Crítica Cinéfila: Spider-Man - Across the Spider-Verse

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere.

Casi todos los largometrajes animados convencionales (y casi todas las películas de cómics también) establecen un tono y un diseño visual en el que la audiencia se conecta; la película, audaz, brillante e inteligente como puede ser, no se desviará mucho de eso. Pero las imágenes de “ Spider-Man: Across the Spider-Verse” tienen una imprevisibilidad embriagadora. La película te hace sentir como si estuvieras cayendo a través de los pisos de un museo de arte moderno o atravesando las páginas de un compendio de comics animados, pero hay una emocionante lógica de momento a momento en todo. Las imágenes locamente eclécticas expresan algo: una explosión de física cuántica que hace cosquillas en el globo ocular, y un guiño subliminal a algún estilo de cómic de hace décadas que es tan retro y deslumbrante que se siente novedoso. Parece que podría haber sido la primera película diseñada para ganar el visto bueno de Andy Warhol y Stephen Hawking (al mismo tiempo).

O quizás la segunda, ya que “Spider-Man: Into the Spider-Verse” también fue así. Estrenada en 2018, era una película basada en cómics tan vivaz y urgente, con imágenes tan hipnóticas, que dejó a la mayoría de las películas basadas en cómics en el olvido. Una razón para esto se relaciona con una de las locuras menos comentadas de nuestra cultura de películas de cómics, que es que las películas de cómics, o el 98 por ciento de ellas de todos modos, eliminan aspectos como su tono, punto de vista, actitud y efecto de cómics para darle prioridad a la narrativa y efectos visuales. En realidad, son dos formas completamente diferentes de ser una historia sobre comics.

Los cómics son rápidos, concisos y traviesamente inexpresivos, y nunca se sabe lo que traerá el próximo panel. Pero las películas de cómics de los grandes estudios tienden a ser pesadas en la parte superior, punzantes y visualmente grandilocuentes, con arcos rígidamente sobredeterminados. Dentro de eso, muchos de ellos son lo suficientemente divertidos, pero no tienen ningún misterio. 

Uno de los muchos placeres de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” fue que, como esta fue la primera película de “Spider-Man” (y una de las únicas películas de la era cinematográfica de Marvel/DC) que fue animada, canalizó el aspecto, el espíritu y la maravilla a sabiendas plana de los cómics. Se basó en el elegante expresionismo del cine negro de las novelas gráficas de los años 90 y aprovechó su breve ingenio.

Pero también fue un festín visual espectacular. Fue la revelación del arte pop animada, con explosiones alucinantes de fallas, y cuando se trataba de representar la materia saliendo de un colisionador, te dejaba más boquiabierto que la secuela más embriagadora de "Avengers". La historia de Miles Morales, un adolescente negro latino de Brooklyn que fue mordido por una araña electromagnética, solo para descubrir que era uno de los muchos Spider-Men (y Spider-Mujeres, sin mencionar Spider-Porky Pigs) en el multiverso de posibilidades, lnos atrapó porque había algo en juego. En la mayoría de las historias de origen, el héroe entiende las cosas razonablemente rápido, pero el resultado de “Spider-Man: Into the Spider-Verse” es que fue desalentador ser el Hombre Araña. Era como literalmente saltar de un acantilado, y luego tenías que seguir saltando cuando no sabías lo que estabas haciendo. Eso se llama drama, algo que la mayoría de las películas de historietas de acción en vivo tienen.  

“Spider-Man: Into the Spider-Verse” puso el listón muy alto, y una de las razones por las que me preguntaba si “Spider-Man: Across the Spider-Verse” podría estar a la altura es que los codirectores de la película original (Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman) han regresado solo como productores ejecutivos, reemplazados por otros tres directores (Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson). ¿Podría el nuevo trío reproducir esa embriagadora magia mutante del arte pop, esa astuta delicadeza narrativa, esa comprensión de la lógica de adentro hacia afuera de los cómics que parece eludir casi todas las películas de cómics de acción real?

Lo han hecho. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” no solo amplía la historia de Miles Morales. La película avanza esa historia hacia nuevos reinos de asombro que la convierten en una genuina pieza espiritual que acompaña a la primera película. Ese nos hizo girar la cabeza y algo más; este nos hace girar la cabeza aún más. La película abre con un preludio diseñado para lanzarnos a la historia de Gwen Stacy (Hailee Steinfeld), la baterista de rock y Spider-Woman de blanco, en imágenes de amplio expresionismo que hacen que la primera película parezca un documental de verdad. Pensamos: ¿Es aquí adonde van? No, solo están jugando. Pero la historia de Gwen pone varios aspectos en juego, ya que su padre, un capitán de policía, culpa (erróneamente) a Spider-Woman por la muerte de Peter Parker. Esta será una película sobre la gravedad de la responsabilidad.

