jueves, 28 de junio de 2018

Jurassic World: Fallen Kingdom

Una erupción volcánica amenaza a los dinosaurios restantes en la Isla Nublar, donde las criaturas han vagado libremente durante años tras de la desaparición del parque temático "Jurassic World". Claire Dearing, ex gerente del parque, ahora fundó el Grupo de Protección de Dinosaurios, una organización dedicada a intentar preservarlos. Cuando a Claire le ofrecen la oportunidad de rescatar algunos ejemplares de la isla, acude a Owen Grady, el ex entrenador de dinosaurios que trabajó en el parque, para que la ayude a evitar la extinción de los dinosaurios... Secuela de "Jurassic World". (FILMAFFINITY)



¿Qué pasó con la regla de "la gente mala es la que muere de manera cruel en las películas de aventuras"? Y si no es una regla oficial, es la que Jurassic Park (1995) nos dejó. Esa deshumanización por matar todo el que esté en el camino es lo que decepciona de muchas franquicias de aventura, y lamentablemente Jurassic World: Fallen Kingdom entra en ese grupo.

La historia inicia con la interrogante de si deberían salvar o no a los dinosaurios de la Isla Nublar. A pesar de ser un experimento científico, ya son parte de la humanidad otra vez y sería injusto dejarlos que se mueran (como hace millones de años también murieron). Así que otra vez trasladan a la audiencia a la Isla Nublar, no con la intención de que opaque toda la película, pero sí con demostrar cómo es que realmente salvarán a los dinosaurios y cuáles son las amenazas de este plan.


Sí, hay muchos dinosaurios. Sí, los efectos son geniales, y la fotografía es bestial, y la música te traslada a esa primera película de Jurassic Park cuando por primera vez vimos dinosaurios en la pantalla grande y en live action... pero ¿valió la pena hacer esta película? ¿Valió la pena la idea de querer mezclar los dinosaurios con la raza humana y que ahora los humanos sean los que tengan que adaptarse/sobrevivir con estas criaturas?

El mayor problema lo tiene el guión, y no solo en cuanto a las situaciones ilógicas que fue desencadenando, sino también a los diálogos tan "de telenovela" que tuvieron estos personajes. Confundieron géneros, tratando de agregar comedia a lo que sucedía, lo cual no es el género clásico que tiene Jurassic Park. Que nadie me quiera convencer de que una persona puede sobrevivir estando a centimetros de la lava, o que se enconderá en su cama de un dinosaurio...


Los nuevos personajes, incluyendo los malos son muy obvios: ya desde el principio se sabe que terminarán diciendo "muajaja"; y los buenos, eran muy cliché, pues no solo se sorprendían por igual al ver un dinosaurio, sino también que se dedicaban a carreras (como veterinaria de dinosaurios) sin siquiera haber visto un dinosaurio en toda su vida... ¡¿en qué estaban pensando los guionistas?! Y no hablemos de las decisiones que tomaron: ilógicas e insensibles en cada minuto que pasaba.

Es verdad que Bayona es un director impecable, pero esta no es su mejor película, y en realidad no es su culpa, porque el trabajo de dirección, más el montaje y el diseño de producción, son aspectos que hay que resaltar, PERO cuando un guión no es bueno, daña toda la película.

Los dinosaurios son en realidad la parte más entretenida y dramática: Blue y su personalidad enamora a cualquiera; el nuevo dinosaurio y su ingenio es lo más creativo; la escena cuando muestran el Diplodocus que queda en la isla abandonado es tán dramática y triste.


Además, hay algunos twists de la historia que no hunden por completo la película, (SPOILER ALERT: La niña también es una creación científica).

Si usted está pensando ir a ver Jurassic World por los dinosaurios: adelante, y aproveche el 4D. Pero no vaya pensando de que será el magnífico TBT de la versión original de Steven Spielberg. No deja ni frío ni calor, más bien una sensación de pérdida de tiempo.

Y todavía me molesta la frase final de "Welcome to Jurassic World"...


Jurassic World: Fallen Kingdom
Título en español: Jurassic World, El reino caído

Ficha técnica

Dirección: J. A. Bayona
Producción: Belén Atienza, Frank Marshall y Patrick Crowley
Guion: Colin Trevorrow y Derek Connolly
Basada en Personajes de Michael Crichton
Música: Michael Giacchino (Temas de Jurassic Park compuestos por John Williams)
Fotografía: Óscar Faura
Montaje: Bernat Vilaplana
Reparto: Chris Pratt, Jeff Goldblum, Bryce Dallas Howard, B. D. Wong, Toby Jones, Ángel Peraza, Francisco Guardia, Rafe Spall, Justice Smith, Daniella Pineda, Ted Levine, Geraldine Chaplin, James Cromwell, Ivan Altamirano

Veneno, 1ra. Caída: El Relámpago de Jack

El joven reportero Luca Diana se ve forzado a entrevistar a Jack Veneno, una figura muy importante de la lucha libre dominicana de antaño. Durante la entrevista, se narra el inicio en el deporte de Rafael Sánchez y Jose Manuel Guzmán, unos jóvenes oriundos de las ciudades San José de Ocoa y San Cristóbal, quienes desde los 12 años se apasionan por la lucha libre internacional.



Mediados de los años 50. Epoca de Trujillo. Mientras la población vivía en un completo terror por la tiranía, dos niños soñaban a ser peleadores de la lucha libre. Rafael y José Manuel vivían sus propias batallas y disfrutaban sus victorias: se llamaban Mano Izquierda y Mano Derecha. Pero sus caminos se dividieron durante la época de Balaguer, cuando Rafael se va a Estados Unidos y José Manuel se muda a la ciudad con su padre. Los años pasan y cada uno crece con una mentalidad distinta: Rafael no ha peleado en 3 años, y José Manuel vive en revueltas de la universidad. Las peleas vuelven a ser parte de su vida, en diferentes maneras: necesidades económicas y supervivencia. Rafael se convierte en Jack Veneno, y José Manuel se hace llamar Relampago Hernández... y para seguir conociendo más, hay que esperar al 2020.

