Crítica Cinéfila: Hocus Pocus 2

Han pasado 29 años desde que alguien encendió la Vela de la Llama Negra y resucitó a las hermanas Sanderson del siglo XVII, y ahora buscan venganza. De tres estudiantes de secundaria depende impedir que las voraces brujas causen un nuevo tipo de estrago en Salem antes del amanecer el día de Halloween.

Para cuando las brujas hermanas Sanderson quedan encantadas con las puertas electrónicas de un Walgreens, uno se da cuenta de lo perversamente fuera de curso que se ha ido "Hocus Pocus 2". El clásico de culto de Halloween de 1993 protagonizado por Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy fue una película que es imposible volver a ver en este momento para no afectar los recuerdos que se tienen de esta, aunque hay que admitir que fue toda una sensación en su momento, y una bastante entretenida para toda la familia. Dirigida por Anne Fletcher ("The Proposal"), la secuela falla en todos los sentidos, como un vehículo achochado de los 90 y como una configuración centrada en la juventud para futuras entregas.

Aunque tiene sus fallas, el "Hocus Pocus" original (dirigido por Kenny Ortega) encontró una novedad con las hermanas Sanderson: la líder Winnie (Midler), la excéntrica y ladradora Mary (Najimy) y la tonta adorable Sarah (Parker): presentada como villanas de terror nivel los Tres Chiflados. Tres siglos después de ser ahorcadas por los residentes de Salem, fueron devueltas a la vida (gracias a un virgen adolescente que encendió una vela mágica) para enloquecer en la ciudad, absorbiendo la fuerza vital de los niños y así las hermanas puedan permanecer jóvenes.

Aunque parecía que se convirtieron permanentemente en polvo al final de la película del 93, "Hocus Pocus 2" vuelve a la trama, con jóvenes aspirantes a hechiceras, Becca (Whitney Peak) e Izzy (Belissa Escobedo) desatando a las brujas de nuevo sin darse cuenta. Reciben ayuda de su amiga Cassie (Lilia Buckingham), que ha pasado más tiempo con los chicos populares que con sus viejas amigas, cuando su padre, el alcalde (Tony Hale), se convierte en un objetivo inesperado para las travesuras vengativas de los Sanderson.

Las hermanas son las últimas, después de "Maléfica" y " Cruella ", en recibir una historia de origen del villano de Disney, donde finalmente se conoce cómo surge su poder y su ambición de venganza. Sin embargo, su historia de fondo de la infancia se ve forzada. Por un lado, es oportuno tener ese toque de empoderamiento femenino (y este es uno de los únicos aspectos de la película que funciona), pero también deja a los Sanderson en posiciones muy planas y estereotipadas.

Mientras que en la primera película eran mujeres tontas con una inclinación por los éxitos musicales inesperados, las hermanas en realidad se sentían peligrosas, ya que estaban asesinando niños a cambio de la eterna juventud. En la secuela, los Sanderson son satíricas, y en lugar de brujas asesinas, en su intento de ser todopoderosas, más ineptas que nunca, y con un cambio radical del género madre. Parecería más un musical que una película familiar de halloween.

Las brujas están descompuestas, pero el movimiento juvenil tampoco está bien servido. Hay tantos detalles referenciales y devoluciones al "Hocus Pocus" original apilados que los adolescentes no tienen el enfoque que necesitan para convertirse en héroes de esta historia. Colocando a las hermanas al frente y al centro en la secuela, se aleja del desarrollo de los personajes más jóvenes, aunque dos estrellas invitadas aprovechan al máximo su tiempo: Hannah Waddingham ("Ted Lasso") interpreta a una bruja que los Sanderson conocen en el Salem del siglo XVII, y Sam Richardson es el dueño de la tienda de magia frecuentada por Becca e Izzy. El resto es olvidable, junto con la trama.  Lo único que ha mejorado, por obvias razones, son los efectos visuales de esta entrega, los cuales se valoran aún más por haber tenido un estreno digital a través de Disney +, también avivando la alerta de si será o no un mejoramiento visual, o está condicionado por el tamaño de la pantalla.

Con sus estereotipos de películas para adolescentes y de pez fuera del agua, "Hocus Pocus 2" logra demostrar que no todas las películas populares necesitan una secuela estelar décadas después del hecho (la nueva "Top Gun" de Tom Cruise es la rara excepción.) Midler, Najimy y especialmente Parker dieron una chispa necesaria al original que falta en la secuela, una película maldita que carece del hechizo que lanzó aquella vez sobre los fanáticos nostálgicos.

Crítica Cinéfila: Jumanji, the next level

En esta ocasión, los 'jugadores' vuelven al juego, pero sus personajes se han intercambiado entre sí, lo que ofrece un curioso plantel: los mismos héroes con distinta apariencia. Pero, ¿dónde está el resto de la gente? Los participantes sólo tienen una opción: jugar una vez más a esta peligrosa partida para descubrir qué es realmente lo que está sucediendo. 

La película de 2017 Jumanji: Welcome to the Jungle terminó definitivamente para una extensión de marca. Un cuarteto de héroes adolescentes, después de haber sobrevivido a la experiencia de ser absorbidos por la versión de videojuego del misterioso y malévolo Jumanji, lanzan una bola de boliche sobre el cartucho del juego de la era de los 90 con la esperanza de asegurarse de que nunca más les moleste. Pero Welcome to the Jungle fue un éxito inesperado, recaudando casi mil millones de dólares en todo el mundo. Por supuesto, Sony ha traído de vuelta al mundo de Jumanji para una película de seguimiento, Jumanji:  The Next Level. Sin embargo, lo que se sintió sorprendentemente encantador hace dos años ahora se siente mucho más desesperado.

Tres de los cuatro adolescentes de la experiencia Jumanji se sienten bastante cómodos en sus vidas. Fridge (Ser'Darius Blain) persigue el fútbol, ​​Bethany (Madison Iseman) realiza obras de caridad en todo el mundo, y Martha (Morgan Turner) se ha vuelto más extrovertida en su vida universitaria. Pero el pobre Spencer (Alex Wolff) todavía se siente muy incómodo en la Universidad de Nueva York, hasta el punto de que sabemos que mantuvo las partes rotas de Jumanji en su hogar de infancia. Al regresar a casa para las vacaciones, Spencer lo vuelve a armar, y cuando desaparece, sus amigos intentan volver a ingresar al juego para salvarlo. Solo Martha y Fridge regresan a Jumanji, con dos visitantes inesperados: el abuelo malhumorado de Spencer, Eddie (Danny DeVito), y un viejo enemigo del abuelo, Milo (Danny Glover). 

Como probablemente pueda notar, dado que la mecánica de la trama anterior ni siquiera explica por qué estos adolescentes han sido traídos de regreso a Jumanji o la amenaza vagamente definida que tienen que anular, hay muchas cosas sucediendo en The Next Level. Desafortunadamente, el subproducto de toda esta historia enrevesada no tiene ningún sentido. Incluso una premisa ridícula como esta necesita tener alguna lógica interna, como por ejemplo, crear un giro en el que dos personajes puedan ingresar a un charco de agua inexplicablemente encantado para cambiar de cuerpo. La única razón insondable para este giro es que el guión se había quedado sin buenas ideas. Los escritores acreditados de la película, el director Jake Kasdan, así como Scott Rosenberg y Jeff Pinkner, parecen haber arrojado un puñado de ideas como esta a la pared y esperaban que bastaran.

