Crítica Cinéfila: Obsession

El anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla. Potente metáfora sobre la cosificación de las relaciones románticas y de los límites a los que estamos dispuestos a llegar movidos por el deseo de ser correspondidos.

Estamos llegando a un punto en el que la ruta más segura para convertirse en director de terror es iniciar una carrera en la comedia de formato corto. Jordan Peele impactó al mundo con "Get Out", Zach Cregger lo convirtió en un patrón con "Barbarian" y "Weapons", Danny y Michael Philippou se subieron al carro con "Talk to Me" y "Bring Her Back". Ahora, el bromista de YouTube Curry Barker ha lanzado una de las mejores películas de terror de 2026.

“Obsession” comienza con la premisa más simple del género de terror: Bear (Michael Johnston) es un tímido y sensible empleado de una tienda de música que no encuentra el valor para invitar a salir a su compañera de trabajo y amiga de la infancia, Nikki (Inde Navarrette). En lugar de ser honesto con ella y decirle lo que realmente siente, entra en una tienda de cristales esotéricos y compra un Sauce de un Deseo, un juguete antiguo y cursi de los años 60 que promete conceder un deseo a su dueño al partir una rama por la mitad. La cajera le advierte que la mayoría de los clientes que lo compran se han quejado de los resultados, pero no sería una película de terror si le hiciera caso.

Tras dejar a Nikki en su casa después de una noche de trivia en un bar con sus otros compañeros de trabajo (y de incomodarla con su intento de coqueteo mientras insistía en que solo eran amigos), rompe el sauce y pide un deseo sencillo: que Nikki lo ame más que a nada en el mundo. Poco después, ella sale de su casa y le pide ir a la suya, y Bear piensa que acaba de comprar un billete de ida para salir de la zona de amigos, pero no sin sentirse extremadamente perturbado por su cambio de actitud.

De repente, Nikki está siempre loca por Bear, ansiosa por demostrarle afecto en público y pasa tanto tiempo con él que prácticamente se muda con él. Para Bear, la nueva situación es estupenda casi siempre… el único inconveniente es que Nikki a veces vuelve a ser la de antes y grita de terror durante unos segundos, antes de reanudar el bombardeo de amor.

Incluso antes de que la película se descontrole, los amigos en común de Bear y Nikki empiezan a señalar lo extraño que es todo. La otra chica del trabajo escuchó a Nikki hablar de cómo veía a Bear como un hermano menor apenas unas horas antes de convertirse en una adolescente locamente enamorada, y queda claro que está pasando por un mal momento. Empiezan a circular rumores: las conjeturas van desde la drogadicción hasta una crisis nerviosa total, pero curiosamente nadie adivina que se trata de un "juguete de los años 60 que concede deseos con consecuencias mortales". Sin embargo, en lo único que todas coinciden es en que Bear se está aprovechando de una chica vulnerable.

Sus relaciones sociales empiezan a escasear, las invitaciones a fiestas se pierden en el correo y Bear pronto se encuentra solo, sin nadie a quien recurrir, cuando la nueva Nikki comienza a apuñalarse con cristales rotos, a cocinar a su gato muerto y a sellar sus puertas con cinta adhesiva para impedirle salir de casa. Lo único que puede hacer es llamar al servicio de atención al cliente que aparece en el reverso del paquete; pero cuando escucha que tienen el alma de la verdadera Nikki pidiendo ayuda a gritos, el romántico empedernido se da cuenta de que se ha metido en un lío mucho mayor de lo que puede manejar.

“Obsession” demuestra que la influencia de Cregger en el terror de la década de 2020 está en pleno apogeo, ya que su combinación de violencia sádica, referencias irónicas y comedia extraída de la reacción patéticamente egoísta de las personas ante la tragedia merecerá numerosas comparaciones con “Barbarian” y “Weapons”. Además, continúa sabiamente la reciente tendencia de permitir que fuerzas del mal inexplicables simplemente existan en su mundo, encontrando su crítica social en la forma en que los humanos reaccionan ante lo que no comprenden. En lugar de convertir los males reales en metáforas.

El aspecto más fascinante e impredecible de la película reside en la decisión de Barker de contar una historia sobre algo objetivamente horrible —en este caso, un hombre que le arrebata el alma a una mujer y la convierte en una réplica psicótica de sí misma para poder tener relaciones sexuales con su cuerpo y fingir que son pareja— exclusivamente desde la perspectiva del perpetrador. Navarrette ofrece una interpretación brillantemente retorcida de lo que queda de Nikki, pero dado que su verdadero ser está atrapado gritando en el purgatorio del centro de llamadas y solo emerge por segundos, Bear es el humano a través de cuyos ojos vemos todo.

Gran parte del género de terror se basa en hombres que cometen actos atroces contra mujeres, con resultados que van desde la profunda misoginia hasta el feminismo catártico. Pero "Obsession" se centra en un miedo masculino mucho más contemporáneo: ser el tipo problemático cuyo círculo social sabe que se aprovechó de una chica y no quiere tener nada que ver con esto.

Cuando conocemos a Bear, no es un monstruo a punto de estallar. Es un tipo sensible, frustrado por su falta de éxito amoroso, y su desamor lo empuja a anteponer sus propios deseos a la autonomía de su amiga el tiempo suficiente para arruinarles la vida a ambos. No la agrede físicamente, pero se adentra en una zona moralmente ambigua por puro egoísmo, claramente atormentado por la culpa del ciclo irreversible que puso en marcha. También odia que sus amigos tengan razón en sus críticas. El hecho de que exista una película como "Obsession" es prueba de un mínimo progreso social, ya que solo funcionaría en una sociedad donde los hombres sienten que hay consecuencias sociales reales para la mala conducta sexual. Barker no le muestra piedad por sus acciones, pero deja la puerta abierta a una introspección más oscura. Para la mayoría de los espectadores, la pregunta aterradora no debería ser "¿Podría terminar como Nikki?", sino más bien "¿Podría yo, o alguien que conozco, sentir la tentación de hacer lo que hizo Bear?".

Eso no quiere decir que lo que le sucede a él sea peor que lo que le sucede a ella (al menos al principio), pero Barker casi parece desafiar al público a preguntarse cuántos "buenos" en la sala serían capaces de cometer un error de juicio similar en ciertas circunstancias. Hombres y mujeres experimentarán dos tipos de miedo muy diferentes al considerar la respuesta, pero "Obsession" debería mantener a todos despiertos mucho después de haberla visto.

Crítica Cinéfila: Hokum

Un escritor de terror visita una posada irlandesa para esparcir las cenizas de sus padres, sin saber que se dice que la propiedad está encantada por una bruja.

“Hokum”, la inquietante nueva joya de terror del guionista y director Damian McCarthy, es una historia de fantasmas que te atrapa de la mejor manera posible. También es una historia de brujas, una historia de un hotel embrujado y una historia sobre cómo la humanidad puede ser la fuerza más aterradora del mundo, todo ello entrelazado con una potente técnica. No solo resulta inquietante, gracias a su magistral uso de la oscuridad y el sonido, sino que también se convierte en una sutil y poética reflexión sobre la pérdida cuando menos te lo esperas. Cabe destacar que no se trata de otra película de terror obvia sobre el trauma, ya que McCarthy lo maneja todo con delicadeza, sin exagerar ni dar demasiadas explicaciones. En cambio, el cineasta irlandés aborda los elementos del terror folclórico con una naturalidad refrescante, un humor negro pero a la vez melancólico, al tiempo que le brinda a Adam Scott una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha. 

Todo comienza con una reveladora mirada a la imaginación de un escritor: el atormentado novelista Ohm Bauman (Scott), quien intenta encontrar la manera de terminar su historia sobre un hombre y un niño perdidos en un desierto donde la muerte podría ser su única salida. Está tecleando con una bebida siempre a mano, una leve sonrisa casi grabada en su rostro, la lluvia cayendo a cántaros afuera y su casa vacía casi engullida por las sombras. Este vacío desolador, tanto el de la historia como el de su vida, es donde se ha instalado, aunque algo ya parece acechar en la oscuridad. Al alzar la vista, ve una figura que parece observarlo desde lejos. Cuando intenta mirar más de cerca en el vacío, tanto en ese instante como a lo largo de la película, encuentra algo ineludiblemente doloroso que lo mira fijamente y al que tendrá que enfrentarse.