Tabaré Blanchard vuelve a la pantalla grande con la historia del famoso peleador de lucha libre, Jack Veneno, desde sus años de infancia, su relación con su madre y su amistad con José Manuel, pero sobretodo cómo desde muy joven sabía que la lucha libre sería parte importante de su vida. La historia es narrada por un Jack envejecido que le cuenta su vida a un reportero de farándulas. Esto hace que la trama tenga esa personalización y cercanía con el público, además de estar muy bien adecuada a su tiempo, en cuanto a su lenguaje y uso de términos. 


La película demuestra los años de investigación que sus productores hicieron antes de concebir la historia: desde el diseño de producción de la época hasta la música, los elementos de la historia, la selección de locaciones y elección de subtramas. No solo se trató de contar la historia real, sino de que esta se acercara lo más posible a lo que realmente sucedió, en su esencia y en su estilo.

Además de hacerle honor a la figura de Jack Veneno, la película hace un interesante reconocimiento de la cultura dominicana, sobretodo en los aspectos de la época, que no buscaban dejar desapercibidos las situaciones políticas de esos tiempos, pero tampoco quisieron hacerle mucho énfasis que opacara la historia de Veneno. Con sutileza y humor, le entregan a la audiencia una prueba de las dificultades de los personajes y las decisiones que tenían que tomar para poder seguir adelante. También se presenta la diferencia entre vivir en el campo, mudarse a la ciudad y/o irse a los Estados Unidos en busca de una mejor vida. 


Es necesario resaltar las actuaciones de esta película, que hace honor a cada uno de sus personajes, tanto en sus actitudes como en su estilo y en sus acciones. Manny Cruz, Pepe Sierra y Ovandy Camilo se roban toda la fama con la personalidad que entregaron en cada una de sus líneas y momentos, además del parecido tan cercano a los personajes reales.

La música es otro elemento que lleva a cualquiera a sus raices. A pesar de no haber utilizado temas de la época, aún así la película se maneja con un estilo musical no solo cercano a la cultura dominicana, sino también a las ideologías religiosas de la zona donde crecieron los protagonistas.


Al campeón de la bolita del mundo lo traen a la pantalla grande con mucho honor y peso, donde esta entrega es solo la primera de la trilogía que Tabaré ha planeado, pues una sola película no es suficiente para contar la historia de Jack Veneno. Ya después de esta primera parte, las siguientes serán aún mejor en elementos que quizás no pudieron acentuar completamente ahora, pero que tienen la oportunidad de ser aún mejor. 

Esta es quizás una de las mejores películas dominicanas que se han presentado en este año, y que vale la pena presentar fuera de nuestro país.


Veneno, 1ra Caída: El Relámpago de Jack

Ficha técnica

Dirección: Tabaré Blanchard
Producción: Riccardo Bardellino, Fernando Rivas y Freddy Vargas
Guión: Riccardo Bardellino, Tabaré Blanchard, Miguel Yarull y Marien Zagarella
Música: Luichy Guzmán
Fotografía: Sebastian Cabrera Chelin
Montaje: Tabaré Blanchard
Reparto: Manny Perez, Richard Douglas, Mario Nunez, Erick Hsu, Jaime Pina, Pepe Sierra, Yamile Scheker, Xiomara Rodríguez, Ovandy Camilo Ovandy Camilo, Riccardo Bardellino

sábado, 23 de junio de 2018

Crónicas de California: AT&T, Warner y yo


Dependiendo del ritmo en que la tecnología vaya actualizándose, a ese mismo ritmo la industria del cine tiene que ir evolucionando. Ya estamos casi en la época de que el 4D no será suficiente y se deberá crear una plataforma aún más interactiva, pero a la vez con una distribución asequible para todo público.

Shape AT&T es un evento inmersivo que explora la convergencia entre las nuevas tecnologías y el mundo del entretenimiento. Cada año, AT&T junto a otras compañías se reúnen para presentar a la audiencia las tecnologías que están innovando la forma de hacer cine. Este año, a mi me tocó ser voluntaria en el evento, nada más y nada menos que en la casa de uno de mis vecinos favoritos: Warner Bros Studios.


¿Se imaginan lo que es caminar casi todos los días alrededor de los estudios de Warner Bros? Pasar por el lado de sus edificios y ver hacia el interior de sus oficinas (porque las cortinas siempre están abiertas y yo soy demasiado curiosa); notar los distintos roles, el ajetreo diario, el trabajo sin horario fijo... dan unas ganas de simplemente estar allí; por eso trabajar un fin de semana allí (aunque no fuese en una producción) era suficiente para mi. ¡Además! era un fin de semana con la libertad de andar libre por el lote.

Se los confesaré desde el principio: no soy una persona que se emociona mucho con las nuevas tecnologías. Al level que todavía no tolero mucho el 3D, y ni hablemos del 4D. Pero la oferta de ser parte del staff de NYFA era muy tentativa. Lo que les describiré a continuación fue mi rutina de trabajo durante dos días, pero también es parte del programa de Animación y Diseño de Video Juegos del New York Film Academy:


En la mañana llegaba al stand de Motion Capture y trabajaba colocando los trajes a todos los visitantes, que en tan solo dos o tres horas podían llegar a ser más de 50 personas, poniendo y quitando cada parte del traje de cuerpo completo. El Motion Capture es una tecnología utilizada para crear personajes digitales. El actor o doble se coloca el traje y una vez conectado a la computadora, el personaje animado se mueve tal cual como la persona en vida real. Estos son los trajes que utilizan casi todos los actores de películas de acción, como Ironman, Spiderman, Hulk, y demás.


Antes del mediodía, hacía una parada técnica por el stand de Live Twitch Broadcast, un streaming en vivo en el que el jugador va pasando los distintos mundos de un videojuego en línea frente a otros jugadores que están conectados al juego (solo como audiencia) y el jugador principal va narrando la historia. Es perfecto para futuros creadores de videojuegos o multijuegos online, pues le da un toque más personalizado, y se dan cuenta cual es el mejor estilo y ritmo de narración.