Miles, expresado con una arrogancia creciente por Shameik Moore, ahora es un maestro de la lucha contra el crimen de 15 años de edad en su dominio de Spider-Man de Nueva York, pero a medida que aprendemos, eso es más o menos un guiño. La película nos enreda en un conflicto de telenovela entre Miles y sus padres, Jefferson ( Brian Tyree Henry ) y Rio (Luna Lauren Vélez), quienes aún no tienen idea de que él es Spider-Man y, por lo tanto, encuentran muchos de su comportamientos como erráticos y perturbadores. Se presenta como un mentiroso, un adolescente con problemas ocultos (razón por la cual sus padres lo siguen castigando). Pero ese es el menor de sus problemas.

Aparece un supervillano: The Spot, también conocido como Jonathan Ohnn (Jason Schwartzman), un ex geek de la ciencia que trabajaba para Alchemax y fue mutilado genéticamente por la espectacular implosión del colisionador causada por Miles en la primera película. Ohnn ahora es una figura completamente blanca con manchas de tinta de agujero negro en su cuerpo que resultan ser portales al multiverso. Tiene más poder del que cree y busca venganza. Entre el drama familiar y este némesis lívido que cambia de forma, creemos que nos estamos preparando para un enfrentamiento de cómic convencional; sin embargo, la versión de esta película es mucho más que otro espectáculo de acción de Marvel.

Es más raro, más salvaje y mejor que eso. La película nos da tiempo para deleitarnos con la belleza tranquila de una escena en la que Miles y Gwen se unen, colgados boca abajo, en la cúpula de la Torre del Banco de Ahorros de Williamsburg, o para notar que la textura de la piel de los personajes está salpicada en puntos pixelados de libros de comics. Pero eso es antes de que Miles se sumerja en el multiverso: primero en Mumbai (o en la versión alternativa de ciencia ficción dibujada a mano), donde conoce a varios nuevos Spider-Folks, incluido Spider-Man India (Karan Soni), que es como la estrella de una banda de chicos de 2033; Jessica Drew (Issa Rae), una Spider-Woman imperiosa y embarazada; y, lo más espectacular, Spider-Punk (con la excelente voz de Daniel Kaluuya), un rufián londinense con estilo mohicano que se visualiza con una guitarra colgada de la espalda, como la versión ambulante de la portada del álbum Sex Pistols. La audiencia todavía está en el modo convencional de acuerdo, así que este debe ser el nuevo equipo de superhéroes, incluso cuando los personajes fallan en pinturas cubistas psicodélicas. Pero una vez que el episodio de Mumbai termina con la victoria, Miles es absorbido por el cuartel general de Spider-Man: el centro neurálgico futurista de Spider-Society, donde se reúnen hasta el último Spider-Man, hay cientos de ellos.

La película se divierte mucho con esto, presentando versiones de Spider-Man que son autos, videojuegos, gatos y dinosaurios. Peter Parker de Jake Johnson regresa, ahora con su actuación en conjunto y un Spider-tot a cuestas. Pero si todo esto fuera solo una broma, todo podría colapsar. En cambio, las apuestas aumentan, con el hermano de Spider-Man asumiendo una dimensión más compleja e incluso siniestra. El lugar está dirigido por Miguel O'Hara (Oscar Isaac), el “vampiro ninja” Spider-Man y el único Spider-Man que aparentemente carece de sentido del humor; es una figura ceñida y llena de cicatrices que mantiene el orden sagrado del lugar. Para preservar ese orden, hay historias en el canon de Spider-Man que no se pueden violar, como la muerte del tío Ben. Son como mitologías. Y a medida que el irritable pero amoroso padre de Miles es ascendido al puesto de capitán del Departamento de Policía de Nueva York, se convierte en uno de esos personajes. Miles tendrá que hacer algo muy oscuro para preservar la integridad del Spider-Verse.

Es una situación espinosa y dramáticamente convincente, todo gira en torno a la línea que alguien le dice a Miles: "No hay un libro de jugadas para ser alguien como tú". Eso llega a casa en la vertiginosa secuencia de persecución en la que Miles, perseguido por cientos de Spider-Men demencialmente diversos, intenta escapar del cuartel general de Spider-Man y volver a casa. En la primera película, todavía estaba aprendiendo a balancearse de su red como enredaderas. En este, aprovechando sus poderes de invisibilidad y electrificación, es como si tuviera que convertirse en un gimnasta existencial que opera de acuerdo con las leyes del ajedrez tridimensional. La película nos conecta a un escalón completamente superior de los videojuegos. Para luego dar el verdadero twist.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” termina con un suspenso: la decisión se tomó hace varios años de dividir la secuela en dos. Las series originales de suspenso, las que inspiraron "En busca del arca perdida", te hicieron esperar una semana. En este caso, tenemos que esperar más cerca de un año. Pero la impaciencia que ahora muchos sienten es realmente por la inversión que sintió la audiencia en la historia y en el audiovisual. “Spider-Man: Across the Spider-Verse” ha hecho un pacto con nosotros, uno que es cada vez más raro en el universo del cine pop. Es prometedor que la serie nos mantenga enganchados, en cada fotograma, a la sorpresa. Y el final con el que nos dejan solo garantiza que el espectáculo visual puede evolucionar aún más.