Tras esta fascinante escena inicial, casi sin diálogos, Ohm decide —o al menos se ve impulsado por algo— a ir a un remoto hotel irlandés que era un lugar especial para sus difuntos padres. Va allí para esparcir sus cenizas, y la escena, a la vez sombría y cómica, en la que lo hace, revela su compleja y tensa relación con ambos, obligándolo también a reflexionar sobre su propio pasado. Una angustia abrumadora lo espera allí, hasta que todo se vuelve demasiado y casi lo consume.

Es salvado por una amable camarera, Fiona (Florence Ordesh), quien no solo le habla de la misteriosa suite nupcial del hotel, a la que nadie tiene acceso, sino que también lo trae de vuelta al mundo de los vivos que parecía haberlo dado por perdido. Hablan sobre el final de su historia, y ella lo interpela directamente sobre si lo que él considera una conclusión valiente es en realidad una forma de eludir su responsabilidad. Cuando Fiona desaparece, Ohm se lanza a buscarla, mientras que la mayoría de los demás en el hotel parecen preferir que siga desaparecida.

La experiencia resultante es un triunfo sutil del terror, con una increíble técnica maestra y la misma inquietante fuerza emocional que una gran historia de Stephen King. Es tan entretenida como evocadora, y cada nuevo vistazo a la oscuridad invita a quedarse un rato más para ver qué emerge a continuación. Aunque similarmente contenida como las también sólidas películas anteriores de McCarthy, "Caveat" y "Oddity", "Hokum" demuestra ser su obra más segura, cautivadora y, en última instancia, demoledora hasta la fecha. Ya sea en los breves atisbos del pasado que proporcionan un contexto devastador a lo que inicialmente parecía una frase amarga pronunciada en estado de embriaguez, o en un siniestro programa de televisión infantil que atormenta a Ohm a mitad de la película, impacta de maneras sorprendentes.

Desde el meticuloso diseño de producción de Til Frohlich hasta la rica cinematografía de Colm Hogan, todo en esta película le otorga una mayor profundidad, sumergiéndote en los lúgubres rincones del hotel. Cada detalle hace que las habitaciones —y lo que yace debajo— parezcan infinitas, incluso en medio de la opresión. Cuando Ohm debe adentrarse aún más en las profundidades del hotel con la esperanza de encontrar una salida a esta pesadilla, su viaje se convierte en algo más que una lucha por la supervivencia. En cambio, busca algo más cercano a la salvación existencial en los abismos de la desesperación donde pasa la mayor parte de la película atrapado. A veces, hay que descender al abismo de la oscuridad para emerger a la luz.

Es una situación compleja, pero Scott está a la altura de las circunstancias en cada momento, ofreciendo una interpretación impactante, justo cuando la película se adentra en las profundidades del alma de Ohm. Su interpretación es sencillamente excepcional, transmitiendo el peso emocional de su personaje a la vez que encuentra momentos de humor en medio del horror. Es capaz de mostrar la crueldad de Ohm, sin rehuir jamás cómo el dolor que el escritor carga se ha endurecido hasta convertirse en una coraza impenetrable que utiliza para protegerse de quienes lo rodean.

A medida que los personajes le muestran pequeñas muestras de amabilidad a lo largo de la película, Ohm comienza a darse cuenta de que todavía hay personas que se preocupan por él y que, posiblemente, también tienen esperanzas en él. Afortunadamente, la película no nos lo pone fácil, sino que deja que Scott capture esta transformación gradual pero conmovedora con sutil delicadeza. Del mismo modo que el escritor abre su mente a la posibilidad de que algo más allá de nuestra comprensión se oculte en el hotel, vemos cómo empieza a considerar que su vida quizás no sea tan sombría después de todo.

La película conserva un encanto fascinante y muchos momentos que te conmueven profundamente. La forma en que Ohm y McCarthy encuentran sus respectivos finales resulta significativa. Es un significado que quizás requiera adentrarse en la oscuridad de la película, pero allí encontrarás una visión aterradora y, en última instancia, conmovedora.

Crítica Cinéfila: The Testaments, 1ra temporada

1 temporada, 10 episodios. Drama sobre el paso a la adultez ambientado en Gilead. La historia sigue a dos adolescentes: la devota y obediente Agnes Mackenzie y Daisy, una conversa recién llegada de fuera de las fronteras de Gilead. Continuación de "El cuento de la criada".

«Lo ordinario es simplemente a lo que están acostumbradas», dice la tía Lydia (Ann Dowd) en el primer episodio de "The Handmaid's Tale", dirigiéndose a un aula llena de criadas en formación. Algunas ya llevan sus túnicas rojas y cofias blancas. Otras visten ropa informal, sin saber aún lo que Gilead espera de sus súbditas. Muchas, si no todas, tienen miedo. La tía Lydia ve esos rostros asustados y, a su manera, les ofrece consuelo: «Sé que esto debe resultarles muy extraño», dice. «Quizás ahora mismo no les parezca normal, pero con el tiempo lo será. Se convertirá en algo habitual». 

Y así fue, para gran perjuicio de la serie.

Tras una primera temporada tan impactante y cruda como el mencionado acto de disciplina de la tía Lydia, la adaptación de Bruce Miller de la emblemática novela de Margaret Atwood cayó en patrones repetitivos con una familiaridad que atenuó su impacto. Las escenas de disciplina (o tortura) siempre resultaban agonizantes, pero cada vez menos reveladoras. Mucho antes de su final abrupto, "The Handmaid's Tale" estaba estancada temática y creativamente. Los fans sabían lo que iban a ver en cada temporada, tanto que incluso el final —en el que June (Elisabeth Moss) libera con éxito a Boston pero se niega a retirarse hasta que Gilead desaparezca— dejó de lado el cierre para perpetuar viejos hábitos.

Recordar que la transformación en algo común fue en su momento la consecuencia más escalofriante de la serie resulta peculiar y fundamental. En el primer episodio, la promesa de la tía Lydia pende sobre la cabeza de Offred como la cuchilla de una guillotina. La expresión sombría de Moss, a la que se recurre con frecuencia para transmitir información silenciosa a lo largo de seis temporadas, transmite terror en el presente, así como en un futuro donde el miedo es reemplazado por la resignación. Gilead no puede volverse común. No puede convertirse en la norma. No puede ser vista como otra cosa que lo que es: un patriarcado tiránico que necesita ser erradicado.

Ese sigue siendo el objetivo en "The Testaments", y aunque el enfoque se invierte, la banalidad persiste. Mientras que nuestra narradora anterior, Offred (también conocida como June), era una forastera en Gilead desesperada por recuperar las libertades de las que una vez disfrutó, nuestro guía principal en la secuela solo conoce la vida «bajo su mirada».

Agnes (Chase Infiniti) es obediente, respetuosa y piadosa. Criada por un comandante relativamente amable (Nate Corddry) y una madrastra francamente malvada (Amy Seimetz), Agnes creció con tantos privilegios. Su casa es inmensa y los sirvientes de su familia (las Marthas) la mantienen en condiciones impecables. Conoce todas las costumbres de Gilead, así como las expectativas que se tienen de ella, una joven que se acerca a la edad adulta. Al comienzo de la serie, Agnes es una "plum", su grupo asignado en la escuela preparatoria de la tía Lydia para futuras esposas. Está a punto de graduarse, lo que significa que se casará con un hombre, y su mayor aspiración es encontrar una pareja de la más alta posición.

Pero al borde de alcanzar todo lo que siempre ha deseado, Agnes está aterrorizada. Uno pensaría que los cadáveres que encuentra colgando al borde del camino a la escuela serían la causa, pero eso es normal, al igual que los guardias armados que vigilan las salidas escolares y los castigos rituales que se infligen a los alumnos que se portan mal durante las asambleas. No, lo que asusta a Agnes es algo indescriptible; algo que no puede expresar con palabras, incluso si se le permitiera decirlo.

