Crítica Cinéfila: Barbie

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.

¿Quién diría que "Barbie" comenzaría con un homenaje a “2001: A Space Odissey” de Stanley Kubrick? Un amanecer deslumbrante se extiende sobre un desierto árido, poblado exclusivamente por niñas de ojos tristes de la era del Dust Bowl y sus muñecas que no parpadean, mientras Helen Mirren nos narra cómo era la vida antes de Barbie. No solo era aburrida, sino que era limitada. Para tantas niñas pequeñas, las muñecas eran solo muñecas bebés, lo que significaba que su tiempo de juego solo podía girar en torno a la maternidad, la servidumbre y nada de diversión.

Pero así como los simios de Kubrick finalmente se encontraron con un monolito alienígena que cambió por completo su mundo y su visión del mundo, las niñas de Greta Gerwig están a punto de encontrarse con una nueva entidad que alterará el mundo y les distorsionará su manera de pensar: una gigante, incluso se podría decir monolítica, muñeca Barbie, en la forma de una sonriente Margot Robbie, equipada como la primera muñeca Barbie jamás hecha. Ahí es donde comienza la "Barbie" divertida, feminista y tremendamente original de Gerwig. Solo se volverá más grande, extraña,` inteligente y mejor a partir de ahí.

Imagine, si puede, un mundo dividido en dos tras el lanzamiento de la primera muñeca Barbie en 1959. Está el mundo real (conocido en la película como, por supuesto, "El mundo real"), y luego está la aparentemente idílica "Barbie Land", que existe bajo la premisa de que la invención de Barbie (la muñeca) tuvo un impacto tan drástico, tan completo y tan positivo en el mundo real que ella (la muñeca) básicamente resolvió el feminismo. Por lo que saben las Barbies (y los Kens) que pueblan Barbie Land, el mundo real es un lugar maravilloso para las mujeres (porque Barbie Land lo es en gran medida), y el mundo femenino en el que felizmente frecuentan es solo un reflejo de lo que sucede en el universo real.

En Barbie Land, son las mujeres las que gobiernan (Issa Rae es la presidenta Barbie, Alexandra Shipp es la escritora Barbie, Emmy Mackey es la física Barbie, la lista sigue). Y ¿los Ken? Sí, también están ahí. Pero se llama Barbie Land por una razón. Y aunque todas las Barbies son igualmente talentosas, realizadas, felices y libres, para el propósito de "Barbie" de Gerwig, nuestra atención se centra en una que está a punto de emprender un viaje muy inesperado: estereotipada Barbie (Robbie).

Esta Barbie (como, al parecer, todas las Barbies) tiene un gran día todos los días. Su Ken estereotípico (un Ryan Gosling desquiciado) solo tiene un buen día cuando Barbie le presta atención, y Barbie está bastante ocupada. Gerwig nos guía a través de un día típico de Barbie con meticulosa atención a los detalles. La casa de sueños de Barbie no tiene ventanas, ni escaleras que funcionen, ni agua corriente. Puede llegar a donde quiera ir simplemente saltando (al igual que una niña puede mover su muñeca, llevándola de un lugar a otro sin mucha lógica). Sus manos están rígidas. Su comida es inexistente. Su vida es perfecta. La dedicación de Robbie a la mordaza, junto con sus coprotagonistas Rae, Shipp, Mackey, Hari Nef y Nicola Coughlan, es profunda, y vale la pena.

Pero hay grietas en la fachada de Barbie Land. (Por ejemplo, si Barbie Land realmente es tan feminista, ¿por qué los hombres son tratados como ciudadanos de segunda clase y con ideas tardías?) Pronto, nuestra propia Barbie estereotipada sufrirá. Sus pies se vuelven planos, en sus muslos aparecen celulitis y en su cerebro comienzan a irradiar pensamientos de muerte. De alguna manera, al parecer, la angustia del mundo real se ha filtrado en Barbie (la angustia general parece haberse filtrado en Ken hace mucho tiempo), y solo Weird Barbie (Kate McKinnon) puede guiar a esta Barbie hacia la verdad.

