Crítica Cinéfila: Missing

Cuando su madre desaparece estando de vacaciones en Colombia con su nuevo novio, la búsqueda de respuestas por parte de June se ve entorpecida por la burocracia internacional. Atascada en Los Ángeles, a miles de kilómetros de distancia, June utiliza toda la tecnología a su disposición para intentar encontrarla antes de que sea demasiado tarde. Pero cuanto más profundiza en su búsqueda, su investigación digital levanta más preguntas que respuestas… y cuando June revela secretos sobre su madre, se da cuenta de que nunca la conoció realmente. 

Missing, la segunda película del ingenioso cineasta Aneesh Chaganty, no es para los ansiosos por la vigilancia. Adoptando la plantilla de su predecesor, la película extrae y manipula las herramientas en el escritorio de una computadora para contar una historia palpitante y alarmante.

Dirigida por los editores de Searching, Will Merrick y Nicholas D. Johnson, Missing comienza con imágenes de video de una familia feliz rápidamente golpeada por la tragedia. Los fanáticos de la película anterior estarán complacidos con la secuencia de apertura, que crea un hilo de conspiración entre los directores y los espectadores establecidos. Un video casero muestra a una joven June (Ava Zaria Lee) intentando grabar a su padre, James, (Tim Griffin), en una videocámara vieja antes de que su madre, Grace, (Nia Long), entre en el marco y con cautela confisque el dispositivo. El momento íntimo conduce a uno más doloroso: los registros médicos, las búsquedas en Google y los correos electrónicos muestran que James murió de cáncer. Despojada y abrumada por el dolor, Grace se muda de San Antonio a Los Ángeles en busca de un nuevo comienzo.

De ahí pasan años hasta llegar al presente, donde June (Storm Reid) acaba de graduarse de la escuela secundaria y Grace ha entrado con cautela en una nueva relación con un hombre llamado Kevin (Ken Leung). La muerte de James ha creado un abismo cada vez mayor entre madre e hija, que luchan por relacionarse más allá de las interacciones debidas. Está claro por sus constantes mensajes de texto pasivo-agresivos que June, que pasa todo el tiempo pegada a su MacBook, encuentra intolerable la naturaleza autoritaria y protectora de su madre. Grace, por otro lado, lleva libremente su deseo de intimidad con su hija.

Long y Reid se sienten cómodos en sus papeles de madre nerviosa y su adolescente distante. Se acercan a los personajes con un toque ligero, lo que permite a los espectadores comprender rápidamente que muchas de las peleas de June y Grace son el resultado de una subestimación mutua y una mala comunicación. Cuando Grace le pide a June que la recoja a ella y a Kevin en el aeropuerto el lunes después de un viaje a Colombia, la solicitud molesta visiblemente a la adolescente, incluso ofendida. Ella escucha a medias los severos recordatorios de su madre y apenas presta atención mientras ella y su novio salen arrastrando los pies por la puerta.

June pasa el fin de semana sin la supervisión de sus padres enfurecida con sus amigos. Las fiestas nocturnas en su casa (aventuras llenas de alcohol y música) se narran en las historias de Instagram, los videos de TikTok y las fotos de Snapchat. Cuando llega el lunes, June, con una severa resaca, llega tarde al aeropuerto para recoger a su madre. Pero Grace y Kevin nunca aparecen, lo que lleva a June, presa del pánico, a rastrear la huella digital de su madre en busca de respuestas.

En los cinco años transcurridos desde el lanzamiento de Searching, las películas de "vida en pantalla" se han vuelto menos novedosas. La pandemia, que introdujo su propio subgénero de narrativas basadas en video chat, aceleró su infiltración en la corriente principal y redujo nuestra tolerancia hacia ellas. Aún así, hay buenos esfuerzos como Language Lessons de Natalie Morales , We're All Going to the World's Fair de Jane Schoenbrun y Rap Sh!t de Issa Rae, que aprovechan nuestra comunicación modulada por tecnología para contar diferentes tipos de historias.

Missing entiende dónde existe en la línea de tiempo y, como resultado, la narrativa de Merrick y Johnson  no solo se enfoca en la existencia de esta tecnología, sino que también especula sobre su efecto en la sociedad, observando la facilidad con la que nos sometemos a la vigilancia por conveniencia y cómo estas aplicaciones finalmente alimentan nuestro insaciable apetito por la información. Igualmente, hay una mirada particularmente fascinante, aunque a veces demasiado contundente y repetitiva, a la proliferación de contenido de detectives aficionados y crímenes reales, y aquí se muestra cómo esta nueva generación lo pone a prueba. Si ha visto "Searching", probablemente tendrá la idea de que la respuesta se plantará frente a los espectadores, pero "Missing" toma algunos giros y vueltas absolutamente salvajes y locos para llegar a su destino.

Confiando en sus impresionantes habilidades de Google, innatas para un miembro nativo digital de la Generación Z, June comienza a buscar a su madre desaparecida, revisando cámaras en vivo de turistas, extractos bancarios y contratando a un ayudante tipo TaskRabbit, Javi (Joaquim de Almeida), para hacer trabajo de pies en Colombia. June es inteligente, ingeniosa y audaz, y la forma en que descifra contraseñas y navega por el laberinto de información hará que cualquiera piense profundamente sobre la cantidad de seguimiento de datos que uno debe dejar activado en su cuenta de Google. ¿Es mejor dejar un rastro? Depende de lo que estés haciendo.

El suspenso de "Missing" atraviesa casi dos horas de impactantes giros en la trama a un ritmo vertiginoso. Y si bien es entretenida, sin duda, también adquiere un tono sombrío, ya que considera el dolor, la pérdida y la violencia de pareja íntima de una manera que es muy real, respaldada por titulares extraídos de las noticias, y sí, esas series de crímenes reales y TikToks que son muy convincentes. Eso es lo que hace que películas como “Searching” y “Missing” sean tan cautivadoras. No son solo thrillers de alto concepto con actuaciones melodramáticas, sino que también se sienten auténticos en la forma en que vivimos, incluso en el momentos extravagantes.

Missing logra mantener una atmósfera propulsora y mordaz y superar el aburrimiento de sus ritmos narrativos convencionales al tratar cada herramienta (cuentas de Gmail, fotos de iPhone y sitios web corporativos) como un rompecabezas de capas profundas, que recopila y ofrece más información de lo que la mayoría de las personas logran darse cuenta. Para aquellos que ya están en sintonía con los zarcillos de nuestro mundo cada vez más vigilado y digitalizado, Missing se siente como un episodio de Black Mirror, pues en su mayoría confirma las sospechas sobre la facilidad de rastrear incluso las vidas en línea más obstinadamente opacas. Para todos los demás, será una escalofriante llamada de atención sobre todo lo que almacenan en el mundo digital.

Experimentamos gran parte de nuestra realidad en línea, sin saberlo, dispersando artefactos de nuestra experiencia vivida mientras hacemos clic y deslizamos. Pero “Searching” y “Missing” reiteran que a pesar de las fotos, los videos, las migajas de pan de la humanidad reflejadas en ceros y unos, no hay nada como lo real, para bien o para mal.

Crítica Cinéfila: Licorice Pizza

Es la historia de Alana Kane y Gary Valentine, de cómo se conocen, pasan el tiempo juntos y acaban enamorándose en el Valle de San Fernando en 1973.

Para los puristas y los fanáticos a muerte de Paul Thomas Anderson, existen dos tipos: una versión es el autor joven, ambicioso e hipercafeinado detrás de "Boogie Nights" y "Magnolia", lleno de confianza (quizás también de sustancias ilícitas), brío y talento para presumir (con movimientos de cámara y bandas sonoras y conjuntos al estilo de Robert Altman incluídos). Y la segunda versión es la más relajada y madura, detrás de obras enigmáticas más pausadas como “The Master” y “Phantom Thread”. Cualquiera que prefiera, el último esfuerzo de Anderson, "Licorice Pizza", podría ser el gran unificador de sus versiones.

Es una película hecha en el estilo cinematográfico actual de PTA: errante, sin prisas, sin preocuparse por el ritmo de la película actual, con un gran deseo de volver a visitar el entorno veraniego de la década de 1970 de su amado Valle de San Fernando. Es un poco jovial y holgada al principio, pero una vez que entras en su longitud de onda, la ves como una especie de película para pasar el rato. Una vez que todo se une, se siente cálida, cariñosa, nostálgica, emociones en retrospectiva alrededor de personajes cautivadores y únicos en una historia simple y sin pretensiones sobre correr y crecer en la década de 1970. Los Ángeles hasta se ve mejor con un poco de romance tentativo salpicado en buena medida.