En la narración, recuerda haberle sonreído a un chico cuando aún era una "rosa" (la alumna más joven). Por "tentarlo", le taparon la boca con cinta adhesiva y la obligaron a sostener un cartel que decía "puta". Así que ahora, sabe que no debe ceder a sus sentimientos por Garth (Brad Alexander), el Guardián que la acompaña por Gilead como a una princesa moderna. Se pregunta cómo sería besarlo, pero es una fantasía sin posibilidad de hacerse realidad.

Hasta que llega una chica nueva a la escuela. Daisy (Lucy Halliday) es una recluta de Toronto, atraída a cruzar la frontera por misioneras de Gilead llamadas Chicas Perla y matriculada con Agnes para aprender las costumbres de su sociedad adoptiva. Daisy ve los cadáveres colgando de los edificios y las sesiones de tortura pública igual que nosotros. Sale corriendo de la asamblea escolar para vomitar cuando a un hombre le cortan el brazo con una sierra de mesa, y palidece al ver a la gente a su alrededor que considera tales actos parte de una civilización próspera.

Es aquí, en el vínculo que se crea entre dos jóvenes de orígenes muy diferentes que se enfrentan a un futuro que ninguna desea, donde «The Testaments» aviva la llama de la rebelión. Tras ser unidas por las autoridades, Agnes y Daisy se acercan cada vez más a convertirse en miembros de pleno derecho de una secta religiosa, y la perspectiva las inquieta con razón. Sus diferentes perspectivas y su comprensión en constante evolución del mundo que están destinadas a heredar (en la medida en que una mujer puede heredar algo en Gilead) son la fricción que genera el cambio.

Es una pena que estos momentos narrativos sean tan cortos. "The Testaments" tiene muchos fallos, sobre todo en la trama. Con una historia que parece sacada de un episodio piloto, pero que se extiende a lo largo de 10 capítulos truncados (la mayoría duran menos de 45 minutos y tres, bastante menos de 40), la secuela es una continuación directa de "The Handmaid's Tale", pero con una relación con su predecesora que resulta a la vez distante y redundante. Esta distancia se percibe en cómo "The Testaments" trata hechos ya compartidos en "The Handmaid's Tale" como si fueran grandes revelaciones. Los fans podrían sentirse confundidos por el final, que gira en torno a una revelación que seguramente será de conocimiento común para los espectadores (y que los personajes también deberían haber reconocido).

Pero la repetición podría ser el mayor defecto de la serie. Aparte de haber mejorado la paleta de colores y reducido la violencia (lo cual tiene sentido, dado que "The Testaments" se basa en una perspectiva privilegiada de la clase alta, en lugar de las atrocidades cotidianas que sufren sus sirvientes), el tono, la estructura y las ideas están copiados directamente de "The Handmaid's Tale".

El tono es excesivamente serio; Dios sabe que estas chicas están oprimidas (y condicionadas a aceptarlo), pero un instituto lleno de adolescentes sin sentido del humor resulta tan innecesario como irreal. Sin revelar detalles importantes, gran parte de la tensión reside en si ciertas protagonistas son descubiertas. Sí, todavía hay espías de Mayday en Gilead, y sí, siguen reportando a sus mismos superiores (disfruten de los cameos), pero también siguen entrando y saliendo de un estado policial con la misma facilidad que exige la trama. Esto no solo reduce el suspense relacionado con los planes más ambiciosos de la serie, sino que también subraya que las ambiciones erróneas de «The Testaments» son las mismas que las de «The Handmaid's Tale».

A pesar de las afirmaciones explícitas en sentido contrario, nada en la primera temporada sugiere que su nueva generación de rebeldes esté mejor preparada para derrocar a Gilead que la anterior, y "The Testaments" tiene dificultades para definir en qué se diferencian estas nuevas voces más jóvenes de las que escuchamos antes. Esto es (al menos en parte) intencional. Ambas series se desarrollan en una época en la que una tasa de natalidad en declive genera pánico generalizado. Proteger la fertilidad prima sobre todo lo demás, ya sea el matrimonio monógamo, el racismo histórico o el libre albedrío.

Eso significa que no hay necesidad de reconocer un cambio en el deseo de procrear de las generaciones más jóvenes. Agnes afirma que quiere casarse y tener hijos, pero "The Testaments" no está interesada en cuestionar las suposiciones de los espectadores sobre traer hijos a una pesadilla totalitaria y patriarcal. En lugar de preguntarse si el sueño en su cabeza choca con la pesadilla que tiene ante sus ojos, "The Testaments" le ofrece (y a los espectadores) una salida fácil: todos sus pretendientes son personas mayores. ¡El horror! Es mucho más fácil entender por qué nadie quiere formar una familia con un pedófilo que considerar por qué, incluso con la disminución de la población mundial, algunas personas no pueden imaginar aumentarla.

La raza, otro tema muy pertinente, también es un factor frustrantemente irrelevante (al igual que en la serie original). Ni siquiera establecer un personaje principal negro y elegir a una actriz negra talentosa para interpretarlo logra que "The Testaments" se aleje de su interpretación posracial del fundamentalismo religioso en Estados Unidos. Infiniti es efectiva y conmovedora, aunque limitada por un guion que le exige repetir los mismos diálogos. Cada vez que varias esposas susurran sobre el linaje manchado de Agnes, queda claro que solo se refieren al hecho de que es adoptada, no a que sea una persona de color en un mundo que Atwood diseñó a imagen y semejanza de los supremacistas blancos, pero sobre el cual no dice nada.

Lo que es relevante en la actualidad —la misoginia, la homofobia, la capitulación ciega, la capitulación voluntaria— también lo era hace 10 años, lo que contribuye al tedio de "The Testaments". Ver a jóvenes privilegiadas tomar conciencia de su sometimiento habitual resulta menos impactante que presenciar una rebelión obrera justa. La incorporación activa de nuevas perspectivas podría haber dado más dinamismo a la obra, pero el análisis generacional es limitado cuando se ignoran las prioridades de esas generaciones.

En cambio, al igual que el libro que la precedió, la serie se concibe como un acto de testimonio. La frase «Así fue» para Agnes, Daisy y la tía Lydia se interpreta fácilmente como «Así es como nos sentimos tú y yo». Pero incluso con tres narradores en lugar de uno, "The Testaments" tiene dificultades para expresar algo que "The Handmaid's Tale" no haya mostrado ya. Si nosotros, como espectadores, queremos comprender la difícil situación de estos personajes para evitar caer en las mismas trampas, inspirarnos para sobrevivir como ellos o simplemente conectar con los acontecimientos actuales desde la relativa seguridad de nuestros televisores , entonces las futuras temporadas tendrán que profundizar mucho más.

De lo contrario, solo estaremos viendo cómo la historia se repite. Y en 2026, ese hábito se ha vuelto demasiado común.

Crítica Cinéfila: The Devil Wears Prada 2

La lucha de Miranda Priestly contra Emily Charlton, su exasistente convertida en ejecutiva rival, mientras compiten por los ingresos por publicidad en medio de la decadencia de los medios impresos y Miranda se acerca a la jubilación. 

Recuerdas los momentos finales de "The Devil Wears Prada", donde Andy Sachs (Anne Hathaway), nuestra heroína, ha sufrido un duro golpe al dejar atrás su cómodo trabajo en la revista de moda Runway, la biblia de la moda, y se ha topado de golpe con la despiadada realidad del mundo en el que se había sumergido tan inesperadamente tras recibir unos cuantos vestidos bonitos. Ha huido de la Semana de la Moda de París, ha dejado a su malvada jefa Miranda Priestly (Meryl Streep) en el proceso y ha regresado a Nueva York para trabajar en un pequeño periódico de bajo presupuesto.

