Crítica Cinéfila: Where'd You Go, Bernadette?

Bernadette Fox (Cate Blanchett) es una mujer de Seattle que lo tiene todo: un marido que la adora y una hija brillante. Cuando desaparece sin dejar rastro de forma inesperada, su familia se embarca en una aventura emocionante para resolver el misterio de dónde puede haber ido Bernadette.

De punta, apasionada, feroz y rota, la heroína titular de la hilarante y conmovedora novela de Maria Semple "Where'd You Go, Bernadette" es uno de los grandes personajes de la ficción literaria reciente. Y tan fascinantemente capaz de crear un humor raro, perspicaz y cruel en cada una de sus conversaciones, ella es el forraje perfecto para los talentos de Cate Blanchett, quien irradia análisis de otro mundo en la adaptación cinematográfica generosamente humana de Richard Linklater.

Cuando conocemos a Bernadette Fox, ella vive en la lluviosa ciudad de Seattle con su esposo, el ingeniero Elgin (Billy Crudup) y su hija, Bee (Emma Nelson), ignorando los estatutos que la sociedad quiere a nivel general y tratando desesperadamente de evitar las otras madres en la escuela de Bee, mientras dicta listas maníacas de tareas a su asistente virtual en India y alimenta un odio obsesivo hacia la ciudad donde vive. Por el estado de su entorno, desmoronándose pero lleno de ingeniosos elementos de diseño que involucran libros, lápices y una lámpara de araña que parece hecha de cuencos para perros, está claro que Bernadette, una arquitecta alguna vez famosa, es una mujer al borde ya sea de un colapso o un avance. Cuando Bee sugiere un viaje familiar a la Antártida para celebrar sus perfectas calificaciones, Bernadette deberá decidir si seguirá con el plan del viaje o encontrará una manera de escaparse de este.

Lo que llevó a Bernadette a este lugar se enfoca a través de monólogos y un útil video explicativo, segmentos de los cuales aparecen a lo largo de la película según sea necesario. Al principio, parece que "Where'd You Go, Bernadette" será un envío rápido de la cultura de la madre privilegiada a la par de "Big Little Lies", especialmente cuando Blanchett se enfrenta cara a cara con una vecina que se esfuerza mucho. interpretado por Kristen Wiig. Pero las cosas no son lo que parecen en una historia que está tan atenta al dolor, la angustia y los sueños demolidos cómo lo es a las costumbres burguesas liberales en su forma más superficial y molesta.

"Where'd You Go, Bernadette" está en su mejor momento como un estudio de personajes en la ambición femenina y la maternidad en su forma más apasionada y ambivalente. Con sus pómulos de hoja de acero y su mirada de alambre de púas, Blanchett parece un extraterrestre junto a Crudup y Nelson, cuyos personajes prueban los límites de su propia lealtad a medida que Bernadette se vuelve más loca.

Es cuando la trama se vuelve más turbulenta cuando la película comienza a dar giros que solo cuestionan la realidad de la historia. Algunos artilugios que funcionan en la página se ven forzados y esquemáticos en la pantalla, a pesar de algunas impresionantes fotografías de ubicación en medio de las aguas serenas y los paisajes de hielo de Groenlandia.

Si la dinámica familiar se siente superficial y demasiado bien resuelta para el final de "Where'd You Go, Bernadette", la descripción matizada de Blanchett de la creatividad obstaculizada, el gusto exigente y las sensibilidades demasiado audaces y bien juzgadas para un mundo despreocupado se las arregla para ser divertido e intolerable en igual medida. En sus manos capaces, Bernadette Fox no termina siendo agradable, una cualidad que ella seguramente detestaría, pero de todos modos es digna de amor.

Crítica Cinéfila: Blinded by the Light

En la Inglaterra de 1987, durante los austeros años en los que Margaret Thatcher estuvo en el poder, Javed, un adolescente británico de ascendencia paquistaní, aprende a vivir y a comprender a su familia a través de la música de Bruce Springsteen. 

En "Blinded by the Light", Javed (Viveik Kalra), un adolescente británico paquistaní que vive en un suburbio de Londres en 1987, descubre la música de Bruce Springsteen que le abre los ojos. Desde el momento en que se pone los audífonos del Walkman, es como si bebiese de algún dulce éxtasis y la desesperación que es "Dancing in the Dark", la letra gira alrededor de él en la pantalla, es más que un nuevo fan de Bruce. La música se convierte en su obsesión e identidad, su desbocado sueño americano. Casi sincroniza sus latidos con ese sonido y conversando en la letra de Bruce, pero le da el coraje de hacer cosas que de otra manera no se hubiera atrevido, como, por ejemplo, invitar a salir a una chica de su clase de literatura, Eliza (Nell Williams).

La fecha comienza como algo aburrido, y Javed se prepara para llamarlo una noche. Pero luego se pone esos auriculares, y es como si fuera Clark Kent entrando en una cabina telefónica. El hecho de que cada canción se ha convertido en una especie de karaoke en vivo es divertido, y la película lo sabe; estás completamente invitado a reír. 

"Blinded by the Light", está dirigida por Gurinder Chadha, quien en 2002 hizo la impresionante "Bend It Like Beckham", la película que puso a Keira Knightley en el mapa. Sin embargo, esta película marca un exuberante retorno de la increíble directora. Basado en una memoria de Sarfraz Manzoor (uno de los tres guionistas de la película), es el tipo de drama sin protección que solían hacer en los años 80, una historia de seriedad descarada, pero también es un rock delirante y romántico. Parábola 'n' roll. 

La música de Springsteen no solo refuerza el coraje de Javed, sino que le da una creencia profunda en la vida misma. Eso se debe en parte a que Javed, por primera vez, está haciendo lo que quiere hacer. Vive con su familia paquistaní en un complejo de viviendas en la ciudad fabril de Luton, donde su padre, Malik (Kulvinder Ghir), quien trabajó en la planta de GM local durante 16 años, es un esclavo asalariado que no piensa mucho más allá de pagar las cuentas, obligando a todos en la casa a proveer de sus ingresos, y asegurándose de que sus hijos se resistan a dejarse llevar por la decadente cultura británica que los rodea. Javed escribe poesía, pero es tímido al respecto, y se siente un poco culpable. Él piensa que no sirve para nada, es decir, inconscientemente refleja el desdén de su padre.

Para Javed, la catarsis de Bruce representa un escape de su depresión doméstica, pero se trata de algo más que eso. En la escuela, está rodeado de niños que se sumergen en la pálida ironía consciente de la moda de finales de los 80. La banda sonora de la película está inundada de clásicos de la época como Pet It's Boys y Cutting Crew.

Pero cuando suenan las canciones de Springsteen, no tienes que ser un amante de sus canciones para sentir la suprema falta de ironía, la majestad apasionada y la empatía con su lírica. Es una música tan antipática que es trascendente, hasta el punto de que cuando Javed comienza a lucir una camisa de franela con mangas cortadas, o cuando él y Roops (Aaron Phagura), el compañero paquistaní que lo introdujo por primera vez de Bruce, se escabullen a la cabina de DJ de la escuela y cambian la canción que tocaba en el momento, y la película de repente se convierte en un musical virtual, con Javed, Roos y Eliza bailando por la ciudad y los campos: es cursi e irresistible por esa razón. "Blinded by the Light" tiene el coraje de su propia sinceridad adolescente desvergonzada del dios del rock.

