Crítica Cinéfila: Jumanji, the next level

En esta ocasión, los 'jugadores' vuelven al juego, pero sus personajes se han intercambiado entre sí, lo que ofrece un curioso plantel: los mismos héroes con distinta apariencia. Pero, ¿dónde está el resto de la gente? Los participantes sólo tienen una opción: jugar una vez más a esta peligrosa partida para descubrir qué es realmente lo que está sucediendo. 

La película de 2017 Jumanji: Welcome to the Jungle terminó definitivamente para una extensión de marca. Un cuarteto de héroes adolescentes, después de haber sobrevivido a la experiencia de ser absorbidos por la versión de videojuego del misterioso y malévolo Jumanji, lanzan una bola de boliche sobre el cartucho del juego de la era de los 90 con la esperanza de asegurarse de que nunca más les moleste. Pero Welcome to the Jungle fue un éxito inesperado, recaudando casi mil millones de dólares en todo el mundo. Por supuesto, Sony ha traído de vuelta al mundo de Jumanji para una película de seguimiento, Jumanji:  The Next Level. Sin embargo, lo que se sintió sorprendentemente encantador hace dos años ahora se siente mucho más desesperado.

Tres de los cuatro adolescentes de la experiencia Jumanji se sienten bastante cómodos en sus vidas. Fridge (Ser'Darius Blain) persigue el fútbol, ​​Bethany (Madison Iseman) realiza obras de caridad en todo el mundo, y Martha (Morgan Turner) se ha vuelto más extrovertida en su vida universitaria. Pero el pobre Spencer (Alex Wolff) todavía se siente muy incómodo en la Universidad de Nueva York, hasta el punto de que sabemos que mantuvo las partes rotas de Jumanji en su hogar de infancia. Al regresar a casa para las vacaciones, Spencer lo vuelve a armar, y cuando desaparece, sus amigos intentan volver a ingresar al juego para salvarlo. Solo Martha y Fridge regresan a Jumanji, con dos visitantes inesperados: el abuelo malhumorado de Spencer, Eddie (Danny DeVito), y un viejo enemigo del abuelo, Milo (Danny Glover). 

Como probablemente pueda notar, dado que la mecánica de la trama anterior ni siquiera explica por qué estos adolescentes han sido traídos de regreso a Jumanji o la amenaza vagamente definida que tienen que anular, hay muchas cosas sucediendo en The Next Level. Desafortunadamente, el subproducto de toda esta historia enrevesada no tiene ningún sentido. Incluso una premisa ridícula como esta necesita tener alguna lógica interna, como por ejemplo, crear un giro en el que dos personajes puedan ingresar a un charco de agua inexplicablemente encantado para cambiar de cuerpo. La única razón insondable para este giro es que el guión se había quedado sin buenas ideas. Los escritores acreditados de la película, el director Jake Kasdan, así como Scott Rosenberg y Jeff Pinkner, parecen haber arrojado un puñado de ideas como esta a la pared y esperaban que bastaran.

Hay que reconocer que hay dos ideas legítimamente buenas en The Next Level que hacen que la mayoría de los primeros 75 minutos de la película sean divertidos. Es tan simple como esto: ¿qué pasa si Dwayne Johnson tenía que actuar como Danny DeVito, y qué si Kevin Hart tenía que actuar como Danny Glover? Sí, estos son conceptos de una sola nota, pero Johnson y Hart se sumergen en sus roles reinventados con tanta alegría. Hart, en particular, es realmente hilarante como el locuaz, lento y desconcertado Milo. Ambos hombres tienen que interpretar personajes que se sienten completamente perdidos: cuando los cuatro habitantes del mundo real aterrizan en Jumanji, los siguientes 10 minutos se dedican a explicar la premisa de la película a DeVito-aka-Johnson y Glover-aka-Hart, pero de una manera sorprendentemente divertida.

Las sorpresas van en ambos sentidos, por supuesto. Bienvenido a la jungla fue, como se mencionó, un gran éxito. Del mismo modo, tiene sentido comercial lógico para Sony agregar una secuela de la película, y parece lógico que el presupuesto para esta película aumente en conjunto.

Aunque el siguiente nivel tiene un grupo de secuencias de acción, que incluye una persecución con avestruces viciosas y una carrera loca a través de puentes de madera móviles mientras los protagonistas están acosados ​​por mandriles sedientos de sangre, no tiene el presupuesto CGI para igualar. La caza del avestruz, en particular, es una escena deslumbrante para la vista. Los efectos recuerdan a los de otro vehículo de Dwayne Johnson: su primer papel protagónico en The Scorpion King. Esa película tenía un CGI terrible debido a un bajo presupuesto y porque la tecnología CGI solo había avanzado a principios de la década de 2000. Es difícil descubrir cuál es la excusa de esta película.

Jumanji: The Next Level fue inevitable tan pronto como quedó claro que Welcome to the Jungle serviría como una sólida competencia de temporada de vacaciones en la taquilla. Sin embargo, el problema es que la inevitabilidad de esta película no generó inspiración creativa para sus cineastas. Los actores principales son indudablemente un juego, Dwayne Johnson y Kevin Hart son muy divertidos cuando llegan a hablar de personalidades tan diferentes, y debido a que hay tantas ideas descartadas, la película rara vez es aburrida. Pero The Next Level está complicada en sus intentos de hacer que sus personajes del mundo real y sus elecciones sean remotamente convincentes. Si hay una tercera película, deberían por lo menos hacer un mayor intento en la historia, para comenzar.

Crítica Cinéfila: The King

Después de su coronación, Henry V tendrá que aprender a lidiar con las intrigas palaciegas, una guerra y los lazos que le unen a su antigua vida, como la relación con su mejor amigo y mentor, el caballero John Falstaff (Joel Edgerton).

Las obras de Henry se han adaptado a la pantalla anteriormente, incluyendo el deslumbrante Chimes at Midnight de Welles y la apropiación liberal de Gus Van Sant para My Own Private Idaho. 

En este caso, y dirigido por David Michôd, The King es una mezcla de barro y sangre que se basa en los años reales de Henry, V. Basado en tres novelas de Shakespeare, es un intento erróneo de relevancia, también abandona la poesía y la prosa del escritor para el viaje de un héroe genérico, uno que se apoya fuertemente en la carisma de Timothée Chalamet cuando el príncipe disoluto se convierte en rey guerrero.

The King establece la historia que a principio se desarrolla en pistas paralelas para eventualmente converger en la corte real. Allí, el rey Henry IV (Ben Mendelsohn) gobierna sobre el séquito habitual de los cortesanos que se dedican a las batallas mientras lidi con una guerra interminable. A este nivel, el rey expresa su descontento hacia el joven Henry (Timothée Chalamet), también conocido como Hal, mientras que el héroe beligerante convertido en rebelde, Hotspur (Tom Glynn-Carney), juzga las malas decisiones del reino con relación a las constantes batallas que se tienen con los países cercanos a Inglaterra. Mientras tanto, Hal y Falstaff (Joel Edgerton) se divierten en medio de una serie de imágenes turbias, hasta llegar las noticias de que se ha convertido en el nuevo rey.

Cada época tiene sus propias películas de Shakespeare, que invariablemente sostienen un espejo ante la audiencia. En la película de 1944 de Laurence Olivier de "Henry V", el discurso del Día de San Crispín está dirigido a un país que lucha contra Hitler. Décadas más tarde, durante la Guerra de Vietnam, Welles convirtió las obras de Henry en "Carillones a medianoche", convirtiendo a Falstaff en el punto de apoyo de la historia y despojando la batalla de Henry contra los franceses en Agincourt en una lucha desgarradora y heroica. Por su parte, "The King" se centra en Hal-Henry, convirtiendo su evolución en un viaje predecible hacia la autoconciencia, con miradas melancólicas y nobles intenciones. Y mientras este Henry habla de paz, los cineastas hablan más fuerte al convertir a Agincourt en su mejor espectáculo.

