Crítica Cinéfila: The Phoenician Scheme

El magnate Zsa-zsa Korda es un rico empresario europeo que se ve envuelto en una trama de espionaje junto a su hija Liesl, una monja con la que mantiene una relación difícil y a la quiere dejar el negocio familiar.

Hubo una época en que empresarios adinerados como el ficticio Zsa-zsa Korda de Wes Anderson se saltaban las reglas, amasaban fortunas y urdían discretamente los planes de sucesión de las dinastías que habían forjado. Hoy en día, estos hombres gobiernan países, aunque no se debe interpretar un mensaje político demasiado fuerte en la última obra de Anderson, "The Phoenician Scheme". Es una mirada irónica a uno de estos titanes donde esta saga densa pero innegablemente entretenida funciona también como una conmovedora historia paternal, y en última instancia parece mucho más interesada en explorar el espíritu de barón ladrón del capitalismo del siglo XX que sus consecuencias.

Inspirada en figuras como J. Paul Getty, JP Morgan y el difunto suegro de Anderson, el magnate libanés de la construcción Fouad Mikhael Malouf, "The Phoenician Scheme" eleva a Benicio del Toro de actor secundario (el genio artístico encarcelado en "The French Dispatch" de 2021) a protagonista en el universo de Anderson. Mientras tanto, Mia Threapleton marca la incorporación más significativa a la compañía en constante expansión del director, interpretando a Leisl, la hija de rostro de porcelana de Zsa-zsa (y monja novicia).

Un afeitado y un corte de pelo le sientan de maravilla a Del Toro: el actor resulta muy digno como Korda, un comerciante culto con un toque de rufián. Con trajes cruzados a medida, el pelo canoso engominado hacia atrás y una caja de madera llena de granadas de mano dondequiera que vaya, Korda no pertenece a ningún país en particular, pero tiene negocios en muchos. Es una figura controvertida, buscada muerta por al menos uno de sus innumerables rivales.

La película comienza con el compositor Alexandre Desplat inyectando una dosis de suspense al estilo de Lalo Schifrin en un vuelo a baja altitud, mientras Korda lee con calma el tipo de libro de no ficción altamente especializado que dejaría a la mayoría dormido, cuando una explosión destroza el fuselaje de su avión privado. Es un comienzo relativamente espectacular para los estándares de Anderson, incluso si el accidente se representa en uno de esos travellings donde la cámara sigue los restos humeantes del avión con la suficiente lentitud como para que el público se ría al ver las pertenencias de Korda esparcidas por un maizal.

Este último roce con la muerte ha dejado a Korda con dos prioridades: reconciliarse con su hija, de quien está distanciada y quien aún no ha perdonado a Zsa-zsa por su participación en la muerte de su madre, y sacar adelante su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Se trata de un proyecto de infraestructura de tres partes que consiste en un túnel locomotora transmontano, una vía fluvial transdesértica y un terraplén hidroeléctrico transcuenca, cuyos detalles son tan interesantes como sus tres nombres los hacen parecer.

Mientras Korda intenta cubrir un déficit de financiación que podría hundir sus planes, la mayor parte de "The Phoenician Scheme" transcurre recorriendo un país ficticio (la Gran Fenicia Independiente Moderna) vagamente inspirado en la Península Arábiga, con Leisl y su despampanante tutor sueco Bjorn (Michael Cera) a cuestas. Corre el año 1950, aproximadamente a medio camino entre las fechas de estreno de "Citizen Kane" y "Lawrence of Arabia", y el espíritu de esos dos iconos resuena aquí, aunque a una escala miniaturista que le sienta mejor a Anderson. Como tantos de las influencias del cineasta, desde Royal Tenenbaum hasta Steve Zissou, Korda es una figura que suscita tanto admiración como burla: una postura irónica que permite a Anderson colar una dosis de sinceridad junto con la caricatura.

