Crítica Cinéfila: Licorice Pizza

Es la historia de Alana Kane y Gary Valentine, de cómo se conocen, pasan el tiempo juntos y acaban enamorándose en el Valle de San Fernando en 1973.

Para los puristas y los fanáticos a muerte de Paul Thomas Anderson, existen dos tipos: una versión es el autor joven, ambicioso e hipercafeinado detrás de "Boogie Nights" y "Magnolia", lleno de confianza (quizás también de sustancias ilícitas), brío y talento para presumir (con movimientos de cámara y bandas sonoras y conjuntos al estilo de Robert Altman incluídos). Y la segunda versión es la más relajada y madura, detrás de obras enigmáticas más pausadas como “The Master” y “Phantom Thread”. Cualquiera que prefiera, el último esfuerzo de Anderson, "Licorice Pizza", podría ser el gran unificador de sus versiones.

Es una película hecha en el estilo cinematográfico actual de PTA: errante, sin prisas, sin preocuparse por el ritmo de la película actual, con un gran deseo de volver a visitar el entorno veraniego de la década de 1970 de su amado Valle de San Fernando. Es un poco jovial y holgada al principio, pero una vez que entras en su longitud de onda, la ves como una especie de película para pasar el rato. Una vez que todo se une, se siente cálida, cariñosa, nostálgica, emociones en retrospectiva alrededor de personajes cautivadores y únicos en una historia simple y sin pretensiones sobre correr y crecer en la década de 1970. Los Ángeles hasta se ve mejor con un poco de romance tentativo salpicado en buena medida.

La alegre y despreocupada "Licorice Pizza" se centra en Gary Valentine (Cooper Hoffman, el hijo del difunto Philip Seymour Hoffman en su primer papel cinematográfico), un joven aspirante a actor y estafador adolescente en ciernes, lleno de descaro y moxie. Casi de inmediato, Gary conoce y encanta a Alana Kane ( Alana Haim del grupo de rock-pop de verano Haim, de quien PTA ha dirigido muchos de sus videos musicales), una chica sin rumbo de 25 años que actualmente es asistente de un fotógrafo que toma fotos de estudiantes de secundaria en un gimnasio. Molesta a su manera adolescente llena de pecas pero innegablemente encantadora, Alana inicialmente rechaza los avances convincentes pero inmaduros de Gary. Sin embargo, pronto, en contra de su mejor juicio, ella es un torbellino inculcado en el entorno de Gary de ajetreos, estafas y niños actores que cumplen sus órdenes. Él se enamora de ella, ella lo rechaza una y otra vez y, sin embargo, hay una chispa conectada que no pueden negar, ni realmente actuar.

De eso es que realmente se trata todo, aunque parece tener lugar durante un par de meses o incluso años. Uno de los esquemas para hacerse rico rápidamente de Gary involucra una compañía de camas de agua (señale rápido, parpadee, o se perderá los cameos de John C. Reilly y el papá súper hippie de Leonardo DiCaprio). Otra tangente que involucra un posible desvío de actuación y audición para Alana coincide con un restaurante localmente famoso que a Gary le encanta frecuentar, donde se encuentran a Sean Penn y Tom Waits en breves y fugaces apariciones. “Licorice Pizza” tiende a entrar y salir de la vida de los dos personajes principales, a veces juntos, a veces separados, a veces distanciados, pero siempre aparentemente conectados por algo que estos dos tienen juntos, sea lo que sea esa será innegablemente lleno de afecto y amor, a pesar de que sus diferencias de edad claramente hacen que sea imposible que estén juntos. Pero su empuje y atracción dinámicos aparentemente están conectados. Si bien no son viñetas, la película es demasiado fluida y, sin embargo, sin forma para presentar algo parecido a capítulos; una historia involucra a un Bradley Cooper deliciosamente trastornado como una versión drogada de Jon Peters, un productor de cine, que salió con Barbra Streisand, comprándole una cama de agua a Gary y su grupo de compinches, y amenazándolos previamente si arruinaban esta entrega. La llegada de Cooper amenaza con darle a la película un motor narrativo, pero tan pronto como su apariencia delirante levanta la cabeza, efímeramente también se aleja flotando.

Otra trama secundaria presenta al cineasta y actor Benny Safdie como un político local virtuoso que se postula para un cargo con una agenda anticorrupción, con Alana como voluntaria en su campaña. Actores como Maya Rudolph y Ben Stiller pueden estar salpicados en pequeños papeles aquí y allá, pero esta es realmente la película de Cooper Hoffman / Alana Haim en todo momento.

Muestra un verdadero acto de fe en PTA para enfocarse en estos dos actores no profesionales, y al principio, no está claro si la decisión valdrá la pena como él cree que lo hará. Pero la confianza del cineasta en ellos se gana y aparentemente los incita a realizar interpretaciones increíblemente carismáticas. Es posible que Hoffman aún no sea el heredero obvio de su padre monstruosamente talentoso, pero la chispa alegre y traviesa y la convicción de su personaje son innegablemente contagiosas. Alana Haim es una revelación luminosa, y la palabra clave de la película debería ser natural. Juntos y en conjunto, Haim, Hoffman y PTA crean una película que se siente convincente y magnética y que nunca se esfuerza demasiado. Simplemente manteniéndose fiel a su misión: la historia dulce, alegre y eventualmente estimulante de estos dos niños, sus sueños esperanzadores, sus objetivos idealistas, su magnetismo irresistible y sus destinos aparentemente interconectados, todo lo demás encaja en su lugar.

¿No hay mucho de una trama a la que aferrarse? Está bien. Gran parte de "Licorice Pizza" es solo un cineasta que sigue sus caprichos instintivos, intuitivos y maravillosos, claro en la seguridad en sí mismo de que encontrará algo de interés en su historia discursiva. De repente, la audiencia se encuentra bajo un brumoso hechizo romántico de toda la vibración sincera y muy relajada de la época. Gran parte se ve reforzada por la magnífica iluminación naturalista de PTA, tanto tratada por el sol como crepuscular y la banda sonora vintage estilo boogie-ish denim-y (Wings, Sonny & Cher, Todd Rundgren, The Doors, Blood, Sweat & Tears , etc.).

Debe decirse, es posible que las normas y los devotos que no pertenecen a la ola PTA no quieran adorar en el altar esta película algo desarraigada y reflexiva, una que dura casi dos horas y media y se siente más como tres (aunque en un buena manera), y algunos tradicionalistas podrían irse sintiéndose un poco desconcertados por su estructura floja. Pero si estás abierto a sus sabores poco convencionales e idiosincrásicos, "Licorice Pizza" es un homenaje a la juventud maravillosamente nostálgica y evocadora, realizada por un cineasta magistralmente equilibrado a quien realmente no le importa si este no es tu sabor preferido. Todos somos bienvenidos e invitados, por supuesto, pero el esfuerzo suave y agradable de PTA se siente como si se estuviera divirtiendo demasiado como para preocuparse por la percepción de los demás hacia esta magnífica obra.

Crítica Cinéfila: The Stranger (Miniseries)

Una joven que gana algo de dinero como taxi personalizado descubre su peor pesadilla cuando un misterioso pasajero se sube con ella en Hollywood Hills, y resulta ser un psicópata asesino. 

El miedo eterno de todo conductor de Uber o Lyft es que un loco/a sea su pasajero. "The Stranger" de Veena Sud es un excelente ejemplo de la ansiedad que esto puede dar. En tan solo 13 episodios, la cineasta nos otorga una noche completa de terror a la que una conductora de taxi personalizado es sometida cuando su siguiente pasajero es un psicópata que quiere matarla.

Maika Monroe interpreta a Clare, conductora de viajes compartidos y aspirante a escritora, quien recientemente se mudó a Los Ángeles desde Kansas para poder alcanzar su sueño. El piloto inicia con ella recogiendo a un hombre (Dane DeHaan) con una maleta en un condominio privado ubicado en el tope de una colina de Hollywood. El hombre, quien se hace llamar Carl E., rápidamente pasa de ser encantador a espeluznante cuando le revela que es un asesino y un sexista furioso.

No es necesario una historia de trasfondo profunda en Carl E., pues el formato de Quibi de menos de 10 minutos ayuda a que la audiencia interprete por sí sola con la información limitada que nos da: es un psicópata que asesina friamente a cualquiera que se le cruce por su camino, no es la primera vez que hace esto, y para él sus asesinatos son experimentos. Todo esto se va interpretando poco a poco a lo largo de los 13 episodios, al igual que muchos detalles del pasado de Clare, aspectos que son importantes conocer para darle la importancia que merece a su ansiedad y sus acciones.

No es la primera vez que pasa por un trauma de acoso, pero sí es la primera vez que las circunstancias del pasado afectan los terrores del presente, a un punto que muchos dudan de su palabra. ¿Será verdad que un tal Carl E. la está tratando de asesinar? Nadie lo ha visto, ni siquiera JJ (Avan Jogia), un cajero de una gasolinera quien desde el momento en que Clare apareció por primera vez después del primer susto con el psicópata, ha tratado de ayudarla, no solo para salir de la ciudad, sino para rastrear a su asesino; un poco de coincidencia que el cajero también sea programador, pero él mismo admite que esto es un cliché típico de Los Angeles.