The King no es el prefacio de la batalla con un discurso potente. En cambio, Michôd y Edgerton, que comparten el crédito del guión, le brindan a Henry una charla de gran juego que Chalamet ofrece al máximo volumen mientras camina entre sus hombres, avivando incendios nacionalistas pidiéndoles que maten y piensen en Inglaterra. La lucha está bien organizada y, al menos, en su énfasis en el costo humano de la guerra, la miseria jadeante y estruendosa de los hombres con armadura que mueren agarrados entre sí, tiene una deuda más fuerte con Welles que con la visión antiséptica y políticamente conveniente de Olivier.

Chalamet es atractivo (corte de pelo o no), pero también es superado rutinariamente por un elenco que incluye al confiable Sean Harris como uno de los asesores de Henry. Esto no es culpa de Chalamet, sino un problema más profundo de intención. De un lado más ridículo está Robert Pattinson como el Delfín (formalmente llamado Luis), con un acento que más bien provoca risas y no preocupación. Es quizás uno de los elementos más débiles, sin olvidar algunas discordancias de su presencia en la guerra, que no hacen sentido con los verdaderos actos, sino que con lo que Shakespeare escribió aquella vez en sus libros. Y de ahí surge una interrogante: ¿qué quería lograr el director con esta película? ¿La obra de Shakespeare o los relatos de este momento histórico?

Michôd tiene un don para la violencia en la pantalla y generalmente es bueno con los actores, pero una y otra vez su atención se desvía de Hal-Henry a los bordes de la historia, donde los actores secundarios mordisquean las esquinas. Lo que Michôd nunca logra aclarar es qué debemos hacer con el nacionalismo de esta versión, su glorificación de la guerra, su ambivalencia hacia el poder corruptor y su intento selectivo y su ignorancia hacia el discurso Shakespeariano.

Crítica Cinéfila: Aladdin

Aladdin es un adorable pero desafortunado ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán, la princesa Jasmine. Para intentar conquistarla, acepta el desafío de Jafar, que consiste en entrar a una cueva en mitad del desierto para dar con una lámpara mágica que le concederá todos sus deseos. Allí es donde Aladdín conocerá al Genio, dando inicio a una aventura como nunca antes había imaginado.

Hace 27 años se estrenaba la película Aladdín, otra gran producción de Disney, que cuenta la historia de un huérfano que se la pasa robándole a la gente para poder sobrevivir en las calles de Agrabah; sin embargo, aunque la historia era sobre personajes del medio Oriente, quienes le dieron vida a las voces fueron estadounidenses blancos que quizás desconocen en su totalidad esa zona del mundo. Esto no le quita mérito al valor actoral de cada uno de ellos, sobretodo de Robin Williams quien le da vida al Genio, pero en esta época de remakes y diversificación de contenido, Disney ha decidido enfocar la historia con actores y etnias que se acerquen más a la realidad de esta película.

La trama inicia con un navegante contándole a sus hijos la historia de Aladdin (Mena Massoud), a quien se le ve en las calles de Agrabah robando prendas y diamantes de los compradores. Después de su gran escape de que los guardias del palacio lo agarrasen, se encuentra con una joven quien le da un pedazo de pan a dos pobes niños sin pagar por la harina. Aladdin llega a su rescate y la salva, creyendo que es una simple sirvienta del palacio por sus joyas y su vestimenta, cuando en realidad es la princesa Jasmine (Naomi Scott). 

Aladdin queda hipnotizado con la joven y decide ir al Palacio para regresarle el brazalete que ella perdió en la ciudad, solo para ser atradado por Jafar (Marwan Kenzari) quien desde hace un tiempo se ha dedicado a utilizar los mismos prisioneros del Palacio como cebo para llevarlos a una cueva, de donde deben de traerle un tesoro que le ayudará a dejar a un lado su oficio como asesor de confianza del sultán y finalmente tomar el control del reino. El enlista a la fuerza a Aladdin para que entre en la cueva mágica y obtenga una lámpara que contenga un Genio con el poder de conceder tres deseos. En el curso de la misión, Aladdin queda atrapado dentro de la cueva, donde frota la lámpara y libera al Genio (Will Smith, en forma de CGI azul brillante), quien cumple el deseo de Aladdin de convertirse en un príncipe para que pueda ser digno de casarse con Jasmine y, bueno, ya saben el resto.

A pesar de haber dirigido algunos entretenimientos relativamente familiares como las películas Sherlock Holmes y King Arthur, Ritchie no parece una opción obvia para este material. De hecho, el director responsable de películas como Snatch and Lock, Stock and Two Smoking Barrels ofrece un trasfondo de maldad aquí que se siente fuera de lugar. Se puede decir que su corazón está más en las elaboradas secuencias de persecución y pirotecnia que en los números musicales, que, como suele ocurrir en la actualidad, están tan frenéticamente reunidos que parecen haber sido editados en un Cuisinart.

No obstante, John August, quien sirve de guionista en este nuevo remake, toma la estructura original de Aladdin y le da un nuevo enfoque. Este escritor, quien ya se había involucrado en proyectos como Charlie's Angels, la reciente Charlie and the Chocolate Factory y la primera película de Iron Man, es el tipo de guionista a quien se le podría confiar una historia como esta, proveniente de una película original, libro o revista comic. Y así como lo ha hecho en otras ocasiones, involucró aún más algunos personajes. Mientras que en la original, la película gira en torno a Aladdin y Jafar, en esta ocasión la historia le da mayor voz a Jasmine y el genio. Ambos personajes tienen una línea narrativa más completa, con debilidades, metas a alcanzar e incluso conflictos internos que definen cuál será  su resolución en la película. Aquí la princesa Jasmine anhela convertirse en Sultán en vez de casarse con uno de los tantos príncipes que vienen a pedir su mano, mientras que el Genio anhela ser libre y vivir su vida como un simple mortal.

Sin embargo, el hecho de que estos personajes obtengan mayor protagonismo, le quita importancia a otros dos de la historia: Jafar, quien en esta película no es tan temible y serio como en la versión original (incluso me atrevo a decir que es uno de los antagonistas más flojos que he visto este año); y Aladdin. Siendoles honesta, si él no hubiese estado en la película, esta seguiría fluyendo exitosamente. Abu hubiese sido un mejor protagonista.

El caso de Aladdin es muy particular, debido a que el personaje inicia siguiendo la estructura narrativa del "Viaje del Héroe", donde sigue instrucciones porque lo obligan y está renuente a ellas, pero después se motiva porque esto le ayudará a conseguir algo; pero su personaje pierde valor e interés cuando las líneas narrativas de Jasmine y el genio adquieren mayor importancia.

Pero, obviando esto, Masud, que posee la exigente flexibilidad física y una sonrisa dentuda, y Scott, que canta maravillosamente, muestran una química y un encanto que hacen que la historia central de amor sea totalmente atractiva. Smith, enfrentado a la tarea imposible de estar a la altura de la interpretación de voz icónica de Robin Williams, hace que el papel sea suyo, y su personalidad contagiosa brilla por todas partes, e incluso logra infundir en su conmovedor genio martini momentos emocionales conmovedores. Sin embargo, a diferencia de la versión animada en la película original, el personaje renderizado por CGI aquí es tan distraídamente musculoso y aficionado que te preguntas cómo fue capaz de ir al gimnasio tan a menudo mientras estaba atrapado en una lámpara.