Hay que reconocer que hay dos ideas legítimamente buenas en The Next Level que hacen que la mayoría de los primeros 75 minutos de la película sean divertidos. Es tan simple como esto: ¿qué pasa si Dwayne Johnson tenía que actuar como Danny DeVito, y qué si Kevin Hart tenía que actuar como Danny Glover? Sí, estos son conceptos de una sola nota, pero Johnson y Hart se sumergen en sus roles reinventados con tanta alegría. Hart, en particular, es realmente hilarante como el locuaz, lento y desconcertado Milo. Ambos hombres tienen que interpretar personajes que se sienten completamente perdidos: cuando los cuatro habitantes del mundo real aterrizan en Jumanji, los siguientes 10 minutos se dedican a explicar la premisa de la película a DeVito-aka-Johnson y Glover-aka-Hart, pero de una manera sorprendentemente divertida.

Las sorpresas van en ambos sentidos, por supuesto. Bienvenido a la jungla fue, como se mencionó, un gran éxito. Del mismo modo, tiene sentido comercial lógico para Sony agregar una secuela de la película, y parece lógico que el presupuesto para esta película aumente en conjunto.

Aunque el siguiente nivel tiene un grupo de secuencias de acción, que incluye una persecución con avestruces viciosas y una carrera loca a través de puentes de madera móviles mientras los protagonistas están acosados ​​por mandriles sedientos de sangre, no tiene el presupuesto CGI para igualar. La caza del avestruz, en particular, es una escena deslumbrante para la vista. Los efectos recuerdan a los de otro vehículo de Dwayne Johnson: su primer papel protagónico en The Scorpion King. Esa película tenía un CGI terrible debido a un bajo presupuesto y porque la tecnología CGI solo había avanzado a principios de la década de 2000. Es difícil descubrir cuál es la excusa de esta película.

Jumanji: The Next Level fue inevitable tan pronto como quedó claro que Welcome to the Jungle serviría como una sólida competencia de temporada de vacaciones en la taquilla. Sin embargo, el problema es que la inevitabilidad de esta película no generó inspiración creativa para sus cineastas. Los actores principales son indudablemente un juego, Dwayne Johnson y Kevin Hart son muy divertidos cuando llegan a hablar de personalidades tan diferentes, y debido a que hay tantas ideas descartadas, la película rara vez es aburrida. Pero The Next Level está complicada en sus intentos de hacer que sus personajes del mundo real y sus elecciones sean remotamente convincentes. Si hay una tercera película, deberían por lo menos hacer un mayor intento en la historia, para comenzar.

Crítica Cinéfila: Doctor Sleep

Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con problemas de ira y alcoholismo que hacen eco de los problemas de su padre Jack, descubre que sus habilidades psíquicas resurgen cuando se contacta con una niña llamada Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de "el resplandor".

A primera vista, hacer una secuela de "The Shining" no parece una idea prometedora. La novela original de Stephen King, que se publicó en 1977, sigue siendo uno de sus mejores libros. Y en los 40 años transcurridos desde la espeluznante versión para cine cerebral de Stanley Kubrick de "The Shining", la película ha llegado a definir el aspecto y la mística de esta historia en nuestra cultura. Casi todos los aspectos de la visualización de Kubrick del Hotel Overlook y sus demonios vivos: los pasillos con su alfombra de hexágono naranja y marrón de viaje de los años 70, las gemelas con sus vestidos de fiesta verde azulado, la sangre brotaba de los ascensores Navajo Deco, el vestíbulo con sus paredes de adobe y candelabros de rueda de carreta de techo alto, el sonambulante cuidador británico que hablaba en el baño en un sueño hipnótico, el espectro de la anciana podrida emergíendo detrás de la cortina de la ducha de la habitación 237 - es tan icónico como cualquier cosa que exista en el horror de la pantalla contemporánea.

Incluso una buena película seria, como "Before Sunrise" o "The Hustler", puede pedir una secuela. Pero cuando intentas hacer una secuela de una película tan icónica como "The Shining", el resultado tiende a aparecer como "The Two Jakes" o "The Godfather Part III" o "Psycho II": una pálida, olvidable y superflua imitación del original. Por otra parte, si alguien tiene derecho a crear una secuela de "The Shining", es Stephen King. Lo hizo hace seis años, en su novela de 531 páginas "Doctor Sleep", y la película que ahora se ha creado combina ese libro, que sigue la saga de Danny Torrance cuando es adulto, con una réplica tortuosa y exigente del ambiente de "The Shining" de Kubrick.

King ha expresado anteriormente su insatisfacción con la película de Kubrick, pero "The Shining", como película, ahora se considera un clásico. Está allí, como un monumento fantasmal. Y así, la nueva película, escrita y dirigida por Mike Flanagan, es a la vez una adaptación de la secuela de King y una alondra de terror del parque temático que trata el Overlook como un patio de pesadillas que ahora podemos volver a visitar.

El hecho de que la película funcione dice algo sobre lo irresistible que es volver allí. Que funcione tan bien como lo hace es un testimonio de la atracción ominosa de la imaginación de Stephen King. Todavía no sé si "The Shining" necesitaba un segundo acto, pero "Doctor Sleep" presenta uno que es lo suficientemente fresco e inquietante como para justificar su existencia.

Décadas después de "The Shining", Danny, ahora conocido como Dan, y interpretado con una tristeza reflexiva por Ewan McGregor , se ha convertido en el tipo abandonado de mediana edad e imprudente que cae en peleas borrachas en bares todas las noches. Una de esas tantas, después de consumir cocaína, se despierta junto a un cadáver, solo para descubrir que es una madre con un niño pequeño. El terror de esa comprensión lo lleva a un momento de verdad, y termina en una casa de huéspedes de New Hampshire, yendo a reuniones de AAA dirigidas por el Dr. John (Bruce Greenwood).

El año es 2011, y no se necesitan mayores matemáticas para ver cómo Dan terminó como un borracho enojado: también lo fue su padre (por supuesto, su padre también se convirtió en un psicópata que trató de asesinar a su esposa e hijo, lo que podría haber dejado una cicatriz de niñez que requiera una automedicación o dos). Dan lleva demonios del tipo personal, pero, por supuesto, él también sigue brillando, captando voces dispares como si su cabeza fuera un receptor de radio, aunque trata de mantener las voces compartimentadas en "cajas de seguridad", como le enseñó Dick Hallorann (Carl Lumbly). Dan consigue un trabajo como asistente en una clínica de hospicio, donde utiliza sus habilidades psíquicas para ayudar a los pacientes a "morir en paz" (de ahí su apodo, Doctor Sleep). Y en su habitación alquilada en el ático, donde una pared entera es una pizarra, comienza a ver mensajes misteriosos garabateados en tiza.

Pero todo esto, francamente, es la configuración que esperarías de una secuela de "The Shining". Parte del poder de Jack Torrance como personaje, en la novela original, es que su ira alcohólica expresaba algo profundo y misterioso: que como padre ya no sentía que tenía derecho a mostrar ira en un entorno doméstico. "Doctor Sleep", por el contrario, presenta a Dan pasando por la seriedad de adicción.