Para encontrar la verdad deberá ir al mundo real y reparar la grieta temporal que mantiene a Barbie Land y el mundo real claramente diferentes. Y mientras que Barbie, inicialmente resistente al destino que tiene por delante, finalmente acepta el desafío con brío y vigor, las preguntas comienzan a acumularse: ¿Cuán diferentes son Barbie Land y el mundo real? Si lo que sucede en el mundo real puede afectar a Barbie Land, ¿también puede ser al contrario? ¿Y por qué está Ken en el asiento trasero del auto rosa de Barbie mientras se dirige directamente a Los Angeles/mundo real?

Una vez en el mundo real, las realizaciones gemelas de Barbie y Ken de cómo es en realidad se desarrollan a un ritmo desigual. Barbie está confundida por el comportamiento de todos, no solo de los hombres que la miran lascivamente y de las mujeres que se burlan, sino especialmente el de Sasha (Ariana Greenblatt), una adolescente atrevida que ella cree que es su dueña desde hace mucho tiempo, la misma persona que sufre una angustia tan profunda que desgarra un agujero entre el Mundo Real y Barbie Land. Gerwig y el coguionista y socio de mucho tiempo, Noah Baumbach, levantan constantemente el velo (o, según sea el caso, rasgan su propio tejido temporal) mientras Barbie se ve acosada por la verdad del mundo real (no feminista), Barbie Land (tampoco feminista), y su lugar en ambos.

Ken, mientras tanto, está vivo.  Cuando Barbie, en lo más profundo de sus pensamientos, envía a Ken a dar un paseo, el soñador termina deambulando por Century City de Los Ángeles donde se pone al día con cómo realmente funcionan las cosas. ¡Los hombres gobiernan y el patriarcado es muy real! Ken también cree que la masculinidad y el patriarcado están indisolublemente ligados a los caballos, lo que conduce a todo tipo de divertidas confusiones y maravillosos chistes visuales, todo lo cual Gosling ofrece en un discurso cómico al nivel de los Oscar.

La aventura de Gerwig y Baumbach en el mundo real es absolutamente necesaria: desbloquea la tesis de la película después de asediarnos con diversión, nos da a la querida Greenblatt y su madre Gloria, obsesionada con Barbie (America Ferrera), y permite que Will Ferrell se vuelva muy extravagante como el loco CEO de Mattel. Sin embargo, no es tan divertido, fantástico y entretenido como el rico mundo de Barbie Land: ese es el punto. Afortunadamente, regresamos allí lo suficientemente pronto, aunque ha sido enormemente alterado por la fuerza total de un Ken que regresa (y, nos atrevemos a decirlo, con una píldora roja), quien usa toda su nueva ira masculina y poder patriarcal para cambiar lo que era una vez un idilio impulsado por una dama. Mientras Barbie está teniendo un mal día.

¿Qué esperanza hay para Barbie Land? ¿Qué esperanza hay para el mundo real? ¿Y Barbie realmente puede salvar a ambos esta vez, completando con un mensaje genuino de feminismo? Las formas en que Gerwig y Baumbach resuelven esas preguntas engañosas son solo una parte de la alegría de la película, que se mantiene en un nivel muy alto, incluso cuando se trata de preguntas embriagadoras y pesadas. En el camino, Gerwig y Baumbach encuentran humor y matices en todo, desde la mini-nevera hasta el éxito de Matchbox Twenty "Push", el impulso masculino de explicar "El Padrino" a la Corte Suprema, los límites del feminismo moderno a las luces de neón. Patines. La muñeca Barbie quizás no lo es todo, pero "Barbie" lo es todo. Gerwig, como siempre, ha reunido un elenco de apoyo estelar. Todas las Barbies están encantadas, pero los Ken, muy apropiadamente, lanzan un verdadero ataque furtivo, especialmente Simu Liu y Kingsley Ben-Adir, y Michael Cera casi se lleva todo el asunto como el compañero singular Allan. 

También hay una fila de talentos innegables detrás de cámara: se pueden escribir y se escribirán obras de análisis sobre el diseño de producción de Sarah Greenwood y el vestuario de Jacqueline Durran. Pero el verdadero análisis se lo merece el mensaje de la película. Aunque la paleta de colores rosa brillante y el estilo de diálogo ingenuo establecen un tono "no tan serio", esta metacomedia se sumerge en una exploración existencial intensa. Inspirándose en Wings of Desire (1987) de Wim Wender y su estructura narrativa de “conversaciones con un ángel”, Barbie se convierte en un ángel figurativo que desciende del cielo para comentar sobre el estado de la humanidad, en toda su belleza y fealdad.