Las canciones clásicas ("Un mundo completamente nuevo", "Amigo como yo", etc.) están todas aquí, aunque en forma ligeramente alterada. Algunas letras se han cambiado y los arreglos se modernizan con la influencia ocasional del hip-hop. También hay un número completamente nuevo, "Speechless", con música de Alan Menken y letras de Benj Pasek y Justin Paul, que se siente demasiado calculado pero probablemente necesario como un himno feminista para un personaje al que en algún momento se le dice: "Es mejor que te vean y no se te escuche". El showstopping "Prince Ali" recibe el tratamiento más elaborado, con un número de producción lujoso que derrama en el espectáculo pero que nunca se quema realmente. Irónicamente, solo en la repetición musical durante los créditos finales se transmite en la pantalla un verdadero sentido de alegría, complementado por una escenografía que hace honor a los colores exhorbitantes que la versión original siempre se enfocó en plasmar.

Ritchie mantiene la película en movimiento a un ritmo adecuadamente rápido, pero todo se siente obvio y telegrafiado, incluyendo las reacciones de Abu que se ven obligatorias y diseñadas para las risas baratas. Una secuencia en la que el Genio salva a Aladdin de ahogarse se presenta de manera tan realista que puede resultar molesto para los miembros de la audiencia más joven y parece un poco fuera de lugar en medio de la alfombra mágica y otros interludios fantásticos. El enfrentamiento climático entre los héroes y los villanos también se siente exagerado, más apropiado para una película de Marvel que un entretenimiento de Disney alegre. Por supuesto, ninguno de estos factores evitará que la película gane mucho dinero, pues al final del día es lo suficientemente entretenida.

Crítica Cinéfila: John Wick, Chapter 3

John Wick (Keanu Reeves) regresa a la acción, solo que esta vez con una recompensa de 14 millones de dólares sobre su cabeza y con un ejército de mercenarios intentando darle caza. Tras asesinar a uno de los miembros del gremio de asesinos al que pertenecía, Wick es expulsado de la organización, pasando a convertirse en el centro de atención de multitud de asesinos a sueldo que esperan detrás de cada esquina para tratar de deshacerse de él.

Hace una semana decidí ver las primeras dos películas de John Wick, las cuales nunca había visto. Antes de verlas, me preguntaba por qué nunca me interesé en verlas si siempre he pensado que Keanu Reeves es el actor perfecto para las películas de acción, sobretodo por el contraste que hay entre lo que está pasando alrededor y su gestualidad despistada que crea ironía tras la audiencia es testigo de sus buenos trucos de Kungfu. Pero después de ver las tres películas una detrás de otra, puedo explicar en pocas palabras qué fue lo que nunca nada verdaderamente me llamó: el exceso de violencia y muertes que había en una simple escena de acción. Y no me malinterpreten, seguro es la trama perfecta para los verdaderos amantes de este tipo de películas.

La película inicia en el preciso momento donde John Wick quedó: con apenas una hora para que fuese oficialmente excomunicado y convirtiéndose en el objetivo de muchos otros asesinos alrededor del mundo, con la idea de que quien asesine a Wick recibirá una recompensa de 14 millones de dólares. Sin embargo, no importa el estilo o las armas que los acompañen, John Wick es la peor pesadilla del Boogeyman, definitivamente un desafio de vida o muerte para cualquier otro que crea tener la suficiente capacidad de acabar con John Wick. Y así como en otras ocasiones, la historia demuestra secuencias de batalla, de todos contra la cabeza de John.

Al verse en una situación que, según él, le costará la vida, John decide regresar al hogar donde lo entrenaron para convertirse en quién hoy es, donde finalmente se reencontrará con la matriarca (Anjelica Huston) a quién le pide que le otorgue su último ticket de ida, pidiendo ser transportado a Casablanca. Mientras tanto, una árbitra del High Table (Asia Kate Dillon) se presenta en Nueva York, visitando a aquellos que ayudaron a John Wick, advirtiéndoles que ellos también correrán las consecuencias, al mismo tiempo que recluta a Zero (Mark Dacascos) y sus seguidores, para castigar a los colaboradores del escape de John Wick. 

Esta tercera película recoge toda la violencia que ya se había visto, y la triplica al punto de que a la misma audiencia le duelan los golpes, cuchilladas y hasta balazos. Con un total de 8 importantes secuencias de pelea, se podría hacer un aproximado de más de 170 personas que fueron asesinadas por John Wick a lo largo de la historia. Entre cuchillos, disparos, perros desgarrando miembros y caballos descontrolados, aquí se muestra otro nivel de creatividad para las famosas muertes que John Wick deja en su camino. Finalmente superó la historia del lapiz con la enciclopedia antigua que mató a su primera víctima. Pero esto es lo que verdaderamente hace especial a la trama. No se trata ya de que tan rápido saldrá de la situación, sino que tan creativas serán las muertes. 

Y al parecer, los guionistas involucrados en el proyecto quisieron concentrarse en estos, decidiendo mantener la misma estructura narrativa que ya se ha visto desde hace mucho tiempo: John está en peligro, va por ayuda, pelea contra un grupo, regresa al Continental y se toma una copa con uno de sus propios enemigos, tiene toda una escena preparando su armamento, pelea final en la que su vida corre peligro y no se sabe si logrará salir con vida... y lo peor no es que incluyan cada una de las mismas escenas en todas las películas de esta franquicia, sino que hasta el orden parezca el mismo, dando una visión bien predecible de cómo terminará la historia. Quizás el climax puede ser inesperado, pero eso no le quita que las primeras dos horas de la historia estaban marcadas con sus antecesoras.

Algunos aspectos impresionantes fueron la inclusión de una asesina femenina, con Halle Berry interpretando a Sophia, quien le debía un favor a John Wick y decide pagarlo ayudándole a conseguir el camino hacia los ancianos del High Table que podrían perdonarle la vida a Wick. Berry se acompaña de dos canibales que no solo la hacen lucir sino que se comportan en un arma casi imposible de olvidar, quienes estaban muy entrenados para reconocer cual es el punto débil para matar a alguien. Así también se presta aún más atención al personaje de Winston y Charon, quienes no solo se unen a John Wick para ir en contra del High Table, sino también demuestran sus capacidades para negociar sus propias vidas y demostrar que son más que dos supervisores de un hotel para asesinos.

Es importante destacar una vez más la preparación física y dedicación de Keanu Reeves en el papel de John Wick. Sin embargo, y a pesar de que la película lleva su nombre, es imposible no darse cuenta cómo la importancia del personaje pierde valor a partir de un punto de la historia. Ya no se trata de que John Wick está tratando de evitar de que maten a Winston y así mismo, sino que se comporta como un personaje secundario, donde ya no tiene un objetivo en específico ni está tratando de resolver el conflicto, sino que simplemente está peleando hasta que las balas y los cuchillos se agoten. Y quizás haya sido a propósito, con la visión de otorgar una cuarta entrega donde el personaje se vengará de lo que no pudo evitar en esta película, pero la manera en que toman esta decisión hacen que el personaje pierda valor narrativo y creativo, algo que había logrado mantener en sus anteriores entregas.