También es una película estimulante sobre el crecimiento. Los colores de Chadha a finales de los 80 hacen un llamado a diversas temáticas de la época: los cultos de Reagan y Thatcher, el aumento del desempleo en Inglaterra, las marchas del Frente Nacional que, en retrospectiva, fueron la versión embrionaria del fervor antiinmigrante que ayudó a conducir al Brexit. Pero ella nos mantiene enfocados en cómo esta vibración es parte de lo que Javed necesita para escapar. Su vida está tan enclaustrada que ni siquiera se da cuenta de sus propios atributos. Se comporta como un geek, pero Viveik Kalra, que salió de la nada, podría ser una estrella. Es como un flaco Jake Gyllenhaal, con toques de Dev Patel y Andrew Garfield, y es un actor tan vibrante que quizás tengan que volver a los días en que John Cusack estaba levantando una caja de música para encontrar un héroe adolescente tan emotivo y convincente.

"Blinded by the Light" te lleva a ese lugar donde el pop puede ser todo: la promesa de una vida que aún no tienes, pero la música dice que puedes conseguirlo. Javed comienza a escribir, y con orgullo, y lo que está sucediendo es que se está dando cuenta de que quiere ser escritor. Las letras de Bruce, que no necesitaban garabatearse en la pantalla, pero que así fuera, tocan la oscuridad, también se trata de una promesa religiosa: que puedes escapar. Y encontrarte a ti mismo. Eso es exactamente lo que hace Javed, y el discurso que va después de ganar un premio de escritura es un momento total. Se trata de la familia y el perdón, de la gloria del rock 'n' roll y de darse cuenta de que cualquiera puede caminar hacia al sol.

Crítica Cinéfila: Ready or Not

Durante la noche de su boda, una mujer (Weaving) recibe la invitación por parte de la rica y excéntrica familia de su marido para participar en una tradición ancestral que se convierte en un juego letal de supervivencia.

Ready or Not comprueba muchas cosas: los terrores de comedia funcionan cuando tienen la fórmula ideal, los finales inesperados al éxtremo también son buenos, y el más importante, mientras más rica una familia más excéntricos sus miembros. La casa productora de Crawl, otro de los éxitos de este verano, también producen Ready or Not, una historia de supervivencia sobre una huérfana a quién, lo que parece ser una de las mejores noches de su vida, termina siendo una de sus peores pesadillas. 

Grace, es una mujer que creció sin una familia de sangre y pensó que se había sacado la lotería cuando conoció a Alex LeDomas (Mark O'Brien), sin darse cuenta de que el soltero elegible podría tener una familia tan desordenada. En defensa de Alex, él hizo lo posible por escapar de su familia y mantener su distancia, pero cuando le pidió matrimonio a Grace, no tuvo más remedio que regresar, celebrar su boda en la mansión familiar y llevar acabo su macabra tradición conyugal, por la cual cada nuevo cónyuge debe pasar una especie de iniciación postnupcial. Al ver cómo los LeDomas hicieron su fortuna en el campo de los juegos, Grace considera que es bastante razonable que se le pida que saque una carta, sin imaginarse que la que le saldrá es una condena segura de muerte.

Comenzando con el mismo espectáculo ingenioso y de historia que impulsará el resto de su trama, los codirectores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett ("Devil's Due") ya han insinuado cuán letales pueden ser los juegos de escondite en la inquietante película. Ahora, mientras Grace busca inconscientemente algún rincón de la casa espeluznante donde una mujer con un vestido de novia completo puede desaparecer, comienzan a revelar cuán seriamente la familia se toma su tradición.

Tony (un Henry Czerny demente) se encarga de armar a sus tres hijos, aunque Alex prefiere quedarse fuera, otorgándole a cada uno un arma anticuada, desde una ballesta, pistola de bolsillo o unn rifle de caza. Aunque la madre de Alex (Andie MacDowell) y su hermano Daniel (Adam Brody) parecen un poco menos entusiasmados con la muerte de Grace, la mayoría tiene toda la sed de sangre por la oportunidad, sobretodo tía Helene (Nicky Guadagni), un personaje listo para Halloween que parece haber escapado de las "sombras oscuras" de Tim Burton, pero quien realmente oculta un gran lamento tras el mismo "jueguito".

A Grace le toma un poco de tiempo descubrir las reglas, pero con la ayuda de su nuevo esposo, quien pone en peligro su propio destino al ayudarla, se da cuenta de lo que está enfrentando. En manos de otra persona, Grace podría haberse convertido en una asesina profesional, aunque los guionistas Guy Busick y R. Christopher Murphy la perjudican un poco al insistir en que no se parece en nada a la tribu LeDomas, lo que significa que puede defenderse pero no se le permite hundirse a su nivel matando a cualquiera. Sin embargo, a medida que se acerca el amanecer, la película se vuelve cada vez más oscura y, muy pronto, todas las apuestas se cancelan. Al final, todos, sirvientes, servicios de emergencia e incluso los dos niños que habían sido escondidos en la cama, parecen estar en la caza.

Esta película podría caer en la misma categoría que otras como "Get Out", capaz de brindar una distracción superficial junto con una crítica cultural profunda, pero a la vez una experiencia limitada en el manejo de la tarifa de género. A pesar de estar vendida como un seguro terror sangriento de blockbuster, en realidad oculta muchos simbolismos relacionados a las tradiciones familiares inquebrantables, la gran diferencia psicológica de los tipos de familia y el verdadero lazo de unión, el cual se oculta entre balas, cuchilladas y lanzas de caza.

En su forma más básica, "Ready or Not" se refiere a un juego de alto riesgo de Hide and Seek, en el que un clan de sangre azul y extremadamente inescrupulosa se une para encontrar, aunque "cazar" sería la mejor palabra, el integrante más nuevo de su dinastía. La familia LeDomas tiene sus razones, que la película establece con suficiente detalle gráfico cuando llega a su momento (a pesar de venderlo como una de las excusas más ridículas para realmente cometer estas atrocidades), aunque nuestras condolencias recaen en la extraña Grace (Samara Weaving), que sabe tan poco como nosotros sobre sus futuros suegros, otros que se visten como vampiros y llaman hogar a un espeluznante castillo viejo.

Como la novia con los ojos abiertos, Weaving ("The Babysitter") tiene un parecido sorprendente con la australiana Margot Robbie, interpretando un personaje con un crecimiento increíble durante la trama, lo suficientemente ingeniosa como para ganarse nuestro respeto mientras se escabulle en su vestido de novia cada vez más empapado de sangre con el pasar de los minutos. 

La violencia aquí es tan exagerada que puede pasar a la comedia, provocando una risa conmocionada cuando ciertos personajes son asesinados inesperadamente, y nuevamente cuando llega el momento de deshacerse de sus cuerpos, ninguno de los cuales puede prepararte adecuadamente para el explosivo final. A pesar de su irreverencia, la película merece ser tomada en serio como una sátira hacia los ricos, la falta de fiabilidad de las "reglas" y la idea misma del matrimonio, tomando bienn literal los votos, "hasta que la muerte nos separe". Como tal, cada acto de autodefensa se vuelve simbólico, destruyendo los cimientos de una construcción social. Al final, las cosas se han vuelto tan anárquicamente alteradas, que no es casualidad que los directores hayan buscado inspiración en "Heathers".

Lo aún más impresionante de la película es como logran ejecutar con éxito esa persecusión y juego de gato y ratón dentro de una mansión, con las miles de formas de escapar de esta, pero siempre encontrando una forma de volver a traer nuestra protagonista/víctima bajo sus cuatro paredes. El escape solo está garantizado con el mismísimo final. 

