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lunes, 6 de marzo de 2023

Crítica Cinéfila: The Son

La ajetreada vida de Peter junto a su nueva pareja Emma y su bebé se convierte en un caos cuando su ex esposa Kate reaparece con su hijo adolescente, Nicholas, un joven problemático con el que es difícil comunicarse, por agresivo y distante, y que acaba de abandonar la escuela. 



Desde Sófocles hasta Shakespeare, todo vuelve a la familia. Los escritores pueden obtener conceptos tan elevados como quieran, pero al final, los mejores narradores del mundo reconocen que nada es más potente, ni siquiera el amor romántico y banal, que las conexiones entre los niños y sus padres. Florian Zeller lo entiende. Antes de centrar su atención en la pantalla, este talentoso narrador escribió al menos una docena de obras, la más aclamada de las cuales fue una trilogía centrada en cómo los problemas de salud mental devastan a las familias burguesas aparentemente funcionales: “The Mother” (depresión), “The Father (demencia) y “The Son” (ya verás).

En el escenario, su estrategia ha sido mantener las situaciones visualmente simples, honestas y lo más universales posible. En 2020, dirigió a Anthony Hopkins y a sí mismo a un Oscar con “The Father”. Y ahora, con tantos mirando para ver qué hará a continuación, Zeller adapta su obra más personal, "The Son", sobre un adolescente depresivo de Nueva York que nadie parece entender, ni siquiera él mismo. “No soy como otras personas”, insiste Nicholas, de 17 años (Zen McGrath). "Estoy sufriendo todo el tiempo".

Es un grito de ayuda en una película en la que la gente quiere desesperadamente hacer lo correcto, pero nadie parece saber qué es eso, o de qué es capaz Nicholas. Esa incertidumbre le da a “The Son” su tensión: un bajo temor subconsciente de que algo terrible vaya a suceder, como si la tragedia fuera inevitable, pero no puedes estar seguro de qué forma tomará. La madre de Nicholas, Kate (Laura Dern), le dice al exmarido Peter (Hugh Jackman) que está asustada de su hijo en un tono que sugiere que lo admite por primera vez. Kate se presentó en la casa de Peter, un apartamento elegante que el abogado comparte con su nueva esposa Beth (Vanessa Kirby) y su bebé recién nacido, a una hora inapropiadamente tarde en busca de ayuda.

Nicholas ha faltado a la escuela durante casi un mes. Algo anda mal, pero el joven se niega a confiar en Kate. Quizá Peter pueda razonar con él, espera ella. Al día siguiente, Peter llega, duro pero preocupado, y trata de animar al niño a salir de lo que los padres llaman con optimismo una "fase", pero que, de hecho, es posible que nunca superen. Peter quiere que su hijo se sienta respetado. En la conversación de hombre a casi hombre que sigue, Nicholas termina preguntando si puede vivir con su padre, lo que pone en marcha el resto de "The Son".

En lugar de sentirse suelto y habitado, la adaptación de Zeller de su propia obra tiene una calidad ligeramente mayor, que no debe confundirse con "teatral": los decorados se sienten desconcertantemente poco decorados, como si los personajes estuvieran viviendo en una sala de exposición. El diseño de sonido se ha reducido, de modo que las sirenas y el ruido de la calle (casi constante en Nueva York) apenas se registran. El diálogo, adaptado al inglés con la ayuda de Christopher Hampton, sugiere lo que la gente podría decir en tal situación. Estas mismas preocupaciones han alimentado innumerables películas para televisión y, sin embargo, Zeller busca el tratamiento más "de buen gusto" posible. En lugar de simplemente desgarrarnos emocionalmente, lo que "The Son" inevitablemente logrará (y lo que quiere) es que el público piense.

Sobre todos los elementos, lo más destacable es la cuidadosa dinámica entre padre e hijo, un truco fascinante en el trabajo, incluso más sutil que el juego de manos que Zeller usó para hacer sentir al público como si estuviera perdiendo la cabeza lentamente (como el personaje de Hopkins) en “The Father”. En el papel de Peter, Jackman se convierte en un hombre atrapado en su propio tipo de actuación. El adicto al trabajo que rara vez está en casa quiere desesperadamente ser percibido como un patriarca ideal, pero parece saber (o sospechar) en el fondo que es un fracaso en ese departamento. Eso significa que Jackman está interpretando esencialmente a un hombre que quiere hacer el papel de un padre.

Si duda, considere una de las escenas definitorias de la película, cuando Peter se toma un raro descanso del trabajo para ver a su propio padre (Anthony Hopkins) para hacerle saber que está pensando en rechazar la oferta de un político de DC a supervisar su campaña, ya que Nicholas lo necesita. A Peter le parece la decisión correcta, pero Anthony ve a través de su agenda y le aconseja superar las cicatrices de su niñez.

Y ahí emerge otra dimensión del personaje de Jackman, que proviene de una generación en la que quedarse callado y soportar el dolor es visto como un signo de fortaleza personal. Hoy, la madurez emocional se asocia con las cualidades opuestas: la capacidad de identificar el propio trauma y aceptar el tratamiento, como intenta hacer Nicholas. Para su crédito, cuando no está demasiado distraído con el trabajo, Peter intenta comunicarse con su hijo. Es a través de una de estas conversaciones que Peter se entera de que el niño está profundamente traumatizado por la separación de sus padres. Esta revelación no se ofrece tanto como una "explicación". Nicholas claramente se siente traicionado y abandonado por su padre. 