Crítica Cinéfila: Dune, Parte I

Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida.

En "Dune", la esperada y deslumbrante adaptación de Denis Villeneuve de la novela de ciencia ficción de culto de 1965 de Frank Herbert, va a dividir la audiencia desde sus primeros 30 minutos. Por un lado, estarán los que admirarán su vastedad en imagen y su cinematografía imperial; pero habrán otros (como yo) que no nos importará la impresionante fotografía o la imponente banda sonora de Hanz Zimmer, pues la película no funcionará de todas formas debido a sus vacíos narrativos.

"Dune", un trance de ciencia ficción majestuosamente sombrío y a gran escala, está lleno de fastuosas confusiones: guerras de clanes, ejércitos brutos, un grotesco villano autócrata, un héroe que puede ser el Mesías, que lo vincula, en espíritu y diseño, a las películas de "La guerra de las galaxias" y "El señor de los anillos", aunque con un ominoso depredador propio. La arquitectura del planeta desértico es de arenisca maya. Las naves espaciales son como rocas flotantes del tamaño de ciudades mientras que algunas parecen insectos gigantes. Y el estilo cinematográfico es "Lawrence of Arabia" se encuentra con "Triumph of the Will" que se encuentra con el comercial de colonia más visionario que Ridley Scott nunca hizo. “Dune” quiere sorprendernos, y a veces tiene éxito, pero también quiere meterse debajo de la piel como un mosquito hipnóticamente tóxico. Lo hace ... hasta que no lo hace y se vuelve demasiado pasiva.

Aquí hay una definición útil de una gran película de fantasía de ciencia ficción, en el que la construcción del mundo es asombrosa pero no más esencial que la narración. En las dos primeras películas de "Star Wars", esas dinámicas estaban en perfecta sincronía; también estuvieron en las películas de “Dark Knight” y “Mad Max”. “Blade Runner”, a su manera, es una película asombrosa, pero su construcción de mundos tiene más fuerza que sus trascendentales narraciones neo-noir.

Visto desde esa perspectiva, "Dune" es una película que gana cinco estrellas por construir un mundo y alrededor de dos y media por contar historias. Si lo comparas con la desastrosamente confusa adaptación de 1984 de "Dune" de David Lynch, puede parecer una obra maestra, pues la mayor parte de la historia ahora tiene sentido. Y durante una hora más o menos, la película es bastante fascinante, arrojando destellos seductores de traición al presentar la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet), el talentoso vástago de la Casa Atreides, cuyo padre, el duque Leto Atreides (Oscar Isaac), está liderando lo que parece ser una oportunidad, aunque llena de peligros y engaños.

Durante 80 años, el planeta desértico de Arrakis ha sido presidido por los Harkonnen, que gobernaron con mano de hierro mientras controlaban la producción de la valiosa especia que está incrustada en la arena y el aire. Ahora, el emperador ha ordenado a los Harkonnen que abandonen Arrakis y ha puesto a cargo a la Casa Atreides. Llegan como un ejército recién ocupante. Pero los están configurando como chivos expiatorios. Villeneuve se esfuerza por mantenerse fiel a la expansión conspirativa del sueño del planeta de arena de Herbert, incluso mientras adapta el libro a sus escenas más jugables. Chalamet, alto y delgado, interpreta a Paul como un héroe novato con habilidades que apenas comprende. Es descendiente gracias a su madre, Lady Jessica (Rebecca Ferguson), de la mística secta matriarcal Bene Gesserit, que quiere ponerlo en contacto con su salvador cósmico interior.

Hay buenas escenas como una en la que Paul aprende a hablar telepáticamente con su madre; o recibe una lección de Leto cálidamente protector pero demasiado vulnerable de Isaac, quien le habla sobre las elecciones humanas codificadas dentro del destino; o es sometido a una prueba primaria por su tía, Gaius Helen Mohiam (Charlotte Rampling). Stellan Skarsgård, casi irreconocible como el barón Vladimir Harkonnen, que es como un homicida flotante Jabba el Hutt cruzado con Enrique VIII cruzado con Fat Bastard, establece la trama en movimiento, recuperando a Arrakis al tratar de matar a casi todos en la película que más llaman nuestra atención.

