jueves, 30 de noviembre de 2017

The Florida Project

Una niña de 6 años y sus amigos pasan un verano lleno de aventuras alrededor de un pequeño motel, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean pasan unos tiempos difíciles. (FILMAFFINITY)



Las historias narradas desde las perspectivas de los niños poseen una honestidad y un encanto que muchas películas intentan lograr, pero que no lo hacen con la naturaleza y fluidez que requieren. 

La trama presenta a Monee, una niña que vive junto a su madre en un motel cerca de Disneyland. La niña tiene una vida muy alegre junto a sus amigos, con quienes hace lo que les plazca, pues no tienen el control ni la constante vigilancia de un adulto. Monee puede irse a largas distancias por un helado, explorar zonas abandonadas de Orlando, espiar a sus extraños vecinos, disfrutar las delicias de la naturaleza, molestar al administrador del motel y meterse en los típicos problemas que un niño enfrenta a su edad; mientras, al mismo tiempo, acompaña a su madre a comprar objetos para luego ser vendidos en las entradas de los hoteles.


La principal razón por la que esta película funciona en su totalidad es que está narrada de una manera orgánica e interesante, pues no se trata de que su personaje logre un objetivo en específico, sino que presenta a un protagonista, viviendo su vida ordinaria, mientras muchas de sus acciones afectan positiva o negativamente a quienes los rodean. 

El hecho de ser narrada desde la perspectiva de una niña permite explorar otros temas como el descuido de los padres y sus consecuencias, los efectos masivos de las acciones más inocentes e ingenuas de los niños, y los peligros que rodean a un niño de la edad de Monee, como los acosadores y secuestradores.


Lo mejor de la trama son sus personajes, protagonizados de una manera inesperada y sobresaliente, en especial a Brooklynn Prince, quien se roba el corazón de la audiencia en más de una ocasión. Su desarrollo no está enfocado en mostrar un arco, pues es una persona muy joven para comprender mucha de las cosas que suceden a su alrededor, pero si toma la decisión de provocar una empatía y constante preocupación por lo que tiene que vivir, pero que ella misma no se da cuenta de los aspectos negativos y simplemente trata de vivirlo al máximo.

La fotografía tiene un punto clave para la historia, pues es la reponsable de demostrar cuales momentos son reales y cuáles son producto de la imaginación de los niños. Lo mismo sucede con la musicalización, que está diseñada para entretener tanto a un público joven como a los adultos.

The Florida Project es una película inteligente, poderosa y hermosa, que logra cautivar al público con una mini protagonista, capaz de crear todo tipo de emociones y, a la vez, contar una historia que desde su perspectiva da la libertad de conocer las aventuras de los niños, fuera de la vigilancia de sus padres.



Wonder

Un niño de 10 años (Jacob Tremblay, conocido por 'La habitación') nacido con una deformidad facial que le ha obligado a ser operado 27 veces de cirugía, se esfuerza por encajar en su nuevo colegio. (FILMAFFINITY)



Hay historias basadas en hechos reales y otras en temas reales. El cine se enriquece a diario de ellas, y no importa cual elijan, siempre serán entretenidas y asombrosas para aquellos que desconocen ese tema, hecho, persona o lugar. Esto es aún más interesante si se trata de un niño o niña narrando la historia.

Auggie Pullman es un niño que nació con una condición facial conocida como el síndrome de Treacher Collins. Hasta ese momento en su vida, estudiaba en casa y las únicas personas con quienes se relacionaba eran sus padres, su hermana y la mejor amiga de su hermana. Pasa al 5to nivel de primaria y su madre decide que ya es tiempo de estar en una escuela normal con otros niños, y a pesar de que auggie sabe cuál es la realidad que se le avecina, la acepta. Los primeros días de clase le demuestran al resto la excelente educación de Auggie, pero a la vez son difíciles pues ningún niño se le quiere acercar con temor a que se le pegue "la plaga".


Cada personaje existente en el filme es importante para el desarrollo de la trama. Lo mejor de la película es el elenco con el que cuenta, protagonizado por Jacob Tremblay, quien tuvo la tarea (otra vez) de robarse nuestros corazones, encarnando a este personaje. El hecho de estar totalmente transformado y desarrollándose con todas las condiciones físicas de su papel, demuestran una vez más el talento innato de este niño. El reparto es complementado con Julia Roberts y Owen Wilson, quienes cuentan con la experiencia y la capacidad de moldear sus personajes, con el objetivo de presentar una historia emotiva y cálida, capaz de ablandar cualquier corazón en casi todos los momentos de la historia.

La historia de Auggie es narrada en primera persona por su protagonista, quien guía a la audiencia en la difícil tarea de la crueldad de los niños frente a personas "diferentes". Lo que más atrae de la trama es que Auggie ya sabe cómo van a reaccionar las personas alrededor de él y sabe como seguir con su vida aunque las miradas hieran. Otro aspecto a destacar es que la historia nos permite conocer a las personas que rodean al protagonista y cómo deben sobrellevar esta situación.


La narración (o voz en off) es utilizada en el cine para complementar tramas dentro de la historia, y normalmente es desde el punto de vista de un solo personaje; no obstante, en Wonder, la narración es tomada por Auggie, su hermana, la mejor amiga de la hermana, y otros personajes. Eso le resta a la historia desde dos puntos: le quita la oportunidad de exponer con acciones de sus personajes y tiende a repetir aspectos que ya lo sabíamos, desde antes de que lo mencionaran. Si se hubiese narrado solo desde el punto de vista de Auggie solamente, hubiese sido mucho más interesante. Al igual que las narraciones, la fotografía se enfoca en destacar las distintas perspectivas de los personajes y cómo la historia va evolucionando a lo largo de la trama.

El director Stephen Chbosky (Beauty and the Beast, Perks of being a wallflower) narra esta historia, que podría ser melodramática y triste, pero termina siendo inspiradora y manipuladora de sentimientos, con el propósito de crear constantes reflexiones en el ser humano y cuestionarnos como podemos ser mejores para la sociedad.



sábado, 25 de noviembre de 2017

Crónicas de California: ¿Por qué debo participar en los festivales de cine?