Para los padres de Nicholas, así como para los padres y madres de la audiencia, es molesto ver a alguien tan joven abrumado por el mundo que lo rodea, un estado mental que McGrath interpreta de manera más sutil que Laurie Kynaston en la versión teatral del West End, donde el personaje garabateaba en las paredes y volcaba muebles agitado. No este Nicolás. Es en gran parte un cifrado, esconde un arma debajo de su colchón y muestra un interés inquietante en su hermanastro pequeño, a quien claramente ve como una especie de reemplazo. Este no es un papel fácil, ya que la más mínima amenaza probablemente sabotearía la sensibilidad de la interpretación de Zeller.

“The Son” no es un espectáculo fácil, pero es importante en un momento en que los jóvenes están en crisis constante. Solo mire las estadísticas, y está claro que la depresión, las autolesiones y el suicidio están aumentando en tasas alarmantes entre los adolescentes, y eso incluso antes de tener en cuenta los desafíos de la pandemia. Cuando Nicholas le pregunta a su padre sobre el rifle que vio en el cuarto de lavado, no está claro si este adolescente descontento planea usarlo contra sus compañeros de clase o contra él mismo. 

Beth está asustada, pero hace todo lo posible por ser una madrastra cariñosa, como en una escena atípicamente liviana cuando presiona a Peter para que demuestre su "famoso movimiento de cadera". Sale a la luz un vistazo detrás de la personalidad estelar de Hugh Jackman. Entre esto y "Bad Education", estamos viendo un nuevo capítulo de su carrera, ya que Jackman subsume su carisma natural para sugerir la inseguridad fundamental de Peter: quiere romper el ciclo, ser un mejor padre que el que tuvo. Pero él no entiende a lo que se enfrenta, y al ver el desarrollo de "The Son", la tragedia de esta familia se convierte en la nuestra, y la advertencia de Zeller se vuelve imposible de ignorar.


viernes, 17 de junio de 2022

Crítica Cinéfila: Jurassic World Dominion

Cuatro años después de la destrucción de Isla Nublar, los dinosaurios ahora viven y cazan junto a los humanos en todo el mundo. Este frágil equilibrio remodelará el futuro y determinará, de una vez por todas, si los seres humanos seguirán siendo los depredadores máximos en un planeta que ahora comparten con las criaturas más temibles de la historia.



Jurassic World Dominion es una secuela que lanza momentos nostálgicos referenciales al thriller de Steven Spielberg de 1993 donde inició la franquicia de dinosaurios, sin embargo, pierde completamente de vista el corazón y la humanidad de su original, y el asombro entusiasta que la hizo tan inolvidable. Sea lo que sea que se planteara el director Colin Trevorrow con la interesante secuela de 2015, Jurassic World, aquí se convierte en un caos exagerado, logrando de alguna manera reunir a los personajes de las trilogías nuevas y originales, así como a las criaturas prehistóricas a las que se enfrentan, en un desafío rutinario de "la evolución ha pasado por alto a este monstruo". Lo peor de todo es que se siente como la misma historia contada por tercera vez.

La sexta entrega de Universal sin dudas tiene record en taquillas; los adictos a la franquicia desde hace mucho tiempo ciertamente no están buscando reseñas para obtener orientación. Pero se merecen algo mejor; al menos un mínimo de respeto por parte de los cineastas convencidos de que todos los que ven tienen la capacidad de atención de un mosquito atrapado en un ámbar. El arquetipo establecido por Steven Spielberg de construir pacientemente el suspenso al mantener a las criaturas mortales fuera de la vista durante el mayor tiempo posible (lo inició con Jaws) ha caído en el olvido con esta película. No hay misterio ni temor, solo una sucesión de destrucción desenfrenada provocado por el aparentemente inevitable deseo de hacer mal las cosas.

En un momento temprano, Maisie Lockwood (Isabella Sermon), que fue revelada en "Jurassic World: Fallen Kingdom" como un clon genético, da a un grupo de madereros de las Montañas de Nevada un consejo para atraer a un par de braquiosaurios fuera de su lugar de trabajo. El asombro en los rostros humanos mientras estos majestuosos gigantes se lanzan en su camino recuerda el poder poético del original de Spielberg. Pero la nueva película está diseñada en otros lugares para apenas dejar respirar a su audiencia.

Como uno de los peligrosos experimentos que inclue la modificación genética del científico Dr. Henry Wu (BD Wong), el guion de Emily Carmichael y Trevorrow une el ADN de diferentes películas, pero resulta una mezcla de género sin identidad propia. Además de los elementos centrales del Parque Jurásico, los escritores dejan caer los arquetipos de las series Indiana Jones, Bourne y Alien, y en su lugar atraen referencias fuera del híbrido aventura-terror como el mercado negro maltés directamente de la cantina de Star Wars o la plaga de langostas mutantes.

Esas langostas mestizas comienzan a diezmar los cultivos en todo el corazón de Estados Unidos, multiplicándose rápidamente hasta el punto de que el Dr. Wu, que desarrolló la especie, advierte de una inminente escasez de alimentos. Pero para Lewis Dodgson (Campbell Scott), su peculiar jefe en el conglomerado tecnológico Biosyn, la hambruna global es solo un efecto secundario desafortunado. Los cultivos a partir de semillas de Biosyn no son tocados por las langostas, como estaba previsto, allanando el camino para que la empresa controle el suministro mundial de alimentos.

Ellie Sattler (Laura Dern), vista por última vez en el Jurassic World III de 2001, aprende del fenómeno de la langosta mientras estudia la ciencia del suelo y la agricultura sostenible. Cuando rastrea los genes de los insectos hasta el período cretácico, se vuelve a conectar con su antiguo interés romántico, el paleontólogo Alan Grant (Sam Neill), y vuelan a la sede de Biosyn en las montañas Dolomitas de Italia. Su antiguo asociado, Ian Malcolm (Jeff Goldblum), está trabajando como consultor allí,  con una serie de conferencias para los jóvenes científicos de la empresa. Pero también ha estado deslizándole información  sobre la amenaza de la escasez de alimentos a Ellie.