Su tasa de éxito es un poco desarmante. Las escenas de combate cuerpo a cuerpo en “Dune” tienen un destello de originalidad. En lugar de sables de luz, los personajes se golpean entre sí con otras armas que reducen sus cuerpos a cuadros congelados electromagnéticos. Es emocionante ver a Duncan Idaho, interpretado por Jason Momoa como la figura de Han Solo, el sexy, leal y brutal de la película, enfrentarse a un pequeño ejército de enemigos.

Sin embargo, ¿a dónde va todo esto? "Dune" sigue presagiando el momento en que Paul se integrará con los Fremen, los pueblos indígenas del desierto de Arrakis que tienen una relación más orgánica con el peligroso paisaje y con la especia que cualquiera de sus gobernantes, pero que viven en un estado de la opresión de la guerrilla harapienta. Están esperando a que alguien los libere, y Paul parece ser esa figura, ya que está profetizado por media docena de flash-forwards intercambiables a su interfaz con Chani (Zendaya), una guerrera-protectora Fremen que recibe unas escenas de fantasía como una especie de princesa del desierto.

"Dune" comienza con un título que dice "Dune Part I", y hay una promesa estándar pero bastante presuntuosa incrustada en esas palabras: que después de 2 horas y 35 minutos, estaremos tan enganchados por esta saga que estaremos deseando la Parte II. Esa, en cierto modo, es la promesa de todas las franquicias. Pero el problema con "Dune" es que se siente, en diferentes puntos, como casi todas las demás franquicias. A lo largo de las décadas, más de unas pocas películas han surgido del ADN del universo de Herbert, como (por ejemplo) el acto de apertura de "Star Wars". Y hay una razón por la que es la primera parte de esa película; el desierto es un escenario terriblemente árido para la ciencia ficción. "Dune" es rico en "temas" y motivos visuales, pero se convierte en una película sobre Paul de Chalamet pilotando a través de tormentas de arena y relacionarse con los rebeldes del desierto, que en esta película son mucho más nobles que interesantes.

No es solo que la historia pierda el impulso. Pierde el sentido por el que estamos emocionalmente comprometidos con él. Los gusanos de arena gigantes, que son protectores de la especia y excavan en el desierto como un siniestro tornado subterráneo hasta que se revelan, son buenos por un momento y luego no. “Dune” hace que los gusanos, las dunas, el espectáculo paramilitar y la trama del niño-salvador sean inmersivos por un tiempo. Pero luego, cuando la película comienza a quedarse sin trucos, se vuelve mareada y vacía. ¿Realmente vendrá la Parte II? Es difícil construir un suspenso en arenas movedizas, y aunque le vaya muy bien a esta primera parte, no sé si estaría interesada en ver lo que sigue.

Crítica Cinéfila: Star Wars Episode IX, the Rise of Skywalker

Un año después de los eventos de "Los últimos Jedi", los restos de la Resistencia se enfrentarán una vez más a la Primera Orden, involucrando conflictos del pasado y del presente. Mientras tanto, el antiguo conflicto entre los Jedi y los Sith llegará a su clímax, lo que llevará a la saga de los Skywalker a un final definitivo. Final de la trilogía iniciada con "El despertar de la Fuerza".

Hace dos años, mi gran amigo, mentor y molleto Rubén Peralta me avisaba que tenía dos entradas para ver Star Wars The Last Jedi en el screening para prensa. Que conste: no soy ni nunca seré fanática de esta saga. A pesar que sus personajes principales (o por lo menos los de la trilogía original) son muy interesantes, y que todo el universo creado por George Lucas ha sido bien pensado, no crecí conociéndolo, y por lo tanto, habiendo tantas otras sagas, ahora no me llama la atención. Pero ya que tenía la entrada, pues me sumé a verlas. Las primeras tres fueron geniales, la trilogía/precuela fue terrible, y ya la séptima me pareció interesante a pesar de que asesinaron a mi Han Solo (mi único gran amor, después de Adam Driver/Kylo Ren). The Last Jedi fue buena, pero no nada del otro mundo. Sin embargo, y después de haber visto todas las películas, una detrás de otra, hay un aspecto que se mantiene y esta última película me lo confirma: Star Wars es demasiado inconsistente.

