Crítica Cinéfila: Oppenheimer

En tiempos de guerra, el brillante físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), al frente del "Proyecto Manhattan", lidera los ensayos nucleares para construir la bomba atómica para su país. Impactado por su poder destructivo, Oppenheimer se cuestiona las consecuencias morales de su creación. Desde entonces y el resto de su vida, se opondría firmemente al uso de armas nucleares.

Oppenheimer de Christopher Nolan es tanto un estudio de carácter inquisitivo como un amplio relato de la historia estadounidense; es un thriller inteligente y musculoso sobre el hombre que dirigió el Proyecto Manhattan para construir la bomba que puso fin a la Segunda Guerra Mundial. Para prescindir de las inevitables metáforas del arma de destrucción masiva, es más lenta que explosiva. Pero quizás el elemento más sorprendente de esta audaz epopeya es que la lucha por el armamento atómico termina siendo secundaria frente a la descripción mordaz del juego político, ya que una de las mentes científicas más brillantes del siglo XX es despresiada por expresar opiniones eruditas que van en contra. El pensamiento de carrera armamentista de Estados Unidos.

Cincelando la asombrosa y definitiva biografía de Kai Bird y Martin J. Sherman, American Prometheus: The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, de más de 700 páginas a un guión de tres horas, Nolan no ha simplificado por completo la densa trama. Puede sentirse como una espesura parlante de escenas en las que hombres con atuendos de negocios de mediados de siglo se paran en oficinas y laboratorios con discusiones animadas sobre mecánica cuántica, que a veces carecen de la elucidación para brindar mucho acceso a los que no son físicos. Es un alivio cuando, aproximadamente una hora después, uno de los teóricos en constante expansión deja caer canicas en recipientes de vidrio para demostrar la diferencia entre el uranio y el plutonio como componentes de una bomba de fusión.

Pero hay un método en el enfoque de Nolan que se vuelve cada vez más evidente a medida que las dos audiencias separadas de Washington entrelazadas a lo largo de la narración se cruzan en primer plano y ocupan la fascinante hora final. Y la emotiva decisión de cerrar con una conversación privada anterior entre J. Robert Oppenheimer de Cillian Murphy y Albert Einstein (Tom Conti) elegantemente lo devuelve a los puntos de vista personales de dos hombres que miran su rama de la ciencia desde diferentes perspectivas.

Si bien la estructura de cuatro actos exige mucho de la audiencia de la película, nuestra paciencia y concentración son ampliamente recompensadas cuando la prueba “Trinity” de 1945 en el desierto de Nuevo México da paso a los devastadores bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Ese momento definitorio en la historia humana moderna, coronando a Oppenheimer como un héroe estadounidense incluso cuando los escrúpulos morales corrosivos se manifiestan en el expresivo rostro de Murphy, luego da paso a una cacería de brujas que revuelve el estómago en 1954, que representa las tácticas difamatorias más viles de la era McCarthy.

Nolan construye hábilmente su dramático crescendo al exponer el dolor y la humillación de esa audiencia para Oppenheimer y su dura esposa, Kitty (Emily Blunt), y luego reabre esas heridas cinco años después, durante las audiencias de confirmación del Senado de la administración Eisenhower para la nominación de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) como Secretario de Comercio. En un poderoso conjunto de pesos pesados, Downey ofrece la actuación destacada del drama como Strauss, miembro fundador y más tarde presidente de la Comisión de Energía Atómica, cuyas ambiciones políticas se enredan en su venganza hacia el arrogante Oppenheimer.

El actor lo hace afable al principio, resaltando los orígenes de Strauss como un humilde vendedor de zapatos. La crueldad con la que persigue sus objetivos se muestra solo hacia el final, cuando las apuestas están en su punto más alto, derramándose en un amargo torrente de ira. Es un momento impresionante de revelación y un recordatorio de las habilidades que muchos de nuestros mejores actores han dejado de lado mientras se divierten interpretando a superhéroes bromistas.

Inesperadamente, descubrí que era la intriga de acción tardía (hilos paralelos que se desarrollaban en una lúgubre sala de conferencias del Capitolio y en la cámara del Senado) lo que me dejó sin aliento anticipando cada nuevo desarrollo, cada traición y muestra de lealtad, cada revelación de quién estaba tirando de las cuerdas. La configuración extendida antes de la prueba Trinity se vuelve más vital en retrospectiva, ya que vemos cómo las asociaciones de Oppenheimer antes y después de que él y su equipo del Proyecto Manhattan se mudaran a Los Álamos, Nuevo México, para acelerar el desarrollo de la bomba atómica, son disectadas por políticos operadores que buscan desacreditarlo.

Como figura central en esta saga erudita de hombres, ciencia, guerra y oportunismo de Washington, Murphy construye un retrato de personaje de capas finas, haciendo que las complejidades de Oppenheimer, de voz suave, no sean menos evidentes por ser un hombre de tal moderación exterior. Los penetrantes ojos azul claro del actor son una ventana al elevado intelecto del físico, su obstinada determinación y, finalmente, su tormento cuando llega a reconocer su ingenuidad y se enfrenta a las ramificaciones de lo que ha puesto en marcha. En lugar de asustar al mundo para que jugara bien, como había imaginado ingeniosamente, los bombardeos japoneses simplemente abrieron una puerta a la Guerra Fría y a la creciente amenaza de bombas nucleares más poderosas, una que resuena más fuerte que nunca hoy.

La cobertura de los primeros años de Oppenheimer se siente un tanto superficial y sus encuentros con científicos de ideas afines al principio tienden a desdibujarse, aunque sus estudios en universidades prestigiosas de Europa, además de facilitar los encuentros con algunas de las figuras más influyentes del campo, sirven para demostrar que sus habilidades radica en la física teórica, no en el trabajo de laboratorio. Pero poco a poco van surgiendo personalidades distintas.

Los compañeros de Oppenheimer asociados con el Proyecto Manhattan, entre ellos un puñado de ganadores del Premio Nobel, incluyen a su viejo amigo Isidore Rabi (David Krumholtz), su colega de UC Berkeley Ernest Lawrence (Josh Hartnett) y el temperamental húngaro Edward Teller (Benny Safdie), cuyo verdadero interés es desarrollar una bomba de hidrógeno, lo que le hace chocar divertidamente con otros en el grupo de expertos.

Sutiles notas de humor también provienen del hombre que recluta a Oppenheimer, el Mayor Leslie Groves (Matt Damon), quien supervisa el proyecto secreto de investigación y desarrollo y sirve de enlace entre el gobierno y los científicos. Groves, un brusco militar de carrera probablemente más adecuado para el campo de batalla que para los trabajos del Departamento de Guerra, tiene modales severos pero un respeto subyacente por el genio de Oppenheimer, una dualidad que Damon juega con un efecto conmovedor en la audiencia de 1954.

El papel de Blunt al principio parece limitado a la esposa solidaria, instando a su esposo a luchar más por su reputación. Pero ella tiene una escena en la misma audiencia, negando su afiliación prematrimonial al Partido Comunista Estadounidense sin disculparse por ello. Kitty también muestra su resiliencia emocional cuando se enfrenta al problemático vínculo romántico de su marido con la psiquiatra Jean Tatlock, un papel que Florence Pugh llevó a una vida sensual pero torturada. Los fuertes lazos de Jean con el comunismo contribuyen a las sospechas sobre las inclinaciones izquierdistas de Oppenheimer, al igual que las de su hermano menor y compañero físico, Frank (Dylan Arnold).

En papeles pequeños pero significativos, Casey Affleck aparece como un astuto oficial de inteligencia militar; Rami Malek interpreta a un físico experimental que habla apasionadamente por la comunidad científica durante la audiencia del Senado de Strauss; Kenneth Branagh aporta su autoridad habitual al físico danés Niels Bohr, cuyas palabras de advertencia resultan proféticas; y Jason Clarke es un perro de ataque escalofriante como el abogado especial en la audiencia de Oppenheimer en 1954. Un Gary Oldman no facturado (y casi irreconocible) aparece como el presidente Truman en una escena fabulosa donde le informa sin rodeos a Oppenheimer que la gente recordará quién lanzó la bomba, no quién la construyó.

La ágil edición de Jennifer Lame y, especialmente, la partitura extraordinariamente contundente, casi de pared a pared, de Ludwig Göransson ayudan enormemente en el control inquebrantable del tono y la tensión de Nolan. La música se combina con el diseño de sonido estremecedor para darle a la película una energía febril que no se detiene, reflejando la nerviosa vida interior de su personaje principal.

