Crítica Cinéfila: Cinderella

Cenicienta es una joven ambiciosa cuyos sueños son más grandes de lo que el mundo le permite, pero que será capaz de perseverar y conseguir sus objetivos con la ayuda de su Fab G.

Cenicienta sufre de una serie de problemas, pero su verdadera maldición es el terrible momento social en que ocurre. Si con su mensaje feminista de mano dura se hubiera lanzado hace unas décadas, podría haber tenido la oportunidad de ser subversivo. Pero estamos en 2021, y las adiciones al abarrotado y el decepcionante campo de las narrativas de #girlboss requieren un poco más de estilo y profundidad para mantener a las audiencias más jóvenes comprometidas.

Escrita y creada por Kay Cannon (Pitch Perfect), esta nueva Cenicienta no tan mejorada, trae a la heroína (Camila Cabello) como una mujer impulsada por su carrera. En los raros momentos en que su exigente madrastra (Idina Menzel) y sus apenas miserables hermanastras (Maddie Baillio como Anastasia y Charlotte Spencer como Drisella) no la llaman, Cenicienta se esconde en su sótano, dibujando vestidos. Quiere ser diseñadora y, por el aspecto de las páginas esparcidas por su escritorio de trabajo y clavadas en las paredes de su sótano inundado por el sol, parece estar cerca de realizar ese sueño. Esta Cenicienta, ambiciosa e ingeniosa, no tiene tiempo para un príncipe.

Tan prometedora como suena esa premisa, Cenicienta cede bajo el peso de sus intenciones, y ni siquiera su formidable elenco pueden salvarla: carece de magia y elegancia. Con su guión torpe y su producción poco inspirada, la nueva Cenicienta cae como una medicina de mal sabor.

La película musical comienza con la gente del pueblo cantando "Rhythm Nation" de Janet Jackson y la propia Cenicienta cantando el clásico "You Gotta Be" de Des'ree. El enérgico popurrí, uno de los muchos a lo largo de la película, todo arreglado por Keith Harrison, es un atajo oportuno que empuja a los espectadores en la dirección emocional correcta. Aquí debes sentirte optimista e inspirado, allí triste pero esperanzado. A pesar de las talentosas interpretaciones (estoy seguro de que el álbum de la banda sonora será un éxito), la música no ayuda a dar sentido a las reglas que gobiernan este universo ficticio.

En este mundo, donde la crueldad de la madrastra y las hermanastras se suaviza considerablemente, el guión funciona como una publicación motivacional extendida. "Creo que te ves tan bonita, pero honestamente, a quién le importa lo que yo piense, a quién le importa lo que piensen los demás", le dice con amor Cenicienta a una hermanastra mientras miran sus reflejos en el espejo. "Lo que importa es cómo te sientes cuando te miras en el espejo". Cuando el príncipe Robert (Nicholas Galitzine) y Cenicienta se encuentran por primera vez en la plaza del pueblo, él, disfrazado de plebeyo, le pregunta por qué las mujeres deberían poder tener negocios. Una Cenicienta irritada le corta los ojos antes de exclamar triunfalmente: “Las mujeres damos a luz, dirigimos hogares enteros. Seguramente podemos administrar un negocio, ¡no puede ser tan difícil!" Cenicienta posee suficiente conciencia de sí misma como para registrar su propia ridiculez, y declaraciones como estas se salpican a lo largo de la película con un guiño y una sonrisa. Pero sin la base de una narrativa confiable (después de todo, los niños no son estúpidos), los chistes no aterrizan.

Donde Cenicienta podría haber causado sensación, pero no es en sus elementos de diseño. Es difícil ver la visión general de los decorados y el vestuario, que se sienten como si hubieran sido seleccionados al azar y ensamblados sin pensar en cómo funcionaría todo esto dentro del mundo de la historia. Nada desafía las expectativas y todo parece hecho a bajo precio. Sin embargo, hay indicios de lo que podría haber sido, como cuando el hada padrino de Cenicienta (interpretado por Porter) se aparece en una pieza naranja estructurada con diamantes que solo se compara con la presencia vibrante del actor (a la cual no le supieron sacar más provecho que esa única escena).