Ya después de almorzar cerca de Patsy's Pies (TBT de Shameless) y ver los demás stands de Samsung, AT&T y RED, me daba un paseo por el stand de Life Facial Capture, un agregado del Motion Capture, pero en este caso enfocado en los gestos faciales de las personas que se colocaban frente a la cámara y le daban vida a un personaje digital; con esta tecnología hacen las películas "live action" como The Jungle's Book, Planet of the Apes, Beauty and the Beast, y otras.

Así mismo habia otro stand muy similar en el que un robot copiaba los gestos faciales de la persona que se colocara frente a la cámara. Esto es más utilizado para películas que no utilizan CGI para recrear personajes, sino que utilizan robots... duh.


Y justo antes de terminar la tarde, iba hacia el stand de Visual Effects, donde gracias a la pantalla verde, unos trajes extravagantes y el maravilloso Adobe After Effects, todos los invitados podían crear sus propias minihistorias de ciencia ficción e interpretar criaturas fantásticas, ya sea un viaje por el centro de la Tierra o peleando contra un gigantesco gorilla en medio de Los Angeles (para no hacerlo tan cliché con NYC).

Lo mejor del Shape AT&T es que además de que uno experimentaba con nuevas técnologías como realidad virtual, CGI y Drones, y conocía las grandes marcas involucradas en la parte técnica de películas de fantasía, ciencia ficción y acción, también uno participa en paneles y charlas con expertos, y productores de cine y televisión que utilizan estas tecnologías a diario.


Yo creo que, independientemente del área en que estés aprendiendo cine, es importante asistir a este tipo de eventos, porque así uno también se va actualizando y va conociendo lo que se está utilizando y lo que ya pasó de moda.

Para conocer más sobre Shape y las exhibiciones, HAZ CLICK AQUI

viernes, 22 de junio de 2018

American Animals

Cuatro hombres jóvenes creen que su vida es una película en un intento de robo de los más atrevidos de Estados Unidos. (FILMAFFINITY)



Con tantas historias sobre robos y asaltos maestros, cualquier persona cree tener la posibilidad de hacer uno por sí solo... Pero hasta en las películas más populares explican que "eso no es un cachú". Así que si estás pensando robar un banco o la librería con un libro extremadamente costoso, será mejor que ese plan te lleve 5 años, 8 meses y 12 días, como el de Debbie Ocean.

En 2004, Spencer Reinhard era estudiante de arte en la universidad de Transylvania (Kentucky), y mientras andaba por la famosa biblioteca de la universidad, se encontró con un libro que le robó la atención: el libro ilustrado The Birds of America de John Audubon, el cual está valorado en aproximadamente 10 millones de dólares. Spencer le comentó (en forma de broma) a su amigo de infancia, Warren Lipka, que deberían robar el libro. Allí Warren comienza a construir el plan, en que dos amigos más, Chas Allen y Eric Borsuk, se unen al equipo para poder llevar en ejecución el "plan perfecto". Lo que no se imaginaban es que, por más que lo planificaran, siempre había algo que se  podría salir de las manos.


American Animals está narrada en estilo documental, donde los personajes reales del robo van dando su versión, mientras que Evan Peters, Barry Keoghan, Blake Jenner y Jared Abrahamson le dan vida a los sucesos que fueron desencadenando al atraco. A pesar del obvio guion que había detrás de los reales Spencer, Warren, Chas y Eric, fue un elemento necesario para mantener un mismo estilo y tono en cada una de sus voces. La seriedad del asunto era obvia, pero los pequeños detalles en sus narraciones y los momentos de los actores interpretándolos le sacan una comedia orgánica a la historia.

No obstante, el estilo documental puede ser confuso en más de una ocasión, porque rompe con el hilo narrativo de las acciones de los personajes y transportan a la audiencia a la narración de los personajes reales. Sí, es muy interesante escucharlos desde su propia voz y con su propio punto de vista, pero si solo hubiese sido algo que hubiesen puesto al principio o al final, hubiese sido mucho más coherente.



Un aspecto interesante es la personalidad de cada personaje y cómo se vio retratado en su participación en el plan, pero a la vez como encarnaron la actitud de los verdaderos involucrados, sobretodo Evan Peters, quien siempre se ha destacado por empujar aún más su rol para darle ese tono comico pero a la vez preocupante. 

La fotografía es la mejor parte de la historia, pues se encarga de retratar cada detalle y cómo influye en el tono de la historia: es muy específica de la historia, ayuda a no perder el hilo de la trama, aun cuando se hacen los cortes de las entrevistas. 

El plan en sí parecía perfecto, pero el desenlace es la parte más interesante, pues nadie está esperando que vaya a ocurrir así. A pesar de algunas confusiones creadas por la manera que está narrada la historia, es una película considerable, sobretodo por los personajes que desarrolla y las locuras del "plan maestro".


Incredibles 2

Secuela de "Los increíbles". Helen tiene que liderar una campaña para que los superhéroes regresen, mientras Bob vive su vida "normal" con Violet, Dash y el bebé Jack-Jack —cuyos superpoderes descubriremos—. Su misión se va a pique cuando aparece un nuevo villano con un brillante plan que lo amenaza todo. Pero los Parr no se amedrentarán y menos teniendo a Frozone de su parte. (FILMAFFINITY)



14 años han pasado desde que la familia Parr se apareció en nuestras pantallas. No obstante, siguen tal cual donde las dejamos. Mr. Increible quiere ser un superhéroe "legal", Helen solo quiere lo mejor para sus hijos, y los chicos siguen estando bajo el ala de su madre, a pesar de que esto no les gusta. Pero cuando Winston Deavor, un fanático de los superhéroes, se aparece en sus vidas, la rutina de la familia cambia drásticamente. Winston junto a su hermana Evelyn, una tech-nerd, proponen a Mr. Increible, Elastigirl y Frozone utilizarlos como demostración de actos heroícos para que así los superhéroes puedan salvar vidas de manera legal otra vez.

Elastigirl resulta seleccionada para la primera fase, ya que es la menos destructiva del grupo. Esto incomoda a Mr. Increible (ya que a él le encanta brillar más que al resto), quien ahora tendrá que quedarse cuidando a los niños mientras Elastigirl salva algunas vidas. Todo comienza a salirse de control para ambos supers quienes solo tienen una opción para poder vencer al villano: luchar con toda la familia.