El director aumenta hábilmente el suspenso en la cuenta regresiva para morderse las uñas hasta la prueba de Trinity, cuando incluso las mentes más agudas no han descartado la probabilidad “casi nula” de que una reacción en cadena destruya el mundo; y más aún cuando cada una de las dos audiencias (una de ellas rodada en blanco y negro) llega a su clímax. La elección de no mostrar los bombardeos japoneses, sino experimentarlos exclusivamente a través de informes de radio y a través de la reacción jubilosa de la comunidad de Los Álamos, un municipio entero construido expresamente para el Proyecto Manhattan, aumenta el impacto de golpe en el intestino, mientras que las imágenes pasan a través de la mente de Oppenheimer que sólo insinúa el horror desatado.

A diferencia de "Memento", que utilizó escenas en color y en blanco y negro para distinguir el movimiento del tiempo, el uso de escenas en color y en blanco y negro de Oppenheimer representa la perspectiva cambiante. Las escenas en blanco y negro son objetivas. Son momentos de la historia que no están influenciados por la opinión o las emociones. Oppenheimer es una figura histórica, y su creación de la bomba atómica es extremadamente importante en la historia de la Segunda Guerra Mundial. Parte de la vida de Oppenheimer es historia registrada debido a esto, como las audiencias en su contra en 1954 cuando se negó a renunciar a su autorización de seguridad de armas atómicas. 

La mayoría de las secuencias en blanco y negro de Oppenheimer son de la audiencia contra Oppenheimer después de que el arma ha sido detonada, con Lewis Strauss de Downey Jr. al frente del caso. Las escenas en blanco y negro de la película presentan la perspectiva histórica de lo que le sucedió a Oppenheimer después del uso de la bomba atómica. Las escenas son menos sobre él y más sobre las repercusiones de la bomba, como las ven otras personas involucradas en el caso, en lugar de ser presentadas desde el punto de vista de Oppenheimer. Las escenas de color constituyen los elementos subjetivos de la historia, así como la perspectiva de Oppenheimer. Nolan escribió estas escenas en primera persona y son el lado adaptado. En estas escenas, Nolan ha creado momentos entre Oppenheimer y sus colegas, su esposa y momentos a solas que muestran la propia batalla moral de Oppenheimer con la creación de la bomba atómica y cómo la desesperación de la guerra condujo a la invención científica. El viaje de Oppenheimer para crear la bomba atómica es importante ya que explica su razonamiento, pero todo esto es subjetivo y solo puede explorarse desde la perspectiva de Oppenheimer.

El principal atractivo para los fanáticos del cine de núcleo duro serán las imágenes. Al filmar con cámaras de gran formato Panavision e IMAX de 65 mm, el director de fotografía Hoyte van Hoytema (en su cuarta colaboración con Nolan) aporta una intensidad visceral a la secuencia de Trinity y una textura y profundidad de campo extraordinarias a las muchas escenas impulsadas por diálogos. Si tiene la suerte de estar cerca de una de las 30 pantallas en todo el mundo que muestran la película en IMAX 70 mm, experimentará una película que, incluso en su forma más hablada, ejerce una atracción inmersiva, atrayéndolo para absorber el detalle molecular de cada disparo.

Es difícil saber cómo responderán todos los fanáticos de Nolan a una película tan embriagadora, históricamente curiosa y basada en la seriedad de Oppenheimer, que tiene poco en común con la inquietante majestuosidad de sus películas de Batman o la engañosa locura mental de películas como Inception o Tenet. En términos de su conmovedora solemnidad, es quizás lo más cercano a Dunkirk, mientras que su fusión de ciencia y emoción recuerda a Interstellar. Pero sin dudas, es la mejor de su director. Este es un evento cinematográfico grande, atrevido y serio de un tipo que ahora está prácticamente extinto de los estudios. Abarca por completo las contradicciones de un gigante intelectual que también fue un hombre profundamente defectuoso, cuyo legado se complicó por su propia ambivalencia hacia el gran logro que aseguró su lugar en los libros de historia.

Crítica Cinéfila: Barbie

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.

¿Quién diría que "Barbie" comenzaría con un homenaje a “2001: A Space Odissey” de Stanley Kubrick? Un amanecer deslumbrante se extiende sobre un desierto árido, poblado exclusivamente por niñas de ojos tristes de la era del Dust Bowl y sus muñecas que no parpadean, mientras Helen Mirren nos narra cómo era la vida antes de Barbie. No solo era aburrida, sino que era limitada. Para tantas niñas pequeñas, las muñecas eran solo muñecas bebés, lo que significaba que su tiempo de juego solo podía girar en torno a la maternidad, la servidumbre y nada de diversión.

Pero así como los simios de Kubrick finalmente se encontraron con un monolito alienígena que cambió por completo su mundo y su visión del mundo, las niñas de Greta Gerwig están a punto de encontrarse con una nueva entidad que alterará el mundo y les distorsionará su manera de pensar: una gigante, incluso se podría decir monolítica, muñeca Barbie, en la forma de una sonriente Margot Robbie, equipada como la primera muñeca Barbie jamás hecha. Ahí es donde comienza la "Barbie" divertida, feminista y tremendamente original de Gerwig. Solo se volverá más grande, extraña,` inteligente y mejor a partir de ahí.

Imagine, si puede, un mundo dividido en dos tras el lanzamiento de la primera muñeca Barbie en 1959. Está el mundo real (conocido en la película como, por supuesto, "El mundo real"), y luego está la aparentemente idílica "Barbie Land", que existe bajo la premisa de que la invención de Barbie (la muñeca) tuvo un impacto tan drástico, tan completo y tan positivo en el mundo real que ella (la muñeca) básicamente resolvió el feminismo. Por lo que saben las Barbies (y los Kens) que pueblan Barbie Land, el mundo real es un lugar maravilloso para las mujeres (porque Barbie Land lo es en gran medida), y el mundo femenino en el que felizmente frecuentan es solo un reflejo de lo que sucede en el universo real.

En Barbie Land, son las mujeres las que gobiernan (Issa Rae es la presidenta Barbie, Alexandra Shipp es la escritora Barbie, Emmy Mackey es la física Barbie, la lista sigue). Y ¿los Ken? Sí, también están ahí. Pero se llama Barbie Land por una razón. Y aunque todas las Barbies son igualmente talentosas, realizadas, felices y libres, para el propósito de "Barbie" de Gerwig, nuestra atención se centra en una que está a punto de emprender un viaje muy inesperado: estereotipada Barbie (Robbie).

Esta Barbie (como, al parecer, todas las Barbies) tiene un gran día todos los días. Su Ken estereotípico (un Ryan Gosling desquiciado) solo tiene un buen día cuando Barbie le presta atención, y Barbie está bastante ocupada. Gerwig nos guía a través de un día típico de Barbie con meticulosa atención a los detalles. La casa de sueños de Barbie no tiene ventanas, ni escaleras que funcionen, ni agua corriente. Puede llegar a donde quiera ir simplemente saltando (al igual que una niña puede mover su muñeca, llevándola de un lugar a otro sin mucha lógica). Sus manos están rígidas. Su comida es inexistente. Su vida es perfecta. La dedicación de Robbie a la mordaza, junto con sus coprotagonistas Rae, Shipp, Mackey, Hari Nef y Nicola Coughlan, es profunda, y vale la pena.

Pero hay grietas en la fachada de Barbie Land. (Por ejemplo, si Barbie Land realmente es tan feminista, ¿por qué los hombres son tratados como ciudadanos de segunda clase y con ideas tardías?) Pronto, nuestra propia Barbie estereotipada sufrirá. Sus pies se vuelven planos, en sus muslos aparecen celulitis y en su cerebro comienzan a irradiar pensamientos de muerte. De alguna manera, al parecer, la angustia del mundo real se ha filtrado en Barbie (la angustia general parece haberse filtrado en Ken hace mucho tiempo), y solo Weird Barbie (Kate McKinnon) puede guiar a esta Barbie hacia la verdad.

Para encontrar la verdad deberá ir al mundo real y reparar la grieta temporal que mantiene a Barbie Land y el mundo real claramente diferentes. Y mientras que Barbie, inicialmente resistente al destino que tiene por delante, finalmente acepta el desafío con brío y vigor, las preguntas comienzan a acumularse: ¿Cuán diferentes son Barbie Land y el mundo real? Si lo que sucede en el mundo real puede afectar a Barbie Land, ¿también puede ser al contrario? ¿Y por qué está Ken en el asiento trasero del auto rosa de Barbie mientras se dirige directamente a Los Angeles/mundo real?