Junto con las gigantescas instalaciones de laboratorio, el complejo Biosyn incluye un vasto santuario, un valle de exuberante vegetación rodeado de montañas nevadas, donde los gobiernos internacionales han acordado reubicar las innumerables especies prehistóricas que se han estado reproduciendo como conejos desde que fueron liberadas de la mansión Lockwood al final de Fallen Kingdom. Exactamente cómo esos dinosaurios se han multiplicado y extendido por todo el planeta en cuatro años sigue siendo un detalle brumoso, aunque el velociraptor superviviente conocido como Blue se ha reproducido sin pareja gracias a su hebra de ADN de lagarto monitor.

Es a través del bebé de Blue, llamado Beta, y Maisie que entra en juego la segunda historia. Ambos son secuestrados cerca de la cabaña donde Maisie ha estado viviendo bajo la tutela de la ex gerente del parque Jurassic World, Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) y el domador de velociraptors, Owen Grady (Chris Pratt).

Antes de que toda la pandilla se reúna en los laberínticos túneles y bosques del santuario Biosyn, hay una serie de preámbulos argumentales mínimamente atractivos que involucran la necesidad rebelde de libertad de la adolescente Maisie, hasta que esta es secuestrada y trasladada a Malta para luego dirigirse al santuario de Biosyn.

Al mismo tiempo, el mercado mundial de cazadores furtivos de especies exóticas prehistóricas, de las cuales ahora parece haber docenas. Eso requiere un desvío a Malta para Owen y Claire, donde entran en modo héroe de acción defendiéndose de los ataques de depredadores humanos y animales, incluido una contrabandista despiadada llamada Santos (Dichen Lachman), confusamente vestido con atuendo de cóctel mientras ella está marcando con láser a la gente de izquierda a derecha para convertirlos en objetivos de los raptors. El decorado más grande de la película es una doble persecución por las antiguas calles de la capital maltesa Valeta, con Claire en la parte trasera de una camioneta y Owen en una motocicleta.

Hay cierta emoción mordaz en la voluntad, ellos o no lo harán, escena en la que corren para abordar un avión de carga con destino a los Dolomitas, capitaneado por la piloto de alquiler Kayla Watts (DeWanda Wise). Los escritores cuentan con un afecto preexistente por los personajes secundarios, en lugar de darles algo interesante que hacer. Eso permite a los carismáticos recién llegados Wise y Mamoudou Athie como el inteligente jefe de comunicaciones de Dodgson, Ramsay Cole, se vaya con la película, simplemente en virtud de traer algo diferente a la mesa.

Francamente, aparte del humor gracioso que Goldblum trae al hábil y descaradamente vanidoso Dr. Malcolm, podría haber abandonado a la antigua tripulación y haber tomado todo un spin-off . El otro recién llegado, Dodgson de Scott, es un villano pálido que hemos visto con demasiada frecuencia últimamente, el CEO socialmente rígido y egoísta en el molde de Bill Gates/Jeff Bezos/Elon Musk, que medio se convence de que la capacidad de descubrimiento científico y médico en su trabajo justifica la codicia y el complejo de Dios.

Las historias son memorizadas, tanto por separado como cuando convergen; ya sean Ellie, Alan y Maisie en una mina de ámbar abandonada u Owen, Claire y Kayla en el santuario salvaje, son situaciones que se han visto antes. Trevorrow sigue lanzando diferentes dinosaurios, incluidos algunos viejos favoritos que no se han visto desde la primera película, y nuevas entradas como el temible giganotosaurus, que tiene la distinción de ser el carnívoro terrestre más grande de la historia. En el salón de la fama de los depredadores terrestre, podría ser más grande y mezquino, pero no termina siendo más aterrador que el viejo T-Rex. Esto se debe a que la narración carece de imaginación. Escena tras escena sigue una plantilla familiar de escape estrecho, sin que la amenaza persista más de unos minutos.

A pesar de todo el pánico sin aliento, la mayoría de las soluciones parecen demasiado fáciles, como Claire mirando a un banco de monitores de ordenador y exclamando convenientemente que es el mismo sistema del parque Jurásico.  Los dinosaurios son ciertamente variados en tipo y el trabajo de CGI es lo suficientemente sólido en su mayor parte, aunque algunas de las especies más pequeñas y lindas como los nasutoceratops bebés parecen más juguetes para el marketing que a criaturas reales. Había un ingenio en todo esto cuando Spielberg lo hizo, con una tecnología mucho menos avanzada. Ahora todo parece pintura digital. No hay magia.

El editor Mark Sanger y el compositor Michael Giacchino mantienen la historia arrasándose, posiblemente con la esperanza de que si se mueve lo suficientemente rápido, a nadie le importe la trama colosalmente tonta. Al menos hay una delicada distracción cuando el tema musical original de John Williams se canaliza sobre la detenida reconexión romántica de Ellie y Alan, que sirve como recordatorio de una película real. En cuanto a este, la extinción se oficializa.


sábado, 28 de noviembre de 2020

Crítica Cinéfila: If Anything Happens, I love You

Unos padres devastados y sin ilusiones se enfrentan a un vacío emocional mientras lloran la trágica muerte de su hija.



