Crítica Cinéfila: Babygirl

Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Harris Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta tórrida relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios. 

Romy Mathis es dueña de un dúplex en la ciudad y de una gran casa en el campo. Tiene un marido cariñoso, dos hijas adorables y una carrera dorada como directora ejecutiva de Tensile, una "empresa de robots" no específica que gestiona un exitoso programa de entregas a domicilio. Romy lo tiene todo, lo que naturalmente significa que quiere algo más, algo más. Al poco tiempo se ha embarcado en una aventura peligrosa con su pasante de oficina, a quien se le echa encima en el baño al son de "Never Tear Us Apart" de INXS.

Romy es interpretada por Nicole Kidman, cuya brillante y audaz interpretación, sin embargo, tiene un dejo de angustia, como si no estuviera del todo convencida de todo lo que se ha comprometido a hacer, y esta crítica tampoco lo creería. Es la protagonista de la película de Halina Reijn, que podría haber sido el Tár de este año si no fuera tan superficialmente complacida consigo misma, tan emocionada por su propia osadía, y luego tan sumisa con el personaje que menos uno se lo imaginaría. "Babygirl" tiene algunas cosas útiles y ocasionalmente provocativas que decir sobre la dinámica interna de la oficina y el deseo sexual, pero las dice con el profesionalismo entrecortado y alegre de una presentación corporativa anual.

La película comienza con un orgasmo y termina con otro, aunque resulta que el primer clímax fue fingido, porque Romy nunca ha estado verdaderamente satisfecha con su esposo. Confiesa tener “pensamientos oscuros”, se masturba compulsivamente con su computadora portátil y anhela una aventura que la saque de su rutina. Esto explica por qué se siente vulgarmente atraída por Samuel (Harris Dickinson), un veinteañero que entra como pasante en la oficina de Tensile en Nueva York, cuya confianza en sí mismo es vulgarmente atrevida y está justo en el nivel insoportable de la insolencia. El pasante quiere que ella sea su mentora; quiere todo lo que pueda conseguir, aunque la mentoría sea solo para demostrarle lo atrevido que es. Al llegar al trabajo una mañana, Romy lo ve domesticando a un perro salvaje en la calle. Tal vez, piensa, él también pueda domesticarla a ella.

Al igual que el primer clímax de Romy, la película parece ser una parodia y una buena actuación; realizada con maestría pero sospechosa en el corazón de la historia. Reijn disfrutó de un gran éxito con la contundente "Bodies Bodies Bodies" en 2022, pero esta película es menos satisfactoria y, a veces, bastante incómoda. Romy y Samuel están atrapados en una relación tórrida y tóxica. Él le da de comer platillos de leche al son de "Father Figure" de George Michael, mientras que su marido, Jacob (Antonio Banderas), se queda con las niñas y tratando de dirigir su último espectáculo off-Broadway. El equilibrio de poder cambia: Samuel comienza a pensar que él es el jefe y Romy (por alguna razón que solo ella entiende) cede. Señala que tiene un control crucial sobre Romy y que todo lo que se necesitaría es una llamada telefónica para terminar instantáneamente con su carrera (pero, ¿a quién es esa llamada?). Mientras más cede al control de él y sus juegos tóxicos, más incómoda se vuelve la historia, solo alzando la pregunta de hasta donde llegará este "juego".

¿Es un spoiler mencionar que la aventura de Romy y Samuel no termina bien? Es obvio. No puede haber un final feliz para estos dos; solo más desorden, más estrés y, finalmente, una pelea a puños junto al árbol de Navidad. El drama de Reijn merece crédito por su falta de moralización y sugiere que incluso la aventura más imprudente puede traer beneficios imprevistos. Pero su mayor logro lo alcanza demasiado tarde en la trama, y a pesar de toda su carnalidad excitada y sus luchas de poder en sucesión, las emociones de la película se sienten maquinadas y envasadas al vacío. "Babygirl" culmina luciendo tan ordenada y anónima como una caja del almacén de entregas de Tensile, con la inquietud de su contenido pudo haber sido más emocionante si se hubiese empacado mejor.

Crítica Cinéfila: The Northman

 En Islandia, en pleno siglo X, un príncipe nórdico (Skarsgard) busca vengar a toda costa la muerte de su padre.

Ha pasado un tiempo desde que vi una buena batalla cruda repleta de sangre en la que guerreros semidesnudos con pieles de animales que apenas les tapaba lo necesario se lanzaban a los opuestos, empuñando espadas y antorchas encendidas, escudos, hachas y dagas, mientras gritan diálogos. que en su mayoría comienza y termina con gritos de muerte. Todo eso representa un 50% de The Northman, un sueño vikingo que hace que los horrores artesanales que pusieron al director Robert Eggers en el mapa, The Witch and The Lighthouse, parezca películas de Disney. Para usar un término de un canto ritual junto a la chimenea donde Amleth de Alexander Skarsgård borra la línea entre el hombre y la bestia, este es el "berserker" indómito de las leyendas nórdicas.

Navegando el salto de sus películas anteriores de culto instantáneo con un presupuesto modesto, Eggers no tiene miedo. Beneficiándose nuevamente del trabajo exacto y detallado del diseñador de producción Craig Lathrop y la diseñadora de vestuario Linda Muir, el director evoca una atmósfera inmersiva y penetrantemente evocadora que nos catapulta a principios del siglo X, un pasado oscuro y visceralmente violento en el que el salvajismo humano y lo sobrenatural coexisten.

El diálogo romantizado en el guión que Eggers coescribió con el novelista y poeta islandés Sjón (Lamb) a menudo provoca risas, y los acentos escandinavos que salen de la boca de actores como Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy y Ethan Hawke corren el riesgo de provocar una recaída traumática nivel House of Gucci. Es una película audazmente loca que amenaza con desviarse hacia una especie de tierra de nadie donde Game of Thrones se encuentra con Monty Python. Y eso es incluso antes de que Björk aparezca como una vidente bruja, vestida con mimbre, conchas marinas y metáforas. Pero la energía merodeadora de The Northman te mantiene como esclavo y el Príncipe Amleth es la máquina asesina y vengativa que Skarsgård nació para interpretar. 

El guión se basa tanto en los mitos nórdicos como en las sagas familiares islandesas, tomando de la leyenda escandinava de Amleth que inspiró el Hamlet de Shakespeare. El prólogo tiene lugar en el ficticio reino insular del Atlántico Norte de Hrafnsey, donde el rey Aurvandil (Hawke), también conocido como War-Raven, llega a casa con mucha fanfarria después de haber ganado una batalla. La herida en su estómago lo impulsa a preparar a Amleth (Oscar Novak), de 10 años, para tomar el trono, a pesar de las objeciones de la reina Gudrún (Kidman) de que su hijo es solo un niño. La iniciación trascendental de Amleth consiste en gatear a cuatro patas bajo tierra con su padre, aullando como lobos. Además, eructar, tirarse pedos, levitar y acceder a visiones perturbadoras a través de la herida de Aurvandil. El sueño de todo niño vikingo supongo.

Tan pronto como Amleth ha jurado vengar a su padre en caso de que muera por la espada de un enemigo, el niño es testigo de su asesinato a manos de su tío Fjölnir (Claes Bang), cuya atracción por la reina ya ha sido objeto de bromas por parte del tonto de la corte chamánica, Heimir (Willem Dafoe).