Una vez en el mundo real, las realizaciones gemelas de Barbie y Ken de cómo es en realidad se desarrollan a un ritmo desigual. Barbie está confundida por el comportamiento de todos, no solo de los hombres que la miran lascivamente y de las mujeres que se burlan, sino especialmente el de Sasha (Ariana Greenblatt), una adolescente atrevida que ella cree que es su dueña desde hace mucho tiempo, la misma persona que sufre una angustia tan profunda que desgarra un agujero entre el Mundo Real y Barbie Land. Gerwig y el coguionista y socio de mucho tiempo, Noah Baumbach, levantan constantemente el velo (o, según sea el caso, rasgan su propio tejido temporal) mientras Barbie se ve acosada por la verdad del mundo real (no feminista), Barbie Land (tampoco feminista), y su lugar en ambos.

Ken, mientras tanto, está vivo.  Cuando Barbie, en lo más profundo de sus pensamientos, envía a Ken a dar un paseo, el soñador termina deambulando por Century City de Los Ángeles donde se pone al día con cómo realmente funcionan las cosas. ¡Los hombres gobiernan y el patriarcado es muy real! Ken también cree que la masculinidad y el patriarcado están indisolublemente ligados a los caballos, lo que conduce a todo tipo de divertidas confusiones y maravillosos chistes visuales, todo lo cual Gosling ofrece en un discurso cómico al nivel de los Oscar.

La aventura de Gerwig y Baumbach en el mundo real es absolutamente necesaria: desbloquea la tesis de la película después de asediarnos con diversión, nos da a la querida Greenblatt y su madre Gloria, obsesionada con Barbie (America Ferrera), y permite que Will Ferrell se vuelva muy extravagante como el loco CEO de Mattel. Sin embargo, no es tan divertido, fantástico y entretenido como el rico mundo de Barbie Land: ese es el punto. Afortunadamente, regresamos allí lo suficientemente pronto, aunque ha sido enormemente alterado por la fuerza total de un Ken que regresa (y, nos atrevemos a decirlo, con una píldora roja), quien usa toda su nueva ira masculina y poder patriarcal para cambiar lo que era una vez un idilio impulsado por una dama. Mientras Barbie está teniendo un mal día.

¿Qué esperanza hay para Barbie Land? ¿Qué esperanza hay para el mundo real? ¿Y Barbie realmente puede salvar a ambos esta vez, completando con un mensaje genuino de feminismo? Las formas en que Gerwig y Baumbach resuelven esas preguntas engañosas son solo una parte de la alegría de la película, que se mantiene en un nivel muy alto, incluso cuando se trata de preguntas embriagadoras y pesadas. En el camino, Gerwig y Baumbach encuentran humor y matices en todo, desde la mini-nevera hasta el éxito de Matchbox Twenty "Push", el impulso masculino de explicar "El Padrino" a la Corte Suprema, los límites del feminismo moderno a las luces de neón. Patines. La muñeca Barbie quizás no lo es todo, pero "Barbie" lo es todo. Gerwig, como siempre, ha reunido un elenco de apoyo estelar. Todas las Barbies están encantadas, pero los Ken, muy apropiadamente, lanzan un verdadero ataque furtivo, especialmente Simu Liu y Kingsley Ben-Adir, y Michael Cera casi se lleva todo el asunto como el compañero singular Allan. 

También hay una fila de talentos innegables detrás de cámara: se pueden escribir y se escribirán obras de análisis sobre el diseño de producción de Sarah Greenwood y el vestuario de Jacqueline Durran. Pero el verdadero análisis se lo merece el mensaje de la película. Aunque la paleta de colores rosa brillante y el estilo de diálogo ingenuo establecen un tono "no tan serio", esta metacomedia se sumerge en una exploración existencial intensa. Inspirándose en Wings of Desire (1987) de Wim Wender y su estructura narrativa de “conversaciones con un ángel”, Barbie se convierte en un ángel figurativo que desciende del cielo para comentar sobre el estado de la humanidad, en toda su belleza y fealdad.

Parte de la magnificencia de esta hazaña radica en la dificultad de combinar elementos contrastantes en una historia fluida. Barbie cruza la línea entre el sarcasmo y el sentimentalismo con tanta facilidad. La tontería de la charla de Barbie combina bien con la tontería del mundo real dirigido por Will Ferrell, pero complementa los momentos desgarradores entre Gloria y su hija Sasha. Barbie es un enfoque metamoderno para diseccionar la posición del juguete en el mundo y cómo se relaciona con las formas en que construimos nuestras propias identidades. Barbie se pone un espejo ficticio a sí misma como una forma de revelar más sobre quiénes somos colectivamente.

El empleo de Ruth Handler representa uno de los aspectos más destacados y las deficiencias de la marca Barbie, ya que llama la atención sobre todo el espectro de quién es ella. Ruth revela que Barbie lleva el nombre de su hija Barbara, lo que enfatiza la dinámica madre-hija que impregna la trama. Y también se burla de sus propias faltas, bromeando brevemente sobre sus episodios de evasión de impuestos, lo que finalmente la llevó a renunciar a la empresa en 1974. 

Esto nuevamente hace eco del tema principal de esta película: aceptar todo sobre ti, defectos y todo. Al incluir versiones descontinuadas de las muñecas Barbie y Ken, además de incorporar nuevas ediciones como Cellulite Barbie, Gerwig resalta los vergonzosos aspectos negativos que la compañía trata de ocultar. Al aceptar estos "errores" de frente, Gerwig llama la atención sobre lo que esta muñeca ha significado para nuestra sociedad, como un barómetro de la política de género, como un reflejo de cómo nos representamos a nosotros mismos y como un personaje por derecho propio a pesar de ser una idea para tantos.

Con un tono satírico reflexivo, una estética inolvidable y un discurso completamente inesperado (pronunciado por una de las actrices más icónicas para el empoderamiento femenino y autoestima de toda una generación), sin duda, aún en la vida real, es el mundo de Barbie y todos vivimos en él.

Crítica Cinéfila: Beau is Afraid

Beau (Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Después de crear un desastre familiar demoníaco y una escapada sueca loca, el escritor y director Ari Aster ha creado la madre de todos los viajes de culpa. No queda mucho claro acerca de su nueva comedia oscura "Beau Is Afraid", aparentemente por diseño, pero Aster ha cambiado sus espectáculos de terror "Hereditary" y "Midsommar" por una aventura extrañamente identificable y orgullosamente trastornada sobre un hombre de mediana edad (Joaquin Phoenix) y su búsqueda para regresar a casa. Esa parte, al menos sobre el viaje de este extraño héroe, tiene sentido. Es todo lo demás en el transcurso de tres horas, comenzando con, sí, la desconcertante experiencia del parto, lo que desafía la imaginación y la capacidad de uno para la rareza cinematográfica. Sin embargo, no tenga miedo de darle una oportunidad a "Beau" porque hay algunos asuntos sustanciosos en juego con una pizca de ridícula hilaridad.

El personaje del título de Phoenix, lleno de ansiedad, vive en la peor parte de la ciudad, donde tipos desnudos corren con cuchillos, los cadáveres se pudren en las calles y las arañas reclusas pardas están en pie de guerra. Se supone que Beau debe volar a casa para ver a su madre Mona (interpretada a diferentes edades por Patti LuPone y Zoe Lister-Jones) para el aniversario de la muerte de su padre, pero se queda dormido, inexplicablemente le roban las llaves y de mala gana llama diciendo que se ha retrasado. Mamá está decepcionada, y no es la primera vez.

Una serie continua de eventos desafortunados luego le suceden a Beau, comenzando al día siguiente con la noticia de que su madre ha muerto aplastada por un candeladro que se cayó encima de su cabeza. Desesperado (y desnudo en la calle después de que un intruso estropeara un baño relajante), es atropellado por un camión y se lo lleva una pareja suburbana sospechosamente amable (Nathan Lane y Amy Ryan) a su casa. A partir de ahí, la película se desarrolla como una odisea homérica de pesadilla, donde el épico viaje de nuestro triste Beau en su regreso a casa para enterrar a su madre incluye un enamoramiento de la infancia (Parker Posey), una compañía de teatro itinerante, una adolescente que bebe pintura, un soldado maníaco, un desvío animado de fantasía y una caída de aguja de todos los tiempos. 

Con flashbacks de un joven Beau (Armen Nahapetian) y viejos recuerdos borrosos que lentamente se enfocan, Aster construye capas de surrealismo en "Beau Is Afraid", lo suficiente como para que la audiencia (y Beau) se pregunten si algo de eso es real. Phoenix ofrece una actuación física excepcional, con su rostro haciendo el trabajo la mayor parte del tiempo para transmitir la letanía de miedos y estados de dolor, horror y todo lo demás de Beau. Mientras todo esto ocurre, Beau creció con la idea de que tiene una condición hereditaria, como su padre, que lo matará en el momento en que tenga un orgasmo. Así que también tiene eso a su (des)favor. A su vez Aster ha construido un elenco de apoyo interesante a su alrededor, incluida una parte estelar de LuPone.