Dirigida por JJ Abrams, quien inició este último conjunto de películas con The Force Awakens, gran ganadora de multiples premios y nominaciones en 2015, se trataba de un mínimo enfoque a la trayectoria de Luke Skywalker, que ya tenía una pista bastante bien establecida, pero que a la vez quería rescatar una de las ideas originales de Star Wars: "cualquiera puede ser un Jedi". Sin embargoo, es así como The Rise of Skywalker se dedica a una doble tarea agotadora: atar los hilos de una serie dispersa de una manera satisfactoria mientras también atiende los últimos pleitos entre Jedis de los fanáticos más molestos. Abrams es un talento, pero no es rival para un mandato corporativo tan pesado: su elegante fantasía caprichosa de Spielberg no es suficiente para cortar todo el mantenimiento torturado de la marca. Pero de todos modos se aleja, llenando The Rise of Skywalker con un millón de partes entrecortadas, y una carrera turbia hacia una conclusión que no creo que nadie quisiera.

Cuando se abre la película, Rey (Daisy Ridley) continúa su entrenamiento Jedi mientras que sus amigos Finn (John Boyega) y Poe (Oscar Isaac) están dando vueltas por la galaxia para obtener información sobre la temida Primera Orden de un informante secreto dentro de esa organización fascista. En otra parte, Kylo Ren (Adam Driver) está en busca de algo bastante serio, algo que sería la clave para desbloquear el pasado y el futuro de todo este melodrama dinástico.

La película está demasiado decidida en su curso sudoroso, sin prestar atención al interés real de la audiencia en su búsqueda con visión de túnel para ser ampliamente amada o, al menos, aprobada por Internet. Los juegos de acción: una persecución en el desierto durante una versión alienígena de Burning Man, una misión de rescate en un bergantín de naves espaciales (que recuerda desfavorablemente al de la primera película), un combate cuerpo a cuerpo y explosiones de más, todos se apresuran junto con sencillez superficial. Todas las escenas, incluyendo las que son guiadas por diálogos, se sienten cortadas, apresuradas, o una mezcla de ambas. Y peor aún, hay una pasión que falta en las grandes escenas de la película (y, en realidad, en las pequeñas también).

De esa manera, la película es un estudio interesante sobre cómo los megaestudios reaccionan a los comentarios de los fanáticos. No parece haber ninguna idea orgánica real que anime a Rise of Skywalker; en cambio, se siente improvisada a partir de notas de Twitter, lo cual es terriblemente cínico.

Es incuestionable en cada decisión, sobretodo con los personajes, y cómo no se arriesga a tomar decisiones que realmente empujen a los protagonistas al abismo, casi delimitando la historia a tener una gran muerte por película, lo cual en este tipo de género se siente muy extra. Rey se siente corta, no es aquella conocimos en la VII, pero tampoco parece alguien que va camino a descubrir una gran verdad de sí misma. Cuando llega a su batalla final, se siente tan apresurada que hasta uno espera más. Mientras tanto, la relación de Finn y Poe toma un giro completamente inexplicable, cuando ya había desarrollado un bromance bien natural en las dos anteriores. Otros personajes secundarios vuelven, pero se sienten innecesarios en la historia que hasta te olvidas de que siguen con vida, mientras los androides son empujados a decisiones demasiado humanas y un poco tontas.

Esta entrega también es triste, todo este bombardeo sin vida, hecho para apaciguar alguna idea vaga de un fanático de Star Wars puro. No creo que Rise of Skywalker tenga malas intenciones, exactamente, no es malévolo como lo son algunas películas de carpa sin alegría. Pero no se complace en su propia existencia, agregando débilmente un poco de ternura aquí y allá para animar las cosas, pero de otra manera arrastrando los pies malhumoradamente mientras hace lo que cree que necesita, lamentablemente inconsciente de que no tenía que ser así. 

Pero con todo esto, no quiere decir que la película sea completamente mala. En una secuencia, aparece el descomunal naufragio de la Estrella de la Muerte de Return of the Jedi, que se avecina en la distancia como un recordatorio potente y conmovedor de todas las estrellas y todas las guerras que han sucedido antes. También reaparecen importantes personajes así como se despiden algunos con gran valentía y altura. Hay muchos momentos rescatados desde la primera trilogía, lo cual funciona como un buen vistazo atrás de lo mejor de la saga. Y por supuesto no se puede dejar de mencionar el juego de luces y sonido, complementados por una edición y efectos especiales que es obvio que llegará a nominaciones.

En fin, así termina. Nunca me atrajo, aunque lo mejor que me llevo de la saga son las anécdotas de personajes que ya no están, así como todo un universo que parece sacado de un libro fantasioso intergaláctico. Pero esta última entrega se preocupa tanto por gustar y alagar a grandes fanáticos que no se toma los riesgos necesarios y simplemente confunde más a aquellos que están tratando de entender la saga, como yo.

Y un consejo para J.J. Abrams: a veces las escenas deberían durar más de dos minutos. ¡Deja de cortar películas a la mitad de la conversación!

