautiverio escondiéndose en un carrito de lavandería. Organiza a las otras víctimas de Scrubbit, como la triste huérfana Noodle (Calah Lane) y el contable Abacus (Jim Carter), en un equipo para ayudarlo a derrotar las fuerzas de la maldad al estilo de la vieja escuela. También se enfrenta a un ladrón que se convierte en su comodín: un Oompa-Loompa de piel naranja y pelo de paje verde, interpretado por Hugh Grant con un irresistible toque aristocrático y hosco. Todo esto es absolutamente disfrutable, al igual que el lujoso estilo victoriano del backlot de la película, y “Wonka”, con un poco de suerte, se convertirá en el éxito navideño que los dueños de salas de cine ahora están desesperados.

Sin embargo, apuesto a que podría haber sido un éxito aún mayor si hubiera sido un poco menos pulido para los niños y se hubiese aprovechado más la esencia de Roald Dahl (que estuvo presente en la animada adaptación del año pasado de “Matilda” de Dahl). Las canciones de la película, escritas por Neil Hannon, te llevan, aunque con más energía bulliciosa que éxtasis, al menos hasta que llegas a la canción icónica retomada de “Willy Wonka and the Chocolate Factory”, “Pure Imagination”, que hace un hermoso trabajo de hacernos cosquillas en nuestro gusto por lo dulce de la nostalgia. 

Crítica Cinéfila: Bones and All

Cuenta la historia del primer amor entre Maren, una joven que está aprendiendo a sobrevivir al margen de la sociedad, y Lee, un vagabundo con ideas muy intensas que vive marginado. Cuando se conocen, se unen en un viaje de mil millas que les lleva por carreteras, pasajes ocultos y caminos alternos en los Estados Unidos de Ronald Reagan. Pero a pesar de sus esfuerzos, todos los caminos conducen a sus aterradores pasados y a una última parada que determinará si su amor puede sobrevivir a su forma de ser. 

Puede parecer extraño, pero el relato íntimo de Luca Guadagnino sobre el primer amor entre dos vagabundos caníbales en la década de 1980 en Middle America, Bones and All, tiene una suavidad, sensibilidad y gentil naturalismo interesante e inesperado a la vez. Incluso cuando se están dando un festín con carne humana y se van vestidos con baberos de sangre y cartílago, la película muestra a sus protagonistas, interpretados con una conmovedora fragilidad protegida por Taylor Russell y Timothée Chalamet, no como monstruos, sino como forasteros sin raíces hambrientos de conectarse y alimentar un apetito que no pueden controlar.

Inspirada en "A Bigger Splash" y "Suspiria" de Guadagnino, esta es tanto una película de terror como una historia humanista de jóvenes privados de sus derechos que buscan descubrir quiénes, qué son y, en última instancia, anhelan pertenecer. Como tal, el mensaje de la película debería encontrar una audiencia especialmente receptiva entre las personas aún afectadas por ese doloroso camino adolescente hacia el autoconocimiento. El reencuentro del director con su estrella de Call Me by Your Name, Chalamet, le aumenta atractivo y química.

Pero el centro emocional de "Bones and All" yace en Russell, la revelación de "Waves" de Trey Edward Shults. Ella interpreta a Maren, una joven de 18 años que recientemente se transfirió a una nueva escuela secundaria en Virginia, donde evita aparecer en las fotos del anuario pero anhela la amistad. A pesar de que su protector padre (André Holland) la encierra en la habitación de su casa rodante por la noche por razones que pronto serán evidentes, se escapa a una fiesta de pijamas. Mientras se une a las tranquilas melodías de Duran Duran, se relaja en un estado de aturdida satisfacción, casi intoxicación sexual, y hace algo sorprendente que asusta muchísimo a sus compañeras de clase, y seguro dejará a muchos en la audiencia con la reacción de "definitivamente eso no lo vi venir".

Cuando regresa a casa salpicada de sangre, su padre le dice que empaque todo lo que pueda en tres minutos para que puedan escapar antes de que llegue la policía. Claramente, esta no es su primera partida tan apresurada. Pero en su próximo hogar temporal en Maryland, el padre desconsolado de Maren la abandona, dejando dinero en efectivo y una cinta de casete en la que cuenta los detalles de su joven vida, los episodios de carnicería que comenzaron con una niñera cuando ella era solo una niña, y las razones por las que ya no puede cuidar de ella.

El estado de ánimo delicado y la moderación melancólica, formados en parte por los cimientos silenciosos y acústicos a partir de los cuales se construye gradualmente la banda sonora atmosférica de Trent Reznor y Atticus Ross, inicialmente recuerdan a la hermosa "Let the Right One In" de Tomas Alfredson, otra representación emocionalmente estratificada del primer amor que presentaba un conflictivo guardián y una adolescente con un tipo diferente de necesidad de alimentarse.