Con esta tercera película, Aster demuestra que su estilo ronda alrededor de temáticas de conflictos familiares. Aquí deconstruye con perspicacia de la unidad familiar (uno de sus temas en "Hereditary") y examina nuestras relaciones con los padres. “Beau Is Afraid” también mantiene a su audiencia adivinando y rascándose la cabeza: una escena memorable en un ático garantiza romper el cerebro y/o provocar un ataque de risa. Es una narrativa más exigente de navegar que los esfuerzos anteriores del director, y no todo funciona con su astuta sutileza. Sin embargo, hay un arte sensacional en el trabajo, con Aster salpicando gran parte de su narración en el fondo de las escenas (fotos en las paredes, carteles informativos, etc. - algo que también es parte de su estilo) que mucha gente ni siquiera notará, a menos que estén prestando mucha atención.

Las almas valientes pueden verse tentadas a volver a visitarlo. Y ya sea que la ames o la odies, porque esta no es una película para reacciones medianas, "Beau" actúa como un gran recordatorio para enviar un mensaje de texto o llamar a su madre. O en el peor de los casos, para hacer que uno se cuestione el tipo de relación que guarda con la matriarca.

Crítica Cinéfila: Ramona

Sintiéndose poco preparada para su papel de adolescente embarazada de las afueras de Santo Domingo, la actriz Camila Santana decide sentarse con jóvenes embarazadas para inspirarse. Sin embargo, Ramona se adentra inesperadamente en un terreno desconocido cuando las adolescentes pasan a ocupar el centro del escenario.

¿Cuál es el criterio para interpretar a un personaje basado en una persona fáctica? ¿Cuánta licencia artística se concede para interpretar a un personaje así en una obra de ficción? ¿Debe un actor interpretar dicho personaje en base a los conocimientos o la experiencia es necesaria para el papel? Esos son los dilemas éticos en juego en el segundo largometraje de Victoria Linares Villegas, "Ramona". En la película hibrida de ficción y no-ficción, esta fue originalmente planeada para ser un drama ficticio y frustrada por COVID y los excesos presupuestarios para ser lograda, donde la actriz y directora de casting Camilla Santana interpretaría a una joven del mismo nombre, embarazada en medio de la epidemia de embarazo adolescente en la República Dominicana.

Pero la pandemia obligó a Villegas a convertir esta idea preconcebida en un documental en el que Santana, un poco mayor, entrevista a seis madres preadolescentes / adultas jóvenes para comprender cómo darle vida a Ramona. Ella busca la autenticidad del personaje captando su imaginación sobre cómo vive Ramona, su estilo de moda, apariencia física, movimiento corporal y cómo interactúa con los personajes masculinos. El consenso que reúne Santana es una historia de origen colectivo de cómo niñas se convierten en mujeres a muy temprana edad y cómo no llegan a la edad adulta de la misma manera que sus contrapartes masculinas. Luego se convierte en un estudio de personajes de los esfuerzos que un artista toma para comprometerse con el proyecto y los sacrificios que hace por el bien del arte.

Villegas sigue admirando la pizarra después de su presencia fundamental en su debut, "Lo que se hereda". En Ramona, la pizarra teletransporta a la audiencia desde un escenario de sonido artificial a tomas animadas y vibrantes que llenan las texturas de la pared pintada y se conectan con las voluminosas historias de los participantes. Es un cambio orgánico donde los instintos de Villegas y Santana dictan la complejidad interna de la feminidad. No les interesa encontrar una solución a una crisis conocida. En cambio, descubren cómo las normas culturales forzaron una trayectoria de vida específica en las mujeres dominicanas. Villegas también hace un uso fascinante en resaltar las repeticiones, como cortar a cada participante con el mismo uniforme y Santana diciendo la misma línea de manera diferente: "Mamá bebía todo el tiempo y me salió bien", para enfatizar los múltiples estados de ánimo por los que uno ha pasado durante su adolescencia, y que Ramona no es un monolito.

El intercambio de roles en pantalla entre Santana y el conjunto de jóvenes embarazadas en el tercer acto descarrila el arco emocional de Santana, pero es la transacción necesaria para que se realice la película. Santana se diluye detrás de la cámara para destacar a las personas que han experimentado la vida de Ramona de manera similar, lo que refleja su experiencia como directora de reparto. Pero sus reflexiones emocionales sobre su actuación no se capturan explícitamente cuando poco a poco se convierte en un extra. Aunque esta película no se trata de la actuación; se trata de las decisiones autorales de Villegas y Santana informando el arte. Revela la política de emitir una película y cómo sus elecciones determinan su destino y recepción cuando se maneja con cuidado y la debida diligencia. 

Pero más allá del arte como tal, esta es una película que analiza a profundidad los patrones de conducta que llevan a que la sociedad mantenga a estas jóvenes marginadas y que ellas se sientan rechazadas. "Ramona" es un lienzo incisivo y delicado que ennoblece la sororidad, la maternidad y el liderazgo. Su cinematografía precisa amplifica los recursos de fondo entrevistados en el esqueleto y la columna vertebral de la película. Cuestiona las prácticas tradicionales de casting a favor de un acto solidario colaborativo y transformador. Santana reconoce sus límites como alguien que nunca ha tenido un bebé y le devuelve su papel a la comunidad de clase baja de "Ramona", el origen original de la protagonista. 

Crítica Cinéfila: Bird Box Barcelona

Tras la llegada de una misteriosa presencia que está destruyendo la población mundial llevando al suicido a quien ve las criaturas, el antiguo ingeniero Sebastián sobrevive por las desiertas calles de Barcelona. Por el camino se va encontrando con otros supervivientes con los que forma alianzas inciertas para intentar llegar a lugares seguros. Pronto todos se darán cuenta de que hay una nueva e inesperada amenaza aún más peligrosa.

El escalofriante apocalíptico de ciencia ficción de 2018 de Susanne Bier para Netflix, Bird Box, fue una trama decente con ideas familiares elevadas por encima de su concepción derivada por una imponente Sandra Bullock, canalizando una determinación sombría mientras desafiaba una misteriosa amenaza alienígena para llevar a dos niños a un lugar seguro. El trauma, el dolor y la paternidad bajo presión extrema vuelven a ser un factor en la continuación de los hermanos españoles Alex y David Pastor, Bird Box Barcelona, ​​que es más un derivado que una secuela. Comienza desde cero, al estilo de una antología, agregando nuevos detalles que amplían la amenaza original sin ofrecer mucha iluminación.

La película está técnicamente lograda, bien actuada, con una atmósfera inquietante y ciertamente se puede ver. Como extensión de una propiedad popular que aumenta el empuje de Netflix hacia la producción internacional, tiene un doble propósito. Pero como material de género, es genérica (valga la redundancia), como si los cineastas hubieran combinado al azar elementos de A Quiet Place, The Last of Us, The Walking Dead y otras pesadillas distópicas sobre la humanidad empujada al borde de la extinción por una fuerza letal de origen desconocido, creando un mundo donde el número cada vez menor de sobrevivientes ya no sabe en quién se puede confiar.

Partiendo de la novela original de Josh Malerman de 2014 y del personaje central de Bullock's Malorie, los hermanos Pastor decidieron agregar algunos aspectos al explicar cómo funciona el fenómeno, el cual se dejó establecido como que cualquiera que vea a las criaturas se anima a quitarse la vida de la manera más rápida posible, manteniendo la ambigüedad. Pero el guión de ellos hace demasiado y no lo suficiente para justificar una inmersión más profunda en una historia que ya sufría de artilugios y una lógica tambaleante la primera vez.

Cambiar el escenario a un país católico permite un giro religioso ligeramente intrigante. Un sacerdote con ojos desorbitados, el padre Esteban (Leonardo Sbaraglia), recibe a la entidad letal como un milagro divino, liberando almas perdidas del infierno de la vida en la tierra. Con un pequeño grupo de compañeros "videntes", que han sido testigos del fenómeno pero se resisten a su maldición, el sacerdote deambula por las calles embadurnando las frentes de los sobrevivientes con un tercer ojo y obligándolos a aceptar su destino. Un nuevo desarrollo significativo en el spin-off es un destello de luz que emana de los cuerpos inmediatamente después de su muerte, lo que sugiere una liberación espiritual que agrega credibilidad a la creencia del padre Esteban de que "Nuestro Dios y sus ángeles han bajado a andar por la tierra". Un moribundo habla como en un éxtasis: “Sus naves han viajado millones de años luz para llegar aquí”.