Crítica Cinéfila: The Addams Family

La historia seguirá a la familia Addams en su enfrentamiento contra una astuta y retorcida presentadora de un reality show después de que su hija se haga muy amiga de Wednesday y ambas compartan ideas y gustos. 

Vuelve la peculiar familia Addams. Un clan liderado por Morticia, diabólicamente devota de su esposo e hijos, y Gómez, un elegante y siniestro padre, apasionadamente enamorado de su esposa. Sus hijos son Wednesday, una brillante y siniestra adolescente con mucho ingenio, y Pugsley, un amenazador niño de 10 años al que le encanta cualquier tipo de maldad que pueda encontrar. Además, la familia se completa con el alegre y caótico tío Fétido y la abuela Addams, a la que le encanta que sus nietos disfrutan de sus galletas en forma de murciélagos y calaveras.

Los Addams son, sin duda, la familia más especial de la zona en la que viven. Su casa está en la cima de una colina cubierta por la niebla y viven felizmente infelices acomodados en su peculiar rutina.

Detalles levemente divertidos se encuentran dispersos por todas partes, por ejemplo la urna llena de cremaines que la futura Sra. Morticia Addams (Charlize Theron) usa como sombra de ojos, o la codificación de color Barbie del villano de la película, la presentadora de programas de remodelación de televisión Margaux Needler (Allison Janney). Sin embargo, no hay suficientes para hacer que la película sea animada. Tampoco tienen el impacto suficiente para sostener al espectador a través del tedioso negocio de crear conflictos e impartir lecciones. Al menos la historia de origen, que ve a Gómez Addams (Oscar Isaac) y su nueva novia expulsada del "viejo país" por los aldeanos que empuñan antorchas el día de su boda, solo dura hasta los créditos iniciales.

A partir de ahí, se avanza rápidamente 13 años hasta que Gómez prepara a su hijo mayor, Pugsley (Finn Wolfhard), para su "mazurca", la ceremonia de baile de la espada que sirve como el equivalente específico de Addams de un bar mitzvah. Toda la familia extendida se escabulle de sus guaridas para asistir a las festividades, lo que pone a los Addams en conflicto directo con Needler y su equipo mientras se preparan para presentar su nuevo desarrollo de viviendas, la mencionada Asimilación, en el futuro. Para complicar aún más el plan de fiesta de Gómez y Morticia está su hija menor, Wednesday (Chloë Grace Moretz), cuya curiosidad por la vida fuera de la decrépita mansión de la familia ya no puede ser contenida. Incluso va tan lejos como para ir al centro comercial y comprar una pinza de pelo de unicornio rosa, que le otorga una conexión a tierra indefinida tan pronto como llega a casa.

La moraleja de esta historia: ¿Qué es normal, de todos modos? Se hace evidente al principio, y recuerda las de las películas de la familia Addams producidas a principios de los 90. (También recuerda a esas películas el rap temático de la familia Addams sobre los créditos finales, este realizado por Migos, Karol G, Rock Mafia y Snoop Dogg).

Las personalidades de los miembros de la familia también han permanecido consistentes con los dibujos originales de Charles Addams a través de sus diversas adaptaciones televisivas y cinematográficas, con una pasión ardiente entre Gómez y Morticia, frases descabelladas del Wednesday y algunas bromas un poco nerviosas sobre cómo el tío Fester (Nick Kroll) es probablemente un delincuente sexual. Sin embargo, no terminan de aterrizar, pues al ser una película animada, se concentra más en lo que respetará a la audiencia, y no en lo que realmente se veía en el live-action. Ahora, el jefe de la casa parece ser Morticia, quien su personaje se tambalea entre su familia actual y la que dejó hace unos años por ir tras de Gomez. Mientras que Wednesday se muestra con su par de muestras de afecto, lo cual está bien para el personaje, pero lo hace de una manera totalmente inesperada. Lo más maquiavelo y acorde a la temática de la historia es la antagonista, quien no solo irrespeta a los Addams, también a todos los que viven en el pueblo.

La película animada sirve para revivir unos viejos chistes que los jóvenes de ahora no entienden, así como para volver a reencontrarnos con personajes clásicos de los Addams y algunos nuevos. También para explorar habitaciones nunca antes vista de la mansión, en momentos casi salidas de los límites físicos del planeta. El diseño animado se mantiene para apreciarse desde la visión de los Addams, por lo que las formas desproporcionadas y los gestos exagerados le dan un gran añadido a las locuras de hasta los más cuerdos.