John Wick: Chapter 3 es una película interesante y agresiva, que vuelve a enseñar una temática conocida muy bien por los fanáticos, pero con el plan de darle una conclusión diferente a John Wick. Ya se supone que rompe con su interés de seguir las reglas, ya es tiempo que este asesino intocable pueda crear sus propias reglas y tumbar del trono a quienes creyeron que podían acabar con él. Si él puede matar a alguien con un libro, todo es posible en esta vida.

Crítica Cinéfila: Pokémon Detective Pikachu

Cuando el gran detective privado Harry Goodman desaparece misteriosamente; Tim, su hijo de 21 años, debe averiguar qué sucedió. En la investigación lo ayuda el antiguo compañero Pokémon de Harry, el Detective Pikachu: un super detective adorable y ocurrente que se asombra incluso a sí mismo.

Mi generación creció con una de mejores franquicias creadas: los pokémon, criaturas ficticias que, dependiendo de la especie o el tipo, pueden tener rasgos físicos parecidos a animales, plantas, rocas, fantasmas, o incluso humanos; poseen poderes fantásticos que pueden utilizar para atacar, defenderse o cumplir sus necesidades. Yo crecí siguiendo la serie, viendo la película animada, jugando el videojuego y coleccionando las cartas de ataque, una completa geek. Por eso, cuando anunciaron Detective Pikachu, mi reacción fue similar a cuando anunciaban un nuevo episodio de la serie: me emocioné con mucha honestidad. Pero mi emoción segó los indicios de que la película no sería tan maravillosa.

Detective Pikachu inicia con un accidente. Alguien ha sido atacado por Mewtwo, uno de los pokémones más poderosos, y el único creado por manipulación genética. La historia transiciona a enfocarse en Tim, un joven que nunca ha podido conectar con pokémones, a pesar de que cuando era niño soñaba con ser parte de los campeonatos. Pero la llamada sobre la muerte de su padre hace que Tim vaya a Ryme City, una metrópolis poblada entre los lazos de humanos y Pokémon por igual. Allí conoce a Pikachu, quién alguna vez perteneció a su padre, Harry Goodman, y puede comunicarse con Tim, a pesar de que los demás no entienden lo que dice el Pokemon. Pikachu insiste que Harry sigue vivo y deben encontrarlo. Pero para esto, deberán convertirse en detectives y rastrear los últimos pasos de Goodman antes de que fuese atacado.

Uno de los aspectos más interesantes de la franquicia de Pokemon es que educan a la audiencia sobre la conexión que existe entre un humano y un pokemon, quienes se pueden comunicar de manera particular mientras que los demás no entienden lo que estos dicen. En Detective Pikachu, la audiencia es testigo de cómo es posible esta comunicación. La forma en que Pikachu y Tim se comunican parecería como si dos humanos estuviesen hablando; sin embargo, queda la interrogante de que este pokemon ya está asociado a una persona por lo que resulta extraño que pueda entenderse con Tim (ya después se revela por qué Tim lo podía entender). 

Pero no es solo la comunicación entre Tim y Pikachu lo que ayuda a que su línea de la historia funcione; en realidad, la honesta química entre los personajes es lo que logra un mejor entendimiento de su relación y los diferentes obstáculos que pasarán entre ellos. Esto no ocurre con el resto de los personajes, quienes entre relaciones forzadas o vacías, parecen no aportar mucho a la historia. Si elimináramos al resto de los humanos, y solo dejáramos a los pokemon, Tim y Pikachu hubiesen resuelto el caso perfectamente. Del mismo modo, los personajes secundarios se sienten sobreactuados, con exageraciones inesperadas por querer demostrar la personalidad de cada uno.

La culpa la tiene el guión, que se enfocó en la desaparición de Harry, y se olvidó de las subtramas. Tim no habla de por qué no se convirtió en entrenador pokémon o por qué nunca trató de conectar con uno; Lucy nunca explica cómo comenzó su propia investigación; ya se sabía quien era el antagonista, a pesar de sus muchos intentos de enfocarse en otra persona. Y así mismo, algunas secuencias se sentían apresuradas de manera innecesaria, los chistes no funcionaban, y las resoluciones son poco creíbles, y no le dan tiempo a la audiencia a digerir lo que acaba de pasar en el climax.

Pero hay un aspecto que verdaderamente no ayudó a la película: los efectos CGI. Aunque los pokémon se veían increíbles cuando estaban en pantalla de manera individual, cuando iban en manadas y hasta en dúos, era muy claro el uso de efectos especiales. La computación no ayudaba para nada y a pesar de lo bien diseñados que se veían cada una de las criaturas, era muy claro que solo fue un efecto de postproducción. El único que se ve increíblemente real es Pikachu, de quién seguramente muchas personas se enamorarán durante toda la película. 

Entre las nuevas habilidades que le han dado a Mewtwo, las "drogas" para que los pokémones puedan activar sus poderes rápidamente y la increíble ciudad Ryme donde los pokémones y humanos coexisten, Detective Pikachu es una historia estrictamente dirigida para los fanáticos de la saga. Es muy específica con lo que cuenta, no dan explicaciones del origen de los pokémones ni se molestan en explicar la diferencia entre uno y otro: lo dejan todo al entendimiento de la audiencia. La única gran sorpresa es Ryan Reynolds, quien aparece en la última escena para aclarar una de las principales dudas que genera la historia.

Detective Pikachu no es terrible, pero tampoco es una película aplaudible. Entretiene pero no tiene un valor narrativo como lo tenía la serie animada e incluso el video juego. Es simplemente otro elemento comercial para seguir expandiendo la franquicia.

Crítica Cinéfila: Missing Link

Sir Lionel Frost se considera a sí mismo el mayor investigador de mitos, monstruos y leyendas. Estos calificativos han sido cuestionados por su círculo más cercano, lo que le anima a comenzar una investigación por el noroeste americano en busca del Eslabón Perdido, una misteriosa criatura mitad humano, mitad bestia.

Aunque la mayoría son unos arrogantes, Sir Lionel Frost no encaja en el molde de otros héroes de aventuras clásicas, ya sea animado o no. En "Missing Link", el cazador de monstruos de mayor peso (Hugh Jackman) hace una cosa notable al descubrir un Sasquatch raro en el desagradable Pacífico Noroeste de Estados Unidos: escucha.

Compare la historia de Lionel Frost con Indiana Jones y los demás antropólogos que el cine nos ha brindado, que destruyen alegremente sitios antiguos en su búsqueda del tesoro, y se darán cuenta de lo inusual que es la reacción de Sir Lionel. Aunque se propuso probar la existencia de este primitivo hombre mono, al tropezar con el Sasquatch en la naturaleza, en lugar de arrastrar a la criatura de vuelta a la civilización como una especie de trofeo, a la "King Kong", se detiene para preguntar al bestia (Zach Galifianakis) lo que quiere, y ajusta sus planes en consecuencia.

Ahora, la mayoría de las audiencias pueden que ni siquiera registren este matiz, que es solo una de las múltiples formas en que el escritor y director Chris Butler extrae una narrativa más progresista de este género tan retrógrado. Sin embargo, como prueba de que los humanos pueden evolucionar, "Missing Link" es un caso excelente. Y eso ni siquiera cuenta la tecnología de vanguardia necesaria para obtener una hazaña tan hiper-detallada y visualmente deslumbrante como esta.

"Missing Link" marca la quinta película de Laika, el meticuloso estudio de animación stop-motion responsable de "Coraline" y "Kubo and the Two Strings", aunque el tono de esta es muy diferente de las cuatro canteriores, todas Dibujos animados oscuros, relativamente intensos que pueden causarle pesadillas a los niños pequeños: que los fanáticos adultos de la compañía puedan rechazarlos al principio. Tarde o temprano, Laika estaba obligada a diversificarse, lo que hace que esta película más colorida y divertida sea el vínculo que anteriormente faltaba entre el pasado de estilo gótico de la compañía y lo que venga después.