Pero los personajes más racionales no están más cerca de identificar qué está causando exactamente los suicidios masivos. Algunos ven demonios y otros ven extraterrestres, algunos ven a su torturador y otros a su Dios. Un personaje interpretado por un infrautilizado Diego Calva (Babylon) especula que son una especie de seres cuánticos que toman formas fluctuantes, observan a sus presas y absorben instantáneamente sus miedos, ansiedades y penas para manipular sus mentes.

Experimentamos la llegada de las criaturas a través de ruidos vibrantes, gemidos, gruñidos y una extraña ráfaga de viento que levanta hojas y escombros del suelo, y ocasionalmente vemos lo que ellos ven. Pero la audiencia todavía no los ve, solo un breve vistazo parcial en una escena final.

Los hermanos Pastor han recorrido territorios adyacentes con los anteriores largometrajes Carriers, sobre una amenaza viral mortal, y The Last Days, otra visión de la vida tras un cataclismo. Reflejan la quisquillosa estructura retrospectiva de la película de Bier en su construcción, configurando al personaje central, Sebastián (Mario Casas), como un hombre desesperado, deambulando por las calles con gafas oscuras y escondiéndose en los edificios abandonados de Barcelona mientras trata de evitar que su hija Anna (Alejandra Howard), de 11 años, sufra daños.

Pero después de establecer a Sebastián como un héroe vulnerable cuando es asaltado por un trío de ladrones ciegos, el guión cambia rápidamente nuestras percepciones, haciéndonos cuestionar sus motivos a medida que se gana la confianza de una comunidad de sobrevivientes tras otra. “¿Soy el pastor o el lobo?” se pregunta en un momento de crisis cuándo sus acciones le hacen perder la fe, señalando una dualidad que le da a Casas algo relativamente carnoso para jugar. También nos damos cuenta muy pronto de que Anna no es exactamente lo que parece.

Retrocediendo primero a nueve meses antes, la película resume el comienzo del brote. Los noticieros informan sobre una ola de comportamiento psicótico cuando Sebastián sale corriendo de su oficina a través de la ciudad en medio del caos para recoger a Anna de la escuela, evitando por poco ser arrastrado a un suicidio masivo en una plataforma del metro.

Luego, la acción cambia nuevamente a siete meses antes de las escenas iniciales, después de que Sebastián ha sido aceptado como parte de una comunidad que se esconde en un refugio antiaéreo. Ese grupo incluye al líder Rafa (Patrick Criado); la psicóloga inglesa Claire (Georgina Campbell de "Barbarian"); la turista alemana preadolescente Sofía (Naila Schuberth), separada de su madre en la confusión; la pareja mayor Roberto (Gonzalo de Castro) e Isabel (Lola Dueñas); y el Octavio de Calva.

El conductor de la trama, que idealmente debería haber entrado en acción antes, es mover esa banda de sobrevivientes a un refugio al otro lado de la ciudad en el Castillo de Montjuïc, la fortaleza en la cima de la montaña del siglo XVII a la que se puede acceder desde la ciudad en teleférico. Naturalmente, los números del grupo disminuyen en el camino, dejando un contingente reducido de personajes centrales para enfrentar una doble amenaza: de la fuerza de la muerte de otro mundo y de los humanos decididos a abrir los ojos al "milagro".

Si bien algunos de los suicidios son sorprendentes por su repentina violencia, todo es un poco demasiado vago para llevar mucho horror y demasiado inevitable en sus crecientes muertes para tener mucho suspenso. La película no hace lo suficiente para atraer a su audiencia, con personajes muy finos cuyas historias de fondo son sugeridas en su mayoría por voces susurradas de su pasado, llevadas por el viento con la apariencia de una amenaza amorfa.

El escenario de la fortaleza es un lugar sorprendente para una lucha culminante que señala el camino a más secuelas. El diseño de producción de Laia Colet en general es efectivo, incluso cuando las pinceladas del equipo de CG son visibles, ver un crucero destrozado medio hundido en el puerto o puentes festoneados con cadáveres colgando da una vívida sensación de un mundo sin piedad ni esperanza. Sin embargo, el elemento más impresionante de la película que pone los nervios de punta es su denso diseño de sonido, hábilmente mezclado con la ominosa partitura de Zeltia Montes. Lástima que hay poco en la historia que se mete debajo de la piel con una habilidad comparable.

Crítica Cinéfila: Mission Impossible - Dead Reckoning (Part One)

Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: Localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

Tarde o temprano, Ethan Hunt se enfrentará a una misión que realmente no debería aceptar. Pero por el momento, sigue siendo el único hombre en la Tierra dispuesto a intentar lo imposible sin cuestionar los motivos de quienes requieren sus servicios. Ese es el trato con el Boy Scout más obediente de Estados Unidos, Tom Cruise , quien ha llevado la franquicia de "Misión: Imposible" de mil millones de dólares a lo largo de 27 años sin perder fuerza. Es casi imposible compararla con Indiana Jones, que no logró conectarse con una generación más joven, o las películas de "Rápido y Furioso", que no se están quedando sin gasolina a pesar de que se han convertido en una tragicomedia.

“Mission: Impossible — Dead Reckoning Part One” encuentra a Cruise, ahora en sus 60, todavía corriendo de un lado a otro de una pantalla muy grande, muy ancha, como si su vida, y las vidas de los 8 mil millones de personas en el planeta, dependieran de ello. Esta es la séptima salida taquillera de Hunt, con una última franquicia que se estrenará el próximo verano, y aunque no puede eclipsar lo que vino antes ("Fallout" fue el punto culminante de la serie), el director Christopher McQuarrie ofrece un concepto formidable y varios escenarios del salón de la fama mientras de alguna manera logra vincular las historias con la mitología central de estas películas.

El villano esta vez no es una persona, sino una inteligencia artificial todopoderosa conocida como la Entidad, que engaña a un submarino ruso súper avanzado para que se destruya a sí mismo en la inteligente secuencia previa a los créditos de la película. En los momentos justo antes de que la nave explote (pocos días después de que el Titán corriera un destino similar), la cámara se enfoca en un monitor de computadora desatendido, donde aparece algo parecido a un globo ocular digital gigante en la pantalla. No rojo como HAL-9000, sino más bien un ominoso orbe azul que mira desde un flujo de código digital estilo "Matrix". Es una solución útil para un dilema complicado: ¿cómo antropomorfizar algo tan abstracto como la IA deshonesta? En las décadas posteriores a “2001: A Space Odyssey”, el público en general ha desarrollado preocupaciones reales sobre dicha tecnología. Mientras que Arthur C. Clarke se dedicaba a la ficción especulativa,

Entre el sub y la supercomputadora, se siente como si McQuarrie y el coguionista Erik Jendresen hubieran tenido la previsión de extraer puntos de la trama de las noticias del día siguiente, lo que ayuda a cubrir el hecho de que las secuencias de acción se sienten como acrobacias familiares. ¿Cuántas veces hemos visto a Cruise colgando sobre un abismo a gran altura, o hemos visto a hombres adultos pelear encima de un tren a toda velocidad? Si finalmente se llama a los héroes humanos para controlar la inteligencia artificial, no parece especialmente probable que el enfrentamiento involucre algo tan espectacular como acelerar una motocicleta por un acantilado noruego. Pero ver nerds escribiendo códigos en un aburrido laboratorio de computación (o lo que sea que ese escenario finalmente implique) no es tan cinematográfico, así que agradezcamos que McQuarrie y compañía tengan una imaginación tan vívida.

Mientras Hunt está ocupado siendo la figura de acción de la película, cuenta con el apoyo de los agentes tecnológicos Luther Stickell (Ving Rhames) y Benji Dunn (Simon Pegg), quienes le dan consejos a través de auriculares. “Dead Reckoning” también trae de vuelta a la francotiradora Ilsa Faust (Rebecca Ferguson) y a la traficante de armas White Widow (Vanessa Kirby), formando un pequeño y elegante conjunto de amigos y asociados a los que la IA puede apuntar y/o manipular. La idea aquí es que las habilidades informáticas de milla por minuto de la Entidad han concluido que lo único que se interpone en su camino es Hunt. ¿Y cuál es el punto débil de Hunt? Lealtad a sus amigos. Como le dice Hunt a una talentosa recluta conocida solo como Grace (Hayley Atwell), "Tu vida siempre importará más que la mía".