El segundo lugar más importante donde todo cineasta debe llevar sus películas son los festivales de cine. Estos escenarios son creados por una institución o grupo de personas para exhibir una cartelera de filmes, que pueden ser de directores y productores nuevos en la industria, o más experimentados pero con un estilo autoral.

Nunca (o casi nunca) encontrarás una película comercial en un festival de cine, porque están destinadas para historias y producciones de tonalidad independiente, bajo presupuesto y con la intención de mandar un mensaje a su audiencia.

Existen festivales para todo tipo: largometrajes, cortometrajes, video experimentales, documentales, ¡hasta de guiones! Y también de diferentes temáticas, idiomas, países y demás. Por eso, como estudiante, lo más apropiado es prepararse para esto, porque es (en la gran mayoría de las ocasiones) lo que nos abre las puertas a las grandes producciones. Aquí les comparto 5 razones por las que todo cineasta en crecimiento debe participar en los festivales de cine.

La oportunidad de darse a conocer

Esta es la más importante. Muchas personalidades del cine (productores, directores, actores, agentes) asisten como invitados y también cazatalentos. Por eso siempre se debe estar atento y tratar de conocer tantas personas se puedan, pero hay que estar preparado. Si solo estás asistiendo como audiencia, debes andar siempre con muestras de tus audiovisuales, portafolio, tarjetas de presentación y dispuesto a hablar de tus próximos proyectos. Si asistes como director de un audiovisual que se presente, siempre debes tener contigo volantes y objetos promocionales de la película y DVDs con cortes del audiovisual.

El nacimiento del siguiente gran proyecto

En Los Angeles he conocido personas que sus cortometrajes fueron presentados en festivales de cine y lo siguiente que les ocurrió es que estaban trabajando en un largometraje. Esto se debe a que los motivan a ampliar la historia de su audiovisual a un largometraje, o porque los invitan a ser parte de una producción más grande. 

El crecimiento del portafolio

Esto no solo aplica en el sentido de los audiovisuales que presentas, sino también en los premios y menciones que se obtienen al participar. Los festivales normalmente cierran con una noche de premiaciones a los más destacados de la convocatoria. 

Un mejor conocimiento de tu temática de preferencia

Existen festivales de todo tipo: dedicados a un país, situaciones o grupos de personas en específico. Lo adecuado es encontrar en cuál/cuáles quieres participar, comenzar a trabajar en el proyecto con esa temática y aplicar con tiempo para poder calificar a presentación. De esta manera también se descubre cuál es la temática y género con el que se prefiere trabajar, y a cuál conglomerado de audiencia le quieres entretener. 

Ayuda a obtener la visa de trabajo

Este no es mi caso, porque pretendo regresar a mi querida República Dominicana, pero muchas personas que participan en festivales de cine nacionales e internacionales, lo hacen con la doble intención de reunir más requisitos que le ayuden a obtener la visa de trabajo. Según lo que me han explicado algunos amigos internacionales más experimentados, el hecho de participar en los festivales va acumulando puntos a favor que justifican tu estadía en Estados Unidos y la razón por la que debes continuar estando en este país.



En mi caso como guionista, existen festivales exclusivos para nosotros: el Austin Film Festival, el Vail Film Festival, el Slamdance Film Festival y el Nantucket Film Festival, que además de presentaciones de los guiones, se premian aquellos que estén lo suficientemente desarrollados para ser llevados a la producción. También, el festival de Sundance tiene un espacio donde guionistas perfeccionan sus proyectos con profesionales del área; el festival de Cannes tiene una competencia exclusiva para guiones; y no se puede dejar de mencionar el Black List, un espacio online que conecta guionistas de cine con agentes y productores en busca de los próximos grandes proyectos de la industria. 

Ya yo me inscribí en el Black List para presentar mi próximo hijo que pronto les comentaré detalles sobre él, pero esto no significa que dejaré de asistir a todos las demás muestras que se realicen en esta ciudad, donde todas las semanas hay festivales de distintos tipos. La ventaja de ser estudiante del New York Film Academy es que nos regalan taquillas para asistir, así que es una oportunidad que no se debe dejar de aprovechar.

jueves, 23 de noviembre de 2017

Nominados al Film Independent Spirit Awards 2018


¡Ya se acerca la temporada de premios! Cada vez estamos más cerca de saber cuáles son los preferidos de la academia de este año.

Los Film Independent Spirit Awards son los primeros en anunciar sus nominados para la próxima premiación a ser celebrada el 3 de marzo, la noche antes de los Premios de la Academia.

Aquí están los nominados 
Con una * resalto las que ya he visto.

MEJOR PELICULA

Call Me By Your Name
Producers: Peter Spears, Luca Guadagnino, Emilie Georges, Rodrigo Teixeira, Marco Morabito, James Ivory, Howard Rosenman

Get Out
Get Out *
Producers: Jason Blum, Edward H. Hamm Jr., Sean McKittrick, Jordan Peele

Lady Bird *
Producers: Eli Bush, Evelyn O’Neill, Scott Rudin

The Florida Project *
Producers: Sean Baker, Chris Bergoch, Kevin Chinoy, Andrew Duncan, Alex Saks, Francesca Silvestri, Shih-Ching Tsou

The Rider
Producers: Mollye Asher, Bert Hamelinck, Sacha Ben Harroche, Chloé Zhao 

MEJOR OPERA PRIMA

Columbus
Director: Kogonada
Producers: Danielle Renfrew Behrens, Aaron Boyd, Giulia Caruso, Ki Jin Kim, Andrew Miano, Chris Weitz 

Neon
Ingrid Goes West
Director: Matt Spicer
Producers: Jared Ian Goldman, Adam Mirels, Robert Mirels, Aubrey Plaza, Tim White, Trevor White