“Tráiganme la cabeza del niño”, ordena Fjölnir a sus hombres, acompañado por las cuerdas y los tambores de la partitura contundente de Robin Carolan y Sebastian Gainsborough. Pero Amleth, después de ver la matanza de los aldeanos varones, el secuestro de las mujeres y la reina colgada del hombro de Fjölnir y arrastrada gritando, escapa en bote, y jura "rescatar a su madre, matar a su tío y vengar a su padre".

Un par de décadas más tarde, Amleth se ha transformado en un hombre musculoso que aprovecha el espíritu del lobo y del oso, y carga una ira constante dentro de sí. Viaja por la Tierra de la Rus con una manada de asaltantes vikingos que aparentemente nunca encontraron un asentamiento eslavo que no pudieran saquear. Pero la vidente madre tierra de Björk lo reconoce como el príncipe perdido y le recuerda su destino. Al enterarse de que Fjölnir fue expulsado del reino que usurpó y huyó a una comunidad agraria remota en Islandia, Amleth aborda un barco de esclavos que se dirige allí para proporcionar mano de obra.

Anya Taylor-Joy interpreta a una compañera de viaje que reconoce una buena conexión cuando la ve. “Soy Olga del Bosque de Abedul”, dice a modo de presentación, y agrega que mientras él tiene la fuerza para romper los huesos de los hombres, ella tiene la astucia para romperles la mente. Ambos son aceptados en la granja de Fjölnir, donde Olga se gana gradualmente la confianza de Amleth y él revela su plan para asesinar a su tío y salvar a su madre, quien cree que solo está fingiendo amor por su secuestrador por el bien de su hijo pequeño (Elliott Rose).

Las películas de Eggers han compartido una fascinación por las propiedades mágicas de los animales como aliados narrativos: una cabra en The Witch, una gaviota maldita en The Lighthouse. La fauna oculta esta vez son cachorros de lobo y cuervos, el primero que lleva a Amleth a encontrar una enorme espada de los muertos vivientes, conocida como The Night Blade; el último se ocupa con sus picos cuando es torturado y atado al final del juego.

La narración se acelera a medida que Amleth se acerca a su objetivo, causando una carnicería entre los hombres de su tío y provocando el temor de un "espíritu desquiciado" entre ellos. La trama se vuelve más frenética aunque permanece lúcida. 

El reencuentro de Gudrún con el hijo que durante mucho tiempo creyó muerto debería haber sido un momento de gran dramatismo. Pero es difícil no reírse cuando Kidman, con una larga cabellera y luciendo un acento de Natasha Fatale, decide optar un coqueteo incestuoso. Cuando Fjölnir sufre una pérdida dolorosa y grita: "¿Qué mal es esto?" Gudrún le lanza una mirada de muerte con los ojos muy abiertos y le grita: "¡Compórtate!". como si fuera una Austin Powers nórdica.

El romance entre Amleth y Olga tiene tiempo para florecer durante todo esto. También hay un interludio en un caballo volador montado por una valquiria de ojos ardientes (Ineta Sliuzaite). Pero incluso cuando Amleth asegura la continuación de su linaje, su cita mortal con el tío Fjölnir en "las puertas del infierno" permanece. Esa sería la boca de un volcán activo, donde pelean desnudos, como lo haría cualquier guerrero medieval que se respeten. 

La película está filmada por el director de fotografía habitual de Eggers, Jarin Blaschke, con una propulsión inquieta y una sensación de textura para los paisajes dramáticos, con un añadido natural de la lluvia, el viento, la nieve y el hielo, o cubiertos de barro y ceniza. La coreografía de las escenas de combate, tanto la puesta en escena como el rodaje es alucinante. También es completamente envolvente el diseño de sonido denso, con instrumentos de la era vikinga que se escuchan junto con los elementos atronadores y el caos de la lucha.

The Northman es ciertamente una gran película, y si bien su intensidad histérica a veces se convierte en exageraciones, es generosa y estimulante en su descripción de una cultura gobernada por los ciclos de violencia. La cohesión de la visión de Eggers inspira admiración, al igual que el compromiso de su equipo, tanto delante como detrás de la cámara.

Skarsgård, que ha estado trabajando durante más de una década para desarrollar un proyecto cinematográfico arraigado en su amor de la infancia por el mito y la tradición vikinga, nunca ha sido más feroz o físicamente más imponente. Taylor-Joy, que comenzó en La bruja, es seductora mientras Olga teje canastas y trama estragos. (Sus padres de esa película anterior, Kate Dickie y Ralph Ineson, también hacen apariciones en esta historia). 

Ya sea que te creas esta estremecedora historia de Eggers, te adentres en su hechicería empapada de sangre o te burles ante sus excesos, la película te hace apreciar el espectáculo grande, ruidoso y de pelea que en estos días ya no vemos tan a menudo.  En otras palabras, es un trabajo de imaginación audaz, no otra rama de una propiedad intelectual familiar. Solo eso merece respeto.

Crítica Cinéfila: Being the Ricardos

Película sobre la actriz, pionera de la televisión, Lucille Ball (1911-1989). La historia se desarrolla durante una semana concreta de la producción de la exitosa serie de la época 'I Love Lucy' cuando Lucy y su marido, Desi Arnaz, se enfrentan a una crisis que podría terminar con sus carreras y también con su matrimonio.

“The American President”, a su manera, tenía un dulce fluir. “The Social Network” fue una evocación tan flexible de la cultura tecnológica formativa como lo fue “All the President's Men” de la política mediática de los setenta. Y aunque muchos pueden estar en desacuerdo, pensé que Sorkin, en “The Trial of the Chicago 7”, hizo un trabajo notable al clavar las voces individuales de esa brigada de guerrilleros pacíficos.

Pero "Being the Ricardos", su película sobre Lucille Ball y Desi Arnaz (interpretada a la perfección por Nicole Kidman y Javier Bardem), es una porción embriagadora Sorkinese, y una hermosa ilustración de lo que esto puede hipnotizar a cualquiera. Toda la película tiene lugar en una semana de olla a presión durante el rodaje de un episodio de "I Love Lucy". Es 1952, el programa está en su segunda temporada (ha habido un total de 37 episodios) y es el programa más popular en Estados Unidos, con 60 millones de espectadores cada semana. También es un programa revolucionario: el primero en utilizar el sistema de tres cámaras que permitiría filmar en vivo las comedias de situación, en el futuro; y también una comedia de televisión convencional sobre un matrimonio transcultural, protagonizada por dos actores que, al interpretar a Lucy y Ricky Ricardo, estaban retratando una versión estilizada de sí mismos.

"Being the Ricardos" comienza con una serie breve de entrevistas documentales simuladas con versiones modernas de varios de los personajes, una técnica contundente que Sorkin toma prestada del Bob Fosse de "Star 80" y "Lenny", y utiliza simplemente con la misma eficacia. Esos fragmentos prepararon el escenario para una semana en la que sucedieron más cosas de las que nadie podría haber creído. En casa, con la irascible y astuta Lucy y el furtivo cubano Desi, el drama se desborda. Está a punto de salir una historia en la revista de chismes Confidential que detalla un engaño que hizo Desi. Pero la imagen en la portada de Desi sentado junto a una mujer sonriente fue tomada el verano anterior en un evento en el que Lucy estaba. Entonces, tal vez la historia sea pura tontería.