Las calles de Hollywood nunca aterraron tanto con esta historia de menos de 12 horas, donde cada episodio tenía un escenario distinto, desde la estación de Union Station, hasta el Hollywood Hills y las taquerías de media noche en SoHo. El aspecto más interesante y aplaudible de la historia es lograr menos de 8 minutos de historias en un mismo lugar, y terminar el episodio con la salida del personaje a un nuevo escape. La cámara en mano de Paul Yee le agrega ansiedad a cada espacio, casi creando un efecto de claustrofobía entre las cuatro paredes episódicas que encerraban a Clare en una tortura constante, sin importar si era una estación de policía, un baño público o un carro en movimiento.

Quibi ya ha experimentado con el formato de suspenso, pero no ha producido nada tan memorable. The Stranger de Veena Sud se beneficia de su trabajo televisivo anterior (The Killing, Seven Seconds) y un ojo hacia la narración visual, además que no se siente innecesario dividir la tortura en 13 episodios. A pesar de tener una estructura narrativa de una película de 120 minutos (pueden tomar cada episodio y convertirlo en una película de thriller), cada episodio funciona como su historia independiente, manteniendo la continuidad entre ellos, pero con un conflicto particular.

The Stranger pasa acertadamente del thriller al horror, utilizando elementos básicos de género (recoger a un extraño, invasión de casa, asesino suelto) para mantener el impulso. También juega con la perspectiva de maneras interesantes: una toma posterior de Clare en su apartamento se pone en primer plano por lo que estamos anticipando, un salto, pero se vuelve aún más intrigante por lo que no vemos de cerca. Es una ilustración más tradicional de It Follows (resultando irónico que es la misma actriz sufriendo la misma circunstancia), pero ya en un plano más realista y con una conclusión más cerrada.

Si Quibi continúa creando contenido de este calibre, que Netflix y Amazon Prime se preparen.

Crónicas de California: Carta de amor a Los Angeles

Hay una ciudad en un punto de California, protegida por montañas y billboards, donde las playas son frías y el desierto es seco y ventoso; donde cada colina está repleta de casas y condominios, las comunidades tienen más salas de cine que supermercados, y conoces más artistas que personas con oficios tradicionales.

Los Angeles es como el territorio de "Boardwalk" cuando juegas Monopoly: todos pasan cerca pero muy pocos llegan a aterrizar ahí, y los que sí llegan lo hacen con ansías de posesión, sin saber que se convertirá en una pelea de quién tiene más. Pero este no es territorio para todos los que se quieren dedicar al mundo del entretenimiento, pues no todos serán aceptados o entenderán las reglas de juego. Es un mini-universo que se siente más como un club exclusivo al que debes pagarle una membresía anual para poder pertenecer, porque la competitividad se siente en cada avenida y todos están lanzando su carrera de manera particular.

Todo esto sonará como un desaliento, pero al final del día debo admitir algo que no lo digo todo el tiempo: estoy enamorada de esta ciudad. Me enamora su constante impulso por ser mejor en lo que sea que hagas; me apasiona ese acelere cuando entras a las salas de los festivales independientes y sueñas con ver tus proyectos allí; y me enorgullece como no solo se destaca el talento que nace aquí sino también el que florece en y desde cualquier parte del mundo.

Me abrió sus puertas, tanto al nivel personal como profesional. Aquí no solo practiqué el reconocimiento de cuáles son las películas que hacen que Hollywood sea lo que es hoy en día, sino también reconocí cuáles son aquellas que, sin ser de esta industria, llegan a ser tan amadas como las películas originarias de la famosa ciudad. Pero también me enseño a apreciar más el cine como un arte y no solo como un negocio.

Sin embargo, y dejando a un lado todo el amor por el cine que se respira, ninguna experiencia laboral se comparará con el hecho de haber tenido la oportunidad de caminar sus calles, memorizarlas a un punto que, sin importar dónde esté, no necesito Google Maps para ubicarme. Sonaré como una guía turística, pero así como podría dar talleres de mi propio país, así puedo pasear esta ciudad con confianza y decirte que autopistas llevan a donde. Si te ubicas en el mismo centro de La Cienega Boulevard con Wilshire avenue, tienes una vista de 360º de Los Angeles: hacia el Este encontrándote con Downtown LA, y hacia el Oeste tropezando con Beverly Hills, mientras que al Sur está el famoso sector de Santa Monica y hacia el norte te encuentras con el codiciado letrero de Hollywood. Si caminas el Gower St hacia la colina tendrás la foto con el gran letrero de fondo, y si quieres caminar el paseo de las Estrellas, se extiende desde La Brea avenue hasta Gower St, y desde Hollywood Blvd hasta Sunset Blvd. Si quieres encontrarte con famosos, todo dependerá del sector donde los quieres encontrar, mientras que si quieres apreciar el arte de la ciudad, debes dirigirte a West Hollywood, La Brea y Vermont.

Tanto que me querían convencer de dejar de utilizar el transporte público, cuando siento que descubrí lugares gracias a que nunca dependí de un carro propio. Hoy puedo decirles a muchos que andar a pie ha sido un lujo y no un sacrificio, y que aunque nunca dejaba de preocuparme por mi seguridad, no dejaba de explorar zonas que muchos temían por no salirse del mapa turístico. Gracias a esto, puedo decir con confianza que Santa Monica no es solo el Pier y que Downtown no es solo el Staples Center; que hay muchos más mercados que el Central Market, pero que el de The Grove siempre será mi preferido; que ya no me da vergüenza montarme en un scooter ni en una bicicleta, y que ya me pueden dejar en un parque el día entero con dos libros y lo disfruto con tranquilidad.

Pero que nada de esto se confunda con obsesión ni costumbre. Te aseguro que te pasaría lo mismo si vinieses de visita, pues a pesar de ser una de las ciudades más grandes del país, hay algo muy particular en sus calles que hacen que cualquiera se sienta cómodo, como si andase en tierras conocidas.

Hay tantos lugares que voy a extrañar que me resulta difícil no hacerlo sin sacar mi librito y comenzar a hacer una lista. Pero si debo sacar mis favoritos rápidamente, extrañaré andar en la ciudad y siempre encontrarme con valles; ir a Universal City Walk porque voy al cine pero quedarme hasta la noche cuando el parque está vacío; ir a festivales, screenings o eventos a nivel general, y poder conversar con sus artistas; trotar alrededor de Burbank y solo toparme con los lotes de los estudios; o ir de pasadía al Griffith Observatory y admirar la vista Los Angeles.

Hace tres años me abrió sus puertas sin mucho esfuerzo y me dejó conocer aspectos que solo los que exploran con mayor cuidado logran entender de esta ciudad. Se convirtió en una escuela sin necesitar un salón de clases, y un libro de lecciones y experiencias diarias sin ser esperadas; se convirtió en un espacio, donde el trabajo era lo primordial y los rodajes eran casi todos los fines de semana, pero se sacaba tiempo de vez en cuando para visitar un museo o simplemente irnos de brunch hasta que cerraran el buffet.

Son tres años aquí, pero ya me puedo ir con lágrimas de nostalgia y felicidad a la vez. Pues sé que siempre puedo volver por razones de trabajo, de visita y hasta de turista, aunque ya no me sienta así.

Gracias Los Angeles. Me diste una familia, amigos, colegas de por vida, independencia y un lugar al que siempre podré llamar hogar.

Crónicas de California: Hollywood, el Coronavirus y yo

¡Que tiempos tan interesantes para estar en California! 

Mientras más días pasan, más me pregunto: ¿será un plan para salir de esta ciudad tan desesperadamente? ¿o quizás se trata de una película interactiva en la que todos somos parte del elenco y el antagonista principal es un virus "mortal" que su arma más mortal es la tos seca? Sonará a forma de burla, pero así me lo he estado tomando desde el inicio. La realidad es que el asunto es peor por cómo los medios lo ponen. Es una gripe como muchas que si no te cuidas pues te mueres. Al final del día, así son todas las gripes. Pero por el otro lado, puedo reconocer que el tema es serio.

Sin embargo, y a pesar de toda la chercha y poco interés que le pongo al tema, el Coronavirus está afectando todo el mundo, muy especialmente la industria del entretenimiento. Así como muchos negocios y escuelas están cerrando sus puertas para proteger a los suyos de la pandemia, así Hollywood está teniendo que tomar medidas de precaución en contra de su voluntad emocional y económica, al punto de que ya se está volviendo personal.

Amigos me han comentado de varios rodajes que han despachado al personal a sus casas, y el problema no fue la precaución, sino la manera en que fueron despachadas con un rechazo total peor que las películas de zombie o de contagio. 