Incredibles 2 no decepciona las expectativas que creó: muy por el contrario, superó cualquier incógnita que dejaron los trailers. Es una película que toma sus mejores aspectos y los destaca al máximo sin resultar una exageración.

Lo principal que hay que destacarle son sus personajes, que a pesar de que sus principales ya los conocíamos, no se deja de aprender cosas nuevas sobre ellos: desde la personalidad de líder de Elastigirl (quien aparentemente era siempre opacada por Mr. Increible) hasta la ignorancia de Mr. Increíble sobre las dificultades de ser "ama de casa". El mejor atractivo de la historia es cómo los papeles se cambian, y cómo ningún rol tiene un género/sexo en específico (desde atender a los niños, hasta salvar el mundo). Así mismo, los niños se ganan su propia trama, sobretodo Jack Jack, quien se robará el corazón de muchos con sus superpoderes y su encanto natural.


El resto de los superhéroes que se agregan al cast tienen superpoderes increíblemente únicos, y esto hay que resaltarlo, pues estamos en una era en que los superhéroes han sobrepoblado el cine; encontrar personajes que tienen roles/poderes distintos y/o especiales es bastante trabajo.

Otro aspecto a destacar es que, a pesar de que la historia parece desarrollarse en los años 70/80 (digo esto por la vestimenta, los vehículos que se utilizan, el estilo de los superhéroes), el antagonista de la historia toca un tema muy actual, sobre el dominio de la masa a través de las nuevas tecnologías. Es algo que sirve de moraleja para toda la audiencia, dándole un toque realista con humor limitado.


Y hablando de humor... ¡que película más divertida! Desde las ocurrencias de Jack Jack hasta el trabajo de los superhéroes secundarios, que se encargaron de bajarle el tono serio y recordarnos que es una película para reírse con ellos.

Por otro lado, es muy notorio el trabajo de producción que tuvo esta historia, desde la selección de colores para describir el tipo de superhéroe, hasta la fotografía animada bien específica para darle un efecto tridimensional a estas animaciones. Y no podemos dejar de mencionar esa música tan específica que sin duda da ese tono de una película de acción con héroes reales y sinceros. Los 14 años no fueron en vano.

Los Increíbles 2 es una película para toda la familia que nos traslada al 2004 cuando la familia Parr era una simple familia de héroes ocultos, donde no solo se trata de querer salvar vidas, sino de querer ser ellos mismos ante la sociedad y ante los suyos.


sábado, 16 de junio de 2018

Crónicas de California: Grabando en el lote de Universal Studios


Las dos partes más difíciles de un cortometraje es la escritura del guión y el rodaje. El guión, porque debes escribir una historia con principio, medio y final en pocas páginas (si es posible, en menos de 10 páginas) y el rodaje, porque a menos que sea una producción de alto presupuesto, lo cual casi nunca es cuando se trata de un cortometraje, tienes mucho menos tiempo para grabar, por lo que debes aprovechar el tiempo y el ambiente.

En el cuatrimestre pasado tuve la oportunidad de volver a producir un cortometraje: en esta ocasión era el proyecto final para una asignatura de la maestría y había más libertad en la temática y la duración, pero aún así quería estar sujeta a poco tiempo y una temática social.

El tema que escogí fue la torpeza social (mejor conocido como Socially Awkward), que es cuando una persona no es capaz de socializar con otras personas de manera libre, ya sea por timidez, o su actitud ante la vida y la sociedad. La historia es retratada desde el punto de vista de una chica que se enamora de la repartidora del correo. A pesar de que no deja de mirarla, la chica nunca dice nada, y un día encuentra la manera perfecta de acercársele: a través de una carta. Pero, ¿la repartidora del correo le responderá de la misma manera? ¿o será aún más socialmente torpe que nuestra protagonista?


Ahora... ¿dónde iba a rodar este cortometraje, que solo requería una puerta y un porche? ¡Que mejor lugar que los Estudios Universal! Oh no... no bromeo.

La universidad tiene un acuerdo con Universal para que todos los semestres los estudiantes vayan y tengan la experiencia de trabajar por unas horas en un lote de cine real. Para los que no saben lo que es un lote o backlot, es la parte del estudio donde hay edificaciones de exterior de distintos estilos. El backlot de Universal está ambientado en cuatro estilos: New York, Europa, Western y Colonial. Para mi buena suerte nos tocó el europeo, así que encontré el porche perfecto para mis escenas.

La experiencia fue buenísima (durante mi rodaje, particularmente). Como no tenía diálogos, no estaba estresada por la bulla alrededor, y solo me concentré en mis actores y lo que hacían. En tan solo 1 hora y media, pude lograr lo que mi guión de 2 páginas prometía: un cortometraje completo.

Ya después tuve que trabajar como DP (Directora de fotografía) de otros cortos, y tuve mis problemitas, pero nada que no se pueda resolver con un buen boche :)

Hay tres cosas que me llevo de esta experiencia:

1. A estos lugares hay que ir organizado. Siempre saber que vas a filmar, en qué momento del tiempo asignado y con que ángulos de cámara, y tener un guión técnico/shotlist en el orden que se va a filmar.
2. Es más fácil grabar si se escriben escenas que no requieran muchos cambios de escenografía, porque eso es menos tiempo invertido para el equipo de cámara, y para los actores.
3. Hay que respetar los otros rodajes que ocurran en ese momento. Como dije, no tenía diálogos en mis escenas, pero habían otros rodajes que sí tenían diálogos y era muy molesto cuando todos gritaban o hablaban al mismo tiempo, porque es un ruido que tu micrófono no va a evitar. Habían más de 20 grupos de la universidad grabando ese día; sería una locura mezclarnos con personas de la industría o del estudio grabando series o películas.

Ahora... si alguna vez vuelvo al backlot, espero que sea con más tiempo y con más privacidad, porque no se los voy a negar: ¡fue una locura!