Lo único que dejó el padre de Maren fue su certificado de nacimiento, lo que la impulsa a salir a la carretera en busca de su madre. Habiendo crecido creyendo que ella era la única de su clase, se sorprende en Ohio al conocer a Sully, muy excéntrico y desconcertantemente familiar, interpretado por Mark Rylance, cómicamente entrañable y decididamente espeluznante al mismo tiempo. Él dice que reconoció su olor como un compañero depredador desde una milla de distancia. Sully, un bicho raro que se refiere a sí mismo en tercera persona, le da consejos sobre cómo localizar a alguien que está cerca de la muerte, proporcionando sustento sin necesidad de matar. Pero después de haber compartido carne fresca y estar juntos, Maren se escabulle en lugar de aceptar su oferta de compañía.

Está más inclinada a quedarse cuando conoce a otro depredador más cercano a su edad, Lee (Chalamet), en Indiana. Muestra una arrogancia agresiva y es pragmático sin disculpas sobre los medios por los cuales satisface sus necesidades. Pero a medida que comienzan a viajar juntos, incluida una visita a la hermana joven de Lee (Anna Cobb) en Kentucky, él revela un lado más dulce que casi imperceptiblemente produce romance.

Un par de escenas clave en torno a este punto se inclinan más hacia el territorio del terror convencional. Uno es un encuentro en Missouri con un campesino sureño llamado Jake (Michael Stuhlbarg, otro actor de "Call Me by Your Name") y su ex-compañero policía Brad (el cineasta David Gordon Green en un papel poco común), durante el cual una amenaza tácita cuelga en el aire. Otro es una interacción con un trabajador del carnaval (Jake Horowitz). Al igual que la escena anterior de Virginia con Maren, esto sugiere una superposición entre el deseo pansexual y el canibalismo, aunque los descubrimientos imprevistos sobre el extraño angustian a Maren, quien se opone éticamente a destruir vidas.

Si bien no hay escasez de flujos de sangre, y sería una exageración llamar al manejo del canibalismo, es poco probable que el público con aversión al gore se moleste demasiado con esos elementos. Quizá sea porque Guadagnino ha hecho una especie de película de terror emo. Está mucho más interesado en el conmovedor aislamiento de sus jóvenes personajes principales y cómo se convierten en sus propios salvavidas que llegan a representar entre sí mientras bajan lentamente la guardia.

Russell y Chalamet interpretan esos aspectos con mínimas exhibiciones abiertas, pero con una oleada constante de sentimiento subcutáneo, de transparencia emocional a medida que los personajes se abren el uno al otro sobre los traumas de su pasado y la química entre los dos actores se profundiza, evidente en su encantador lenguaje corporal juntos. Todo lo que hacen es fácil, sin forzar, subestimado para lograr un efecto sutilmente conmovedor, y la incansable empatía por Maren y Lee es contagiosa. 

Escenas individuales al final de la acción con personajes interpretados por Jessica Harper (renovando su amistad con el director de Suspiria) y Chloë Sevigny (quien apareció en We Are Who We Are) amplían la comprensión de Maren de sí misma sin brindarle ningún consuelo. Pero la promesa de una cercanía duradera parece cambiar el paradigma de su mundo hasta que un personaje ambiguo de antes resurge, trayendo peligro y amenazando con poner fin a su indulto.

Los intereses aparentemente divergentes de Guadagnino en el romance y el terror nunca se han unido de manera tan ideal como aquí, en un lienzo en constante movimiento de una pequeña ciudad de Estados Unidos. Esos caminos secundarios, dejados atrás por el auge económico de los años de Reagan, se capturan en texturas granuladas con una sensación sencilla y apropiada para la época, cortesía del director de fotografía Arseni Khatchaturan.

Para una película sombría y soñadora que culmina en un nuevo derrame de sangre, violencia y sacrificio, el final es extrañamente conmovedor, incluso poético. Quizás se deba a que, aunque el guión de Kajganich cubre solo unos pocos meses de verano, parece comprimir dos vidas jóvenes de experiencia, como lo hacen todos los primeros amores abrumadores.

Crítica Cinéfila: Don't Look Up

Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento tan asombros como terrorífico: un enorme cometa lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. El otro problema es... que a nadie le importa.

Las películas de Adam McKay suelen ser difíciles de digerir. “The Big Short” nos dio una bofetada cuando utilizó a una Margot Robbie desnuda para explicar qué era la crisis de las hipotecas de alto riesgo, y el sobrevalorado “Vice” contó la historia de la vida de Dick Cheney con impresiones de “Saturday Night Live”. Sin embargo, el estilo informativo del director y el oscuro sentido del humor contrastan en "Don't Look Up", una divertida sátira sobre un cometa que está a punto de chocar con el planeta Tierra. La película no es explosiva, pero la trama sí lo es.

Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence interpretan a Randall y Kate, dos astrónomos que ven una roca espacial de 10 kilómetros de ancho que se precipita hacia el mundo y determinan que tendrá un impacto en seis meses, 14 días, un evento a nivel de extinción. 