Así se han cancelado rodajes más grandes:

Disney Live-Action Shows and Films

Marvel's Disney + Shows

Vengeance

Red Notice

The Batman

Universal Live-Action Movies

The Hallmark Channel

Warner Bros. Shows

Netflix Shows

NBCUniversal Shows

CBS Shows

Official Competition

The Prom

Jeopardy! and Wheel of Fortune

The Morning Show

Bros

The Wendy Williams Show

Daytime TV

The Ellen DeGeneres Show

Tamron Hall

Late-Night TV

Survivor

Debate demócrata de CNN

Riverdale

Real Time with Bill Maher

Falcon & the Winter Soldier

Mission: Impossible 7

Blossoms 

The Amazing Race

Tong Wars 

General Hospital

Los cines estadounidenses han limitado los accesos a un 50%, mientras que en países europeos han cerrado completamente los cines. Y así se han decidido cancelar o posponer estrenos de múltiples de películas:

Big Time Adolescence

F9

Mulan

A Quiet Place Part 2

Antlers

Little Fires Everywhere

New Mutants

Kill Chain: The Cyber War on Elections

The Lovebirds

Quibi Launch Event

Peter Rabbit 2

After Truth: Disinformation and the Cost of Fake News

No Time to Die

Ozzy Osbourne

Disney+ European Press Launch

Sonic The Hedgehog Chinese Release

Swipe Night

Superman: Red Son New York Premiere

Enter the Fat Dragon

Lost in Russia 

Estar en lugares públicos se ha convertido en una situación de mal gusto, cancelando importantes festivales de cine, como:

Cualquiera que tome lugar en Francia (no ha sido anunciado pero Cannes seguro también será cancelado)

Venice Film Festival

Tribeca Film Festival

Network Upfronts

Roger Ebert’s Film Festival

Montclair Film Festival

TCM Classic Film Festival

CinemaCon

ASCAP Experience

SXSW Participants

Nickelodeon’s Kids’ Choice Awards

RuPaul’s DragCon LA

Full Frame Documentary Film Festival

PaleyFest

Prague Film Festival

Facebook F8 Developers Conference

Sun Valley Film Festival

CinemaCon 2020

Entre muchos más así también como muchos festivales (Coachella, Tomorrowland, Gay Pride Parade, WonderCon, y más).

Hace poco fui al cine, y viví como el coronavirus les afecta a todos, al generar pánico cuando alguien estornuda; que alguien entra y los empleados limpian rápidamente el piso y los stands; que en una fila del teatro todos se sientan dejando dos asientos de distancia. 

Hollywood nunca se dio cuenta, pero siempre avisó en sus películas como el mundo caería por una enfermedad, él mismo siendo uno de los grandes afectados. Lo bueno es que todos están positivos de que se recuperarán eventualmente, pero no hay una fecha estimada de cuándo eso será. 

Ha sido muy interesante estar en California con todo este caos. Más interesante aún cuando el futuro de nadie esté garantizado, por más contratos firmados, calendarios establecidos y equipos reservados. No se preocupen que yo estoy bien. Lo único que me ha afectado es el retraso de tantas películas que esperaba con ansias. Si me ponen en cuarentena pues me la paso escribiendo entonces.

Crónicas de California: ¿Por qué me voy?

Hace unos meses le comentaba a una amiga que me regreso a República Dominicana muy pronto. Ya ahora es dentro de unas semanas, lo cual me llena de muchos sentimientos mezclados, pero a la vez un paso más hacia el inicio de grandes proyectos. Pero mi amiga no estaba tan emocionada como yo, porque ella dice (y la cito con todo el respeto y amor que le tengo), que "volver a República Dominicana sería un atraso". Me sentí bien mal cuando dijo esto por la sencilla razón de que, independientemente de los líos que hayan en el país, es MI país. Todo el que me conoce, aquí, allá y en cualquier parte del mundo, sabe que me desvivo hablando cursilerías de mi amada isla. Y mi gran sueño, antes de ser una gran artista en cualquier otro lugar, es poder darme grande allá, en mi propio patio. 

Lo que más me molesta de todo esto es que ella no es la única que me ha expresado su descontento por el país. Muchas personas me insisten en que no tengo que volver, que "¿para qué? Si la situación está malísima". O mi favorita: que al contrario, me irá mejor si me quedo en Los Angeles. Así que decidí hacerles esta bonita publicación a todos mis amados seguidores, que tanto les gusta que les hable de esta interesante ciudad. De nada.

Primero que todo quiero que sepan que, desde el primer momento en que llegué a Los Angeles sabía que me iba a enamorar de esta ciudad. Son muchas las razones por la que una persona de mi carrera, con mis pasiones y con mis habilidades (entiendo que las tengo), se quedaría aquí teniendo la posibilidad. Mi jefe, un productor ya establecido en esta ciudad, me insiste que con él siempre tendría trabajo si desearía quedarme o si decido volver. Y si a eso vamos, él mismo me ha dicho que podría ayudarme con el proceso de la visa de trabajo, si deseara hacerlo. Lo que más le sorprende es cada vez que le digo que, aunque le agradezco la oferta, necesito regresar a mi país, por lo menos por un tiempo. Pues así como hay muchas razones por las que me quedaría, así también hay muchas por las que decido irme.

Una de ellas es el costo de vida. Como le comenté a alguien justamente hoy: el que vive aquí, a menos que tenga un sueldo de por lo menos US$100,000 al año, está sobreviviendo, no viviendo. California es una minipotencia dentro de este país, al punto en que si decidiese convertirse en un país, sería una potencia mundial, ya teniendo establecida sus propias reglas y sus propias condiciones para poder vivir aquí. Pero así como tiene sus puntos maravillosos, Los Angeles es una de las ciudades más costosas de Estados Unidos. El salario a la hora es alto en comparación a otras ciudades, pero es porque la renta, la comida, el transporte y hasta el agua es mucho más costoso aquí. Entonces, como yo sé que no estoy ganando ese salario y que no lo ganaría por, por lo menos, 4 años más y quien sabe si más, decido irme a donde la renta no me va a costar más de US$500 y puedo comer lo que más me gusta.

La otra razón es relacionada a mi carrera. ¡Ya sé que dirán! "Pero si allá es que tu carrera se da mejor". Se da porque es la capital del cine, Hollywood. Pero ¿por cuántos años más debo estar aquí para finalmente tener mi propia serie de televisión, o mi propio estudio, o poder hacer una película como yo la quiera hacer? Señores, si no lo sabían a estas alturas, yo soy una persona ambiciosa y exigente, y aquí nada de eso es tan fácil de tener, a menos de que tengas los contactos. ¿Adivinen dónde sí los tengo?

Mi última razón, y esta es bien personal, es que quiero dar clases de cine. Vengo de una larga familia de profesores, comenzando por mis padres. Aunque educar no es mi prioridad principal para regresar, sí quiero convertirme en docente y enseñarle a los jóvenes talentos del cine lo que aprendí de Hollywood y los errores que esta industria comete a diario para que los eviten. No soy una experta, solo tengo algunas 20 producciones y 20 guiones escritos... (¿lloverán insultos por esto?), pero en mis pocos años dedicada al cine, he aprendido tanto que quiero compartirlo con más personas que le vayan a sacar provecho a esto. Si algo también puedo reconocer de mí misma, que no sé si es bueno o una condena para otros, es que me encanta hablar de lo que sé. Y que mejor manera de hacer esto que en mi propio país, donde el cine está creciendo bastante y que debe seguir haciéndolo, en todos los ámbitos de la industria.

Ay Los Angeles... Si te hubiesen dicho que no me iba a quedar para siempre, creo que nunca te lo hubieses imaginado. Pero la verdad es que lloraré más por el hecho de no estar con mis amigos -Andi evita el tema, por si se lo preguntaban-, que por el hecho de no estar aquí.

Y está no es mi carta de adiós (eso es una publicación separada con sentimentalismo y todo), porque Los Angeles ha sido más que un hogar por tres años. Se ha convertido en una de las experiencias más importantes de mi vida. Ha sido un honor ser parte de esta ciudad y esta comunidad, al punto de que dejo atrás una familia a la que puedo regresar en cualquier momento en que me necesiten, y ellos saben que se pueden tomar esto bien literal.

Pero ya es hora, ya le puse fecha de ida al calendario y no hay vuelta atrás... por ahora. Me esperan grandes proyectos en mi isla, así como muchos me esperan allá, o por lo menos eso es lo que yo quiero creer.

Crónicas de California: Trabajar para la TV, una rutina diferente

Para mí, no hay nada más emocionante que un día productivo. Levantarme temprano, tomarme una buena taza de café y ponerme la "ropa de trabajo". Pero cuando trabajas para una serie de televisión o un estudio de televisión, una vez comienza tu día de trabajo, el resto del mundo es invisible, te desconectas de la sociedad y te envuelves en las tareas del día a día, a pesar de que ese término de rutina casi ni existe.

En un día suave, el trabajo es de oficina: contactar clientes, agendar reuniones y los siguientes días de rodaje de la semana, arreglar los presupuestos de la semana, corregir los dailies de la semana anterior, y así se extiende hasta que mi jefe considere que voy a estar ocupada todo el día. No se asusten: me da tiempo para comer e ir al baño. No se asusten: salgo a las 6PM normalmente del trabajo. En un día intenso, los días de estudio... se me olvida que existen las horas de descansar.