Sin embargo, la película también tiene un comodín, en forma de un culto traicionero de vida o muerte gobernado por alguien llamada Rose the Hat. Ella es interpretada por Rebecca Ferguson, y cuando Rose aparece en los primeros momentos de "Doctor Sleep", tentando a una niña con flores, la película tiene una nota fascinante y escalofriante. ¿Qué está haciendo Rose con esta chica? Nuestras mentes derivan hacia escenarios indescriptibles, y no nos equivocamos: Rose lidera una pandilla de rufianes semi-inmortales conocidos como el Nudo Verdadero, que sostienen sus vidas inhalando "vapor", una especie de esencia psíquica que se produce cuando los niños tienen el don, preferiblemente provocado con dolor (cuanto más dolor, más vapor). El vapor se almacena en termos, lo cual hace que los antagonistas sean aún más horrorosos.

Lo que se suma a lo espeluznante es que Rose misma es una figura diabólicamente seductora. Ferguson, con su sombrero de mago y sus joyas hippies, la interpreta como un miembro satánico de la revista Rolling Thunder Revue, un espíritu libre de los 70 que cree que es su derecho vivir todo el tiempo que quiera, lo que sea necesario. En esencia, lidera un culto que se alimenta del asesinato de niños. Sin embargo, ella lo hace con una sonrisa. Ferguson hace a Rose a la vez imperial y sensual, una forajida alta en su mitología. El primer gancho de "Doctor Sleep" es que es una película construida alrededor de una demonio con calidad de estrella.

El segundo gancho es que se trata de niños que lucen las agonías de los demás en todo el mundo, como Abra, una niña en la ciudad de Dan, con habilidades brillantes como nunca antes había visto. En "Doctor Sleep", brillar no se trata solo de escuchar y conocer cosas, sino de una especie de teletransportación psíquica. Abra, interpretada por Kyliegh Curran, son una mezcla de temor y astucia que se hace eco de la actuación de Danny Lloyd en "The Shining". Abra y Dan se unen, al darse cuenta de que hay más en juego que su recuperación, despertando con el regalo que ha estado reprimiendo.

"Doctor Sleep" es una película prosaica, pero que gana sus ondas de emoción. No es hasta el último tercio que la historia se instala nuevamente en el Hotel Overlook, y para cuando llegamos al legendario albergue, encaramado en una montaña nevada, sentimos que la historia se ha ganado el derecho de volver. Cada tercera película de terror en estos días se desarrolla en una casa embrujada, pero el Overlook sigue vivo con sus demonios lujosamente coordinados. Se podría decir que son viejos amigos, pero les quedan algunos trucos. Naturalmente, hay una escena en la que Dan se sienta en el resplandeciente bar de salón de baile, tentado a tomar una copa, y aunque el actor que interpreta al cantinero está bien, he aquí un momento en el que desearía que la película se hubiera basado en tecnología informática para evocar la imagen de cierto actor legendario (a nivel general, el hecho de no haber revivido los actores originales a través de CGI ha sido una buena decisión, pues aún así la película fluye con naturaleza, a pesar de sus nuevos rostros). Dicho esto, el clímax es inquietante y satisfactorio. 

Mike Flanagan, a quien conocemos de otros majestuosos filmes de terror de esta generación, se toma el atrevimiento de revivir estos viejos fantasmas, y lo hace con una altura que no decepciona. En vez de querer copiar argumentos y horroridades del clásico de los 80, se inspira de su fotografía y crea un nuevo diálogo, a momentos bien conectado entre sí y dándole sentido y objetivos a cada uno de los personajes principales. Al final, esta secuela de "The Shining" puede registrarse como una larga nota al pie que alegra que haya podido volver a tocar en esa siniestra casa de diversión.

Crítica Cinéfila: Annabelle Comes Home

Los demonólogos Ed y Lorraine Warren están decididos a evitar que Annabelle cause más estragos, así que llevan a la muñeca poseída a la sala de objetos bajo llave que tienen en su casa. La colocan "a salvo" en una vitrina sagrada bendecida por un sacerdote. Pero una terrorífica noche nada santa, Annabelle despierta a los espíritus malignos de la habitación que se fijan un nuevo objetivo: la hija de diez años de los Warren, Judy, y sus niñeras.

Después de cinco años, finalmente llega una Annabelle que comienza a hacerle justicia al terror que ha desbordado la franquicia The Conjuring.

Marvel y Star Wars presentaron las películas de eventos más importantes de la última década, pero la franquicia "The Conjuring" ha batido junto con más confianza y consistencia que cualquiera de ellas. La entrada de James Wan en 2013 puso en marcha la plantilla, con los demonólogos de la vida real Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) que brindan un telón de fondo para el miedo sin fin. Después de haber recaudado más de $1.6 mil millones de dólares, el universo "The Conjuring" ha demostrado que a veces, las ideas más lucrativas requieren menos magia CGI y más silencio espeluznante, y la posibilidad constante de que algo aterrador pueda romperlo. Bueno, eso, y una muñeca espeluznante.

Annabelle, una de los muchos tropos de terror que yacen dentro del gabinete de monstruosidades paranormales de los Warren, mostró el potencial de llevar su propia y espeluznante mini-saga desde la primera escena de "The Conjuring". Con "Annabelle" y la precuela "Annabelle: Creation, ”La figura estacionaria se convirtió en una puerta de entrada para las fuerzas demoníacas que buscan las almas de niños. A diferencia de Chucky, Annabelle no tiene que moverse ni un poco para seguir siendo un objeto de temor constante. Sin embargo, "Annabelle comes home" entrega su título con el mejor spin-off de "Conjuring" hasta el momento.

A diferencia de las películas de más de dos horas de "Conjuring" o los enfrentamientos del convento en expansión de "The Nun", la nueva película básicamente incluye los arquetipos de una comedia adolescente de John Hughes en un escenario minimalista de la casa encantada. Si bien eso no es suficiente para suprimir los trucos subyacentes de la narración, "Annabelle comes home" al menos logra encantar y asustar a través de la destilación más pura de la fórmula "Conjuring" hasta la fecha. No es la película más espeluznante de "Conjuring", pero es lo suficientemente aterradora como para hacer avanzar la serie y ampliar su alcance.

Ed y Lorraine vuelven a aparecer al comienzo de la película, recogiendo la muñeca de las personas mortificadas que la perseguían, pero su fugaz apariencia sirve principalmente para entender cómo funcionan sus poderes: un encuentro con los fantasmas de cementerio (y una sangrienta víctima de un accidente de coche) revela que Annabelle no está encantada; en cambio, la muñeca sirve como un faro para otros espíritus. Esto proporciona suficiente información para el caos que sigue cuando Annabelle se libera del gabinete de los Warren más tarde, liberando a otros espíritus demoníacos atrapados en su hogar.

Pero Ed y Lorraine no están ahí para lidiar con eso. En cambio, las protagonistas son su hija, Judy (McKenna Grace), su niñera adolescente Mary Ellen (Madison Iseman) y a Daniela (Katie Sarife), la amiga de Mary Ellen. Cuando los Warren se van de la ciudad para un viaje nocturno, Mary Ellen se encarga de cuidar a Judy, y la problemática Daniela las acompaña con una agenda oculta. Dedicada a entrar en la sala de artefactos de los Warren para interactuar con el espíritu de su padre, el problema de Daniela en última instancia conduce a una gama de amenazas fantasmales que superan a la pequeña casa de los suburbios en el transcurso de una noche de niebla. Es la plantilla minimalista ideal para numerosos momentos espeluznantes, y debido a que está ambientada en la década de 1980, ni siquiera un teléfono celular puede ayudar a estas chicas a salir de su atasco embrujado.