El dúo alarmado lleva sus hallazgos a la presuntuosa presidenta de los Estados Unidos (Meryl Streep), y se sorprenden al descubrir que ella se ríe de la situación. Luego, un periódico de Nueva York publica la historia, pero nadie hace clic en ella. Entonces, van a un programa de noticias parecido a “Scarborough Country” llamado “The Daily Rip”, donde un productor les dice que los presentadores (Cate Blanchett y Tyler Perry) aman los segmentos de ciencia. Pero cuando el cometa se vuelve visible a simple vista, la población finalmente cree la historia, y se forman dos hashtags en competencia: #Justlookup y #Dontlookup. Sí, el mundo ha logrado politizar su propia destrucción inminente.

Obvio, estos eventos en cascada son probablemente una metáfora de la pandemia. Pero es entretenido y divertido. 

Si hubiera categoría en los Oscars para casting, Francine Maisler sería una apuesta segura para el 2022. Porque ha reunido indiscutiblemente, el elenco más envidiable del año para Don't Look Up. Actores identificables solo por el nombre de pila: Leo, Meryl, Cate, Jonah, Timothée. El poder de atracción es tanto el director Adam McKay (The Big Short y Vice) como la premisa. Don't Look Up es esencialmente Deep Impact conoce a Armageddon. Puede que muerda más de lo que puede masticar, pero con frecuencia es un alimento para el cerebro divertido y muy ambicioso. 

Hay muchas risas y a lo largo de su viaje hay un grupo de celebridades, las mejores de las cuales se acercan de puntillas a “Dr. Strangelove”. Mark Rylance interpreta a un titán tecnológico y orador motivacional llamado Peter Isherwell con una sonrisa enyesada y la voz inquietantemente tranquila de alguien que está a punto de sufrir un colapso mental. Ariana Grande es una estrella del pop que es un riff de sí misma. Y Timothée Chalamet es un gamer evangélico de Illinois que se besa con Kate.

Si McKay elaboró ​​las partes más divertidas de su sátira con un bisturí, alguien debería haberle entregado un machete para cortar un poco el guión. La película dura casi dos horas y diez minutos, y nos agotamos cuando las sorpresas se detienen y el final se vuelve inevitable. No obstante, DiCaprio y Lawrence tienen una buena química natural.

Lawrence y DiCaprio son guías agradables y especialmente complejas a través del caos: la primera con todo el corte de pelo y la actitud de Lisbeth Salander, el segundo una bola de nervios y dolencias. La dirección de McKay a veces se mueve al ritmo de una película de desastre y en otras ocasiones se detiene para realizar montajes que representan la vida en marcha frente a la destrucción inminente (un estilo muy bien establecido por el director en sus presentaciones anteriores). Es una película sobre malestares muy modernos: cómo no asumimos la responsabilidad personal, ya sea en las relaciones o en el escenario político; cómo se socava constantemente la experiencia; y cómo muere la verdad en las noticias. Quizás están sucediendo demasiadas cosas y no todo funciona. Aún así, McKay pega el final maravillosamente, agregando una picadura asesina que ojalá no muchos esquiven gracias a los créditos cortados de la plataforma de Netflix.

Crítica Cinéfila: The French Dispatch

Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. 

Wes Anderson escribe una extravagante carta de amor a los aventureros editores de sofisticadas revistas literarias como The New Yorker , y a los escritores, humoristas e ilustradores formados en sus filas en The French Dispatch . Rebosante de delicias visuales hechas a mano y actuaciones excéntricas de un elenco totalmente en sintonía con la longitud de onda característica del escritor-director, esta es la película equivalente a una colección de cuentos. Eso lo hace episódico por naturaleza y menos nutritivo en términos narrativos que algunas de las características de Anderson. Pero el lanzamiento de Searchlight es una curiosidad cautivadora, y una que muy pocos otro cineastas se hubiesen atrevido a crear.

La decisión de mantener la película en espera durante un año desde su estreno original después de la cancelación del Festival de Cine de Cannes 2020 tiene mucho sentido dada su celebración lúdica de todo lo francés, sobre todo el cine francés. Anderson reconoce una larga lista de influencias, entre las que se encuentran el hipsterismo beatnik de la nouvelle vague-period Godard, la rebelión juvenil y el arrebato romántico de Truffaut, la sátira social de Renoir y la payasada de Tati. Adicionalmente se evocan en la deslumbrante paleta de colores que nunca decepciona de parte de este director.

Es poco probable que el público que en el pasado ha encontrado el trabajo de Anderson precioso y excesivamente educado cambie un poco de parecer, y no sería sorprendente que algunos acusen a la nueva película de convertirse casi en una auto-parodia. Pero otros que han saboreado sus excursiones a los mundos idiosincrásicos y ricamente imaginados del director se adentrarán en las maravillas del diseño de producción de Adam Stockhausen, con sus ingeniosos decorados, miniaturas y modelos, que transforman la antigua ciudad romana de Angulema, en el lugar ficticio caprichosamente nombrado de Ennui-sur-Blasé. El escenario no es menos elaborado y cada fotograma no está menos lleno de detalles artesanales que los de The Grand Budapest Hotel, posiblemente el pariente más cercano de The French Dispatch entre las películas anteriores de Anderson.