El grupo de productores de Radio Silence, junto con algunos ejecutivos que han estado en grandes clásicos de terror, como Suspiria, The Rite y The Exorcism of Emily Rose, hann practicado bastante subvirtiendo las expectativas de la audiencia mientras llevan a cabo un gore tan ambicioso por una fracción de lo que cualquiera razonablemente podría pensar es el costo de la película. Bañado en el mismo funk sucio y teñido de verde que hizo popular las películas de "Saw", "Ready or Not" navega inquietantemente por los rincones oscuros de su ubicación principal: la siniestra mansión LeDomas, lo que da la sensación de que algunos juegos son más letales de lo que aparentan.

Crónicas de California: La poca costumbre de escribir en español

Si creciste en República Dominicana, escribir en cursiva fue un requerimiento de tu escuela/colegio. Pero seguro a muchos les pasó, al igual que a mi, que después de pasar esos primeros grados de primaria, ya no había exigencia de escribir de una cierta forma y cada quien encontró su propio estilo; en mi caso, ahora solo escribir a molde, literal se me olvidó como escribir en cursiva. Y así mismo, muchas otras cosas variaron, como hacer matemáticas de la cabeza después de tener acceso a calculadoras, o saberse de memoria las direcciones sin necesidad de Google Maps. Pero... ¿escribir un guión en español después de dos años escribiéndolos en ingles? Señoras y señores, eso ha sido lo más difícil que he tenido que hacer en las últimas semanas.

Hace unos meses atrás, mi primis Yami me llamó para consultarme si conocía a alguien que le pudiese escribir el guión de su tesis. Obviamente, típica guionista, le dije que estaba dispuesta a hacerlo; ya tengo experiencia escribiendo largometrajes en poco tiempo y la idea suena muy interesante, a parte que sería mi primer crédito oficial de película en RD si nos animamos a producirlo. 

Después de eso, comencé a investigar sobre todo los aspectos que tendría el guión: la temática de la historia gira en torno al Gagá dominicano, las tradiciones de heredar el oficio familiar y los bateyes en el sureste del país. Les contaría más pero por temas de privacidad, solo diré que es una historia ambiciosa y con mucho potencial, y no lo digo porque yo la estoy escribiendo sino porque en sí, recoge detalles que siempre he recalcado que las películas dominicanas deberían tener: lenguaje coloquial, un vistazo de áreas del país que en muy pocas ocasiones son exploradas, y costumbres reales del dominicano promedio. 

Sin embargo, esto no significa que el guión me dio, y todavía me sigue dando problemas (apenas voy por el primer borrador, faltan cuchucientos). Y no es por la distancia, o el hecho de que escribo sobre lugares que nunca he visto en persona... sino por estar escribiéndolo en español.

Muchos leerán esto y dirán "óyela ahora, criada toda una vida en RD y ahora viene a decir que no puede escribir en español". Cuando escribo mis críticas o crónicas, nunca he tenido problemas porque siempre lo he hecho en español, mi voz no ha variado ni he tenido un choque de spanglish como muchos hacen, incluyendo los que ni siquiera viven en países anglosajones. Sin embargo, hacía mucho no escribía un guión en mi propio idioma. Y el último que escribí fue de menos de 15 páginas; es muy diferente tener que escribir más de 50 páginas de un pecozón. 

Hablé con un par de colegas internacionales por aquí que ya han comenzado a escribir en su propio idioma otra vez, y según ellos es algo común. Les pasa a todos, incluso a los que no son guionistas pero tratan de hacer sus propias historias. Pero desde mi propio punto de vista, es un poco embarazoso. Cuando me mudé a LA, me sentía incómoda escribiendo en inglés. No era que traducía mis ideas, pues como aprendí inglés desde muy joven, tenía ya la capacidad de "pensar en inglés" y escribir tal cual, pero eso no significaba que mi inglés era perfecto, pues no es mi primer idioma, ni mucho menos es uno que entiendo en su totalidad. El idioma inglés tiene reglas complejas, en el sentido de que no tienen sentido: aplican para algunos y para otros es de otra manera. 

Pero el español, no. Es uno de los idiomas más complicados y más completos, con un sinnúmero de conjugaciones verbales y un vocabulario tan amplio que muchos desean tener bajo su control, y ni siquiera los que manejan este idioma a su perfección se saben todas las palabras existentes; es un privilegio que solo lo tienen los lingüistas. 

Pero volviendo al tema del guión: se me hizo difícil. Fue frustrante el hecho de tratar de decir algo y solo recordarme cómo decirlo en inglés. ¿Cómo es posible que tuve que chequear en google cómo se decía "shocked", "suddenly" o pequeñas palabras que en inglés son comúnmente utilizadas en guiones? Como las aprendí a utilizar con más frecuencia en estos últimos dos años, ahora suenan extrañas en mi propio idioma, lo cual es ridículo. 

Al final lo logré. Ya lo "terminé", pero por supuesto; después de pasarme toda una semana haciendo un vocabulario de palabras que sabía iba a necesitar, viendo videos de dominicanos hablando y leyendo algunos guiones en español, todo es posible.

Finalmente puedo decir: ya toca escribir en español.

Crítica Cinéfila: Good Boys

Después de ser invitados a su primera "fiesta del beso", tres buenos amigos (Jacob Tremblay, Keith L. Williams y Brady Noon) destrozan por casualidad un dron que tenían prohibido tocar. Para reemplazarlo, se ausentan de clase y toman una serie de decisiones erróneas, involucrándose en un caso relacionado con droga, policía y, sobre todo, con muchas lágrimas.

El guionista de "The Office" Gene Stupnitsky y su co-escritor Lee Eisenberg siguen muchos de los ritmos familiares de una historia sobre niños del vecindario que solo quieren divertirse. Pero esa fórmula nunca se ha centrado en los estudiantes de sexto grado, y el valor de entretenimiento de verlos maldecir a través de una aventura de locura durante todo el día inyecta un nuevo valor de entretenimiento en una rutina familiar. Si bien el ritmo es irregular y no todos los chistes aterrizan, "Good Boys" logra ser adorable y retorcido al mismo tiempo.

El trío de amigos en el centro de la película es una mezcla de "Stand By Me" y "Stranger Things", en circunstancias más ligeras. Jacob Tremblay interpreta al miembro más sensato de un grupo de amigos que se hacen llamar "The Beanbag Boys" por ninguna otra razón que no sea que les gustan ese tipo de sillas/almohadas. Los niños pasan todo el tiempo juntos, andan en bicicleta por el vecindario y se sientan juntos en la cafetería inmersos en los desafíos peatonales de la vida cotidiana de los preadolescentes. Pero fragmentos de futuros desarrollos ya han comenzado a desafiarlos.

Solo están comenzando a comprender los desafíos emocionales de crecer: Thor (Brady Noon) alberga ambiciones de teatro musical, pero los bulliers de la clase le dan tanta dificultad que decide abandonar la obra de la escuela; el ingenuo Lucas (Keith L. Williams) sostiene una conversación con sus padres, quienes le explican que se están separando. "Good Boys" llega a su momento más genuino cuando los niños cantan "Walking on Sunshine" durante la clase de música de la escuela, mientras las lágrimas corren por las mejillas del pobre Lucas. Para una película que fomenta el cacareo en voz alta constante, "Good Boys" también tiene una buena cantidad de momentos emotivos.