Justo cuando Lucy y Desi están teniendo una ronda frenéticamente entusiasta de sexo (algo que la película sugiere que sucedió bastante), un informe de radio deja caer el otro zapato: Lucy ha sido acusada, en una columna de Walter Winchell, de ser comunista. Hasta ahora, ningún periódico ha recogido la historia y Lucy, cuyo abuelo era comunista, afirma que solo firmó para complacerlo. Pero este es un momento en el que el poder de HUAC está en su punto máximo, y si la carga se mantiene, las carreras de Lucy y Desi son historia.

Además de eso, Lucy ha elegido esta semana para anunciar que está embarazada. Este, por supuesto, se convirtió en uno de los capítulos más famosos de la historia de la televisión, debido a la postura radical adoptada por Lucy y Desi. En lugar de inclinarse ante los jefes de la cadena, que querían idear una forma de "ocultar" el embarazo (como que Lucy actuara detrás de sillas o plantas gigantes), las dos estrellas insistieron en incorporar el embarazo de Lucy directamente a la historia de la comedia.

Todo lo que pasa en “Being the Ricardos” sucedió de verdad. Pero no sucedió en la misma semana, ni nada parecido, y Sorkin, al presentarlo como si sucediera en ese momento, ha creado una expresión por excelencia de la estética Sorkinese. El diálogo en "Being the Ricardos" tiene la franqueza contundente, el ingenio de la daga y las esquinas perfectamente cortadas del Sorkinese, un sonido que podría describirse como un duro tonto. Más allá de eso, sin embargo, toda la película es una pieza de compresión estilizada y emocionante. Se pone en marcha una verdadera cabeza de vapor, una energía y una ansiedad vertiginosas que se apoderan de todo lo que Lucy está sintiendo. Y lo que Lucy hace es tomar su propia ansiedad reprimida - sobre la situación de acusación comunista, pero sobre todo por la posibilidad de que Desi le esté siendo infiel - y la coloca en el episodio de esa semana de "I Love Lucy". Ella sigue asumiendo el control del set, dirigiendo más que el director, modificando las partes de la comedia, tratando de que todo funcione mejor, tratando de hacerlo más auténtico. Pero lo que también está haciendo, en cierto nivel, es tratar de hacer que los Ricardos sean lo que ella quiere que ella y Desi sean. Ella sigue preguntando: ¿Qué haría Lucy? ¿Qué no haría Lucy? Lo que realmente está preguntando es: ¿cómo vemos su visión (y su intento de apoderarse del terreno del poder masculino)? Y lo que realmente está preguntando es: ¿Qué debería hacer Lucy?

"Being the Ricardos" es una comedia de matrimonio, hábil y romántica, pero que gira en torno a una sospecha mortalmente seria que sigue carcomiendo a Lucy. También es la versión con clasificación R de una comedia de situación del lugar de trabajo como familia, con personajes que empujan y paran, pero también maldicen y dicen lo que piensan con júbilo tóxico. Es un drama de la política corporativa del mundo del espectáculo, que nos muestra cómo se hace la producción de televisión (o se hizo en los años 50). Es una película biográfica de Lucille Ball, que nos muestra la estrella de cine que era antes de que se lanzara al estrellato y terminara creando la personalidad de Lucy Ricardo. Y es un homenaje a "I Love Lucy" y todo lo que la convirtió en una piedra de toque hilarante que cambió la cultura. No todo en “Being the Ricardos” sucedió en una semana, pero se siente como si pudiera haberlo hecho.

La película está estructurada en torno a la creación del episodio de esa semana, y desde el momento en que todos se sientan en la primera lectura de la mesa, Sorkin establece un tono de malicia vivaz, en el que estos veteranos de la televisión son demasiado conversadores y exitosos como para no decir exactamente lo qué ellos piensan. JK Simmons se desvive como William Frawley, el veterano que interpretó al cascarrabias Fred Mertz, a quien Simmons gana diez veces más cascarrabias fuera de cámara; es un forajido rencoroso al que le gusta beber whisky en bares de buceo a las 10:00 a. m. y cuyo pasatiempo favorito es idear nuevas formas de insultar a su coprotagonista, Vivian Vance (Nina Arianda). Pero Simmons es tan astuto que, por supuesto, sigue despellejando al personaje. Debajo del solitario hay una reliquia nostálgica del Viejo Hollywood, un observador ingenioso y, en cierto nivel, un ser humano real.

Nina Arianda, como Vivian, es igualmente sólida. Ella nos muestra cómo la luchadora Vivian anhelaba salir de la tontería de su papel de Ethel, un personaje casado con su abuelo (como ella dice), y revela brillantemente cómo se corta a Vivian cuando la aprende. La nueva dieta está siendo monitoreada por todos en el programa, desde Lucy hacia abajo, porque se supone que no debe alejarse demasiado del ideal de la "normalidad" estadounidense.

Sin embargo, es el baile de Kidman y Bardem lo que le da a “Being the Ricardos” su magia ligera pero fundida. Como la Lucy de la comedia de situación, Kidman es la perfección, clavando los chubascos y las tomas dobles de ojos saltones, la voz estridente, todo el camino en el que Lucy Ricardo era tonta y despistada con un engaño invisible, una forma de agresión pasiva. Los momentos de la comedia, en blanco y negro, se presentan casi como sueños. Pero fuera de cámara, Kidman captura el glamour atrevido que era Lucille Ball. Hace que Lucy sea sensual y exigente, espinosa y cariñosa, con la capacidad de leer la habitación: una mujer moderna por excelencia que estaba atrapada en el papel de siempre tratar de arrastrar al resto del mundo para alcanzarla.

La película cuenta la historia de Lucy en flashbacks, que se remonta a sus días como actriz contratada por RKO, donde conoció a Desi en el set de "Too Many Girls". Y vemos el momento en que la posibilidad del estrellato parpadeó para ella. “The Big Street” (1942), en la que coprotagonizó con Henry Fonda, se convierte en un éxito de crítica y se desempeña respetablemente en la taquilla, y cuando se reúne con el jefe de producción de RKO, Charles Koerner (Brian Howe) , es una escena clásica que dice mucho sobre Hollywood de aquel entonces y ahora.

Como lo presenta "Being the Ricardos", Lucille Ball y Desi Arnaz tuvieron un matrimonio difícil en el mundo del espectáculo. Se adoraban el uno al otro, pero sus carreras los separaron desde el principio. Bardem convierte a Desi en un maestro que sabe cómo manejar su peso; es emocionante verlo empujar a los ejecutivos de la cadena y amenazarlos, como cuando se pasa por alto para apelar al presidente de la junta de Philip Morris, el patrocinador de "I Love Lucy", sobre la trama del embarazo. Pero Desi, aunque es un actor entusiasta y un emprendedor inconformista con visión de futuro, no es un marido tan avanzado. El ama a Lucy, pero lo que ese amor significa para él es que espera ser amado de cierta manera y disfrutar de ciertas libertades. Como sus salidas nocturnas, que son cada vez más voluminosas.