La alegre y despreocupada "Licorice Pizza" se centra en Gary Valentine (Cooper Hoffman, el hijo del difunto Philip Seymour Hoffman en su primer papel cinematográfico), un joven aspirante a actor y estafador adolescente en ciernes, lleno de descaro y moxie. Casi de inmediato, Gary conoce y encanta a Alana Kane ( Alana Haim del grupo de rock-pop de verano Haim, de quien PTA ha dirigido muchos de sus videos musicales), una chica sin rumbo de 25 años que actualmente es asistente de un fotógrafo que toma fotos de estudiantes de secundaria en un gimnasio. Molesta a su manera adolescente llena de pecas pero innegablemente encantadora, Alana inicialmente rechaza los avances convincentes pero inmaduros de Gary. Sin embargo, pronto, en contra de su mejor juicio, ella es un torbellino inculcado en el entorno de Gary de ajetreos, estafas y niños actores que cumplen sus órdenes. Él se enamora de ella, ella lo rechaza una y otra vez y, sin embargo, hay una chispa conectada que no pueden negar, ni realmente actuar.

De eso es que realmente se trata todo, aunque parece tener lugar durante un par de meses o incluso años. Uno de los esquemas para hacerse rico rápidamente de Gary involucra una compañía de camas de agua (señale rápido, parpadee, o se perderá los cameos de John C. Reilly y el papá súper hippie de Leonardo DiCaprio). Otra tangente que involucra un posible desvío de actuación y audición para Alana coincide con un restaurante localmente famoso que a Gary le encanta frecuentar, donde se encuentran a Sean Penn y Tom Waits en breves y fugaces apariciones. “Licorice Pizza” tiende a entrar y salir de la vida de los dos personajes principales, a veces juntos, a veces separados, a veces distanciados, pero siempre aparentemente conectados por algo que estos dos tienen juntos, sea lo que sea esa será innegablemente lleno de afecto y amor, a pesar de que sus diferencias de edad claramente hacen que sea imposible que estén juntos. Pero su empuje y atracción dinámicos aparentemente están conectados. Si bien no son viñetas, la película es demasiado fluida y, sin embargo, sin forma para presentar algo parecido a capítulos; una historia involucra a un Bradley Cooper deliciosamente trastornado como una versión drogada de Jon Peters, un productor de cine, que salió con Barbra Streisand, comprándole una cama de agua a Gary y su grupo de compinches, y amenazándolos previamente si arruinaban esta entrega. La llegada de Cooper amenaza con darle a la película un motor narrativo, pero tan pronto como su apariencia delirante levanta la cabeza, efímeramente también se aleja flotando.

Otra trama secundaria presenta al cineasta y actor Benny Safdie como un político local virtuoso que se postula para un cargo con una agenda anticorrupción, con Alana como voluntaria en su campaña. Actores como Maya Rudolph y Ben Stiller pueden estar salpicados en pequeños papeles aquí y allá, pero esta es realmente la película de Cooper Hoffman / Alana Haim en todo momento.

Muestra un verdadero acto de fe en PTA para enfocarse en estos dos actores no profesionales, y al principio, no está claro si la decisión valdrá la pena como él cree que lo hará. Pero la confianza del cineasta en ellos se gana y aparentemente los incita a realizar interpretaciones increíblemente carismáticas. Es posible que Hoffman aún no sea el heredero obvio de su padre monstruosamente talentoso, pero la chispa alegre y traviesa y la convicción de su personaje son innegablemente contagiosas. Alana Haim es una revelación luminosa, y la palabra clave de la película debería ser natural. Juntos y en conjunto, Haim, Hoffman y PTA crean una película que se siente convincente y magnética y que nunca se esfuerza demasiado. Simplemente manteniéndose fiel a su misión: la historia dulce, alegre y eventualmente estimulante de estos dos niños, sus sueños esperanzadores, sus objetivos idealistas, su magnetismo irresistible y sus destinos aparentemente interconectados, todo lo demás encaja en su lugar.

¿No hay mucho de una trama a la que aferrarse? Está bien. Gran parte de "Licorice Pizza" es solo un cineasta que sigue sus caprichos instintivos, intuitivos y maravillosos, claro en la seguridad en sí mismo de que encontrará algo de interés en su historia discursiva. De repente, la audiencia se encuentra bajo un brumoso hechizo romántico de toda la vibración sincera y muy relajada de la época. Gran parte se ve reforzada por la magnífica iluminación naturalista de PTA, tanto tratada por el sol como crepuscular y la banda sonora vintage estilo boogie-ish denim-y (Wings, Sonny & Cher, Todd Rundgren, The Doors, Blood, Sweat & Tears , etc.).

Debe decirse, es posible que las normas y los devotos que no pertenecen a la ola PTA no quieran adorar en el altar esta película algo desarraigada y reflexiva, una que dura casi dos horas y media y se siente más como tres (aunque en un buena manera), y algunos tradicionalistas podrían irse sintiéndose un poco desconcertados por su estructura floja. Pero si estás abierto a sus sabores poco convencionales e idiosincrásicos, "Licorice Pizza" es un homenaje a la juventud maravillosamente nostálgica y evocadora, realizada por un cineasta magistralmente equilibrado a quien realmente no le importa si este no es tu sabor preferido. Todos somos bienvenidos e invitados, por supuesto, pero el esfuerzo suave y agradable de PTA se siente como si se estuviera divirtiendo demasiado como para preocuparse por la percepción de los demás hacia esta magnífica obra.

Crítica Cinéfila: Night Stalker, the Hunt for a Serial Killer

Detrás del glamour soleado del Los Ángeles de 1985 acecha un malvado asesino en serie. Dos detectives no pararán hasta detenerle. 

Conocemos la fórmula para documentales limitados de crímenes bastante bien: desde la secuencia de créditos de apertura elegantemente inquietante hasta el metraje de noticias granulado que se remonta al período en cuestión, pasando por las representaciones sombrías de los asesinatos, las entrevistas con los investigadores y los sobrevivientes y los seres queridos de las víctimas al video y/o audio grabado de los asesinos.

Cuando se manejan con un gran instinto de narración y respeto por la gravedad del material, estos documentos se vuelven adictivos, aunque a veces sean espeluznantes, como por ejemplo en "Making a Murderer", "I'll Be Gone in the Dark" y "American Murder". La serie de Netflix de cuatro episodios "The Night Stalker: The Hunt for a Serial Killer" se unirá a las filas de los mejores docuseries de crímenes reales de los últimos tiempos y que casi seguro les mantendrá en sus manos desde las secuencias iniciales a las imágenes finales. Estamos muy temprano en la temporada de visionado de 2021, pero es difícil imaginar que algún proyecto de este género tenga un impacto más profundo. Esto es un material de alto calibre.

Lo primero que vemos en "The Night Stalker" es una cinta de video ligeramente trabajada del Departamento del Sheriff del Condado de Los Ángeles de 1985, con un joven detective de rostro redondo llamado Gil Carrillo diciendo en un tono rígido y monótono: "El Departamento del Sheriff está llevando a cabo una investigación sobre una serie de homicidios y agresiones sexuales en el condado de Los Ángeles. El sospechoso ha utilizado pistolas, cuchillos, grilletes, esposas, esposas para los pulgares...", en pocas palabras de todo.

Después de algunas imágenes de la escena que nos llevaron a Los Ángeles de mediados de la década de 1980, incluidos los Juegos Olímpicos, una visita del Papa, tomas de las principales celebridades de la época, etc., vemos un montaje de recortes de noticias que relatan la situación, obras terribles de un asesino apodado "The Night Stalker", que incluyen destellos de autoridades que llevan cuerpos cubiertos con sábanas desde casas y una cita de una vecina cuyas frustraciones hablan por la ciudad: "No entiendo por qué alguien no puede identificarlo , tiene que vivir en algún lugar, ¡alguien tiene que conocerlo! "

Cuando más tarde vemos una gota de sangre golpeando el suelo en cámara lenta, seguida de un martillo bañado en sangre, escuchamos una voz que dice: “No creo que nadie tenga otra opción. Tu número está ahí algún día, todos moriremos, pero no sabes cuándo. Empiezas a morir el día que naciste". Esa voz pertenece al mismo detective Gil Carrillo que conocimos en ese video del Departamento del Sheriff, pero ahora han pasado unos 35 años, y Carrillo tiene el aspecto cansado del mundo de alguien que ha visto más muerte y dolor en su vida que mil de nosotros. Gran parte de "The Night Stalker" se filtra a través de los recuerdos de Carrillo, que era un detective de homicidios prometedor pero relativamente inexperto en ese momento, y el hombre que lo eligió como socio: Frank Salerno, que ya era una leyenda, quien había manejado docenas de casos y fue el investigador principal en el caso del asesino en serie conocido como el Hillside Strangler de la década de 1970. Desde el momento en que vemos a Salerno en la actualidad, una bebida a su lado, todavía como una fuerte presencia, podemos ver que este no es un hombre con el que se pueda jugar. Sin embargo, a medida que avanza la historia, se revela que Salerno es tan humano, tan afectado por los asesinatos, como Carrillo, más aparentemente emocionalmente.