Las dificultades personales de los niños se desvanecen en el fondo siempre y cuando los niños permanezcan juntos, pero el futuro de su dinámica se ve desafiado una vez que Max es convocado a la mesa de los niños populares durante la hora del almuerzo y recibe una invitación para una próxima "fiesta" esa noche donde habrán niñas y posibles besuqueos. Su verdadero enigma es darle la noticia a sus amigos de que no están invitados.

En cambio, los chicos deciden faltar a la escuela y pasar el rato en la casa de Max mientras su padre realiza una excursión y deja su drone desatendido. Sin saber cómo proceder con la idea misma de besar otras niñas, se embarcan en una serie de intentos de investigación equivocados: buscar porno en Google, practicar con la muñeca sexual de los padres de Max y, finalmente, intentar espiar a un par de adolescentes de al lado (Midori Frances y Molly Gordon). Max intenta este tercer enfoque usando el drone de su padre, pero cuando las chicas logran confiscar el dispositivo, los Beanbag Boys se encuentran en medio de un enfrentamiento aún más dramático. Y cuando Thor atrapa las "vitaminas" de las chicas de su cocina con la esperanza de organizar un intercambio, no se da cuenta de que en realidad ha robado el molly que planean tomar más tarde.

"Good Boys" solo está acelerando su motor con esta versión vulgar de una versión de "Little Rascals" cuando los niños terminan corriendo por la ciudad en una carrera loca para recuperar el drone y descubrir qué hacer con las drogas robadas. En el proceso, la película se instala en una serie de viñetas en su mayoría satisfactorias, como un encuentro incómodo con un desconcertado oficial de policía, un intento de slapstick para cruzar la autopista y bromas recurrentes sobre cerraduras a prueba de niños. Stupnitsky y Eisenberg tienen una habilidad especial para habitar la mentalidad de sus jóvenes protagonistas, mientras discuten su acertijo con ingenua encantadora. La realización de películas nunca se fusiona con el mismo grado de inteligencia ofrecido por el concepto principal sobretodo porque se enfoca en contarse desde la visión e ingenuidad de sus protagonistas, pero el guión sobresale al transmitir la incapacidad de los niños para comprender el lenguaje adulto para describir su situación. La película existe dentro de los límites de la cosmovisión de los niños, ya que las cámaras permanecen a la altura de sus ojos.

Tremblay, de 12 años, no ha tenido prisa por encontrar material para expandir su rango después de su discreto debut en "Room", pero en "Good Boys" demuestra que es tan capaz de ser un niño de clase media alta. Sin embargo, el verdadero toque de éxito es su conjunto muy unido con los demás actores: Williams, como Lucas, tiene una simpatía increíblemente irreverente y un talento inexpresivo que insinúa un potencial cómico aún mayor a la vuelta de la esquina, mientras que Noon tiene el espíritu bribón de una versión joven de Jonah Hill. Mientras Thor intenta beber cerveza con los matones de la escuela secundaria para demostrar que es genial, Lucas come casualmente dulces y muestra poca ambición por algo más que apoyar a sus amigos.

El truco de "Good Boys" se vuelve agotador después de un tiempo, pero no antes de que los Beanbag Boys se enfrenten a varias complicaciones anárquicas que se extienden mucho más allá de su comprensión. Obligados a recuperar las drogas para las niñas que retienen al drone como rehén, los niños se enfrentan a una casa de fraternidad llena de niños universitarios desagradables, produciendo una pelea caricaturesca de primer nivel que involucra una pistola de pintura, tablas de padel y un bong. En otro lugar, descubren los juguetes sexuales de sus padres y llegan a la conclusión de que han encontrado armas para defenderse. Incluso cuando "Good Boys" se instala en su acto final sin aventuras, sigue siendo una apuesta cinematográfica fascinante. 

La trama ofrece hilarantes recordatorios de la juventud de sus protagonistas en miniatura cuando sus travesuras golpean una serie de inconvenientes, y llega el momento más entrañable cuando tienen una pelea por su situación que amenaza el futuro de su amistad. El enfrentamiento llega justo a tiempo, como lo ha hecho en innumerables películas de amigos antes, pero ninguno de ellos termina con los niños en cuestión llorando como esta lo hace.

En sus momentos finales, "Good Boys" llega a un epílogo agridulce mientras contempla si los Beanbag Boys pueden mantener su vínculo más allá de la burbuja de la escuela secundaria, haciendo un mayor enfoque en la temática emocional que realmente desglozaba la película: la gran cuestión de cuánto puede tardar una amistad de colegio. Deja el futuro a largo plazo abierto, pero es divertido reflexionar sobre el potencial único de este proyecto a largo plazo.

Crítica Cinéfila: The Kitchen

Años 70. Las esposas de un grupo de mafiosos de Nueva York continúan con los negocios de sus maridos después de que estos son encarcelados.

El año pasado, el AFI Fest estrenó la película Widows (2018), enfocada en la historias de cuatro mujeres de familia que, cuando sus esposos fallecen durante un atraco que cometían, y deciden continuar con su siguiente gran atraco, que significa robarle unos cuantos millones de dólares al senador de la ciudad. A pesar de la premisa tan interesante y la participación de un increíble elenco protagonizado por Viola Davis, la película no terminaba de cumplir con las expectativas que ya había creado. 

Cuando se anunció The Kitchen, la audiencia se dividió: en un lado estaban los que criticaban que el trailer no la vendía bien, y en otro los que la consideraban como una nueva versión de The Kitchen, y aunque las películas guardan elementos muy similares entre sí, el objetivo de las tramas es muy diferente. Sin embargo... esto no la hace una mejor película.

En "The Kitchen", conocemos a Kathy Brennan (Melissa McCarthy), una devota madre de dos hijos y cuidadosa de su imagen frente a la sociedad; a Ruby O'Carroll (Tiffany Haddish), quien se casó con el hermano del capitán criminal local pero aún es tratada como una extraña por él y su suegra; y a Claire Walsh (Elisabeth Moss), una esposa violentamente abusada. Desde que se apoderan de sus roles como operadores de crimen organizado, estamos involucrados y fuera de nuestra participación con estos personajes, que se basa más en la iconografía de su empoderamiento que en una historia de autenticidad.

Atrapados por el FBI durante un atraco en una tienda de licores, sus esposos son enviados a prisión por tres años, y la pandilla irlandesa local les dice a Kathy, Ruby y Claire que, como son familia, cuidarán de ellas. Pero el primer sobre de efectivo que recibe cada una de las mujeres ni siquiera cubre el alquiler. Se ven obligados a suplicarles por más, por la absoluta desesperación económica de sus circunstancias, aunque en este caso uno podría preguntarse por qué Little Jackie (Myk Watford), el jefe local, es tan tacaño si la mafia tiende a cuidar de los suyos. Pero es finales de los 70 y los beneficios de la protección son escasos, por lo que las mujeres se ven obligadas a tomar riendas de algunos asuntos, en orden de poder sacar sus familias y a sí mismas hacia adelante.

Así que, ¿cómo se convierten tres amas de casa de los 70 en mujeres mafiosas mafiosas con armas? Esta película está construida de una manera episódica que no presta mucho peso psicológico al proceso de transformación de las mujeres. 

Claire, por ejemplo, comienza como un fragmento maltratado de un ser humano, pero tan pronto como conoce a Gabriel (Domhnall Gleeson), un veterano de la guerra de Vietnam y soldado de la mafia, quien aparece para rescatarla de una violación segura a manos de Little Jackie, recibe un tutorial rápido en cómo resolver asuntos sucios poor sí misma, hasta como desmembrar cadáveres y en poco tiempo está empuñando su pistola de asesino con aplomo. Se presenta como la más tímida de las mujeres y la más maltratada que rápidamente se convierte en la más descarada y se enamora de un simpático sociópata y sicario.