Lo (in)conveniente de cuándo trabajas para la televisión es que, por más que realices un calendario de trabajo, la rutina cambia todos los días. Estoy tan acostumbrada al calendario de producción de una película que me costó por lo menos tres semanas para poder desconectarme el chip de producción de mi cerebro y aprenderme que nunca habría un calendario fijo para el mes completo.

Cuando empecé a trabajar para este estudio, estaban cerrando la temporada y preparándose para la siguiente, así que tuve la dicha de ver todos los procesos.

Preproducción es muy similar al proceso para una película: una vez se tienen todos los guiones de la temporada, el co-productor se reúne con los productores de línea, coordinadores y encargados de rodaje, y se desglosa el guión en conjunto. Primero se reconocen los episodios más costosos, y luego las escenas más costosas. Al ser una serie de ciencia ficción (ya se imaginarán mi emoción con sus discusiones sobre la historia...), hay un guionista encargado de la "ciencia de la historia", mientras que otros se encargan de personajes específicos y su historia, y un tercero que se encarga del episodio completo. El asistente de guión se encarga de hacer notas durante las reuniones y mandarlas a todos después de cada día de desarrollo (casi como un supervisor de guión). Esas notas, sí han sido aprobadas por los guionistas, pueden ser presentadas para el proceso de preproducción.

Una vez se hace el desgloce, todos los supervisores de departamentos se reúnen, y hablan de todos los guiones, pero antes, se determinan las locaciones dónde se grabarán, a menos que se utilicen las mismas de la temporada anterior. Cada episodio tiene un asistente de dirección diferente pues casi siempre hay escenas de diferentes episodios que se graban al mismo tiempo en diferentes locaciones. Y todos los departamentos tienen pequeños equipos encargados de subtramas dentro del guión. Así mismo, hay un cinematógrafo general para la serie, y diferentes operadores de cámara; esto se debe a que se tiene que mantener el mismo estilo para toda la serie, muy diferente a la colección de directores que una temporada puede tener. Pero en el caso de esta serie, se tiene un director para todo.

Atrás de mí, todos los guiones divididos en strips.

Todos los departamentos se reúnen todas las semanas para hablar de los avances, y cuando se aproxima la fecha de rodaje, las reuniones son con más frecuencia. Los departamentos comienzan a preparar la locación para rodaje una semana antes del primer día. Esto porque no se quiere perder tiempo en estos días, ya que la prioridad es que se graben los cortes necesarios.

En el caso de la postproducción de los episodios, cada departamento tiene una oficina y todos trabajan al mismo tiempo en escenas diferentes, mientras el jefe en edición supervisa todo. Ya una vez se tiene la imagen bloqueada, todos se reunen con el editor principal y los artistas de VFX, para asignar cuáles artistas harán qué cortes dependiendo de su experiencia, con un supervisor de VFX asegurándose de que se mantenga una simetría entre todos. Después de ahí sigue la corrección de color que normalmente es realizada por una única persona, y la edición de sonido, que tiene un corrector diferente dependiendo de la subtrama. Así mismo, existe una banda sonora para cada personaje principal o subtrama que se presenta (comenzarán a notarlo ahora con sus series favoritas).

Ya después de que todo esto ha sido superado, y que cada episodio está completo y asegurado, lo envían al departamento de revisión, para que los productores principales lo aprueben, y luego ser aprobado por el estudio para que se envíe al canal correspondiente.

No todas las series tienen esta misma rutina. No creo que todas graben todos los episodios al mismo tiempo, pues todo dependerá del tipo de serie, la cantidad de personajes, de miembros de departamentos participando por rodaje, y de la extensión de los episodios. Sin embargo, la postproducción es la misma para todos, inclusive si son para una página de streaming, y no para un canal de televisión.

Con estos pocos meses de aprendizaje en un estudio de TV, ya si puedo confirmar que todos los medios tienen casi el mismo ritmo de producción. Algunos son más intensos que otros, pero en definitiva es un trabajo de "comunidad", sobretodo en la televisión que, como no tiene el mismo tiempo de producción que una película (una película puede tardarse hasta 5 años en el proceso completo, mientras que una serie no puede tardar más de año y medio entre temporadas), se requiere más personal para que todos los episodios puedan ser completados a tiempo.

Creo que me quedo más trabajando en la parte creativa y la preproducción cuando se trata de series, pues todo lo demás ya requiere personal bien específico. Ya para el resto de los proyectos, me pueden poner donde sea.

Crónicas de California: ¿Qué no hacer cuando eres productor?

Si hace 6 años me hubiesen dicho que la mayoría de mis créditos serían como productora, nunca se lo hubiese creído a nadie. Aunque es una posición que trae muchos méritos y que le da mucho control a quién lo maneja, es a la vez la posición que muchos odian, no solo por las funciones, sino por la persona en que te conviertes.

Los deseos de muerte que muchas personas dentro de un rodaje sienten hacia el productor se deben a muchas razones; la principal es que, por ser una posición que requiere tanta atención y cuidado, su trato hacia otros termina siendo... indeseable. Y no es mentira que nos pasa a todos: a ley de días de rodaje, y tantas personas dependiendo de ti, lo importante no es ser amigable, sino que todo quede como ha sido planeado. Sin embargo, hay una gran diferencia entre perfeccionista diablito andante. Por eso, en base a mis experiencias y lo que he notado de los productores en Hollywood para los que he trabajado, he aquí 5 lecciones de qué no hacer cuando eres productor.

1. No delegar. Mientras producía el teaser de Exorcism 101, habían pasos que me los sabía tan de memoria o los había hecho tantas veces en otras ocasiones, que cuando lo hacía, mi propio equipo me decía: "pero... eso le corresponde a fulanito". Y era verdad, me molestaba delegarle algo a alguien porque entendía que yo lo podía hacer mejor o porque no se lo quería confiar a nadie. Entiende que el productor toma el rumbo del asunto, pero al final del día ningún bote anda en solitario. Además, si le estás pagando a un equipo, usa de él.

2. Abusar del rol. Ahora viene la contraparte de lo anterior. Uno de mis antiguos jefes trabajaba como encargado de producción del proyecto para una serie web. Trabajamos tantas horas de corrido juntos que llegó a un punto en que me contrató como su asistente porque le gustaba cómo manejaba la agenda y la lista de trabajos. Sin embargo, comenzó a incluir tareas que no correspondían, como limpiar el reguero de su oficina o devolver paquetes personales a tiendas; me sentía como la chacha. Recuerda que tus "empleados" tienen cargos específicos, e independientemente que sean tus asistentes, tienes que recordar que no son tus chachas(os).

3. Creerse el centro del universo. Hace un año me contrataron como asistente de producción para una productora mayor de 70 años. La mujer casi nunca me hablaba de trabajo, siempre quería hablar de su vida personal, cosas que quería que le ayudara a hacer o, peor, adivinar lo siguiente que iba a pensar para así hacer lo que ella quería tal y cómo lo quería. Como productora, puedes requerir ciertas necesidades de parte de tu equipo, pero aunque eres Dios en la producción, no lo eres en la vida real. Respeta a tus empleados y trátalos con dignidad, recuerda que ellos también son humanos y que aunque estén trabajando para ti, no quiere decir que son psíquicos y que sabrán lo que estás pensando.

4. Pensar que eres el único que sabe o que tiene buenas ideas. Este es un error constante de una persona muy cercana a mi (y seguro si lo lee, me escribirá): aunque eres la cabeza de la producción, ya por eso no te convertiste en la única persona que procesa y ejecuta dentro de una producción. Esa persona de la que hablo hasta le molesta cuando otros dan sugerencias. Entiendo perfectamente que cuando la agenda va apretada, es difícil aventurarse a ideas de todos, sin embargo (y lo repito como una guagua de frutas andante), una producción se hace con un equipo de personas, y a la hora de resolver problemas, a veces es bueno tener varias ideas de cómo hacerlo.

5. Tratar todas las producciones de la misma manera. Mi jefe actual tiene 40 años trabajando para la industria de cine. Ha estado en más de 25 producciones, incluyendo Total Recall, Pulp Fiction y Speed. Sin embargo, constantemente me dice de resolver situaciones de producción de maneras que ya no son efectivas, y se molesta cuando le explico que eso no aplica para el formato en que trabajamos ahora, pues dice que "a estas alturas, él no está para estar aprendiendo cosas nuevas dentro de producciones que ya ha hecho anteriormente". Les informo que el cine es un arte y cambia dependiendo de lo que vayas a hacer; cada producción tiene una estructura diferente. No quieras aplicar lo mismo que hizo el ganador al Oscar con sus películas, porque esa fórmula no le va a funcionar ni siquiera a él en todas sus historias. Aprende a comenzar de cero en cada etapa.

Finalmente, recuerda que nadie trabaja para ti día completo a menos que pagues ese precio. Nadie es tu esclavo ni mucho menos están supuestos a cumplir tus "necesidades personales". Me molesta cuando escucho productores discutiendo sin ninguna razón o riéndose de su equipo poor decisiones que tomen durante el rodaje. Recuerda que, así como tú no recomiendas a personal que no hizo su trabajo, así el personal habla de ti cuando otros aplican a trabajar contigo.

No te quieras convertir en el indeseable de gratis: no vale la pena. Ni aunque te ganes con eso 25 créditos en producción. 