Encantada por su capacidad para retomar el rumbo, Andy, sacudiendo su cabello, va a toda velocidad por una calle concurrida, una velocidad que enfurecería a la mayoría de los neoyorquinos, cuando ve a Miranda subirse a su coche con aire despreocupado. Sus miradas se cruzan. Andy hace un pequeño saludo. Miranda la ignora, aparentemente , pero le dedica una leve sonrisa cuando está a salvo y sola. Estas dos van a triunfar, nos dice la película, y a esto se le llama respeto.

Veinte años después, el dúo está de vuelta para “The Devil Wears Prada 2”, que reúne no solo a las estrellas originales Hathaway, Streep, Stanley Tucci y Emily Blunt, sino también al equipo creativo principal, incluyendo a Frankel, la guionista Aline Brosh McKenna, la autora Lauren Weisberger, la diseñadora de vestuario Molly Rogers, el compositor Theodore Shapiro y muchos más. Y si bien veinte años es mucho tiempo para esperar una secuela en el Hollywood obsesionado con las franquicias, la relativa pausa entre películas ha servido principalmente para generar anticipación por encima de todo. En general, esta continuación es el equivalente cinematográfico de Temu: la forma está ahí, pero los detalles son terribles.

Si bien Weisberger —esta vez acreditada como coguionista— publicó una secuela de su exitosa novela (basada en su propia experiencia como Andy Sachs) en 2013, la película de Frankel no tiene nada en común. En cambio, la película comienza con Andy aún alejada del mundo de la moda y profundamente inmersa en su carrera periodística, cuando el periódico donde trabaja despide a todo su personal en los primeros minutos de la película (y mientras ella y sus colegas reciben premios por su trabajo en un almuerzo del gremio).

Al mismo tiempo, la carrera de Miranda está en la cuerda floja. La industria de las revistas se está desmoronando. La publicidad está disminuyendo. Y un escándalo en el que Runway fue engañada por una marca de moda rápida con vínculos con talleres clandestinos ha empañado la impecable reputación de la revista. Cuando el jefe de Miranda, el heredero de una fortuna en los medios, Irv Ravitz (Tibor Feldman), ve un video viral de una Andy furiosa, desesperada por el estado del periodismo, decide matar dos pájaros de un tiro. Andy regresará a Runway para dirigir la sección de reportajes y aportar prestigio a la revista. Miranda, bueno, ¿se las arreglará con eso?

Brosh McKenna y Weisberger hacen un buen trabajo convenciendo tanto a Andy como a nosotros, lo cual no es poca cosa. Pero si el regreso de Andy a Runway se parece mucho al de la primera película, esa sensación persistirá, ya que la secuela imita la original casi al pie de la letra, con algunos pequeños cambios. Si algo funciona... bueno, ¿por qué no hacer una secuela entera? Siendo más optimistas, si esta secuela les da a los fans más de lo que les encantó en un principio, al menos no es del todo desastrosa ni extrañamente insultante. Está regularmente entretenida.

Brosh McKenna y Weisberger incluyen grandes preocupaciones sobre adquisiciones corporativas masivas y despidos constantes en los medios (y referencias mucho menores de la IA, que parecen introducidas a la fuerza), aunque no prestan atención a lo que podría ser el mayor competidor de Runway: los influencers. En el mundo de "The Devil Wears Prada 2", parecen no existir. (Miranda, sin embargo, sigue siendo una gran atracción, recibida por fans fervientes en cada aparición).

Sin embargo, esta Miranda ha perdido algo de su esencia: uno de los pocos momentos realmente divertidos de la película muestra a Amari (Simone Ashley), reprendiendo levemente a su jefa cada vez que dice algo que podría meterla en problemas, desde chistes sobre Nueva Jersey hasta una broma sobre querer suicidarse por una mala sesión de fotos. Además, se ve un poco superada por las circunstancias en situaciones inesperadas. Se encuentra completamente desprevenida tanto por el escándalo que trae de vuelta a Andy como por las intrigas corporativas que amenazarán algo más que su cuenta de gastos de viaje. Streep, como siempre, está hilarante en el papel.

Hathaway también logra volver a meterse en la piel de Andy Sachs. Un poco mayor, un poco más sabia, y aún convincentemente influenciada por lo que cree correcto (con un toque de estilo adorable incluido). Si el verdadero atractivo de la película es reunir a su dúo protagonista, es difícil discutirlo. Se han hecho secuelas mucho peores por razones mucho menos convincentes.

El círculo de amigos de Andy todavía incluye a su mejor amiga Lily (Tracie Thoms), quien, a pesar de vivir en un precioso loft y ser una galerista de éxito, aún se emociona con un regalo de Runway. También está una amiga periodista con la que comparte trabajo en el periódico (anónima porque a su personaje no se le menciona el nombre) y una enérgica agente literaria que nunca ha oído hablar de un acuerdo de confidencialidad (Rachel Bloom, también horriblemente anónima). Patrick Brammell aparece como interés amoroso de Andy, el arquitecto Peter, de carácter apacible, pero el guion no le da nada más que hacer.

BJ Novak como el hijo de Irv, amante de los chalecos tecnológicos, que no entiende ni a Runway ni a Miranda. Kenneth Branagh es el último marido de Miranda, un músico famoso que parece estar feliz de estar allí. Y también está la maravillosamente segura de sí misma Lucy Liu como una especie de sustituta de MacKenzie Scott, difícil de descifrar, con Justin Theroux como su increíblemente rico y profundamente estúpido exmarido Benji.

Gracias a Dios por el regreso de las demás estrellas, incluyendo al divinamente tranquilo y sereno Nigel de Stanley Tucci y a Emily Blunt como la eterna MVP de la franquicia, en el papel de la absolutamente desquiciada y a menudo acertada Emily. Mientras Andy regresa a este mundo, Miranda, Nigel y Emily han seguido girando en torno a sí mismos durante décadas. (A pesar de los cambios en el mundo de los medios, Miranda y Nigel conservan prácticamente los mismos puestos, mientras que Emily se ha trasladado a Dior, donde controla el presupuesto publicitario, tan esencial para la revista).

No, algunas cosas no cambian. Y eso incluye el deseo de Andy de obtener la aprobación de Miranda, que sigue escaseando. La trama básica de la película es bastante simple: ¿podrán Miranda y Andy salvar Runway juntas? Y solo toca brevemente temas más picantes. Si te encantó la primera película, seguro que te gustará esta. Eso sí, verás venir todos los giros de la trama desde lejos.

Tras dos películas, persiste otra eterna pregunta: ¿Podrá Andy llegar a congeniar de verdad con Miranda? Es una pregunta fascinante, que recorre toda la película hasta el último momento, incluso mientras la trama y su personaje titubean y vacilan en su respuesta. Pero, ¿quién se siente realmente cómodo con Miranda Priestly? Una invitación a la casa de Miranda en los Hamptons hace que Andy se sienta parte del grupo, aunque la secuencia parece existir simplemente para presentar a un desconcertante grupo de los amigos más cercanos de Miranda (todos interpretándose a sí mismos).

La escapada a los Hamptons también nos recuerda que tanto Miranda como Andy aún tienen grandes sueños, ya que una Miranda algo ebria (y encantadora) le confiesa a Andy que Irv está a punto de ascenderla a un puesto muy cómodo: directora global de contenido en Elias Clarke. Sí, el mismo puesto que Anna Wintour ocupa actualmente en Condé Nast, un giro argumental poco original para una película que se siente demasiado cómoda con su villano protagonista.

En serio, ¿cuándo se olvidó todo el mundo de que esta franquicia se basa en una novela con personajes reales en la que a Wintour, por cierto, la llaman el Diablo? Esa chispa brilla por su ausencia esta vez; la comedia original se ha sustituido por un humor prefabricado, que al final es también la verdad, pero si la primera película fue de esas que nunca pasan de moda, "The Devil Wears Prada 2" durará una temporada. Y ya está.

Crítica Cinéfila: Michael

El viaje de Michael Jackson más allá de la música, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en una visionaria estrella cuya ambición creativa despertó un incansable afán por consagrarse como el mayor icono de la industria del entretenimiento.