If Anything Happens I Love You es un corto de Netflix que está acumulando premios silenciosamente en el circuito de festivales, y parece destinado a una nominación al Oscar. Producida por Laura Dern, y escrita y dirigida por Will McCormack (Toy Story 4) y Michael Govier, esta película escasamente animada aborda el dolor de la pérdida, y contiene toda una vida de emociones en solo 12 minutos, sin una sola palabra de diálogo.

En esencia, se enfoca en dos sombras que discuten, mientras sus figuras físicas se sientan en silencio. El mundo es incoloro, en blanco y negro. El hombre y la mujer cenan en extremos opuestos de una mesa que parece muy, muy larga. Las sombras gritan y gesticulan con rabia. Siguen su día, por separado.

Está claro que para esta pareja hace falta una parte importante de su familia. Él sale y ve una mancha azul en el costado de la casa; pone su rostro entre sus manos. Ella sube una canasta de ropa sucia por las escaleras; el gato corre a sus pies, entra en un dormitorio, golpea un tocadiscos y comienza a sonar la música. Un balón de fútbol rueda por la pantalla. A las sombras de el y ella, y pronto se une una tercera sombra, una niña, y las sombras se vuelven humanas. Hay alegría y unión. La niña se aleja de ellos y las sombras de mamá y papá intentan detenerla, pero nadie la detiene. Ella entra a la escuela y mientras la bandera estadounidense a todo color cuelga silenciosamente en el gimnasio, suenan los disparos.

Este cortometraje es tan evocador y desgarrador como la famosa secuencia sin palabras del clásico Up de Pixar. Es curioso cómo el gato es el catalizador para abrir la narrativa aquí: lo que no habla de manera reconocible en nuestra realidad sabe cómo navegar en este entorno sin palabras. Y a eso hay que destacar ese diálogo no verbal memorable, porque, ¿qué más se necesita decir que no se haya dicho una y otra vez?

Vale la pena reiterarlo: la bandera estadounidense a todo color cuelga silenciosamente en el gimnasio, subrayando el mensaje resuelto y urgente. ¿El gobierno estadounidense tomará alguna medida para ayudar a evitar que esto continúe sucediendo? ¿Para evitar que las familias sean destrozadas por el dolor, la rabia y el anhelo insaciable? If Anything Happens I Love You es una maravilla, un verdadero rompecorazones. Está representado con amor en dibujos de tinta rasposa que fluyen de manera ingeniosa y conmovedora a través de los traicioneros corredores de la memoria, donde una sola cosa simple, un balón de fútbol, ​​una canción, puede desencadenar calidez teñida de melancolía, amor bordeado de terror. 

Es un cortometraje encantador, pero también una película de terror. Estará contigo todo el día y hasta mañana y todavía debería estar allí en semanas, meses, años. Porque ese es exactamente su propósito.


domingo, 9 de febrero de 2020

Temporada de Premios: Ganadores de los Premios de la Academia


Y así se acabó la temporada de premios, pero que manera tan increíble de hacerlo. Hollywood hace historia, tras premiar Parasite como la Mejor Película de la temporada. La película coreana de Bong Joon Ho hizo historia tras llevarse 4 estatuillas a casa, y convirtiéndose en la primera película internacional en ganarse el premio a Mejor Película.

En su discurso, Bong Joon Ho hace honor a Martin Scorsese, llamándolo su maestro e impulsor mientras estaba en la escuela de cine.

Otros de los momentos más conmovedores fue el discurso de Hildur Guðnadóttir después de ganar Mejor Banda Sonora por Joker, donde hace honor a todas las mujeres que deben de ser reconocidas en la industria del cine.

Aunque estas premiaciones fueron fácil de predecir, aún no dejan de sorprender algunas categorías como el premio de Mejor Efectos Visuales a 1917, o Mejor Documental a American Factory.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores:

Best Picture
Ganadora: Parasite (Neon)
1917 (Universal)
Ford v Ferrari (Fox)
The Irishman (Netflix)
Jojo Rabbit (Fox Searchlight)
Joker (Warner Bros.)
Little Women (Sony)
Marriage Story (Netflix)
Once Upon a Time in Hollywood (Sony)

Actor in a Leading Role
Ganadora: Joaquin Phoenix, Joker
Antonio Banderas, Pain and Glory
Leonardo DiCaprio, Once Upon a Time... in Hollywood
Adam Driver, Marriage Story
Jonathan Pryce, The Two Popes

Actress in a Leading Role
Ganadora: Renée Zellweger, Judy
Cynthia Erivo, Harriet
Scarlett Johansson, Marriage Story
Saoirse Ronan, Little Women
Charlize Theron, Bombshell

Best Supporting Actress
Ganadora: Laura Dern, Marriage Story
Kathy Bates, Richard Jewell
Scarlett Johansson, Jojo Rabbit
Florence Pugh, Little Women
Margot Robbie, Bombshell

Best Supporting Actor
Ganadora: Brad Pitt, Once Upon A Time... In Hollywood
Tom Hanks, A Beautiful Day In The Neighborhood
Anthony Hopkins, The Two Popes
Al Pacino, The Irishman
Joe Pesci, The Irishman

Directing
Ganadora: Bong Joon Ho, Parasite
Sam Mendes, 1917
Todd Phillips, Joker
Martin Scorsese, The Irishman
Quentin Tarantino, Once Upon a Time... in Hollywood

Adapted Screenplay
Ganadora: Jojo Rabbit, Taika Waititi
The Irishman, Steven Zaillian
Joker, Todd Phillips & Scott Silver
Little Women, Greta Gerwig
The Two Popes, Anthony McCarten

Original Screenplay
Ganadora: Parasite, Bong Joon Ho & Jin Won Han
1917, Sam Mendes & Krysty Wilson-Cairns
Knives Out, Rian Johnson
Marriage Story, Noah Baumbach
Once Upon a Time... in Hollywood, Quentin Tarantino