Continuando con su afecto por las cajas narrativas dentro de las cajas, Anderson estructura la película como un obituario, una columna de viajes y tres artículos de fondo, todos apareciendo en el número final de la revista ampliamente leída que proporciona el título. El obituario es para Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), el editor fundador de The French Dispatch, quien dejó su Kansas natal 50 años antes y pasó décadas reuniendo un talentoso equipo de periodistas expatriados. Inspirado por los editores legendarios neoyorquino Harold Ross y William Shawn, Howitzer es una figura paternal pero también un duro capataz en la actuación típicamente inexpresiva de Murray. El letrero de "No llorar" que cuelga sobre la puerta de su oficina indica su tolerancia por el sentimiento, mientras que el tablero de Issue-in-Progress que presenta los diversos artículos e ilustraciones que compiten por el espacio podría ser casi uno de los propios guiones gráficos de Anderson. El testamento de Howitzer estipula que la revista dejará de publicarse tras su muerte.

La columna de viajes está escrita por el “reportero ciclista” Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), quien recorre la ciudad en su bicicleta, comentando graciosamente un día en la vida de Ennui. Con una ayuda visual con pantalla dividida y toallitas ingeniosas, nos guía a través del pasado, presente y futuro de varios rincones, y observa a lugareños coloridos como las prostitutas y los gigolós que se reúnen en los adoquines después del anochecer. Su estudio cubre las ratas que colonizan los túneles subterráneos, los gatos que se congregan en los tejados y los anguillettes serpenteantes que viven en los canales.

El primero de los artículos de fondo es The Concrete Masterpiece, escrita por la corresponsal de arte JKL Berensen, quien enmarca la pieza como una conferencia en un centro de arte de Kansas. Tilda Swinton, que nunca conoció un disfraz extravagante que no le gustó, luce cada centímetro del papel, vestida por la vestuarista Milena Canonero en un boho-chic elegante y deliciosamente llamativo, con un peinado de matrona, un montón de joyas poderosas y una placa dental. Berensen disfruta de cada detalle lascivo, en particular los indicios de sus propias asociaciones íntimas con el mundo del arte moderno.

Su historia se centra en Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un sociópata gruñón que cumple condena por un doble homicidio en la prisión/asilo de Ennui. En la sala de pasatiempos, comienza a pintar una serie de desnudos de su musa, la taciturna guardia de la prisión Simone (Léa Seydoux), que despiertan el interés del adquisicionista de arte Julien Cadazio (Adrien Brody) mientras está en la cárcel por evasión de impuestos. Tras su liberación, Cadazio y sus tíos (Bob Balaban y Henry Winkler) comienzan a promocionar el trabajo de Rosenthaler, avivando el mercado hasta que se atraen compradores prominentes de todas partes a la sorprendente presentación de su obra maestra, incluido el reconocido coleccionista de Kansas Upshur "Maw" Clampette (Lois Smith). 

El siguiente de los artículos es To a Manifesto, la característicamente descabellada versión de Anderson de las protestas de Francia de mayo de 1968, escrita por la estoica ensayista Lucinda Krementz (Frances McDormand). Mientras que alternativamente guarda y desprecia las virtudes de la neutralidad periodística, se une a los estudiantes revolucionarios ocupados derrocando siglos de autoridad republicana, o simplemente exigiendo acceso al dormitorio de las niñas. El principal de ellos es el apasionado maestro de ajedrez Zeffirelli (Timothée Chalamet), cuya distracción momentánea con la mundana Lucinda no oscurece del todo su mutua atracción antagónica con su compañera fanática Juliette (Lyna Khoudri).

El tercero y más complicado artículo es The Private Dining Room of the Police Commissioner, del escritor gastronómico Roebuck Wright, interpretado por Jeffrey Wright como un James Baldwin. El marco esta vez es una entrevista de un programa de televisión realizada por Liev Schreiber. Roebuck explica cómo su perfil del teniente Nescaffier (Stephen Park), el talentoso chef personal del comisario de policía municipal (Mathieu Amalric), se convirtió en un caos. Esto sucedió cuando una pandilla de matones y showgirls (entre ellos Saoirse Ronan) secuestró al hijo protegido del comisario (Winston Ait Hellal), exigiendo la liberación del contador del inframundo conocido como The Abacus (Willem Dafoe).

Inspiró figuras de comedia física a lo largo de la película, pero alcanza alturas particularmente vertiginosas en esta sección, que presenta magníficas secuencias de escape animadas que recuerdan al dibujante belga Hergé, creador de Las aventuras de Tintín, al tiempo que evoca las portadas clásicas de los neoyorquinos.