"Annabelle Comes Home" marca el debut directorial de Gary Dauberman, cuyos créditos como guionista incluyen "The Nun", así como la reciente adaptación "It" y la segunda entrega que se estrena este año. Eso lo hace estar bien posicionado para presentar la primera entrega centrada en los adolescentes del universo "The Conjuring", y está razonablemente atento a sus personajes antes de que se desespere del miedo habitual. La problemática vida social de Judy y el resultado de informes cínicos sobre la profesión de sus padres, introduce una nueva profundidad emocional en la historia. Del mismo modo, la pena de Daniela por la muerte prematura de su padre agrega un grado de drama personal a una serie que generalmente gira en torno a grandes apuestas sobrenaturales.

Por supuesto, una vez que Daniela se cuela en la sala de artefactos y deja que Annabelle "salga a jugar", la película se convierte en un largo montón de avistamientos espeluznantes, puertas cerradas repentinamente, voces susurrantes y otras cosas terribles. Como de costumbre, alguien finalmente descubre la principal amenaza en juego y qué se debe hacer para contenerla, algo que no explican a profundidad, pero ocurre. Ninguna de las películas anteriores ha logrado concluir sus historias tan bien como establecen una acumulación gradual de fuerzas espeluznantes, pero "Annabelle comes Home" se apoya en sus puntos fuertes principales.

La película abraza la oportunidad de apariciones escalofriantes en todo momento, desde el uso de un juego de "caja de agarre" que se convierte en peligroso para figuras fantasmales con monedas sobre sus ojos vagando por los pasillos, y una novia con cuchillo que aparece en los momentos más inconvenientes. Estos no son conceptos tan mortificantes como las sacudidas efímeras, en realidad se enfoca en tradiciones funerales, leyendas locales y juegos malditos que se han ganado la fama de atraer la muerte o el mal.

Pero el guión de Dauberman equilibra esta familiaridad con un puñado de tramas atractivas, que incluyen al pretendiente de Mary Ellen, Bob (Michael Cimino), quien aparece con una serenata en el peor momento posible, y el proceso de duelo de Daniela, ambos de los cuales llegan a un punto crítico. El grupo se une para contener a Annabelle una vez más. La película se une a "It" y "Stranger Things" como la última resurrección de la rutina de los 80 con temática de "niños en peligro", y no pretende exactamente reinventar el género, sino es una especie de alivio que la película supere la habitual seriedad de estas películas para permitir una variedad más colorida de personajes y un poco de humor alrededor de su difícil situación.

Dicho esto, nada en "Annabelle Comes Home" coincide con la inventiva genuina de las sagas más visionarias de invasión de casas. En esta película, como en sus precedentes, los sobresaltos son el punto final principal. Pero las películas de "The Conjuring" hacen un esfuerzo por preocuparse por sus personajes antes de aterrorizarlos de todas maneras, y esta les da muchas razones para estar aterrorizados.

Eso es suficiente para llevar la película a lo largo de su onda espeluznante, y revela la esencia del golpe comercial en juego. Con otra entrega de "Conjuring" y una secuela de "Nun" en camino, es seguro decir que las audiencias seguirán obteniendo más variaciones en esta rutina hasta que los fantasmas dejen de dar miedo o el miedo a los saltos simplemente no funcione. Hasta entonces, "Annabelle Comes Home" es una prueba de que algunas tácticas de miedo no necesitan mucho esfuerzo para hacer el truco.

Crítica Cinéfila: Godzilla, King of the Monsters

"Godzilla: Rey de los Monstruos" sigue los heroícos esfuerzos de los criptozoólogos de la agencia Monarch mientras tratan de enfrentrarse contra un grupo de enormes monstruos, incluyendo el propio Godzilla. Entre todos intentan resistir a las embestidas de Mothra, Rodan o del último némesis de la humanidad: King Ghidorah. 

Godzilla, quien ha sido uno de los monstruos del cine que ha logrado reinventarse con las generaciones, con más de 40 películas desde el año 1955. Con la mejora de las nuevas tecnologías, la imagen del temido titán se ha ido elevando, llegando a un aspecto mucho más aterrador e inmenso. Sin embargo, aunque la calidad de su retrato ha demostrado una evolución, la calidad de la historia ha hecho todo lo contrario. 

En esta ocasión, y continuando con personajes que se conocieron en la película del 2014, la historia se enfoca en Emma, una científica ​​que trabaja con la organización de alto secreto Monarch, que mantiene a las criaturas de todo el mundo en estado de hibernación. Hasta que un día es secuestrada junto a su hija Madison (Millie Bobby Brown) por Alan (Charles Dance), quien es un poderoso eco-terrorista cuyos turnos incluyen robar armas y castigar a la humanidad despertando a los 17 titanes que se encuentran en las profundidades de diferentes partes del mundo.

Sin embargo, en lugar de que Emma despierte a las bestias, sus relojes de alarma se activan de manera sorprendente, gracias a Ghidorah, quien, después de Godzilla, es la alfa habilitada para disparar. Ghidorah ordena a los titanes a que destruir la Tierra.

Mientras tanto, el ex esposo de Emma, ​​Mark (Kyle Chandler) todavía está traumatizado después de la caída de San Francisco y la muerte de su hijo, pero de todos modos es devuelto al redil para salvar a su hija y ex esposa, antes de que ellas también sean víctimas de la destrucción.

Godzilla siempre ha sido servida con datos históricos y teorías fisico-químicas. La historia del origen del gran titán en la década de 1950 fue que fue despertado por las explosiones nucleares para causar estragos en Japón. Luego, en la película de Matthew Broderick de 1998, las pruebas nucleares no solo despiertan al titán, sino que lo crean, afectando su ADN. El personaje de Broderick incluso exigió que nuestros corazones salieran a la bestia viciosa porque es tan solo una madre trabajadora que quiere ayudar a sus hijos a sobrevivir en un mundo duro.

"Godzilla: el rey de los monstruos" empuja sus mensajes a extremos dolorosos. En un discurso absurdo, Emma ​​explica que la fuerza destructiva de los titanes (Godzilla, Mothra, Rodan y una colección de otros) es realmente algo bueno. Los seres humanos han desarrollado y contaminado el planeta hasta extremos tan peligrosos que la nivelación de Londres, Nueva York, Chicago y San Francisco por una polilla gigante y un dragón de tres cabezas "restablecerá el equilibrio". A los 20 minutos de esta película, Farmiga se convierte en una maníaca genocida.

Los cineastas no necesariamente respaldan su controvertida teoría, pero esta tercera película se ha vuelto muy delicada con respecto a los enormes asesinos incontrolables. Nadie, al parecer, quiere incluso intentar abatirlos. Mientras tanto, los personajes no hacen sentido. Se contradicen y se vuelven amigos en segundos. El tema del viaje alrededor del mundo hace que la continuidad de la historia y los personajes pierda sentido común. Es un guion desperdiciado e insalvable que todos evitan confrontar para simplemente darle mayor enfoque a las peleas de los monstruos. Sin embargo, si bien hay algunas peleas de monstruos geniales, simplemente no hay suficientes

A diferencia de las películas anteriores, donde el paso de la destrucción es el entretenimiento mayor, aquí todo se destruye en segundos, sin darle oportunidad a la audiencia a digerir lo que ha pasado. Bostón, México y la Antarctida se vuelven añicos, y no ante los ojos del público. De igual modo que personajes supuestamente fallecen y solo los que están dentro de la película es que se enteran, porque cortan las escenas como si tuviesen una necesidad de convertir la película en PG13.

