Crítica Cinéfila: Marriage Story

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.

Marriage Story comienza con una falsificación. A través de la voz en off, los cónyuges Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) enumeran las cosas, grandes y pequeñas, que adoran el uno del otro: ella es una oyente incomparable, una experta en dar los regalos perfectos, una bailarina "infecciosa"; él es genuino con su hijo, un aparador sorprendentemente genial, llorador en el cine. Todo es cálidamente romántico de una manera adulta y sólida.

Por desgracia, esas listas no son tarjetas del Día de San Valentín que Charlie y Nicole han escrito el uno para el otro, o un ejercicio de intimidad destinado a acercarlas. Son algo que un mediador le ha pedido a la pareja que improvisen para separarse en buena fe. En la superficie, esta no es una historia de amor, sino de creciente hostilidad mutua, aunque, cómo argumenta la nueva y magistral película de Noah Baumbach, la línea entre esos sentimientos puede ser muy borrosa.

Los espectadores que cavaron la relativa suavidad del último proyecto de Baumbach, The Meyerowitz Stories (New and Selected) de 2017, deben prepararse: este es un trabajo duro, lleno de dolor que se siente sorprendentemente real (se basa en el propio divorcio de Baumbach de la actriz Jennifer Jason Leigh) y sin disimulo en su disposición a observar, a veces sorprendentemente con una proximidad emocional a las buenas personas en su peor momento.

También es divertido y, cuando menos lo esperas (y la mayoría de las veces lo necesitas), casi insoportablemente tierno, gracias en gran parte a los protagonistas sensacionales, que ofrecen las actuaciones más profundas, vivas y sintonizadas de sus carreras. Marriage Story te pone al revés, pero te deja entusiasmado por haber sido testigo de un cineasta y sus actores se superan a sí mismos.

La yuxtaposición del montaje de apertura de la película con la escena de mediación tensa que sigue genera suspenso: ¿Qué salió mal entre Charlie y Nicole? Pero Marriage Story encuentra a Baumbach en un estado de ánimo que confunde las expectativas; en lugar de una melancólica autopsia de un romance fallido a la Annie Hall, la película ofrece una crónica de conflicto y de cómo cambia una relación en el transcurso del proceso de divorcio. En el camino, captamos la dinámica que condujo a este colapso matrimonial en particular, pero ese no es el punto de Baumbach ni su propósito.

Cuando los conocemos, Charlie es director de un teatro de Brooklyn y Nicole, que rechazó algunas ofertas lucrativas en Hollywood, la actriz principal de su compañía. Después de separarse, Nicole toma a su hijo de 8 años, Henry (Azhy Robertson), y regresa a su ciudad natal, Los Ángeles, para actuar en una serie de televisión. Ella pasa tiempo con su deslumbrante madre (Julie Hagerty), y su hermana (Merritt Wever). Una nueva vida comienza a tomar forma.

El desafío es descubrir dónde encaja Charlie. Decidiendo hacer oficial su separación, Nicole consulta con la abogada de divorcios de alto poder, Nora Fanshaw (Laura Dern). Mantenerse amiga de su ex marido es la prioridad, insiste Nicole. "Lo haremos lo más gentilmente posible", Nora le tranquiliza. 

Nicole le cuenta a Nora su versión de la historia, relatando cómo su identidad, sus ideas, personalidad y ambiciones, gradualmente se volvieron secundarias y absorbidas por las de Charlie. La sustancia del monólogo es familiar: una mujer que se encuentra encogida en la sombra del ego y las necesidades de su esposo. Pero Baumbach lo enseña en algunas tomas largas, la cámara acercándose lentamente a Nicole y el torbellino de sentimientos que Johansson evoca resultando asombroso.

Aprendemos que el deseo de Nicole de pasar más tiempo en Los Ángeles fue un punto importante de discusión durante el matrimonio, y lo sigue siendo durante el divorcio. Aunque su trabajo todavía está en Nueva York, Charlie renta una residencia de medio tiempo cerca de Nicole para negociar la custodia compartida de Henry. Se establece una nueva normalidad, con recogidas y devoluciones, honorarios legales exorbitantes y conversaciones incómodas.

Los ex todavía se preocupan el uno por el otro, como lo ilustran dos momentos de gentil desamor: uno en el que Nicole recorta el cabello de Charlie, otro en el que le ordena el almuerzo en una conferencia de conciliación. Una de las ideas más penetrantes de la película es que el divorcio, incluso cuando es necesario, no siempre es intuitivo; a veces es un acto de abnegación, contrario a lo que el corazón quiere y que requiere un grado casi cruel de disciplina.