Carrillo y Salerno hicieron un trabajo brillante al guiarnos a través del caso, contándonos cómo llegaron a darse cuenta de una serie de asesinatos aparentemente no relacionados en todo el condado de Los Ángeles que en realidad compartían elementos comunes, más notablemente una huella de un tipo relativamente raro de calzado deportivo. Sin embargo, se sentían impotentes mientras este depredador continuaba invadiendo hogares en la oscuridad de la noche, violando y matando a sus víctimas de una manera horrible. Es casi insoportablemente doloroso escuchar a los que sobrevivieron a los ataques del asesino, así como a los hijos adultos y nietos de las víctimas, pero el director Tiller Russell siempre se asegura de que aprendamos sobre las vidas que vivieron estas personas inocentes, sus rasgos de personalidad y sus pasiones y sus familias, por lo que no son solo números en un recuento de muertos. Para una serie sobre una serie de asesinatos tan brutal, le da humanidad a cada entrevista.

No es hasta el episodio final que el enfoque cambia al Night Stalker, un tal Richard Ramirez, un psicópata con dientes podridos, el olor corporal de un animal y ojos penetrantes. A través de un esfuerzo coordinado del buen trabajo policial a la antigua de muchos departamentos, Ramírez es identificado como el Night Stalker y su foto está en la portada de todos los periódicos de California. Lo reconocen mientras viaja en un autobús y comienza a correr hasta que finalmente es detenido por un grupo de ciudadanos, incluido un hombre que lo golpeó en la cabeza con una barra de metal, quien oficialmente es mi personaje favorito de toda la docuserie.

“The Night Stalker” nos lleva a través del sensacional juicio de Ramírez, con una multitud de espectadores afuera del juzgado, los medios de comunicación en todas partes y las grupitas enfermas haciendo cola para obtener un asiento adentro. La justicia prevalece y Ramírez es arrastrado hacia la pena de muerte. Pero después de 23 años en el corredor de la muerte, el Night Stalker murió de cáncer a la edad de 53 años. El mundo se convirtió instantáneamente en un lugar mejor y quizás el cáncer fue una muerte suficiente para los que fuimos ajenos a la historia, pero para los sobrevivientes quizás nunca lo será, siendo una gran decepción de que no sufrió más por lo que les hizo, quizás con una muerte más dolorosa y tortuosa, tal y como él hizo con sus víctimas.

Crítica Cinéfila: Songbird

En 2024, una pandemia asola el mundo y sus ciudades. Centrado en un puñado de personas mientras navegan por los obstáculos que actualmente obstaculizan la sociedad: enfermedades, ley marcial, cuarentena y vigilantes.

El país se encuentra actualmente en las garras de una pandemia mortal. La tasa de mortalidad es más alta que nunca, con muertes que corren hacia la marca de 300,000. Millones de personas se encuentran en una situación financiera desesperante, la respuesta del gobierno ha sido caótica y la gente se rebela violentamente contra las mismas medidas de salud diseñadas para mantenerles con vida. Entonces, lo que realmente quieres hacer para distraerte de este horrible estado es ver un nuevo thriller cinematográfico sobre un país que sufre una pandemia mortal, ¿verdad? 

Al parecer, los creadores de Songbird creen que sí. Las notas de producción de la película producida por el maestro del cine de desastres, Michael Bay, mencionan que el equipo creativo empleó una técnica que denominan "cine oportunista". El término se refiere al uso de formatos fotográficos no tradicionales como iPhones, GoPro y cámaras de vigilancia. Pero también podría describir fácilmente este enorme esfuerzo, que se describiría con mayor precisión como "cine explotador".

Usando el hecho de que fue la primera película que se filmó en Los Ángeles durante la pandemia como un dudoso argumento de venta, la película dirigida por Adam Mason (Into the Dark) se desarrolla en 2024, cuando el virus del COVID-19 ha mutado a una forma aún más mortal que ha matado a millones de personas solo en Estados Unidos. El país está en un bloqueo total, con el alcalde de Los Ángeles declarando la ley marcial. Las personas que se descubren infectadas son sacadas de sus hogares por oficiales del Departamento de Sanidad que usan trajes de materiales peligrosos y arrojadas a campamentos de cuarentena conocidos como el "Q-Zone". 

Al ser una producción de Hollywood, tiene que haber un elemento de bienestar. Viene en forma de una historia de amor cruzada entre el intrépido mensajero Nico (KJ Apa), que es inmune al virus pero también un delivery de paquetes, y Sara (Sofia Carson), una joven que vive con su abuela. A pesar de la intensa conexión emocional de los dos posibles amantes, el contacto físico, no hace falta decirlo, es imposible.

Otros personajes que figuran en el proceso son William y Piper Griffith (Bradley Whitford y Demi Moore), una pareja adinerada cuyo matrimonio está a la caída; May (Alexandra Daddario), una aspirante a cantante que actúa en línea, con quien William está teniendo una perversa relación pandémica; Michael (Paul Walter Hauser), el mayor admirador de May, un veterano discapacitado y un genio de los drones; y Lester (Craig Robinson), el jefe de Nico, que dirige un negocio de entregas que atiende a clientes adinerados.

Cuando la abuela de Sara es víctima del virus, que puede ser detectado casi de inmediato por una aplicación de escaneo de teléfono celular, el desagradable jefe del Departamento de Saneamiento, Peter Stormare, amenaza con llevarlas a una de las temidas Q-Zones. Es decir, a menos que Nico pueda evitarlo arrebatando ilícitamente uno de los valiosos brazaletes del mercado negro que indican inmunidad, perderá contacto con su damisela.

Sería cruel criticar los valores de producción de bajo nivel de la película, ya que fue filmada en plena pandemia. Pero eso no impide que uno señale la naturaleza simplista del guión del director Mason y Simon Boyes, que se siente tan superficial y apresurado como una producción de esta velocidad debe haberlo exigido. A pesar del "drama de alto riesgo", no hay un momento convincente en todo momento, y algunas de las caracterizaciones, especialmente el villano jefe del Departamento de Sanidad de Stormare, son tan absurdas y planas que es difícil no pensar que la película es una sátira. El impresionante conjunto ofrece sus actuaciones con un compromiso admirable, pero principalmente se distraen con la esperanza de que se hayan implementado los protocolos de seguridad adecuados.

En última instancia, el principal logro de los realizadores en la producción y el lanzamiento de Songbird es que lograron hacerlo. Si realmente valió la pena o no, o si la película será de algún interés después de que termine esta prolongada pesadilla nacional, son otros 500.

Crítica Cinéfila: Kajillionaire

Old Dolio y su familia de estafadores de poca monta invitan a una alegre joven a unirse a su reducido clan, algo que pondrá por completo patas arriba el mundo en el que viven. 

Una película maravillosamente extraña cuya considerable extrañeza permite observaciones agudas sobre la familia, la soledad y el terror de la intimidad emocional, Kajillionaire es una prueba más de la capacidad de la escritora y directora Miranda July para doblar la realidad a su voluntad. Al igual que con Me And You And Everyone We Know y The Future, nos presenta personajes que no se comportan de ninguna manera "normal", mientras Evan Rachel Wood interpreta a la infeliz hija de padres estafadores que se pregunta si existe más en la vida que la total desconexión del mundo que la rodea. Las estrategias de Kajillionaire y sus extrañas digresiones no siempre funcionan, pero aquellos que estén dispuestos a seguir su onda serán tratados con una odisea triste y divertida que puede ser abrumadoramente tierna y vulnerable.