Parte de la magnificencia de esta hazaña radica en la dificultad de combinar elementos contrastantes en una historia fluida. Barbie cruza la línea entre el sarcasmo y el sentimentalismo con tanta facilidad. La tontería de la charla de Barbie combina bien con la tontería del mundo real dirigido por Will Ferrell, pero complementa los momentos desgarradores entre Gloria y su hija Sasha. Barbie es un enfoque metamoderno para diseccionar la posición del juguete en el mundo y cómo se relaciona con las formas en que construimos nuestras propias identidades. Barbie se pone un espejo ficticio a sí misma como una forma de revelar más sobre quiénes somos colectivamente.

El empleo de Ruth Handler representa uno de los aspectos más destacados y las deficiencias de la marca Barbie, ya que llama la atención sobre todo el espectro de quién es ella. Ruth revela que Barbie lleva el nombre de su hija Barbara, lo que enfatiza la dinámica madre-hija que impregna la trama. Y también se burla de sus propias faltas, bromeando brevemente sobre sus episodios de evasión de impuestos, lo que finalmente la llevó a renunciar a la empresa en 1974. 

Esto nuevamente hace eco del tema principal de esta película: aceptar todo sobre ti, defectos y todo. Al incluir versiones descontinuadas de las muñecas Barbie y Ken, además de incorporar nuevas ediciones como Cellulite Barbie, Gerwig resalta los vergonzosos aspectos negativos que la compañía trata de ocultar. Al aceptar estos "errores" de frente, Gerwig llama la atención sobre lo que esta muñeca ha significado para nuestra sociedad, como un barómetro de la política de género, como un reflejo de cómo nos representamos a nosotros mismos y como un personaje por derecho propio a pesar de ser una idea para tantos.

Con un tono satírico reflexivo, una estética inolvidable y un discurso completamente inesperado (pronunciado por una de las actrices más icónicas para el empoderamiento femenino y autoestima de toda una generación), sin duda, aún en la vida real, es el mundo de Barbie y todos vivimos en él.

Crítica Cinéfila: White Noise

Un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica. Jack, un profesor universitario que ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo, se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad.

Como cineasta, Noah Baumbach siempre ha sido un realista dramático empedernido, una división neurótica conversativa. “The Squid and The Whale” (2005), el drama de divorcio que estableció su reputación y es muy apreciado por muchos cinéfilos, no es la mitad de la película que es “Marriage Story”. La última película fue el logro culminante de Baumbach después de 25 años como guionista y director, y llevó sus fortalezas a un nuevo nivel de realización: su habilidad para captar la dinámica de las relaciones problemáticas en todas sus capas desgastadas, su extraordinaria habilidad con los actores y la ágil ligereza de sus diálogos, que emergen de la comedia humana.

Con "Marriage Story", Baumbach disfrutó del tipo de éxito con el que sueñan los cineastas independientes. Así que no sorprende, en cierto modo, que su primera película desde entonces, “White Noise”, sea diferente a todo lo que haya hecho antes. Una adaptación meticulosamente reverente de la mordaz novela distópica satírica de Don DeLillo sobre la vida de la clase media estadounidense en la década de 1980.

"White Noise" está ambientada en una acogedora y frondosa ciudad universitaria, que ha crecido alrededor de una pequeña escuela de artes liberales llamada The-College-on-the-Hill, y eso hace que la película sea un vehículo ideal para el tipo de personas que serían parte de la charla polémica en la que Baumbach es un profesional. El personaje central, Jack Gladney (Adam Driver), enseña en la universidad, donde ha sido pionero en toda una disciplina dedicada a los Estudios de Hitler, lo que suena como una broma de Woody Allen, excepto que la película, como Jack, se lo toma todo muy en serio. Jack no solo está enseñando sobre Hitler; es el excavador del alma del dictador, un rapsoda del fascismo.