Menos peculiar conceptualmente que la reciente "Asteroid City" del excéntrico autor (con su metaencuadre, una película dentro de un ensayo teatral dentro de un especial de televisión al estilo de "Playhouse 90"), pero no menos profunda, "The Phoenician Scheme" encuentra una vez más a Anderson incorporando cuestiones existenciales en una forma aparentemente satírica. No pasa un fotograma sin una mirada de detalles cómicos que divierten a su público, y sin embargo, en el fondo, el director se atreve a abordar cuestiones de la mortalidad. En el centro de todo esto se encuentra el dilema de Korda: si ha dedicado toda su energía a amasar riqueza, pero no ha tenido familia, ¿de qué le sirvió su fortuna?

Cuando Liesl regresa a su vida, Zsa-zsa aún no ha recapacitado. La sienta y le explica que, si uno de sus enemigos logra eliminarlo, la herencia de Korda pasará a ella; aunque esta futura monja no lo necesite mucho, pues tiene la plena intención de renunciar a todas sus posesiones terrenales al tomar los votos. Luego procede a mostrarle el alcance de sus operaciones, cuidadosamente clasificadas en una serie de cajas de zapatos y dispuestas en el suelo con el estilo geométricamente simétrico de Anderson. (El director se supera con algunas de sus meticulosas composiciones, incluyendo un plano cenital del baño de Korda que llena perfectamente el encuadre).

¿Qué interés podría tener para Leisl acompañar a Zsa-zsa en un viaje de negocios de seis paradas? ¿O para nosotros, en realidad? Por momentos, "The Phoenician Scheme" puede resultar tan divertido como ver a un talentoso contable sorteando las lagunas legales del impuesto de sociedades, dada la nueva preocupación de Anderson por las complejidades contractuales y los complejos acuerdos financieros, que en la película se renegocian constantemente mediante partidos de baloncesto y acuerdos secretos. Pero no olvidemos que eso es solo el MacGuffin, mientras que el acercamiento entre Leisl y su padre es el principal atractivo.

El director recluta a estrellas de primera línea con las que ya ha trabajado (Tom Hanks, Bryan Cranston, Mathieu Amalric, Scarlett Johansson y Benedict Cumberbatch) para interpretar a los diversos personajes a los que Korda debe convencer para que cubran parte del hueco. Pero Korda, cuyos diálogos del Toro interpreta con la misma cadencia mesurada que Bill Murray ha aportado a varios papeles de Anderson, está demasiado perturbado por visiones místicas como para centrarse por completo en la tarea en cuestión. En cinco ocasiones, generalmente provocadas por situaciones cercanas a la muerte, Zsa-zsa se imagina a sí mismo en secuencias de sueños en blanco y negro.

Antes de descartar estos interludios como absurdos, consideren el cuidado que Anderson ha puesto en cada composición. Todo significa algo, aunque la mayoría de los espectadores no logran descifrar el simbolismo críptico del director. Lo mismo podría decirse de las obras de arte de calidad museística que salpican la película. "Nunca compres buenas películas. Compra obras maestras", decreta Korda, hablando en nombre de todos esos magnates (desde Getty hasta Hearst) que gastaron sus fortunas acumulando tesoros.

Ese es un tipo de legado, aunque Anderson parece dirigir la indagación de la película sobre el sentido de la vida hacia sí mismo, como artista y padre. El estilo de Anderson es, por excelencia, personal, ya que nadie más que él podría imaginar mundos tan elaborados; sin embargo, esta historia está enriquecida por lo que ha faltado en sus primeras películas, más superficiales: un poco de introspección que ponga los negocios infernales de Korda en la perspectiva adecuada.

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Black Widow

Natasha Romanoff, alias Viuda Negra, se enfrenta a los capítulos más oscuros de su historia cuando surge una peligrosa conspiración relacionada con su pasado. Perseguida por una fuerza que no se detendrá ante nada para acabar con ella, Natasha debe lidiar con su historia como espía y con la estela de relaciones destruidas que dejó atrás mucho antes de convertirse en Vengadora. 