La “nota final” es la redacción del obituario de Howitzer, que se convierte en un esfuerzo de colaboración que involucra a todo el personal. Eso incluye a la editora de texto con mentalidad matemática (Elisabeth Moss) y al caricaturista (Jason Schwartzman, quien desarrolló la historia con Anderson, Roman Coppola y Hugo Guinness). Incluso el papel más pequeño está adornado con las encantadoras peculiaridades que son Anderson vintage, aunque si tuviera que elegir a los destacados, esos serían Del Toro, Seydoux, McDormand, Chalamet y Wright, todos los cuales parecen estar pasando un buen rato. Y es un placer escuchar la voz de Anjelica Huston (tan divinamente seca en The Royal Tenenbaums ) como narradora.

Los colaboradores habituales que hacen contribuciones vitales incluyen al director de fotografía Robert Yeoman, cuyas imágenes mezclan el blanco y negro con el color y están vivas con todas las simetrías, ángulos sesgados y composiciones cuidadosas tradicionales de Anderson; y el compositor Alexandre Desplat, cuyos teclazos de piano ayudan a dar forma al tono alegre.

Si bien The French Dispatch puede parecer una antología de viñetas sin un tema general fuerte, cada momento está agraciado por el amor de Anderson por la palabra escrita y los personajes extravagantes que dedican su vida profesional a ella. Hay una sensación nostálgica del paso del tiempo y una hermosa dedicatoria a los placeres de los viajes incrustada en el material, junto con un aprecio por la historia de los corresponsales extranjeros estadounidenses que llevan su perceptiva mirada de forasteros a otras culturas. La misión de la revista se resume así cerca del final de la película: "Quizás con buena suerte encontremos lo que se nos escapó en los lugares que alguna vez llamamos hogar".

Crítica Cinéfila: Dune, Parte I

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida.

En "Dune", la esperada y deslumbrante adaptación de Denis Villeneuve de la novela de ciencia ficción de culto de 1965 de Frank Herbert, va a dividir la audiencia desde sus primeros 30 minutos. Por un lado, estarán los que admirarán su vastedad en imagen y su cinematografía imperial; pero habrán otros (como yo) que no nos importará la impresionante fotografía o la imponente banda sonora de Hanz Zimmer, pues la película no funcionará de todas formas debido a sus vacíos narrativos.

"Dune", un trance de ciencia ficción majestuosamente sombrío y a gran escala, está lleno de fastuosas confusiones: guerras de clanes, ejércitos brutos, un grotesco villano autócrata, un héroe que puede ser el Mesías, que lo vincula, en espíritu y diseño, a las películas de "La guerra de las galaxias" y "El señor de los anillos", aunque con un ominoso depredador propio. La arquitectura del planeta desértico es de arenisca maya. Las naves espaciales son como rocas flotantes del tamaño de ciudades mientras que algunas parecen insectos gigantes. Y el estilo cinematográfico es "Lawrence of Arabia" se encuentra con "Triumph of the Will" que se encuentra con el comercial de colonia más visionario que Ridley Scott nunca hizo. “Dune” quiere sorprendernos, y a veces tiene éxito, pero también quiere meterse debajo de la piel como un mosquito hipnóticamente tóxico. Lo hace ... hasta que no lo hace y se vuelve demasiado pasiva.

Aquí hay una definición útil de una gran película de fantasía de ciencia ficción, en el que la construcción del mundo es asombrosa pero no más esencial que la narración. En las dos primeras películas de "Star Wars", esas dinámicas estaban en perfecta sincronía; también estuvieron en las películas de “Dark Knight” y “Mad Max”. “Blade Runner”, a su manera, es una película asombrosa, pero su construcción de mundos tiene más fuerza que sus trascendentales narraciones neo-noir.

Visto desde esa perspectiva, "Dune" es una película que gana cinco estrellas por construir un mundo y alrededor de dos y media por contar historias. Si lo comparas con la desastrosamente confusa adaptación de 1984 de "Dune" de David Lynch, puede parecer una obra maestra, pues la mayor parte de la historia ahora tiene sentido. Y durante una hora más o menos, la película es bastante fascinante, arrojando destellos seductores de traición al presentar la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet), el talentoso vástago de la Casa Atreides, cuyo padre, el duque Leto Atreides (Oscar Isaac), está liderando lo que parece ser una oportunidad, aunque llena de peligros y engaños.

Durante 80 años, el planeta desértico de Arrakis ha sido presidido por los Harkonnen, que gobernaron con mano de hierro mientras controlaban la producción de la valiosa especia que está incrustada en la arena y el aire. Ahora, el emperador ha ordenado a los Harkonnen que abandonen Arrakis y ha puesto a cargo a la Casa Atreides. Llegan como un ejército recién ocupante. Pero los están configurando como chivos expiatorios. Villeneuve se esfuerza por mantenerse fiel a la expansión conspirativa del sueño del planeta de arena de Herbert, incluso mientras adapta el libro a sus escenas más jugables. Chalamet, alto y delgado, interpreta a Paul como un héroe novato con habilidades que apenas comprende. Es descendiente gracias a su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), de la mística secta matriarcal Bene Gesserit, que quiere ponerlo en contacto con su salvador cósmico interior.