Menashe
Director/Producer: Joshua Z. Weinstein
Producers: Yoni Brook, Traci Carlson, Daniel Finkelman, Alex Lipschultz           

Oh Lucy!
Director/Producer: Atsuko Hirayanagi
Producers: Jessica Elbaum, Yukie Kito, Han West

Patti Cake$
Director: Geremy Jasper
Producers: Chris Columbus, Michael Gottwald, Dan Janvey, Daniela Taplin Lundberg, Noah Stahl, Rodrigo Teixeira

JOHN CASSAVETES AWARD

Dayveon
Writer/Director/Producer: Amman Abbasi
Writer: Steven Reneau
Producers: Lachion Buckingham, Alexander Uhlmann
A Ghost Story

A Ghost Story *
Writer/Director: David Lowery
Producers: Adam Donaghey, Toby Halbrooks, James M. Johnston

Life and nothing more
Writer/Director: Antonio Méndez Esparza
Producers: Amadeo Hernández Bueno, Alvaro Portanet Hernández, Pedro Hernández Santos

Most Beautiful Island
Writer/Director/Producer: Ana Asensio
Producers: Larry Fessenden, Noah Greenberg, Chadd Harbold, Jenn Wexler

The Transfiguration
Writer/Director: Michael O’Shea
Producer: Susan Leber 

MEJOR DIRECTOR

Sean Baker, The Florida Project *
Jonas Carpignano, A Ciambra
Luca Guadagnino, Call Me by Your Name
Jordan Peele, Get Out *
Benny Safdie, Josh Safdie, Good Time
Chloé Zhao, The Rider 

MEJOR GUION

Greta Gerwig, Lady Bird *
Azazel Jacobs, The Lovers
Martin McDonagh, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri *
Jordan Peele, Get Out *
Mike White, Beatriz at Dinner

MEJOR PRIMER GUION

Donald Cried
Kris Avedisian
The Big Sick
Story By: Kyle Espeleta, Jesse Wakeman

The Big Sick *
Lionsgate
The Big Sick
Emily V. Gordon, Kumail Nanjiani 

Women Who Kill
Ingrid Jungermann 

Columbus
Kogonada

Ingrid Goes West *
David Branson Smith, Matt Spicer  

MEJOR CINEMATOGRAFIA

- Thimios Bakatakis
The Killing of a Sacred Deer 

- Elisha Christian
Columbus       

- Hélène Louvart
Beach Rats    

- Sayombhu Mukdeeprom
Call Me by Your Name          

- Joshua James Richards
The Rider

MEJOR MONTAJE

- Ronald Bronstein, Benny Safdie
Good Time

- Walter Fasano
Call Me by Your Name          

- Alex O’Flinn
The Rider

- Gregory Plotkin
Get Out * 

- Tatiana S. Riegel
I, Tonya   

MEJOR ACTRIZ

- Salma Hayek
Three Billboards outside Ebbing, Missouri
Beatriz at Dinner        

- Frances McDormand
Three Billboards outside Ebbing, Missouri *

- Margot Robbie
I, Tonya

- Saoirse Ronan
Lady Bird *

- Shinobu Terajima
Oh Lucy!        

- Regina Williams
Life and nothing more 

MEJOR ACTOR

- Timothée Chalamet
Call Me by Your Name

- Harris Dickinson
Beach Rats    

- James Franco
The Disaster Artist

- Daniel Kaluuya
Get Out          
Lady Bird

- Robert Pattinson
Good Time 

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

- Holly Hunter, The Big Sick *
- Allison Janney, I, Tonya
- Laurie Metcalf, Lady Bird *
- Lois Smith, Marjorie Prime
- Taliah Lennice Webster, Good Time 

MEJOR ACTOR DE REPARTO

- Nnamdi Asomugha, Crown Heights
- Armie Hammer, Call Me By Your Name
- Barry Keoghan,  The Killing of a Sacred Deer
- Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri *
- Bennie Safdie, Good Time


ROBERT ALTMAN AWARD

- Mudbound
Director: Dee Rees
Casting Directors: Billy Hopkins, Ashley Ingram
Ensemble Cast: Jonathan Banks, Mary J. Blige, Jason Clarke, Garrett Hedlund, Jason Mitchell, Rob Morgan, Carey Mulligan

MEJOR PELICULA INTERNACIONAL

- BPM (Beats Per Minute)
France
Director: Robin Campillo

- A Fantastic Woman
Chile
Lady Macbeth
Director: Sebastián Lelio

- I Am Not a Witch
Zambia
Director: Rungano Nyoni

- Lady Macbeth *
U.K.
Director: William Oldroyd

- Loveless *
Russia
Director: Andrey Zvyagintsev 

MEJOR DOCUMENTAL

- The Departure
Director/Producer: Lana Wilson 

- Faces Places
Directors: Agnés Varda, JR
Producer: Rosalie Varda

- Last Men in Aleppo
Director: Feras Fayyad
Producers: Kareem Abeed, Søeren Steen Jespersen, Stefan Kloos 

- Motherland
Director/Producer: Ramona S. Diaz
Producer: Rey Cuerdo 

- Quest
Director: Jonathan Olshefski
Producer: Sabrina Schmidt Gordon

BONNIE AWARD

- So Yong Kim
- Lynn Shelton
-Chloé Zhao

JEEP TRUER THAN FICTION AWARD

- Shevaun Mizrahi
Director de Distant Constellation

- Jonathan Olshefski
Director de Quest

- Jeff Unay
Director de The Cage Fighter

KIEHL’S SOMEONE TO WATCH AWARD

- Amman Abbasi
Director de Dayveon

- Justin Chon
Director de Gook

- Kevin Phillips
Director de Super Dark Times

PIAGET PRODUCERS AWARD

- Giulia Caruso & Ki Jin Kim
- Ben LeClair
- Summer Shelton

Lady Bird

Una joven estudiante que se hace llamar Lady Bird sueña con vivir en la costa este de Estados Unidos, y tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre. (FILMAFFINITY)



La actriz y cineasta Greta Gerwing elige la temática sobre madurez y relaciones interpersonales para presentar su opera prima como directora y guionista. A través de esta película, cuenta la historia de una joven llamada Cristine, pero que prefiere que la llamen Lady Bird. Ella sueña con abandonar Sacramento y mudarse a la costa este del país, por lo que hace lo imposible para lograr ser aceptada en alguna universidad de esa zona. Sin embargo, su madre la cree incapaz de ser admitida en cualquiera de las escuelas que ella quiere y la aterriza constantemente a la realidad de su vida: su familia no tiene el dinero suficiente para la universidad a la que aspira. 