Desde su introducción en Iron Man 2 de 2010, Black Widow / Natasha Romanoff (Scarlett Johansson) ha tenido una presencia constante en el MCU, pero mientras sus contemporáneos obtuvieron películas en solitario, ella fue relegada constantemente a un personaje de reparto con Marvel prometiendo constantemente que le haría propia película a su debido tiempo. Y ahora, como murió en Avengers: Endgame parece que es el debido tiempo para obtener una especie de precuela incómoda que pretende completar la historia de fondo de Natasha, pero que en realidad es más un empujón para su hermana (y probablemente futura poseedor del manto de "Viuda Negra"), Yelena Belova (Florence Pugh) ser introducida. Sí, aprendemos sobre los orígenes de Natasha, pero hay un curioso agujero en esta película. Su arco es dolorosamente fino, y hace que "Black Widow" se sienta más interesante en el personaje como una marca que continuará que en un héroe/persona que, especialmente las mujeres (como la única mujer miembro de los Vengadores originales) podríamos admirar.

Después de un prólogo que narra parte de la infancia de Natasha, la historia comienza después de "Captain America: Civil War". Natasha está huyendo del general Ross (William Hurt) y busca permanecer oculta cuando recibe un paquete de su hermana Yelena, incomunicada de ella desde hace mucho tiempo. Sin embargo, el paquete también está siendo rastreado por el infame Taskmaster, un soldado enmascarado cuyos movimientos pueden imitar a cualquiera, pero para los propósitos de la película, imita solo a los Vengadores. El paquete pone a las hermanas en el punto de mira del malvado Dreykov (Ray Winstone), por lo que piden la ayuda de sus ex padres sustitutos Melina (Rachel Weisz) y Alexei/Red Guardian (David Harbour), el súper soldado ruso similar al Capitán América, para derribar la Sala Roja, el lugar donde Dreykov hace sus viudas negras, de una vez por todas.

Puedes ver el esquema más tenue del arco del personaje destinado a Natasha con esta película, ya que aparentemente se trata de la familia. Después de Civil War, Natasha había perdido a los Vengadores, la única familia que había conocido, y eso probablemente habría tenido un impacto diferente si esta película hubiera salido en 2016 o 2017 en lugar de en 2021 cuando el personaje ya había muerto en Endgame. Pero como concepto, Natasha pierde a su familia de los Vengadores y recupera a la familia de su infancia, no está mal, especialmente cuando tienes una química tan fuerte entre los cuatro actores, y especialmente entre Johansson y Pugh, con Pugh trayendo una perfecta energía de "hermana malcriada” a los procedimientos. Para una película que parece depender de esta dinámica familiar, Black Widow es una experiencia bastante agradable.

El problema es que estas temáticas familiares, y especialmente Yelena, están desplazando en gran medida a Natasha de protagonizar su propia película. La película rara vez tarda un momento en asentarse antes de que Natasha vuelva a una nueva misión y esa misión involucre a Yelena, pero nunca llegamos a entender realmente de dónde viene Natasha. La película está llena de marcadores de Natasha enfrentándose a sí misma (la llegada de su familia, la participación de otras Viudas Negras, el hecho de que la habilidad de Taskmaster es básicamente un "espejo" de su enemigo), pero poca introspección por parte del personaje. De esta manera, Black Widow crea más el perfil de Natasha que ahondar en su personaje y desafiarla de tal manera que crea una especie de crecimiento personal, aunque un crecimiento que se sentiría algo decepcionante dado que ahora está muerta.