Hay buenas escenas como una en la que Paul aprende a hablar telepáticamente con su madre; o recibe una lección de Leto cálidamente protector pero demasiado vulnerable de Isaac, quien le habla sobre las elecciones humanas codificadas dentro del destino; o es sometido a una prueba primaria por su tía, Gaius Helen Mohiam (Charlotte Rampling). Stellan Skarsgård, casi irreconocible como el barón Vladimir Harkonnen, que es como un homicida flotante Jabba el Hutt cruzado con Enrique VIII cruzado con Fat Bastard, establece la trama en movimiento, recuperando a Arrakis al tratar de matar a casi todos en la película que más llaman nuestra atención.

Su tasa de éxito es un poco desarmante. Las escenas de combate cuerpo a cuerpo en “Dune” tienen un destello de originalidad. En lugar de sables de luz, los personajes se golpean entre sí con otras armas que reducen sus cuerpos a cuadros congelados electromagnéticos. Es emocionante ver a Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa como la figura de Han Solo, el sexy, leal y brutal de la película, enfrentarse a un pequeño ejército de enemigos.

Sin embargo, ¿a dónde va todo esto? "Dune" sigue presagiando el momento en que Paul se integrará con los Fremen, los pueblos indígenas del desierto de Arrakis que tienen una relación más orgánica con el peligroso paisaje y con la especia que cualquiera de sus gobernantes, pero que viven en un estado de la opresión de la guerrilla harapienta. Están esperando a que alguien los libere, y Paul parece ser esa figura, ya que está profetizado por media docena de flash-forwards intercambiables a su interfaz con Chani (Zendaya), una guerrera-protectora Fremen que recibe unas escenas de fantasía como una especie de princesa del desierto.

"Dune" comienza con un título que dice "Dune Part I", y hay una promesa estándar pero bastante presuntuosa incrustada en esas palabras: que después de 2 horas y 35 minutos, estaremos tan enganchados por esta saga que estaremos deseando la Parte II. Esa, en cierto modo, es la promesa de todas las franquicias. Pero el problema con "Dune" es que se siente, en diferentes puntos, como casi todas las demás franquicias. A lo largo de las décadas, más de unas pocas películas han surgido del ADN del universo de Herbert, como (por ejemplo) el acto de apertura de "Star Wars". Y hay una razón por la que es la primera parte de esa película; el desierto es un escenario terriblemente árido para la ciencia ficción. "Dune" es rico en "temas" y motivos visuales, pero se convierte en una película sobre Paul de Chalamet pilotando a través de tormentas de arena y relacionarse con los rebeldes del desierto, que en esta película son mucho más nobles que interesantes.

No es solo que la historia pierda el impulso. Pierde el sentido por el que estamos emocionalmente comprometidos con él. Los gusanos de arena gigantes, que son protectores de la especia y excavan en el desierto como un siniestro tornado subterráneo hasta que se revelan, son buenos por un momento y luego no. “Dune” hace que los gusanos, las dunas, el espectáculo paramilitar y la trama del niño-salvador sean inmersivos por un tiempo. Pero luego, cuando la película comienza a quedarse sin trucos, se vuelve mareada y vacía. ¿Realmente vendrá la Parte II? Es difícil construir un suspenso en arenas movedizas, y aunque le vaya muy bien a esta primera parte, no sé si estaría interesada en ver lo que sigue.

Crítica Cinéfila: Little Women

Cuatro hermanas llegan a la mayoría de edad en los Estados Unidos después de la Guerra de Secesión.

Yo crecí leyendo Little Women. Fue, y todavía es uno de mis libros favoritos. Pero, a pesar de mi gran amor por su historia, he detestado todas las adaptaciones. Entre el sexismo de la época y actuaciones pobres, ninguna había llegado a subir a mi pedestal... hasta que Greta le echó manos al libro, y pasó algo que nunca me había pasado antes: noté el parecido que existe entre Jo March y yo.

Con una transición de retrato íntimo del paso de la adolescencia femenina contemporánea a una pieza de conjunto a gran escala que representa el camino hacia la madurez de cuatro hermanas en Massachussets del siglo XIX, Greta Gerwig muestra que su propia transición a escritora-directora con Lady Bird no fue casualidad. Su gratificante interpretación de Little Women de Louisa May Alcott aporta frescura, vitalidad y matices emocionales al material original que ha sido grabado durante generaciones en la imaginación popular, moviendo piezas cronológicas para revitalizar los ritmos familiares de la trama. La película debería ser un potente atractivo familiar, especialmente para el público femenino joven, ya sea descubriendo la historia por primera vez o volviendo a ella con placer.

Gerwig navega hábilmente por la línea entre respetar los huesos pasados ​​de moda de la historia mientras ilumina la modernidad de su perspectiva proto-feminista, ocasionalmente inclinándose hacia la defensa abierta del derecho de una mujer a la autorrealización más allá del matrimonio. Su elenco puede estar ligeramente vinculado por sus tipos de personajes canónicos, pero aquí hay un trabajo de conjunto encantador, capitaneado con una Saoirse Ronan como Jo.