También puede acumularse, tomando proporciones de desagrado que empequeñecen o oscurecen las razones por las que se persiguió en primer lugar. Otras películas estadounidenses sobre el divorcio ( Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, The War of the Roses) han retratado este fenómeno, el proceso legal que impulsa y da forma a los sentimientos de la pareja en lugar de viceversa, pero ninguno con la fuerza y ​​claridad de Marriage Story.

Con los abogados empujándolos hacia posturas más agresivas, Charlie y Nicole se enfrentan en una discusión que conmociona el alma, sus quejas surgiendo como lava abrasadora. A medida que se ponen al descubierto los problemas de su matrimonio (su egoísmo reflexivo y su infidelidad, su tendencia a convertirse en una víctima), la escena se capta angustiosamente, recordando cuán fácilmente el amor puede convertirse en odio.

Todo esto hace que Marriage Story suene más sombrío de lo que es. Baumbach siempre ha sido un maestro de la comedia tintineante, y hay risas que animan el ambiente aquí. Una secuencia en la que la madre y la hermana de Nicole la ayudan a entregar los documentos de divorcio de Charlie se ejecuta con un vertiginoso chasquido. Y cuando una trabajadora social (Martha Kelly) visita a Charlie y Henry, el resultado es una pieza de comedia furtiva que, en su forma desconcertante, es aún más un acto de alto perfil. 

En colaboración con el cinematógrafo Robbie Ryan, emplea un estilo visual ágil y flexible, entrelazando primeros planos que capturan cambios sutiles en sus actores con ángulos más amplios que llaman la atención sobre la distancia física entre Charlie y Nicole, así como sus movimientos y lenguaje corporal alrededor del otro. El encuadre, la puesta en escena y el control sobre el flujo de la acción son seguros, a veces deslumbrantes. Los objetos, los gestos y los momentos (una puerta cerrada, un cordón de zapatos atado, un estallido inesperado en la canción) están persuadidos. Este es el trabajo de un cineasta al mando de sus poderes.

Si ha habido una limitación en las películas de Baumbach, es en la concepción de ciertos personajes. Sin embargo, Charlie y Nicole son tremendamente complicados, escritos con una sensación generosa del caos y la contradicción de las emociones humanas. Johansson te hace sentir los impulsos e instintos en conflicto (ira y anhelo, desafío y culpa, audacia y temor) en cada paso de la transición de Nicole a la vida sin Charlie. Mientras tanto, Charlie no es un narcisista ostentoso como los padres interpretados por Jeff Daniels y Dustin Hoffman en The Squid and the Whale y The Meyerowitz Stories de Baumbach, respectivamente. El es afable, cariñoso y consciente de sí mismo. Pero Charlie ha tenido un efecto eclipsante en la mujer que ama, y ​​Driver ofrece un retrato brillantemente habitado y sombreado de un hombre que se ve obligado a considerar esa realidad.

Algunos dirán que Marriage Story favorece a Charlie. Es el sustituto del cineasta, y la segunda mitad, en particular, se centra en su perspectiva y experiencia. Pero Baumbach es duro a la vez con Charlie, y al final perdona a los dos personajes. Es un testimonio de la película que cuando llega a su delicada conclusión, a pesar de todo lo que Charlie y Nicole se han dicho y hecho, el enloquecedor desastre que han hecho de las cosas, hemos llegado a amarlos a ambos.

Crítica Cinéfila: Five Feet Apart

Dos adolescentes que se encuentran en el hospital, ambos con enfermedades muy graves que amenazan sus vidas, se conocen y comienzan a enamorarse el uno del otro.

"Five Feet Apart", el primer largometraje del director Justin Baldoni, es un romance que se centra en torno a dos adolescentes que viven con fibrosis quística. En última instancia, no es más que un tratamiento de la banda de cobertura de "The Fault in Our Stars", pero al menos tiene un infierno de primera línea en Haley Lu Richardson. Recién salida de "The Edge of Seventeen" y "Support the Girls", Richardson le da un giro de estrella tan carismático y seguro, ya que la película es formulable y olvidable, aportando alma, estilo y matices a un personaje que ya hemos visto antes.