Como película de Marvel, Black Widow se siente como si estuviera en la parte inferior de esta fase. Si bien sigue siendo entretenimiento y tiene algunas escenas de acción buenas, todo el esfuerzo juega como en gran parte superficial y en muchos de los casos imposible para el personaje. Los fanáticos exigieron constantemente una película en solitario de Black Widow, Marvel arrastró los pies, y ahora finalmente está aquí como algo a medio formar que es parte del origen de Natasha pero también de Yelena. Imagínese si nunca hubieran hecho ninguna película del Capitán América y luego, después de Endgame, finalmente hicieron una en la que Cap le entrega el escudo a Bucky. Una de las secuencias que seguro fueron de las más costosas de producir pero una de las más incoherentes es la confrontación final en la sala Roja con su caída al vacío. Recordemos por un momento que Natasha, a pesar de tener un entrenamiento incomparable y una capacidad de planificación lógica superior a otros personajes, no es inmortal, por lo que ¿cómo, después de ustedes haberla sacrificado cayendo por un declive, me dicen que cayendo desde el cielo no va a morir ni a tener lesiones mayores? ¿O que iba a poder pelear y correr con toda la potencia que tuvo después de haber sido casi mutilada a golpes por las demás viudas negras? ¿O que se cae por la ventana de un edificio junto a otra viuda, y esa muere pero Natasha no? Repito, no es inmortal. A parte de esto, la falta de continuidad narrativa entre las situaciones y acciones de los personajes no hacen mucho sentido.

Lo sorprendente es que Black Widow casi lo logra porque Yelena es inolvidable. Si puede dejar de lado cualquier afinidad hacia Natasha y lo que el MCU le debe a su narrativa, entonces tiene un nuevo personaje brillante que probablemente se establecerá como un nuevo favorito de los fanáticos. Pugh ha estado escalando grandemente en las películas durante años, y es estupenda como Yelena. Como mínimo, sabemos que cuando Yelena inevitablemente asuma el título de "Black Widow", tendrá un giro diferente al héroe que Johansson, lo que hace que el futuro del personaje sea brillante, incluso si esta película en solitario no lo hace. 

Si bien la dinámica familiar es divertida y la misión es la tarifa estándar de Marvel, Black Widow parece estar contando la historia equivocada, pero no tiene otra opción dada en qué parte de la línea de tiempo de MCU cae. Si esta película hubiera salido a mediados de la década de 2010, aún podrían haber seguido la ruta de la precuela, pero contaron la historia sobre Budapest y su fatídico encuentro con Hawkeye / Clint Barton (Jeremy Renner). Sabemos que es un punto de inflexión importante en su vida, y hubiera sido genial ver cómo se desarrolló y cambió su dirección de asesina a sueldo a agente de SHIELD. En cambio, la historia que estamos recibiendo es más un piloto de puerta trasera para Yelena Belova. Solo espero que Marvel le haga mejor honor.

Crítica Cinéfila: Marriage Story

Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo.

Marriage Story comienza con una falsificación. A través de la voz en off, los cónyuges Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) enumeran las cosas, grandes y pequeñas, que adoran el uno del otro: ella es una oyente incomparable, una experta en dar los regalos perfectos, una bailarina "infecciosa"; él es genuino con su hijo, un aparador sorprendentemente genial, llorador en el cine. Todo es cálidamente romántico de una manera adulta y sólida.

Por desgracia, esas listas no son tarjetas del Día de San Valentín que Charlie y Nicole han escrito el uno para el otro, o un ejercicio de intimidad destinado a acercarlas. Son algo que un mediador le ha pedido a la pareja que improvisen para separarse en buena fe. En la superficie, esta no es una historia de amor, sino de creciente hostilidad mutua, aunque, cómo argumenta la nueva y magistral película de Noah Baumbach, la línea entre esos sentimientos puede ser muy borrosa.

Los espectadores que cavaron la relativa suavidad del último proyecto de Baumbach, The Meyerowitz Stories (New and Selected) de 2017, deben prepararse: este es un trabajo duro, lleno de dolor que se siente sorprendentemente real (se basa en el propio divorcio de Baumbach de la actriz Jennifer Jason Leigh) y sin disimulo en su disposición a observar, a veces sorprendentemente con una proximidad emocional a las buenas personas en su peor momento.