Debido a "la pobreza de su familia", el hecho de que su ropa es sacada de las tiendas de segunda mano, su padre la lleva a la escuela en su carro extremádamente viejo y su madre vive controlando cada gasto material de la casa, ella evita que sus amigos sepan en qué condiciones vive y miente sobre su vida.

El guion de la historia se enfoca en narrar como la protagonista va creciendo a nivel personal, de acuerdo a lo que la vida le va dando. El objetivo principal, que siempre será recordado, es que ella sea admitida en una universidad de la costa este, y la trama se complementa con la vida familiar, amorosa y madurez que va tomando Cristine/Lady Bird. Uno de los puntos más poderosos es la relación entre Cristine y su madre, pues ambas tienen una personalidad fuerte y similar; sus momentos funcionan gracias a la química de Saoirse Ronan y Laurie Metcalf en escena.


Los diálogos están construidos con una carga de humor, subtexto y sarcasmo, que mantienen la temática y obligan al espectador a mantenerse con los personajes hasta el final. Al final de la historia, la protagonista termina con un monólogo poderoso y necesario que establecen como ha logrado lo que siempre se propuso, pero todo esto gracias a quién siempre estuvo a su lado.

La fotografía y la musicalización son dos atractivos necesarios para recordar la edad de Lady Bird y los sueños que tiene en plan. También permiten ver la historia desde los distintos puntos de vista de la protagonista, frente a las situaciones que vive a lo largo de la trama.


La ironía y humor negro de Lady Bird hacen de esta película una propuesta de cine independiente interesante y respetable, por la sensibilidad y sencillez con la que su directora en conjunto con sus personajes narran la historia que se proponen.


Coco

Miguel es un joven con el sueño de convertirse en leyenda de la música a pesar de la prohibición de su familia. Su pasión le llevará a adentrarse en la "Tierra de los Muertos" para conocer su verdadero legado familiar. (FILMAFFINITY)



La fórmula de Pixar fue creada con la intención de provocar la emociones más intensas y poderosas en su espectador: nostalgia, encanto, cariño, y sobretodo empatía. Por eso, el público se mantiene fiel a sus historias. Por eso, Coco no es la excepción y se ha convertido en un éxito en sus primeros días de estreno.

En el pueblo de Santa Cecilia vive Miguel, un niño que pertenece a una familia de zapateros: todos han arreglado y producido zapatos en la compañía familiar desde que la tátara abuela Mamá Imelda la comenzó, cuando su esposo la abandonó a su suerte por perseguir su carrera musical. Por esta razón, la música está prohibida en su familia y todos parecen estar de acuerdo con esto, excepto Miguel que sueña con ser un músico famoso como su ídolo Ernesto de la Cruz y decide participar en la competencia de talentos del pueblo.


Como tradición para el Día de los Muertos, la familia pone ofrendas y las fotografías de sus difuntos, para que ellos puedan regresar al mundo de los vivos, y aceptar las ofrendas. También es una manera de que no queden en el olvido y sobrevivan en el mundo de los Muertos. Cuando Miguel rompe el portaretrato de Mamá Imelda y descubre que su ídolo, quién falleció hace varias décadas, podría ser el tátara abuelo que todos no quieren recordar, decide tomar su guitarra para participar en la competencia. Por error, termina en el mundo de los Muertos, donde su tátara abuela está determinada a regresarlo, con la condición de que no vuelva a querer incursionar por la música. Sin embargo, él escapa y se plantea encontrar a su ídolo/posible tátara-abuelo para recibir su bendición, con la ayuda de su nuevo amigo Héctor.


El guion posee técnicas intuitivas de humor y melodrama, con el objetivo de atraer a su audiencia con su historia, sus pesonajes y la cultura que busca transmitir en cada escena y detalle de la trama. El conflicto y resolución de este filme se enfoca en la tradición cultural mexicana y la búsqueda de la pasión de cada ser humano.

Cada personaje de Coco, desde Miguel hasta su perro, están construídos con un rol específico para sumarle más detalles importantes a la historia, que en un momento quedarán establecidos y que permitirán que sean recordados, aunque su participación haya sido totalmente mínima. Y aquellos que menos esperamos, guían la historia en un camino inesperado. 


Las películas de Pixar se toman un tiempo estimado de producción de 5 años, y esto se debe al desarrollo del diseño gráfico, musicalización y efectos de sonido. Coco posee una imagen poderosa compuesta de una colorización que pretende reflejar la tradición cultural de México con el día de los Muertos, tanto en la creación de sus personajes como en la producción de sus escenarios, destacando específicamente el Mundo de los Muertos. La musicalización, que es para mi uno de sus atractivos principales, está compuesto por clásicos mexicanos como La Llorona, La Bikina, Bésame Mucho y Juanita, y algunos son originales de la película como Recuérdame, Un Poco Loco y  El latido de mi corazón. Las canciones tienen una lírica poderosa y contagiosa, con el estilo típico de mariachi.