Crónicas de California: 19 lecciones del 2019

No paro de decirlo: qué rápido se fue el año, casi ni lo pude saborear. Es increíble como, no bien llega Enero, ya se siente que los días pasan volando y de repente ya estamos en navidad otra vez. Sin embargo, lo que ocurrió en este año fueron momentos que llevaré conmigo como importantes lecciones de vida. No solo fue un año de logros muy importantes, también fue un año de mucho entendimiento personal y profesional.

Seguro muchos se habrán quejado del año, dirán que fue una galleta sin mano, y que se pasó de agresivo... pero este 2019 fue una moneda de doble cara para mí. Tuvo sus buenos momentos así como sus situaciones de crisis, pero lo más importante es que fue un constante aprendizaje. 

Lo fui apuntando durante todos sus meses y aquí les dejo mi recopilación final, las 19 lecciones de este 2019:

1. Un día libre a la semana es necesario

Algunos recordarán una publicación que hice hace unos meses sobre cómo me encanta estar ocupada todos los días, pero mi cerebro y cuerpo me han dicho desde hace varios meses que, a veces, hacer nada durante todo un día es necesario. Ya he hecho la prueba, y es verdad: a veces es necesario darse un respiro.

2. La regla de "escribir tres horas por día" es fundamental

No obstante a la lección #1, es necesario cultivar la creatividad, y ya que no estoy en la maestría ni debo entregarle páginas a ningún profesor, escribir 3 horas al día es necesario para mantener una buena rutina como guionista.

3. Hay que tener (por lo menos) un mentor

Digo uno, pero es necesario tres: uno a nivel profesional, otro a nivel espiritual, y un último que sea tu psicólogo/a.

4. No se puede seguir todas las series que todo el mundo sigue
Cometí este error varias veces durante el año, y se lo digo a todos: la serie que le gustará a la masa no siempre será la mejor para todas, mucho menos para esta persona completamente selectiva hasta para los calcetines que usa.

5. Cuidado con los crafties de los rodajes

Me encanta cuando la gente dice "yo nada más quiero ir a los rodajes a comer", y es verdad. Siempre hay comida (o por lo menos, siempre debe haber). Sin embargo, no siempre será saludable; por lo que mi mayor consejo es que no te comas la mesa... nadie está apostando que lo puedes hacer.

6. Aprende a delegar

A mí me resulta muy difícil delegar trabajo. Corrección: me resulta muy difícil confiar mis proyectos a otros. Por lo que, cuando finalmente delego es porque ya entiendo que esa persona lo va a hacer bien. Pero este año aprendí algo bien importante: él que está en esta industria es porque quiere, y aunque no todos son tan perfeccionistas como yo, harán su trabajo. Así que hay que aprender a cederlos (y no hacerlo uno mismo por falta de confianza).

7. Conoce bien a las personas antes de involucrarlos en tus proyectos

Pero lo anterior definitivamente va conectado con esto. Es verdad que muchas personas se están uniendo a la industria para ganarse un título en específico, pero el hecho de que ya tenga un par de créditos, no lo hace bueno en ese rol. Así que investiga antes de contratar.

8. No todos los guiones se limitan a su formato original

Esta enseñanza viene en una publicación más larga. Para mis amigos/as guionistas: se cuanto desean que ese guión se convierta en la película o serie de sus sueños, pero si no pasa, recuerden que también pueden hacer un comic, un libro, un juego de cartas o una serie web. No se estanquen porque no han obtenido la "gran oportunidad". 

9. Tu agenda es tu verdadera mejor amiga

Mucha gente me preguntó este año cómo llevaba tantos proyectos a la vez (en Julio estaba produciendo 5 rodajes al mismo tiempo), y esto es gracias a "la controladora" -así le llamo a mi agenda-. Una grande para llevar todo mi calendario de la semana y una de bolsillo para recordatorios importantes.

10. Algunas personas no nacieron para hacer algunos oficios.

Esto va para todo el mundo, desde actores que simplemente no se dejan llevar de sus directores hasta productores que simplemente no tienen la paciencia del papeleo. Por más que ames a lo que quieres dedicarte en esta vida, no significa que tienes que serlo sí o sí. Esto me costó entenderlo, pero ya lo superé. Aprende a superarlo tú también.

11. Un viaje al año es importante para la creatividad

Este año viaje a 5 lugares/ciudades que nunca había ido y me llevé cosas de gran valor: historias, personajes e ideas que definitivamente, algún día, estarán en algún formato. Sin embargo, además de la razón profesional, es necesario viajar y conocer el mundo. ¡No te estanques a una sola ciudad o país!

12. Se un alma libre, sin depender de las opiniones de los demás

Independientemente de las ideas de los demás o los consejos que te puedan llegar, al final del día tú conoces tu proyecto y tu vida mejor que nadie. Es verdad que a veces las opiniones de otros ayudan, pero no tienen que ser lo definitivo. Aprende a decidir por tí mismo.

13. La rutina es necesaria

Esto se lo explique a varias personas este año. No importa tu carrera u horario, debes de tener una rutina de vida. Sino y si solo vives de lo que llegue, pues siempre estarás dependiendo del futuro. Yo tendré las rutina más extraña, pero sé como son mis días y (más o menos) las horas de trabajo.

14. No todas las películas tienen que verse 

Este año hubo muy buenas películas, y muy malas películas. He aprendido a sacrificar las que no me dan buena espina, pero aún así, vi algunas que sentí que perdí horas valiosas de mi vida. 2020 no será igual... o así espero.

15. No es lo mismo trabajar para un productor que trabajar para una productora

Esto también merece una publicación a parte, pero en resumen: los productores se diferencian hasta en su género. Ninguno es mejor que el otro, pero es una rutina diferente, y hay que entenderla para saber con quién te ves mayormente trabajando.

16. Jugar es un derecho hasta de adultos

No solo es una forma de desconectarse del trabajo, sino también para llevar la vida más relajada. ¡Definitivamente el próximo año voy a establecer un game night por mes! Y cuidado...

17. No tengas miedo a arriesgarte a hacer las cosas porque nadie lo ha hecho aún

Alguien me dijo que hacer series en RD no es buena idea porque la ley no lo incluye... bueno, esto no es un impedimento real para mí. Así que "Exorcismo 101" va porque va. 

18. Suéltate más el cabello

Lo tenía que poner. Ruben Peralta me lo dijo, y ha tenido mucho efecto en las últimas semanas.

19. No se pueden tomar todos los proyectos que te llegan de frente

La lección más importante del año. En este 2019 produje alrededor de 15 cortometrajes, dos series web, y trabajé en la producción de 4 largometrajes. Sin embargo, no puedo decir que todos fueron increíbles. Algunos fueron verdaderas pesadillas, y esto se debe a que, antes de pensar en el guión o el concepto, pensaba en el crédito. Ya no será así. Ya me voy a cotizar. Porque, por más lindo que se vea ese crédito en mi IMDb, eso no es suficiente para mi salud mental.

Esas son mis lecciones del año (muy importantes, lo sé). ¿Cuáles son las tuyas?

Crónicas de California: Crew solo de mujeres

Hay cierta satisfacción de trabajar solo con mujeres. Muchos dirán que es donde hay más drama, pero hay que aclarar algo: entre mujeres, no hay que levantar tanto la voz para poder hacerse escuchar, ni mucho menos para respetar los roles.

Yo he tenido muchas mentoras a lo largo de los años, algunas que sin conocerlas han servido de modelo a seguir para convertirme en lo que soy y lo que quiero llegar a ser. Mientras que otras son unas luchadoras que me enseñaron en diferentes etapas de mi vida, que lo importante no es solo llegar a la meta, sino todo el proceso de por medio. Y aunque no todas están relacionadas a mi vida en el cine, sus consejos siempre me servirán en mi vida profesional.

Cuando escogí estudiar cine, esta era todavía una industria de "machos". Ser mujer en el cine significaba tres tipos de roles: maquillista, encargada de vestuario o supervisora de guión. El simple hecho de acercarse a la cámara requería pasar por encima de un tumulto de hombres que se hacían llamar los mejores a costa de hacer enemigos entre rodajes. Yo misma sufrí esto en mis inicios dentro de rodajes. Escuchaba las eternas discusiones entre director y director de fotografía, y cuando alguno de los dos era mujer, no importaba si ella era la directora, al final del día, el hombre creía siempre tener la razón.

No estoy tratando de crucificar a todos los hombres, pues siempre hay sus buenos samaritanos que respetan, pero, como le explicaba a una personas hace unos días, atento a que los hombres fundaron esta industria, ellos creen que son los únicos "mejores". Y lamentablemente para ellos, ya no es así.

El día en que decidí comenzar la preproducción de Exorcism 101, me prometí que mi rodaje no iba a pasar por el mismo machismo que ya he visto desde hace mucho tiempo: el crew tenía que ser mayoritariamente mujeres, y sino completamente mujeres. Algunas personas lo creían poco creíble. Roles como electricista, iluminista y grip son mayoritariamente masculinos por requerir "cierta fuerza bruta que algunos creen imposibles para las mujeres", pero yo quería callarle la boca a muchos, así que me encontré con mujeres maravillosas que demostraron ser tan capaces de levantar un dolly con sus propias manos. 