También es divertido y, cuando menos lo esperas (y la mayoría de las veces lo necesitas), casi insoportablemente tierno, gracias en gran parte a los protagonistas sensacionales, que ofrecen las actuaciones más profundas, vivas y sintonizadas de sus carreras. Marriage Story te pone al revés, pero te deja entusiasmado por haber sido testigo de un cineasta y sus actores se superan a sí mismos.

La yuxtaposición del montaje de apertura de la película con la escena de mediación tensa que sigue genera suspenso: ¿Qué salió mal entre Charlie y Nicole? Pero Marriage Story encuentra a Baumbach en un estado de ánimo que confunde las expectativas; en lugar de una melancólica autopsia de un romance fallido a la Annie Hall, la película ofrece una crónica de conflicto y de cómo cambia una relación en el transcurso del proceso de divorcio. En el camino, captamos la dinámica que condujo a este colapso matrimonial en particular, pero ese no es el punto de Baumbach ni su propósito.

Cuando los conocemos, Charlie es director de un teatro de Brooklyn y Nicole, que rechazó algunas ofertas lucrativas en Hollywood, la actriz principal de su compañía. Después de separarse, Nicole toma a su hijo de 8 años, Henry (Azhy Robertson), y regresa a su ciudad natal, Los Ángeles, para actuar en una serie de televisión. Ella pasa tiempo con su deslumbrante madre (Julie Hagerty), y su hermana (Merritt Wever). Una nueva vida comienza a tomar forma.

El desafío es descubrir dónde encaja Charlie. Decidiendo hacer oficial su separación, Nicole consulta con la abogada de divorcios de alto poder, Nora Fanshaw (Laura Dern). Mantenerse amiga de su ex marido es la prioridad, insiste Nicole. "Lo haremos lo más gentilmente posible", Nora le tranquiliza. 

Nicole le cuenta a Nora su versión de la historia, relatando cómo su identidad, sus ideas, personalidad y ambiciones, gradualmente se volvieron secundarias y absorbidas por las de Charlie. La sustancia del monólogo es familiar: una mujer que se encuentra encogida en la sombra del ego y las necesidades de su esposo. Pero Baumbach lo enseña en algunas tomas largas, la cámara acercándose lentamente a Nicole y el torbellino de sentimientos que Johansson evoca resultando asombroso.

Aprendemos que el deseo de Nicole de pasar más tiempo en Los Ángeles fue un punto importante de discusión durante el matrimonio, y lo sigue siendo durante el divorcio. Aunque su trabajo todavía está en Nueva York, Charlie renta una residencia de medio tiempo cerca de Nicole para negociar la custodia compartida de Henry. Se establece una nueva normalidad, con recogidas y devoluciones, honorarios legales exorbitantes y conversaciones incómodas.

Los ex todavía se preocupan el uno por el otro, como lo ilustran dos momentos de gentil desamor: uno en el que Nicole recorta el cabello de Charlie, otro en el que le ordena el almuerzo en una conferencia de conciliación. Una de las ideas más penetrantes de la película es que el divorcio, incluso cuando es necesario, no siempre es intuitivo; a veces es un acto de abnegación, contrario a lo que el corazón quiere y que requiere un grado casi cruel de disciplina.

También puede acumularse, tomando proporciones de desagrado que empequeñecen o oscurecen las razones por las que se persiguió en primer lugar. Otras películas estadounidenses sobre el divorcio ( Kramer vs. Kramer, Shoot the Moon, The War of the Roses) han retratado este fenómeno, el proceso legal que impulsa y da forma a los sentimientos de la pareja en lugar de viceversa, pero ninguno con la fuerza y ​​claridad de Marriage Story.

Con los abogados empujándolos hacia posturas más agresivas, Charlie y Nicole se enfrentan en una discusión que conmociona el alma, sus quejas surgiendo como lava abrasadora. A medida que se ponen al descubierto los problemas de su matrimonio (su egoísmo reflexivo y su infidelidad, su tendencia a convertirse en una víctima), la escena se capta angustiosamente, recordando cuán fácilmente el amor puede convertirse en odio.