Como una película de gran presupuesto con un elenco repleto de estrellas, Cenicienta cumple con el listón relativamente bajo establecido por la mayoría de los remakes contemporáneos, pero eso no la hace menos decepcionante. El cuento de hadas clásico y sus lecciones sencillas pero poderosas sobre la confianza en uno mismo, la perseverancia y el poder de la imaginación proporcionan una base atractiva para una narración ambiciosa y visualmente impresionante. Es triste que, viendo esta versión, no puedas saberlo.

Crítica Cinéfila: Friends, the Reunion

El elenco de la mítica serie "Friends" -que duró 10 temporadas (1994-2004)- se reúne para un especial en la nueva plataforma HBO Max en la que recuerdan numerosas anécdotas del rodaje, reciben a celebridades y a algunos invitados que pasaron por la serie, y reflexionan sobre la importancia para ellos del show y las consecuencias de su enorme fama sobre sus vidas.

Pregunta curiosa: ¿fui la única persona que desde que comenzaron a entrar los actores de Friends al Sound Stage comenzó a llorar? La verdad es que no hay mejor manera de pasar una tarde que con nuestros mejores amigos desde el 1994 (aún si no habías nacido para ese entonces).

La tan esperada reunión entre los seis miembros originales del elenco de "Friends" llega a HBO Max, y los fanáticos de la comedia desde hace mucho tiempo están más que complacidos de verla. Courteney Cox, Lisa Kudrow, Jennifer Aniston, David Schwimmer, Matt LeBlanc y Matthew Perry finalmente se reunieron para una reunión dulce y emotiva en el lote de Warner Bros. esta primavera. Y aunque muchos espectadores esperaban volver a verlos en el personaje de Monica, Phoebe, Rachel, Ross, Joey y Chandler, este formato suelto y sin guión para la reunión es mucho mejor de lo que hubiera sido cualquier resurgimiento con guión. 

"Friends: The Reunion" reunió a los seis actores en el set del exitoso sitcom de 1994-2004 charlando y reviviendo momentos emocionales. El recuerdo se mezcla con una entrevista en el famoso sofá naranja entre James Corden y el elenco; entrevistas con los creadores David Crane, Marta Kauffman y Kevin Bright; cameos de estrellas invitadas famosas; invitados famosos hablando sobre sus episodios favoritos; fans de todo el mundo hablando sobre cómo el programa cambió sus vidas; clips de episodios antiguos; bloopers; y, con un toque sorprendente y encantador, los actores releyeron juntos algunas de las escenas antiguas. 

Producido y dirigido por Ben Winston, quien también es el productor de "Late Late Show" de Corden, el especial se sintió sin esfuerzo y nítido. La edición mantuvo la reunión de 105 minutos, aunque algunos segmentos podrían haberse cortado para hacerlo más ágil, como celebridades al azar como BTS y Malala Yousafzai hablando sobre la serie. Aunque es encantador escuchar a Mindy Kaling discutir cuánto disfrutó viendo a Monica y Chandler ocultar su relación en la temporada 5, fue mucho más agradable cuando el elenco se rió al leer la escena en la que Phoebe los ve teniendo sexo. 

Momentos inesperados como ese, más allá de repetir la historia del programa y cómo se eligió a cada actor, eso hizo del especial aún más especial. Fue capaz de recrear la magia de "Friends" sin pretender que no han pasado 17 años desde que "Friends" terminó.

El verdadero atractivo de la reunión está justo en el título: ver a Cox, Schwimmer, Perry, LeBlanc, Aniston y Kudrow juntos nuevamente. Los momentos en los que pudieron mostrar su química como grupo y recordar su experiencia en ese set fueron los puntos fuertes. Quizás el momento más divertido fue Kudrow tratando de defenderse de un bicho que voló en su cabello, un poco de gritos y sacudidas que les recuerda a los fanáticos su talento como comediante físico, y la reencarnación clara de Phoebe.

El especial no tenía guión, sí, pero también fue cuidadosamente orquestado. No se mencionan controversias, ni el fallido spin-off de "Joey" de LeBlanc ni las vidas personales y los desafíos de las estrellas. No es necesariamente algo malo, porque el reencuentro es tanto una fantasía como un episodio sin guión. Excepto por algunas máscaras errantes, los espectadores podrían olvidar fácilmente que esto fue filmado durante una pandemia. La sinceridad palpable de muchos involucrados también podría hacer que los espectadores olviden que la reunión es una astuta sinergia corporativa.