Estrenada en Sundance, donde Me And You And Everyone We Know ganaron un premio especial del jurado en 2005,  Kajillionaire representa su primer largometraje en nueve años, y esta película posee un elenco potente; junto a Wood, también están Debra Winger, Gina Rodríguez y Richard Jenkins. Aún así, esta película desafiante, a veces desconcertante, no será para todos los gustos y puede resultar en ganancias teatrales limitadas.

Wood interpreta a Old Dolio, una veinteañera retraída que vive con sus padres Theresa (Winger) y Robert (Jenkins). Encerrados en un edificio de oficinas abandonado y robando paquetes de la oficina de correos local, son estafadores y carroñeros que tratan de mantener un perfil bajo para no ser detectados. Pero la existencia protegida de Old Dolio se ve alterada por la aparición de Melanie (Rodríguez), una confiada empleada del centro comercial que quiere ser parte de sus planes, ganándose rápidamente el cariño de Theresa y Robert, y desafiando el papel de Old Dolio en la familia.

July favorece a los personajes peculiares y las tramas poco convencionales en Kajillionaire, que puede parecer, a primera vista, un drama de estafadores, pero que rápidamente se transforma en algo único e impredecible, para bien y, a veces, para peor. Muy pocos espectadores adivinarán con precisión a dónde nos lleva July. 

Se pide a Wood, Winger y Jenkins que ofrezcan actuaciones afectadas. Las mujeres tienen el pelo largo y lacio que las hace parecer miembros de una secta, mientras que Robert tiene un aire muy ansioso. Si todo eso no fuera suficiente, Old Dolio habla en un tono bajo, casi masculino, y Theresa camina con una pronunciada cojera. Claramente, esta es una familia peculiar, pero lo impresionante de Kajillionaire es cómo nos atrapan July y su elenco, y nos obligan a aceptar las extrañas reglas básicas de la narrativa. Una vez que nos aclimatamos a sus patrones de habla forzados y estilo de vida poco tradicional, reconocemos la creciente frustración de Old Dolio con la forma en que sus padres la tratan como a una cómplice, no como su hija.

Las extrañas costumbres de esta familia, que incluyen limpiar con regularidad las espumas de jabón que inexplicablemente atraviesan la pared de su "casa", finalmente se ven interrumpidas por la llegada de Melanie a su órbita. A diferencia de ellos, ella habla y actúa como una persona común, lo que agrega una sacudida cómica al proceso. Mientras que Old Dolio esconde su cuerpo debajo de su cabello pasado de moda y sus chaquetas holgadas, Melanie es vivaz y sexy; algo que tiene consecuencias no deseadas dentro del clan disfuncional pero muy unido.

Se requiere paciencia para permitir que July establezca sus ritmos fuera de orden, e incluso entonces, su falta de inclinación a adherirse a las reglas de narración "adecuadas" a veces la lleva a callejones sin salida. Pero esto también la libera, preparando el escenario para secuencias completamente inesperadas, incluida una viñeta conmovedora en la que Melanie y el clán intentan una pequeña invasión a un hogar y se hacen pasar como una familia unida dentro de una casa de extraños. 

A medida que la película fluye entre piezas aparentemente episódicas, comienzan a surgir temas potentes. Se explora todo, desde el vacío del sueño americano hasta el vacío de la vida moderna, al igual que las cuestiones relativas a la mortalidad, la identidad y la pertenencia. Sin embargo, July nunca aterriza en una gran idea, por lo que los espectadores son libres de interpretar esta curiosa y enigmática travesía como mejor les parezca.

Winger y Jenkins no son del todo convincentes, por muy buenos actores que sean, se sienten un poco educados, pero Wood insinúa amorosamente algo roto dentro de Old Dolio, una estafadora a la que nunca se le permitió convertirse en un ser humano. Algunas de las payasadas del personaje pueden ser divertidas, pero lo que se manifiesta más fuerte es la sensación de un alma perdida que es demasiado frágil para liberarse del extraño capullo que sus padres construyeron para ella. La historia de Kajillionaire a veces desafía toda explicación, pero es rica en implicaciones metafóricas.

Crónicas de California: Carta de amor a Los Angeles

Hay una ciudad en un punto de California, protegida por montañas y billboards, donde las playas son frías y el desierto es seco y ventoso; donde cada colina está repleta de casas y condominios, las comunidades tienen más salas de cine que supermercados, y conoces más artistas que personas con oficios tradicionales.

Los Angeles es como el territorio de "Boardwalk" cuando juegas Monopoly: todos pasan cerca pero muy pocos llegan a aterrizar ahí, y los que sí llegan lo hacen con ansías de posesión, sin saber que se convertirá en una pelea de quién tiene más. Pero este no es territorio para todos los que se quieren dedicar al mundo del entretenimiento, pues no todos serán aceptados o entenderán las reglas de juego. Es un mini-universo que se siente más como un club exclusivo al que debes pagarle una membresía anual para poder pertenecer, porque la competitividad se siente en cada avenida y todos están lanzando su carrera de manera particular.

Todo esto sonará como un desaliento, pero al final del día debo admitir algo que no lo digo todo el tiempo: estoy enamorada de esta ciudad. Me enamora su constante impulso por ser mejor en lo que sea que hagas; me apasiona ese acelere cuando entras a las salas de los festivales independientes y sueñas con ver tus proyectos allí; y me enorgullece como no solo se destaca el talento que nace aquí sino también el que florece en y desde cualquier parte del mundo.

Me abrió sus puertas, tanto al nivel personal como profesional. Aquí no solo practiqué el reconocimiento de cuáles son las películas que hacen que Hollywood sea lo que es hoy en día, sino también reconocí cuáles son aquellas que, sin ser de esta industria, llegan a ser tan amadas como las películas originarias de la famosa ciudad. Pero también me enseño a apreciar más el cine como un arte y no solo como un negocio.

Sin embargo, y dejando a un lado todo el amor por el cine que se respira, ninguna experiencia laboral se comparará con el hecho de haber tenido la oportunidad de caminar sus calles, memorizarlas a un punto que, sin importar dónde esté, no necesito Google Maps para ubicarme. Sonaré como una guía turística, pero así como podría dar talleres de mi propio país, así puedo pasear esta ciudad con confianza y decirte que autopistas llevan a donde. Si te ubicas en el mismo centro de La Cienega Boulevard con Wilshire avenue, tienes una vista de 360º de Los Angeles: hacia el Este encontrándote con Downtown LA, y hacia el Oeste tropezando con Beverly Hills, mientras que al Sur está el famoso sector de Santa Monica y hacia el norte te encuentras con el codiciado letrero de Hollywood. Si caminas el Gower St hacia la colina tendrás la foto con el gran letrero de fondo, y si quieres caminar el paseo de las Estrellas, se extiende desde La Brea avenue hasta Gower St, y desde Hollywood Blvd hasta Sunset Blvd. Si quieres encontrarte con famosos, todo dependerá del sector donde los quieres encontrar, mientras que si quieres apreciar el arte de la ciudad, debes dirigirte a West Hollywood, La Brea y Vermont.

Tanto que me querían convencer de dejar de utilizar el transporte público, cuando siento que descubrí lugares gracias a que nunca dependí de un carro propio. Hoy puedo decirles a muchos que andar a pie ha sido un lujo y no un sacrificio, y que aunque nunca dejaba de preocuparme por mi seguridad, no dejaba de explorar zonas que muchos temían por no salirse del mapa turístico. Gracias a esto, puedo decir con confianza que Santa Monica no es solo el Pier y que Downtown no es solo el Staples Center; que hay muchos más mercados que el Central Market, pero que el de The Grove siempre será mi preferido; que ya no me da vergüenza montarme en un scooter ni en una bicicleta, y que ya me pueden dejar en un parque el día entero con dos libros y lo disfruto con tranquilidad.

Pero que nada de esto se confunda con obsesión ni costumbre. Te aseguro que te pasaría lo mismo si vinieses de visita, pues a pesar de ser una de las ciudades más grandes del país, hay algo muy particular en sus calles que hacen que cualquiera se sienta cómodo, como si andase en tierras conocidas.

Hay tantos lugares que voy a extrañar que me resulta difícil no hacerlo sin sacar mi librito y comenzar a hacer una lista. Pero si debo sacar mis favoritos rápidamente, extrañaré andar en la ciudad y siempre encontrarme con valles; ir a Universal City Walk porque voy al cine pero quedarme hasta la noche cuando el parque está vacío; ir a festivales, screenings o eventos a nivel general, y poder conversar con sus artistas; trotar alrededor de Burbank y solo toparme con los lotes de los estudios; o ir de pasadía al Griffith Observatory y admirar la vista Los Angeles.