La preproducción pasó tal cual esperaba, pero mi mayor sorpresa fue el rodaje: no había competencía de quién sabe más, no había drama, no había egocentrismo. Cada quién hacía lo que tenía que hacer, respetando los roles de los demás. Los únicos dos hombres del crew estaban por debajo de dos mujeres increíbles, y nunca hubo un mal gesto ni incomodidad, muy por el contrario hacían todo tal cual se les pedía.

Hicimos cada shot que tenía en mente, hasta fotografías para los posters, y esto no fue impedimento para que al final del día termináramos temprano, a tiempo de limpiar y dejar esa iglesia tal como la entregaron. Y así también fluyó el día de devolver los equipos, los cuales se imaginarán volvieron a tocarme a mí, más mi mano derecha Anna Vialova quien siempre estuvo conmigo desde aquel agosto que le contaba sobre mi plan de traer a la vida esta idea que se ha convertido en mi hija.

Quisiera aprovechar este momento para agradecer a mi crew completo de mujeres: Andi Mendez, Anna Vialova, Rebekah Shuniak, Jade Yusi, Megan Ressa, Farren Bordon, Duygu Gunesli, Isabella Hawthorn, Dinda Febriqa, Lethabo Mokgatle, Maria García, Tori Wada, Natália Sabino, Kaylie Moore, Cesia Cano, Houry Magarian, Federica Carlino y Lotta Lemetti, por cada segundo de dedicación y haber hecho posible este rodaje. Gracias a ustedes, este fue el mejor rodaje que he tenido en el año. Y no puedo dejar de mencionar a Gabriele Fabbro y João Vítor Rosas, quienes se comportaron como dos caballeros y se envolvieron en el rodaje sin mucho pensarlo; son los mejores.

Después de una experiencia como esta, de ahora en adelante prefiero siempre trabajar con mujeres. Hay que seguir demostrando que ya no hay nadie mejor que nadie, sino que somos tan (y a veces hasta más) capaces de hacer magia en el cine.

Crónicas de California: 8 meses después

Muchas personas me han escrito en estos últimos días. Me han dicho que me he distanciado, y que ya no les hablo con tanta frecuencia. Que extrañan nuestros "cotilleos", que necesitan más tiempo de mi y que me tome un descanso. Que trabajo mucho y que descanso poco. En fin, me han dicho que me coja un break.

Cuando me lo dijeron solo pensé, "estoy mal". Es verdad que estoy ocupada, pero no hay que llegar a extremos. Y después le seguí dando mente y por eso decidí hacer esta publicación. Creo que no muchos lo entenderán, porque solo el que ha trabajado o trabaja en esta industria podría ponerse en mis zapatos, pero aquí viene mi desahogo.

Hace ocho meses me gradué de la maestría, lo cual ha sido uno de mis mayores logros. Obtuve no solo lo que mis padres me motivaban a concluir, sino lo que soñaba desde que vi Harry Potter por primera vez. El cine ya no era un hobby, era mi profesión. Y cuando me gradué, obtuve la oportunidad de alargar mi estadía y trabajar en pasantías y oportunidades de rodaje. Pero cuando me dieron ese título, también me dieron consejos y mensajes que nunca se me olvidarán: esta carrera es solo para sus verdaderos amantes, él que no pueda con la presión artística y los meses pasivos, no la aguantará nunca. Y estos últimos ocho meses, han sido el mayor reto de mi vida.

Justo antes de graduarme, ya tenía opciones de pasantía, trabajos en rodaje, y muchas otras actividades que con seguridad sabía que me mantendrían distraída, pues siéndoles honesta, no sé descansar (no me gusta descansar), y cuando digo que quiero descansar, a las pocas horas mi mente comienza a torturarme. 

Pues marzo fue un mes de mucho ajetreo. Estuve en cinco sets diferentes, dos de ellos producidos por mí, y en el resto trabajaba como Supervisora de Guión. Ya cuando abril se asomó, vino uno mayor: una película. No, no fue un rodaje en un set de Warner Bros o cualquiera de esos estudios grandes, pero era una película, de la cual estaba muy emocionada de participar, porque una película es una película y punto. Trabajaría como supervisora de guión que significaba un crédito significativo. Y de repente no solo tenía esa película, sino también otra película (que por razones que no están en mi control, todavía no ha podido rodarse, pero tengo fe de que ese rodaje viene y pronto).

Les explico cómo eran mis días de semana: de lunes a miércoles trabajaba de asistente para la productora, revisando páginas de guión y manejando el calendario de producción, mientras que de jueves a domingo estaba en sets de rodajes, a veces de día completo, y otras veces de media noche.  Y mientras esto pasaba, era parte del staff de una serie web, escribiendo guiones y teniendo reuniones de producción cada vez que tenía una noche libre. Me la pasé así hasta junio, donde se acababa ese rodaje y comenzaban otros más pequeños pero casi igual de intensos. No supe lo que era tomarme un fin de semana libre hasta mediados de junio, cuando la temporada de rodajes se apagó, y algunos se dejaron para después de la temporada de verano.

Luego pasó algo que no esperaba: gané un premio con uno de mis guiones, y no cualquier guión, sino mi último hijo y al que amo con una intensidad que nadie entenderá hasta que escriba un guión así de apasionado. "Exorcism 101", el cual fue mi proyecto de tesis de la maestría, ganó Mejor Guión en el Etheria Film Festival, otorgándole un premio monetario que me daría la oportunidad de grabar un teaser del guión. 

Tuve mis primeras vacaciones del 2019 entre junio y julio, y fueron esporádicas: me fui a Las Vegas y aproveché a hacer un pequeño turismo interno con mi amiga Anastasia, luego fui a Puerto Rico con Andi y después visité RD por unos días para celebrar la graduación de mi hermana. Pero como se imaginarán, me fui mentalizada de que cuando regresara a Los Angeles, iba a tener el doble de trabajo. No bien pisé tierra gringa, ya tenía un rodaje ese fin de semana, y un corto en producción para grabar en agosto. De ese rodaje, salieron dos oportunidades de trabajo adicionales para agosto. 

Septiembre fue un mes interesante: pues además de trabajar en dos sets grandes, también trabajé en una obra teatral, en una presentación de baile como productora de piso, y comencé a tomar riendas del teaser de Exorcism 101. Y así octubre llegó el doble de complicado, con más trabajos, proyectos, una tercera película, un guión en proceso, y con muchas fechas límites. Mi calendario de trabajo no da para una agenda, y mis horarios son tan locos que solo yo puedo entenderlos. 

No ha llegado noviembre y ya tengo tres rodajes. ¿Qué estoy hablando...? No ha llegado el próximo año, y ya tengo tres rodajes pendientes.

En ocho meses he vivido mucho. He crecido como profesional y he aprendido lecciones importantes de vida. He sabido manejarme económicamente, y entender qué son gustos y qué son necesidades. Me he hecho amiga de personas increíbles con quienes he creado proyectos bien interesantes. He presentado cinco cortometrajes en Warner Bros en los que trabajé como productora o guionista. Y he conocido personalidades del mundo de la televisión y el cine, con los que algún día me gustaría trabajar.

Me he distanciado, pero no porque lo haya provocado, sino porque mi profesión me lo exige. No es excusa, lo sé. Intentaré escribirles más a menudo, pero también entiendan que esto no es solo mi profesión, es uno de mis grandes amores, a los que le he dedicado mi corazón y mi alma para llegar a metas importantes. Y seguro vendrán meses pasivos o bien problemáticos a nivel financiero, en los que yo tendré que crear proyectos para que no sean tan desesperantes, y buscármela por otras tres vías para tener una vida decente, pero no importa nada. Esta es la vida que elegí.

¡Estamos bien!

Crónicas de California: La poca costumbre de escribir en español

Si creciste en República Dominicana, escribir en cursiva fue un requerimiento de tu escuela/colegio. Pero seguro a muchos les pasó, al igual que a mi, que después de pasar esos primeros grados de primaria, ya no había exigencia de escribir de una cierta forma y cada quien encontró su propio estilo; en mi caso, ahora solo escribir a molde, literal se me olvidó como escribir en cursiva. Y así mismo, muchas otras cosas variaron, como hacer matemáticas de la cabeza después de tener acceso a calculadoras, o saberse de memoria las direcciones sin necesidad de Google Maps. Pero... ¿escribir un guión en español después de dos años escribiéndolos en ingles? Señoras y señores, eso ha sido lo más difícil que he tenido que hacer en las últimas semanas.

Hace unos meses atrás, mi primis Yami me llamó para consultarme si conocía a alguien que le pudiese escribir el guión de su tesis. Obviamente, típica guionista, le dije que estaba dispuesta a hacerlo; ya tengo experiencia escribiendo largometrajes en poco tiempo y la idea suena muy interesante, a parte que sería mi primer crédito oficial de película en RD si nos animamos a producirlo. 