Mientras tanto, Kathy y Ruby recaudan los pagos de las empresas locales, siempre con la idea de que están tratando a las personas que les pagan mejor que el régimen anterior. Durante una reunión con los trabajadores de la construcción locales, prácticamente se convierten en activistas sindicales. 

"The Kitchen" dramatiza la pregunta clave sobre nuestras heroínas de una manera que es vívida pero vaga. reúne genéricamente intimidantes pero a menudo extrañamente desafiadas situaciones del inframundo y clichés de mafiosos empapados de sangre que conocemos demasiado bien de otras películas y programas de televisión, aunque en este caso ellos rara vez adquieren una vida propia convincente. 

Una vez que sus esposos son puestos en libertad condicional, el verdadero villano de la película se enfoca. No es la mafia, es el sistema tribal de dominación masculina detrás de él. Y cuando Kathy comienza a hacerse cargo de su destino, vemos, en la actuación cada vez más feroz de Melissa McCarthy , una pista de lo que podría haber sido la película: la historia de un nuevo tipo de mística femenina, una furia metódica que combina los imperativos de una madre con el estilo de un gángster. Pero esta película necesitaba un mejor guión.

A pesar del valor del diseño de producción y las destacadas actuaciones masculinas de algunos, destacando a Gleeson, "The Kitchen" se siente, a veces, como una nueva versión de una película de género que nunca fue. Sin embargo, en su mayoría, hay una historia que funciona de una manera sombría y de segunda mano. La película parece estar teniendo lugar en la película genérica Mobville. Las mujeres son un juego que se pasan el cuchillo a turnos para hacer su movida final en el buffet mafioso que se han armado, pero no hay suficiente calor del hornillo para que resulte un éxito.

Crítica Cinéfila: Scary Stories to Tell in the Dark

Un grupo de adolescentes debe resolver el misterio que rodea a una serie de repentinas desapariciones que suceden en su pueblo.

En los primeros momentos de "Scary Stories to Tell in the Dark" del director André Øvredal, la voz de una niña narra como las historias tienen el poder de herir o sanar, y nos hacen lo que somos. Fiel a su palabra, "Scary Stories to tell at Night" ofrece un thriller fascinante que explora el poder de las narraciones con unos pocos gritos basada en clásicos de terror para niños. Es lo suficientemente acogedor para los adolescentes y tal vez lo suficientemente espeluznante para el fanático promedio de las películas de terror, ya que el productor y coguionista Guillermo del Toro es uno de los cineastas que lleva a la pantalla grande a los monstruos de las novelas originales de Alvin Schwartz.

Inspiradas en recientes producciones, como "Stranger Things" y "It: Chapter 1", que toma lugar a finales de los años 60, sigue a un grupo peculiar de amigos, y como sus caminos se cruzan con una presencia nefasta y sobrenatural, complementada en su producción de diseño con referencias a películas de terror más antiguas, y los entusiastas del género pueden disfrutar de los viejos carteles en las paredes de la habitación de un aficionado al horror, mientras que aquellos más frescos en el género pueden seguir esta película viendo la original "Night of the Living Dead".

La historia comienza en la pequeña e inocua ciudad de Mill Valley, Pensilvania, en Halloween en 1968. Los verdaderos sustos del mundo parecen ser la reelección de Richard Nixon y la guerra de Vietnam. Pero para los estudiantes de secundaria Stella (Zoe Margaret Colletti), Augie (Gabriel Rush) y Chuck (Austin Zajur), piensan en pasar la noche de Halloween vengándose del matón de su escuela, Tommy (Austin Abrams).

En las desventuras del trío, se les une Ramón (Michael Garza, "Wayward Pines"), con quien deciden explorar la casa embrujada del pueblo, un lugar donde una mujer estuvo una vez escondida del mundo por su cruel familia, uno de los fundadores más ricos y antiguos de la ciudad. El fantasma de Sarah Bellows (Kathleen Pollard) todavía persigue la antigua casa solariega de su familia, pero es su cariño fantasmal por contar historias escalofriantes lo que realmente mantendrá despiertos a los adolescentes por la noche.

Bajo este arco, en vez de sentirse como una colección de historias cortas, es en realidad una trama de misterio para resolver en compañía de recortes de periódicos, records médicos y audios a la antigua, antes de que Sarah comience a contar su historia de la noche. La carrera de los niños contra la próxima historia mortal para afirmar que uno de los suyos es protagonista de la noche resulta ser tan entretenido como las cosas de las que están hechas las pesadillas: cadáveres irrumpiendo en su casa o una espinilla que brota arañas por doquier. El director de fotografía Roman Osin ("La autopsia de Jane Doe") sumerge a muchos de estos monstruos en tonos azul oscuro y verde creando una atmosfera claustrofóbica de terror sin ningún lugar donde ocultarse. Otros aparecen bajo luces fluorescentes brillantes, oscuridad total, luces parpadeantes o bajo el resplandor de las alarmas rojas.

Aunque la mayor parte de la película es una delicia, algunos golpes en la noche no son tan suaves. Los escritores Dan y Kevin Hageman ("Trollhunters: Tales of Arcadia") comparten el crédito del guión con del Toro, Marcus Dunstan y Patrick Melton. Es posible que la ráfaga de actividad de escritura haya dejado atrás algunas líneas deshonestas de diálogo torpe o suscrito nuevas incorporaciones. La película parece querer establecer alguna conexión entre la cultura actual del miedo a través de los enfrentamientos de Ramón con policías y matones racistas y los televisores que dominan la taza de Nixon, pero no logra vincular completamente estos temas.

Aunque tal vez no sea la película más terrorífica que llegará a los cines esta temporada, "Scary Stories to Tell in the Dark" es realmente espeluznante, ya que funciona como una droga potencial de entrada de género y una hierba gatera nostálgica para los lectores de la trilogía original. Si eras uno de esos niños desafortunados a los que se les prohibía leer libros de terror, ahora es tu oportunidad de descubrir lo que te perdiste hace tantos años. No necesita estar familiarizado con la fuente para disfrutar de la película.

"Scary Stories" se siente sorprendentemente acogedor para una película de terror, dejando de lado el exceso de sangre y escalofríos por un hilo sólido sobre los adolescentes en una emocionante aventura de terror en su pequeña ciudad. Por un lado, tiene un final inconcluso que deja las subtramas y el confrontamiento principal en el aire, pero rescata la producción de personajes fantasiosos interesantes y la temática de Guillermo que ya hemos visto en su cine desde hace muchos años: una fantasía inspirada en los placeres o temores de los niños, pero en un mundo de adultos y batallas.

LALIFF 2019: De Lo Mio

Dos hermanas criadas en Nueva York se reúnen con su hermano en la República Dominicana para limpiar la casa de la infancia de su difunto padre. Los hermanos se ríen, se pelean y se enfrentan a sus demonios cuando aceptan abandonar su última conexión con su patria.

Pocas personas realmente conocen con sinceridad la paz que transmite el campo. La ausencia de los ruidos digitales hace que cada pequeño movimiento, desde el galope de un caballo hasta el baile de los árboles, se disfrute aún más. Es algo tan simple que pasa desapercibido ante los ojos de muchos. Pero es un detalle que la cineasta Diana Peralta ha sabido capturar en su opera prima De lo Mio.