Con "Michael", definitivamente estamos viendo una película biográfica de música pop para revivir el poder y la gloria de una estrella que admiramos. También experimentamos una sensación de descubrimiento, pues queremos ver a ese artista de cerca, como nunca antes. Y aún así, Michael Jackson es un caso especial. Creció bajo los focos, una superestrella del pop mundial desde los 10 años, y cuando llegó a la edad adulta y lanzó su carrera como solista, se convirtió en el ídolo pop más observado de su época. Su asombroso genio, su personalidad esquiva pero reservada, sus cirugías estéticas, sus problemáticos lazos familiares, sus legendarias excentricidades: todo fue tratado como en una película biográfica en tiempo real.

Michael Jackson fue —y sigue siendo— el artista de música pop más trascendente desde los Beatles, lo que significa que es casi inevitable que "Michael", la película biográfica de Antoine Fuqua, aborde dramas, tanto dentro como fuera del escenario, que ya no sean sumamente familiares. Dado que la película evita cualquier referencia a las acusaciones de abuso sexual infantil que persiguieron a Jackson desde 1993 (acusaciones que se han vuelto aún más notorias desde su muerte en 2009), podría decirse que esto deja a "Michael" con un vacío en su esencia. En resumen, esta no es una película sobre el lado oscuro de Michael Jackson. Y honestamente, se le agradece.

La sorpresa de "Michael" es lo bien que funciona y lo absorbente que resulta como película biográfica convencional. Es básicamente una versión de la historia de Michael Jackson al estilo de las películas para televisión de los 80, con actuaciones más pulidas y una fotografía más elegante. Recorre los grandes éxitos de su carrera, desde el video de "Don't Stop 'til You Get Enough" hasta su memorable interpretación de "Billie Jean" en el especial del 25 aniversario de Motown, y reduce sus demonios internos a uno solo: Joe Jackson, su padre, un estafador curtido, interpretado con prótesis por Colman Domingo como el monstruo manipulador del que Michael luchó por liberarse. La película está llena de montajes que utilizan los éxitos de Jackson de una manera obvia y complaciente con los fans. Cuenta con una aparición estelar de Mike Myers como Walter Yetnikoff, presidente de CBS Records, para la inevitable escena en la que Michael presiona a Yetnikoff para que coaccione a MTV y emita los vídeos de Michael.

Sin embargo, si te centras en lo convencional de "Michael" o en lo que la película omite, podrías perderte la urgencia conmovedora de lo que sí incluye: el viaje de Michael Jackson para convertirse en sí mismo liberándose del pasado. Creo que el público va a acoger ese viaje, y a "Michael" en sí, con gran entusiasmo.

Lo que da cohesión y significado a la película es la maestría e intensidad de la interpretación de Jaafar Jackson. Jaafar, el hijo de 29 años de Jermaine Jackson, es sobrino de Michael Jackson y nunca antes había actuado en una película. Pero logra captar a la perfección la imagen, la voz, los movimientos electrizantes y, sobre todo, la mezcla de delicadeza y fortaleza que definieron a Michael. Jaafar no es tan atractivo ante la cámara como Michael (de la misma manera que Austin Butler no era tan divino como Elvis), pero su ternura, un poco más terrenal, le permite resaltar la vulnerabilidad de Michael. Y la película, a su manera, transmite la energía de Michael Jackson. Nos muestra cómo, al igual que Brian Wilson o Little Richard, fue un artista con una visión moldeada por sus heridas.

La película comienza en la sala de estar de la casa de la familia Jackson en Gary, Indiana, en 1966, donde Joe somete a sus cinco hijos a un ensayo como si fuera un ritual de iniciación militar. Joe es el entrenador y el mánager, el que cree que sus chicos pueden sacar a la familia Jackson de la miseria de la clase media baja que de otro modo sería su destino como afroamericanos. Joe tiene un sueño: el sueño americano. Pero otra forma de decirlo es que los Jackson 5, liderados por Michael y sus movimientos a lo James Brown y su virtuosismo de soprano soul sin precedentes (ningún niño en la historia ha cantado con esa fraseología adulta ), serán su salvación. Joe es más duro con Michael, a quien golpea con su cinturón. No hay ambigüedad sobre lo que esto es (es maltrato infantil), pero lo más desgarrador es que Juliano Valdi interpreta al joven Michael como un niño dulce demasiado sensible para relacionarse con otros niños. Por eso la fama lo llena. Convierte su "singularidad" en su propia identidad.

Tras capturar el ascenso de los Jackson 5, “Michael” nos transporta a 1978, cuando Michael se une al productor Quincy Jones (Klendrick Samson) para grabar “Off the Wall”. Jaafar Jackson capta a la perfección la voz aguda y melosa de Michael, pero también nos muestra cómo evoluciona esa famosa personalidad. Cuando Michael comienza a convertir la casa de los Jackson en Encino en un zoológico, llenándola con una llama, una jirafa y Bubbles, el chimpancé, estos animales son sus únicos amigos, pero también expresan su agresividad interior. En un bufete de abogados, Michael entabla amistad con John Branca (Miles Teller), un abogado del mundo del espectáculo de pelo revuelto que representó a los Beach Boys y a Neil Diamond, e inmediatamente le ordena a Branca que despida a Joe como su mánager, lo cual Branca hace con una notificación de despido de una sola frase enviada por fax. Esto le da a Michael el espacio emocional necesario para concebir y grabar “Thriller”.

Hay una secuencia genial donde Michael entra en un club de Los Ángeles, con auténticos pandilleros, y crea la coreografía del video de "Beat It" a partir de sus movimientos. Busca una estética dance-pop que canalice la ira de la realidad; esa se convertirá en su sello distintivo. Sin embargo, incluso cuando Michael toma el control de su vida y su imagen (lo vemos operarse la nariz, aunque, de hecho, se había sometido a más retoques estéticos en ese momento, y la película atribuye todo su blanqueamiento de piel al vitíligo), el espectro de su padre autoritario sigue presente. Después de que "Thriller" le dio inicio a la era de la Michaelmanía, Joe cierra un trato con Don King (Deon Cole), a espaldas de Michael, para que este se vaya de gira con los Jackson 5. El contrato de Michael con Pepsi forma parte de eso, y la representación que hace la película del horrible accidente que sufrió durante la filmación de un comercial de Pepsi —una chispa le prendió fuego al cabello y al cuero cabelludo— hace que el trauma parezca una consecuencia del karma de Joe.

En la película, al ver la incandescente interpretación de Michael de "Human Nature" en el escenario, vemos cómo incluso allí fue capaz de expresar su sublime arte. Y entonces… ignora a Joe. Para siempre. Tras un salto temporal a una interpretación de Michael de "Bad" en el escenario, la película nos deja con las palabras: "Su historia continúa…". En otras palabras, "Michael" podría ser la primera película biográfica concebida como una franquicia. Normalmente, sería escéptica al respecto. Pero si los cineastas deciden continuar la historia de Michael Jackson, no será solo una extensión de marca, sino una oportunidad: tal vez para adentrarse en ese lado oscuro después de todo.

Crítica Cinéfila: The Drama

Una pareja, en los días previos a su boda, se enfrenta a una crisis cuando unas inesperadas revelaciones desbaratan lo que uno de ellos creía saber sobre el otro.

¿Cuánto de tu pasado deberías revelarle a tu adorable prometido antes de decir "acepto"? Probablemente sea mejor evitar los temas más delicados en los días previos a la ceremonia, pero aun así, los jóvenes ingenuos y atractivos pueden sacarlos a relucir imprudentemente, asumiendo que los secretos no pueden ser tan grandes ni tan numerosos, ni tan difíciles de olvidar. En “The Drama”, una comedia incómoda que gira en torno al caso extremo de nerviosismo matrimonial, Robert Pattinson ofrece una de las actuaciones más nerviosas de la historia del cine. Esta situación constituye el eje central de esta película ingeniosa pero divertida, de alto concepto y gran tensión, del director noruego Kristoffer Borgli; una sátira europea del prestigio burgués estadounidense que busca incomodar y angustiar al espectador.