International Feature Film
Ganadora: Parasite (South Korea)
Corpus Christi (Poland)
Honeyland (North Macedonia)
Les Miserables (France)
Pain and Glory (Spain)

Production Design
Ganadora: Once Upon a Time... in Hollywood
1917
The Irishman
Jojo Rabbit
Parasite

Film Editing
Ganadora: Ford v Ferrari, Andrew Buckland & Michael McCusker
The Irishman, Thelma Schoonmaker
Jojo Rabbit, Tom Eagles
Joker, Jeff Groth
Parasite, Jinmo Yang

Cinematography
Ganadora: 1917, Roger Deakins
The Irishman, Rodrigo Prieto
Joker, Lawrence Sher
The Lighthouse, Jarin Blaschke
Once Upon a Time... in Hollywood, Robert Richardson

Visual Effects
Ganadora: 1917
Avengers: Endgame
The Irishman
The Lion King
Star Wars: The Rise of Skywalker

Costume Design
Ganadora: Little Women
Jojo Rabbit
Once Upon a Time... in Hollywood
The Irishman
Joker

Sound Mixing
Ganadora: 1917
Ad Astra
Ford v Ferrari
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood

Sound Editing
Ganadora: Ford v Ferrari
1917
Joker
Once Upon a Time... in Hollywood
Star Wars: The Rise of Skywalker

Original Score
Ganadora: Joker, Hildur Guðnadóttir
1917, Thomas Newman
Little Women, Alexandre Desplat
Marriage Story, Randy Newman
Star Wars: The Rise of Skywalker, John Williams

Documentary Feature
Ganadora: American Factory (Netflix)
The Cave (National Geographic)
The Edge of Democracy (Netflix)
For Sama (PBS)
Honeyland (Neon)

Documentary Short Subject
Ganadora: Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl)
In the Absence
Life Overtakes Me
St. Louis Superman
Walk Run Cha-Cha

Makeup and Hairstyling
Ganadora: Bombshell
1917
Joker
Judy
Maleficent: Mistress of Evil

Animated Feature Film
Ganadora: Toy Story 4 (Pixar)
How to Train Your Dragon: The Hidden World (Dreamworks)
I Lost My Body (Netflix)
Klaus (Netflix)
Missing Link (United Artists Releasing)

Animated Short Film
Ganadora: Hair Love
Dcera (Daughter)
Kitbull
Memorable
Sister

Live-Action Short Film
Ganadora: The Neighbors’ Window
Brotherhood
Nefta Football Club
Saria
A Sister

Original Song
Ganadora: "(I'm Gonna) Love Me Again" (Rocketman), Elton John & Bernie Taupin
"I Can't Let You Throw Yourself Away" (Toy Story 4), Randy Newman
"I'm Standing With You" (Breakthrough), Diane Warren
"Into the Unknown" (Frozen 2), Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez
"Stand Up" (Harriet), Joshuah Brian Campbell & Cynthia Erivo

domingo, 29 de diciembre de 2019

Crítica Cinéfila: Little Women

Cuatro hermanas llegan a la mayoría de edad en los Estados Unidos después de la Guerra de Secesión.



Yo crecí leyendo Little Women. Fue, y todavía es uno de mis libros favoritos. Pero, a pesar de mi gran amor por su historia, he detestado todas las adaptaciones. Entre el sexismo de la época y actuaciones pobres, ninguna había llegado a subir a mi pedestal... hasta que Greta le echó manos al libro, y pasó algo que nunca me había pasado antes: noté el parecido que existe entre Jo March y yo.

Con una transición de retrato íntimo del paso de la adolescencia femenina contemporánea a una pieza de conjunto a gran escala que representa el camino hacia la madurez de cuatro hermanas en Massachussets del siglo XIX, Greta Gerwig muestra que su propia transición a escritora-directora con Lady Bird no fue casualidad. Su gratificante interpretación de Little Women de Louisa May Alcott aporta frescura, vitalidad y matices emocionales al material original que ha sido grabado durante generaciones en la imaginación popular, moviendo piezas cronológicas para revitalizar los ritmos familiares de la trama. La película debería ser un potente atractivo familiar, especialmente para el público femenino joven, ya sea descubriendo la historia por primera vez o volviendo a ella con placer.

Gerwig navega hábilmente por la línea entre respetar los huesos pasados ​​de moda de la historia mientras ilumina la modernidad de su perspectiva proto-feminista, ocasionalmente inclinándose hacia la defensa abierta del derecho de una mujer a la autorrealización más allá del matrimonio. Su elenco puede estar ligeramente vinculado por sus tipos de personajes canónicos, pero aquí hay un trabajo de conjunto encantador, capitaneado con una Saoirse Ronan como Jo.


El guión de Gerwig comienza con Jo ya viviendo independientemente en una pensión de Nueva York, enviando dinero a su familia de sus trabajos de tutoría. El punto de inflexión que dará forma a su futuro se produce cuando vende su primera historia al Sr. Dashwood (Tracy Letts), editor del Volcán Semanal, aunque a pesar de sus dedos manchados de tinta, Jo insiste en que está enviando el trabajo "por una amiga" y pide que se publique de forma anónima. Ella acepta las "alteraciones" de Dashwood, y acepta transmitir el consejo de que si su amiga tiene la intención de escribir más historias con una protagonista femenina, debe asegurarse de que esté casada para el final, "o muerta". En la entrega completamente seca de Letts, es como si la ambición de Jo fuera recompensada y castigada al mismo tiempo.