Hace tres años me abrió sus puertas sin mucho esfuerzo y me dejó conocer aspectos que solo los que exploran con mayor cuidado logran entender de esta ciudad. Se convirtió en una escuela sin necesitar un salón de clases, y un libro de lecciones y experiencias diarias sin ser esperadas; se convirtió en un espacio, donde el trabajo era lo primordial y los rodajes eran casi todos los fines de semana, pero se sacaba tiempo de vez en cuando para visitar un museo o simplemente irnos de brunch hasta que cerraran el buffet.

Son tres años aquí, pero ya me puedo ir con lágrimas de nostalgia y felicidad a la vez. Pues sé que siempre puedo volver por razones de trabajo, de visita y hasta de turista, aunque ya no me sienta así.

Gracias Los Angeles. Me diste una familia, amigos, colegas de por vida, independencia y un lugar al que siempre podré llamar hogar.

Crónicas de California: Hollywood, el Coronavirus y yo

¡Que tiempos tan interesantes para estar en California! 

Mientras más días pasan, más me pregunto: ¿será un plan para salir de esta ciudad tan desesperadamente? ¿o quizás se trata de una película interactiva en la que todos somos parte del elenco y el antagonista principal es un virus "mortal" que su arma más mortal es la tos seca? Sonará a forma de burla, pero así me lo he estado tomando desde el inicio. La realidad es que el asunto es peor por cómo los medios lo ponen. Es una gripe como muchas que si no te cuidas pues te mueres. Al final del día, así son todas las gripes. Pero por el otro lado, puedo reconocer que el tema es serio.

Sin embargo, y a pesar de toda la chercha y poco interés que le pongo al tema, el Coronavirus está afectando todo el mundo, muy especialmente la industria del entretenimiento. Así como muchos negocios y escuelas están cerrando sus puertas para proteger a los suyos de la pandemia, así Hollywood está teniendo que tomar medidas de precaución en contra de su voluntad emocional y económica, al punto de que ya se está volviendo personal.

Amigos me han comentado de varios rodajes que han despachado al personal a sus casas, y el problema no fue la precaución, sino la manera en que fueron despachadas con un rechazo total peor que las películas de zombie o de contagio. 

Así se han cancelado rodajes más grandes:

Disney Live-Action Shows and Films

Marvel's Disney + Shows

Vengeance

Red Notice

The Batman

Universal Live-Action Movies

The Hallmark Channel

Warner Bros. Shows

Netflix Shows

NBCUniversal Shows

CBS Shows

Official Competition

The Prom

Jeopardy! and Wheel of Fortune

The Morning Show

Bros

The Wendy Williams Show

Daytime TV

The Ellen DeGeneres Show

Tamron Hall

Late-Night TV

Survivor

Debate demócrata de CNN

Riverdale

Real Time with Bill Maher

Falcon & the Winter Soldier

Mission: Impossible 7

Blossoms 

The Amazing Race

Tong Wars 

General Hospital

Los cines estadounidenses han limitado los accesos a un 50%, mientras que en países europeos han cerrado completamente los cines. Y así se han decidido cancelar o posponer estrenos de múltiples de películas:

Big Time Adolescence

F9

Mulan

A Quiet Place Part 2

Antlers

Little Fires Everywhere

New Mutants

Kill Chain: The Cyber War on Elections

The Lovebirds

Quibi Launch Event

Peter Rabbit 2

After Truth: Disinformation and the Cost of Fake News

No Time to Die

Ozzy Osbourne

Disney+ European Press Launch

Sonic The Hedgehog Chinese Release

Swipe Night

Superman: Red Son New York Premiere

Enter the Fat Dragon

Lost in Russia 

Estar en lugares públicos se ha convertido en una situación de mal gusto, cancelando importantes festivales de cine, como:

Cualquiera que tome lugar en Francia (no ha sido anunciado pero Cannes seguro también será cancelado)

Venice Film Festival

Tribeca Film Festival

Network Upfronts

Roger Ebert’s Film Festival

Montclair Film Festival

TCM Classic Film Festival

CinemaCon

ASCAP Experience

SXSW Participants

Nickelodeon’s Kids’ Choice Awards

RuPaul’s DragCon LA

Full Frame Documentary Film Festival

PaleyFest

Prague Film Festival

Facebook F8 Developers Conference

Sun Valley Film Festival

CinemaCon 2020

Entre muchos más así también como muchos festivales (Coachella, Tomorrowland, Gay Pride Parade, WonderCon, y más).

Hace poco fui al cine, y viví como el coronavirus les afecta a todos, al generar pánico cuando alguien estornuda; que alguien entra y los empleados limpian rápidamente el piso y los stands; que en una fila del teatro todos se sientan dejando dos asientos de distancia. 

Hollywood nunca se dio cuenta, pero siempre avisó en sus películas como el mundo caería por una enfermedad, él mismo siendo uno de los grandes afectados. Lo bueno es que todos están positivos de que se recuperarán eventualmente, pero no hay una fecha estimada de cuándo eso será. 

Ha sido muy interesante estar en California con todo este caos. Más interesante aún cuando el futuro de nadie esté garantizado, por más contratos firmados, calendarios establecidos y equipos reservados. No se preocupen que yo estoy bien. Lo único que me ha afectado es el retraso de tantas películas que esperaba con ansias. Si me ponen en cuarentena pues me la paso escribiendo entonces.

Crónicas de California: ¿Por qué me voy?

Hace unos meses le comentaba a una amiga que me regreso a República Dominicana muy pronto. Ya ahora es dentro de unas semanas, lo cual me llena de muchos sentimientos mezclados, pero a la vez un paso más hacia el inicio de grandes proyectos. Pero mi amiga no estaba tan emocionada como yo, porque ella dice (y la cito con todo el respeto y amor que le tengo), que "volver a República Dominicana sería un atraso". Me sentí bien mal cuando dijo esto por la sencilla razón de que, independientemente de los líos que hayan en el país, es MI país. Todo el que me conoce, aquí, allá y en cualquier parte del mundo, sabe que me desvivo hablando cursilerías de mi amada isla. Y mi gran sueño, antes de ser una gran artista en cualquier otro lugar, es poder darme grande allá, en mi propio patio. 

Lo que más me molesta de todo esto es que ella no es la única que me ha expresado su descontento por el país. Muchas personas me insisten en que no tengo que volver, que "¿para qué? Si la situación está malísima". O mi favorita: que al contrario, me irá mejor si me quedo en Los Angeles. Así que decidí hacerles esta bonita publicación a todos mis amados seguidores, que tanto les gusta que les hable de esta interesante ciudad. De nada.

Primero que todo quiero que sepan que, desde el primer momento en que llegué a Los Angeles sabía que me iba a enamorar de esta ciudad. Son muchas las razones por la que una persona de mi carrera, con mis pasiones y con mis habilidades (entiendo que las tengo), se quedaría aquí teniendo la posibilidad. Mi jefe, un productor ya establecido en esta ciudad, me insiste que con él siempre tendría trabajo si desearía quedarme o si decido volver. Y si a eso vamos, él mismo me ha dicho que podría ayudarme con el proceso de la visa de trabajo, si deseara hacerlo. Lo que más le sorprende es cada vez que le digo que, aunque le agradezco la oferta, necesito regresar a mi país, por lo menos por un tiempo. Pues así como hay muchas razones por las que me quedaría, así también hay muchas por las que decido irme.

Una de ellas es el costo de vida. Como le comenté a alguien justamente hoy: el que vive aquí, a menos que tenga un sueldo de por lo menos US$100,000 al año, está sobreviviendo, no viviendo. California es una minipotencia dentro de este país, al punto en que si decidiese convertirse en un país, sería una potencia mundial, ya teniendo establecida sus propias reglas y sus propias condiciones para poder vivir aquí. Pero así como tiene sus puntos maravillosos, Los Angeles es una de las ciudades más costosas de Estados Unidos. El salario a la hora es alto en comparación a otras ciudades, pero es porque la renta, la comida, el transporte y hasta el agua es mucho más costoso aquí. Entonces, como yo sé que no estoy ganando ese salario y que no lo ganaría por, por lo menos, 4 años más y quien sabe si más, decido irme a donde la renta no me va a costar más de US$500 y puedo comer lo que más me gusta.