Hay anacronismos en esta película. También hay observaciones agudas sobre cómo funcionó la comedia de "I Love Lucy" y lo que significaba, como la escena en la que Lucy y la única guionista del programa, Madelyn Pugh (Alia Shawkat), improvisan la famosa escena de Lucy pisando uvas, rematado por Lucy perdiendo un pendiente. Lucy era una cómica que expresaba un mundo interior anticuado en el que las mujeres podían verse a sí mismas. Fuera de cámara, la Lucy de “Being the Ricardos” sigue impulsando el espectáculo para que sea mejor, y eso significa más cerca de algo real. Ella era una visionaria del entretenimiento que, sugiere Sorkin, también estaba tratando de perfeccionar su hogar lejos del hogar. Lo consiguió, quizá demasiado bien.

Crítica Cinéfila: The Prom

Un grupo de estrellas de teatro hilarantemente obsesionadas con sí mismas se adentra en un pequeño pueblo conservador de Indiana en apoyo de una chica de secundaria que quiere llevar a su novia al baile de graduación.

Meryl Streep está en un estilo interesante en The Prom como Dee Dee Allen, una diva del escenario ganadora de dos Tony Awards que debe olvidar años de ensimismamiento de celebridades y dar el paso desconocido de anteponer las necesidades de otras personas. Siempre que está en la pantalla central, esta adaptación de Netflix del desarmante musical de Broadway de 2018 brilla con un humor cursi. En otros lugares, el reparto estrellado y la mano dura del director Ryan Murphy le hacen pocos favores al material de peso pluma, con escenas dramáticas inertes y números musicales exagerados que contribuyen a la temática general. El valor más innegable de la película está en la representación que brinda a los adolescentes LGBTQ a través de un baile de la escuela secundaria que es el sueño arcoíris de todo niño queer emocionalmente aislado.

El musical presenta una partitura de Matthew Sklar y un guión coescrito por Bob Martin y Chad Beguelin, lleno de canciones que son pegadizas en el momento, incluso si rara vez permanecen mucho tiempo en la cabeza. La modesta producción de Broadway tuvo un atractivo considerable en su elenco de queridos veteranos del teatro de Nueva York que interpretan caricaturas de sí mismos mientras descienden a la pequeña ciudad de Indiana con un plan egoísta para rehabilitar su reputación poco comprensiva. Incluso si el lado sentimental era menos cautivador que la sátira, el mero hecho de ser un musical original en un panorama de películas readaptadaas y compilaciones de máquinas de discos, les valió mucha buena voluntad.

Al adaptar el musical a la pantalla, Martin y Beguelin rellenan los interludios entre las canciones de manera que desinflen el humor al tiempo que exponen la fragilidad del drama central. No ayuda que Murphy, cuyo credo puede que sea "cuanto más ocupado, mejor", tenga con frecuencia la cámara del director de fotografía Matthew Libatique girando a toda velocidad alrededor de los personajes sin ninguna razón discernible.

También ha habido un cambio en las actitudes nacionales que va en contra de la comedia. En 2018, todavía era posible reírse del enconado abismo entre los estados rojo y azul. Después de cuatro años de maquinaria de Trump que promueve el odio, a nadie le divierte. Eso hace que la controladora reina del PTA, la Sra. Greene (Kerry Washington) sea una furiosa colapsante, ya que decide cancelar el baile de graduación de la escuela secundaria en lugar de permitir que Emma (Jo Ellen Pellman) traiga una cita del mismo sexo. Cuando el director de la escuela progresista Tom Hawkins (Keegan-Michael Key) obtiene el respaldo de la oficina del Fiscal del Estado para realizar una fiesta de graduación inclusiva, la Sra. Greene usa medios más deshonestos para eludir ese mandato, infligiendo la máxima crueldad a Emma.

"Esto no es Estados Unidos, esto es Indiana", dice la cruzada conservadora moralista. "Se trata de que un gran gobierno nos quite la libertad de elección". Dado que las mujeres negras han sido la columna vertebral del Partido Demócrata durante generaciones, el papel de Washington, cuyo fuerte no es la comedia, es lo más asombroso de la película. Nuestra antipatía por el personaje está prácticamente sellada una vez que se revela desde el principio que la hija de la Sra. Greene, Alyssa (Ariana DeBose), es la novia secreta de Emma, ​​que planea salir del closet en el baile de graduación. De modo que el inevitable cambio de actitud de la Sra. Greene, cuando finalmente antepone sus sentimientos maternos a su política, juega como un final feliz mecánico más que como un desarrollo basado en el personaje.

El toque de Murphy es evidente desde el principio cuando W45th Street en el distrito de los teatros de Manhattan se convierte en un deslumbrante tumulto de letreros LED que ponen a Las Vegas a la sombra. Dee Dee y su coprotagonista Barry Glickman (James Corden) están celebrando la noche de apertura de su bio-musical ¡Eleanor Roosevelt, Eleanor! cuando una crítica fulminante en The New York Times convierte el afterparty en un velorio. Su publicista, Sheldon (Kevin Chamberlin), les informa que el crítico tiene un punto: "No es la obra. Son ustedes dos. Simplemente no son agradables. A nadie le gustan los narcisistas".

Dee Dee y Barry, que pensaron que tenían que idear una causa que les ayudara a reformar su imagen empañada, se pusieron de acuerdo con Trent (Andrew Rannells), un actor desempleado obligado a atender un bar, y Angie (Nicole Kidman). una bailarina de coro que ha estado esperando 20 años para continuar como Roxie en Chicago. Con la difícil situación de Emma en el baile de graduación en Twitter, abordan un autobús turístico Godspell no sindicalizado y se dirigen al estado de Indiana decididos a cambiar vidas.

El mejor número de la película encapsula el choque cultural de los condescendientes liberales de la Costa Este que emergen de su burbuja para iluminar los caminos ciegos de los pandilleros del corazón, mientras Dee Dee aplasta una acalorada reunión cantando "It's Not About Me". La broma es que, por supuesto, de eso se trata exactamente. El showtopper con temática de tango contiene algunas de las letras más divertidas de Beguelin, con Dee Dee ilustrando cómo la cosmovisión del teatro está completamente formada por su experiencia en el escenario. Streep es constantemente hilarante.

Las primeras chispas de un interés amoroso poco probable entre Dee Dee y el devoto fanático de Broadway, Tom, surgen en este punto, junto con la tímida inquietud de Emma por ser empujada a la primera línea del activismo LGBTQ. Pellman es encantadora en el papel, formando una pareja adorable con DeBose. Pero entre el diseñador de producción Jamie Walker McCall que bombardeó la escuela secundaria en brillantes tonos de colores dulces y Lou Eyrich que le dio a Emma una serie de opciones de estilo andrógino y moderno en la vestimenta, difícilmente parece una extraña. El personaje fue expulsado de su casa a los 16 años cuando se lo contó a sus padres, pero la incorporación de una abuela solidaria y de mente abierta (Mary Kay Place) contribuye a reducir las apuestas de que Emma encuentre su voz.