Pero a los devotos de "Friends" de varias generaciones probablemente no les importe por qué los seis volvieron a estar juntos. Al igual que la química entre el elenco ayudó a suavizar las bromas malas o las malas temporadas posteriores del programa, su química como amigos en la vida real hace que la reunión sea fácil de querer verla una y otra vez.

Crítica Cinéfila: The Prom

Un grupo de estrellas de teatro hilarantemente obsesionadas con sí mismas se adentra en un pequeño pueblo conservador de Indiana en apoyo de una chica de secundaria que quiere llevar a su novia al baile de graduación.

Meryl Streep está en un estilo interesante en The Prom como Dee Dee Allen, una diva del escenario ganadora de dos Tony Awards que debe olvidar años de ensimismamiento de celebridades y dar el paso desconocido de anteponer las necesidades de otras personas. Siempre que está en la pantalla central, esta adaptación de Netflix del desarmante musical de Broadway de 2018 brilla con un humor cursi. En otros lugares, el reparto estrellado y la mano dura del director Ryan Murphy le hacen pocos favores al material de peso pluma, con escenas dramáticas inertes y números musicales exagerados que contribuyen a la temática general. El valor más innegable de la película está en la representación que brinda a los adolescentes LGBTQ a través de un baile de la escuela secundaria que es el sueño arcoíris de todo niño queer emocionalmente aislado.

El musical presenta una partitura de Matthew Sklar y un guión coescrito por Bob Martin y Chad Beguelin, lleno de canciones que son pegadizas en el momento, incluso si rara vez permanecen mucho tiempo en la cabeza. La modesta producción de Broadway tuvo un atractivo considerable en su elenco de queridos veteranos del teatro de Nueva York que interpretan caricaturas de sí mismos mientras descienden a la pequeña ciudad de Indiana con un plan egoísta para rehabilitar su reputación poco comprensiva. Incluso si el lado sentimental era menos cautivador que la sátira, el mero hecho de ser un musical original en un panorama de películas readaptadaas y compilaciones de máquinas de discos, les valió mucha buena voluntad.

Al adaptar el musical a la pantalla, Martin y Beguelin rellenan los interludios entre las canciones de manera que desinflen el humor al tiempo que exponen la fragilidad del drama central. No ayuda que Murphy, cuyo credo puede que sea "cuanto más ocupado, mejor", tenga con frecuencia la cámara del director de fotografía Matthew Libatique girando a toda velocidad alrededor de los personajes sin ninguna razón discernible.

También ha habido un cambio en las actitudes nacionales que va en contra de la comedia. En 2018, todavía era posible reírse del enconado abismo entre los estados rojo y azul. Después de cuatro años de maquinaria de Trump que promueve el odio, a nadie le divierte. Eso hace que la controladora reina del PTA, la Sra. Greene (Kerry Washington) sea una furiosa colapsante, ya que decide cancelar el baile de graduación de la escuela secundaria en lugar de permitir que Emma (Jo Ellen Pellman) traiga una cita del mismo sexo. Cuando el director de la escuela progresista Tom Hawkins (Keegan-Michael Key) obtiene el respaldo de la oficina del Fiscal del Estado para realizar una fiesta de graduación inclusiva, la Sra. Greene usa medios más deshonestos para eludir ese mandato, infligiendo la máxima crueldad a Emma.

"Esto no es Estados Unidos, esto es Indiana", dice la cruzada conservadora moralista. "Se trata de que un gran gobierno nos quite la libertad de elección". Dado que las mujeres negras han sido la columna vertebral del Partido Demócrata durante generaciones, el papel de Washington, cuyo fuerte no es la comedia, es lo más asombroso de la película. Nuestra antipatía por el personaje está prácticamente sellada una vez que se revela desde el principio que la hija de la Sra. Greene, Alyssa (Ariana DeBose), es la novia secreta de Emma, ​​que planea salir del closet en el baile de graduación. De modo que el inevitable cambio de actitud de la Sra. Greene, cuando finalmente antepone sus sentimientos maternos a su política, juega como un final feliz mecánico más que como un desarrollo basado en el personaje.