Entre diálogos llenos de cliché y exposición, personajes mal ejecutados y un desperdicio de un buen elenco actoral, Godzilla es solo una película de buenos efectos especiales y cortas escenas de peleas. El azul de las batallas engañará a muchos, queriendo hacerse sentir como uno de los titanes dentro de la película. Pero en realidad no crece como se esperaba. Es una decepción la tanta espera en hibernación.

Crítica Cinéfila: Glass

Continuando desde donde lo dejó "Split", "Glass" sigue los pasos de David Dunn en su búsqueda de la figura superhumana de "La Bestia". En la sombra, Elijah Price parece emerger como una figura clave que conoce los secretos de ambos.

Shyamalan es un director de cine de momentos: su momento de fama lo tuvo con El Sexto Sentido (1999), y a partir de ahí la narrativa y la calidad de sus historias variaron y decayeron, claramente tratando de encontrar su estilo y su género. Experimentó y logró volver a posicionarse con el estreno de The Visit (2015), pero había un lugar donde le faltaba revisitar, y ya lo había hecho en una de esas historias que se debe reconocer era una idea original: Unbreakable no terminó inconclusa pero sí con una serie de personajes que ameritaban reutilizarse. Así surge Split, enfocada en un villano que lucha por ser La Bestia, y que al final hace una breve conección con Unbreakable.

Con ese breve final, Shyamalan nos decía dos palabras: habrá crossover. 

Glass sucede unas semanas después de lo ocurrido en Split, donde David busca exhaustivamente a Horde, con la amenaza de que tiene cuatro jóvenes cautivas que podrían morir en cualquier momento. Una vez se encuentra con él y cada uno ve la fuerza invencible que posee su oponente, ambos son apresados y llevados al mismo hospital Psiquiátrico donde Elijah está recluído. Allí Elijah vuelve a encontrar su propósito en la vida: con la entrada de David y Kevin al hospital, esto le da la oportunidad de enseñarle al mundo que los superheroes y villanos son reales, a pesar de que un grupo de personas se han dado a la tarea de ocultar esta verdad.

El tema de esta franquicia siempre será uno de los mayores atractivos para mi: demostrar que cuando los seres humanos se enfrentan a situaciones extremas, sus poderes salen a la luz. Quizás no sea una verdad que se pueda confirmar, pero es un concepto que la industria del cine nos permite fantasear, que los comics los aprovecha al máximo y que Shyamalan explora con una paciencia y desenvolvimiento que no pretende ser con prisa pues tiene también el objetivo de establecer el pasado de estos personajes, la razón de sus iras, tristezas y anhelos. 

El tema se conecta con las debilidades de estos personajes, envolvíendose en la teoría de que "todo superhéroe tiene una debilidad", y para poder vencer al villano, deberá superar esta debilidad. Esta misma teoría se intercala a la correcta construcción de personajes, donde para que un personaje sea creíble e interesante en una película, debe tener características realistas: debilidades, fortalezas, miedos y metas. Y sin esto, la película no causara la misma impresión, pues lo que verdaderamente la convierten en una película interesante son sus personajes: David es el típico héroe que se adapta a los problemas, sin frustrarse por encontrar soluciones en lugares donde no parecen darselas como opción; Elijah es el héroe dispuesto a lograr su cometido sin importar las consecuencias de sus actos; y Kevin es el héroe renuente, quien solo reacciona si lo obligan a cometer ciertos actos. 

El desarrollo de cada uno de estos personajes es una de las mayores fortalezas del guión de Shyamalan, pero el verdadero mérito se lo lleva con el personaje de Kevin, no solo por el hecho de representar una serie de minipersonajes dentro de uno, sino aún más importante por la increíble actuación de James McAvoy encarnando estas personalidades. Algo que Split no presentó y que esta película si se enfocó en lograr era ver cómo sucedían los cambios de personajes, y verdaderamente parecía como si fuese el trabajo de un grupo de actores. Sin embargo, McAvoy le recuerda a la audiencia una vez más el talento que siempre lo ha destacado, pero que con cada película evoluciona.

Por otro lado, la interacción de los tres personajes principales se asemejan a un triángulo amoroso, donde podría ser dos contra uno o todos contra todos dependiendo del momento de la película, pero a la vez establece las relaciones y químicas entre ellos, lo cual es otro aspecto que funciona con mucha fuerza, y que realmente es lo que mantiene a la historia con movimiento. Sin la rivaldía y momentaneos deseos de compañerismo, esta historia no tuviese mucho sentido.

Un personaje que regresa y lo hace con un propósito inesperado es el de Casey (Anya Taylor-Joy), quien había apenas salido con vida de Split, y ahora regresa con posibles sentimientos de amor por el Kevin. El cambio es un poco brusco, sobretodo porque la audiencia nunca tuvo oportunidad de encontrar la lógica a este cambio.

Por supuesto, no se puede mencionar las secuencias de acción, que hacen referencia a una fotografía de cine de acción, pero con la musicalización del thriller y suspenso que fue introducido con Unbreakable. Un aspecto interesante del uso del género en esta película es como las referencias visuales mantienen un balance entre ambos (superhéroe y thriller psicológico) influenciándose del tono y estilo de cada uno, pero concluyendo la historia con un ritmo y situación muy particular.

A propósito del final, este es el aspecto más débil de la película, pues a pesar de alejarse de la temática de "final feliz", es muy complaciente, queriendo dejar a la audiencia satisfecha por lo que ha ocurrido, pero en vez nos deja con cuestionantes que aparentemente nunca serán respondidas, y por lo tanto dejan una sensación de ambigüedad.

No obstante a esto, es una película que sabe cumplir con las expectativas que ha creado. Finalmente, Shyamalan encuentra su mejor estilo, otorgando una trilogía con un lenguaje, estilo y punto de vista propio, donde los buenos no son tan buenos, los malos tienen razones suficientes para existir, y los comics son parte de la realidad humana.

Mary Poppins Returns

Mary Poppins vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

Es verdad que Julie Andrews siempre será la niñera favorita de la generación de jóvenes de los 60 y los 70, pero deja en buenas manos el papel de Mary Poppins a Emily Blunt, una actriz que no solo sabe llenar muy bien los zapatos y el sombrero, pero también que le permite a los demás personajes tener su momento de protagonismo, aunque muchos sabemos que Mary Poppins pudo haber resuelto todo con los ojos cerrados.

En esta secuela, la familia Banks está enfrentando la demanda del banco de abandonar la casa en cinco días. Mientras Michael y Jane tratan de encontrar los títulos de propiedada que les asegurarían salvar la casa, los niños de Michael son descuidados a pesar de su madurez casi paternal entre ellos mismos. Ahí es donde entra Mary Poppins, quien regresa no solo con el plan de cuidar a los niños pero a la vez recordarles la felicidad que su niñez necesita. Esto significa baños con delfines, visitas a decoraciones de cerámica pintadas, y bailes callejeros con los faroleros.

Manteniéndose cerca de la plantilla del clásico perdurable a la vez que inyecta un montón de frescura para darle al seguimiento su propia vitalidad de reprobación, esta producción cuidadosamente elaborada ofrece nostalgia y novedad. Idealmente lanzados de principio a fin, y adornados por las melodiosas canciones de Marc Shaiman y Scott Wittman que genuflexionan las valiosas contribuciones de Sherman Brothers en Mary Poppins , este es un encantador que solo los cínicos podrían resistir.