Richardson, un talento excepcional en un mar de adecuación bien intencionada, interpreta a Stella, una estudiante de secundaria brillante y muy optimista que ha estado lidiando con la fibrosis quística desde su infancia. El inicio de la película la situa ingresando en el hospital para otra estadía prolongada, y no pierde el tiempo decorando cada centímetro de su habitación, organizando sus píldoras en filas con códigos de colores perfectos y armando listas detalladas de tareas para cada día, diseñando aplicaciones desde la cama y transmitiendo en vivo sus sesiones de tratamiento mientras espera un trasplante de pulmón; convirtió su rincón del hospital en una especie de segundo hogar, manteniendo un diálogo continuo con la enfermera jefa materna Barb (Kimberly Hebert Gregory) y su mejor amigo Poe (Moises Arias), un paciente de larga estancia.

Pero esta vez, hay un nuevo niño en la sala: Will (Cole Sprouse), sarcástico, vagamente rebelde, humeante y "guapo", quien ha llegado para someterse a un ensayo clínico experimental, y su actitud arrogante hacia su propio tratamiento eleva los problemas de la exagerada disciplina de Stella. Por supuesto, la película conspira para juntarlos casi de inmediato, y se calientan entre sí a través de un cortejo apresurado de nuevo, golpeando acuerdos de quid-pro-quo, FaceTiming entre sí durante la noche, e inevitablemente golpeando los topes de velocidad cuando se rozan con los secretos y traumas de cada uno.

Sin embargo, existe un obstáculo mucho más grande para su relación que las típicas crisis de las comedias románticas: los "CFers", como se refieren los personajes a sí mismos, se les dice constantemente que observen la "regla de los seis pies", manteniendo una distancia segura de otras personas con fibrosis quística para evitar la infección cruzada. Esta es una preocupación particular cuando se trata de Will, que está infectado con la peligrosa bacteria B cepacia, y aumenta enormemente el riesgo para Stella si se acerca demasiado a él. Así que no solo su romance en ciernes es perseguido por el espectro muy real de la mortalidad temprana, sino que ni siquiera pueden tomarse de las manos, y mucho menos besarse.

Muchos se preguntarán entonces por qué se llama Five Feet apart, si la regla es de 6 pies. Pero es más bien una ruptura del personaje principal que, cuando se da cuenta de sus sentimientos hacia su "amado" querrá romper la regla, bajo su propio riesgo, y tratar de acercarse a este con una diferencia de 5 pies... que románticos.

El guión, escrito por Mikki Daughtry y Tobias Iaconis, no puede evitar saturar las obras con artilugios y diálogos confusos. El manejo del personaje de Poe recae en algunos desafortunados tropos de "mejor amigo gay" que uno podría haber esperado que hubiéramos dejado atrás hace mucho tiempo, y su tercer acto de telenovela ofrece un montón de giros melodramáticos, que solamente hacen reír al éxtremo a toda la audiencia. Por supuesto, la audiencia pasa a llorar abiertamente ante el desenlace de la película, lo cual es un gran logro para el cineasta. Pero el pasaje intermedio de la película es capaz de generar una dulzura genuina, en gran parte debido al magnetismo discreto de Richardson y Sprouse.

Cuando la pareja finalmente se aleja para ir a una cita (manteniendo un taco de billar entre ellos para mantener su distancia, así como para servir como fuente de contacto sustituto) Baldoni cultiva algunas chispas reales, e incluso un toque de calor castamente sensual, a pesar de salir raramente del ámbito hospitalario. Es en estas escenas, mucho más que en sus secuencias bienintencionadas pero casi académicas que explican los desafíos de la fibrosis quística, que “Five Feet Apart” logra humanizar los efectos de la enfermedad de manera más tangible y afectiva. Si solo el resto de la película hubiera seguido su ejemplo, podría haberse elevado al nivel de su estrella.

Crítica Cinéfila: Cold War

Con la Guerra Fría como telón de fondo, “Cold War” presenta una apasionada historia de amor entre dos personas de diferente origen y temperamento que son totalmente incompatibles, pero cuyo destino les condena a estar juntos. 