En esta película, el rol protagónico se divide en tres: Rita (Sasha Merci) y Carolina (Darlene Demorizi) son dos hermanas de padres dominicanos que se han críado en New York, pero desde muy pequeñas visitaban a su familia en Santiago, y ahora regresan pero no con planes de vacacionar; esta vez llegan con planes de limpiar la casa de sus abuelos que será vendida en los siguientes días, y para eso deben reencontrarse con su hermano Dante (Héctor Aníbal), quien ha vivido toda su vida en esta casa, y al momento en que ambos abuelos fallecieron, se ha aislado del resto del mundo, incluyendo del hijo que tuvo con su expareja y al cual lleva más de dos meses que no ve. Una vez la limpieza de cinco días inicia, la nostalgia y las culpas de hace años invade a cada uno de estos hermanos, quienes deben aprender que, sin importar la vida que han llevado hasta el momento, el lazo familiar que comparten los unen para el bien y para el mal.

Diana Peralta se inspira en su niñez y la de sus hermanas para presentarle a la audiencia una realidad que muchas otras personas seguro igualmente vivieron o viven, independientemente si se mudaron ya adultos a los Estados Unidos o si viveron toda su vida allí, pero con padres que los enviaban todos los veranos a la tierra materna. Pero al final del día, es también una historia sobre duelo y superación, en la que enfrentar esos dolores internos es importante para poder dejar los malos sentimientos atrás.

A pesar de que los personajes tienen metas externas en común, sus verdaderos conflictos son muy internos: para Rita, volver a la casa de sus abuelos significa un reto, pues el dolor de no haber estado con su abuela cuando falleció aún la persigue; para Dante, no es solo el hecho de tener que lidiar con su relación sentimental y tratar de reconectar con dos hermanas que quizás no crecieron con las mismas limitantes que él, pero más importante el hecho de tener un hijo al cual la distancia lo están haciendo asemejarse al padre que lo rechazó y lo abandonó por irse a los Estados Unidos. Carolina es realmente la que sostiene la balanza, y la que le demuestra a sus hermanos que, independientemente de los problemas que los acosan y los conflictos familiares, lo propio es disfrutarse cada segundo y simplemente recordar con cariño cada uno de esos detalles de la niñez, desde subirse al techo de sus abuelos aunque los fueran a reprimir al rato, hasta comerse un plato de chicharrón con víveres de desayuno.

Las actuaciones y la química de Sasha, Darlene y Héctor es impresionante, llevando un método simplista que a la vez lograba una naturalidad en sus acciones y conversaciones, y creando una atmósfera de familiaridad y cercanía, no solo entre ellos sino también con la audiencia. Estas dinámicas entre ellos se destacan en la intimidad forzada de su reconexión sobre la casa. Dante podría estar celoso de la cercanía de sus hermanas, mientras que ellas desaprueban su vida. Después del largo alejamiento estallan las peleas, pero también lazos y risas. Esta película analiza detenidamente lo que significa ser familia, en qué medida y cuál es el contexto.

Además de enfocarse en los conflictos de estos hermanos, la historia se enfoca en la vida de campo, la paz que se siente en cada uno de sus rincones, bosques y lagos, y las fiestas que se arman en cada colmadón. Aunque las escenografías se inspiran en espacios reales, la fotografía es lo que realmente transfiere cada toma en un vuelo automático hasta lo más profundo del Cibao central, en algún municipio de Santiago, donde andar en motor es la caminata moderna. Hay anhelo en las tomas prolongadas que recorren el paisaje mientras la directora pinta la belleza del país con un cuidado amoroso tan vivo que casi se puede oler el mar y la cálida brisa de las palmeras.

El afecto que Diana Peralta tiene por la isla y por su gente es muy claro. El vehículo familiar de la película traslada a la audiencia tan lejos de su propia experiencia tal cual, pero a la vez lo acerca demasiado a la presencia cruda de República, con sus sabores, colores y dolores.

LALIFF 2019: The Devil has a Name

Una psicótica matriarca petrolífera pone en peligro a toda la industria cuando intenta derrotar a un granjero que la denuncia porque asegura que su agua ha sido envenenada.

La película inicia con Gigi (Kate Bosworth) entrando a la compañía petrolera, y quienes la rodean están claramente molestos con ella. De principio es un indicio de que ha hecho algo grave, y siendo esta la compañía petroleta, ya delatan que han perdido el caso. Ella narra cómo se desarrolló todo lo acontecido entre Shore Oil and Gas y el bosque de almendros del granjero viudo Fred Stern (David Strathairn). Las flores de sus árboles parecen pelotas de nieve, pero todo se vuelve oscuro cuando es testigo de la contaminación ambiental que aparece en la granja justo cuando un representante de la compañía petrolera de Houston que posee la plataforma cercana (Haley Joel Osment) intenta engañarlo para que venda sus tierras a bajo precio. El gerente de la granja de Fred, Santiago (Olmos), sospecha de un juego sucio, y desde allí, con la ayuda de Santiago y el abogado que finalmente contrata (Martin Sheen), Stern inicia una pelea para responsabilizar legalmente a la compañía petrolera.

El Valle Central de California es una de las áreas agrícolas más productivas del mundo; sin embargo, en los últimos años, la práctica de las compañías petroleras que vierten aguas residuales tóxicas en los estanques de agua de las tierras de cultivo ha generado protestas. Por esta misma línea se inclina el último largometraje del director y actor nominado al Oscar, Edward James Olmos, The Devil Has a Name, un drama basado en hechos reales sobre una de las tantas guerras de contaminación del agua del Valle Central.

Este es un drama de denuncia donde Olmos equilibra una historia sombría de explotación corporativa, degradación ambiental y la difícil situación del agricultor estadounidense con un bromance entre el granjero y su mano derecha. El combate juguetón que Strathairn hace con Olmos y Sheen se siente como todo lo que quieres ver de actores experimentados en esta etapa de sus carreras, y el diálogo siempre suena más verdadero cuando Strathairn, Olmos y Sheen juegan uno contra el otro. 

Pero a pesar del conflicto principal, también se juega con la supremacia blanca y el poder que asumen alrededor de los más debiles. En el papel de Ezekiel, Pablo Schreiber representa los grandes problemas sociales que acosan a la población estadounidense: el racismo, la superioridad de clase, el sexismo, la homofobia, y entre otros delitos morales que, por más actuados, se sienten muy reales para estos tiempos. Sin embargo, los verdaderos villanos de la historia son la compañía petrolera y el sistema gubernamental que pone intereses corporativos fuera de la ciudad sobre los derechos de los lugareños.

Santiago de Olmos, un inmigrante de México que ha trabajado para Fred durante 30 años, es el tipo de personaje que en otra película no sería tan multidimensional; sin embargo, resulta un anarquista autodescrito que también ama tomar selfies durante todo el día y se mueve sin problemas entre hablar inglés y español, sin importar si está hablando con Stern, el abogado de Stern Ralph o sus amigos en el bar. 

En términos narrativos, la historia se balancea entre dos conflictos que persiguen un mismo objetivo, por esta razón a veces da la sensación de perder consistencia narrativa y la configuración causa más confusión que el suspenso que impulsa la historia, pero esto no solo ocurre en la trama. Olmos y el cinematógrafo Reynaldo Villalobos (Breaking Bad, Love and Basketball) juegan con efectos especiales e imágenes de una misteriosa sustancia similar al aceite sumergida en el agua que son bastante interesantes, pero no llevan el chutzpah de este tipo de hilo visual durante el resto de la película, por lo que su impacto inicial termina cayendo.