El guión tiene sus momentos agradables, crueles, moraléjicos y hasta morbosos. Pero por cada momento morboso, hay un número igual de juegos de palabras que solo un niño de 6 años podría amar, como la "bodega de quejas" en el sótano. Mientras que el final parece simple y sencillamente complaciente, dándole una lección a medias a la antagonista para al final que encontrase amor, mientras que Wednesday parece no haber aprendido ninguna lección y vuelve a ser la niña cruel del principio.

Tiene sentido que The Addams Family se cierra con la versión animada del tema original. Pero a quien si recordaremos será al Mayordomo Frankenstein, con sus distintas interacciones para romper el hielo en medio de la película. Mientras tanto, The Addams Family tiene muy poca energía para ser una película animada, y tiene mucha fantasía que la hace completamente incomparable a las versiones reales. Quizás está muy cercana al punto de vista de estos locos.

Life itself

Una historia de amor ambientada en las calles de Nueva York y España que se extiende a lo largo de varias generaciones, con diferentes personajes cuyas vidas se entrecruzan.

La filmografía de Dan Fogelman se caracteriza por dos factores: la interrelación social y familiar, y el factor sorpresa. Lo hemos visto en Tangled, Crazy Stupid Love y lo estamos viviendo con This Is Us. Es increíble como su estilo de escritura es tan particular que ya es fácil de reconocer. Life Itself es su último ejemplo y, en mi opinión, uno de sus mejores trabajos como guionista.

La trama se divide en multiples pequeñas historias (A continuación - SPOILERS):

Comienza siguiendo el romance entre Will y Abbey en New York, y como cuando estaba embarazada de su hija, fue golpeada accidentalmente por un autobús, muriendo instantaneamente. Dylan (la hija de Will y Abbey) nace una semana antes, pero seis meses después Will decide quitarse la vida, deprimido por la muerte de su esposa. Dylan crece con sus abuelos, pero su suerte no mejora cuando su abuela fallece, y luego su perro. Por otro lado, del otro lado del mundo en España, la historia sigue la complicada relación de jefe y agricultor entre Vincent Saccione y Javier González, y cómo cuando este último es acendido a Supervisor principal de tierras, su novia (que pasa a ser esposa y madre de su hijo) se muda a las tierras donde él trabaja. No obstante, Vincent iniciará una amistad con la esposa y el hijo de Javier, lo cual no será de su agrado y lo llevarán a tomar peores decisiones en su vida y la de su familia.

Un detalle que es necesario resaltar sobre la historia es la individualidad en la que se cuentan cada una de las pequeñas historias y cómo estas se unen de una manera tan orgánica y a la vez inesperado. El subtexto del que está cargado cada una de las escenas de esta película sirve para entender cómo todas las relaciones se conectan y cómo cada uno de los personajes están en el lugar que están por una razón de la vida. No hay un simple momento en que la historia resulte incoherente o incompleta pues Fogelman se toma el tiempo necesario para darle un por qué a todo. 

En ese mismo sentido, y al ser esta una historia muy cercana a cada uno de sus personajes, el desarrollo de estos está tan bien estructurado que es muy difícil perderse en sus filosofías. Cada uno es muy específico de su ser, sigue su propio entendimiento y responde de una manera muy particular. Gracias a la personificación de cada uno de los actores, reencarnan estas vidas a un nivel que la sentimos más cerca de la realidad. Sus tragedias y sus triunfos no resultan exagerados ni mucho menos escasos de verdad. Y a pesar de ser ficticios, obligan a la audiencia a adentrarse en lo que ellos sienten y ven, con una transparencia que sensibiliza cualquier ser humano.

La estructura es otro de los ingenios de Fogelman, en donde rompe todos los parámetros de un guion y cuenta la historia por capítulos, dándole principio y un supuesto final a cada historia, pero a la vez abriendo la posibilidad de una mezcla de historias en algún momento de esta. El final de una es el principio de otra, y las perdidas de un personaje resultan los triunfos de otros. En el último momento la historia conecta tan bien y sorprendentemente que solo nos interesa saber hacia donde sigue la vida de estos personajes.

En aspectos técnicos, la música complementa una narrativa que acompaña las acciones de los personajes para no permitirle a nadie perderse o confundir secuencias. Cada secuencia tiene un narrador distinto que es un personaje extremadamente importante para la historia y se revela al final de la misma. Del mismo modo, la película utiliza un estilo fotográfico similar a los documentales, lo cual hace una buena química con la narrativa, los personajes y la historia en sí.

Life Itself está libre de la dulzura moderada de "This Is Us", pero con una calidad de guión superior a la de 2011 "Crazy Stupid Love". Los últimos 20 minutos de la película resultan ser un sentimentalismo en su máxima expresión, recordándonos que somos de quienes venimos, y que llevamos los espíritus de nuestros seres queridos al próximo capítulo de su historia viviendo nuestras propias vidas. 