Coco es una película que, gracias a los aspectos que desarrolla como la vida de pueblo, la matriarca que se hace cargo de su familia cuando el padre está ausente y la tradición de una fecha importante en esta cultura, se gana el respeto y cariño de su audiencia, complementada con un diseño de producción y música que le suman atractivos y la proponen como una posible nominada en la próxima temporada de premios.



sábado, 18 de noviembre de 2017

Crónicas de California: "No te alteres, es un famoso"


Primer consejo que nos dieron a todos los nuevos estudiantes de New York Film Academy: "Es muy probable que en más de una ocasión se encuentren con famosos. Sí... no corran hacia él/ella. Es otro humano de la sociedad". Quiero creer que siempre lograré eso, que no me alteraré si veo a Leonardo DiCaprio, Johnny Depp o Tom Hardy caminando por ahí en Los Angeles. Y me demostré a mi misma que sí se puede.

El sábado pasado, cortesía de mi amiguito Rubén Peralta/Cocalecas, participé en un luncheon junto al elenco y equipo de producción de la película Detroit. Así que sí, ya sabía que algunos actores estarían ahí, y mi mente trató de recordarlo constantemente.

El primero en llegar fue Tyler James Williams (Little Bill, 2000; Everybody hates Chris, 2005; Dear White People; 2014), quien encarnó uno de mis personajes favoritos en The Walking Dead y quién tuvo una de las muertes más injustas y horribles. Pero, ¿adivinen qué? me controlé. Una de las PA (Production assistant) me presentó y comenzamos a hablar de la película. Me sorprendió la referencia que hizo de Detroit como un "espejo" de la sociedad; que a pesar de que la comunidad afroamericana no vive ese tipo de represiones actualmente, aún se siente el racismo en distintas ciudades y países. Por supuesto, al final, le pregunté que se sintió que mataran a su personaje en TWD, y me dijo "yo sabía que me iban a matar desde que me dieron el papel... pero sí, no fue justa". Culpa de los escritores.


Otros actores que también estuvieron allí fueron Algee Smith (Let it Shine, 2012; The Infamous, 2016) Leon Thomas III (August Rush, 2007), Malcolm David Kelley (Lost, 2004-2009), Laz Alonso (Avatar, 2009; Fast and Furious, 2009), Joseph David-Jones (Allegiant, 2015), Nathan Davis Jr., entre otros. Quizás los nombres no les suenen conocidos, pero sí, son personas que estuvieron en películas, series, cortos o videos experimentales. Y ahora se encargan de darle vida a personajes del incidente del Algiers Motel en Detroit, 1967.

Solo me faltaba un actor por entrevistar, y este sí les recordará algunas películas más mencionadas: Will Poulter. Si no lo recuerdan por nombre, estuvo en War Machine (2017), The Revenant (2015), Maze Runner (2014), We're the Millers (2013), entre otras producciones. En Detroit tuvo el rol del antagonista, uno de los papeles más complicados en películas y series de televisión, porque es un arquetipo muy específico, con manías, complejos, debilidades e incluso, estilo de hablar. Y Will es británico; en la única película que lo he visto con su acento original es en Las Crónicas de Narnia 3 (2010). Pero una vez más me sorprendió, no por el hecho de que era lo opuesto a su personaje, que es uno de los peores seres humanos que han existido en la época de los 60, sino por su entendimiento sobre el tema del racismo, y que, aún siendo una persona "blanca", está a favor de la diversidad, y la conexión con otras culturas y etnias.

Además de una oportunidad, este acercamiento fue una lección para mi, y ahora para ustedes: en pantalla, los actores pueden crear empatía con sus personajes y ser lo que en la vida real también son; pero, en otras ocasiones, en la gran mayoría, sucede todo lo contrario. Se transforman y transmiten a la audiencia lo que ellos quieren que crean. Ya sea la persona más gentil del mundo, o la peor persona del mundo. Me encantaría decir que también conocí a la directora Kathryn Bigelow o a John Boyega, pero no estuvieron presente, y aún así fue igual de interesante conocer al resto del elenco.

¿Qué pasará cuando conozca famosos "más famosos"? La verdad, no sé. Uno no se puede anticipar a lo que todavía no sucede, pero lo que sí les aseguro es que antes de decirles algo, me recordaré a mi misma: "son otros seres humanos de la sociedad".

Esperen el video en Cocalecas.net

jueves, 16 de noviembre de 2017

Murder on the Orient Express

Durante un viaje en el legendario tren Orient Express, el detective belga Hercules Poirot investiga un asesinato cometido en el trayecto, y a resultas del cual todos los pasajeros del tren son sospechosos del mismo. (FILMAFFINITY)



Esta adaptación de la novela de Agatha Christie y remake de la película de 1974, se centra en el detective Hercule Poirot, un señor que se ha ganado la fama por resolver casos que parecen ser irresolubles; él mismo sabe que es uno de los mejores detectives de su generación. Después de resolver uno de los tantos, es asignado nueva vez a un nuevo caso y decide tomar el Expreso Oriental (Orient Express) para llegar rápidamente a su destino. Todo parece ir como el tiempo manda hasta que una tormenta de nieve obstruye el paso del tren y se descubre que uno de los huéspedes ha sido asesinado. Hercule comienza a investigar quién podría ser el culpable de todos los demás presentes en un lugar donde cualquiera podría ser el asesino.


Esta película tiene la dicha de contar con un elenco totalmente envidiable, protagonizado por Kenneth Branagh, quien también asume el rol de director. Su caracterización de este personaje es uno de los aspectos que más se debe destacar de la trama, pues es desarrollado a un nivel que logra transmitir quién es, dónde estuvo, hacia dónde va y cuáles son los demonios que lo persiguen. Del mismo modo, sus demás personajes son estructurados y orientados en un sentido de que crean ese suspenso y misterio que la trama se propone.

El inicio (o establecimiento) de la historia es un atractivo pues introduce a todos sus personajes, al detective y cómo suele resolver sus casos, y lo asombroso del Expreso Oriental, que además de ser una atracción, también es un lujo para los que son testigos de su partida. Por lo mismo, el misterio del asesinato se va desarrollando a un ritmo en que, en vez de ir respondiendo, va creando más incertidumbre, que llega a ser interesante hasta que finalmente se descubre quién/quienes son los responsables de este crimen. 