Todo esto hace que Marriage Story suene más sombrío de lo que es. Baumbach siempre ha sido un maestro de la comedia tintineante, y hay risas que animan el ambiente aquí. Una secuencia en la que la madre y la hermana de Nicole la ayudan a entregar los documentos de divorcio de Charlie se ejecuta con un vertiginoso chasquido. Y cuando una trabajadora social (Martha Kelly) visita a Charlie y Henry, el resultado es una pieza de comedia furtiva que, en su forma desconcertante, es aún más un acto de alto perfil. 

En colaboración con el cinematógrafo Robbie Ryan, emplea un estilo visual ágil y flexible, entrelazando primeros planos que capturan cambios sutiles en sus actores con ángulos más amplios que llaman la atención sobre la distancia física entre Charlie y Nicole, así como sus movimientos y lenguaje corporal alrededor del otro. El encuadre, la puesta en escena y el control sobre el flujo de la acción son seguros, a veces deslumbrantes. Los objetos, los gestos y los momentos (una puerta cerrada, un cordón de zapatos atado, un estallido inesperado en la canción) están persuadidos. Este es el trabajo de un cineasta al mando de sus poderes.

Si ha habido una limitación en las películas de Baumbach, es en la concepción de ciertos personajes. Sin embargo, Charlie y Nicole son tremendamente complicados, escritos con una sensación generosa del caos y la contradicción de las emociones humanas. Johansson te hace sentir los impulsos e instintos en conflicto (ira y anhelo, desafío y culpa, audacia y temor) en cada paso de la transición de Nicole a la vida sin Charlie. Mientras tanto, Charlie no es un narcisista ostentoso como los padres interpretados por Jeff Daniels y Dustin Hoffman en The Squid and the Whale y The Meyerowitz Stories de Baumbach, respectivamente. El es afable, cariñoso y consciente de sí mismo. Pero Charlie ha tenido un efecto eclipsante en la mujer que ama, y ​​Driver ofrece un retrato brillantemente habitado y sombreado de un hombre que se ve obligado a considerar esa realidad.

Algunos dirán que Marriage Story favorece a Charlie. Es el sustituto del cineasta, y la segunda mitad, en particular, se centra en su perspectiva y experiencia. Pero Baumbach es duro a la vez con Charlie, y al final perdona a los dos personajes. Es un testimonio de la película que cuando llega a su delicada conclusión, a pesar de todo lo que Charlie y Nicole se han dicho y hecho, el enloquecedor desastre que han hecho de las cosas, hemos llegado a amarlos a ambos.

Crítica Cinéfila: Jojo Rabbit

Jojo "Rabbit" Betzler (Roman Griffin Davis) es un joven y solitario niño alemán perteneciente a las Juventudes Hitlerianas que ve su mundo puesto patas arriba cuando descubre que su joven madre Rosie (Scarlett Johansson) esconde en su ático a un niña judía (Thomasin McKenzie). Con la única ayuda de su mejor amigo imaginario, Jojo deberá enfrentarse a su ciego nacionalismo.

¿Cuántas películas sobre nazis y judíos habrán en el mundo? Este es un tema que ha sido literalmente explotado en la pantalla grande. Sin embargo, hablar de estos temas en una tonalidad satírica ha resultado difícil, acabando con críticas que han destruído la total intención de sus autores. Por eso Taika Waititi nos trae una versión bien pensada, con uno de los guiones seleccionados por el BlackList del 2012, Jojo Rabbit.

Escrita y dirigida por Waititi, esta es la historia de Jojo Betzler, un niño alemán de 10 años que ha crecido siendo fanático empedernido del movimiento nazi. Con la ausencia de su padre quien está luchando en la II Guerra Mundial, Jojo vive con su madre Rosie en un humilde hogar, justo durante la época caliente de los campos de concentración judía. Jojo odia a los judíos porque así lo establece el Estado, pero es un niño muy inseguro que se acurruca de su amigo imaginario, Adolf, quien en realidad es una imagen caricaturesca de Adolf Hitler. 