Olmos claramente quiere que su película sea un llamado a una serie de problematicas actuales, pero al final resulta más una historia sobre el vínculo redentor de la amistad, para inspirar empatía por personajes como estos que no son retratados tan comúnmente en el cine como deberían ser. Sin importar todas las políticas crueles de Trump, los abusos de las compañías petroleras y las discriminaciones a los inmigrantes indocumentados, las relaciones humanas siempre predominan sobre lo demás.

Crónicas de California: LALIFF 2019

Por 18va ocasión, el Los Angeles Latino International Film Festival (LALIFF) celebra su devoción al cine y la cultura latina en las famosas salas del Chinese Theater en Hollywood, California. El festival es el espacio donde perfecto para compartir con la comunidad latina, y conocer las visiones de los artistas cinematográficos, musicales y jóvenes talentos ofrencen a la industria del entretenimiento. 

La gala de apertura le da inicio a cuatro días repletos de largometrajes, cortometrajes y películas episódicas dirigidas por Latinx. El festival también alberga presentaciones en vivo, exhibiciones de arte y podcasts, así como un programa llamado Legacy que brinda a jóvenes cineastas de preparatoria un foro para proyectar sus cortometrajes en la pantalla grande.

En este año, la mayoría de las películas seleccionadas a ser proyectadas comparten la temática de migración en común, enfocada desde varios enfoques pero a la vez demostrando los puntos de vista y las reacciones que otras personas tienen a este tema social, desde historias sobre inmigrantes ilegales hasta el reencuentro de migrantes con la tierra madre. 

Los cineastas Cristina Ibarra y Alex Rivera abrieron el festival con su película The Infiltrators, la historia sobre un grupo de indocumentados que se infiltran en el Broward Transitional Center con el plan de sacar a alguien que se encuentra injustamente detenido y exponer los casos de abuso que se dan allí. The Infiltrators se basa en la historia real de los activistas de la Alianza Nacional de Jóvenes Inmigrantes (NIYA) que en 2012 entraron a un centro de detención para localizar a un hombre llamado Claudio Rojas que había sido separado de su familia en el condado de Broward, Florida. Desde el interior de los muros de un centro de detención, los dos jóvenes activistas conocían las condiciones que el sistema de inmigración de los Estados Unidos impone a los inmigrantes indocumentados. A partir de ahí, utilizaron sus posiciones y conocimientos externos para organizarse en contra de las condiciones a las que habían estado sometidos detenidos como Rojas. 

Otras películas que continúan la temática son De lo Mio de la cineasta dominicana Diana Peralta, Building the American Dream de la cineasta texana Chelsea Hernandez, Chulas Fronteras de Les Blank, y Pahokee de Ivete Lucas & Patrick Bresnan. A la vez, el productor y actor Edward James Olmos, cofundador de este festival, presentó su más reciente obra The Devil Has a Name, donde el tema de migración resulta secundario en comparación con la situación principal que abarcaba la historia en relación a la contaminación que las compañías petroleras provocan en los cultivos alrededor de California.

Este año, el festival incluye 15 largometrajes, 17 cortometrajes, cinco episodios, dos eventos especiales y dos podcasts latinos en vivo desde el festival además de destacar a cineastas latinos nacidos en Estados Unidos como Cristina Ibarra, Alex Rivera, Rashaad Ernesto Green, Ben DeJesus, Chelsea Hernandez, Diana Peralta, entre otros. Además de las proyecciones, el festival contó con el desarrollo de programas educativos cortos, uno de ellos el Latinx in Animations, una clase magistral donde animadores y creadores comparten sus influencias y sus orígenes, y cómo esto les inspira en la elaboración de sus proyectos. 

Entre los invitados que desfilaron por la alfombra roja, la comunidad latina se hizo sentir, desde jóvenes talentos en series de televisión tan famosas como The Walking Dead y The Mayans, hasta figuras del cine que se han destacado desde hace muchos años, como Luis Guzmán y Celinés Toribio.

LALIFF ha sido un elemento fijo en Hollywood, gracias en parte al trabajo constante que Edward James Olmos ha puesto en la apertura de puertas en el mundo del espectáculo para la comunidad Latinx. Olmos fundó LALIFF en 1997 junto a Marlene Dermer, Kirk Whisler y George Hernández. El festival de este año, el segundo desde un paréntesis reciente de cinco años, está bajo la dirección ejecutiva de Rafael Agustín, quien fue guionista de Jane the Virgin. 

Crítica Cinéfila: Fast & Furious presents: Hobbs & Shaw

Hobbs y Shaw, tan distintos como siempre, son reclutados por una organización de origen no determinado para detener a una amenaza internacional.

Loretto siempre decía "la familia es lo más importante". Y por esta razón, las películas de Fast & Furious han arrastrado está temática, convirtiéndola en el centro de cada uno de sus conflictos generales y dándole a la audiencia las escenas más emocionantes de la saga. A pesar del bullicio de los carros y las carreras poco creíbles pero reales, el cariño de la fanaticada fue más por la familia que los personajes habían presentado a toda la audiencia. Pero cuando se trata de un spin-off de la franquicia, con dos personajes a los que no se les conoce su familia, la temática se rompe y el forcejeo es notorio.

Luke Hobbs (Dwayne Johnson) es un leal policía, miembro de los Servicios de Seguridad del Cuerpo Diplomático de EEUU. Por su parte, Deckard Shaw (Jason Statham) es un solitario mercenario, ex miembro del Cuerpo de élite del ejército británico. De entrada, no tienen nada en común. Además, desconfían el uno del otro, y los insultos y golpes entre ambos no han cesado desde que se conocieron. Eso sí, cuando el mundo se enfrente a una terrible amenaza que podría cambiar nuestro planeta para siempre, estos dos adversarios no tendrán más remedio que unir sus fuerzas. Su objetivo será detener a Brixton (Idris Elba), quien se ha hecho con una peligrosa arma biológica. Hobbs y Shaw tendrán que dejar a un lado su enemistad para salvar el mundo.

El mayor problema de esta película no es el hecho de que es un spin-off innecesario para la franquicia de Fast & Furious, sino que resulta ser una advertencia vociferada de "nunca hagan esto en casa". Es una exageración a todo vapor de lo que el cuerpo humano es capaz de lograr. Por más agilidad y dobles que hayan de por medio, las fatalidades que deberían haber en esta película son muy precarias, incluyendo las de sus protagonistas, quienes por más entrenamiento físico que ambos tengan, es imposible que sobrevivan a todo esto. 

Pero lo aún más intolerable es la cantidad de chistes y sketches de toda la trama. Los guionistas Drew Pearce (Iron Man 3, Mission Impossible: Rogue Nation) y Chris Morgan (quien ha escrito las últimas ocho películas de Fast & Furious, y la que estrenará el próximo año), han decidido dedicar el 50% de la energía de la película en las discusiones baratas y tiraderas de muy bajo nivel entre Hobbs y Shaw, dejando bien claro el odio que estos personajes sienten entre ellos, a pesar de que esto no es información novedosa. Los insultos llegan a un nivel que parecen cambiar de género, y pasar de acción a comedia con tiros y carreras. Esto también va de la mano con la introducción innecesaria de agentes nuevos, protagonizados por Ryan Reynolds y Kevin Hart, en la que su objetivo no es más que agregarle un poco de comedia a algunas de las escenas más "tensas" de la película.