Como profesor, es lo suficientemente célebre como para tener, a veces, seguidores de culto. Sin embargo, en casa, Jack preside un clan rebelde que lo mira con mucho menos asombro, incluso si él sigue siendo, a su manera, el gran académico. Driver, engordado, un corte de pelo bohemio y una chaqueta de cuero terrible, convierte a Jack en un estudio de cierto tipo de hombre de finales del siglo XX que se considera un cruzado por la libertad y la verdad pero que, de hecho, es un intelectual complaciente de la derecha. En su casa, pase lo que pase, lo principal que parece interesarle a Jack es la próxima comida.

La esposa de Jack, Babette (Greta Gerwig), tiene un cabello rizado que parece un permanente, así como una actitud lo suficientemente puntiaguda para equilibrar su narcisismo, y toma misteriosas píldoras farmacéuticas a escondidas. Cada uno se ha casado tres veces antes, y entre ellos tienen una camada razonablemente bien adaptada de niños: la inteligente adolescente Denise (Raffey Cassidy) y su dulce hermana menor Steffie (May Nivola), que son las hijas de Babette, el brillante conversador Heinrich (Sam Nivola), que es el hijo de Jack, y un hijo pequeño que es de ambos. Son como Brady Bunch con un toque de Los Soprano, y Baumbach, por un tiempo, mantiene el diálogo familiar zumbando.

También presenta a los colegas académicos de Jack, a quienes se trata como si estuvieran locos pero sin burlarse de ellos, en particular Murray (Don Cheadle), que es una especie de profesor de estudios estadounidenses con una visión profunda de las dimensiones más tontas de la sociedad gringa. Piensa que los supermercados son una forma profunda de nirvana, y la película comienza con su conferencia, ilustrada por un deslumbrante montaje de fragmentos de películas, sobre el significado del accidente automovilístico en el cine de Hollywood, que él ve como una expresión de pura alegría. En cierto modo, esto establece el tono para todo lo que sigue. Le saber a la audiencia que “White Noise” va a ser, en algún nivel, sobre violencia y catástrofe, y que va a considerar esas cosas con una mirada divertida e irónica.

La primera pista de que se está viendo algo más que una comedia de observación sobre un profesor enloquecido y su familia fracturada cuando un hombre que conduce un camión lleno de químicos tóxicos choca contra un tren y el accidente produce una enorme nube química negra que flota en la distancia, acercándose inexorablemente al pueblo. ¿Se moverá y envenenará a todos? Mientras Jack y su familia se amontonan en su camioneta Chevy, evacuando en una acumulación de tráfico de millas de largo tan portentosa, la película, así como así, se convierte en una película metafórica de desastres sobre miedo, conspiración, y la toxicidad de los productos de consumo.

“White Noise” se publicó en 1985, y parte del atractivo de la novela es que se adelantó mucho a su tiempo. DeLillo vislumbró, a mediados de los años 80, una maraña de pistas sobre el mundo que estaba surgiendo. Y ahora que han pasado 37 años, se puede ver que gran parte de lo que vio se ha movido al frente y al centro: el envenenamiento literal de la vida estadounidense, la sensación de temor espiritual que brota bajo el sueño americano, la reconfiguración de lo que significa una familia en la era del divorcio y, de manera más perspicaz por parte de DeLillo, el surgimiento de una nueva cultura farmacéutica insidiosa en la que la gente ahora intentaría drogar su desesperación. Algo de esto incluso se conecta con el mundo post-Covid. Sin embargo, es la naturaleza de estas cosas que donde "White Noise" una vez se sintió profético, sus percepciones pesimistas ahora parecen, en todo caso, parte del presente.  

Esas pastillas que toma Babette resultan ser presagios del nuevo mundo. No son estimulantes, son, más bien, estabilizadores del estado de ánimo destinados a calmar su miedo a la muerte. Jack y Babette están obsesionados con la muerte, y cuando Jack, durante ese escape de la nube tóxica, sale del automóvil durante dos minutos para llenar el tanque de gasolina, se entera de que puede haber recibido una dosis letal de productos químicos. ¿Es ese diagnóstico solo otra conspiración?