Charlie, interpretado por Robert Pattinson, es un joven historiador de arte británico, algo desaliñado y con gafas, que reside en Estados Unidos y conoce de forma inesperada a la deslumbrante Emma, ​​interpretada por Zendaya, en una cafetería. Deslumbrado por su belleza mientras ella lee, Charlie se acerca, pero como Emma es sorda de un oído y escucha música con el otro, al principio no oye sus titubeantes intentos de conversación. Charlie, confundiéndolo con desprecio, se siente mortificado. Pero pronto se rompe el hielo, comienza una gloriosa historia de amor y el malentendido se convertirá en una anécdota divertidísima para el discurso de la boda.

Pero Borgli muestra algo siniestro en esta escena, imponiendo un estilo de terror psicológico a los clichés de la comedia romántica. El diseño de sonido es extraño: ruidos ambientales inquietantes se desvanecen en el silencio, primeros planos amenazantes y figuras de viento disonantes y perturbadoras en la banda sonora. 

A medida que se acerca el día de su boda, Charlie y Emma van a cenar con sus amigos Rachel (Alana Haim) y Mike (Mamoudou Athie), donde se retan a confesar las peores cosas que han hecho. Llegado este punto, aquellos que no aguanten los spoilers o el análisis cinéfilo deberían dejar de leer, ya que Emma revela que, cuando tenía 14 años (interpretada en un flashback por Jordyn Curet), planeó perpetrar un tiroteo en la escuela secundaria, pero no pudo llevarlo a cabo, y que su sordera parcial, lejos de deberse a una infección grave en la infancia como ella afirmaba, en realidad fue causada por sostener el rifle de asalto de su padre demasiado cerca de su oído mientras practicaba tiro en el bosque.

Borgli inventa una razón exquisitamente horrible y cínica para que Emma se eche atrás. Justo cuando iba a sacar la pistola escondida en su mochila, en el colegio se enteraron de que se estaba produciendo otro tiroteo masivo en el centro comercial local, donde había muerto un compañero suyo; su plan había sido eclipsado y arruinado, así que simplemente decidió olvidarlo. Es un desenlace que Bret Easton Ellis habría admirado.

Emma espera que todos pasen por alto esta revelación precipitada o que acepten su afirmación de que ahora es perfectamente normal. Pero todos están conmocionados. No pueden olvidar lo que han oído. Y Charlie presiente que su relación, aparentemente perfecta, comienza a desmoronarse.

"The Drama" es una mezcla descaradamente ofensiva de dos fenómenos estadounidenses: la comedia de bodas de Hollywood y el tiroteo en una escuela. Parte de su ingenio reside en esta ambigüedad genérica: ¿sátira o thriller? Puede que no estemos seguros del tono en que se presenta el secreto; su condición de absurdo macabro y de humor negro depende de que aceptemos la recuperación total de Emma. Una mujer que dispara es extremadamente rara en comparación con los hombres, pero el guion de Borgli se anticipa a esa objeción con ejemplos.

Charlie empieza a preguntarse si la tendencia latente de Emma a la violencia podría resurgir. Y la película plantea con toda seriedad la idea de que probablemente haya miles de personas así entre nosotros: los que estuvieron a punto de cometer un asesinato en secreto, pero que no lo llevaron a cabo y volvieron a la normalidad.

La película flaquea un poco en lo que nos cuenta sobre las consecuencias del supuesto crimen: lo que hizo la adolescente Emma y cómo se comportó en las semanas y meses posteriores al tiroteo que le robó el protagonismo. Charlie no está convencido e incluso lo compara con la trama de Lacombe, Lucien de Louis Malle, pero en realidad transmite una sensación reconfortante de lo que ella era y quién es, y seguramente Emma y Charlie se habrían esforzado por contarles todo esto a sus amigos, en particular a la horrorizada Rachel.

"The Drama" posee el estilo mordaz, ingenioso y de mal gusto de su anterior película, "Dream Scenario", y ambas superan a su comedia sobre el narcisismo, Hambre de mí mismo . Nos ofrece una provocación, un juego de ingenio y desprecio, un colapso psicológico articulado con mayor astucia que en muchas otras películas de tono más solemne. Y cumple lo que promete en su título.

Crítica Cinéfila: Lee Cronin's The Mummy

La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.

Lee Cronin's The Mummy es un título que busca aclarar algunas cosas para el público. Sí, es una película de terror sobre momias, pero no es la última entrega ni el remake de la aclamada franquicia de acción y aventuras de Brendan Fraser . Tampoco tiene nada que ver con la última gran película titulada The Mummy , que resultó ser el fracaso del Dark Universe , al menos en esa versión . Pero en lugar de aclarar las cosas, el título parece haber generado más preguntas, como "¿Quién demonios es Lee Cronin?" y posiblemente "¿De dónde sacó una momia?".

Cronin se encuentra en una etapa ligeramente más temprana de su carrera como director de terror que Carpenter cuando su nombre comenzó a aparecer en los títulos de sus películas. "The Mummy" es el tercer largometraje de Cronin, aunque tuvo un segundo trabajo de gran repercusión con "Evil Dead Rise". A primera vista, su versión de "The Mummy" se asemeja a "Evil Dead Rise", solo que rotando la amenaza de una madre soltera mientras está poseída por un molesto espíritu Deadite, a una niña que amenaza a sus padres y hermanos mientras está poseída por un demonio ancestral. Ciertamente hay una sensibilidad similar en la combinación de gore horripilante y escenas tan exageradas que alcanzan un nivel de humor macabro.

Sin embargo, no se trata simplemente de las comparaciones, ni estrictamente de una historia de niños poseídos por demonios como "The Omen", aunque sin duda hay cierta influencia de esa película de 1976. Cronin ha encontrado una nueva y más ingeniosa manera de adentrarse en la mitología de la momia, explotando los miedos de los padres y jugando con la maleabilidad de la forma humana.

En lugar de centrarse en la realeza del antiguo Egipto resucitada, como en las clásicas películas originales de los Monstruos de Universal, "The Mummy" de Lee Cronin comienza con una familia egipcia aparentemente normal hurgando en una tumba bajo una granja. Luego, la narración cambia a una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie Cannon (Jack Reynor), trabaja como periodista de televisión, mientras que la madre, Larissa (Laia Costa), hace turnos de enfermera en un hospital. Larissa espera su tercer hijo, después de los conflictivos Sebastián (Shylo Molina) y Katie (Emily Mitchell). Su relativa felicidad familiar se ve truncada cuando Katie es raptada del jardín familiar, una pesadilla tan impactante como cualquiera de los horrores más sobrenaturales de la película.

La policía, incluyendo a la detective Zaki (May Calamawy), no logra ningún avance en el caso. Ocho años después, la familia Cannon ha regresado a Nuevo México, y la hija menor, Maud (Billie Roy), tiene aproximadamente la misma edad que Katie tenía cuando desapareció. Entonces ocurre lo que parecía imposible: encuentran a Katie entre los restos de un accidente aéreo, con vida, aunque no necesariamente bien. Finalmente regresa con sus padres, pero a pesar de su alegría inicial, algo anda claramente mal.

Mientras la familia se adapta a la inquietante presencia de Katie y a los extraños incidentes que ocurren en la casa, el detective Zaki continúa investigando qué le sucedió realmente a la niña. Ahora interpretada por Natalie Grace con una gran cantidad de maquillaje sucio, Katie no habla al principio, y sus extremidades están retorcidas y nudosas. Esas viejas películas de momias de Universal, como la mayoría de los proyectos de monstruos de Universal, trataban sobre personajes monstruosos con rastros persistentes de humanidad; las momias resucitadas en particular están atrapadas entre la vida y la muerte, sus cuerpos parcialmente conservados, mientras que su esencia permanece esquiva. Ese es el efecto que Cronin busca con esta película, pero actualiza el concepto con un nuevo grado de horror y la transgresión añadida de que esto le ocurra a una niña. Katie no se parece a como era de pequeña, pero tampoco se parece a la adolescente en la que debería haberse convertido. Los espectadores de terror modernos pensarán en posesión demoníaca, o en zombis, que hoy en día son monstruos cinematográficos más comunes que las anticuadas momias.