Después de eso, comencé a investigar sobre todo los aspectos que tendría el guión: la temática de la historia gira en torno al Gagá dominicano, las tradiciones de heredar el oficio familiar y los bateyes en el sureste del país. Les contaría más pero por temas de privacidad, solo diré que es una historia ambiciosa y con mucho potencial, y no lo digo porque yo la estoy escribiendo sino porque en sí, recoge detalles que siempre he recalcado que las películas dominicanas deberían tener: lenguaje coloquial, un vistazo de áreas del país que en muy pocas ocasiones son exploradas, y costumbres reales del dominicano promedio. 

Sin embargo, esto no significa que el guión me dio, y todavía me sigue dando problemas (apenas voy por el primer borrador, faltan cuchucientos). Y no es por la distancia, o el hecho de que escribo sobre lugares que nunca he visto en persona... sino por estar escribiéndolo en español.

Muchos leerán esto y dirán "óyela ahora, criada toda una vida en RD y ahora viene a decir que no puede escribir en español". Cuando escribo mis críticas o crónicas, nunca he tenido problemas porque siempre lo he hecho en español, mi voz no ha variado ni he tenido un choque de spanglish como muchos hacen, incluyendo los que ni siquiera viven en países anglosajones. Sin embargo, hacía mucho no escribía un guión en mi propio idioma. Y el último que escribí fue de menos de 15 páginas; es muy diferente tener que escribir más de 50 páginas de un pecozón. 

Hablé con un par de colegas internacionales por aquí que ya han comenzado a escribir en su propio idioma otra vez, y según ellos es algo común. Les pasa a todos, incluso a los que no son guionistas pero tratan de hacer sus propias historias. Pero desde mi propio punto de vista, es un poco embarazoso. Cuando me mudé a LA, me sentía incómoda escribiendo en inglés. No era que traducía mis ideas, pues como aprendí inglés desde muy joven, tenía ya la capacidad de "pensar en inglés" y escribir tal cual, pero eso no significaba que mi inglés era perfecto, pues no es mi primer idioma, ni mucho menos es uno que entiendo en su totalidad. El idioma inglés tiene reglas complejas, en el sentido de que no tienen sentido: aplican para algunos y para otros es de otra manera. 

Pero el español, no. Es uno de los idiomas más complicados y más completos, con un sinnúmero de conjugaciones verbales y un vocabulario tan amplio que muchos desean tener bajo su control, y ni siquiera los que manejan este idioma a su perfección se saben todas las palabras existentes; es un privilegio que solo lo tienen los lingüistas. 

Pero volviendo al tema del guión: se me hizo difícil. Fue frustrante el hecho de tratar de decir algo y solo recordarme cómo decirlo en inglés. ¿Cómo es posible que tuve que chequear en google cómo se decía "shocked", "suddenly" o pequeñas palabras que en inglés son comúnmente utilizadas en guiones? Como las aprendí a utilizar con más frecuencia en estos últimos dos años, ahora suenan extrañas en mi propio idioma, lo cual es ridículo. 

Al final lo logré. Ya lo "terminé", pero por supuesto; después de pasarme toda una semana haciendo un vocabulario de palabras que sabía iba a necesitar, viendo videos de dominicanos hablando y leyendo algunos guiones en español, todo es posible.

Finalmente puedo decir: ya toca escribir en español.

Crónicas de California: LALIFF 2019

Por 18va ocasión, el Los Angeles Latino International Film Festival (LALIFF) celebra su devoción al cine y la cultura latina en las famosas salas del Chinese Theater en Hollywood, California. El festival es el espacio donde perfecto para compartir con la comunidad latina, y conocer las visiones de los artistas cinematográficos, musicales y jóvenes talentos ofrencen a la industria del entretenimiento. 

La gala de apertura le da inicio a cuatro días repletos de largometrajes, cortometrajes y películas episódicas dirigidas por Latinx. El festival también alberga presentaciones en vivo, exhibiciones de arte y podcasts, así como un programa llamado Legacy que brinda a jóvenes cineastas de preparatoria un foro para proyectar sus cortometrajes en la pantalla grande.

En este año, la mayoría de las películas seleccionadas a ser proyectadas comparten la temática de migración en común, enfocada desde varios enfoques pero a la vez demostrando los puntos de vista y las reacciones que otras personas tienen a este tema social, desde historias sobre inmigrantes ilegales hasta el reencuentro de migrantes con la tierra madre. 

Los cineastas Cristina Ibarra y Alex Rivera abrieron el festival con su película The Infiltrators, la historia sobre un grupo de indocumentados que se infiltran en el Broward Transitional Center con el plan de sacar a alguien que se encuentra injustamente detenido y exponer los casos de abuso que se dan allí. The Infiltrators se basa en la historia real de los activistas de la Alianza Nacional de Jóvenes Inmigrantes (NIYA) que en 2012 entraron a un centro de detención para localizar a un hombre llamado Claudio Rojas que había sido separado de su familia en el condado de Broward, Florida. Desde el interior de los muros de un centro de detención, los dos jóvenes activistas conocían las condiciones que el sistema de inmigración de los Estados Unidos impone a los inmigrantes indocumentados. A partir de ahí, utilizaron sus posiciones y conocimientos externos para organizarse en contra de las condiciones a las que habían estado sometidos detenidos como Rojas. 

Otras películas que continúan la temática son De lo Mio de la cineasta dominicana Diana Peralta, Building the American Dream de la cineasta texana Chelsea Hernandez, Chulas Fronteras de Les Blank, y Pahokee de Ivete Lucas & Patrick Bresnan. A la vez, el productor y actor Edward James Olmos, cofundador de este festival, presentó su más reciente obra The Devil Has a Name, donde el tema de migración resulta secundario en comparación con la situación principal que abarcaba la historia en relación a la contaminación que las compañías petroleras provocan en los cultivos alrededor de California.

Este año, el festival incluye 15 largometrajes, 17 cortometrajes, cinco episodios, dos eventos especiales y dos podcasts latinos en vivo desde el festival además de destacar a cineastas latinos nacidos en Estados Unidos como Cristina Ibarra, Alex Rivera, Rashaad Ernesto Green, Ben DeJesus, Chelsea Hernandez, Diana Peralta, entre otros. Además de las proyecciones, el festival contó con el desarrollo de programas educativos cortos, uno de ellos el Latinx in Animations, una clase magistral donde animadores y creadores comparten sus influencias y sus orígenes, y cómo esto les inspira en la elaboración de sus proyectos. 

Entre los invitados que desfilaron por la alfombra roja, la comunidad latina se hizo sentir, desde jóvenes talentos en series de televisión tan famosas como The Walking Dead y The Mayans, hasta figuras del cine que se han destacado desde hace muchos años, como Luis Guzmán y Celinés Toribio.

LALIFF ha sido un elemento fijo en Hollywood, gracias en parte al trabajo constante que Edward James Olmos ha puesto en la apertura de puertas en el mundo del espectáculo para la comunidad Latinx. Olmos fundó LALIFF en 1997 junto a Marlene Dermer, Kirk Whisler y George Hernández. El festival de este año, el segundo desde un paréntesis reciente de cinco años, está bajo la dirección ejecutiva de Rafael Agustín, quien fue guionista de Jane the Virgin. 

Crónicas de California: Exorcism 101 gana su primer laurel

El que me conoce bien sabe de un dato que me atrae con facilidad al cine: los demonios. Soy fanática empedernida de las películas sobrenaturales, al punto que, mientras más miedo me de, más emoción siento. Pero esto se debe a que creo en los demonios... sí, mi fe llega a ese nivel. Mis creencias me han enseñado que cómo hay bien también hay mal, y son el tipo de antagonista que realmente me aterrorizan. Por eso, cuando escribo historias de terror, son relacionadas a estos seres.

Cuando tenía que elegir una idea para mi tesis de posgrado, recordé una historia que me contó una persona, sobre una escuela para seminaristas en mi país donde ellos deben participar en exorcismos, por el hecho de que deben aprender a hacerlo en caso de que algún día le tocara protagonizar uno por sí solos. En el momento en que me enteré de eso, sabía que en algún momento de mi vida la usaría (yo todo lo convierto en guiones, retenme).

El resultado final es uno de mis proyectos favoritos, y el cual me he comprometido a hacer realidad algún día. Exorcism 101 es la historia de una novicia rebelde que, después de haber realizado un exorcismo a una de sus citas, es inscrita a la fuerza en una escuela de exorcismo al Sur de la República Dominicana. No está basada en nadie real, pero tiene muchos relatos personales y de leyendas urbanas del país, lo cual es algo que muchas personas aprecian porque les da la oportunidad de conocer la cultura dominicana. A pesar de tener personajes endemoniados y tramas que están propuestas a asustar, también es una comedia, lo cual permite acercarlo más a la coloquialidad del país y a nuestra sociedad.

Como habrán notado, es un proyecto que me apasiona mucho, y por eso aproveché para enviarlo a varios festivales de género (para mujeres y exclusivamente para terror), uno de ellos siendo Stephanie Rothman Fellowship. Esta es una fundación creada para apoyar a mujeres cineastas que escriban, produzcan y/o dirijan historias de género de terror, thriller o fantasía. Es un concurso de guión que reconoce a la ganadora con un premio en efectivo que le ayude a producir el guión con el que participa u otro proyecto que tenga engavetado.