Esa es solo una pésima filosofía táctica, pero es el tipo de pensamiento obstinado que Cruise encarna tan bien: un instrumento contundente que viaja a una velocidad extremadamente alta, guiado por el instinto y ese barómetro ético interno. A pesar de que acabamos de conocer a Grace, que es una carterista de alquiler y no muy buena para trabajar en equipo, Hunt ha decidido que vale la pena protegerla. Entonces, cuando la Entidad obliga a Hunt a elegir a cuál de sus amigas salvar, Ilsa o Grace, el tipo casi sufre un cortocircuito. En teoría, así es como vences a un cerebro virtual: le das un problema imposible de resolver (al estilo del juego de tres en raya en “Juegos de guerra”). Por el momento, la Entidad parece estar jugando al ajedrez, no al Riesgo, ya que "Dead Reckoning" aún tiene que mostrar de qué es capaz la IA renegada. Dijo que una de estas mujeres debe morir, Hunt hace todo lo posible para salvarlos a ambos. Como de costumbre, tiene máscaras faciales en su arsenal, mientras que la Entidad tiene un ingenioso truco para fingir ser varias personas: un recordatorio de que nunca puedes confiar en tus ojos u oídos en una película "M:I".

Dado que Hunt realmente no puede tratar directamente con la Entidad, la película inventa a un puñado de secuaces humanos para cumplir sus órdenes (y golpear, conducir, etc.). Con ese fin, Esai Morales interpreta a un tipo llamado Gabriel que ha sido reincorporado a la historia de fondo de Hunt, lo que supuestamente hace que esta sea una misión más personal que las anteriores, aunque el efecto no es diferente que si hubiera sido inventado para esta película. Gabriel recibe órdenes de la Entidad, mientras que la mano derecha Paris (Pom Klementieff, quien interpretó a Mantis en las películas de "Guardianes de la Galaxia") resulta ser el adversario más amenazante. Aparece por primera vez en Roma, donde una elaborada persecución en automóvil filmada en el lugar equilibra hábilmente la emoción y la risa, esta última cortesía de un pequeño Fiat 500 y un par de esposas.

Como siempre, la trama no es más que una excusa para escenarios cada vez más elaborados, ejecutados de manera tan convincente que Cruise se ha ganado la reputación de llevar a cabo todas las locuras que Hunt debe hacer en la película. Eso es un testimonio de algo más que el departamento de marketing; Cruise realmente está comprometido a superar sus hazañas anteriores, y aunque no hay escasez de buena magia de película pasada de moda involucrada (en la edición y los efectos visuales), el equipo hace un excelente trabajo para hacer que cada detalle de CGI parezca real. Pero más que esto, en un momento en que casi todas las demás franquicias, desde Marvel hasta “Avatar”, han adoptado el aspecto falso de los dibujos animados generados por computadora, “Misión: Imposible” parece la más práctica: gran parte de lo que vemos fue capturado por la cámara, y eso hace toda la diferencia.

Con solo una película restante en la serie, "Dead Reckoning" comienza a atar cabos sueltos, lo que significa que ninguno de los personajes canónicos está a salvo, ni siquiera Hunt. Combine eso con la estrategia de la Entidad de apuntar a sus amigos, y la película logra humanizar las apuestas. En esencia, sigue siendo solo un elaborado juego de "la papa caliente", ya que todos persiguen la clave de dos partes que se hundió con el submarino ruso y que sigue cambiando de manos durante los 163 minutos de duración de la película. La acción se basa en el mejor escenario de la película, ya que Hunt encuentra una forma novedosa de abordar un tren a toda velocidad, y una forma aún menos convencional de desembarcar una vez que comienza a deslizarse por un puente, un carril a la vez. Esta salida puede ser la mitad de un final de dos partes, pero le da al público un cierre suficiente para valerse por sí mismo y anotar en la lista la próxima película.

Crítica Cinéfila: Asteroid City

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. 

Como cualquier película de Wes Anderson, “Asteroid City” es el epítome de una película de Wes Anderson. Una película sobre un programa de televisión sobre una obra dentro de una obra "sobre el infinito y no sé qué más" (como lo describe un personaje), este cautivador del desierto deliciosamente profundo, con mucho, el el mejor trabajo del director desde "The Grand Budapest Hotel" y, en algunos aspectos, lo más conmovedor que jamás hayamos hecho, pues cuenta con todas sus características habituales y algo más. Un dispositivo de encuadre de varios niveles, un diseño de toma estilo diorama y Tilda Swinton diciendo con indiferencia cosas como "Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos" son solo algunos de los muchos adornos característicos que podría reconocer del trabajo anterior de Anderson.

Cerca del comienzo de la maravillosa nueva película de Wes Anderson, Asteroid City, el fotógrafo de guerra Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) lleva su auto al mecánico de la ciudad (Matt Dillon). El mecánico le dice que hay dos posibles razones por las que el auto de Augie se descompuso. El primero requiere un simple reemplazo de una pieza barata, y el segundo significa que su automóvil se daña permanentemente. Si bien hay mucho en juego, este tipo de binario puede ser reconfortante para algunas personas: de todo lo que podría pasarle a un automóvil, el mecánico lo ha reducido a dos posibilidades: resultado será una solución rápida o lo convertirá en un automóvil chatarra.

Excepto, por supuesto, que no lo es. Después de que parece que el mecánico arregló el motor, el automóvil se detiene chisporroteando una vez más y expulsa una parte extraña y chispeante que debe neutralizarse con un extintor de incendios. “Creo que estamos lidiando con una tercera posibilidad que nunca antes había visto”, comenta el mecánico; el mundo rara vez es lo suficientemente amable como para darnos una cosa u otra. Esta es solo la primera manifestación de incertidumbre y caos en "Asteroid City", que encuentra a uno de los directores más meticulosos del cine moderno lidiando con las cosas que están fuera de su control, y del de todos los demás.

Esta no es la primera vez que Wes Anderson aborda grandes problemas. Estereotipado por las parodias de TikTok y la IA como un vendedor ambulante de confecciones cinematográficas ligeras, el famoso estilo de Anderson es una especie de caballo de Troya: permite al público disfrutar de su dirección de arte sinigual y la fantasía amanerada de su escritura, solo para golpearlos con el mazo de Croquet. "The Royal Tenenbaums" explora la depresión y el trauma generacional, "The Grand Budapest Hotel" persigue su delirante travesura con un recordatorio aleccionador de las cosas hermosas destruidas por el fascismo, y "The French Dispatch" lidia con todo, desde la mercantilización de la política revolucionaria hasta la vida solitaria de un expatriado. 

En "Asteroid City", sin embargo, los temas favoritos de Anderson de soledad y represión emocional adquieren un sesgo existencial. Ambas capas de la narrativa de la película, Asteroid City en sí mismo y el dispositivo de encuadre detrás de escena televisado a su alrededor, se relacionan con lo que significa encontrarse a la deriva e incierto en un mundo que parece haberse salido de su eje. En la "obra" propiamente dicha, un colorido elenco de personajes converge en Asteroid City para una convención de astronomía juvenil, solo para encontrarse cara a cara con el misterio infinito del cosmos cuando un extraterrestre interrumpe una sesión de observación de estrellas. Sus vidas se desequilibran aún más cuando el gobierno de EE.UU. impone una cuarentena de una semana en la ciudad, atrapándolos en medio del desierto con sus visiones del mundo recién destrozadas.

Algunas personas lo manejan mejor que otras. La remilgada maestra de escuela cristiana, June Douglas (Maya Hawke), está claramente desatada por la intrusión extraterrestre en el diseño de Dios; ella está alegre y nerviosa mientras intenta en vano seguir su plan de lecciones (sus estudiantes, por el contrario, se lo toman todo con calma, con un poco de ayuda de un vaquero cantante llamado Montana interpretado por Rupert Friend), se reduce a agarrar un rayo de la muerte y ladrar amenazas a un soldado; los cinco Junior Stargazers se encargan de filtrar la existencia del extraterrestre al público, impulsados ​​por las implicaciones científicas y filosóficas de la vida interestelar. Aquellos que permanecen imperturbables tienen algo más a lo que dedicarse, ya sea su trabajo (el gerente del motel de Steve Carell) o su sentido del deber hacia su difunta hija (Tom Hanks como el suegro de Augie).

El arco más convincente de todos pertenece al propio Augie, así como al actor del universo, Jones Hall. Augie es una de las muchas figuras paternas distantes de Anderson, y se las arregla para superar a personas como Steve Zissou y Royal Tenenbaum en términos de estreñimiento emocional puro. Augie, un hombre barbudo con cara de piedra que habitualmente mastica una pipa, pronuncia sus líneas en un tono monótono y seco que es inexpresivo incluso para un personaje de Wes Anderson, evita contarles a sus hijos sobre la muerte de su esposa durante semanas después del hecho, ya que “nunca es el momento adecuado”; cuando finalmente lo hace, solo puede decir que ella “sucumbió a su enfermedad”, como si estuviera escribiendo un comunicado de prensa. Limita sus emociones fuertes: el trauma de la Segunda Guerra Mundial, la lujuria por la estrella de cine Midge Campbell (Scarlett Johansson), maravillarse ante un extraterrestre recién llegado, dentro del marco de su cámara, manteniéndolos a una distancia segura e ingeniosa. Al igual que el general del ejército (Jeffrey Wright) que ordena a la gente de Asteroid City que se quede tranquila, él preferiría mantener los problemas en cuarentena antes que dejar nada al azar; por supuesto, están obligados a salir tarde o temprano.