Desde la escena inicial, Sir Lionel Frost hace que la caza de monstruos parezca fácil. Ha arrastrado a su asistente a Loch Ness, donde le cuesta poco atraer la extraña leyenda a la superficie, donde procede a fotografiarla, la prueba que necesita para ganarse el respeto de sus compañeros en el Optimates Club de Londres, aunque, extrañamente, el hecho de que sea un "señor" sugiere que ya ha sido validado por personas más importantes que esta sociedad presumida de exploradores y "grandes hombres".

Desafortunadamente para Sir Lionel, Nessie destruye la evidencia en una escena que está concebida y filmada tan dinámicamente como cualquier otra cosa que Laika haya hecho antes, una prueba temprana de que Butler está presionando al medio. El resto de la película lo confirmará, ya que "Missing Link" no solo expande la geografía de las películas anteriores de Laika, sino que amplía el repertorio de cómo la cámara navega por estos espacios (el mejor ejemplo es un disparo desglosado en los créditos finales, en la cámara gira en torno a un portero de elefante, mientras que las extensiones de conjuntos digitales le dan a la selva circundante una sensación de profundidad).

Al ver "Missing Link", las audiencias ya no pueden decir dónde terminan los títeres prácticos y los efectos de computadora. Eso puede sonar como un cumplido, aunque el extraño enfoque híbrido sirve para ocultar el aspecto de la película hecho a mano. La verdad es que mucho más de lo que parece de "Missing Link" fue creado en el mundo real, a pesar de que la atención de la audiencia probablemente se fijará en la trama y los personajes, como debería ser.

Todos los humanos cuentan con una apariencia memorable y visualmente humorística, con una piel de color zapote y largas narices rojizas, que emiten un brillo rosado cuando son iluminadas por el sol. De hecho, se ha prestado tanta atención al diseño, el rendimiento y las expresiones faciales divertidamente asimétricas de estos personajes que el guión se siente anémico en comparación. En ese departamento, la película parece un poco familiar, apoyada demasiado en el juego de palabras tonto y en un flujo constante de bromas, como si fuera una compensación excesiva por una cierta falta de entusiasmo.

Una vez que Sir Lionel encuentra su Sasquatch, se ve obligado a lidiar con el hecho de que su rival de Optimates Club, Lord Piggot-Dunceby (Stephen Fry), se alistó en una varmint del estilo Yosemite llamado Willard Stenk (Timothy Olyphant) para frustrar su búsqueda, incluso como esa búsqueda pasa a estar cambiando de forma. Cuando Sir Lionel se detiene para preguntarle al Sr. Link lo que quiere, la criatura propone una aventura completamente nueva: desea que lo lleven por todo el mundo, a Shangri-La, donde sus primos de clima frío - una tribu perdida de blancos como la nieve- mejor conocidos como yetis, han construido una sociedad muy alejada de la amenaza de la humanidad.

Sir Lionel acepta la misión, y le atribuye al Sr. Link una especie de ayuda de cámara glorificada, y juntos se ponen en marcha, como los compañeros de viaje más conspicuos del mundo. Pero el éxito depende del robo de un mapa de la mujer que alguna vez estuvo casada con el fallecido compañero de aventuras de Sir Lionel, Adelina Fortnight (Zoe Saldana). Al igual que con el Sasquatch, Sir Lionel rechaza el fanatismo de sus compañeros y da la bienvenida a Adelina para la caminata.

Aquí, uno puede esperar que la película sirva para una serie de desafíos de películas de aventuras clásicas, pero en lugar de eso, sigue un libro de jugadas más vaudeviliano, escupiendo risas de disfraces divertidos y elaborados gags de comedia física. La torpeza del Sr. Link casi nunca es divertida, por desgracia, aunque su uso literal del idioma inglés puede ser bastante encantador. Cuando el trío finalmente llega a Shangri-La (donde Emma Thompson interpreta al líder matriarcal de los yetis, "el Viejo"), solo entonces "Missing Link" desvela una serie de rompecabezas para que los personajes los resuelvan, construyéndose de forma bastante literal.

En este punto de la evolución de Laika, el estudio ha alcanzado un punto en el que cada fotograma es una obra de arte, que es más de lo que se puede decir para la mayoría de las funciones animadas por computadora. Y, sin embargo, aunque "Missing Link" sin duda avanza en la estética y las posibilidades de historia para la empresa, tiene un precio. La ilusión se ha vuelto tan sofisticada, que damos por sentado el oficio.

Esta puede ser la razón por la que los animadores de Aardman no hacen todo lo posible para eliminar todas las huellas dactilares de su trabajo, o la razón por la que “Anomalisa” optó por no ocultar las costuras que el equipo de Laika pinta en el post: parte de lo que hace que las películas sean tan impresionantes es el hecho de que todavía están esculpidos, posados, iluminados y fotografiados a mano. Hablando en términos que Sir Lionel podría apreciar, las Grandes Pirámides de Egipto sorprenden no solo por su belleza y forma, sino también porque no podemos comprender cómo se hicieron. Aunque parezca poco intuitivo, en el futuro, Laika podría hacer un buen paso atrás.

Crítica Cinéfila: Dumbo

Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmerreír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad. 

La imagen clave de " Dumbo " de Walt Disney en 1941 es algo que se asemeja a un sueño de cuento de hadas: Dumbo, el bebé elefante con ojos saltones de largas pestañas, una sonrisa cariñosa y orejas tan largas y flojas como alas, batiendo esas orejas para volar alrededor de una gran parte superior del circo, volando sobre la multitud con una libertad tan conmovedora como inexplicable. . Es una de las imágenes más puras de las películas. "Dumbo" fue la cuarta película animada de Disney (después de "Blancanieves y los siete enanitos", "Pinocho" y "Fantasía"). 

Una de los aspectos más notables es que Dumbo, después de haber sido separado cruelmente de su madre (un giro primordial que anticipa a "Bambi"), no descubre su capacidad de volar hasta los últimos seis minutos de la película. Cuando lo hace se convierte en una criatura tan encantada en su anhelo y se escapa. En "Dumbo", la magia de la capacidad de Dumbo para volar llega a la audiencia como una ocurrencia celestial, una que nos lanza a lo sublime y nos deja allí.

Las secuencias de vuelo en "Dumbo" de Tim Burton, una nueva versión del clásico de Disney, tienen un toque de la misma calidad de maravilla. Dumbo, ahora creado con efectos animatrónicos y digitales, sigue siendo una criatura linda y solitaria con orejas de disquete increíblemente grandes que nos habla con sus suplicantes ojos para pararse en lo alto de una imponente plataforma circense; su miedo y humillación son palpables. Luego, después de ingerir una pluma en su trompa (el ritual supersticioso que le da la fe para volar), se lanza hacia abajo y toma alas, y por unos momentos siente que su corazón se eleva junto con el suyo.

Pero en el nuevo "Dumbo", los divertidos y felices vuelos de nuestro héroe no son la culminación emocional de la película; empiezan temprano y ocurren periódicamente, con un efecto gradualmente menor. Dumbo, cuyo nombre real es Baby Jumbo, nace en un circo Barnstorming administrado por Max Medici, un ladrón cariñoso que fue comprado por Vandevere. El año es 1919, y su "circo" es realmente el primer parque temático del mundo, un lugar llamado Dreamland que está tan lleno de atracciones, exhibiciones y chicanery como una pequeña ciudad. Él no es un showman; es un explotador que mira a Dumbo y ve una mina de oro, y no entrega el regalo del elefante en toda su gloria agrietada, sino que exprime la maravilla a través de su empaque.