Operation Finale

15 años después de la Segunda Guerra Mundial, un equipo de agentes secretos se reúne para rastrear a Adolf Eichmann, el infame arquitecto nazi del Holocausto, que había escapado de la justicia tras la guerra. (FILMAFFINITY)

Cuando los Aliados marcharon hacia Berlín en la primavera de 1945 y quedó muy claro que el Tercer Reich se derrumbaría, Hitler, Goebbels y Himmler se suicidaron en lugar de ser capturados vivos. Adolf Eichmann no lo hizo. El arquitecto de sangre fría de "la solución final" huyó con su familia a Argentina. Su captura tendría que esperar casi 15 años. La historia de su alto secuestro secreto por parte de un equipo de agentes de inteligencia israelíes y su audaz misión de llevarlo a Jerusalén para ser juzgado por sus crímenes es la verdadera historia que impulsa "Operación Finale" de Chris Weitz .

El thriller dramático basado en hechos reales, protagonizado por el ganador del Oscar Ben Kingsley y el ganador del Globo de Oro Oscar Isaac, detalla la osadía y brillantemente ejecutada misión para capturar a Eichmann. Quince años después del final de la Segunda Guerra Mundial, la agencia de inteligencia israelí Mossad y la agencia de seguridad Shin Bet, liderada por el incansable y heroico agente Peter Malkin, lanzaron una audaz incursión secreta para capturar al famoso Eichmann, quien había sido reportado muerto en el caos tras el colapso de la Alemania nazi pero, de hecho, vivía y trabajaba en un suburbio de Buenos Aires, Argentina bajo una identidad asumida junto con su esposa y dos hijos.

Monitoreando su rutina diaria, Malkin y sus agentes planean y ejecutan el secuestro bajo la sombra de la oscuridad a pocos metros de la casa de Eichmann. Decididos a escabullirse de Argentina para enfrentar un juicio en Israel. Malkin y Eichmann se involucran en un intenso y apasionante juego del gato y el ratón.

Una vez que Eichmann es vendado y atado en el último piso de la casa de seguridad del grupo, la película se convierte explícitamente en cómo uno debe tratar con los sospechosos de crímenes inhumanos. No solo sobre cuestiones de tortura o ejecución sin el debido proceso, sino incluso preguntas más difíciles sobre si reconocemos que aquellos que hacen cosas horribles siguen siendo seres humanos identificables, y si interactuar con ellos a nivel humano nos pone en peligro o nos salva de nuestros peores instintos .

En la narración de la película, tratar con Eichmann es necesario porque El Al, la aerolínea que enviaría al equipo disfrazado de regreso a Israel, decidió que no cooperaría a menos que firmara un documento diciendo que iría voluntariamente a Israel para enfrentar un juicio. La cuestión de la falsificación apenas es abordada por el equipo, ahora atrapado en una casa con el hombre que odian: ¿Pueden batirle una firma? ¿Le obsesiona con la privación y el interrogatorio pasado de moda? ¿O podría simplemente estar convencido?

Malkin se convierte en el actor crucial aquí a medida que pasan los días. En vez de tratar a Eichmann de manera tortuosa, decide ser "amigable" con él, afeitándole, dándole de comer, y hablándole de su vida. Kingsley ofrece moderación, proyectando a lo sumo una indignación intelectual cuando Eichmann argumenta que no debe ser juzgado por personas cuyas mentes están inventadas de antemano. Es allí donde la química entre Kingsley e Isaac se hace aún más notoria, pues no solo se encierran a la relación de captor y prisionero, sino a crear una empatía obvia el uno por el otro que produce las sacudidas de electricidad más cargadas de la película, terminan salvando la situación y obteniendo la muy necesaria firma de Eichmann para lograr escapar a tiempo antes de ser encontrados por militares nazis. 

A pesar de que hay otras películas de secuestro/rescates más dramáticas y angustiosas (como Argo), o películas más dramáticas sobre el Holocausto (Schindler's List, Sophie's Choice), el drama se beneficia de un reparto fuerte y puede reemplazar fácilmente a "The Man Who Captured Eichmann" de 1996, que presenta este mismo episodio de la historia humana.

Operation Finale nunca alcanza la intensidad emocional, debido a una banda sonora que desconecta con mucha facilidad, y que en ocasiones es salvada por una escenografía que traslada a cualquiera a esa época, pero lo que verdaderamente intercede para que la película logre la transmitir el mensaje de justicia y venganza, es la increíble actuación de sus protagonistas, las secuencias de acción limitadas pero suficientes para contar la historia y ese cierre de mal sabor de que estas historias solo nos recuerdan los terribles pecados de la humanidad.