Aquí les dejo mi cortometraje: Socially Awkward.

jueves, 14 de junio de 2018

Hereditary

Cosas extrañas comienzan a suceder en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja a su hija Annie en herencia su casa. Annie Graham, una galerista casada y con dos hijos, no tuvo una infancia demasiado feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacer que pase página. Pero todo se complica cuando comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hijo. (FILMAFFINITY)



ATENCION: Este post está repleto de Spoilers.

El terror es subjetivo. No solo actua de diferentes maneras en cada persona, sino también que se expresa en diferentes estilos, además del jump scare. En el caso de Hereditary, el terror inicia como una experiencia psicológica, y termina siendo sobrenatural.

La historia comienza con el funeral de Ellen, la madre de Annie. Como es la única hija con vida de Ellen, Annie debe dar unas palabras durante el funeral; no obstante, ella se muestra hostil, casi como si la muerte de su madre no le hubiese afectado tanto. Más tarde, en un grupo de apoyo, ella revela que su madre sufría de demencia, y que toda su familia tiene un historial de enfermedades mentales, incluyéndose a sí misma, y su hermano quien sufría de esquizofrenía y se suicidó cuando tenía 16 años. Además de Annie, la trama sigue a Peter, el hijo mayor de ella, quien fue un hijo no deseado, y Charlie, la hija menor quien tiene una condición física, pero a la vez tiene un comportamiento muy aislado y sospechoso.

Cuando Peter es obligado a llevar a Charlie a una fiesta, su hermana comienza a tener una reacción alérgica y deben correr a casa. Pero en el camino tienen un accidente, donde Charlie muere. Después de ese momento, Annie comienza a retratar sus emociones en su oficio como artista de modelos a escala. A su vez, en busca de encontrar ayuda a la muerte de su hija, comienza una amistad con una señora que le sugiere contactar el alma de su hija. A partir de allí, la familia experimenta distintos momentos sobrenaturales en que tanto Charlie como Ellen aparecerán para guiarlos hacia un culto que ya era parte de la familia, desde hace varias generaciones.


Hereditary fue una película que el trailer prometía "terror a cada instante". No obstante, su principal debilidad radica allí. La primera hora de la película es muy lenta y no termina de desarrollar cuál es la historia que va a contar: si la misteriosa vida de la madre de Annie, o si el luto de Annie tras perder a su hija en los primeros 30 minutos de la historia. Al no tener una trama en específico, los personajes simplemente están allí, viviendo el día a día y viviendo momentos terroríficos en algunas ocasiones.

Ya después de la primera hora, la película comienza a tomar forma, y establece la idea de que, lo que parecía una enfermedad mental hereditaria, es en realidad un culto demoníaco en el que participaba cada integrante de la familia, con excepción de los que no tienen lazos sanguíneos (como el esposo de Annie). Tras la muerte de Charlie, se explica mejor que su muerte es parte de un sacrificio a un culto demoníaco, en el que la abuela Ellen era la matriarca y en el que se invocaba un demonio llamado Paimon. Según la trama, Paimon debe poseer un cuerpo masculino, y por eso la abuela deseaba que Charlie fuese hombre. Al Peter ser el responsable de su muerte, él está en una posición vulnerable en la que el demonio tiene la facilidad de poseerlo, quien una vez está en el cuerpo de una persona, tiene un tic con la boca (similar al que Charlie hace durante toda la película... así es, ella estaba poseída).


Es interesante como utilizaron las referencias de la biblia, en contraste a las ideologías demoníacas y cómo mostraban una con la otra, desde un punto de vista psicológico. Ahora... esto es demasiada información para digerir en tan solo una hora de la película, por lo que la distribución de la historia, y sobretodo de las escenas terroríficas, no tienen una estructura óptima.

Para más información/explicación sobre el final de Hereditary, accede a este video.

Hay que reconocer que los personajes son muy distintivos de su género, sobretodo los personajes femeninos: Annie, quien es la causante principal de los últimos jump scares de la película; Charlie, que con su personalidad misteriosa, su fisicalidad y su tic es capaz de aterrorizar con facilidad durante toda la película, y Ellen, quien a pesar de solo aparecer en pocas escenas, sus aparicionas fantasmales pueden dejar a cualquiera con los pelos de punta. Es muy interesante el background que el guionista creó para cada uno de los personajes y cómo le dio sentido a las enfermedades mentales con la manipulación demoniaca.


Del mismo modo, la escenografía y fotografía está diseñada como si se hubiese grabado en uno de los modelos a escala de Annie, haciendo referencia a la manipulación y posesión demoniaca, a parte que fueron elementos claves para las escenas más terroríficas de la película.

Es un terror distinto. Tiene momentos muy tranquilos, que casi uno olvida que está viendo una película de terror, pero cuando vuelve el horror, es para dejar a cualquiera agarrándose del sillón y preguntándose una y otra vez "¿qué acaba de pasar?".



Ocean's 8

Debbie, hermana de Danny Ocean, decide cometer el atraco del siglo en la gala Met anual que se celebra en Nueva York, reuniendo el equipo criminal perfecto. (FILMAFFINITY)



Cuando una película que normalmente está protagonizada por hombres, se rediseña para mujeres, normalmente suceden dos situaciones: los hombres le cojen odio porque no es lo que a ellos le gusta ver, y consiguen una buena audiencia femenina que apoya la nueva historia y sus protagonistas. Ocean's 8 es víctima de este paradigma.

Ocean's 8 es la última película de la franquicia Ocean's, en esta ocasión reuniendo a la hermana de Danny Ocean, Debbie (Sandra Bullock), quien acaba de salir de la carcel, y decide llevar en ejecución un plan que parece tener un largo tiempo pensándolo (5 años, 8 meses y 12 días): robar joyas exclusivas durante el MET Gala. Debbie se reune con su amiga Lou (Cate Blanchett), para que le ayude a llevarlo en marcha. Juntas, van reclutando otras mujeres que, por necesidad y experiencia, serán parte importante del plan. Desde una diseñadora de joyas, hasta una hacker profesional. El principal requerimiento es que deben ser mujeres.