Y eso es lo que este remake demasiado ansioso y cómico pero en última instancia bastante triste, le hace a "Dumbo". Transforma una historia suave y milagrosa en una historia de rutina, pesándola con un montón de tuercas y tornillos que no necesita. El personaje de Dumbo sigue tocando, pero el relato de atrapamiento y rescate que lo rodea no lo es. Es arduo y olvidable, y aparte de ese elefante FX, la película no tiene un solo personaje que nos enganche emocionalmente.

"Dumbo" tiene el aspecto y la atmósfera de un éxito de taquilla "sincero" que se está esforzando demasiado. Lo que está tratando de hacer, por supuesto, es justificar su existencia como otra versión en vivo de una legendaria historieta de Disney. ¿Hay alguna razón para hacer un Dumbo de acción en vivo? Como narración, no, pero la razón detrás de todas estas películas se reduce a una novedad adictiva: ¿Cómo se verá un "Dumbo" de acción en vivo? Hay una gran curiosidad en esa pregunta, y también un factor de nostalgia, combinado con el hecho de que incluso las personas que nunca han visto la película original (en este caso, puede ser un segmento considerable de la audiencia) pueden sentir que conocen al personaje. En sus huesos, porque es parte de nuestra imaginación pop colectiva. Así que una película como "Dumbo" tiene esa receta antigua, pero modificada, de cantidad conocida, pero nueva, en la que gran parte de la economía de Hollywood se basa ahora.

Cuando observas lo que separa una buena película de Tim Burton de una que se suma en su portafolio más de lo que lo hace en la pantalla, hay un criterio elemental: una película de Burton que se gelifica casi siempre en torno a una personalidad lo suficientemente salvaje y lanuda como para ser irresistible. Es por eso que "Ed Wood" fue una obra maestra agrietada, por qué "Beetlejuice" y "Edward Scissorhands" siguen siendo delicias oscuras, por qué "Batman", impulsado por la bravura de palmas de Jack Nicholson, te dejó sorprendido mientras "Batman Returns", con su galería conceptual de pícaros, no, y por qué "Charlie y la fábrica de chocolate" era un remake delirante y "El planeta de los simios" era un fracaso.

 

En "Dumbo", Burton parece estar atrapado entre el entusiasmo de Colin Farrell como Holt Farrier, un jinete de caballos que regresa al Circo Medici Bros. de la Primera Guerra Mundial sin su brazo izquierdo y con un par de niños para cuidar después que su esposa murió de influenza durante la guerra, y la amplitud apenas simpática de Danny DeVito como Medici, un showman desaliñado que oscila entre dos modos: a todo volumen.

El desempeño de Keaton como el malvado Vandevere es decepcionantemente delgado: es un tipo malo sin capas. Y Eva Green como Colette, su amante del artista trapecio parisino, tiene toques de dinamismo y un aura simpática, pero eso es todo. Sorprendentemente, los artistas del circo de los Medici casi no tienen personalidad, simplemente los comparan con los de "The Greatest Showman", un concurso de tres anillos de una película que desborda el sentimiento de inadaptación de los heridos. Se podría decir que el problema reside en el guión de Ehren Kruger, pero el problema mayor es que Tim Burton está usando estos personajes para completar su historia. No hay sensación de obsesión en "Dumbo". Burton debería haberse sumergido mucho más profundamente en el masoquismo expresionista del mundo del circo que estaba allí en el Dumbo original. Pero eso fue en Disney cuando la compañía estaba abriendo caminos en el arte popular. Ahora está ardiendo las sinergias corporativas.

Burton usa la canción de cuna melancólica "Baby Mine" de la película original, y rinde homenaje a la secuencia más descolgada de "Dumbo": el "Pink Elephants On Parade", número musical surrealista, una especie de viaje de película en miniatura que puede verse reflejado en todo. Burton lo menciona realizando una fanfarria con gigantescas burbujas de jabón que se convierten en elefantes, un efecto agradable, pero la secuencia no se desarrolla ni lleva a ninguna parte. Es sólo un relleno de ojos dulces. Y mientras Dumbo sigue siendo un personaje conmovedor, quería que la reunión en la que está trabajando la película sea desgarradora. "Dumbo" no es una locura; no te deja sentir engañado, pero tampoco es emocionante. Ocupa un terreno intermedio cuidadosamente adaptado y poco imaginado donde incluso un elefante que vuela puede parecer, para el final, una figura de extravagante precaución.

Spider-Man: Into the Spider-Verse

En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales es el nuevo Spider-Man. Sin embargo, cuando el líder mafioso Wilson Fisk (aka Kingpin) construye el "Super Colisionador" trae a una versión alternativa de Peter Parker que tratará de enseñarle a Miles como ser un mejor Spider-Man. Pero no será el único Spider Man en entrar a este universo, 4 versiones alternas de Spidey aparecerán y buscarán regresar a su universo antes de que toda la realidad colapse.

Justo cuando pensaba que ya Marvel había superado la idea de estrenar nuevos "Spider-Mans", aparece una película con la idea de decirnos que no es suficiente. No importa si eres team Andrew, team Toby o team Tom, esta nueva película del superhéroe arácnido te hará valorar más los comics. De cualquier manera, el brillo de la nueva y animada película de Sony "Spider-Man: Into the Spider-Verse" se muestra en la capacidad del proyecto para reiniciar y expandir todo lo que ha llegado antes, creando un mundo inclusivo donde casi cualquier persona puede ser el superhéroe.

Para hablar de esta película, uno debe utilizar el lenguaje técnico: con una dirección a cargo de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, Spider-man into the Spider-Verse aplica el aspecto revista comic con detalles de impresión en cuatro colores a sus personajes animados en 3D. El efecto es fresco, como un arte callejero con textura intrincada en puntos de semitono y acentos dibujados a mano para categorizarlo como un cómic clásico que ha cobrado vida. Contra esta audaz estética visual, combinada con una vibrante puntuación de hip-hop, Phil Lord y Rodney Rothman dejan a un lado a Peter Parker y se enfocan en su sucesor: Miles Morales.

Hijo adolescente de un policía afroamericano y una enfermera puertorriqueña, el personaje de Miles Morales apareció por primera vez en 2011 como una forma de diversificar el universo Marvel. Mirando a la mosca en un traje Spidey negro y rojo modificado, Miles cuenta con todos los mismos poderes: súper fuerza, velocidad aumentada, sentidos intensos, tela arácnida y rastreo de la pared, además de algunas habilidades adicionales, incluido el "ataque del veneno" (la capacidad de sorprender a sus adversarios) e invisibilidad (mediante la cual puede camuflarse bajo presión). Pero a diferencia de la "pantera negra" más abiertamente politizada de este año, que trató a la identidad wakandana como una especie de súper empoderamiento, "Spider-Verse" considera que los antecedentes de Miles no son un problema. Una vez más, lo mejor es que cualquiera puede ser Spider-Man, y esa es una idea revolucionaria para una generación de niños ansiosos por identificarse con el superhéroe más popular de Marvel.