Puede que Jones Hall no tenga que lidiar con un extraterrestre (o al menos, como actor, sabe que su extraterrestre es interpretado por Jeff Goldblum), pero lidia con muchos de los mismos problemas que Augie. Él también busca soluciones claras que nunca puede encontrar realmente; hace preguntas que nadie puede responder. Ni siquiera el dramaturgo, Conrad Earp (Edward Norton), sabe por qué Augie se quema la mano en una plancha en el Acto III; cuando Jones ofrece una suposición vacilante, Earp inmediatamente acepta, pero Jones sigue insatisfecho. Incluso cuando llega el momento en el que Augie realiza la acción automáticamente y sin pensar, la pregunta es solo una pequeña parte de una incertidumbre mayor; acorrala al director Schubert Green (Adrien Brody) y le pregunta con urgencia si está “haciendo esto bien”, y solo una conversación melancólica con una excompañera de escena cortada por tiempo (Margot Robbie , interpretando a la actriz que habría interpretado a la esposa de Augie) ayuda a ponerlo en el camino correcto. Al final, él es quien crea un mantra de clase de actuación que sirve como declaración de tesis de la película: "No puedes despertarte si no te quedas dormido".

Hasta ahora, tan típico, incluso si Asteroid City en sí es un lugar tan vibrante y elaborado como Anderson jamás haya concebido. Hogar de exactamente 87 personas, esta ciudad de una sola bomba está dividida a ambos lados de una larga carretera del desierto y atravesada por un conjunto de vías de tren que el gobierno usa para transportar de todo, desde nueces hasta ojivas nucleares. Hay un luncheonette con 12 taburetes, una cancha de motor con 10 cabinas y una máquina expendedora donde puedes comprar pequeños lotes de bienes raíces como si fueran barras de chocolate. Hay una rampa de salida sin terminar que deja varados autos a unos 15 pies en el aire y, en la distancia, un enorme cráter formado por un meteorito que ha estado esperando en el fondo durante quién sabe cuántos años. 

Absorbiendo la "luz limpia" del sol del desierto, la cámara de Robert Yeoman nos revela la mayoría de estas vistas en el lapso de un solo giro de 360 ​​grados, una flexión que subraya el dominio absoluto de Anderson sobre el set de la película, donde sus personajes pronto quedarán atrapados contra su voluntad, obligándolos así a renunciar a la ilusión de control que ha definido a muchos de los personajes de Anderson a lo largo de su carrera. Es quizás lo más radical que jamás haya sucedido en una de sus películas, el tipo de momento transformador que la IA nunca podría soñar, sin importar la cantidad de datos que ingiera, y gira "Asteroid City" en una nueva dirección cósmica. Lo que hasta entonces era solo otra película inmaculada de Wes Anderson, de repente se convierte en única. 

Puedes intentar establecer un orden en tu vida. Puedes construir una pequeña ciudad en un vasto y árido desierto; puedes tomar fotos de las cosas para hacerlas menos reales; puede apegarse a su plan de lección sobre el Sistema Solar después de experimentar un encuentro extraterrestre; incluso puedes convertirte en un director de fama mundial reconocido por tu microscópica atención a los detalles. Pero siempre te enfrentarás a preguntas que no podrás responder y verdades que no podrás tragar; siempre le mostrarás a un mecánico algo que nunca antes ha visto; nunca encontrará una solución fácil para el duelo o el trauma; nunca estarás 100% seguro de que estás donde debes estar. Pero no puedes despertarte o experimentar algo como la serenidad si no te duermes, si no aceptas lo que no puedes controlar y haces las paces con lo desconocido. O, como le dice Schubert Green a Jones cuando admite que todavía no entiende la obra: “No importa. Sigue contando la historia. Lo estás haciendo genial".

Crítica Cinéfila: Elemental

Ambientado en Ciudad Elemento, donde conviven habitantes de fuego, agua, tierra y aire. La protagonista de la historia es Candela, una joven fuerte, ingeniosa y con carácter, cuya amistad con un chico divertido, sensible y tranquilo, llamado Nilo, cambia su perspectiva sobre el mundo en el que viven.

Allá por 2009, Peter Sohn dirigió el corto de Pixar, "Partly Cloudy". La historia de Sohn, de nubes antropomórficas que generan bebés de varios tipos para ser entregados por cigüeñas, es exactamente el tipo de cuento caprichoso pero efectivo que caracterizó durante mucho tiempo a la compañía, con los cortometrajes como incubadoras no solo de ideas que funcionaron como historias sin diálogo, sino también por los avances en la tecnología de animación.

Corte a más de una década más tarde y Sohn nuevamente tiene la cabeza en las nubes, esta vez con Elemental, otra hazaña audaz e impresionante en su destreza técnica de animación con una historia emocionalmente rica que se extiende por todas partes. En esencia, Elemental es una historia de amor intercultural, con temáticas como la tenaz lucha de inmigrantes, y una película sobre los desafíos del aislamiento cultural y las responsabilidades de respetar los sacrificios de aquellos que nos precedieron.

Todo esto es algo embriagador en lo que ostensiblemente se caracteriza como entretenimiento para niños, pero las películas de Pixar rara vez han rehuido las preocupaciones más adultas, o al menos adolescentes. Elemental le debe mucho a gente como Amélie con su sentido del romance con los ojos muy abiertos, pero también más que un poco de "Guess Who's Coming to Dinner?" y una pizca de "In The Heights", o incluso cuentos más trágicos como "West Side Story", donde diferentes individuos reaccionan fuertemente a los que interactúan fuera de su círculo, y los amantes desventurados deben superar los prejuicios de quienes los rodean.

Ember Lumen (Leah Lewis) es una residente de mal genio de Fire Town. Trabaja en la tienda de su padre, donde Bernie (Ronnie del Carmen) lleva años esperando el día para pasárselo a la nueva generación y mantener viva la llama. Él y su esposa Cinder (Shila Ommi) emigraron, y su suspicacia a aceptar otros elementos lo ha hecho protector de su comunidad y de la perspectiva de su hija.

Cuando un burócrata del elemento agua llamado Wade Ripple (Mamoudou Athie) entra inesperadamente en la vida de Ember, las cosas realmente comienzan a hervir cuando los dos se ven obligados a cooperar para resolver un problema existencial para Fire Town. En el camino, se acercan más entre ellos a pesar de sus diferencias obvias y se encuentran con otros personajes más terrenales y aireados, cada uno de los cuales contribuye con su propio aspecto a la comunidad en general.

Expresado de esta manera, parece ser una película con un mensaje demasiado simplificado sobre puntos de encuentro interculturales y varias formas de prejuicio y estrechez en las miradas juzgonas, pero para crédito de “Elemental” no funciona como un mensaje didáctico de unión. Hay razones reales y motivadas para las respuestas, particularmente las de la generación anterior, y en todo caso, la empatía de la película funciona en todos los elementos, que llegan a comprender todo, desde una respuesta bulliciosa durante un juego de “aeroball” hasta las preocupaciones muy reales por la salud y problemas cardíacos para evitar que el espíritu de una comunidad única se desborde.

“Elemental” requiere eventos dramáticos para escalar, por supuesto, y cuanto más uno calcula lo que sucede y la facilidad con la que se superan estas consecuencias reales, hace que la trama se sienta un poco más fácil de lo que debería. El tercer acto es enérgico, pero no tiene la mordida que podría haber tenido en otro contexto; sin embargo, aun así hace bien en hacer avanzar la narración y al menos dar una sensación de que se están superando tribulaciones reales.

El acto intermedio, donde los dos elementos se conectan, es extremadamente efectivo y hay un sentimiento genuino de afecto extraído de estos personajes. Las voces hacen mucho para proporcionar una química real, pero también hay una animación absolutamente sublime en juego, utilizando la dinámica de la llama y el agua de maneras que, para cualquier persona familiarizada con los desafíos de dar vida a estas cosas utilizando las herramientas de manipulación poligonal, se siente como magia otorgada por la tecnología de hace solo unos años. Damos por sentado que cualquier cosa que uno pueda imaginar ahora se puede ver en la pantalla, sin embargo, hay algunas formas artísticamente audaces de hacer que el agua y especialmente las formas de llamas orgánicas y tenues de Ember y su familia cobren vida.