Cronin no envuelve a Katie con vendas. Sin embargo, encuentra variaciones novedosas y a veces deliciosamente desagradables sobre la idea de un cuerpo resucitado mantenido unido por sus vendajes. En un momento dado, parece preguntarse si la piel humana misma podría considerarse una forma de vendaje precario. A lo largo de la película, Cronin utiliza primeros planos grotescos que distorsionan visualmente partes de los cuerpos de sus personajes, estén o no afectados por la momia: dientes, piel, globos oculares y dedos son materia prima para su manipulación visual. Su truco favorito es el plano con dioptría dividida, que permite que los sujetos en primer plano y en el fondo aparezcan nítidos dentro del mismo encuadre, mientras que el espacio negativo entre ellos se ve especialmente borroso.

Este efecto suele usarse con moderación, pero está presente en toda la película de Cronin, reflejando la intensa y malsana fijación de la inquietud potencialmente monomaníaca de un padre. En una toma con dioptría dividida de la película, se ve el pie grisáceo y nudoso de una niña en un primer plano extremo, mientras que el rostro preocupado de su madre también está nítidamente enfocado en el fondo, con el espacio entre ellas borroso. Estos planos hiperenfocados también convierten las diferencias físicas de Katie en extrañas abstracciones de cómo "debería" ser su físico, situándola en un valle inquietante entre la preservación, la resurrección y la reanimación. 

Al igual que con "Evil Dead Rise", "Lee Cronin's The Mummy" a veces se mueve en un extraño valle entre la empatía por el sufrimiento de sus personajes y el regocijo con el que Cronin lo representa. Cronin empuja a sus personajes hacia una resonancia emocional que, a pesar de sus superficiales interpretaciones, no logran transmitir, incluso con un buen tiempo en pantalla. Pero esta deficiencia se hizo más evidente en "Evil Dead Rise", ya que competía con el recuerdo de entregas anteriores de la franquicia que eran más divertidas ("Army of Darkness"), más aterradoras ("The Evil Dead" o su remake de 2013) o ambas cosas ( "Evil Dead 2"). "Lee Cronin's The Mummy" es una variación tan marcada de una franquicia menos específica que es más fácil simplemente disfrutar de su humor negro y travieso como una novedad hecha con entusiasmo.

¿Eso la hace más efectiva como película de terror o disminuye su impacto? Depende de lo que busques como audiencia. Cronin solo explota la rebeldía adolescente como un orquestador de caos y gore, no como un observador perspicaz de la condición estancada de Katie entre la niñez y la adultez, lo que podría haber sido una poderosa metáfora. De igual manera, el tema de la película sobre la negligencia y/o el sacrificio parental es superficial. Sin embargo, como espectáculo de terror para geeks, "Lee Cronin's The Mummy" cumple con creces, y a mayor escala que sus predecesoras no oficiales. No es una película tan personal como sugiere el título posesivo, pero el marketing es en gran medida correcto: por primera vez en mucho tiempo, una momia preside un auténtico espectáculo de terror.

Crítica Cinéfila: The Truth and Tragedy of Moriah Wilson

Retrato íntimo de la ciclista Moriah Wilson, criada por una familia fuerte y cariñosa, cuyo singular empuje la impulsó a la brillantez atlética antes de que su vida se viera trágicamente truncada por un asesinato.

La documentalista Marina Zenovich se ha labrado un nombre como cineasta con talento para tomar a las celebridades y desafiar sus arraigadas imágenes públicas, no necesariamente de una manera iconoclasta, sino de una manera que dice: "Esta es la historia que crees conocer, con suficiente información que la complica como para obligarte a reflexionar, si no a reconsiderarla". Puede resultar frustrante si uno no está convencido de que la reconsideración merezca la pena, pero desde Roman Polanski hasta el escándalo del equipo de lacrosse de Duke y su reciente documental de CNN sobre Chevy Chase, Zenovich ha consolidado una marca.

Al ver "The Truth and Tragedy of Moriah Wilson", de Zenovich, que se estrenó en SXSW antes de su lanzamiento en Netflix, queda inevitablemente claro que Zenovich es mucho menos eficaz a la hora de encontrar una profundidad similar en una historia que la gente quizás no conozca. Con una sonrisa radiante y un palmarés cada vez más impresionante en el ciclismo, Moriah Wilson parecía estar a punto de alcanzar la fama nacional cuando fue asesinada en 2022 en Austin, Texas. La historia acaparó titulares por el sensacionalismo de su triángulo amoroso mortal, pero cuando Lifetime la adaptó como una película para televisión en 2024, el título —Yoga Teacher Killer: The Kaitlin Armstrong Story— se centró en el asesino convicto y no en la víctima.

Enhorabuena a Zenovich por utilizar esta película para reafirmar la presencia de Wilson en el centro de la historia. Sin embargo, el documental es una mezcla torpe de hagiografía excesivamente seria y sensacionalismo barato de crímenes reales, sin llegar a ser del todo satisfactorio en ninguno de los dos aspectos. El retrato que Zenovich hace de Wilson es afectuoso pero superficial, y si bien la investigación del asesinato y el juicio tuvieron algunos giros inesperados, todo resulta menos sensacionalista de lo que los aficionados al género podrían esperar. Incluso si ese es el objetivo del documental —despojarlo del sensacionalismo y revelar que la "verdad" es bastante simple—, ambas partes rara vez se integran con éxito.

Con la participación activa de la familia de Wilson —su padre, Eric, su madre, Karen, y su hermano, Matt, aparecen en cámara y, obviamente, proporcionaron mucha documentación— y de un grupo de amigos, entre ellos Caitlin Cash, cuyo apartamento en Austin fue el lugar de la tragedia, Zenovich ofrece una instantánea del crecimiento de Wilson, desde el adorable bebé que balbuceaba en vídeos caseros hasta el aspirante a esquiadora y prometedora ciclista.

Quizás sepas más que yo sobre ciclismo de grava y otras disciplinas ciclistas, pero creo que el documental no explica bien en qué competía Wilson, su alcance y dimensiones, ni qué la hacía especialmente hábil más allá de su dedicación y perseverancia. Se entiende que recorría largas distancias y a veces ganaba carreras por amplio margen, pero la información es solo parcial. Incluso quienes mejor la conocieron hablan de ella con halagos idealizados en lugar de detalles concretos, y el uso de fragmentos narrados de su diario para ofrecer una perspectiva adicional demuestra, en general, que era una joven con grandes sueños. Me alegró, al menos, que Zenovich contratara a la actriz Olivia Sinnott para leer los extractos del diario en lugar de sucumbir a la reciente convención documental de recrear su voz con inteligencia artificial. 

Algunos aspectos de la historia detrás del asesinato —Wilson sentía atracción romántica por el ciclista Colin Strickland, quien vivía con su novia intermitente, Kaitlin Armstrong— son sórdidos; si Zenovich no quería que se percibiera así, debería haber manejado a sus entrevistados con mayor tacto. El periodista especializado en ciclismo Ian Dille se muestra particularmente sarcástico al hablar de la relación entre Strickland y Armstrong, sonriendo y riendo mientras comenta una situación que terminó en asesinato. Es un tono que desentona terriblemente con la sobriedad del resto del documental y que podría haberse evitado fácilmente en la edición.

Cuando el documental aborda el crimen y su investigación, Zenovich presenta a varios policías y abogados que ofrecen versiones frías y objetivas de cómo llegaron a identificar a Armstrong como sospechosa y sus posteriores intentos de evadir la justicia. Una vez más, este tono desentona con los recuerdos de los familiares afligidos y demás personas afectadas.

La conclusión a la que todos llegan es que es imposible saber o comprender qué pasaba por la mente de Armstrong y qué papel desempeñó Strickland en todo esto, y si ese es el caso, no está claro qué pretende lograr el documental. Incluso una o dos personas que conocieron a Strickland y Armstrong no tienen información sobre su relación. Al final, se revela que Zenovich tuvo acceso a Strickland para una conversación en la que se le ve demacrado, pero no dice nada relevante.