A pesar de desarrollarse básicamente en un tren, con excepción del primer acto y la última escena, esto no le restó importancia ni valor narrativo a la trama, ni creó una monotonía sin sentido; muy por el contrario, da esa atmósfera claustrofóbica y necesaria de saber quien es el culpable y la cuestionante de, si vuelve a atacar, quién será el siguiente.

El desenlace y clímax es el punto débil de la película, pues aunque se resuelve, llega flojo y muy fácil, tanto que podría ser considerado aburrido en comparación a todo el desarrollo que tuvo la historia.


Por otro lado, la fotografía es un elemento importante a destacar, ya que muestra la belleza del escenario donde se desarrolla y la ambientación de cada una de sus escenas. Por igual, el diseño de vestuario crea una identificación de la personalidad de cada personaje que se puede identificar y complementar una vez tienen participación en la investigación. La musicalización es otro punto importante, pues fue creando la atmófera de suspenso que planteaba la trama.

La película fue decayendo a medida que el misterio se fue resolviendo, pero eso no le resta lo que en términos visuales y desarrollo narrativo de personajes logró, en mayor parte gracias a la cinematografía realizada por Haris Zambarloukos y la increíble división actoral con la que cuenta.


Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia. (FILMAFFINITY)



Mildred (Frances McDormand) es una mujer que ha sufrido mucho: su hija fue violada y asesinada, aún no se ha encontrado el culpable, su ex-esposo la culpa de lo que le pasó y sale con una joven 30 años más joven, y su hijo cree que ella necesita ayuda. Pero todo parece complicarse cuando ella misma decide utilizar tres carteles de anuncio a la salida de Ebbing, Missouri, para incriminar como la policía ha abandonado la investigación sobre el asesinato de su hija, y se ha dedicado a discriminar y maltratar a los ciudadanos afroamericanos de la ciudad.

Sin embargo, esta acción simplemente le trae más problemas, pues a quien utiliza de blanco en los carteles es al jefe de la policía, Bill Willoughby (Woody Harrelson), quien es muy querido por todos los habitantes de Ebbing, especialmente por los demás policías y la misma Mildred, pero a la vez más simpatizado por padecer de cáncer terminal de pancreas. Esto hace que Mildred sea incriminada y atacada por muchas personas, incluyendo su propia familia; pero esto no es razón suficiente para retirar los carteles. 


Lo que más atrae de esta película es el papel de Frances McDormand, quien encarna a una madre desesperada en busca de respuestas. A pesar de la actitud arrogante, negra y fría, provoca empatía por todas las situaciones que tiene que vivir para poder lograr su cometido con estos carteles. De igual forma, la trama cuenta con la participación de un elenco que le suma ironía, comedia y atractivos a este filme con muchos sentimientos de amargura, misterio y sarcasmo. Las líneas de cada personaje están construidas con el objetivo de seguir moviendo la historia hacia adelante y abriendo el camino apropiado para llegar al desenlace que amerita, esto gracias al trabajo del guion en términos de historia conjunto con el tono en que debían ser desarrollados los diálogos.


La química entre Frances McDormand y Wood Harrelson es impresionante y recuerdan siempre que no se trata de una problemática llevada a lo personal, sino de dos personas que simplemente buscan respuestas, con técnicas distintas. ¿Si descubren quién es el asesino o no? En realidad no es lo más importante de la trama. El verdadero propósito tras los carteles es captar la atención de más personas hacia un atentado que afectó a una sola mujer, pero que se trata de un crimen atroz e irreversible.

De igual modo, la fotografía es un atractivo importante a destacar pues refleja la ambientación de toda la película y hace un enfoque constante de los carteles, desde los distintos puntos de vista de cada personaje, procurando de que estos no queden en el olvido y recordando que son la base de la trama. Lo mismo sucede con la musicalización, que da la sensación de transportarnos a esta zona de Estados Unidos, tanto en su tonalidad como en su estilo.

Esta película hace un uso formidable de sus talentos, complementados por un sarcasmo constante y un humor negro que retratan las realidades que muchas personas deben vivir cuando estos casos se dan en la realidad. Y en esta ocasión, no solo me refiero a los carteles.


Liga de la Justicia (Justice League)

Motivado por la fe que había recuperado en la humanidad e inspirado por la acción altruista de Superman, Bruce Wayne recluta la ayuda de su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentarse a un enemigo aún mayor. Juntos, Batman y Wonder Woman se mueven rápidamente para intentar encontrar y reclutar un equipo de metahumanos, con Aquaman, Cyborg y Flash, que combata esta nueva amenaza; pero, puede que sea demasiado tarde para salvar el planeta. (FILMAFFINITY)



Superman está muerto y sus seguidores lo siguen llorando. Mientras tanto, Bruce Wayne/Batman (Ben Affleck) sigue el rastro de unas criaturas extrañas que, una vez destruidas, dejan la marca de tres cuadros. Por el aspecto de estos monstruos y la insistencia de los signos, cree que podría tratarse de una nueva amenaza para la humanidad. En distintas partes mitológicas del mundo -Amazonia y Atlantis-, unos cubos mitológicos y poderosos son robados por las mismas criaturas. De modo que Diana Prince/Wonder Woman (Gal Gadot) se une a la búsqueda de Bruce y tratan de reclutar otros superhéroes que aún se esconden de la humanidad: el semidios del Atlante, Aquaman (Jason Momoa); un joven con una increíble velocidad, Barry Allen/Flash (Ezra Miller); y un hombre mitad cybord, Victor Stone/Cyborg (Ray Fisher).

Una vez reunidos, deben evitar que Steppenwolf (Ciarán Hinds) recupere el tercer cubo, pero antes se dan cuenta del poderoso adversario que se enfrentan y que necesitarán ayuda para vencerlo, por lo que utilizarán el poder de este objeto para revivir el más importante miembro de esta Liga de la Justicia.