La otra razón es relacionada a mi carrera. ¡Ya sé que dirán! "Pero si allá es que tu carrera se da mejor". Se da porque es la capital del cine, Hollywood. Pero ¿por cuántos años más debo estar aquí para finalmente tener mi propia serie de televisión, o mi propio estudio, o poder hacer una película como yo la quiera hacer? Señores, si no lo sabían a estas alturas, yo soy una persona ambiciosa y exigente, y aquí nada de eso es tan fácil de tener, a menos de que tengas los contactos. ¿Adivinen dónde sí los tengo?

Mi última razón, y esta es bien personal, es que quiero dar clases de cine. Vengo de una larga familia de profesores, comenzando por mis padres. Aunque educar no es mi prioridad principal para regresar, sí quiero convertirme en docente y enseñarle a los jóvenes talentos del cine lo que aprendí de Hollywood y los errores que esta industria comete a diario para que los eviten. No soy una experta, solo tengo algunas 20 producciones y 20 guiones escritos... (¿lloverán insultos por esto?), pero en mis pocos años dedicada al cine, he aprendido tanto que quiero compartirlo con más personas que le vayan a sacar provecho a esto. Si algo también puedo reconocer de mí misma, que no sé si es bueno o una condena para otros, es que me encanta hablar de lo que sé. Y que mejor manera de hacer esto que en mi propio país, donde el cine está creciendo bastante y que debe seguir haciéndolo, en todos los ámbitos de la industria.

Ay Los Angeles... Si te hubiesen dicho que no me iba a quedar para siempre, creo que nunca te lo hubieses imaginado. Pero la verdad es que lloraré más por el hecho de no estar con mis amigos -Andi evita el tema, por si se lo preguntaban-, que por el hecho de no estar aquí.

Y está no es mi carta de adiós (eso es una publicación separada con sentimentalismo y todo), porque Los Angeles ha sido más que un hogar por tres años. Se ha convertido en una de las experiencias más importantes de mi vida. Ha sido un honor ser parte de esta ciudad y esta comunidad, al punto de que dejo atrás una familia a la que puedo regresar en cualquier momento en que me necesiten, y ellos saben que se pueden tomar esto bien literal.

Pero ya es hora, ya le puse fecha de ida al calendario y no hay vuelta atrás... por ahora. Me esperan grandes proyectos en mi isla, así como muchos me esperan allá, o por lo menos eso es lo que yo quiero creer.

Crónicas de California: Trabajar para la TV, una rutina diferente

Para mí, no hay nada más emocionante que un día productivo. Levantarme temprano, tomarme una buena taza de café y ponerme la "ropa de trabajo". Pero cuando trabajas para una serie de televisión o un estudio de televisión, una vez comienza tu día de trabajo, el resto del mundo es invisible, te desconectas de la sociedad y te envuelves en las tareas del día a día, a pesar de que ese término de rutina casi ni existe.

En un día suave, el trabajo es de oficina: contactar clientes, agendar reuniones y los siguientes días de rodaje de la semana, arreglar los presupuestos de la semana, corregir los dailies de la semana anterior, y así se extiende hasta que mi jefe considere que voy a estar ocupada todo el día. No se asusten: me da tiempo para comer e ir al baño. No se asusten: salgo a las 6PM normalmente del trabajo. En un día intenso, los días de estudio... se me olvida que existen las horas de descansar.

Lo (in)conveniente de cuándo trabajas para la televisión es que, por más que realices un calendario de trabajo, la rutina cambia todos los días. Estoy tan acostumbrada al calendario de producción de una película que me costó por lo menos tres semanas para poder desconectarme el chip de producción de mi cerebro y aprenderme que nunca habría un calendario fijo para el mes completo.

Cuando empecé a trabajar para este estudio, estaban cerrando la temporada y preparándose para la siguiente, así que tuve la dicha de ver todos los procesos.

Preproducción es muy similar al proceso para una película: una vez se tienen todos los guiones de la temporada, el co-productor se reúne con los productores de línea, coordinadores y encargados de rodaje, y se desglosa el guión en conjunto. Primero se reconocen los episodios más costosos, y luego las escenas más costosas. Al ser una serie de ciencia ficción (ya se imaginarán mi emoción con sus discusiones sobre la historia...), hay un guionista encargado de la "ciencia de la historia", mientras que otros se encargan de personajes específicos y su historia, y un tercero que se encarga del episodio completo. El asistente de guión se encarga de hacer notas durante las reuniones y mandarlas a todos después de cada día de desarrollo (casi como un supervisor de guión). Esas notas, sí han sido aprobadas por los guionistas, pueden ser presentadas para el proceso de preproducción.

Una vez se hace el desgloce, todos los supervisores de departamentos se reúnen, y hablan de todos los guiones, pero antes, se determinan las locaciones dónde se grabarán, a menos que se utilicen las mismas de la temporada anterior. Cada episodio tiene un asistente de dirección diferente pues casi siempre hay escenas de diferentes episodios que se graban al mismo tiempo en diferentes locaciones. Y todos los departamentos tienen pequeños equipos encargados de subtramas dentro del guión. Así mismo, hay un cinematógrafo general para la serie, y diferentes operadores de cámara; esto se debe a que se tiene que mantener el mismo estilo para toda la serie, muy diferente a la colección de directores que una temporada puede tener. Pero en el caso de esta serie, se tiene un director para todo.

Atrás de mí, todos los guiones divididos en strips.

Todos los departamentos se reúnen todas las semanas para hablar de los avances, y cuando se aproxima la fecha de rodaje, las reuniones son con más frecuencia. Los departamentos comienzan a preparar la locación para rodaje una semana antes del primer día. Esto porque no se quiere perder tiempo en estos días, ya que la prioridad es que se graben los cortes necesarios.

En el caso de la postproducción de los episodios, cada departamento tiene una oficina y todos trabajan al mismo tiempo en escenas diferentes, mientras el jefe en edición supervisa todo. Ya una vez se tiene la imagen bloqueada, todos se reunen con el editor principal y los artistas de VFX, para asignar cuáles artistas harán qué cortes dependiendo de su experiencia, con un supervisor de VFX asegurándose de que se mantenga una simetría entre todos. Después de ahí sigue la corrección de color que normalmente es realizada por una única persona, y la edición de sonido, que tiene un corrector diferente dependiendo de la subtrama. Así mismo, existe una banda sonora para cada personaje principal o subtrama que se presenta (comenzarán a notarlo ahora con sus series favoritas).

Ya después de que todo esto ha sido superado, y que cada episodio está completo y asegurado, lo envían al departamento de revisión, para que los productores principales lo aprueben, y luego ser aprobado por el estudio para que se envíe al canal correspondiente.

No todas las series tienen esta misma rutina. No creo que todas graben todos los episodios al mismo tiempo, pues todo dependerá del tipo de serie, la cantidad de personajes, de miembros de departamentos participando por rodaje, y de la extensión de los episodios. Sin embargo, la postproducción es la misma para todos, inclusive si son para una página de streaming, y no para un canal de televisión.

Con estos pocos meses de aprendizaje en un estudio de TV, ya si puedo confirmar que todos los medios tienen casi el mismo ritmo de producción. Algunos son más intensos que otros, pero en definitiva es un trabajo de "comunidad", sobretodo en la televisión que, como no tiene el mismo tiempo de producción que una película (una película puede tardarse hasta 5 años en el proceso completo, mientras que una serie no puede tardar más de año y medio entre temporadas), se requiere más personal para que todos los episodios puedan ser completados a tiempo.

Creo que me quedo más trabajando en la parte creativa y la preproducción cuando se trata de series, pues todo lo demás ya requiere personal bien específico. Ya para el resto de los proyectos, me pueden poner donde sea.

Crónicas de California: ¿Qué no hacer cuando eres productor?

Si hace 6 años me hubiesen dicho que la mayoría de mis créditos serían como productora, nunca se lo hubiese creído a nadie. Aunque es una posición que trae muchos méritos y que le da mucho control a quién lo maneja, es a la vez la posición que muchos odian, no solo por las funciones, sino por la persona en que te conviertes.