El toque de Murphy es evidente desde el principio cuando W45th Street en el distrito de los teatros de Manhattan se convierte en un deslumbrante tumulto de letreros LED que ponen a Las Vegas a la sombra. Dee Dee y su coprotagonista Barry Glickman (James Corden) están celebrando la noche de apertura de su bio-musical ¡Eleanor Roosevelt, Eleanor! cuando una crítica fulminante en The New York Times convierte el afterparty en un velorio. Su publicista, Sheldon (Kevin Chamberlin), les informa que el crítico tiene un punto: "No es la obra. Son ustedes dos. Simplemente no son agradables. A nadie le gustan los narcisistas".

Dee Dee y Barry, que pensaron que tenían que idear una causa que les ayudara a reformar su imagen empañada, se pusieron de acuerdo con Trent (Andrew Rannells), un actor desempleado obligado a atender un bar, y Angie (Nicole Kidman). una bailarina de coro que ha estado esperando 20 años para continuar como Roxie en Chicago. Con la difícil situación de Emma en el baile de graduación en Twitter, abordan un autobús turístico Godspell no sindicalizado y se dirigen al estado de Indiana decididos a cambiar vidas.

El mejor número de la película encapsula el choque cultural de los condescendientes liberales de la Costa Este que emergen de su burbuja para iluminar los caminos ciegos de los pandilleros del corazón, mientras Dee Dee aplasta una acalorada reunión cantando "It's Not About Me". La broma es que, por supuesto, de eso se trata exactamente. El showtopper con temática de tango contiene algunas de las letras más divertidas de Beguelin, con Dee Dee ilustrando cómo la cosmovisión del teatro está completamente formada por su experiencia en el escenario. Streep es constantemente hilarante.

Las primeras chispas de un interés amoroso poco probable entre Dee Dee y el devoto fanático de Broadway, Tom, surgen en este punto, junto con la tímida inquietud de Emma por ser empujada a la primera línea del activismo LGBTQ. Pellman es encantadora en el papel, formando una pareja adorable con DeBose. Pero entre el diseñador de producción Jamie Walker McCall que bombardeó la escuela secundaria en brillantes tonos de colores dulces y Lou Eyrich que le dio a Emma una serie de opciones de estilo andrógino y moderno en la vestimenta, difícilmente parece una extraña. El personaje fue expulsado de su casa a los 16 años cuando se lo contó a sus padres, pero la incorporación de una abuela solidaria y de mente abierta (Mary Kay Place) contribuye a reducir las apuestas de que Emma encuentre su voz.

La trama está más o menos inactiva con una tensión mínima a través de la sección media distendida de la película. Además de que hay muchas subtramas que seguir, es difícil reconocer la verdadera trama principal. Barry y Angie se turnan para asesorar a Emma, ​​y ​​Trent hace alarde de sus credenciales de Juilliard con un horrendo himno de aceptación que se derrumba como un pedazo de plomo en un rally de camiones monstruo. También hay una pequeña fricción entre Dee Dee y Tom cuando descubre que la principal motivación de los oportunistas neoyorquinos era la publicidad.

Ver a estos actores ejercitar sus habilidades musicales brinda un disfrute esporádico, incluso si el elenco nunca es coherente como conjunto. Corden, cuyo rango limitado se vuelve más evidente con cada papel en la pantalla, se debate entre esforzarse demasiado y no lo suficiente como Barry. Quizás consciente del potencial para un actor heterosexual que interpreta un gay estereotipado en llamas, Corden canaliza los gestos sin la alegría. Es una actuación plana sin mucho corazón, incluso cuando aparece Tracey Ullman para reparar puentes como la madre separada de Barry. Y Corden es demasiado joven para ser contemporáneo de Dee Dee. Este es un papel que clama por Nathan Lane.