La trama está más o menos inactiva con una tensión mínima a través de la sección media distendida de la película. Además de que hay muchas subtramas que seguir, es difícil reconocer la verdadera trama principal. Barry y Angie se turnan para asesorar a Emma, ​​y ​​Trent hace alarde de sus credenciales de Juilliard con un horrendo himno de aceptación que se derrumba como un pedazo de plomo en un rally de camiones monstruo. También hay una pequeña fricción entre Dee Dee y Tom cuando descubre que la principal motivación de los oportunistas neoyorquinos era la publicidad.

Ver a estos actores ejercitar sus habilidades musicales brinda un disfrute esporádico, incluso si el elenco nunca es coherente como conjunto. Corden, cuyo rango limitado se vuelve más evidente con cada papel en la pantalla, se debate entre esforzarse demasiado y no lo suficiente como Barry. Quizás consciente del potencial para un actor heterosexual que interpreta un gay estereotipado en llamas, Corden canaliza los gestos sin la alegría. Es una actuación plana sin mucho corazón, incluso cuando aparece Tracey Ullman para reparar puentes como la madre separada de Barry. Y Corden es demasiado joven para ser contemporáneo de Dee Dee. Este es un papel que clama por Nathan Lane.

Rannells lo hace mejor a pesar de que su personaje desaparece durante gran parte de la acción. Él reaparece con "Love Thy Neighbor", uno de los dos números optimistas consecutivos en un centro comercial que parece más un centro comercial de una gran ciudad que parte de una ciudad de provincias donde Kmart es la mejor opción de moda. Key es simpático como siempre, en la medida en que lo permite jugar al hombre heterosexual literal. Y Kidman aporta una dulzura y un humor chiflado discreto a la corista que lucha por mantenerse en el juego y mantener su bebida diurna bajo control. Sin embargo, su gran canción, "Zazz", está diseñada para un motor más consumado de la escuela Fosse, algo que ningún efecto visual puede disfrazar.

Murphy está de regreso en el territorio de Glee aquí, para bien o para mal, lo que significa que los números a menudo se esfuerzan por la exuberancia: la coreografía del director de escena Casey Nicholaw se vuelve grande y atlética cada vez que surge la oportunidad, y las voces tienden a la uniformidad. Solo cerca del final, cuando Emma toma el control de su narrativa en la canción "Unruly Heart", a la que se le da un tratamiento relativamente íntimo si ignoras su cama levitando y girando, la sinceridad detrás del esfuerzo lo hace realmente conmovedor.

A diferencia de Everybody's Talking About Jamie, un éxito en el escenario de Londres con una trama similar que también se proyectó en la pantalla, los personajes jóvenes aquí juegan un papel secundario frente a los intrusos que buscan el centro de atención. En cualquier caso, hay algo que decir sobre el amplio alcance de una función de Netflix que defiende los derechos de los adolescentes LGBTQ, compartiendo un mensaje que es fácil de respaldar incluso si la entrega tiende a ser desagradable por largos momentos.

Crítica Cinéfila: Bombshell

Deconstrucción de la caída de uno de los imperios mediáticos más poderosos y controvertidos de las últimas décadas, Fox News, y de cómo un grupo de explosivas mujeres logró acabar con el hombre responsable de él: Roger Ailes.

La palabra Bombshell tiene dos significados: puede ser una noticia impactante, ya sea positiva o negativa; puede también ser una mujer (normalmente rubia) sumamente atractiva. Así, cuando Jay Roach se sentó a descifrar el nombre de su próxima gran película, el título se lo dió la misma historia y su temática.

Este es un tema tan jugoso que los cineastas simplemente no pueden mantenerse alejados de él, especialmente los adictos políticos como Roach y Charles Randolph. El director de  Recount, Game Change, The Campaign, y Trumbo,  y el escritor de The Big Short, han puesto su mirada en un viejo y poderoso golpe y han generado un gran placer al dramatizar su derribo. Este hilo conductor sobre la caída deslumbrante del fallecido déspota de Fox News, Roger Ailes, no puede afirmar que ofrece temas nuevos, pues ya lo hemos visto en una miniserie de televisión reciente (Showtime's The Loudest Voice) y un documental muy bueno (Divide and Conquer: The Story of Roger Ailes). Pero las actuaciones, mejoradas por las transformaciones físicas de Charlize Theron, Nicole Kidman y John Lithgow que son asombrosamente convincentes, entregan los productos de una manera muy atractiva. Cualquiera que haya estado siguiendo las noticias durante los últimos tres años no pudo evitar sentirse intrigado por este petardo de película.

Sin preámbulos, la película arroja al espectador directamente a la alta presión de los preparativos finales para el primer debate televisado de la campaña presidencial de 2016, que será transmitido por Fox News y moderado por Megyn Kelly (Theron); está inquieta por las preguntas que no le ha formulado a Donald Trump y se siente desesperadamente enferma en el trato. Pero espera, esta es una película y la mujer que estamos viendo realmente se parece exactamente a Megyn Kelly. El realismo es asombroso.

Kidman interpreta a otra de las estrellas de la cadena desde hace mucho tiempo, Gretchen Carlson, que tiene su propio programa. La tercera rubia en la parte superior del boleto no se parece a nadie más que a Margot Robbie, pero tiene la excusa de interpretar a un personaje compuesto, una recién llegada hermosa e ingenua llamada Kayla, que en poco tiempo sufre la desgracia de atraer la atención de Ailes. Como lo representa Lithgow, Ailes tiene la distinción de verse más gordo, asqueroso y mucho más parecido al tipo real que Russell Crowe a principios de este año en  The Loudest Voice.

Si los atributos físicos de los directores exigen que se los considere con cierta extensión, es porque se destacan en el esquema de las cosas de Fox, una construcción que  Bombshell  disecciona y examina con considerable vigor. Después de décadas durante las cuales se esperaba que las noticias transmitidas por los Estados Unidos mantuvieran un cierto equilibrio y no se entregaran a un partidismo absoluto (había una cosa llamada doctrina de la justicia), Fox cambió este decoro con su descarada defensa de posiciones conservadoras y un servicio público abierto de derecha, a menudo dispensado por rubias atractivas. En el momento de las elecciones de 2016, la red era más poderosa que nunca y puso toda su fuerza considerable para defender a Trump como presidente.

Cuando Kayla aparece en las oficinas de Fox en Nueva York, parece una candidata ideal en el aire, tanto físicamente como políticamente, ya que proviene de una familia cristiana evangélica. También es ingenua y ansiosa por complacer, pero está paralizada por Ailes, quien le ofrece a las mujeres que le interesan dos frases para prosperar: "Para salir adelante tienes que dar un poco de cabeza" y "Si quieres jugar con los grandes, tienes que acostarte con los chicos grandes". 

Bombshell, su doble sentido plenamente justificado, se sumerge directamente en este turbulento pozo negro de sexo y política con confianza, entusiasmo e inteligencia. Como demostró en su guión ganador del Oscar (con Adam McKay) para  The Big Short,  Randolph es experto en agitar eventos y sistemas reales complicados y combustibles (economía, política, juegos de azar, presión sexual) y usarlos para impulsar la narrativa hacia adelante. El Director Roach complementa esto manteniéndose alerta todo el tiempo, a menudo usando disparos rápidos que parecen atrapados sobre la marcha, como corresponde a figuras de poder que saben lo que quieren, no pierden el tiempo y siempre tienen hambre de más poder, no importa qué tan bien alimentados están.