Estas son preguntas pesadas, y la novela “White Noise” alcanzó una pesadez total. Era un libro de ideas. Como película, anuncia sus temas en voz alta y con orgullo, pero el problema es que los anuncia más de lo que los hace sentir. Gerwig tiene una de las mejores escenas: un monólogo lleno de lágrimas, arrancado de las entrañas, en el que le confiesa su adulterio a Jack, aunque su transgresión no se trata tanto de un deseo de desviarse como de su compulsión por conseguir esas pastillas por cualquier medio necesario. La película se anuda a sí misma para explicar las malas noticias. Qué revelador, entonces, que es mucho más efectiva cuando está dispuesto a ser optimista, especialmente en una secuencia de baile de créditos de cierre triunfalmente loca que tiene lugar en los pasillos brillantemente iluminados de A&P. Con el ritmo alegre y resonante de “New Body Rhumba” de LCD Soundsystem, el lugar realmente parece un nirvana irónico.

Crítica Cinéfila: Marriage Story

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.

Marriage Story comienza con una falsificación. A través de la voz en off, los cónyuges Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) enumeran las cosas, grandes y pequeñas, que adoran el uno del otro: ella es una oyente incomparable, una experta en dar los regalos perfectos, una bailarina "infecciosa"; él es genuino con su hijo, un aparador sorprendentemente genial, llorador en el cine. Todo es cálidamente romántico de una manera adulta y sólida.

Por desgracia, esas listas no son tarjetas del Día de San Valentín que Charlie y Nicole han escrito el uno para el otro, o un ejercicio de intimidad destinado a acercarlas. Son algo que un mediador le ha pedido a la pareja que improvisen para separarse en buena fe. En la superficie, esta no es una historia de amor, sino de creciente hostilidad mutua, aunque, cómo argumenta la nueva y magistral película de Noah Baumbach, la línea entre esos sentimientos puede ser muy borrosa.

Los espectadores que cavaron la relativa suavidad del último proyecto de Baumbach, The Meyerowitz Stories (New and Selected) de 2017, deben prepararse: este es un trabajo duro, lleno de dolor que se siente sorprendentemente real (se basa en el propio divorcio de Baumbach de la actriz Jennifer Jason Leigh) y sin disimulo en su disposición a observar, a veces sorprendentemente con una proximidad emocional a las buenas personas en su peor momento.

También es divertido y, cuando menos lo esperas (y la mayoría de las veces lo necesitas), casi insoportablemente tierno, gracias en gran parte a los protagonistas sensacionales, que ofrecen las actuaciones más profundas, vivas y sintonizadas de sus carreras. Marriage Story te pone al revés, pero te deja entusiasmado por haber sido testigo de un cineasta y sus actores se superan a sí mismos.

La yuxtaposición del montaje de apertura de la película con la escena de mediación tensa que sigue genera suspenso: ¿Qué salió mal entre Charlie y Nicole? Pero Marriage Story encuentra a Baumbach en un estado de ánimo que confunde las expectativas; en lugar de una melancólica autopsia de un romance fallido a la Annie Hall, la película ofrece una crónica de conflicto y de cómo cambia una relación en el transcurso del proceso de divorcio. En el camino, captamos la dinámica que condujo a este colapso matrimonial en particular, pero ese no es el punto de Baumbach ni su propósito.

Cuando los conocemos, Charlie es director de un teatro de Brooklyn y Nicole, que rechazó algunas ofertas lucrativas en Hollywood, la actriz principal de su compañía. Después de separarse, Nicole toma a su hijo de 8 años, Henry (Azhy Robertson), y regresa a su ciudad natal, Los Ángeles, para actuar en una serie de televisión. Ella pasa tiempo con su deslumbrante madre (Julie Hagerty), y su hermana (Merritt Wever). Una nueva vida comienza a tomar forma.

El desafío es descubrir dónde encaja Charlie. Decidiendo hacer oficial su separación, Nicole consulta con la abogada de divorcios de alto poder, Nora Fanshaw (Laura Dern). Mantenerse amiga de su ex marido es la prioridad, insiste Nicole. "Lo haremos lo más gentilmente posible", Nora le tranquiliza. 

Nicole le cuenta a Nora su versión de la historia, relatando cómo su identidad, sus ideas, personalidad y ambiciones, gradualmente se volvieron secundarias y absorbidas por las de Charlie. La sustancia del monólogo es familiar: una mujer que se encuentra encogida en la sombra del ego y las necesidades de su esposo. Pero Baumbach lo enseña en algunas tomas largas, la cámara acercándose lentamente a Nicole y el torbellino de sentimientos que Johansson evoca resultando asombroso.