En su primera secuencia, esta película tiene una estructura muy similar a la primera película de Ocean's, pero ya desde una perspectiva femenina y con intenciones de venganza. De modo que no es la misma esencia que la franquicia estableció: con una tonalidad más sarcástica y fashionista, su historia tiene una temática que mezcla la profesionalidad del robo con el deseo de vengar un evento del pasado. A diferencia de Ocean's 11, tiene un conflicto mucho más poderoso y más real, en el que nadie está esperando que el plan falle. Quizás sí hubo ausensia de obstáculos para las protagonistas, pero la idea no era que las viéramos fallar, sino ver como ejecutaban ese plan con elegancia y estilo.

El mejor aspecto de la película son los personajes, donde cada uno cumple con su plan a la perfección: se reconoce cual es su objetivo físico, pero también cuál es su objetivo y necesidad emocional; que no solo se trata de conseguir el dinero, sino también mejorar su vida personal y profesional. Cada uno de los personajes está muy bien enfocado, con características que lo identifican con facilidad, y los diferencian del resto. Esto aplica exclusivamente para las ladronas, pero también se nota en el resto de los personajes que fueron complementando la trama. Mi personaje favorito fue el de Rihanna, pues tiene una personalidad y una actitud tan distintiva que se cree.


Del mismo modo, la película carga con una lista extensa de celebridades que son reconocidas por su presencia en el MET Gala, como las Kardashian, las modelos de Victoria Secret, deportistas, otros actores y demás, que sirven de rostro en esta secuencia de la película, agregándole aún más exclusividad y realismo al momento en que sucede el robo.

No se puede dejar de mencionar los twists del guión, pues aunque muchos esperaban los momentos en que el plan fallara, los guionistas Olivia Milch y Gary Ross se encargaron constantemente en demostrar por qué no podía fallar, sorprendiendo con cada situación y con el siguiente paso después de un suceso. Esta no era una película solo para sentir miedo por ellas, sino también para demostrar que sí se puede tener el plan perfecto.

Otro aspecto a destacar es el diseño de vestuario, pues Sarah Edwards diseño cada detalle del vestuario con el objetivo de que se retratara la personalidad del personaje, pero a la vez, con una visión de gala y de pasarela. Este elemento le agrega elegancia y estética a cada escena y cada acción de las protagonistas.


Por otro lado, el montaje de esta película tiene un estilo muy particular, pues complementado con la fotografía y la musicalización, va trasladando las acciones de una manera entretenida, en donde acelera las secuencias y le da aún más movimiento a las escenas aunque sean estáticas.

Quizás no será para todo el mundo, pero a mí me gusto Ocean's 8. Es una película que empodera y motiva a querer lograr cualquier objetivo, sin importar cuanto tiempo te tome o cuan difícil sea. La exquisitez de sus vestuarios y las acciones de sus personajes, junto con el elenco que se gastó, son sus principales atractivos, que con gran facilidad se roban la franquicia completa.

Pero imagino que no soy la única que se quedó esperando a George Clooney...



domingo, 10 de junio de 2018

5 temas que el Cine Dominicano debería explotar


A ley de una semana de comenzar a trabajar en mi tesis de maestría y lo único que pienso es ¿qué voy a escribir ahora? No lo digo porque no tenga nada en mente, sino porque tengo demasiadas ideas en mi cabeza y normalmente todas se relacionan a RD.

Aquí les encantan que les hable de cosas que solo se dan en mi país porque, de este lado del mundo, les parece exótico e interesante. Y si aquí en Los Angeles tiene importancia, allá debería ser lo primordial. Por eso hoy he seleccionado cinco temas que (para mi) deberían explotarse en el cine dominicano, sobretodo a la hora de querer producir películas para enviar a los festivales y/o academias de cine:

1. Prejuicios sociales: se lo encontrarán extraño que comience con este tema, pero en los prejuicios encontramos muchos aspectos culturales. Desde la tradición de seguir la iglesia católica porque es la principal religión de esta sociedad, hasta la edad en la que se supone debes casarte y/o tener hijos. La cultura dominicana está llena de prejuicios que crean, no solo presión social, sino también una visión de la mentalidad de la sociedad. Por buenos o malos que sean, se pueden encontrar muchas historias y situaciones para películas locales. Un buen ejemplo puede ser la selección de oficios o carreras dependiendo de tu género.

2. Baseball dominicano: no recuerdo el momento exacto en el que el baseball comenzó a ser parte de mi vida. Y esto le pasa a casi todos los dominicanos: se vuelve parte de ti desde que naces. No solo en el hecho de seguir un equipo en particular, sino también en entender el deporte y lo que hace a un determinado jugador el mejor en esto o aquello. Esto es razón suficiente para encontrar historias allí: biopics de jugadores de baseball dominicano que han llegado lejos, o la cultura del baseball (desde octubre hasta febrero) en la isla. Por lo menos yo estoy muy interesada en este tema.

3. Situaciones del día a día: Aquí quiero hacer énfasis en los sucesos que pasan y son publicados en los periódicos o redes sociales. Desde situaciones relacionadas a la política hasta trending news que surgen en las redes y toman popularidad a nivel nacional, por ejemplo: la boda del pueblo, la muerte de Massiel, o las huelgas de la UASD. En la mayoría de las veces, las mejores películas de Hollywood surgen de eventualidades de un día, pues presentan como reacciona una determinada comunidad (y a veces, hasta el país) a un hecho en específico.

4. Cocina dominicana: que NADIE me diga que no se puede hacer películas sobre esto. Porque no estoy hablando de que solo se muestre la comida que se hace en RD, sino al arte culinario en el país, y como cada persona y comunidad tiene gustos y tradiciones distintas. Algunos ejemplos famosos en los que la comida juega un papel importante son "Eat, Pray, Love", "Julie & Julia" y "Ratatouille". Se que dirán "pero esas películas tratan sobre personas amantes de la comida"... ¿Y el dominicano no ama la comida? Encuentren una historia que se relacione a la comida dominicana y créanme que encontrarán audiencia y MUCHOS patrocinadores.

5. Figuras políticas y sociales: no sé por qué cada vez que quieren hacer una película sobre personajes de la historia dominicana, siempre terminan eligiendo a Trujillo, con tantas figuras que fueron significativas o inolvidables (en el buen y mal sentido). La historia dominicana es tan interesante como la de otros países, sobretodo por la cantidad de personas con momentum. Nadie ha hecho una película sobre Juan Bosch o Salomé Ureña; y si lo que quieren es hablar de dictadores, también estuvo Pedro Santana, Ramón Cáceres y Ulises Heureaux (que tuvo una película ya... pero se puede hacer una mejor).