Rannells lo hace mejor a pesar de que su personaje desaparece durante gran parte de la acción. Él reaparece con "Love Thy Neighbor", uno de los dos números optimistas consecutivos en un centro comercial que parece más un centro comercial de una gran ciudad que parte de una ciudad de provincias donde Kmart es la mejor opción de moda. Key es simpático como siempre, en la medida en que lo permite jugar al hombre heterosexual literal. Y Kidman aporta una dulzura y un humor chiflado discreto a la corista que lucha por mantenerse en el juego y mantener su bebida diurna bajo control. Sin embargo, su gran canción, "Zazz", está diseñada para un motor más consumado de la escuela Fosse, algo que ningún efecto visual puede disfrazar.

Murphy está de regreso en el territorio de Glee aquí, para bien o para mal, lo que significa que los números a menudo se esfuerzan por la exuberancia: la coreografía del director de escena Casey Nicholaw se vuelve grande y atlética cada vez que surge la oportunidad, y las voces tienden a la uniformidad. Solo cerca del final, cuando Emma toma el control de su narrativa en la canción "Unruly Heart", a la que se le da un tratamiento relativamente íntimo si ignoras su cama levitando y girando, la sinceridad detrás del esfuerzo lo hace realmente conmovedor.

A diferencia de Everybody's Talking About Jamie, un éxito en el escenario de Londres con una trama similar que también se proyectó en la pantalla, los personajes jóvenes aquí juegan un papel secundario frente a los intrusos que buscan el centro de atención. En cualquier caso, hay algo que decir sobre el amplio alcance de una función de Netflix que defiende los derechos de los adolescentes LGBTQ, compartiendo un mensaje que es fácil de respaldar incluso si la entrega tiende a ser desagradable por largos momentos.

Crítica Cinéfila: Cats

Adaptación del famoso musical de Andrew Lloyd Webber, 'Cats'. La trama gira en torno a una tribu de gatos -los Jellicles- durante la noche del año en que toman su más trascendente elección: la de decidir cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Comenzaré diciendo con que no me pareció una película terrible... por el contrario, la encuentro entretenida y hasta pegajosa. No es perfecta, tiene inconsistencias de guión y un rompimiento inesperado de la cuarta pared al final que llega sin sentido. Pero aún así, no es una mala película.

En general, hay dos tipos de musicales exitosos: los que son complacientes de la multitud y accesible para una amplia audiencia, y los que son extraños éxitos de culto que atraen a una multitud de nicho. Es lo que hace que todo el fenómeno de Cats sea ​​una excepción tan única a la regla. El caprichoso megamusical de Broadway de los años 80 de Andrew Lloyd Webber se basa en una fuente igualmente fantasiosa (la colección de poesía Libro de gatos prácticos de Old Possum de TS Eliot), la cual tiene poca trama real y es conocida por su estética y marco polarizantes. Agregue a esto el director Tom Hooper a la mezcla, obteniendo la receta perfecta para una adaptación de película maravillosamente loca. Cats da vida a la sensación de Broadway de Webber como un espectáculo audazmente extraño que seguramente deleitará y dividirá tanto como el musical original.

La trama se reduce a esto: una noche, una ingenua gata joven llamada Victoria (Francesca Hayward) es abandonada en un callejón, enfrentándose cara a cara con los miembros de la tribu de gatos Jellicles. Resulta que esta noche es la noche de Jellicle Ball, un evento en el que la vieja y sabia Deuteronomia (Judi Dench) tomará "la elección de Jellicle" y decidirá cuál de ellos es digno de ascender a la Capa Heaviside y regresar en una nueva vida. Pero a medida que los diversos gatos Jellicles se preparan para las festividades de la noche, el astuto y mágico Macavity (Idris Elba) conspira para derrotar a su competencia.

Aquellos familiarizados con el musical de Broadway saben que Cats es una prueba de fuego adecuada para saber cuánto se ama el arte del teatro musical en sí mismo, y la versión de la película no es diferente. En todo caso, Hooper y su coguionista Lee Hall (Rocketman) se apoyan en la rareza de la obra y lo duplican con su adaptación. Esta es una película donde los gatos usan abrigos de piel, la gata mimada Jennyanydots (Rebel Wilson) realiza un número de baile al estilo de Busby Berkeley con otras criaturas que tienen rostros humanos, y la coqueta Bombalurina (Taylor Swift) muestra qué hacer para poner a todos los gatos drogados con la pólvora mágica que los felinos aman. Cualquiera que esté deprimido por este tipo de locura debería verse arrastrado a ver el musical de Broadway, un viaje increíblemente demente e impulsado por el puro carácter pegadizo de las melodías fuera de ritmo de Webber, las cuales tienen sus encantos. Bendícelos, el elenco está tan comprometido con esta locura como su director, y no hay ni rastro de autoconciencia mientras se pelean, silban, acarician o lanzan juegos de palabras.