Los problemas de los personajes se extienden a sus pensamientos machistas, irónico porque los personajes femeninos, desde la hermana de Shaw (Vanessa Kirby) y Madam M (Eiza González) hasta la madre de Hobbs (Lori Pelenise Tuisano) y la madre de Shaw (Helen Mirren), tienen todas una actitud matriarcal y de superioridad que no solo con la fuerza bruta derrotan a toda persona que se le cruce por el camino.

Quien se salva de toda la parte negativa de la historia es Idris Elba, el único que verdaderamente trae algo novedoso a la pantalla, representando un agente mercenario del futuro, casi un terminator en estos años, imposible de noquear con un puñetazo de la Roca, y planificado en cuestión de segundos. Se hace llamar el Black Superman y se ha ganado el título sin necesidad de la capa y el traje.

Al final, Hobbs & Shaw es el recuerdo de elementos de Fast & Furious que nunca funcionaron en mí, y un ejemplo importante de que las películas de acción están tomando un giro nuevo que en algunas ocasiones funciona, pero en la mayoría no. Más puñetazos, el doble de diálogos: una historia que no era necesaria contar. Ah! Y el típico zoom cinematográfico al aceite de arranque de los carros.

Crítica Cinéfila: The Farewell

Billi es una mujer, de nacionalidad chino-americana, que regresa a su país natal cuando se entera de que su abuela padece un cáncer terminal. Las cosas no mejoran cuando esta se da cuenta de que su familia sabía que la anciana tenía esta enfermedad y había decidido ocultarlo. Billi debe apartar estos problemas a un lado para participar en una boda familiar que resultará ser el último gran evento en el que esté su abuela.

En menos de dos años, Awkwafina ha logrado captar la atención de una gran masa. No solo se ha convertido en una de las actrices de comedia más divertidas de la época, sino tambíen que ha logrado mantener una imagen respetable en el proceso sin llegar a tener que ridiculizarse para hacer reir a nadie (o por lo menos, esa es la impresión que me ha dejado). Por eso, ser protagonista de un drama chino llama la atención: no solo resulta un cambio en su carrera, sino que también resulta la demostración perfecta de que ella no se ve estancándose en un género, ni mucho menos en un tipo de personaje.

En The Farewell, Awkwafina interpreta a Billi, quien se mudó de China a Estados Unidos cuando era muy niña, pero que aún así ha mantenido una hermosa relación con su Nai Nai. Toda la atención de Nai Nai se divide entre ella y su primo, los únicos nietos de la familia, por lo que esto también hace que sus conversaciones por teléfono sean aún mayores que las que tiene con sus propios padres.

Una noche, sus padres le confiesan que su abuela tiene cáncer terminal pero prefieren no contarle nada y reunir a la familia en una "boda" que es más bien el momento para que todos se despidan de Nai Nai, y la vida de Billi se desploma. No solo por el hecho de que le acaban de negar la beca en la universidad, también sus padres le niegan a asistir a la boda por temor a que le termine contando a Nai Nai que está enferma. Pero Billi decide subirse a un avión y ser parte de todo el evento, aún con las malas caras de toda la familia. Así, en aproximadamente 90 minutos, Billi y Nai Nai se convierten en las encargadas de hacer reir a la audienncia con sus ocurrencias, mientras se preparan para la gran boda, pero a la vez corriendo el gran temor de alguna recaída por lo rápido que va avanzando su enfermedad.

Si bien la película está salpicada de interludios memorablemente divertidos y tristes, alcanza un ápice conmovedor en una hermosa escena que amplía el alcance de Awkwafina, en la que Billi derrama sus sentimientos reprimidos hacia su madre durante los preparativos de la boda. Su padre, en cierta medida, ha recurrido a su forma de pensar occidentalizada, pero ella permanece principalmente sola en su firme creencia de que está mal dejar que Nai Nai continúe pensando que su tos y falta de aire son solo las secuelas de un resfriado. La tristeza de Billi, y su repentina inmersión en una familia extendida mucho más grande en comparación con su microunidad de tres en Nueva York, desencadenan ideas conmovedoras sobre la sensación de dislocación cultural que sienten muchos inmigrantes, incluso una generación después.

En esas primeras escenas entre Billi y Nai Nai, Awkwafina demuestra su habilidad actoral basada sentimientos conmovedores y melancólicos, complementados por una sensibilidad y conexión espiritual con las personas y los lugares de las raíces de su personaje. Ella es el centro de un reparto impecable, todo dibujado con una profunda inversión personal y una observación aguda de la compleja dinámica familiar china, lo que hace que la agridulce y conmovedora dramedia de la directora y escritora Lulu Wang sea una excelencia.

Titulado como "basado en una mentira real", este relato ficticio a pequeña escala pero emocionalmente expansivo de las experiencias familiares de Wang debería traducirse a través de los límites culturales, que solo hacen que nos recordemos de éxitos taquilleros de la pantalla asiática, como The Wedding Banquet, The Joy Luck Club y Crazy Rich Asians, pero aún así se siente original. En su segundo largometraje, Wang muestra una comprensión segura del tono, un ojo agradable para la composición no forzada y una comprensión persuasiva de la experiencia cultural de los inmigrantes de encontrar un equilibrio, a veces difícil, entre la tradición y la modernidad.

Wang relató por primera vez la historia de su familia como parte de un episodio de This American Life de NPR llamado "En defensa de la ignorancia". Ella claramente conoce y ama a cada una de las personas en pantalla, incluso en su forma más intransigente, infundiendo la película con ternura infecciosa y profundidad contemplativa. La comedia abarca desde ingenio verbal astuto y chistes internos para la comunidad asiática hasta bromas amplias y agradables para la multitud, pero está anclada a cada paso por los lazos directos de la cineasta con la situación. Y sus momentos de dulce sentimentalismo son totalmente ganados y sinceros.

Alrededor de la pieza clave de la actuación exquisitamente medida de Awkwafina, el elenco ofrece innumerables placeres, ninguno más que la dominante pero incuestionablemente amorosa matriarca, interpretada por Shuzhen Zhao. Nai Nai es un grito en su insistencia en controlar a todos y todo a su alrededor, combinando el toque ligero de Wang en una serie de grandes escenas que marcan la línea entre el humor y la tristeza, como una visita familiar a la tumba de su esposo. Como las otras figuras clave de su familia inmediata, Tzi y Jiang traen sombreados distintivos y una fuerte relación con sus dos hijos, este último especialmente durante el conmovedor y desordenado discurso de boda como padre del novio. Lin se destaca por mostrar el buen corazón detrás de la actitud severa y a menudo de desaprobación, y Lu, como la protectora hermana menor de Nai Nai, es como una china Sophia Petrillo.

La cinematógrafa Anna Franquesa Solano y el diseñador de producción Yong Ok Lee llenan el marco de la pantalla panorámica con imágenes llamativas que nunca se sienten demasiado estudiadas. Contrastan hábilmente las bulliciosas escenas familiares de las calles de Nueva York con la imponente arquitectura moderna de Changchun, un recordatorio constante para Billi de que el hogar de su abuela, donde pasó los veranos de la infancia, junto con gran parte de sus alrededores, ha sido borrado con el tiempo.

The Farewell es una película que al final, no solo causa la catárata de lágrimas en la audiencia, sino también que presenta una temática en la cultura familiar china, cómo decisiones que se toman parecerán arbitrarias de este lado del mundo, pero que solo se hacen por el bien de los que ellos más quieren. Es mejor morir por salud y no por la angustia de cuando llegará el día final.