Una de las ventajas de estar en New York Film Academy es que el guionista se convierte en una maquina de ideas, donde además de escribir varios guiones en dos años, se trabaja en otros tratamientos o historias. A mi me gusta escribir de cosas que se relacionen a mi cultura. Y no hay excusas para no hacerlo: RD tiene muchas en gran cantidades.


jueves, 7 de junio de 2018

Adrift

Basada en una historia real, narra cómo la pareja formada por los jóvenes Tami Oldham (Shailene Woodley) y su novio Richard (Sam Claflin) se hace a la mar en su velero, pero en medio del océano se ven sorprendidos por una de las mayores tormentas jamás registradas. (FILMAFFINITY)



Las películas sobre supervivencia SIEMPRE serán buenas, porque te hacen cuestionarte si tú podrías lograrlo, si te vieras en una situación similar, y creánme cuando lo digo: si estuviese en esa situación, no creo que pueda sobrevivir 41 días en la deriva/jungla/montaña/nevada.

Adrift comienza como la historia de Tami y Richard, después de que su velero termina gravemente  en ruinas tras haber tratado de atravesar un huracán y ser embestido una gigantesca ola. Pero mientras va narrando su situación, la película también muestra cómo se conocieron en Tahiti y cómo, después de unos meses, comenzaron a planificar viajar por el mundo en el velero, hasta que a Richard le ofrecen el trabajo de transportar otro velero a las costas de San Diego. Al ser una oferta tan tentativa, ambos aceptan, sin imaginarse que en el camino se encontrarían con un huracán y el riesgo de no sobrevivir para disfrutar de su recompensa.


A diferencia de otras películas sobre supervivencia, Adrift tiene la intención de mostrarte un lado más "positivo": en vez de enfocarse en la desesperación de ellos buscando ayuda, más bien muestra como trantan de conseguir suministros, administrar agua, curarse las heridas que le ha dejado el paso del huracán, y sobretodo, ver como Tami pasa de ser una pasajera del velero a estar al mando y buscar la manera de llegar lo antes posible a la isla/país más cercano.

La química de Shailene Woodley y Sam Claflin es uno de los elementos más atractivos de la película, pues a pesar de estar narrando un drama de supervivencia, el amor y los momentos vividos de los protagonistas, previo a la tormenta, es lo que mantiene el interés de la audiencia, sobretodo porque se entiende que es lo que los llevó allí.


Otro elemento sumamente interesante es la estructura de la historia, pues, a diferencia de otras películas sobre supervivencia en las que el punto de giro es cuando se pierden/tienen un accidente, esta comienza justo cuando ya ha pasado, y entonces va narrando la relación de la pareja con escenas estilo flashback (pero no específicamente como flashbacks). A su vez, cada escena del inicio de su relación sirve de ayuda para la supervivencia, de que deben o no hacer en esa situación y los distintos efectos psicológicos de estar en esta situación. Además, esta estructura es perfecta para el twist del tercer acto, pues le da a la audiencia ese final de sorpresa que realmente nadie está esperando, por más predicciones que le hayan hecho.

En términos técnicos, la película es visualmente hermosa, pues le saca provecho al ambiente y lo logra convertir de hermoso a terrorífico por la situación. Así mismo, la musicalización se adapta a las emociones de los personajes, y la "agarra" en los momentos más delicados.

Adrift es una película que deja a cualquiera completamente tenso, porque no solo se trata de ver los intentos de supervivencia de la pareja, sino también ver los efectos de la tormenta en los protagonistas y su alrededor. Es un romance mezclado con desastre natural que solo te deja con las ganas de tomarte un relajante muscular después de verla, o peor, te deja con el miedo de no querer acercarte al mar...



viernes, 1 de junio de 2018

Crónicas de California: Career Fair


La última vez que tuve una "entrevista de trabajo" fue en el año 2015. Todavía no me había graduado de la universidad, pero estaba (más o menos) ansiosa por tener un empleo. Tres años después y todavía me pongo nerviosa cuando lo recuerdo porque, aunque no lo crean, me cuesta hablar con las personas. Las conversaciones "formales", de reuniones o meetings, me aterrorizan. Y lamentablemente, en esta carrera, si quiero promocionar o vender un guión, es lo que me tocará hacer.

Como les comentaba meses atrás, en la maestría nos enseñan a pitchear nuestras historias, pero imaginense que ahora debo aprender a hablar de mi misma. Así es. Sin nervios ni titubeos. Con confianza y optimismo. Contar las cosas que he hecho y se hacer, para que la industria me conozca... Lamentablemente no te lo enseñan en la escuela, porque asumen que lo sabes hacer; pero no todos nacen con ese desembolvimiento. Por lo menos yo no lo tengo tan desarrollado como quisiera creer. 

No es que terminaré consiguiendo un compañero de guiones, para que sea él quien hable (aunque no es mala idea), pero me costó un poco hablar con soltura y sin vergüenza sobre mi... ah sí, porque ya me tocó. Hoy. Con productoras y agencias de Los Angeles, California.

Cada año, NYFA organiza Career Fairs para sus estudiantes y egresados. Los Career Fairs son ferias de empleo donde organizaciones, productoras, agencias y compañías del entretenimiento te presentan las ofertas de empleo y pasantías que tienen en el momento y reciben tu resume, cartas de presentación y portafolio. Pero lo que realmente hará que se recuerden de ti es la impresión que les dejes. 


En mi caso, es muy necesario que asista a estos eventos porque para graduarme de la maestría, uno de los requisitos es hacer un mínimo de dos pasantías en empresas o compañías de cine, TV, u otro medio. Así que allí estaba, con 30 copias de mi CV, mis tarjetas de presentación recién impresas y mi blusa favorita, tratando de causar una primera/buena impresión antes de simplemente decirles "aquí está mi curriculum". 