Al igual que el espectáculo en el escenario, Cats tiene un mensaje básico (la amabilidad y la aceptación son buenas, el tribalismo y el comportamiento egoísta son malos), y su historia es una preocupación secundaria de su artesanía. Para la película, Hooper tomó la audaz elección de transformar su elenco en gatos humanoides de aspecto muy extraño del tamaño de felinos reales (con sets prácticos construidos a escala) utilizando la llamada "tecnología de pelaje digital". Pero tan fácil como burlarse del engaño CGI, tiene el efecto deseado, permitiendo que los gatos transporten a la audiencia a un mundo que se siente tan alejado de la realidad como sea posible, a pesar de estar en Inglaterra. Si Hooper fue demasiado lejos con el naturalismo en Les Misérables, él va al extremo opuesto aquí, y por una buena razón. No hay nada ni remotamente "real" en esta configuración, por lo que el artificio de las apariciones del elenco solo se suma a la calidad de sueño febril de todo el asunto. Y debido a que hay mucha coreografía de baile (además del espléndido diseño de producción de Eve Stewart), Hooper y su cinematógrafo Christopher Ross se ven obligados a filmar la mayor parte de la película en tomas fluidas y de gran angular, tomas que, sin duda, tienden a editarse juntos de manera no rítmica, lo que resta valor a los números musicales más que a mejorarlos.

Cats combina perfectamente a sus actores con sus respectivos roles. A pesar de que Hayward no tiene una buena actuación, Victoria se caracteriza más por el baile y la canción (su canción solista, "Beautiful Ghosts", fue escrita para la película por Swift y Webber), permitiendo que la bailarina brille por sí sola. Wilson, Swift, James Corden (como Bustopher Jones) y Jason Derulo (como Rum Tum Tugger) también aportan sus talentos musicales a la mesa, dando a cada uno de sus grandes números un sonido distintivo y ambiente de género. Dench e Ian McKellen (como Gus, el viejo gato de teatro) adoptan un enfoque más de cantar y hablar de sus canciones, pero la pareja es cálida y cariñosa, y el Deuteronomio de intercambio de género resulta ser un movimiento para mejor. Y aunque Elba es extrañamente carismático como el Macavity intrigante, la destacada jugadora de apoyo es fácilmente Jennifer Hudson como la solitaria y decrépita Grizabella; su poderosa interpretación de la encantadora "Memory" es inolvidable.

El único gran problema de esta película es el desvío constante del rol protagónico, el cual se baila entre todos los felinos, de momento enfocado en Victoria y su exploración alrededor de los gatos Jellicles, pero constantemente yéndose a las manos (o patas) de los demás personajes. Otro aspecto es el final, con la canción del personaje de Judi Dench); pero no es tanto la canción sino cómo esta fue presentada, casi imitando la idea de la obra de teatro y olvidándose que este es un medio diferente. Pero ni esto o el hecho de que el 95% de los diálogos son cantados hacen que la película caiga en un puntaje negativo desde mi punto de vista. Creo más bien que quienes la han calificado como una "mala película", lo hace por el problema de la edición de sonido o porque simplemente no le gustan los musicales.

Quizás más que cualquier otra película lanzada este año, Cats es una que puedes juzgar de manera justa por su comercialización. Si ver los trailers de la película te dejó con poco o ningún deseo de ver todo, entonces es seguro asumir que los gatos no te gustarán. Pero si los avances te dejaron emocionado por descubrir cuán ridícula es realmente la adaptación cinematográfica de Hooper, usted es un fanáticoa de la megamusical original de Broadway que espera que la versión de pantalla grande capture su excentricidad inspirada en forma cinematográfica, entonces vale la pena echarle un vistazo. Quién sabe: esto aún puede pasar a ser la obra maestra de la locura musical que Hooper tuvo dentro de él todo el tiempo.