Al igual que Ida (2013), Pawel Pawlikowski otorga a la audiencia una vez más una emotiva historia de amor que se envuelve alrededor de la angustia que se vivía en la era soviética. Cold War, su última película, es agridulce e insoportablemente encantadora, una triste balada de dos amantes que no pueden mantenerse separados pero que a veces tampoco pueden soportarse. Lamentablemente romántico pero también irónicamente realista sobre el poder destructivo del amor, el drama abarca más de una década, desde finales de los años cuarenta hasta principios de los sesenta. Retrata la tempestuosa relación entre el pianista Viktor y la cantante y bailarina Zula, dos polacos que viajan de un lado a otro a través de la Cortina de Hierro, desde Varsovia a París y más allá, mientras su pasión se manifiesta durante muchos años.

Pawlikowski encuentra una manera elegante y melancólica de resolver lo que podría haber sido una saga sin forma y en expansión, inspirada en parte por el matrimonio infeliz de sus propios padres. La música es lo que mantiene uniendo a los protagonistas originalmente. 

Cuando la historia comienza en 1949, Viktor recorre la campiña polaca asolada por la guerra con su amante y colega Irena, grabando actuaciones en la naturaleza de gente común en un carrete, acompañado por su conductor filisteo Kaczmarek. Con el paso del tiempo, Wiktor e Irena se transforman en un concierto patrocinado por el estado creando una escuela para cantantes y bailarines, artistas que se convertirán en los jugadores del Ensamble Mazurek. Presionados por sus señores socialistas, el conjunto se convertirá en un instrumento de propaganda, mostrando el talento y la belleza aria de los polacos en las capitales de todo el Bloque del Este.

Durante el proceso de audición, Viktor conoce a Zula, una belleza quien está en libertad condicional por usar un cuchillo sobre su propio padre después de que la confundió con su madre. La voz cantante de Zula no es tan pura como algunas de las otras mujeres jóvenes, pero ella tiene "algo más", un magnetismo y una presencia en el escenario que causan una impresión indeleble.

En poco tiempo, Viktor y Zula se han convertido en amantes, e Irena abandona rápidamente la imagen, aunque Kaczmarek solo continúa subiendo la escalera del éxito político, y tranquilamente busca a Zula desde lejos. Un día le revela a Viktor que está informando a Kaczmarek que él es un espia doméstico y será entregado a la justicia. Cuando el conjunto llega a Berlín Este para actuar, Viktor decide desertar hacia el Oeste simplemente cruzando el punto de control en el sector francés, y le pide a Zula que lo acompañe. Ella dice que lo hará, pero en el último minuto, temiendo que no tendrá nada si se va, cambia de opinión y se queda atrás en el Este.

Y así es, con pequeños saltos de uno, dos y hasta cuatro años, se muestra a los amantes en diferentes puntos: Viktor se convierte en un pianista en un bar parisino, cosquilleando los marfiles en el escenario y los de la poetisa Juliette en su apartamento de la buhardilla, aunque nunca olvida "la mujer de su vida". Zula aparece de la nada en París y huye. Viaja a una Yugoslavia relativamente segura para verla actuar, y cuando lo ve en la audiencia, su sonrisa se evapora y lo mira con un trágico deseo antes de que el servicio secreto lo arrastre y lo ponga en un tren de regreso a París.

Por fin, en algún lugar de los años 50, finalmente pueden estar juntos. Pero el sexo extático y la colaboración artística no pueden empapelar las grietas en su relación, y todo se vuelve amargo, negándose emocionantemente a ir por el camino que los espectadores esperaban de los romances de períodos más melosos. Porque aquí no es un mal momento ni una mala suerte ni la cruel mano del destino que arruina las cosas para estos amantes, sino el exceso de familiaridad que lleva al desprecio, la pobreza y las expectativas poco realistas, además del alcoholismo. Zula y Viktor son sus propios "cargadores" más rabiosos, pero están ciegos ante el hecho evidente de que son demasiado egoístas e imperfectos para cambiar realmente. Sin embargo, el deseo insaciable de ambos es lo que siempre termina llevándolos a la misma habitación.

Cold War es el deleite de un musicólogo, a cargo del compositor Marcin Masecki, con una franja ecléctica de canciones que van desde canciones tradicionales de "montaña" e himnos de la era soviética a la reforma agrícola, desde piezas clásicas hasta fragmentos de George Gershwin y otros números de jazz como "Rock Around the Clock" de Bill Haley & His Comets, el último tanto metónimo para el final de cierta era como la muerte de Stalin o la caída del muro de Berlín. Con suerte, alguien encontrará la manera de lanzar una banda sonora oficial de la película para esto, o al menos una lista de reproducción de Spotify.