Todos los personajes principales aquí están obsesionados con el poder; si no lo fueran, no estarían en este negocio. El propio Trump no figura personalmente en los eventos de  Bombshell  y las elecciones aún faltan cuatro meses. Pero Fox News en este punto se ve en la transición de un corredor de poder a un poder importante en sí mismo, muy probablemente capaz de influir decisivamente en el resultado de las próximas elecciones. 

Roach y Randolph usan esta energía e intención maligna que se transmite de Ailes, o Jabba the Hut, como se le llama, para beneficio considerable de la película. Ailes tiene un facilitador que todo lo sabe, una mujer mayor (Holland Taylor) que organiza discretamente todas las idas y venidas de la oficina del gran hombre. También aprendemos la fórmula mágica de la red para el éxito: "Asustar y excitar", un enfoque que Ailes ha transformado en una forma de arte. Pero, ¿qué es lo más importante para Ailes cuando se trata de una excelente cobertura de noticias de televisión?

El impulso dinámico y el ritmo de la película pueden atribuirse en parte simplemente al hecho de que el escenario principal es una sala de redacción, donde los escritores con plazos fijos están constantemente bajo presión; infundido con energía y tensión constantes, la sede de Fox está hecha para parecer el segundo lugar más importante en la Tierra, justo por debajo de la Casa Blanca. Se menciona de pasada que en el año anterior los Murdochs obtuvieron una ganancia de $15 mil millones solo de Fox News, por lo que es fácil ver por qué el jefe está bien protegido.

Pero aún así tiene una gran caída. Es provocado por el despido de la periodista Carlson, mientras le dice: "Eres sexy, pero eres demasiado trabajo". A pesar de un gran pago, ella toma represalias con una demanda de acoso sexual contra el propio Ailes, contratando a los mejores abogados e inspirando a muchas otras mujeres, incluida Kelly, a presentar demandas contra el gran jefe. El abogado de Ailes, Rudy Giuliani (la única figura famosa en el reparto que no tiene un físico ideal, aunque su primera aparición genera una gran risa bajo las circunstancias) entra en el conflicto, seguido por el propio Rupert Murdoch (Malcolm McDowell) y sus dos hijos. En poco tiempo, los grandes jefes emiten el edicto: Jabba se debe ir.

Los actores se lanzan a sus roles con un celo excelente, animados por el diálogo a menudo contundente y los temas en juego. Las tres mujeres pasan por extenuantes pruebas personales y pruebas de fuerza en el período de tiempo muy comprimido, todas emergiendo más fuertes de lo que eran antes, incluso si la lucha no tuviera nada que hubieran elegido voluntariamente. Kelly de Theron y Carlson de Kidman están en lugares claramente diferentes en el espectro de la carrera, con Kelly en el centro de las cosas al rojo vivo y Carlson quizás superando su pico. Por su parte, la joven y ficticia Kayla de Robbie se encuentra en el trampolín, lista para saltar, o ser empujada, hacia el fondo.

Lithgow es memorablemente asqueroso y depredador como el mejor jefe de malas noticias en lo que respecta a las mujeres. Lo único que puedes decir de Ailes como se muestra aquí es que él es sincero; él es bastante claro sobre el precio de la entrada, y cada mujer decide si pagarlo o no. Se exhibe suficiente comportamiento groseramente abusivo de Ailes para dejar en claro que el precio es muy alto.

Bombshell no ofrece un análisis profundo de la televisión moderna, las actividades corporativas o las prácticas de explotación a puerta cerrada que han estado ocurriendo desde el principio de los tiempos. Pero más allá de crear una imagen dinámica de una entidad mediática famosa en acción, respalda firmemente la noción de que, si las personas se ponen de pie con valentía y se pronuncian contra la impropiedad y la ilegalidad, incluso contra los ricos y los más privilegiados, se puede hacer justicia y se puede progresar.

Crítica Cinéfila: The Goldfinch

Una familia adinerada del Upper East Side se lleva a un niño en Nueva York después de que su madre es asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte.

Theodore Decker tenía 13 años cuando su madre fue asesinada en un atentado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Esta tragedia cambió el rumbo de su vida, viéndose sumido en una desgarradora odisea de dolor y culpa, reinvención y redención, amor y odio. A pesar de todo, se aferra a una prueba tangible de esperanza que le dejó aquel terrible día... un cuadro de un pequeño pájaro encadenado a su percha: El Jilguero.

Por años, salta de hogar en hogar, y cuando encuentra unas cuantas gotas de felicidad a su vida, el universo se la arrebata y lo obliga a seguir moviéndose sin un verdadero objetivo. Así es como se siente la película The Goldfinch, una adaptación de la novela ganadora del premio Pulitzer de Donna Tartt, la cual está protagonizada por grandes talentos de la pantalla grande, pero aún así decide apegarse a ideas narrativas que no funcionan en su totalidad en un filme, mientras que abandona otras muy necesarias para la historia y el ritmo de esta.

En el cine, lo nuevo y lo audaz —y lo biográfico— reinan para ser nominado a los premios, lo que extrañamente hace que The Goldfinch, tan cargado de privilegios, esté un poco frío y hasta me atrevo a decir vacío. ¿Cuánta necesidad tenemos ahora de una adaptación literaria obediente sobre la riqueza y el arte?

La historia de The Goldfinch se refiere a una pintura desaparecida después de un bombardeo en el Museo Metropolitano de Arte. Bueno, les falta a los que están fuera de la novela, y ahora el ámbito íntimo de la película. En el interior sabemos que la pintura fue tomada por un niño, Theo (Oakes Fegley), cuya madre murió en la explosión y que se ha encontrado bastante solo en el mundo. A medida que seguimos los juicios y tribulaciones de Theo (más tribulaciones que juicios), desde Nueva York a Las Vegas y de regreso, la pintura, realizada por un maestro holandés que murió en una explosión (otra explosión, no la misma), actúa como un talismán y un recordatorio culpable del pasado, tanto inspiración como peso. Las cosas eventualmente (aunque brevemente) se mueven en territorio de misterio, suspenso y thriller, pero Crowley trata de mantener el tono en drama y nostalgia.

La película de Crowley, al menos, tiene más argumentos de lo que se espera. Muchas películas como esta son episódicas y pesadas, golpean los ritmos requeridos pero no evocan un sentido real de la vida cinematográfica. Crowley, sin embargo, encuentra una melodía con bastante frecuencia, imbuyendo su película con un silencio lírico y tristeza. Está magníficamente filmada, espacios bien equipados de Nueva York dado el brillo lacado de una pintura vieja. Pero también maneja dos líneas de tiempo con gracia, yendo y viniendo entre la juventud y la adultez naciente. En ese sentido, se honra el espíritu del libro de Tartt: sentimos el bostezo de los años, el peso del dolor y la experiencia formativa acumulada.