El genio de "Spider-Verse" no se detiene allí. Presentada en un divertido paquete cómico de la cultura pop, la película expande efectivamente el control de Sony sobre el personaje de Spider-Man para incluir un número potencialmente ilimitado de proyectos derivados, el primero de los cuales - una entrega centrada en la feminidad con todas las mujeres de El mundo de Spidey, ya ha sido anunciado, con innumerables permutaciones por venir. A partir de aquí, Sony puede dividir y cortar el llamado Spider-Verse (un concepto de cómics en el que Marvel intentó unir las muchas versiones diferentes del personaje de Spider-Man) para la diversión infinita de los espectadores y la remuneración infinita del estudio.

Cuando Miles sigue a su tío renegado Aaron por un túnel sombreado del metro, es picado por una extraña araña. Al día siguiente en la escuela, está lidiando con los mismos síntomas que tuvo Peter Parker después de su aracno-encuentro, haciendo que las cosas fueran incómodas con Gwen Stacy, la nueva niña en la escuela y la primera de varias Spideys de dimensión alternativa, que también incluyen a un viejo Peter Parker, un Spider-Man Noir, al estilo de anime Peni Parker y Spider-Ham.

Aventurándose de regreso al sitio de la mordedura, Miles espía al "real" Spider-man tratando de salvar al mundo de Kingpin quien está tratando de abrir las puertas a universos paralelos. Se queda el tiempo suficiente como para presenciar a su héroe de cómic, no solo enmascarado sino también asesinado, allanando el camino para que este tímido adolescente se ponga el traje de su héroe, que, convenientemente, está disponible por docena en una tienda de disfraces operada por un tipo que se parece mucho al difunto Stan Lee.

Aquí, los villanos son más o menos familiares, pero se ven muy diferentes de las representaciones que los fanáticos probablemente tengan en mente. Kingpin, un gran goliat calvo con un motivo personal para abrir un portal a otras dimensiones. Kathryn Hahn pone su propio giro loco en un tipo de científico loco con un alter ego inesperado. Prowler aparece como una silueta púrpura encapuchada con brillantes garras de metal, mientras que las interpretaciones turbo-cargadas de Tombstone y Scorpion completan la galería de los malvados.

Las películas de superhéroes tienden a sentirse abarrotadas cuando están llenas de demasiados villanos, aunque "Spider-Verse" esencialmente lo requiere, ya que la película tiene suficientes Spider-seres para formar su propio equipo de fútbol. Es perfectamente divertido observar a estos excéntricos héroes alternos bromeando entre ellos acerca de su origen, de dónde vienen y cómo llegaron allí. 

Todo esto es para decir que la escritura de la pantalla es más fuerte cuando proporciona detalles de personajes vivos, pero las marcas de ejecución siempre que se supone que esas personas maravillosamente desarrolladas luchan. A excepción de una persecución escénica de alta velocidad a través de las copas de los árboles fuera del laboratorio de Kingpin, que se ha trasladado desde el conjunto subterráneo anterior al estado de Nueva York, variando efectivamente la visión de Spidey pasando por los rascacielos que sirven como su hábitat natural, la acción tiende a sentirse torpe y sobre estilizado.

Puede parecer atrevido matar a Peter Parker, pero en un escenario en el que el continuo espacio-tiempo está en constante cambio (lo que provoca un efecto de "falla" salvaje que combina los muchos estilos de la película a la vez), se supone que todas las muertes son reversibles. Irónicamente, el sentido del humor posmoderno del guión es tan hábil con las fórmulas de cómics que uno no puede evitar sentirse decepcionado cuando la trama recurre posteriormente a los mismos clichés.

Por ejemplo, puede ser entretenido llamar "goober" al dispositivo USB que desactiva el supercolector de Kingpin, pero eso no borra el hecho de que la película opta por reciclar este dispositivo cansado. Y demasiadas veces, a mitad de la pelea, algo grande y pesado cae de la nada para golpear a estos malos en la cabeza. Al final, mientras que el ingenio de la película es su punto de venta más satisfactorio, "Spider-Verse" resulta demasiado inteligente por su propio bien. Pero en este universo, donde las audiencias sufren el fenómeno muy real de la sobrecarga de superhéroes, se debe alentar la ambición y la originalidad, especialmente cuando amplía la mitología para incluir a mujeres, personas de color, e incluso animales.

Bumblebee

Tratando de escapar, en el año 1987, Bumblebee encuentra refugio en un depósito de chatarra en una pequeña ciudad en la costa Californiana. Charlie (Hailee Steinfeld), a punto de cumplir 18 años y tratando de encontrar su lugar en el mundo, descubre a Bumblebee, dañado durante una batalla y descompuesto. Cuando Charlie lo revive, aprende rápidamente que éste no es un VolksWagen amarillo normal.

Cuando se discutió por primera vez la noción de un spin-off de Bumblebee, seguro que los fanáticos asumieron que sería más de lo mismo. Pero después del estreno del primer trailer, las expectativas cambiaron. La idea de una película sobre los Transformers en la década de los 80 que mostraba breves visiones de los diseños de la 1ra Generación y el conmovedor trabajo de los personajes, comenzó a generar la esperanza de que la película finalmente podría ser la que los fanáticos siempre han estado esperando.

Así que es un alivio increíble decir que Bumblebee supera todas las expectativas y ofrece una película fantástica y emocionante que se ubica como la mejor película de Transformers de live action hasta la fecha.

Bumblebee toma lugar 30 años antes de los eventos de la primera película de Transformers, cuando Bumblebee llega al planeta Tierra refugiándose de los Decepticons. Allí termina en la forma de un carro Beetle. Unos meses después, termina en el garage de Charlie una chica que vive desconectada de su familia debido a los nuevos integrantes, y que con el tiempo sufre el tormento de la pandilla habitual de niñas malas en la escuela, pero lo que agrega tanta conmoción es que está sufriendo todas estas cosas debido al fallecimiento de su padre. Cuando Charlie descubre la verdadera forma de Bumblebee, la amistad que forman entre ellos se ve en peligro cuando los Decepticons le siguen el rastro y llegan a la tierra con planes de una posible invasión extraterrestre.

Si creciste con Transformers, los primeros cinco minutos te harán querer saltar del asiento y saltar con alegría. El director Travis Knight esencialmente levanta las imágenes desde el inicio del piloto de dibujos animados para mostrar la guerra en Cybertron, y de inmediato elimina cualquier temor. Es una declaración que deja en claro el amor de Knight por la tradición, pero también que está poniendo su propio sello en la película desde un punto de vista visual y en la forma en que se dispara la acción.

Se acabaron los diseños borrosos e indiscriminados de Bay y, en cambio, tenemos los colores atrevidos y las caras reconocibles al instante de esos personajes tan queridos desde la infancia. Vemos que Soundwave y Shockwave lideran la carga de Decepticon como se ve en el tráiler, por lo que revelar más podría arruinar la sorpresa. Sin embargo, un momento destacado es poder ver a Optimus Prime en acción.

Los eventos pronto se desploman en la tierra, donde nos presentan los Burns de John Cena, cuyo ejercicio de entrenamiento se ve interrumpido bruscamente por un rumor robótico, dejándolo marcado de más maneras que uno. Agrega un poco más de profundidad al estereotipo militarista habitual y Cena (quien construyó una carrera de actuación con papeles de apoyo sólidos) interpreta bien los matices y la ira del personaje, generando simpatía en lugar de ser simplemente "el chico malo" a la raíz.

Sin embargo, el corazón de la película se centra en la relación entre Bumblebee y Charlie (Hailee Steinfeld), y es aquí donde sobresale la película. Poner la película en los años 80 le da más espacio para respirar en términos de la narrativa y el desarrollo del personaje. La acción tiene lugar en un suburbio de una ciudad pequeña, un escenario básico para algunas de las mejores películas de esa década, y la película tiene sus numerosas influencias con orgullo en la manga, siendo ET el más destacado.