El guión de Gerwig comienza con Jo ya viviendo independientemente en una pensión de Nueva York, enviando dinero a su familia de sus trabajos de tutoría. El punto de inflexión que dará forma a su futuro se produce cuando vende su primera historia al Sr. Dashwood (Tracy Letts), editor del Volcán Semanal, aunque a pesar de sus dedos manchados de tinta, Jo insiste en que está enviando el trabajo "por una amiga" y pide que se publique de forma anónima. Ella acepta las "alteraciones" de Dashwood, y acepta transmitir el consejo de que si su amiga tiene la intención de escribir más historias con una protagonista femenina, debe asegurarse de que esté casada para el final, "o muerta". En la entrega completamente seca de Letts, es como si la ambición de Jo fuera recompensada y castigada al mismo tiempo.

La hermana menor de Jo, Amy (Florence Pugh, perfección) también se introduce bien en su desarrollo, estudiando pintura en París mientras sirve como acompañante de su adinerada tía March (Meryl Streep). Envuelta en adornos imponentes, incluidas las joyas antiguas de Fred Leighton, no menos, Streep claramente se está divirtiendo como la narcisista tía que resopla con desaprobación sobre cómo "las décadas han arruinado a París" y hace todo lo posible para ocultar su afecto por sus sobrinas detrás de su mirada entrecerrada y su desdén general. Amy está siendo cortejada por un británico adinerado, pero un encuentro casual con el amigo de la familia, Theodore Laurence (Timothée Chalamet), conocido como "Laurie", sugiere que su enamoramiento de la infancia por él no ha disminuido, a pesar de su muestra de simpatía por el rechazo de Jo a su propuesta de matrimonio.

La hermana mayor Meg (Emma Watson) también se encuentra no como una niña sino como una mujer joven, ya casada y viviendo en una cabaña por medios modestos con su esposo, el maestro de escuela John Brooke (James Norton), ex tutor de Laurie. Además de una breve visión de ella tocando el piano, la delicada cuarta hermana, Beth (Eliza Scanlen), permanece relativamente inexplorada en las primeras partes de la película, por razones que serán claras para cualquier persona familiarizada con la novela.

Antes de retroceder siete años para comparar la experiencia de las hermanas como jóvenes adultas con su adolescencia en Concord, Gerwig planta las semillas del romance entre Jo y su conocido en la pensión, Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de idiomas de Francia. Pero esa floreciente atracción mutua se interrumpe cuando critica sin rodeos una de sus historias de duelos y aventuras, diciéndole que escriba sobre algo que ella sabe. Su reacción hostil muestra lo poco acostumbrada que está Jo al rechazo del mundo real, pero la honestidad de Friedrich finalmente le servirá bien.

La mezcla volátil de buen humor, camaradería y celos en el hogar femenino March está muy bien dibujada, con la madre de las niñas Marmee (Laura Dern) presidiendo con paciencia y amor mientras su padre (Bob Odenkirk) está fuera sirviendo como capellán en la Guerra Civil. Tía March está muy dispuesta a señalar cómo su mal manejo de sus finanzas los ha dejado en circunstancias reducidas, instando a las hermanas a casarse bien. Pero Marmee está más decidida a dar el ejemplo de la caridad, alentando a sus hijas a dar a los menos afortunados.

Algunas escenas de las hermanas haciendo payasadas interpretando obras escritas por Jo bordean la preciosidad tensa. Pero los lazos de una familia muy unida se juegan con una intimidad infecciosa, mientras que las explosiones de ira se sienten tremendamente fieles a la vida, especialmente una la muy recordada cuando Jo toma represalias contra un rencoroso acto de rebelión de Amy. Gerwig identifica los diferentes grados en que las ideas de romance consumen a las March, desde la emoción convencional del amor en los libros de cuentos hasta los aspectos prácticos de la expectativa social, todo lo cual se deja de lado a medida que cada hermana sigue su corazón.

Todos los episodios más queridos de la historia tienen un espacio respiratorio acorde y un manejo seguro: el manuscrito quemado, el casi ahogo de Amy, el elegante baile al que asiste Meg, la salida alarmada de Marmee hacia Washington cuando su esposo se enferma.

El arco más devastador es el destino de Beth, cuya naturaleza dulce y gentil es interpretada con subestimación y afectando la serenidad, incluso en su punto más bajo, por Eliza Scanlen. Esos acontecimientos más tristes se ven atenuados por algunas escenas hermosas, mientras vemos al abuelo viudo de Laurie, el Sr. Laurence (Chris Cooper) responder con ternura a Beth, invitándola a tocar el piano en su majestuoso salón cuando lo desee, y luego presentarle el instrumento en un gesto de generosidad conmovedora. Cooper es maravilloso al exponer la humanidad apagada de este hombre intensamente privado que ha sufrido una pérdida terrible. El actor lo abre en grados infinitos, comenzando con un disparo intensamente en movimiento mientras el Sr. Laurence se sienta en las escaleras sin ser observado, llorando en silencio mientras Beth toca.