Lo que sin duda es un logro. Solo que no hay suficiente textura y sensación en The Goldfinch. Existe esa tristeza que preside, sí, pero la importancia de la pintura, y de todo el arte, los objetos y la música que tanto le importan a la gente de la película, no es lo suficientemente palpable. En última instancia, la película tiene que establecer apresuradamente sus temas al final porque han pasado dos horas y media y es hora de concluir las cosas. Deseaba ver toda la conmovedora alegoría de Tartt, la forma en que vierte la densidad de crecimiento y lamento en algo sólido que puede pasar de las manos, y que pudo haber tenido espacio para florecer en la película. Pero no lo hace, y dejé la película apreciando su estilo y sus fuertes actuaciones, pero no alterada emocionalmente de ninguna manera persistente.

Eso no es por falta de intentos por parte de sus actores. Como lo hizo en Brooklyn, Crowley persigue el trabajo fino y silencioso de su elenco. Como los dos Theos, Fegley y Elgort tienen muchas miradas silenciosas y contemplativas. Pero a veces son capaces de provocar un estallido expresivo, en momentos que registran profundamente la pérdida casi cósmica de Theo. Elgort es particularmente efectivo, atenúa su brillo a un resplandor nocturno; él está obsesionado y consumido por la memoria, una persona que sigue tropezando con un tiempo presente que no entiende. Sin embargo, el guión los lleva forzados, pues a pesar del obvio vacío que siente el personaje, a su vez se siente sin una meta física y sin un deseo de alcanzar algo al final de la historia. Es verdad que es una película de crecimiento emocional, pero este llega tan tarde que se siente apresurado y sin un adecuado desarrollo.

Kidman hace un giro sutil como una dama de la sociedad que le gusta los gustos y educaciones de Theo después de su tragedia. Ella y Crowley crean una rica historia familiar en solo unas pocas escenas, y la película mira hacia otro conjunto de problemas y tragedias, ayudando a espesar el mundo de la pintura y a todas las personas que lo rodean. Lo mismo para Jeffrey Wright como otro de los cuidadores de Theo. Mientras que Finn Wolfhard y Aneurin Barnard sorprenden con dos versiones diferentes de Boris, el dinámico y único emigre ucraniano con el que Theo forma una conexión cercana y, en última instancia, catastrófica.

En total, The Goldfinch es buena, mas, al despejar esa barra, abre toda la posibilidad de que podría haber sido aún más. No es tarea fácil, convertir un libro de 784 páginas en una película, y mucho menos una llena de referencias sobre arte y antigüedades. Tal vez podría haber una versión de miniserie que satisficiera toda la ambición de mente alta de Tartt. Mientras tanto, la película que existe solo alcanza los ritmos principales: es majestuosa y segura, y está bien. Tal vez eso significa que podría llegar a algunas nominaciones después de todo.

El Sacrificio de un Ciervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer)

Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo. (FILMAFFINITY)

El ser humano ha sido estudiado y expuesto en miles de formas desde los inicios del cine. Ha sido el principal causante de tantas historias que provocan múltiples sentimientos y reacciones en los espectadores. Pero también es un personaje inspirado de otras artes previas a la cinematografía. Esto podría ser parte de lo que motivó al director Yorgos Lanthimos (Attenberg, Alps, The Lobster) a escribir y dirigir la película The Killing of a Sacred Deer.

Steven ama a su esposa Anna, a pesar de la extraña intimidad que mantiene con ella. El ama a sus hijos, a pesar de que prefiere a uno sobre otro de manera obvia. El trabaja arduamente como cirujano, a pesar de que su escasa demostración de emociones garantizarían lo contrario. Es una persona que ha vivido una vida con idelogías muy particulares, pero a la vez dispuesto a tomar las decisiones más apropiadas por el bienestar de los suyos.

A pesar de lucir como una persona profesionalmente antisocial, mantiene una estrecha amistad con Martin, el hijo de un paciente que falleció mientras era atendido por Steven. Al principio, la amistad parecerá auténtica, parecida a la relación de padre e hijo, pero esta irá pasando a obsesión y se irá desatando la macabra venganza que Martin ha planeado contra Steven, que lo obligará a tener que decidir a quién debe matar de su familia para salvar al resto. 

La visión de Lanthimos ha sido bien específica desde sus primeras producciones, demostrando que su estilo va más allá del simple hecho de narrar una historia, sino de crear un análisis metafórico sobre el pensamiento humano y cómo reacciona cuando se sale de su zona de comfort. En esta película, las decisiones de los personajes van de mano con la profecía del antagonista, en donde la mayor cuestión es tratar de entender cómo funciona su amenaza y cómo es posible de que vaya ocurriendo tal cual cómo lo anunció. No obstante, al final de la película, la audiencia debe entender que esto no es más que un simple reflejo de las morbocidades del comportamiento humano de una manera metafórica y brutal.

La principal debilidad del guión es la velocidad con la que se narran los sucesos, que aunque el elenco lo supo mantener y manejar de una manera impecable, no deja de ser excesivamente lenta y larga para la trama que representa. No obstante, siempre mantuvo el tono y el sadismo de sus personajes. Lo único verdaderamente sutil es la misteriosa relación entre Kim y Martin, y el amor exhorbitante de Steven y Anna.

Por otro lado, la fotografía y la musicalización es una eterna obra de arte que refleja de manera muy auténtica las distintas intenciones y los sentimientos de cada una de las acciones de los protagonistas, con largos planos secuenciales y movimientos de cámara suaves. Los planos generales son un retrato perfecto de la crudeza de la historia y la indiferencia de los personajes.

Advertencia para el público: Esta película no es para todo el mundo. La deben ver con mente abierta y dejarse sumergir en su analogía.

The Beguiled

Año 1864. Durante la guerra civil norteamericana, la tranquilidad de una escuela femenina de Virginia donde sólo viven mujeres se ve alterada con la llegada de un apuesto soldado confederado herido... Remake de "El seductor", dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. (FILMAFFINITY)

Sofia Coppola regresa al puesto de directora con este remake de The Beguiled (1971) y unos cambios bastante notorios en el argumento de la historia.

Cerca de un internado para niñas en el Sur de Virginia, una estudiante encuentra al cabo yankee ,John McBurney (interpretado por Colin Farrell) malherido y decide llevarlo a la escuela para que se recupere allí. Al principio, ninguna de sus demás compañeras o sus maestras desean tenerlo dentro de la casa, pues representa un peligro para ellas. Pero su superior, la señorita Martha Farnsworth (interpretada por Nicole Kidman), decide curarle la herida y dejarlo preso dentro del salón de música, con la precaución de que este no vaya a hacerle algún daño.

Los momentos de tensión se fueron apaciguando entre cada uno de sus personajes y, por otro lado, crecía una tensión sentimental entre las estudiantes y el cabo, dejando al aire la gran interrogante de qué pretendía él con todas ellas, con quién se quedaría al final y cómo ellas tomarían su decisión. Los errores se pagaron con sangre y tomando la vida de uno de sus personajes, para poder darle paz al resto del grupo.

Coppola (Lost in translation, Marie Antoinette, The Bling Ring) se enfoca principalmente en los personajes de esta historia y logra que cada uno pueda ser distinguido de acuerdo a la personalidad que encarnan y los sentimientos que provocan. No hay manera de identificar cuál es más importante que el otro, pues todos son importantes para que la trama fluya y llegue a su final de manera ágil. 