El director Rob Marshall ha estado mejorando su pantalla musical de buena fe durante la mayor parte de las dos décadas, anotando éxitos populares como Chicago e Into the Woods. Ese rango de experiencia, más el historial de Marshall como artista teatral, coreógrafo y director, da sus frutos en su primer musical original concebido para la pantalla, lo que podría decirse que es su película más lograda hasta la fecha.

Ya sea que esté explotando en números de producción a gran escala o acercándose a escenas íntimas de una familia en crisis, la continuación cautivadora al adoptar una fórmula de Disney consagrada por el tiempo que combina la alegría y la imaginación de la niñez con una capa subyacente de la melancolía. Su antiguo y honesto sentimentalismo te hará sonnreir y llorar a la vez, todo lo que debería hacer que esta sea una entrada familiar ganadora para los días festivos y un favorito de repetición de visitas en los próximos años.

Con un toque de clase que proporciona una evidencia temprana de cuán seriamente el equipo creativo toma la herencia de su material original, los títulos iniciales sobre pinturas al óleo de Londres están inspirados en la obra del célebre artista de Disney Peter Ellenshaw. Pero hay tanto aquí para atraer a las audiencias jóvenes que no están familiarizadas con la historia de la propiedad como a los veteranos para quienes ocupa un lugar especial entre los recuerdos de la infancia.

Marshall se vuelve a reunir con el director de fotografía Dion Beebe para darle a Mary Poppins Return un espléndido brillo de pantalla ancha, pero las contribuciones artesanales más indispensables son de parte del diseñador de producción John Myhre y la diseñadora de vestuario Sandy Powell. La elegante integración de las ubicaciones físicas de Londres con conjuntos de estudio y elementos de CGI permite mercados bulliciosos y calles empedradas envueltas en niebla; el escenario es la década de 1930, previo a la guerra, durante el período en que los británicos se refirieron a "La Gran Depresión". Y, naturalmente, hay desvíos de fantasía vibrante como una travesía en el mar o una excursión a un parque de acuarela, una de las muchas secuencias que reflejan directamente la película anterior, en la que los personajes de carne y hueso están inmersos en los hermosos pasteles de un Dibujado a mano, mundo animado en 2D con animales que hablan.

El uso audaz de una caja de colores continúa en los disfraces de Powell para mejorar el carácter. Su referencia más cercana a la Mary Poppins original es el abrigo azul brillante y el sombrero de viaje en el que la enigmática y temporal niñera desciende del cielo, enganchada de su paraguas a una cometa fugitiva familiar y se posa en Cherry Tree Lane como si simplemente estuviera saliendo de un autobús.

Esa entrada establece a Emily Blunt desde el principio como una digna sucesora de Julie Andrews. Con su dicción nítida, su postura recta y su aire sensato, rápidamente descarta las miradas boquiabiertas y las preguntas desconcertadas de sus cargos anteriores, los ahora adultos Michael (Ben Whishaw) y Jane (Emily Mortimer). Hay vanidad acicalada debajo de la autoridad de Blunt, pero también un calor inconfundible cuando ella califica recientemente a los tres hijos de Michael: los gemelos precoces John y Annabel (Nathanael Saleh, Pixie Davies) y su más impresionable hermano menor, Georgie (Joel Dawson).

El riesgo de que una familia sea expulsada de su querido hogar tiene el potencial de tornar una historia sombría, pero hay un toque de ligereza cuando las aventuras de Mary Poppins y los niños convergen gradualmente con los esfuerzos de Michael y Jane para encontrar una prueba contratiempo. El ingrediente clave que lo hace tan desarmado es la forma discreta en que Mary Poppins usa las alas de su ángel. Al guiarlos sutilmente en la dirección correcta, ella ayuda a los Banks a rescatarse a sí mismos. Blunt logra que la mezcla muy inglesa del personaje sea exactamente la correcta, junto con el equilibrio de dulzura y la superioridad de lengua ácida. Su actuación es una delicia.

Mary Poppins es asistida en cada paso por su viejo amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un tipo que enciende y apaga las farolas al comienzo y al final de cada día, y una vez fue aprendiz de barredora de chimeneas. El rol de Jack como el heredero espiritual de ese personaje de Dick Van Dyke (con un acento de Cockney un poco más convincente) se desprende de su número de apertura, "Underneath the Lovely London Sky", que establece la escena con un vívido sentido del lugar y una pizca de magia cotidiana. Miranda fue el comodín aquí, pero el creador de Hamilton encaja a la perfección, con un estilo agradable y un brillo en sus ojos que lo hacen tan fascinado por las locas habilidades de Mary Poppins como los niños.

Miranda encabeza el atractivo número central de la película, una contraparte directa de "Step in Time" en la azotea de Bert, llamada "Trip a Little Light Fantastic", que se realiza con un gran coro de compañeros de Jack en bicicletas, empuñando las escaleras que usan en el trabajo. 

Meryl Streep saca el máximo provecho de su gran momento musical, como Cousin Topsy, una mujer arregladora de cabello flamígero de origen indeterminado de Europa del Este, que es una combinación perfecta para el tío Albert de la primera película. Cuando la risa incontrolable lo hizo flotar hasta el techo, los problemas de gravedad de Topsy están determinados por una peculiaridad de su taller de reparaciones. Eso da lugar a "Turning Turtle", una polka de sabor ruso que proporciona el hilarante espectáculo de Streep brillando alrededor de una araña invertida.

Y a pesar de que muchos están esperando canciones del clásico de los 60, como el estridente "Supercalifragilisticexpialidocious", estas nuevas canciones están tan llenas de personalidad y humor, y reverenciales sin ser serviles en su adhesión a los patrones musicales de la primera película. Desde "The Royal Doulton Bowl", lleno de juegos de palabras "maravillosos, místicos, bastante sofisticados" hasta las memorables "Feed the Birds" y "The Place Where Lost Things Go".

Junto con Blunt y Miranda, quienes llevan la película con carisma, Whishaw merece una mención especial por una actuación tremendamente conmovedora cuando un hombre roto que aprende a vivir de nuevo lentamente. Mortimer tiene menos que hacer, pero aporta una suavidad atractiva, que proporciona tejido conectivo con su madre sufragista tardía a través de su participación en sindicatos y comedores populares. También hay un romance incipiente entre Jane y Jack. 

Julie Walters es divertida como la ama de llaves de larga data de los Bancos. Del mismo modo, David Warner y Jim Norton como oficial naval retirado y su primer compañero, los excéntricos vecinos de Cherry Tree Lane, continuaron con la primera película. Firth es adecuadamente malvado, flanqueado por secuaces legales de policía bueno / policía malo interpretados por Kobna Holdbrook-Smith y Jeremy Swift.

Finalmente, los fanáticos de la película original se entusiasmarán con un cameo extenso de Van Dyke al final de la acción, con solo dos pasos, nada menos, mientras que la insustituible Angela Lansbury aporta su singular gracia, sabiduría y compasión con un pequeño pero significativo papel como la vendedora de globos. Ella lidera un número de conjunto completo llamado "Nowhere to Go but Up", un canto a las maravillas de la infancia a cualquier edad, y una nota de cierre apta para esta delicia completamente entretenida de una película.

Sin dudas, esta es una de las mejores producciones de Disney de este año. Es nostálgica, divertida y sobretodo colorida, recordándonos esos buenos momentos que Mary Poppins siempre logró, dejando a un lado la realidad y dándole alas a la imaginación. Ahora... ¿qué pasó con el tazón que Meryl Streep estaba reparando?