Durante el verano, Jojo asiste a un campamento para la juventud Hitleriana, que prepara a los jóvenes para la guerra y cualquier batalla que se aproxime. Un día, descansando después de un accidente donde termina con cicatrices en el rostro, Jojo descubre que su madre esconde a una joven judía entre las paredes de una de las habitaciones. Al principio el niño considera delatarla, pero reconociendo el peligro que su madre correría, prefiere guardar el secreto y comenzar a escribir un libro sobre "los secretos de los judíos", sin esperar que poco a poco se irá enamorando de la judía refugiada.

Waititi ha hecho un poco de todo en el cine, pero lo más increíble es como todas sus películas mantienen un mismo estilo: él ha logrado establecer su marca, y con Jojo Rabbit la fortalece aún más. Al ser un guión escrito por él mismo, ya está claro que no solo se trata de traer risas y momentos bien satíricos a escena, sino también mostrar el lado humano de la comedia. En vez de irse por la típica sátira de sangre esparcida innecesariamente, el énfasis de la tonalidad está en el punto de vista de Jojo, interpretado adorablemente por Roman Griffin Davis, quien hace su debut como actor con esta película, pero la manera cómo lo hace es lo que nos roba el corazón. Este joven talento adquiere acento y personalidad, complementados por unas miradas tan inocentes que no solo se robarán el corazón de la audiencia, sino también demostrará lo manipulados que eran estos niños durante la era Nazi.

Además de Roman, es importante resaltar a Scarlett Johansson y Sam Rockwell, un par de americanos a quienes el acento alemán los transforma en personajes completamente distintos a los que ya habíamos visto, tanto en un estilo europeo de la época, como con el toque humanitario escondido tras cada una de sus acciones, también dando a entender que no todo alemán era malo. Pero el que realmente se roba la cámara es el mismo Waititi, quien interpreta al Hitler imaginario de Jojo, dándole consejos que en primer instancia parecerían crueles, pero que en algunas ocasiones resultan necesarios para que el personaje tome una decisión correcta. Por supuesto, al final del día él es el verdadero villano de la película, pero entre momentos y ofertas de cigarrillos, va llenando la historia de mucha gracia.

Así muchos otros actores que se van robando nuestro corazón, como Thomasin McKenzie en la piel de la judía Elsa, y Archie Yates como Yorki (el mejor amigo de Jojo), también hay muchos otros que hacen énfasis en no olvidar la frialdad e inhumanidad de la época. A través de la fotografía de  Mihai Mălaimare Jr., el lente hace un enfoque muy inteligente de la visión de Jojo, que entre escenas de plano abierto y secuencias de seguimiento solo se convierte en una visualización de su imaginación y sus aventuras, pero a su vez, hace un gran enfoque a detalles que en los momentos más oscuros de la película serán lo que expondrán cosas que afectarán al personaje, pero lo hacen de una manera tan inteligente que cuando llegan, lo hacen con la intención de no alejarse mucho de la tonalidad de la historia.

Aunque la resolución de esta crisis es predecible, el humanista en Waititi aporta intimidad y pasión indeleble a cada paso en el viaje del niño hacia la empatía. La película, que se vuelve menos cómica y más delicada a medida que avanza hacia su conclusión inevitable, alcanza la grandeza necesaria en un terreno bien explorado en cuanto a contenido, pero muy nuevo en cuanto a tonalidad, la cual es complementada exitosamente por el compositor Michael Giacchino.

Es en los pequeños momentos que Jojo Rabbit logra su mayor impacto. La fe de Waititi en la idea de que un niño nos sacará de la ignorancia puede ser ingenua. Te reirás, llorarás, y quizás ambas al mismo tiempo. Pero la verdad es que es una película casi imposible de olvidar.