Soy del tipo de escritoras que cuando someto alguna de mis historias a concurso, me olvido que aplico para no entusiasmarme demasiado con lo que no ha ocurrido, y este fue uno de esos casos que participé y borré cassette casi al segundo de aplicar. Cuando me escribieron diciéndome que era finalista, ahí fue que los nervios realmente golpearon. Me preguntaron qué haría con el premio, y dije lo que realmente quería hacer desde que presenté mi tesis: produciría una de mis escenas favoritas del guión para utilizarla como parte de un lookbook para productores o inversionistas que les pudiese interesar la propuesta de televisión. Al día siguiente me notificaron que había resultado ganadora.

Hagamos una breve pausa aquí: cuando me enteré que había ganado, estaba en el metro, camino a un rodaje, y comencé a llorar de la felicidad, porque así soy de emocional aunque nadie me crea. La señora que estaba sentada al lado mío ni se inmutó, como el resto de los gringos aquí, pero no me importó y no me controlé las lágrimas. Es un logro que tengo derecho a expresarlo.

Me había guardado el premio hasta el día de ayer por dos razones: no soy de las que le encanta compartir todo al segundo que me ocurren con el resto del mundo, y me pidieron que lo mantuviese reservado hasta el anuncio publico en el Etheria Film Festival, un festival exclusivo para cineastas mujeres que produzcan contenido de terror, fantasía o thriller. 

Y una vez más, mientras anunciaban a la ganadora en escenario, mi corazón se aceleró. Ya sabía que había ganado y sabía que debía hablar en público, pero fue más real en persona. No lloré, ya aquí estaba un poco más tranquila... pero sí sonaba nerviosa. Obviamente quería copiar el discurso de Olivia Colman en los Oscars, pero aquí tenía algo más práctico y aterrizado para esta ocasión. El de Colman lo tengo reservado para cuando me gane el Oscar a mejor guión. 

El mayor orgullo lo sentí cuando expresé lo agradecida que estaba con mi cultura y mi país, desde que dije "República Dominicana", toda la audiencia aplaudió, y no sé si será por decencia o porque les caemos bien, pero que bien se sintió que reconocieran eso de mi.

Es el primero de muchos, lo sé. Lo siento en el fondo de mi corazoncito. Es una idea que siento que muchas personas, incluso aquellos que no son fanáticos del terror o los demonios, disfrutarían. Y este es el primer paso. El siguiente es poner en marcha la producción del teaser. 

Ya luego les cuento cómo va, mientras tanto, mi director y yo estamos en pre-producción ahora mismo.

Crónicas de California: Hola Mexico Film Festival

Por 11va ocasión, México dice presente en la ciudad de Los Angeles con el Hola Mexico Film Festival, un espacio donde se resaltan la cultura, el día a día y los conflictos de este país. El teatro Montalbán de Hollywood se vistió de distintos colores, y entre colores, enchiladas y un mariachi de fondo, la gala abrió sus puertas a una audiencia, que sin importar la nacionalidad, hacían a un lado su visión del mundo, y se ponían en el lugar de nuestros vecinos hispanos.

Samuel Douek, el productor y creador de este Festival, es quien dirige las palabras de bienvenida al evento, preparándonos que, más que una exposición de películas, es una degustación de talentos, con estilos muy particulares, pero a la vez uniéndose por la misma pasión de llevar a México en alto. Desde historias aparentemente familiares, como la lucha entre diferentes géneros, élites y poder económico, hasta mensajes aún más profundos relacionados al racismo hacia los pueblos indígenas, los afromexicanos, y la comunidad judía en México.

"Fue sumamente importante para nosotros el poder proveer no sólo una plataforma para estas películas, sino también animar a la audiencia a que vea estas películas tan introspectivas e irresistibles que durante tanto tiempo fueron descartadas”, Samuel Douek.

El festival inició con la película "Las Niñas Bien", y culminó con Mirreyes contra Godínez, siendo un viaje en el tiempo alrededor de la lucha de clases en México, pero a la vez una demostración de como la sociedad mexicana ha evolucionado y ha mantenido muchas sus costumbres.

Mis favoritas de la noche

Al igual que muchos otros festivales, Hola Mexico nos dejó probar diferentes estilos por noche. Personalmente, fue también una degustación de conflictos, acercándose a lo que realmente le importa a esta sociedad, dependiendo de la comunidad que protagoniza las historias y el tiempo que se toma para contarlas.

"Leona".

- Hiachicolero: Un enamoramiento inocente propulsa el descenso del joven Lalo al inframundo criminal de la extracción ilegal de gasolina. Lo que comienza como una vía rápida para impresionar a una niña se convierte rápidamente en una lucha mortal por su vida. El director Edgar Nito se enfoca en otro tipo de contrabando, pero casi con el mismo leve de violencia y riesgos que son difíciles de salirse una vez se está en lo profundo del problema. A pesar de ser una situación muy específica de la comunidad donde se desarrolla la historia, hace empatía con el control del petroleo y las altas ventas a nivel mundial que crean la misma frustración que se ve en muchas personas dentro de esta película.

- Leona: Isaac Cherem hace su debut directorial con esta película que narra la historia de Ariela, una joven de ascendencia judía que inicia una relación con un hombre no judío. A pesar de que reconoce el rechazo que su familia pueda sentir a personas que no pertenezcan a su comunidad, ella continúa con la relación hasta que ambos lados le exijan romper. Es una trama que presenta las creencias y tradiciones judías en México, algo que quizás muchas personas (incluyéndome) desconocían que existe en este país. El final es placentero, para romper con lo que establece la sociedad y las mismas familias, dándole una libertad increíble al personaje de decidir que quiere para ser feliz.

- Museo: Esta película cuenta las circunstancias que rodearon al robo de varios artefactos prehispánicos del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México en 1985, y la sorpresa de las autoridades al descubrir que los autores habían sido dos jóvenes marginales de los suburbios, en lugar de los ladrones profesionales de arte a los que se le atribuía la sustracción de los objetos. Gael García Bernal y Leonardo Ortizgris protagonizan esta película del director Alonso Ruizpalacios, quien recrea de manera recreación libre y desbordada de un caso real que sacudió la opinión pública mexicana en los ochenta, confirmándole a la audiencia todos los dotes que posee este director para profundizar en los detalles de cada escena y jugar con la mente de la audiencia mientras se disfruta de la química de estos dos actores.

- Si Yo Fuera Tú: Alejandro Lubezki dirige esta comedia romántica cuenta la historia de Claudia y Antonio, quienes, después de 15 años de casados, su relación se ha vuelto rutinaria. Una noche, después de una fuerte discusión, el inusual alineamiento de los planetas Venus, Tierra y Marte, provoca una mágica transformación: en la que el alma de Antonio queda atrapada en el cuerpo de Claudia y viceversa; haciéndolos vivir en carne propia la complicada vida de su pareja. De los tantos deseos que muchos anhelarían para su "media mitad", quizás este sea el más traumante, y Lubezki lo hace con tanta naturalidad, logrando un desborde de risas tras otro, mientras que la pareja se pone (literalmente) en los zapatos del otro para lograr romper con el hechizo. La película no solo resulta hilarante sino también educativa, para aprender que, si un matrimonio quiere evitar desgastarse, lo mejor es trabajar porque se mantenga con vida.

Tomorrow's Filmmakers Today

Una vez más, y cortesía de HBO, HFPA y UNAM, Hola Mexico Film Festival muestra una selección de cortos dirigidos por latinoamericanos en Los Angeles, siendo esto una vía más para explorar los talentos hispanos que residen y trabajan en esta ciudad. Los jóvenes directores provienen de todo el continente americano, trayendo ideas que independientemente de llamar su cultura de origen, muestran la diversidad de sus estilos cinematográficos y una gran variedad de enfoques narrativos, teniendo un rol protagónico antes de la presentación de cada largometraje que se exponía cada día.

Además del screening de sus cortometrajes, los jóvenes directores también recibieron paneles especiales y visitas a algunos de los grandes estudios y agencias de la ciudad de Los Angeles, y una mesa redonda donde conversaron sobre sus películas y sus ideales, junto a algunas personalidades mexicanas que ya se han insertado en la industría hollywoodense.

Al canto del mariachi...

Hola Mexico Film Festival no solo fue una fiesta de películas culturales, sino también una catería musical, siendo la música ranchera la protagonista de la noche, sobretodo en la clausura del evento, donde la actriz y cantante Sandra Echeverria salió con un conjunto de mariachis a traer a México en lo alto. El final se hizo cantando a voces y serenatas, con cada uno de los miembros de la audiencia haciéndole compañía a Sandra y haciéndole honor a algunos de los clásicos y los favoritos de este país.

Para alguien que nunca había escuchado música ranchera en vivo, me sentí transportada a otro país. Y al final del día eso era lo que quería lograr este festival: no solo se trató de exponer lo más reciente del cine mexicano, sino también presentar la diversidad de talentos e historias, dando un vistazo a los diferentes aspectos que afectan o animan esta sociedad. Fue un plato grande que todos los presentes pudimos probar comodamente.