Fue importante conocer previamente las historias de estos personajes para entender la importancia de cada uno en esta trama, del mismo modo que será necesario tener una película para Aquaman, Cyborg y Flash, que los coloquen al mismo nivel de los demás integrantes de este grupo. Pero, ¿realmente funciona esta trama? Para el objetivo de la película, sí lo logra, pero a nivel general, parece que solo será un equipo para una ocasión. Principalmente por el hecho de que (SPOILER ALERT) Superman parece ser el único que logrará salvar el planeta de este villano; en pocas palabras, sin Superman, estarían muertos.

A pesar del gran intento que proyecta Wonder Woman por pregonar paz entre todos los personajes, es obvia las energías de superioridad que transmiten casi todos, con excepción de Flash, quien es el más inocente. No es hasta el tercer acto de la película que se nota una química forzada entre ellos, para poder derrotar al villano.

A pesar de que la historia es consistente y todas sus subtramas logran unirse y crear una trama completa y sólida, el guion tiene fallas importantes, con escenas y diálogos totalmente innecesarios, que ya sean estaban ahí para exponer el argumento a través de palabras o para dar chistes un poco forzados.


El desarrollo de los personajes es uno de los puntos fuertes, principalmente en el caso de Flash/Barry Allen, quién se merece una película para sí solo, que lo permita divertirse y crecer más como superhéroe, tal y como otros lo han hecho para ganarse el respeto de la audiencia. Sin embargo, a nivel general, las acciones de los protagonistas fueron opacados por diálogos flojos que provocan una malinterpretación de cada uno. Aquaman no parecía tan parlanchín en los trailers y Cyborg suena muy fuera de este planeta, aunque haya sido casi totalmente reconstruido.

Por otro lado, la atracción serán los efectos especiales, complementados por cortes en slow-motion que permiten tener una mejor visión de lo que sucede en la escena, desde el punto de vista de los personajes. Al igual que el increíble trabajo de fotografía, el diseño de vestuarios (bien cercano a los originales de los comics -con excepción de Aquaman-) y la musicalización creada por el maestro Danny Elfman, que dan esa verdadera atmósfera de acción, suspenso y heroismo.


Las escenas postcréditos son importantes para entender que seguirá en el universo de DC: ¿quién será el próximo villano? ¿será peor que este último? Las pistas son importantes y crean la suficiente incertidumbre para querer volver a ver estos superhéroes.

A pesar de las expectativas generadas por los trailers, Justice League se queda un poco corta y no alcanza las que verdaderamente debió crear, debido a fallos de guion, la escasa química entre los personajes y la carente lógica en muchas de las decisiones que el director tomó para narrar la historia. Es una entrega interesante, pero no lo suficiente para ser comparada con la competencia.


sábado, 11 de noviembre de 2017

Crónicas de California: Quiero escribir para la televisión


Hace unos años atrás, en la época de las primeras semanas de clase en la universidad, los profesores siempre querían saber cuál era el área de interés que cada estudiante tenía con respecto a la carrera. Nunca dije algo diferente a "quiero ser cineasta". Por supuesto, eso fue cambiando con el tiempo, pero nunca me imaginé fuera del mundo del cine. Y quizás eso decepcionó a algunos de mis profesores de televisión, porque insistía que no estaba interesada por este medio, ni siquiera en el área de producción.

Todavía, dos años después de graduarme, mi enfoque estaba en el cine, hasta que inició el "Taller de guión original de Televisión", una de las materias que curso actualmente en NYFA. El objetivo de la asignatura es elegir una serie de televisión de 1hr y otra de media hora de transmisión, y realizar un "Spec", que quiere decir un guión original, en base a una idea que aún no se haya presentado en las series. El programa debe estar al aire, estar en algún canal de televisión (no streaming) y debemos mirar todos o casi todos los episodios, así que no puede tener más de dos temporadas. 

Yo elegí Outcast, un programa que seguro nadie ha escuchado, pero por lo menos ya lo había visto completo, así que era más fácil escribirle un episodio nuevo. Les confieso que al principio fue complicado: sabía que debía escribir algo novedoso que sea interesante para el show, pero no quería salirme de la idea que ya este había creado, que es que los habitantes de Rome, West Virginia, estan siendo poseídos por una comunidad de demonios y un hombre tiene un poder sobrenatural que lo hace capaz de expulsarlos y exorcisarlos (excelente serie, la recomiendo). Hasta que la idea llegó en el momento indicado y comencé a escribirla. Fue fluyendo como muy pocas historias que he escrito; ahora tengo todas las escenas casi desarrolladas y estoy escribiendo el acto 2 (casi a la mitad del guion).  

Escribir para televisión es diferente al cine. El guión está dividido por actos, normalmente son 5 y los dos primeros son los más extensos. Debe tener continuación con el capítulo anterior, aunque no sea una historia serializada. Y el guionista no trabaja solo, sino con una mesa de guionistas y productores que irán añadiendo ideas y notas a cada historia que se vaya a presentar en pantalla: aunque los créditos digan que ese episodio fue escrito por X y Y, en realidad pasó por las manos de todos los demás escritores. Es un trabajo más asegurado que ser guionista de cine, porque se paga por estar en la producción, por el capítulo que escribas y por el rating que tenga ese capítulo. Estos escritores también reciben premios y reconocimientos por los episodios que lleven su nombre, y si la serie se renueva, así también se renueva su contrato. 

También, otro rol bien divertido en la mesa de guionistas de series es el de "asistente de guion", una persona que se encarga de tomar notas de todo lo que se proponga en las reuniones y enviarle a todos los escritores todo lo que se trató en el día y las propuestas que tuvieron más comentarios. Siempre está presente y siempre sabe que va a suceder en los siguientes episodios. Es un trabajo pesado, pero es un área que más tarde otorga la oportunidad de ascender a guionista de la producción.