Isle of Dogs

Después de que todas las mascotas caninas de Megasaki City sean exiliadas a una isla que es un vertedero, un niño de 12 años emprende un viaje para buscar a su perro extraviado. (FILMAFFINITY)

En un Japón distópico, el virus de la gripe se esparce por toda la población canina de Megasaki. El alcalde decide exiliar todos los perros a Trash Island, cariñosamente denominada como Ciudad de Perros. Mientras algunos tratan de encontrar una cura para esta enfermedad, el resto de la población se ha unido a la causa del exilio de los perros, sin importar cuales perros sufren de la gripe o no.

En la isla, los perros se dividen por clanes y territorios. Chief, un perro que (según él) siempre vivió en las calles, es el líder de un grupo de perros domesticados "con collar", quienes pelean contra quiensea por las bolsas de basura que lanzan a la isla, en busca de posibles residuos de comida.

Un día, una pequeña avioneta aterriza a la isla. Su piloto, un niño de 12 años, le pide al grupo de Chief que lo ayuden a encontrar a su perro Spots. El grupo acepta la aventura, excepto por Chief, que siempre se ha negado al amor humano. Mientras inicia la búsqueda alrededor de la isla, la amistad de Chief y el niño comienza a crecer; no obstante, los planes malignos del alcalde de Megasaki contra la Ciudad de los Perros se cruzan por el camino de nuestros aventureros, quienes deberán idear un plan para salvar todos los perros de la isla.

Wes Anderson es un cineasta que siempre ha tenido un estilo muy bien marcado de contar historias, tanto en sus guiones como en la cinematografía. Quien no es fanático de Wes Anderson quizás no se sienta atraído, pero es una forma que se ha convertido en un arquetipo del cine y permiten reconocer sus películas con facilidad, al punto de que es una tendencia y quienes sí son fanáticos lo imitan.

Pero si dejamos a un lado la ideología de su cineasta, Isle of Dogs es una historia que puede ser utilizada como un ejemplo de un guión completo. Tiene personajes memorables y muy particulares, que no solo son graciosos, sino que tienen complejos y que crean conflictos inimaginables en la trama (lo cual, siempre es bueno).

Es una historia donde la única confusión es quién es el verdadero villano de la historia, y es un "misterio" que no afecta pues no es algo que ya no hayamos visto en otras películas. Es graciosa, pero no al exceso de convertirse en una comedia, sino al punto de tratar de darle un lado amigable a una historia que trata sobre abuso animal y desigualdad.

En fin, es completa, pues desarrolla cada una de las tramas que introduce, les da final lógico y no te deja con esa inquietud de "¿pero qué pasa después?", sino que deja ese buen sabor en la boca de que no has desperdiciado 1 hora y media de tu vida.

Desde el punto de vista cinematográfico, es visualmente sorprendente, principalmente por el hecho de que ha sido realizada con el método de stop-motion; sin embargo, se ve tan fluida, donde debe destacarse el trabajo de cada uno de los animadores que trabajaron en este proyecto, por la naturalidad que le dieron a cada acción de los personajes, desde las peleas de perros hasta las lagrimas derramadas. La técnica "Wes Anderson" está bien acentuada en la elección de planos, pues a pesar de que parezcan muy estáticos, es algo que ya hemos visto en la mayoría de sus películas.

La musicalización, realizada por el compositor Alexandre Desplat, reciente ganador al Oscar por Mejor Banda Sonora, es pegajosa y se mantiene a lo largo de la película, creando momentum en cada una de las situaciones de los personajes y cediendo indicios de las emociones de los personajes y sus posibles decisiones.

Esta película es arte en su máxima expresión. Es una historia que habla de problemáticas sociales que no son extrañas para la audiencia, pero que a través de su humor, entretiene y se convierte en una película atractiva. Nadie, ni siquiera los Anderson-haters, puede perderse esta película. Recomendada para todo público.