La hermana menor de Jo, Amy (Florence Pugh, perfección) también se introduce bien en su desarrollo, estudiando pintura en París mientras sirve como acompañante de su adinerada tía March (Meryl Streep). Envuelta en adornos imponentes, incluidas las joyas antiguas de Fred Leighton, no menos, Streep claramente se está divirtiendo como la narcisista tía que resopla con desaprobación sobre cómo "las décadas han arruinado a París" y hace todo lo posible para ocultar su afecto por sus sobrinas detrás de su mirada entrecerrada y su desdén general. Amy está siendo cortejada por un británico adinerado, pero un encuentro casual con el amigo de la familia, Theodore Laurence (Timothée Chalamet), conocido como "Laurie", sugiere que su enamoramiento de la infancia por él no ha disminuido, a pesar de su muestra de simpatía por el rechazo de Jo a su propuesta de matrimonio.

La hermana mayor Meg (Emma Watson) también se encuentra no como una niña sino como una mujer joven, ya casada y viviendo en una cabaña por medios modestos con su esposo, el maestro de escuela John Brooke (James Norton), ex tutor de Laurie. Además de una breve visión de ella tocando el piano, la delicada cuarta hermana, Beth (Eliza Scanlen), permanece relativamente inexplorada en las primeras partes de la película, por razones que serán claras para cualquier persona familiarizada con la novela.


Antes de retroceder siete años para comparar la experiencia de las hermanas como jóvenes adultas con su adolescencia en Concord, Gerwig planta las semillas del romance entre Jo y su conocido en la pensión, Friedrich Bhaer (Louis Garrel), un profesor de idiomas de Francia. Pero esa floreciente atracción mutua se interrumpe cuando critica sin rodeos una de sus historias de duelos y aventuras, diciéndole que escriba sobre algo que ella sabe. Su reacción hostil muestra lo poco acostumbrada que está Jo al rechazo del mundo real, pero la honestidad de Friedrich finalmente le servirá bien.

La mezcla volátil de buen humor, camaradería y celos en el hogar femenino March está muy bien dibujada, con la madre de las niñas Marmee (Laura Dern) presidiendo con paciencia y amor mientras su padre (Bob Odenkirk) está fuera sirviendo como capellán en la Guerra Civil. Tía March está muy dispuesta a señalar cómo su mal manejo de sus finanzas los ha dejado en circunstancias reducidas, instando a las hermanas a casarse bien. Pero Marmee está más decidida a dar el ejemplo de la caridad, alentando a sus hijas a dar a los menos afortunados.

Algunas escenas de las hermanas haciendo payasadas interpretando obras escritas por Jo bordean la preciosidad tensa. Pero los lazos de una familia muy unida se juegan con una intimidad infecciosa, mientras que las explosiones de ira se sienten tremendamente fieles a la vida, especialmente una la muy recordada cuando Jo toma represalias contra un rencoroso acto de rebelión de Amy. Gerwig identifica los diferentes grados en que las ideas de romance consumen a las March, desde la emoción convencional del amor en los libros de cuentos hasta los aspectos prácticos de la expectativa social, todo lo cual se deja de lado a medida que cada hermana sigue su corazón.


Todos los episodios más queridos de la historia tienen un espacio respiratorio acorde y un manejo seguro: el manuscrito quemado, el casi ahogo de Amy, el elegante baile al que asiste Meg, la salida alarmada de Marmee hacia Washington cuando su esposo se enferma.

El arco más devastador es el destino de Beth, cuya naturaleza dulce y gentil es interpretada con subestimación y afectando la serenidad, incluso en su punto más bajo, por Eliza Scanlen. Esos acontecimientos más tristes se ven atenuados por algunas escenas hermosas, mientras vemos al abuelo viudo de Laurie, el Sr. Laurence (Chris Cooper) responder con ternura a Beth, invitándola a tocar el piano en su majestuoso salón cuando lo desee, y luego presentarle el instrumento en un gesto de generosidad conmovedora. Cooper es maravilloso al exponer la humanidad apagada de este hombre intensamente privado que ha sufrido una pérdida terrible. El actor lo abre en grados infinitos, comenzando con un disparo intensamente en movimiento mientras el Sr. Laurence se sienta en las escaleras sin ser observado, llorando en silencio mientras Beth toca.

Gerwig realmente muestra su profundo sentimiento por el material en la escena de la propuesta de Laurie a Jo, capturada por el cinematógrafo francés Yorick Le Saux contra los verdes crujientes de una ladera ondulada, con una clásica iglesia blanca de Nueva Inglaterra, estratégicamente la única estructura visible.

La química entre Ronan y Chalamet (quienes aparecieron juntos en Lady Bird) es encantadora en todo momento: invierte los tipos de género tradicionales, avanzando con certeza y determinación. Cuando finalmente él se declara, sentimos dolor por Laurie, observando su rostro y su postura desmoronarse mientras pronuncia desesperadamente palabras inútiles, defendiendo su caso antes de absorber el golpe aplastante de la negativa diplomática de Jo. Sin faltarle el respeto a las mujeres que dan actuaciones vividamente habitadas, las sorprendentes elecciones de Chalamet lo convierten en el verdadero destacado aquí.


Es un testimonio de la afinidad de Gerwig por los personajes de Alcott y la artesanía inteligente de su ensamblaje narrativo que, por mucho que alentamos a Jo y Laurie a cimentar lo que claramente es una combinación de mentes y temperamentos contrastantes, los retorcidos resultados románticos de la historia se sienten perfectos - aunque suavemente cepillados con melancolía por lo que podría haber sido. Aún más importante para este recuento es la aparición de Jo como escritora, con su incipiente carrera dada una forma tangible mientras observa las imprentas y las carpetas de libros produciendo la primera edición de la novela que da título a la película. La cronología de doble pista también deja más claro que nunca que los recuerdos de Jo de su educación alimentan el descubrimiento de su verdadera voz como artista.