Halloween

Cuarenta años después de que escapó de una matanza ocurrida durante la noche de Halloween, Laurie Strode ha convertido su casa en un búnker impenetrable, por si Myers decidiera regresar algún día. Cuando la amenaza de Myers es un hecho, la familia Strode, liderada por tres generaciones de mujeres, se convertirán en la única esperanza para acabar con el villano. 

Toda secuela debe tener una hora final, y parece que a Michael Myers le ha llegado la suya. Después de tantos años encerrado en un sanatorio para criminales, Michael Myers logra escapar de la cárcel que le correspondía y regresa a la ciudad donde hace cuarenta años fue el responsable de multiples asesinatos, incluyendo el de su propia hermana. Al mismo tiempo, el trauma de Laurie se ha convertido en su mejor fuerza para prepararse física y emocionalmente para el regreso de Michael. Cuando finalmente llega, debe convencer a su familia que su aislamiento ha sido por una razón y que Michael siempre encontrará la manera de volver a ella. Está película representa la batalla final entre el psicópata #1 de las películas de slashers y la chica final que logró sobrevivir.

Si han visto la película de 1978, se darán cuenta que Halloween tiene la misma estructura. Y no solo por el hecho de escapar, matar y enfrentarse a Laurie, sino hasta en la forma que mueren algunos de los personajes, las transiciones de una muerte a otra y cómo cada una de las muertes terminan conectándose a Laurie. Es obvio que el plan del director y el guionista era darle una visión más actualizada a este clásico de terror, no obstante el estilo en que se fue desarrollando es simplemente un remake de todo lo que se ha visto en la original.

Un aspecto que la película mantuvo con la original y logró hacerlo de una manera más efectiva fue mantener el misterio debajo de la máscara de Michael. A pesar de que el villano fue visto multiples veces sin la máscara, el manejo de cámara en mano del cinematógrafo Michael Simmonds evitó la completa presentación de su rostro, lo cual le agregaba un aspecto aún más terrorífico al personaje, pues mientras no tuviese la máscara, podría ser cualquier persona. Michael sí fue visto por varias personas que lo reconocieron, y aún así los mató, agregándole otro valor al personaje de que la máscara era solo un accesorio, el personaje en sí tenía el suficiente carácter para la película completa, sin necesidad de tener la máscara puesta.

Así mismo, hay que resaltar la actuación de Jamie Lee Curtis, una vez más como Laurie. La evolución del personaje y el contraste del carácter que esta protagonista tenía 40 años atrás. Además, es interesante ver cómo el trauma afectó su familia, y cómo obligó a su única hija a prepararse para lo que solo ella imaginaba posible. El resto de los personajes es completamente imprescindible como en toda película de terror: están ahí porque van a morir dentro de un rato, incluyendo muchos personajes que en el trailer parecían muy interesantes. Se aprecia que hayan mantenido la música original y el estilo cinematográfico que ya había sido utilizado en las películas anteriores, pues esto es parte importante de la trama, y le agrega un valor narrativo aún más interesante de lo que la historia trató de ser.

La película tiene momentos pensados para el fandom y como slasher da la sensación que se permite limitarse a ser un ejercicio de género. Pero la duda que asalta es qué necesidad había de volver atrás para hacer algo poco original.

The Predator

Cuando el pequeño Rory activa accidentalmente el regreso a la Tierra de los yautjas, desencadenará la vuelta de los cazadores más letales del universo, una especie extraterrestre caracterizada por convertir en su trofeo al resto de criaturas y por obtener su poder a través de la hibridación. Ahora, estos alienígenas han mejorado su ADN y ahora son aún más peligrosos, fuertes, inteligentes y mortales. Por eso, solo un grupo de exsoldados y una profesora de ciencias podrán evitar el fin de la humanidad.

El tema con las secuelas: algunas funcionan y otras no. Algunas tienen gran éxito taquillero, otras tienen éxito en la crítica. Pero en la gran mayoría de las ocasiones demuestran que no todas las historias valen la pena seguir siendo contadas.

Quinn McKenna (Boyd Holbrook) es un ex francotirador del ejército de EE.UU. convertido en mercenario de alquiler, a punto de acabar con los malos en una situación de rehenes mexicanos cuando él y su unidad se distraen con una nave espacial estrellándose. McKenna termina siendo el único superviviente de un encuentro con su ocupante hostil; huye con las herramientas de batalla que roba de la nave espacia y las envía a casa en Estados Unidos. Mientras tanto, la bióloga evolutiva Dra. Casey Brackett (Olivia Munn) es secuestrada de su trabajo universitario en un laboratorio secreto del gobierno donde un "depredador", uno de los varios que visita la Tierra desde 1987, está cautivo bajo sedación. Cuando sus caminos se cruzan, descubrirán la razón por la que este ser alienígena ha llegado a la Tierra, obligándolos a enfrentarse, a pesar de poner sus propias vidas en peligro.

¿Alguna película de "Predator" desde el original de 1987 ha funcionado? Seguro que no. Muy por el contrario cada una llega decepcionando a su audiencia: "Predator 2" fue un exagerado desastre y uno de esos casos sobre "mientras más grande no sera mejor"; las dos películas de "Alien vs. Predator" tomaron dos conceptos sumamente interesantes y los convirtieron en un vómito espacial. Los "depredadores" sombríamente contrastantes de 2010 fueron eficientes, pero no lo suficiente. Y con esta última, la saga dice a gritos que ya no más.

A pesar de que todos los personajes tienen tremenda química en la historia y funcionan como equipo de aventuras, no funcionan por sí solos (con excepción de Rory, que es un superdotado y sí se merecería una película para sí). Los personajes son demasiado conflictivos, y a pesar de que sus debilidades son necesarias para que exista trama en la historia, sus debilidades parecen desecharse, o peor, son ignoradas y los personajes siguen adelante con ellas o mueren en el intento. A su vez, muchos de los personajes se muestran demasiado exagerados en muchas ocasiones (sobretodo aquellos que tienen PTSD) y toman decisiones que cuando logran sobrevivir solo dejan esa gran cuestión de "¿cómo lo lograron?". 

Y si los protagonistas eran problemáticos, los antagonistas eran peores: el personaje de Sterling K. Brown es su peor interpretación, pues sus acciones y líneas caen en lo ridículo, y su crueldad no tiene razón de ser. Los depredadores resultan ser tan solo puro músculo y ataque, la justificación de su visita que les quisieron dar se quedó corta cuando la furia se le subió a la cabeza. Así mismo, a la historia le hace falta mucha lógica para que todo lo que acontece tenga sentido: no solo en las decisiones de los personajes, sino en el orden que los sucesos fueron aconteciendo. El tono por igaul es extremadamente confuso, pues no sabes cómo sentirte, si asustado, triste o emocionado; es una mezcla de emociones y situaciones en que ni siquiera el hecho de estar entretenido es suficiente para entender y disfrutar la película. Lo único salvable de esta historia son los efectos especiales y la escenografía, que es lo que verdaderamente llama la atención y da esa sensación de películas de ciencia ficción/aventuras.

Los valores de producción están muy bien realizados en todos los ámbitos, pero no es lo mismo que decir que la película tenga estilo. A nivel narrativo, el resultado termina siendo desastroso, decepcionante y puro chiste, donde solo nos preguntamos a dónde quedaron los clásicos y por qué las productoras de cine tiene tanto afán por evolucionarlo.