Al igual que Travis Knight hizo con su hermoso trabajo de animación en Kubo And The Two Strings, aquí deconstruye y reconstruye la idea de familia y las relaciones con un poder desgarrador. El vínculo que Charlie forma con 'Bee' se vuelve tan fuerte que es casi imposible no derramar una lágrima (o varias), incluso por la forma en que ella toca su cara puede hacerle a cualquiera un nudo en la garganta. Es un testimonio tanto de la actuación de Steinfeld como de la dirección de Knight que pueden darle nueva vida al adorable bot amarillo.

Por su parte, Bumblebee es uno de los personajes más comletos de esta pelicula. No solo responde a muchas cuestionantes de su participación en las películas de Transformers (como la razón por la que termina en la forma de un Camaro, y por qué no habla), también cautiva a la audiencia con su personalidad y sus intenciones de proteger a los suyos sin importar si esto significa su propia muerte.

Por supuesto, también hay mucha acción y espectáculo, pero la decisión de mantener el número de Transformers y personajes humanos en un puñado agrega esa inversión tan necesaria a las emociones de la película. Y, como se mencionó anteriormente, los flashbacks a Cybertron, que ocurren en un lienzo mucho más grande de lo que hemos visto antes, son impulsados ​​por la alegría de ver (y escuchar) a los robots originales como siempre han querido los fanáticos.

Por razones narrativas, hay dos nuevos Decepticons añadidos a la refriega, que pasan la duración de la película a la altura de ese mismo nombre. La pareja representa una amenaza real para la búsqueda del gato y el ratón de Bee, sin caer en algunos de los estereotipos anteriores (y desafortunados) que han obstaculizado las películas anteriores de Transformers. Ayuda que su introducción vea un encuentro bastante brutal con un Autobot icónico, un guiño al trauma de fuerza contundente que la película de 1986 infligió a muchos de nosotros cuando éramos niños, cuando la mayor parte de la alineación original fue aniquilada para dejar espacio a nuevos juguetes. 

Sin embargo, los huevos de Pascua no se detienen allí, ya que la película está repleta de referencias, pero dado que todos han terminado con afecto, no se sienten forzados o discordantes. También hay una calidad muy real dada a la configuración de los años 80, que es casi subestimada en Bumblebee en comparación con la mayoría de las representaciones.

Por supuesto, la banda sonora es un regalo de la época, pero todavía hay adolescentes en todo el mundo que encuentran consuelo al escuchar a The Smiths para lidiar con la angustia y la soledad, y es genial pensar que toda una nueva generación podría encontrar su camino con gran parte del playlist de esta película. Mientras tanto, el puntaje de Dario Marianelli agrega una pequeña fusión del sintetizador de estilo John Carpenter a los procedimientos, lo que se suma a la riqueza de la película de una manera sutil.

Bumblebee es un éxito en muchos niveles, con contenido que pueden disfrutar las audiencias jóvenes, aquellos que han crecido con las películas de Michael Bay, así como los fanáticos originales. Es sin duda un alto empuje para la franquicia, equilibrando la acción con el drama con gran efecto. Y mientras que algunas de las comedias no llegan a aterrizar, lo más probable es que estés demasiado ocupado con las escenas de acción para preocuparte por un par de chistes.

Goosebumps 2

La noche de Halloween cobra vida en esta nueva comedia de aventuras basada en la serie de libros escrita por R.L. Stine, que lleva vendidos más de 400 millones de ejemplares en todo el mundo. (FILMAFFINITY)

El truco para hacer una buena película de Halloween es tener las víctimas perfectas. No me refiero únicamente a aquellas que son fácilmente asesinados por el villano, sino también a aquellos que tienen la inteligencia suficiente para saber que es correcto y que no. Ahora... si los personajes son inteligentes, las decisiones deberían serla también, ¿verdad?

Tres años más tarde del primer capítulo de Goosebumps, Haunted Halloween regresa con el malvado muñeco Slappy, quien quiere provocar el Apocalipsis de Halloween en una pequeña ciudad de Nueva York, utilizando sus poderes (con un poco de ayuda del difunto Nikola Tesla) para literalmente dar vida a cada decoración de Halloween en la ciudad. Sí, Slappy ha desatado Halloween Hell on Earth, con el objetivo de contar una historia que el propio Stine nunca escribió.

Esta película combina dos cosas que a casi toda la familia le gusta: horror familiar y Halloween. Pero a pesar de la premisa, Goosebumps 2 solo saca una buenas risas y nada más. Claro, ver todos estos disfraces convertirse en realidad, como los gummy bear, las brujas y las decoraciones de la época, con la simple función de aterrorizar a una ciudad y hace muy bien con demostrar las tradiciones de Halloween que muchas ciudades continúan cumpliendo.

No obstante, Goosebumps 2 comete el mayor de todos los pecados de la secuela: es una mala versión de lo que presentó en el 2015, contando casi la misma historia de la primera película y borrando la mayoría de sus buenas cualidades.

A pesar de que Goosebumps 2 está lleno de monstruos, la mayoría de ellos nuevas creaciones que no están en los libros de Stine, y solo el Werewolf of Fever Swamp, el Abominable Snowman de Pasadena y Slappy son los únicos villanos que regresan, el guión nunca descubre qué hacer literalmente cualquiera de ellos. Durante gran parte del tiempo de ejecución, incluso cuando las cosas se ponen en marcha, el impresionante trabajo de maquillaje del equipo de efectos se oculta en el fondo, y la mayoría de los monstruos solo andan deambulando sin un verdadero objetivo. Esto también fue un problema con la primera película, pero los monstruos tienen una exposición en pantalla aún menor esta vez. La estrella brillante aquí es, probablemente, una araña masiva hecha de globos, que al menos crea una imagen memorable.

Mientras que los monstruos están subutilizados, casi todo lo demás sobre la película está muy poco cocinado. Los personajes humanos tienen muy poco que hacer, y la escritura nunca permite que ninguno de ellos brille. Young dirige a Jeremy Ray Taylor y Caleel Harris junto con Madison Iseman, y hacen lo mejor que pueden con el material, pero simplemente no hay mucho para jugar. Así como se desperdician los actores adultos Wendi McLendon-Covey y Ken Jeong, que sabemos que son divertidos con el material adecuado. Aquí, el humor se desinfla, y cualquier parecido con el corazón que se encuentra dentro del material se siente forzado debido a la mala narración y el pésimo trabajo de los personajes en la etapa de creación de guiones. Goosebumps tuvo un corazón de sobra en 2015, pero el intento forzado de la secuela de hacerte sentir algo no es nada si no es lamentable.

El elefante en esta habitación en particular es, por supuesto, Jack Black, cuyo regreso en Goosebumps 2 fue arruinado recientemente por una campaña de marketing que intentaba desesperadamente atraer a un público con lo que debería haber sido una revelación sorpresa. La realidad es que Black interpreta a Stine en una pequeña fracción de la secuela, mostrando muy brevemente hacia el final lo que equivale a un cameo glorificado. De hecho, en realidad es una broma dentro de la película que Stine, bueno, aparece solo una vez que la historia termina y solo aparece al final de la historia para decir "oh! ustedes resolvieron el problema. Ok, bye!". Eso fue completamente innecesario.

Se podría decir que Goosebumps 2: Haunted Halloween es una película dirigida para niños. Quizás algunos se asusten por el muñeco Slappy que, SI, es aterrador. Pero no más de ahí. Para los adultos terminará siendo una pérdida de tiempo.