El blanco y negro de sus imágenes es un grito de protesta ante las situaciones política de la época de la trama, pero a la vez es una metáfora de los verdaderos colores del amor, queriendo establecer que el amor de dos personas solo tiene dos límites, y que para este funcione, deben elegir uno de los dos lados. La fotografía ha sido catalogada como una de las mejores cinematografías del 2018, recibiendo nominaciones hasta del calibre de la Academia. La exquisita iluminación y lentes de Lukasz Zal agrega más dulzura, igual a la excelencia que él y Ryszard Lenczewski lograron en Ida. 

Lo aún más destacable es el desarrollo de la trama, el cual lo hace con una paciencia y desesperación, que no urge con poner a los protagonistas juntos, pero si destaca los deseos de ambos por compartir sus días acompañados con el otro. Ese mensaje anti-romántico puede ser una píldora demasiado amarga para que la audiencia se la trague, incluso si la musicalidad rapsódica de la película ayuda a que sea más fácil. A pesar de la angustia y el título en sí, la Guerra Fría es una película más sensual, más sensual y más soleada que evoca lo que significa el amor incondicional, sin importar las limitantes que hayan de por medio.

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983, cuando un nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa: Oliver. Pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. (FILMAFFINITY)

Es el verano de 1983 en el norte de Italia y Elio Perlman (Timothée Chamalet), un chico ítalo-estadounidense precoz de 17 años, pasa los días en la villa familiar del s. XVII transcribiendo y tocando música clásica, leyendo y enamorando a su amiga Marzia (Esther Garrel).

Elio tiene una estrecha relación con su padre (Michael Stuhlbarg), un ilustre profesor especializado en cultura grecorromana, y su madre Annella (Amira Casar), una traductora, y entre ambos le han dotado de una amplia cultura en un entorno que rebosa de encantos naturales. Aunque la sofisticación y don intelectual de Elio podrían sugerir que es un adulto hecho y derecho, todavía tiene cierta inocencia y temas en los que desarrollarse, especialmente cuando se tratan de los sentimientos.

Un día, Oliver (Armie Hammer), un cautivador investigador americano que trabaja en su doctorado, llega para ayudar al padre de Elio como becario durante el verano. En medio del soleado esplendor de este marco, Elio y Oliver descubrirán la embriagadora belleza del despertar sexual a lo largo de un verano que cambiará sus vidas para siempre.

Esta película no es únicamente una trama enfocada en la sexualidad homosexual, sino también en el descubrimiento de las atracciones humanas y el desarrollo de las relaciones amorosas, desde su inicio hasta su climax. La sutileza y ritmo con la que cuentan la trama provoca un entendimiento completo de las intenciones de su director Luca Guadagnino, principalmente por la mezcla de vulnerabilidad y sensualidad como cuenta esta historia.

El reparto, protagonizado por Armie Hammer y Timothée Chalamet, es totalmente explosivo, principalmente en las escenas de este duo que muestra una química envidiable y anhelada en cada minuto de la película. No obstante, esto no resta al valor actoral que cada uno le da a sus roles, aún en las escenas individuales, por la carga emotiva que conllevan y la evolución de los mismos a lo largo de la trama. A su vez, los discursos están cargados de ironía y verdades subliminales que cada uno de sus narradores irán delatando a medida que avance la historia, sin ningún doble sentido, sino dejando todo exactamente donde quieren.

La fotografía está enfocada principalmente en retratar los distintos escenarios de la ciudad italiana donde ocurre esta historia, y cómo está va evolucionando junto con los sucesos de la historia. Los personajes saben sacarle provecho a cada escenografía empleada y aportarla como un elemento cultural que demuestra los propósitos de cada uno. Por otro lado, la musicalización es un espejo del tono romántico y dramático que va narrando la historia. Esa última canción es el clímax más inesperado que la audiencia espera para el protagonista, un grito de desahogo que muy pocos entenderan, pero que se dejarán llevar por su ritmo sutil y melancólico.

Además de ser una película completamente transparente y emotiva, el romance que crece entre sus protagonistas, más las interacciones de estos con el elenco de reparto, hacen que sea una trama respetable, aun por el más escéptico, y esto se debe al tono adecuado que tiene, a la naturalidad de cómo van surgiendo las situaciones y cómo los personajes saben dar un final totalmente inesperado pero aceptable, con el objetivo de dejar a su público con los sentimientos a flor de piel.

Call me by your name es, sin lugar a dudas, una película perfecta y digna de ser reconocida.