Habían muchas productoras importantes, como CBS, NBC, Netflix y Asylum Entertainment, al igual que agencias de renombre como United Talent Agency, Abrams Artists Agency, LA Management, y otras un poco más pequeñas, pero con grandes intenciones de encontrar nuevos talentos, o por lo menos personas que estén dispuestos a diversos roles dentro de una producción.

Mi objetivo principal no solo fueron las productoras, pues aunque mi rol se desarrolla más allí, las agencias también representan un rol importante en mi carrera, y si de verdad quiero darme a conocer, las agencias son excelentes en eso. Pero además, las organizaciones en búsqueda de jóvenes que quieran participar en movimientos a través de la cinematografía y el storytelling. 

Ya después de que pasaron los nervios y manos susadas, me doy cuenta de tres cosas: 

1. Para poder llegar a estar dentro de alguna de esas empresas, debes saber que buscan: investigar sus producciones pasadas, actuales y futuras, y/o su clientela, porque si no les dices lo que ellos quieren escuchar, ya no te consideran parte de su empresa.
2. Nunca se puede dejar de mencionar tus otros talentos. Porque quizás no estén buscando un guionista, pero sí un asistente de producción, o dirección, o de cámara, o quizás un editor o una supervisora de guion. Aunque mi título dice guionista, hay muchos otros roles que también se han acumulado en mi portafolio.
3. No desanimarse por sus respuestas/reacciones. Me pasó con una compañía que, por más que les seguía contando de las distintas cosas que era capaz de hacer, me decían que realmente no estaban contratando a nadie de esas áreas. Me molesté un poco... pero se me pasó cuando fui a otra empresa y me motivaron a mantenerme en contacto con ellos. 

Sí... me puse tímida y algo cohibida, habían demasiadas personas queriendo hablar con las mismas compañías que yo. Pero como les mencioné anteriormente: lo importante es causar una buena primera intención. Dejé algunos CV, sonreí hasta que me dolieron los buches y salí con la satisfacción de que al menos dos productoras me pidieron que les enviará un borrador de mis historias. 

¡Hey! Por algún lado se comienza...


Revenge

Tres hombres casados ricos se reúnen anualmente para ir de caza. Pero esta vez uno de ellos viene acompañado de su amante, una joven que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican dramáticamente para ella... Dada por muerta en medio de la nada, el juego de caza se convierte en una venganza implacable. (FILMAFFINITY)



Si el movimiento #MeToo cree que solo anda en las redes y en las calles, deberían ver Revenge, porque la mujer que hizo esta película no cree que el hombre es el sexo fuerte... y ustedes tampoco lo creerán después de verla.

Jen está en una escapada romántica con Richard, su novio (quien está casado y tiene hijos). Todo parece ser diversión y placer hasta que llegan dos compañeros de Richard. Los otros dos hombres comienzan a interesarse por Jen, al punto de pasarse de la raya. Jen trata de huir, pero en una serie de misaventuras, termina siendo lanzada desde un precipicio y aterriza apuñalada en la rama de un tronco. No obstante, y a pesar de toda la sangre que ha perdido, Jen sigue con vida, y con ánimos de vengarse de todos estos hombres, sobretodo de su novio, quien en vez de protegerla, decidió deshacerse de ella de una vez por todas.

Esta historia tiene tan solo 4 personajes y cada uno con un objetivo y una necesidad bien establecida: Jen quiere vengarse, pero también sobrevivir; Richard quiere encontrarla antes de que ella llegue a las autoridades y lo delate; los otros dos hombres la desean y luego tienen miedo de ella. A pesar de que la película está narrada en dos idiomas simultaneamente (inglés y francés), las intenciones son muy claras: para que uno pueda lograr lo que tiene propuesto, el resto debe morir.


El personaje de Jen es el más poderoso de todos, obviamente, porque tiene un arco completo en el que se va notando el cambio durante toda la película: comienza como una chica materialista y provocativa, y va cambiando al nivel de convertirse en una mujer fuerte y capaz de resolver las cosas con sus propias manos. Pero además, los giros son completamente inesperados, porque no sabes cómo va a reaccionar a una determinada situación, y termina convenciendo al público de que ella es tan badass como todos los hombres de la película.

Cada detalle es importante: por más gore, grotesco y violento que parezca, es una metáfora de la realidad que vivimos en estos días y de cómo hay que ensuciarse las manos para poder lograr lo que uno quiere. No obstante a que es poco creíble que Jen tiene un hueco en el estómago, ha perdido gran parte de su sangre, y todavía puede matar a tres hombres, es notoria la intención de la cineasta de decir: "no importa cuanto me hieran, voy detrás de ustedes". Rescata elementos de películas de venganza como I Spit on your Grave (2010) y Confessions (2010), en el que la resurección es parte importante para delimitar el cambio de mentalidad tan drástico que sufre la protagonista para llegar al level de venganza que pasa por su mente.


Así mismo, los detalles son retratados con una fotografía tan específica de esta película, que pretende parecer un videojuego, en el que la audiencia quiere darle órdenes a Jen, pero resulta que está moviéndose en modo piloto y no hay más nada que hacer más que esperar por sus venganzas y ver que tanta sangre derrama en cada una. El director de fotografía fue muy preciso en presentar lo grotesco y alucinante de la trama, mezclado con una colorización que resalta la carne abierta y la sangre dispersa en la habitación, y complementada con una musicalización que hace contraste con las desgarradoras imágenes de cada escena.

Uno de los puntos fuertes es el montaje, porque reune cada uno de los elementos de esta historia, y los convierte en una película violenta pero a la vez divertida en la que todos saben cuál será el final, pero nadie quiere perdérselo o cualquier otra escena, por la forma tan creativa en que se desarrolla cada una.

Revenge es una fantasía purgante en la que la mujer finalmente decide desbordar toda su ira de la mano de un rifle de largo calibre, en aquellos hombres que abusaron de ella y pensaron que se quedaría de brazos cruzados, o mejor dicho, guindando de un árbol. A pesar de sus inconsistencias y exageraciones, es una película potente, donde no te importa más nada que ver cuál es la siguiente muerte, y gritar a todo pulmón: ¡la mujer es el sexo fuerte!