Ant-man and the Wasp

Después de "Capitán América: Guerra Civil", Scott Lang lidia con las consecuencias de sus elecciones como superhéroe y padre. Mientras lucha por mantener un equilibrio entre su vida hogareña y sus responsabilidades como Ant-Man, se enfrenta a Hope van Dyne y al Dr. Hank Pym con una nueva misión urgente. (FILMAFFINITY)

Una de las preguntas más populares que dejó Avengers fue: ¿dónde está Ant-man y por qué no participó en la batalla? Bueno... digamos que es culpa de su vida de criminal, y destruir medio aeropuerto junto al Capi y compañía. Después de dos años bajo arresto domiciliario, Scott está muy cerca de dejar de vivir encerrado.

Hope Van Dyne (Evangeline Lilly) ya usa el traje de The Wasp (La avispa) y junto a su padre Hank Pym (Michael Douglas), el primer Ant-Man e inventor de toda la tecnología que hace posible alterar tamaños de personas y objetos, han creado desde la clandestinidad una máquina para poder ir y volver del reino cuántico, ese mundo de lo infinitamente pequeño en el que la madre de Hope (la primera Avispa) quedó atrapada hace 30 años. En la primera película de Ant-Man, Scott Lang sí pudo volver, así que recurrirán a él para que los ayude.

Pero ellos no son los únicos que quieren usar esta máquina. También están detrás una banda de traficantes de tecnología y Fantasma, una villana que atraviesa cualquier materia pero necesita estabilizar sus poderes. Y detrás de todos ellos está la policía.

Cada película de Marvel tiene una comedia distinta. Sí, se supone que es acción y aventura, lo cual se puede apreciar muy bien en cada escena de la película; no obstante, tiene un estilo humorístico muy particular de su historia, la cual la diferencia no solo del resto de las películas de Marvel, sino incluso de la primera versión.

Aquí se puede ver un Scott más consciente de su poder, tratando de ser responsable, pero a la vez sin dejar a un lado el sentido humorístico del personaje. A su vez, se conoce más de cómo ha cambiado su vida y la vida de las personas que le rodean desde que lo vimos en su última película en solitario. Pero no es el único actor que se roba el protagónico (aunque se supone que es el protagonista), también hay que darle créditos a la Avispa/Hope sobretodo en las escenas de acción que sobrepasan a lo que hizo Ant-Man, y a Fantasma/Ava quien es una antagonista mucho más tridimensional que los demás villanos de este universo.

La diversión de Ant-man (de cambiar de tamaño con gran facilidad) es más aprovechado por Wasp que por el mismo protagonista, quien se ve atrapado en un nuevo traje y no logra controlarlo como debería. Sí, es quien logra recuperar el laboratorio de todos los secuestradores que iban tras este, logra hacer comunicación con la madre de Hope, pero no es el único héroe de la historia, pues incluso (Spoiler alert) quien derrota a Ghost es la madre de Hope.

"Ant-Man and the Wasp", dirigida por Peyton Reed, es una película light, que le dará a la audiencia un respiro después de todo lo acontecido en "Infinity War", con un buen ritmo que la convierten en una película fresca, entretenida y casi independiente de la gran trama de Thanos vs. Avengers... hasta que llegan los post-créditos.

Sicario: Day of the Soldado

La guerra contra los cárteles de la droga se ha intensificado en la frontera entre EE.UU. y México a medida que éstos se han metido en el negocio de tráfico de personas, introduciendo en suelo americano a terroristas islámicos. Para hacer frente a esta nueva guerra sucia, el agente federal Matt Graver (Josh Brolin) planea una idea para que los carteles se enfrenten entre ellos. Para ello volverá a reclutar para la peligrosa misión al volátil mercenario Alejandro Gillick (Benicio del Toro). (FILMAFFINITY)

Sicario significa "asesino a sueldo". Por lo que no puede ser sorpresa para nadie la cantidad de muertos que habrán en esta película. Y me atrevo a discutir con cualquiera que en esta hubo más que en la primera.

Matt y Alejandro vuelven a cruzar caminos cuando diversos ataques islámicos en Estados Unidos son relacionados al tráfico ilegal de personas por los carteles mexicanos. Pero cuando el trabajo significa crear una guerra entre dos poderosos carteles de drogas, su atención se enfocará en el secuestro de la hija de uno de los líderes, lo cual los aislará de su principal objetivo y creará más caos del que debía causar. Ahora, los dos sicarios deben decidir si seguir las órdenes finales o volver a sus métodos ilícitos, así como lo hicieron en la primera película.

A pesar de que este tipo de historias trata más de cuantos muertos acumula cada persona, el guionista Taylor Sheridan se encarga de darle un "lado amable" a sus protagonistas, humanizándolos y convirtiéndolos en personajes tridimensionales. Mientras la primera se enfocó en mostrar dos hombres que hacen lo que sea a su manera y sin ser acusados, en esta entrega la audiencia tiene la oportunidad de conocer la otra cara de los sicarios. Mientras la primera solo mostraba su violencia y el sadismo de Matt y Alejandro, aquí también se aprecia sus debilidades, y cómo se logran salir con la suya, por más balas que hayan recibido en el camino.

Josh Brolin/Matt será parte importante del plan que se ejecuta, pero el verdadero protagonista es Benicio del Toro/Alejandro, quien no solo se enfrenta a los enemigos que van creando por sus decisiones, sino también a un grupo jóven de transportistas ilegales de inmigrantes mexicanos quienes intentarán asesinarlo para lograr quedarse con la niña que él protege. La interacción que se desarrolla entre Alejandro e Isabela (interpretado por Isabela Moner) enseñan ese lado paterno del protagonista que en la primera entrega de Sicario buscaron introducir, dándole más de una razón de por qué debía defenderla antes de que alguien la reconociera. 

Spoiler alert: algo que no logró esta película en comparación a la primera fue el desarrollo de la subtrama con el niño que se introduce a la banda como transportista. Se muestra como un personaje innecesario y vacío, sobretodo porque no le dieron excusas suficientes de por qué se estaba metiendo en este grupo (no pueden decir que es porque su familia la iban a matar o porque tenía una mala situación económica). Es un personaje que lo único que suma es que reconoce a Alejandro y lo delata, para luego intentar matarlo y ser encontrado por él un año después. Honestamente, espero que lo haya matado.

Por otro lado, la esencia de Sicario se mantiene en esta película, y no me refiero a toda la sangre derramada, sino por el inicio tan intenso y realista con las situaciones de hoy en día, la banda sonora penetrante que también fue parte de Sicario I (compuesta por el fallecido Jóhann Jóhannsson) y el uso de tomas aereas para darle un tono más militar a la película.

A pesar de que hubo varias preguntas sin responder de la trama, Sicario 2 invierte todo lo que la primera hizo, sin dejar a un lado la frialdad, intensidad y violencia asfixiante de su antecesora. Es una película que no abandona el realismo de nuestra época pero a su vez quiere darle ese toque humano que a la primera le falto en muchas ocasiones.

Sicario: Day of the Soldado

Título en español: Sicario: Día del Soldado

Ficha técnica

Dirección: Stefano Sollima

Producción: Basil Iwanyk y Erica Lee

Guion: Taylor Sheridan

Música: Hildur Guðnadóttir

Fotografía: Dariusz Wolski

Montaje: Marisa Frantz, Meg Everist y Daniela Rojas

Protagonistas: Benicio del Toro, Josh Brolin, Jeffrey Donovan, Manuel Garcia-Rulfo, Isabela Moner, Catherine Keener, Matthew Modine, David Castaneda, Ian Bohen y Bruno Bichir