El momento de indiferencia con Strickland demuestra cómo esta situación lo ha marcado de forma permanente, lo cual encaja con los segmentos finales centrados en el impacto a largo plazo en la familia de Wilson y, quizás de manera más contundente, en Cash, quien aún vive en el mismo apartamento. Pero si la mitad del documental es un resumen rutinario de crímenes reales, y una de las pocas personas con información no revelada aparece y no dice nada, todo queda en nada creíble.

"The Truth and Tragedy of Moriah Wilson" narra una historia triste y sus consecuencias, pero no estoy segura de haber comprendido realmente a su protagonista ni su trágica muerte. Y a veces, la muerte trágica es verdaderamente incomprensible. Pero en esta película se le trata de forma demasiado sutil y superficial.

Crítica Cinéfila: Something Very Bad Is Going to Happen

En la víspera de su boda, una mujer viaja a la casa de la familia de su prometido, donde una serie de sucesos inquietantes comienzan a volverla paranoica.

Según las canciones de amor, encontrar a tu alma gemela debería ser una experiencia cálida, placentera y dichosa. Pero intenta explicarle eso a una novia nerviosa en los días previos a su boda, cuando se da cuenta de cuánto de su futuro ha apostado a que su prometido es realmente el indicado. "Something Very Bad Is Going to Happen" de Netflix, de la creadora Haley Z. Boston y los productores ejecutivos Matt Duffer y Ross Duffer, toma esos nervios preboda y los amplifican hasta extremos sobrenaturales, para finalmente convertirse en una visión sorprendentemente reflexiva y satisfactoriamente sangrienta sobre la imposibilidad de la certeza de un romance absoluto.

A primera vista, Rachel Harkin (Camila Morrone) y Nicky Cunningham (Adam DiMarco) parecen una pareja prometedora. Ella es la melancólica, un manojo de ansiedades envuelto en camisetas negras y rodeado por una omnipresente bocanada de humo de marihuana. Él es el optimista impecable, siempre dispuesto a dar una respuesta tranquilizadora o un comentario ingenioso. A pesar de sus personalidades opuestas, es evidente que se entienden a la perfección, comprenden las necesidades, los deseos y el sentido del humor del otro. Cuando están juntos, incluso una parada en carretera para repostar y tomar un café puede convertirse en una cita improvisada y coqueta, salpicada de chistes picantes sobre sexo oral y reflexiones juguetonas sobre los hijos que tal vez esperan tener algún día.

Sin embargo, Rachel presiente que algo no anda bien. A medida que la pareja se acerca a la gran casa de vacaciones de los Cunningham en el campo, donde planean celebrar su boda dentro de cinco días, parecen abundar los malos presagios: fragmentos de una conversación inquietante que se escuchan por casualidad, un zorro muerto al costado del camino, un auto que pasa con la inscripción "recién casados" escrita con pintura color sangre.

Una vez que llegan a Somerhouse, los malos presagios se convierten en malas señales, incluyendo una bastante literal: una tarjeta dirigida a Rachel que dice: "NO TE CASES CON ÉL". La familia de Nicky, encabezada por su egocéntrica madre Victoria (Jennifer Jason Leigh), alterna entre una distancia hacia Rachel que raya en el desdén y un entusiasmo por la boda que roza la intromisión. Circulan historias de un monstruo asesino de novias que acecha en el bosque, con el que Jules, el hermano mayor de Nicky (Jeff Wilbusch) pudo haberse topado de niño. Incluso teniendo en cuenta la tendencia paranoica que Rachel admite, parece obvio que hay algo más que la típica incomodidad previa a la boda.

Boston y la directora Weronika Tofilska (quien dirigió el primer episodio, entre otros) resaltan los matices macabras de los tópicos nupciales más conocidos con un humor retorcido y pícaro. Los arreglos de los vestidos se realizan en un frenesí de lágrimas violentas y cortes afilados. Un altar de cedro hecho a medida, desde algunos ángulos, algo sacado de un cuento de hadas, y desde otros (para disgusto de la snob hermana menor de Nicky, Portia, interpretada por Gus Birney) algo de "El proyecto de la bruja de Blair". Con suficiente amplificación, el clic de la cámara de un fotógrafo de bodas podría sonar como una pistola descargándose.

"Something Very Bad is Going to Happen" cultiva su aura de terror tanto a través de la violencia gráfica que a través de la sorpresa y la sugerencia, desde cortes abruptos que desorientan nuestra percepción del tiempo, hasta una banda sonora llena de baladas que suenan casi inquietantes en su melancolía amorosa («You Are My Destiny» de Paul Anka es una pista recurrente clave), pasando por ángulos de cámara temblorosos que nos convierten en cómplices involuntarios de alguien o algo invisible. Pero a medida que la trama se vuelve más retorcida y luego se adentra en lo sobrenatural, no necesariamente rehúye mostrarnos algo muy malo: un animal despellejado, una parte del cuerpo cercenada, chorros de sangre.

Morrone demuestra ser una heroína de terror bastante hábil, manteniendo a Rachel con los pies en la tierra, con una simpatía y una cercanía realistas, incluso cuando su estado mental se deteriora en proporción directa al terror que la rodea. Frente a ella, DiMarco interpreta a Nicky como una variación de su tremendo rol en The White Lotus: es innegablemente dulce, pero quizás también demasiado ansioso por ser percibido como tal. Es mérito de los intérpretes que nos resulte casi tan difícil como a Rachel discernir si realmente están enamorados y simplemente tienen miedo en circunstancias tan escalofriantes, o si no lo están y ella solo intenta convencerse a sí misma de que sí lo está porque su vida depende de ello.

Sin embargo, a su alrededor, el elenco tiene más dificultades para destacar. Birney causa una impresión inmediata como la princesa mimada Portia, pero luego no se le ofrece nada más allá de brindar un alivio cómico intermitente; de ​​manera similar, Leigh tiene una entrada impactante como una figura casi fantasmal que deambula por los pasillos, pero luego su personaje está tan poco desarrollado que se requiere un diálogo para explicar que se supone que debemos encontrarla extremadamente narcisista. Por otro lado, personajes como Jules y su esposa Nell (Karla Crome) y el padre de Nicky (Ted Levine) se vuelven más interesantes a medida que los conocemos mejor, pero luego no se les concede suficiente tiempo en pantalla para que vayan más allá de ser meros contrapuntos a la historia de Rachel y Nicky.

La superficialidad de los personajes resulta especialmente extraña, dado que "Something Very Bad is Going to Happen" dispone de demasiado tiempo. En su trama y estructura, a menudo se asemeja más a una película de dos horas que a una serie, estirada para llenar ocho episodios de 45 minutos con la excusa de que sería más fácil obtener luz verde para esta última. Sin embargo, esos minutos adicionales se destinan más a saturar la trama con desvíos innecesarios (como una cacería repleta de metáforas) o a extender los necesarios (como una investigación en la biblioteca) hasta dos o tres veces su duración lógica.

Y, sin embargo, no puedo decir que me aburriera ni un solo momento. La serie sobresale en su capacidad de hechizar mediante detalles extraños, pistas falsas engañosas e indicios inquietantes. Y subyacente a todo ello, se encuentra una exploración inesperadamente sincera de lo que el verdadero amor puede o debería sentirse, justo en el filo de la navaja entre el sentimentalismo y el cinismo. Rachel tiene más motivos que la mayoría para angustiarse por la cuestión de cómo reconocer realmente a un alma gemela: si se trata de una cuestión de destino o simplemente de una decisión, de puro sentimiento o de algún cálculo oscuro y objetivo. Pero la serie funciona porque estas preguntas tampoco son un asunto menor para el resto de nosotros. «Hasta que la muerte nos separe» es una afirmación romántica. También es, como señalaría la serie con gran duda, una especie de amenaza: un recordatorio de que, incluso en el mejor de los casos, todo está destinado a terminar en un mar de sangre y lágrimas.