Los deseos de muerte que muchas personas dentro de un rodaje sienten hacia el productor se deben a muchas razones; la principal es que, por ser una posición que requiere tanta atención y cuidado, su trato hacia otros termina siendo... indeseable. Y no es mentira que nos pasa a todos: a ley de días de rodaje, y tantas personas dependiendo de ti, lo importante no es ser amigable, sino que todo quede como ha sido planeado. Sin embargo, hay una gran diferencia entre perfeccionista diablito andante. Por eso, en base a mis experiencias y lo que he notado de los productores en Hollywood para los que he trabajado, he aquí 5 lecciones de qué no hacer cuando eres productor.

1. No delegar. Mientras producía el teaser de Exorcism 101, habían pasos que me los sabía tan de memoria o los había hecho tantas veces en otras ocasiones, que cuando lo hacía, mi propio equipo me decía: "pero... eso le corresponde a fulanito". Y era verdad, me molestaba delegarle algo a alguien porque entendía que yo lo podía hacer mejor o porque no se lo quería confiar a nadie. Entiende que el productor toma el rumbo del asunto, pero al final del día ningún bote anda en solitario. Además, si le estás pagando a un equipo, usa de él.

2. Abusar del rol. Ahora viene la contraparte de lo anterior. Uno de mis antiguos jefes trabajaba como encargado de producción del proyecto para una serie web. Trabajamos tantas horas de corrido juntos que llegó a un punto en que me contrató como su asistente porque le gustaba cómo manejaba la agenda y la lista de trabajos. Sin embargo, comenzó a incluir tareas que no correspondían, como limpiar el reguero de su oficina o devolver paquetes personales a tiendas; me sentía como la chacha. Recuerda que tus "empleados" tienen cargos específicos, e independientemente que sean tus asistentes, tienes que recordar que no son tus chachas(os).

3. Creerse el centro del universo. Hace un año me contrataron como asistente de producción para una productora mayor de 70 años. La mujer casi nunca me hablaba de trabajo, siempre quería hablar de su vida personal, cosas que quería que le ayudara a hacer o, peor, adivinar lo siguiente que iba a pensar para así hacer lo que ella quería tal y cómo lo quería. Como productora, puedes requerir ciertas necesidades de parte de tu equipo, pero aunque eres Dios en la producción, no lo eres en la vida real. Respeta a tus empleados y trátalos con dignidad, recuerda que ellos también son humanos y que aunque estén trabajando para ti, no quiere decir que son psíquicos y que sabrán lo que estás pensando.

4. Pensar que eres el único que sabe o que tiene buenas ideas. Este es un error constante de una persona muy cercana a mi (y seguro si lo lee, me escribirá): aunque eres la cabeza de la producción, ya por eso no te convertiste en la única persona que procesa y ejecuta dentro de una producción. Esa persona de la que hablo hasta le molesta cuando otros dan sugerencias. Entiendo perfectamente que cuando la agenda va apretada, es difícil aventurarse a ideas de todos, sin embargo (y lo repito como una guagua de frutas andante), una producción se hace con un equipo de personas, y a la hora de resolver problemas, a veces es bueno tener varias ideas de cómo hacerlo.

5. Tratar todas las producciones de la misma manera. Mi jefe actual tiene 40 años trabajando para la industria de cine. Ha estado en más de 25 producciones, incluyendo Total Recall, Pulp Fiction y Speed. Sin embargo, constantemente me dice de resolver situaciones de producción de maneras que ya no son efectivas, y se molesta cuando le explico que eso no aplica para el formato en que trabajamos ahora, pues dice que "a estas alturas, él no está para estar aprendiendo cosas nuevas dentro de producciones que ya ha hecho anteriormente". Les informo que el cine es un arte y cambia dependiendo de lo que vayas a hacer; cada producción tiene una estructura diferente. No quieras aplicar lo mismo que hizo el ganador al Oscar con sus películas, porque esa fórmula no le va a funcionar ni siquiera a él en todas sus historias. Aprende a comenzar de cero en cada etapa.

Finalmente, recuerda que nadie trabaja para ti día completo a menos que pagues ese precio. Nadie es tu esclavo ni mucho menos están supuestos a cumplir tus "necesidades personales". Me molesta cuando escucho productores discutiendo sin ninguna razón o riéndose de su equipo poor decisiones que tomen durante el rodaje. Recuerda que, así como tú no recomiendas a personal que no hizo su trabajo, así el personal habla de ti cuando otros aplican a trabajar contigo.

No te quieras convertir en el indeseable de gratis: no vale la pena. Ni aunque te ganes con eso 25 créditos en producción. 

Crítica Cinéfila: Dolittle

Cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura, recuperando su sentido del humor y su coraje a medida que se cruza con viejos adversarios y mientras descubre maravillosas criaturas.

Ningún médico puede curar lo que afecta a esta película de Dolittle. Desde la primera escena, está claro que algo está terriblemente flojo con este intento generosamente equivocado de la popular franquicia literaria cargada de animales que nació exactamente hace un siglo. El actor y productor ejecutivo Robert Downey Jr., extrañamente diferente, nunca se siente lo suficientemente cómodo para energizar una historia que no puede justificar su reinterpretación.

Inmediatamente después de Cats, esto es todo lo que Universal necesita, pero al menos el estudio ahora sabrá mejor que nunca que no debería dar luz verde a ninguna película centrada en animales por el momento.

La historia toma lugar en una Inglaterra del siglo XIX durante el reino de la joven Reina Victoria. Unos años antes, Dolittle utilizaba su hogar como un hospital para animales junto a su esposa Lily. Sin embargo, y después del fallecimiento de Lily, él cerro las puertas de su vivienda, solo teniendo contacto con los animales que viven en esas paredes. Unos años más tarde, Dolittle es impulsado por la urgencia de salvar la vida de una muy joven Reina Victoria para salir de sus paredes. Pero tantos años disfrutando del talento único de poder hablar con los animales que pueblan su vasta propiedad rural, han hecho que lidiar con humanos sea una tarea difícil. 

Es así como a través del viaje, confronta personas de su pasado, la realidad de poder perderlo todo por no querer comprometerse a ayudar a quien lo ayudó en su momento, y de paso cargar con un jóven que dice querer convertirse en su aprendiz, aunque de quien uno tiene que apiadarse es de este niño.

El primer acto se dedica principalmente a detallar las habilidades de comunicación entre Dolittle y otras especies, manejadas con el doctor hablando el mismo idioma que los distintos animales. Sin embargo, este es uno de los pocos atractivos de la película. Entre problemas narrativos y técnicos, es cuestionable la necesidad de haber vuelto a traer al importante doctor a la gran pantalla.

A pesar de los grandes esfuerzos claramente realizados para hacer que la colección de animales de Dolittle sean visualmente creíble, las escenas fundamentales clave se sienten obligatorias y moderadas. Los planos extremadamente cercanos a los animales hacen aún más notorios los problemas de efectos visuales, mientras que las escenas de acción se sienten claramente falsas. 

Cuando este sarnoso Dolittle y su grupo de animales finalmente se embarcan en su largo viaje por el mundo para encontrar una cura para el joven monarca enfermo, esto implica, por supuesto, el cóctel habitual de efectos especiales y visuales impactantes, pero poca de la emoción deseada y la alegría de un viaje épico se desborda incluso para intoxicar ligeramente al espectador. Junto con la sensación progresiva de que Downey realmente no está disfrutando del personaje que está interpretando, su Dolittle simplemente no es muy divertido, es la sensación de que el director Stephen Gaghan es irreparablemente inadecuado para este material. El talento natural de Gaghan radica en un drama feroz y oportuno, no caprichoso en el orden de lo que se requiere aquí.

La actuación de Downey tiene una cualidad recesiva, algo extraño debido a este extrovertido normalmente irreprimible actor. Cuando Dolittle tiene actitudes que el mismo Downey Jr. ha traído a la vida en ocasiones anteriores, aquí el personaje se siente forzoso y con un acento que es verdaderamente difícil de entender. Sus interacciones con los animales son toscas, muy al contrario del clásico Dolittle donde era bien cercano a cada especie.

Junto con el desempeño vago de la estrella, el ritmo desesperadamente maníaco no le da a Dolittle  ni siquiera un susurro de la posibilidad de convertirse en lo que aspira a ser: encantador y atractivo para niños de todas las edades. La forma en que este desajuste del personaje tanto antes como detrás de la cámara no fue evidente de inmediato para todos los involucrados representa un leve misterio que fruncirá algunas cejas por un segundo al comienzo de esta nueva década.