Aprendemos que el deseo de Nicole de pasar más tiempo en Los Ángeles fue un punto importante de discusión durante el matrimonio, y lo sigue siendo durante el divorcio. Aunque su trabajo todavía está en Nueva York, Charlie renta una residencia de medio tiempo cerca de Nicole para negociar la custodia compartida de Henry. Se establece una nueva normalidad, con recogidas y devoluciones, honorarios legales exorbitantes y conversaciones incómodas.

Los ex todavía se preocupan el uno por el otro, como lo ilustran dos momentos de gentil desamor: uno en el que Nicole recorta el cabello de Charlie, otro en el que le ordena el almuerzo en una conferencia de conciliación. Una de las ideas más penetrantes de la película es que el divorcio, incluso cuando es necesario, no siempre es intuitivo; a veces es un acto de abnegación, contrario a lo que el corazón quiere y que requiere un grado casi cruel de disciplina.

También puede acumularse, tomando proporciones de desagrado que empequeñecen o oscurecen las razones por las que se persiguió en primer lugar. Otras películas estadounidenses sobre el divorcio ( Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, The War of the Roses) han retratado este fenómeno, el proceso legal que impulsa y da forma a los sentimientos de la pareja en lugar de viceversa, pero ninguno con la fuerza y ​​claridad de Marriage Story.

Con los abogados empujándolos hacia posturas más agresivas, Charlie y Nicole se enfrentan en una discusión que conmociona el alma, sus quejas surgiendo como lava abrasadora. A medida que se ponen al descubierto los problemas de su matrimonio (su egoísmo reflexivo y su infidelidad, su tendencia a convertirse en una víctima), la escena se capta angustiosamente, recordando cuán fácilmente el amor puede convertirse en odio.

Todo esto hace que Marriage Story suene más sombrío de lo que es. Baumbach siempre ha sido un maestro de la comedia tintineante, y hay risas que animan el ambiente aquí. Una secuencia en la que la madre y la hermana de Nicole la ayudan a entregar los documentos de divorcio de Charlie se ejecuta con un vertiginoso chasquido. Y cuando una trabajadora social (Martha Kelly) visita a Charlie y Henry, el resultado es una pieza de comedia furtiva que, en su forma desconcertante, es aún más un acto de alto perfil. 

En colaboración con el cinematógrafo Robbie Ryan, emplea un estilo visual ágil y flexible, entrelazando primeros planos que capturan cambios sutiles en sus actores con ángulos más amplios que llaman la atención sobre la distancia física entre Charlie y Nicole, así como sus movimientos y lenguaje corporal alrededor del otro. El encuadre, la puesta en escena y el control sobre el flujo de la acción son seguros, a veces deslumbrantes. Los objetos, los gestos y los momentos (una puerta cerrada, un cordón de zapatos atado, un estallido inesperado en la canción) están persuadidos. Este es el trabajo de un cineasta al mando de sus poderes.

Si ha habido una limitación en las películas de Baumbach, es en la concepción de ciertos personajes. Sin embargo, Charlie y Nicole son tremendamente complicados, escritos con una sensación generosa del caos y la contradicción de las emociones humanas. Johansson te hace sentir los impulsos e instintos en conflicto (ira y anhelo, desafío y culpa, audacia y temor) en cada paso de la transición de Nicole a la vida sin Charlie. Mientras tanto, Charlie no es un narcisista ostentoso como los padres interpretados por Jeff Daniels y Dustin Hoffman en The Squid and the Whale y The Meyerowitz Stories de Baumbach, respectivamente. El es afable, cariñoso y consciente de sí mismo. Pero Charlie ha tenido un efecto eclipsante en la mujer que ama, y ​​Driver ofrece un retrato brillantemente habitado y sombreado de un hombre que se ve obligado a considerar esa realidad.

Algunos dirán que Marriage Story favorece a Charlie. Es el sustituto del cineasta, y la segunda mitad, en particular, se centra en su perspectiva y experiencia. Pero Baumbach es duro a la vez con Charlie, y al final perdona a los dos personajes. Es un testimonio de la película que cuando llega a su delicada conclusión, a pesar de todo lo que Charlie y Nicole se han dicho y hecho, el enloquecedor desastre que han hecho de las cosas, hemos llegado a amarlos a ambos.