A pesar de que no cuenta exactamente el punto fuerte de la película del 1971, esta versión se enfoca más en las debilidades y el pasado doloroso que cada uno de sus mujeres cuentan, y cómo la presencia de este hombre les afecta y provoca deseos que van en contra de lo que la sociedad (incluso la de estos tiempos) establece como lo adecuado para una "dama". Pero aquí no sabemos quién es el más débil en realidad: si este hombre en manos de todas las mujeres, o ellas que, a consecuencia de las tentaciones que el mundo les prohíbe, terminan desquitandose con él.

La fotografía de los filmes de Coppola son distintivos por su detallismo en los aspectos que complementan a los personajes; no obstante, aquí se basa más en mostrarnos este escenario de mediados de 1800, alejado pero a la vez bien cerca de la guerra, y cómo sus protagonistas tienen que tratar de ignorar este factor para seguir adelante con sus vidas.

La directora nos otorga una puesta en escena con sutileza, elegancia y belleza lírica, complementados por un elenco bien acertado y una fuerza visual que llama al espectador a dejarse llevar por la historia y a admitir que los tiempos no han cambiado: las mujeres seguimos siendo reprimidas del mundo en distintas circunstancias, cuando en realidad somos capaces de tomar al enemigo por donde más le duele y acabar con él, aunque esto nos afecte emocional o físicamente.

Ganadores de la 69va edición de los Premios Emmy

La ceremonia de la 69º edición de los premios a lo mejor de la televisión arrancó con mucha política. “The Handmaid’s Tale”, fue coronada como la mejor serie dramática.

El domingo 17 de septiembre se celebró la 69º edición de los premios Emmy, la Academia que galardona lo mejor de la televisión. La ceremonia se celebró en el teatro Microsoft de Los Ángeles y contó con el comediante Stephen Colbert como anfitrión.

El evento arrancó con mucha política y el exsecretario de prensa de la Casa Blanca, Sean Spicer, haciendo una aparición sorpresa que dejó boquiabiertos a todo.

“Esta es la mayor audiencia de la que ustedes serán testigos. Punto”, dijo Spicer atrás de un podio similar al de sus conferencias de prensa. El comentario hace referencia a su primera aparición en la que dijo que la ceremonia de juramentación del presidente Donald Trump tuvo la mayor audiencia.

Era Spicer de verdad y no la parodia con la que Melissa McCarthy se ganó un Emmy creativo la semana pasada.

Colbert dedicó varios de sus afilados chistes al mandatario –“seguro está viendo”- y dijo que si Trump hubiera ganado un Emmy, al que fue varias veces nominado por El Aprendiz, no se hubiera lanzado a presidente. “Pero el Emmy se gana con el voto popular”.

Colbert abrió el espectáculo con un musical dedicado a los grandes programas de televisión nominados y luego recomendó a los ganadores que en su discurso agradezcan a Game of Thrones por no competir. Recordemos que la serie estrella de HBO, Game of Thrones, que posee el récord histórico de galardones, con un total de 38, no compite este año, ya que el retraso en el estreno de su séptima temporada hizo que se quedara fuera del plazo de inscripción.

Mejor actor de reparto en serie de drama: John Lithgow por The Crown
Mejor actriz de reparto en serie comedia: Kate McKinnon por Saturday Night Live
Mejor Actriz de Reparto en Miniserie/Película para TV: Laura Dern por Big Little Lies
Mejor dirección de comedia: Donald Glover por Atlanta
Mejor programa de variedad: Saturday Night Live
Mejor guión de drama: Bruce Miller por The Handmaid’s Tale
Mejor actor de reparto de comedia: Alec Baldwin por Saturday Night Live
Mejor director de miniserie o Tv: Jean Marc-Vallée por Big Little lies
Mejor Actor de reparto en Miniserie: Alexander Skarsgård por Big Little Lies
Mejor guión para programa de variedad: Last Week Tonight with John Oliver
Mejor actriz de reparto en drama: Ann Dowd por The Handmaid’s Tale
Mejor guión en serie de comedia: Aziz Ansari y Lena Waithe por Master of None
Mejor Reality: The Voice
Mejor dirección en serie de drama: Reed Morano por The Handmaid’s Tale
Mejor guion para miniserie o película para TV: Charlie Brooker por BLack Mirror: San Junipero
Mejor director en programa de variedades: Don Roy King por Saturday Night Live
Mejor Talk Show: Last Week Tonight with John Oliver
Mejor actor en serie de comedia: Donald Glover por Atlanta
Mejor actriz en serie de comedia: Julia Louis-Dreyfus por Veep
Mejor serie de comedia: Veep
Mejor actor de miniserie o película para TV: Riz Ahmed por The Night of
Mejor actriz se miniserie o película para TV: Nicole Kidman por Big little lies
Mejor miniserie: Big Little Lies
Mejor actor principal en serie de drama: Sterling K. Brown por This Is Us
Mejor actriz principal en serie de drama: Elisabeth Moss por The Handmaid’s Tale

Oprah presentó el Emmy a la mejor serie de drama, que fue para: The Handmaid’s Tale, la oscura historia de una dictadura misógina que tiene lugar en Nueva Inglaterra.

Fuente: Exitoina

Lion

Saroo Brierley es un niño que con tan sólo cinco años se perdió en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa. Tras un largo viaje acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Veinticinco años después, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentará encontrar a su familia biológica. (FILMAFFINITY)

Garth Davis fue muy inteligente al realizar esta película. De manera ingeniosa, se propuso a tocar los sentimientos de su audiencia con un solo elemento: el niño Saroo, interpretado por Sunny Pawar, quien en esta trama representa el 50% de su esencia narrativa. Y lo logró muy bien (aún no puedo ver el rostro de ese niño sin tener ganas de llorar). A través de su inocencia y melancolía, le muestra al espectador la cruda realidad de la situación en India; los niños abandonados a su suerte, la pedofilia en cada rincón, la pobreza inacabable y las tradiciones más antiguas que un pueblo mantiene a pesar de las precariedades son algunos de los aspectos que este pequeño nos cuenta sin siquiera decir una palabra. Como su primer papel en una película, debo reconocer que tiene mucho talento y que si le saca provecho como su compañero de reparto, Dev Patel (que comenzó a una edad similar), llegará aún más lejos.

Por otro lado, está el resto del elenco que, sin duda, complementa a la perfección esta historia; al igual que el equipo de producción (específicamente maquillaje y vestuario), que se encargaron de llevar a detalle la reencarnación de los personajes de la vida real que cada uno representa.

No es que la película sea perfecta: tiene sus momentos débiles, pero cada uno de ellos son fundamentales para entender en su totalidad la trama. Al ser una historia basada en hechos reales, sabemos el final (otra "desventaja" para esta historia), pero eso no le quita la atmósfera de sentimientos que nos provocará en cada momento, cuando la musicalización y la fotografía produzcan una sinfonía tan perfecta que les pondrá la piel de gallina, ya sea por sus tomas a detalle o incluso por ese momento tan esperado que desde el principio de la historia anhelamos ver.

En memoria de Guddu, hermano mayor de Saroo, quien murió arrollado por un tren mientras lo buscaba, un día después de que su hermano se extraviara.