Entre el gran elenco, Watson se desvanece un poco en el fondo, posiblemente porque la chica bonita y vivaz se abre paso tan temprano para la esposa completamente buena que se casó por amor, no por comodidad material. Dern a veces parece un poco contemporánea como Marmee, pero esto no le quita calidad al personaje. 

Como siempre, el personaje más complicado es Amy, una egoísta redimida por su incuestionable amor por sus hermanas. Pugh (también excelente este año en Midsommar) continúa demostrando ser un talento distintivo, manejando todas las contradicciones engañosas del papel con gracia desarmadora, humor y una racha deliberada que se convierte casi imperceptiblemente en sabiduría. También hay una buena percepción del personaje en su ausencia de autocompasión cuando Amy toma la decisión de abandonar la pintura después de darse cuenta de que nunca será una gran artista. Su negativa a hacer cualquier cosa a medias le da al personaje una fuerza innata que contrarresta sus cualidades más fugaces. E incluso en su momento más desagradable, ella sigue siendo entrañable, obteniendo la línea más divertida de la película cuando jadea por cabello cortado de Jo, exclamando: "¡Jo, tu única belleza!". A pesar de mi gran miedo por este personaje, hay una novedad en su encarnación, y es cómo la misma Amy explica lo cansada que está de ser una segunda opción en todo, incluyendo la elección de Laurie después del rechazo de Jo.


Sin embargo, nunca hay ninguna duda de que Ronan está al mando, tanto en términos de conducir la historia como de la posición exaltada que ocupa dentro de su familia. La costurera Jacqueline Durran la viste con elegantes camisas de época, corbatas, abrigos y chalecos, con sombreros tricorne y atuendos militares para las escenas de actuación. Está llena de fuego, con sus trenzas salvajes volando en la brisa, descaradamente despreocupada de las reglas que dicen que lo máximo a lo que una mujer joven debe aspirar es al amor y al matrimonio. Y hay un intercambio intergeneracional encantador en el que Marmee le confiesa a Jo que ella también tiene un temperamento que brota dentro de ella, pero que ha aprendido a controlarlo. En lugar de instar a Jo a hacer lo mismo, admira la franqueza sin filtro de su hija. Sin embargo, hay un momento muy importante para Jo que nunca había sido explorado, y es cómo esta temperamental y ambiciosa escritora sigue deseando cosas que para muchos de la audiencia parecerán extrañados, como ser amada o tener una familia. 

La dirección de Gerwig tiene un ritmo agradable a lo largo de su tiempo de ejecución de dos horas y cuarto, con un ágil trabajo de cámara y edición que sugiere el vigor de la juventud y la urgente sensación de descubrimiento que viene con la edad adulta. La exuberante composición de Alexandre Desplat es un poco grueso, pero incluso eso parece apropiado para una historia cuyos sentimientos siempre se basan en una emoción genuina.

Gerwig ha tomado un tesoro perenne de la literatura popular estadounidense y lo ha reformado para una nueva generación, lo que debería darle a la cautivadora película una larga vida útil, al punto que cuando hable de Little Women, ya no solo haré referencia del libro.


lunes, 23 de diciembre de 2019

Crítica Cinéfila: Marriage Story

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.



Marriage Story comienza con una falsificación. A través de la voz en off, los cónyuges Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) enumeran las cosas, grandes y pequeñas, que adoran el uno del otro: ella es una oyente incomparable, una experta en dar los regalos perfectos, una bailarina "infecciosa"; él es genuino con su hijo, un aparador sorprendentemente genial, llorador en el cine. Todo es cálidamente romántico de una manera adulta y sólida.

Por desgracia, esas listas no son tarjetas del Día de San Valentín que Charlie y Nicole han escrito el uno para el otro, o un ejercicio de intimidad destinado a acercarlas. Son algo que un mediador le ha pedido a la pareja que improvisen para separarse en buena fe. En la superficie, esta no es una historia de amor, sino de creciente hostilidad mutua, aunque, cómo argumenta la nueva y magistral película de Noah Baumbach, la línea entre esos sentimientos puede ser muy borrosa.

Los espectadores que cavaron la relativa suavidad del último proyecto de Baumbach, The Meyerowitz Stories (New and Selected) de 2017, deben prepararse: este es un trabajo duro, lleno de dolor que se siente sorprendentemente real (se basa en el propio divorcio de Baumbach de la actriz Jennifer Jason Leigh) y sin disimulo en su disposición a observar, a veces sorprendentemente con una proximidad emocional a las buenas personas en su peor momento.


También es divertido y, cuando menos lo esperas (y la mayoría de las veces lo necesitas), casi insoportablemente tierno, gracias en gran parte a los protagonistas sensacionales, que ofrecen las actuaciones más profundas, vivas y sintonizadas de sus carreras. Marriage Story te pone al revés, pero te deja entusiasmado por haber sido testigo de un cineasta y sus actores se superan a sí mismos.

La yuxtaposición del montaje de apertura de la película con la escena de mediación tensa que sigue genera suspenso: ¿Qué salió mal entre Charlie y Nicole? Pero Marriage Story encuentra a Baumbach en un estado de ánimo que confunde las expectativas; en lugar de una melancólica autopsia de un romance fallido a la Annie Hall, la película ofrece una crónica de conflicto y de cómo cambia una relación en el transcurso del proceso de divorcio. En el camino, captamos la dinámica que condujo a este colapso matrimonial en particular, pero ese no es el punto de Baumbach ni su propósito.