Hace unos días, el guionista Mike McMahan, asistente de guión de Rick and Morty, visitó la escuela y nos habló de todo lo que ha vivido en ese espacio. A pesar de ser asistente, ha tenido la oportunidad también de escribir episodios para el programa, como Total Rickall y The Rickshank Rickdemption, y de cumplir con el rol de editor de historias de la serie en varios episodios de cada temporada. "Cada episodio es una nueva aventura, y en muchas ocasiones inician con la idea de algo que le pasó a alguno de los guionistas", dijo en la conferencia, donde nos explicó de que a pesar de ser un trabajo con muchas exigencias, pues siempre deben reinventar el programa para no aburrir con la misma monotonía, siempre encuentran la manera de entretener, romper algunas reglas y ser un éxito de televisión.

Mike McMahan (a la derecha), durante el Q&A realizado en New York Film Academy

Escribir para televisión, desde la perspectiva de series, sitcoms o novelas, sería algo interesante que me encantaría explorar. ¿Qué pasaría si les dijera que tengo una idea para un programa en RD? Hace mucho que la televisión local está invadida por programas semanales, revistas de entretenimiento y shows que siempre me pregunto cómo siguen al aire. Por lo que, tener una serie de televisión, que sea originalmente producida en el país, sería algo interesante. Y mi propuesta se acercaría a la realidad que  se vive que muchos no quieren contar. 

Así que, es algo que no descarto y que me gustaría desarrollar, si así también encuentro personas que se unan a esta causa. Pero antes, tengo una pregunta que quizás los más expertos en el área puedan responderme: ¿Sería factible producir una serie de televisión para la audiencia dominicana?

Mientras espero sus respuestas, seguiré con mis historias.

jueves, 9 de noviembre de 2017

Thor: Ragnarok

Thor está encerrado en otro lado del Universo sin su martillo y se encuentra a sí mismo en una carrera en contra del tiempo para volver a Asgard y parar el Ragnarok -la destrucción de su hogar al final de la civilización asgardiana- que se encuentra en manos de una poderosa amenaza, la despiadada Hela. Pero primero debe sobrevivir a una competición letal de gladiadores que le enfrentará a su aliado y compañero de Los Vengadores: el increíble Hulk (Sensacine)



Por tercera ocasión, el Dios del Trueno se enfrenta a una situación de vida o muerte, en este caso en particular, que pone en peligro a la población de Asgard. Según Thor, ya había tenido una serie de sueños donde revelaban la profecía de Ragnarok, que explica que su civilización se arruinaría en llamas si Sutur unía su corona a la eterna llama que existe en la ciudad. Una vez que derrota Sutur, Thor regresa a Asgard y descubre que su padre ha sido envíado a la Tierra y su hermano adoptivo Loki se ha disfrazado de Odín para poder gobernar su pueblo.

Pero al llegar junto a su padre, se enteran de que su hermana Hela planea regresar a vengar su exilio y tomar el trono, destruyendo el famoso martillo de Thor y desviando el camino de los hermanos, quienes cuando eran transportados de regreso a Asgard, fueron atacados por Hela y terminaron aterrizando en Sakaar. Allí Thor tratará de escapar a su líder, participando en una competencia de pelea entre luchadores; uno de ellos, el poderoso Hulk.


Esto es tan solo los primeros 30 minutos de trama de esta película, que ya estaban cargados de mucha tensión y momentos graciosos. Y así fue evolucionando el resto de la película, que se caracterizó por su tono burlesco, mientras transcurrían las mejores escenas de batallas que había visto desde Avengers. 

En esta tercera entrega, los guionistas decidieron volverse locos y dejar que la historia fluyese como no lo había logrado perfectamente las primeras películas de Thor. Quizás por el hecho de que la audiencia ya estaba totalmente empapada de los términos, los personajes, la fantasía y las criaturas, hizo que fuese más fácil digerir todo lo que ocurría y dejarse llevar por la trama, que se entiende y se conecta con el resto de los sucesos que han ocurrido en otros universos de Marvel, pero que se relacionan a estos personajes.


Chris Hemsworth (como siempre) excede las expectativas y otorga una actuación exquisita; sin embargo, en esta historia variaron totalmente su personalidad. En los primeros filmes, vimos a Thor como un personaje más arrogante, impulsivo y reservado; sigue siendo arrogante, pero de una manera más seductora y menos por el hecho de demostrar que es el mejor. Además Thor tuvo muchas escenas de comedia, y casi terminó convirtiéndose en una comedia con acción, que viceversa. Quizás a muchos les guste este detalle, pero a mi me pareció excesivo e innecesario en algunas ocasiones. Lo mismo ocurre con Loki y Hulk, que ambos se han ganado la fama de ser personajes rudos y sombríos, principalmente Hulk; pero ahora se ven más tontos. No obstante, no dejan de ser un punto muy importante para la historia.

Otras importantes apariciones en la película son Doctor Strange, Odín y Heimdall. Y por supuesto Stan Lee.


Sin embargo, la historia crea un buen arco y evolución al personaje de Thor que demuestran: 1) el martillo era solo un accesorio, y es verdaderamente el Dios del trueno, y 2) tiene más voz verdadera de liderazgo y de toma de decisiones, como Odín siempre quiso.

Hela, interpretado por Cate Blanchett, es uno de los personajes más completos que he conocido de Marvel, ya que se entiende perfectamente cuál es su verdadera razón de ser la antagonista, cuál es su pasado y tiene un verdadero deseo de gobernar el trono de Asgard que no es solo por querer liderarlo, sino por "convertirlo nueva vez en lo que alguna vez fue".


La fotografía, la musicalización y el diseño de producción de los escenarios no decepcionan y son uno de los principales atractivos de la trama, junto con el juego de efectos especiales, que ahora más que nunca Marvel ha fortalecido para hacerlos más creíbles. Y sí que me los creí. Una de las mejores escenas es, sin duda, la batalla entre Hulk y Thor en Sakaar.

Thor Ragnarok es, sin duda, la mejor película de la trilogía de este personaje, y una de las más entretenidas que ha creado este universo de superhéroes, gracias a que no dejan ningún detalle abandonado y se guían de lo que ya nos han contado, pero con más humor, nuevos personajes interesantes y un futuro comprometedor por delante.