En cualquier caso, Dolittle y compañía finalmente llegan al rincón más alejado del mundo donde reside el Rey Rassouli (Antonio Banderas), el padre de la difunta esposa del médico, que pereció en un accidente. Michael Sheen proporciona cierta villanía de dibujos animados como Dr. Blair Mudfly, pero esta es una película que se encuentra muy cara en la pantalla sin que nada parezca remotamente en juego. No tiene peso ni sustancia y no produce ningún tipo de impacto.

Ay si se hubiera dedicado tanto trabajo meticuloso a la narración y al guión. La historia pierde ritmo y energía constantemente, y las historias de los animales son las que lideran la pantalla. Entre una ardilla con un constante deseo de venganza, un gorila inseguro, un tigre con "mommy issues" y un super rectil con problemas de constipación, las escenas de los animales ganan sus risas en momentos que son necesarios para que la historia no decaiga aún más. 

Cualquiera que busque diversión genuina podría hacer algo peor que leer el capítulo en las memorias del director Richard Fleischer, Just Tell Me When to Cry, sobre la realización de la igualmente catastrófica adaptación de Lofting, el musical Doctor Fox Dolittle de 1967; es uno de los relatos más divertidos de la realización de cualquier película. Ese fiasco, que casi hundió a 20th Century Fox, es un fuerte contendiente para la peor película nominada al Oscar a la mejor película. Eddie Murphy tuvo mejor suerte con su versión de 1998 cargada de comediantes, que fue seguida por una secuela. Pero definitivamente esta no tendrá otros episodios. O por lo menos, no creo que Robert Downey Jr. lo permita.

Crónicas de California: 19 lecciones del 2019

No paro de decirlo: qué rápido se fue el año, casi ni lo pude saborear. Es increíble como, no bien llega Enero, ya se siente que los días pasan volando y de repente ya estamos en navidad otra vez. Sin embargo, lo que ocurrió en este año fueron momentos que llevaré conmigo como importantes lecciones de vida. No solo fue un año de logros muy importantes, también fue un año de mucho entendimiento personal y profesional.

Seguro muchos se habrán quejado del año, dirán que fue una galleta sin mano, y que se pasó de agresivo... pero este 2019 fue una moneda de doble cara para mí. Tuvo sus buenos momentos así como sus situaciones de crisis, pero lo más importante es que fue un constante aprendizaje. 

Lo fui apuntando durante todos sus meses y aquí les dejo mi recopilación final, las 19 lecciones de este 2019:

1. Un día libre a la semana es necesario

Algunos recordarán una publicación que hice hace unos meses sobre cómo me encanta estar ocupada todos los días, pero mi cerebro y cuerpo me han dicho desde hace varios meses que, a veces, hacer nada durante todo un día es necesario. Ya he hecho la prueba, y es verdad: a veces es necesario darse un respiro.

2. La regla de "escribir tres horas por día" es fundamental

No obstante a la lección #1, es necesario cultivar la creatividad, y ya que no estoy en la maestría ni debo entregarle páginas a ningún profesor, escribir 3 horas al día es necesario para mantener una buena rutina como guionista.

3. Hay que tener (por lo menos) un mentor

Digo uno, pero es necesario tres: uno a nivel profesional, otro a nivel espiritual, y un último que sea tu psicólogo/a.

4. No se puede seguir todas las series que todo el mundo sigue
Cometí este error varias veces durante el año, y se lo digo a todos: la serie que le gustará a la masa no siempre será la mejor para todas, mucho menos para esta persona completamente selectiva hasta para los calcetines que usa.

5. Cuidado con los crafties de los rodajes

Me encanta cuando la gente dice "yo nada más quiero ir a los rodajes a comer", y es verdad. Siempre hay comida (o por lo menos, siempre debe haber). Sin embargo, no siempre será saludable; por lo que mi mayor consejo es que no te comas la mesa... nadie está apostando que lo puedes hacer.

6. Aprende a delegar

A mí me resulta muy difícil delegar trabajo. Corrección: me resulta muy difícil confiar mis proyectos a otros. Por lo que, cuando finalmente delego es porque ya entiendo que esa persona lo va a hacer bien. Pero este año aprendí algo bien importante: él que está en esta industria es porque quiere, y aunque no todos son tan perfeccionistas como yo, harán su trabajo. Así que hay que aprender a cederlos (y no hacerlo uno mismo por falta de confianza).

7. Conoce bien a las personas antes de involucrarlos en tus proyectos

Pero lo anterior definitivamente va conectado con esto. Es verdad que muchas personas se están uniendo a la industria para ganarse un título en específico, pero el hecho de que ya tenga un par de créditos, no lo hace bueno en ese rol. Así que investiga antes de contratar.

8. No todos los guiones se limitan a su formato original

Esta enseñanza viene en una publicación más larga. Para mis amigos/as guionistas: se cuanto desean que ese guión se convierta en la película o serie de sus sueños, pero si no pasa, recuerden que también pueden hacer un comic, un libro, un juego de cartas o una serie web. No se estanquen porque no han obtenido la "gran oportunidad". 

9. Tu agenda es tu verdadera mejor amiga

Mucha gente me preguntó este año cómo llevaba tantos proyectos a la vez (en Julio estaba produciendo 5 rodajes al mismo tiempo), y esto es gracias a "la controladora" -así le llamo a mi agenda-. Una grande para llevar todo mi calendario de la semana y una de bolsillo para recordatorios importantes.

10. Algunas personas no nacieron para hacer algunos oficios.

Esto va para todo el mundo, desde actores que simplemente no se dejan llevar de sus directores hasta productores que simplemente no tienen la paciencia del papeleo. Por más que ames a lo que quieres dedicarte en esta vida, no significa que tienes que serlo sí o sí. Esto me costó entenderlo, pero ya lo superé. Aprende a superarlo tú también.

11. Un viaje al año es importante para la creatividad

Este año viaje a 5 lugares/ciudades que nunca había ido y me llevé cosas de gran valor: historias, personajes e ideas que definitivamente, algún día, estarán en algún formato. Sin embargo, además de la razón profesional, es necesario viajar y conocer el mundo. ¡No te estanques a una sola ciudad o país!

12. Se un alma libre, sin depender de las opiniones de los demás

Independientemente de las ideas de los demás o los consejos que te puedan llegar, al final del día tú conoces tu proyecto y tu vida mejor que nadie. Es verdad que a veces las opiniones de otros ayudan, pero no tienen que ser lo definitivo. Aprende a decidir por tí mismo.

13. La rutina es necesaria

Esto se lo explique a varias personas este año. No importa tu carrera u horario, debes de tener una rutina de vida. Sino y si solo vives de lo que llegue, pues siempre estarás dependiendo del futuro. Yo tendré las rutina más extraña, pero sé como son mis días y (más o menos) las horas de trabajo.

14. No todas las películas tienen que verse 

Este año hubo muy buenas películas, y muy malas películas. He aprendido a sacrificar las que no me dan buena espina, pero aún así, vi algunas que sentí que perdí horas valiosas de mi vida. 2020 no será igual... o así espero.

15. No es lo mismo trabajar para un productor que trabajar para una productora

Esto también merece una publicación a parte, pero en resumen: los productores se diferencian hasta en su género. Ninguno es mejor que el otro, pero es una rutina diferente, y hay que entenderla para saber con quién te ves mayormente trabajando.

16. Jugar es un derecho hasta de adultos

No solo es una forma de desconectarse del trabajo, sino también para llevar la vida más relajada. ¡Definitivamente el próximo año voy a establecer un game night por mes! Y cuidado...

17. No tengas miedo a arriesgarte a hacer las cosas porque nadie lo ha hecho aún

Alguien me dijo que hacer series en RD no es buena idea porque la ley no lo incluye... bueno, esto no es un impedimento real para mí. Así que "Exorcismo 101" va porque va. 

18. Suéltate más el cabello

Lo tenía que poner. Ruben Peralta me lo dijo, y ha tenido mucho efecto en las últimas semanas.

19. No se pueden tomar todos los proyectos que te llegan de frente

La lección más importante del año. En este 2019 produje alrededor de 15 cortometrajes, dos series web, y trabajé en la producción de 4 largometrajes. Sin embargo, no puedo decir que todos fueron increíbles. Algunos fueron verdaderas pesadillas, y esto se debe a que, antes de pensar en el guión o el concepto, pensaba en el crédito. Ya no será así. Ya me voy a cotizar. Porque, por más lindo que se vea ese crédito en mi IMDb, eso no es suficiente para mi salud mental.

Esas son mis lecciones del año (muy importantes, lo sé). ¿Cuáles son las tuyas?