Cuando los conocemos, Charlie es director de un teatro de Brooklyn y Nicole, que rechazó algunas ofertas lucrativas en Hollywood, la actriz principal de su compañía. Después de separarse, Nicole toma a su hijo de 8 años, Henry (Azhy Robertson), y regresa a su ciudad natal, Los Ángeles, para actuar en una serie de televisión. Ella pasa tiempo con su deslumbrante madre (Julie Hagerty), y su hermana (Merritt Wever). Una nueva vida comienza a tomar forma.


El desafío es descubrir dónde encaja Charlie. Decidiendo hacer oficial su separación, Nicole consulta con la abogada de divorcios de alto poder, Nora Fanshaw (Laura Dern). Mantenerse amiga de su ex marido es la prioridad, insiste Nicole. "Lo haremos lo más gentilmente posible", Nora le tranquiliza. 

Nicole le cuenta a Nora su versión de la historia, relatando cómo su identidad, sus ideas, personalidad y ambiciones, gradualmente se volvieron secundarias y absorbidas por las de Charlie. La sustancia del monólogo es familiar: una mujer que se encuentra encogida en la sombra del ego y las necesidades de su esposo. Pero Baumbach lo enseña en algunas tomas largas, la cámara acercándose lentamente a Nicole y el torbellino de sentimientos que Johansson evoca resultando asombroso.

Aprendemos que el deseo de Nicole de pasar más tiempo en Los Ángeles fue un punto importante de discusión durante el matrimonio, y lo sigue siendo durante el divorcio. Aunque su trabajo todavía está en Nueva York, Charlie renta una residencia de medio tiempo cerca de Nicole para negociar la custodia compartida de Henry. Se establece una nueva normalidad, con recogidas y devoluciones, honorarios legales exorbitantes y conversaciones incómodas.


Los ex todavía se preocupan el uno por el otro, como lo ilustran dos momentos de gentil desamor: uno en el que Nicole recorta el cabello de Charlie, otro en el que le ordena el almuerzo en una conferencia de conciliación. Una de las ideas más penetrantes de la película es que el divorcio, incluso cuando es necesario, no siempre es intuitivo; a veces es un acto de abnegación, contrario a lo que el corazón quiere y que requiere un grado casi cruel de disciplina.

También puede acumularse, tomando proporciones de desagrado que empequeñecen o oscurecen las razones por las que se persiguió en primer lugar. Otras películas estadounidenses sobre el divorcio ( Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, The War of the Roses) han retratado este fenómeno, el proceso legal que impulsa y da forma a los sentimientos de la pareja en lugar de viceversa, pero ninguno con la fuerza y ​​claridad de Marriage Story.

Con los abogados empujándolos hacia posturas más agresivas, Charlie y Nicole se enfrentan en una discusión que conmociona el alma, sus quejas surgiendo como lava abrasadora. A medida que se ponen al descubierto los problemas de su matrimonio (su egoísmo reflexivo y su infidelidad, su tendencia a convertirse en una víctima), la escena se capta angustiosamente, recordando cuán fácilmente el amor puede convertirse en odio.

Todo esto hace que Marriage Story suene más sombrío de lo que es. Baumbach siempre ha sido un maestro de la comedia tintineante, y hay risas que animan el ambiente aquí. Una secuencia en la que la madre y la hermana de Nicole la ayudan a entregar los documentos de divorcio de Charlie se ejecuta con un vertiginoso chasquido. Y cuando una trabajadora social (Martha Kelly) visita a Charlie y Henry, el resultado es una pieza de comedia furtiva que, en su forma desconcertante, es aún más un acto de alto perfil. 


En colaboración con el cinematógrafo Robbie Ryan, emplea un estilo visual ágil y flexible, entrelazando primeros planos que capturan cambios sutiles en sus actores con ángulos más amplios que llaman la atención sobre la distancia física entre Charlie y Nicole, así como sus movimientos y lenguaje corporal alrededor del otro. El encuadre, la puesta en escena y el control sobre el flujo de la acción son seguros, a veces deslumbrantes. Los objetos, los gestos y los momentos (una puerta cerrada, un cordón de zapatos atado, un estallido inesperado en la canción) están persuadidos. Este es el trabajo de un cineasta al mando de sus poderes.

Si ha habido una limitación en las películas de Baumbach, es en la concepción de ciertos personajes. Sin embargo, Charlie y Nicole son tremendamente complicados, escritos con una sensación generosa del caos y la contradicción de las emociones humanas. Johansson te hace sentir los impulsos e instintos en conflicto (ira y anhelo, desafío y culpa, audacia y temor) en cada paso de la transición de Nicole a la vida sin Charlie. Mientras tanto, Charlie no es un narcisista ostentoso como los padres interpretados por Jeff Daniels y Dustin Hoffman en The Squid and the Whale y The Meyerowitz Stories de Baumbach, respectivamente. El es afable, cariñoso y consciente de sí mismo. Pero Charlie ha tenido un efecto eclipsante en la mujer que ama, y ​​Driver ofrece un retrato brillantemente habitado y sombreado de un hombre que se ve obligado a considerar esa realidad.

Algunos dirán que Marriage Story favorece a Charlie. Es el sustituto del cineasta, y la segunda mitad, en particular, se centra en su perspectiva y experiencia. Pero Baumbach es duro a la vez con Charlie, y al final perdona a los dos personajes. Es un testimonio de la película que cuando llega a su delicada conclusión, a pesar de todo lo que Charlie y Nicole se han dicho y hecho, el enloquecedor desastre que han hecho de las cosas, hemos llegado a amarlos a ambos.