Gerwig realmente muestra su profundo sentimiento por el material en la escena de la propuesta de Laurie a Jo, capturada por el cinematógrafo francés Yorick Le Saux contra los verdes crujientes de una ladera ondulada, con una clásica iglesia blanca de Nueva Inglaterra, estratégicamente la única estructura visible.

La química entre Ronan y Chalamet (quienes aparecieron juntos en Lady Bird) es encantadora en todo momento: invierte los tipos de género tradicionales, avanzando con certeza y determinación. Cuando finalmente él se declara, sentimos dolor por Laurie, observando su rostro y su postura desmoronarse mientras pronuncia desesperadamente palabras inútiles, defendiendo su caso antes de absorber el golpe aplastante de la negativa diplomática de Jo. Sin faltarle el respeto a las mujeres que dan actuaciones vividamente habitadas, las sorprendentes elecciones de Chalamet lo convierten en el verdadero destacado aquí.

Es un testimonio de la afinidad de Gerwig por los personajes de Alcott y la artesanía inteligente de su ensamblaje narrativo que, por mucho que alentamos a Jo y Laurie a cimentar lo que claramente es una combinación de mentes y temperamentos contrastantes, los retorcidos resultados románticos de la historia se sienten perfectos - aunque suavemente cepillados con melancolía por lo que podría haber sido. Aún más importante para este recuento es la aparición de Jo como escritora, con su incipiente carrera dada una forma tangible mientras observa las imprentas y las carpetas de libros produciendo la primera edición de la novela que da título a la película. La cronología de doble pista también deja más claro que nunca que los recuerdos de Jo de su educación alimentan el descubrimiento de su verdadera voz como artista.

Entre el gran elenco, Watson se desvanece un poco en el fondo, posiblemente porque la chica bonita y vivaz se abre paso tan temprano para la esposa completamente buena que se casó por amor, no por comodidad material. Dern a veces parece un poco contemporánea como Marmee, pero esto no le quita calidad al personaje. 

Como siempre, el personaje más complicado es Amy, una egoísta redimida por su incuestionable amor por sus hermanas. Pugh (también excelente este año en Midsommar) continúa demostrando ser un talento distintivo, manejando todas las contradicciones engañosas del papel con gracia desarmadora, humor y una racha deliberada que se convierte casi imperceptiblemente en sabiduría. También hay una buena percepción del personaje en su ausencia de autocompasión cuando Amy toma la decisión de abandonar la pintura después de darse cuenta de que nunca será una gran artista. Su negativa a hacer cualquier cosa a medias le da al personaje una fuerza innata que contrarresta sus cualidades más fugaces. E incluso en su momento más desagradable, ella sigue siendo entrañable, obteniendo la línea más divertida de la película cuando jadea por cabello cortado de Jo, exclamando: "¡Jo, tu única belleza!". A pesar de mi gran miedo por este personaje, hay una novedad en su encarnación, y es cómo la misma Amy explica lo cansada que está de ser una segunda opción en todo, incluyendo la elección de Laurie después del rechazo de Jo.

Sin embargo, nunca hay ninguna duda de que Ronan está al mando, tanto en términos de conducir la historia como de la posición exaltada que ocupa dentro de su familia. La costurera Jacqueline Durran la viste con elegantes camisas de época, corbatas, abrigos y chalecos, con sombreros tricorne y atuendos militares para las escenas de actuación. Está llena de fuego, con sus trenzas salvajes volando en la brisa, descaradamente despreocupada de las reglas que dicen que lo máximo a lo que una mujer joven debe aspirar es al amor y al matrimonio. Y hay un intercambio intergeneracional encantador en el que Marmee le confiesa a Jo que ella también tiene un temperamento que brota dentro de ella, pero que ha aprendido a controlarlo. En lugar de instar a Jo a hacer lo mismo, admira la franqueza sin filtro de su hija. Sin embargo, hay un momento muy importante para Jo que nunca había sido explorado, y es cómo esta temperamental y ambiciosa escritora sigue deseando cosas que para muchos de la audiencia parecerán extrañados, como ser amada o tener una familia. 

La dirección de Gerwig tiene un ritmo agradable a lo largo de su tiempo de ejecución de dos horas y cuarto, con un ágil trabajo de cámara y edición que sugiere el vigor de la juventud y la urgente sensación de descubrimiento que viene con la edad adulta. La exuberante composición de Alexandre Desplat es un poco grueso, pero incluso eso parece apropiado para una historia cuyos sentimientos siempre se basan en una emoción genuina.

Gerwig ha tomado un tesoro perenne de la literatura popular estadounidense y lo ha reformado para una nueva generación, lo que debería darle a la cautivadora película una larga vida útil, al punto que cuando hable de Little Women, ya no solo haré referencia del libro.