Es posible que “Elemental” no alcance las alturas a las que se elevó “Up”, pero los ingredientes de esta película se combinan de maneras que son satisfactorias e incluso conmovedoras. Es una historia tonalmente desafiante para hacerlo bien, y fácilmente podría haberse convertido en algo demasiado directo o demasiado estridente en su mensaje. En cambio, se nos otorga una película que sube y baja en intensidad, fluyendo junto con una trayectoria segura que habla de problemas más importantes sin ahogarse en mensajes abiertos. 

Además, Elemental puede no tener el atractivo incorporado de los personajes preexistentes, pero su construcción del mundo recuerda a otra joya subestimada bajo el paraguas de Disney (Zootopia), en sí misma una bella historia animada que integra elementos narrativos no muy diferentes. Sin embargo, “Elemental” se las arregla para construir su propio camino, empleando una estructura de historia satisfactoria y una animación de personajes sutil pero espectacular para dar vida a esta trama. Los resultados, como el romance en sí, pueden ser mixtos, pero hay mucho que celebrar sobre estos elementos.

 

Crítica Cinéfila: Indiana Jones and the Dial of Destiny

El arqueólogo Indiana Jones deberá emprender otra aventura contra el tiempo para intentar recuperar un dial legendario que puede cambiar el curso de la historia. Acompañado por su ahijada, Jones pronto se encuentra enfrentándose a Jürgen Voller, un ex nazi que trabaja para la NASA. 

No hace falta decir que James Mangold no es Steven Spielberg, al igual que sería tremendamente injusto exigirle a cualquier director de Hollywood ese estándar. Por el contrario, hay algo admirable en el hecho de que Mangold encontró el descaro para cerrar el libro de esta franquicia. Lo que no encontró fue una razón de peso para volver a abrir ese libro en primer lugar. "Indiana Jones and the Dial of Destiny" no solo es una pérdida de tiempo casi total, sino que también es un recordatorio elaborado de que es mejor dejar algunas reliquias donde y cuando pertenecen. Si tan solo las entradas anteriores de esta saga se hubieran tomado la molestia de señalarlo. 

Volviendo a Mangold por un momento: es importante tener en cuenta que el fracaso de su última película tiene mucho menos que ver con su talento como cineasta que con el momento en que se le pidió que lo aplicara. Mangold es un heredero tan digno de la corona de Spielberg como cualquiera que trabaje a nivel de estudio hoy en día, y las escenas más eléctricas de "The Dial of Destiny" (todas las cuales están abarrotadas en los primeros 45 minutos) muestran el mismo estilo carismático y competitivo detrás la cámara que ayudó a los gustos enormemente subestimados de "Knight + Day" a golpear tan alto por encima de su categoría de peso. No, la diferencia más grande (o al menos más evidente) entre Spielberg y Mangold es que uno de ellos nunca se habría permitido hacer algo tan obsoleto, y el otro probablemente no tuvo otra opción. 

Por supuesto, eso es en parte culpa de Spielberg. Al llegar a un importante punto de inflexión en la economía de los fanáticos del cine, "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" se convirtió de inmediato en sinónimo del trato sacrílego de las queridas franquicias de Hollywood. Ese fiasco de 2008 cometió una buena cantidad de errores del tamaño de Mutt Williams, pero la indignación reflexiva por "destruir el refrigerador" eclipsó un emocionante viaje delirantemente bien dirigido que se atrevió a reconciliar los impulsos contradictorios que habían definido a Indiana Jones desde el principio: familia y aventura. 

En un torpe adelanto de lo que "The Last Jedi" haría tan magistralmente unos años más tarde, "Crystal Skull" tuvo el coraje de infligir un cambio significativo a un personaje icónico, y el retroceso fue tan intenso que el cineasta más exitoso en la historia de Hollywood estaba demasiado asustado para volver a recoger el sombrero de fieltro. ¿Y por qué debería hacerlo? Esa película dejó a su héroe con la felicidad que nunca admitió que siempre había deseado. “Indiana Jones and the Dial of Destiny” se lo arranca y no le da prácticamente nada de valor a cambio. 

Un slog vacío de una película que solo existe para suavizar cualquiera de las quejas de los fanáticos que han dividido a la audiencia de la franquicia en los últimos 15 años, "The Dial of Destiny" es una película de aventuras trotamundos tan segura que incluso su héroe nunca parece estar en peligro significativo (una compilación más precisa de "Star Wars" sería "The Force Awakens", pero esa secuela heredada tuvo el lujo de prometer algo nuevo, mientras que esta solo se dedica a volver los nudos perfectos en cabos sueltos).

En retrospectiva, la peor parte es que el extenso prólogo de Mangold se atreve a prometer algo más, ya que "The Dial of Destiny" comienza con un Indy que roba cierto artefacto de los nazis al final de la Segunda Guerra Mundial. La tecnología todavía es un poco inestable aquí y allá, apropiada para una franquicia que privilegia los poderes finitos de la ciencia sobre los caprichos de la magia, pero no se puede negar lo divertido que es ver a un joven Harrison Ford golpear una nueva variedad de nazis, e incluso luchar contra algunos de ellos en la parte superior de un tren a toda velocidad junto con el arqueólogo Basil Shaw (Toby Jones). Mangold llena toda esta secuencia con deliciosas notas decorativas que ayudan a superar algunos CGI oscuros y dudosos; un poco que involucre una bomba muy pesada es digno de cualquier película que esta franquicia haya producido.

El artefacto en cuestión es el Dial de Arquímedes, una herramienta matemática que se creía capaz de abrir fisuras en el tiempo. El científico nazi Jürger Voller, un Mads Mikkelsen demasiado obvio, que interpreta a Wernher von Braun y que fácilmente es el villano más aburrido que Indiana Jones ha tenido que enfrentar, ciertamente cree en el poder del dispositivo, y cuando la historia comienza en 1969, todavía está desesperado para encontrar la pieza faltante que podría permitir que el impulsor cumpla su misterioso propósito. Indy, mientras tanto, no tiene esa motivación. Su matrimonio con Marion Ravenwood en ruinas y su hijo ha fallecido (siéntete libre de dar un suspiro de alivio), Indy está caminando penosamente hacia la jubilación como profesor en Hunter College, y las vibraciones de "out of my grass" nunca han sido más fuertes. Su relevancia nunca ha estado más en duda; sus alumnos solían mandar notas de amor hacia él con los párpados, y ahora duermen toda la clase. 

La buena noticia es que hay una morena alegre con acento británico en la parte trasera de la sala que parece totalmente comprometida con el material: la hija de Basil y la ahijada de Indy, Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge, incluso si el guión nunca es tan divertido como ella y no le favorece). En un momento se están poniendo al día, y al siguiente se están alejando a toda velocidad de la camarilla de secuaces olvidables de Voller (Boyd Holbrook y Shaunette Renée Wilson) en una carrera mundial por el último McGuffin. 

Es una carrera que llevará al elenco de Tánger a Sicilia (entre lugares mucho más extraños) mientras el guión torcido se esfuerza por cumplir con todas las obligaciones necesarias. Hay una persecución fantástica entre una motocicleta y un caballo, un niño al azar que agrega aún menos a la trama de lo habitual ahora que Indy es una figura paterna, mientras golpea a un grupo de nazis. Y abandona los aviones. Y se estrella contra los túneles del tren. Algunas cosas nunca cambian, pero al menos la nostalgia fácil de esta película tiene algún propósito metatextual detrás, ya que "The Dial of Destiny" está profundamente arraigada en una idea simple que explica tanto su trama como sus trampas: no puedes cambiar el pasado, pero es posible que pueda volver a visitarlo por un tiempo. 

Eso significa ritmos familiares y algunos cameos de fan-service. También significa un miedo paralizante a tomar cualquier decisión que pueda cambiar retroactivamente algo sobre la franquicia o desafiar lo que su icónico héroe significa para las personas (no hace falta decir que Ford sigue siendo Indy de principio a fin, aunque el emotivo discurso que pronunció ante el el estreno de la película en Cannes fue mucho más emotivo y conmovedor que cualquier cosa que le hayan pedido que haga en la película misma). Aparte de un clímax salvajemente inerte, no hay nada aquí que pueda sorprender a nadie. Y eso es cierto tanto en macro como en micro dimensiones, hasta un punto que resulta cada vez más insensible cada vez que Voller aparece en algún lugar unos minutos después que nuestros héroes. 

Al final del día, "The Dial of Destiny" no se trata tanto de agregar nuevas capas a la leyenda de Indy como de pulir las que ya tenía. Al igual que la reliquia en el centro de esta película, que Helena, interesada en sí misma, está constantemente tratando de vender al mejor apostador, el problema real aquí es restaurar el valor completo de un ícono cinematográfico antes de que cabalgue hacia la puesta de sol para siempre. Puedes sentir cuán desesperadamente Mangold, Ford, e incluso los productores ejecutivos Spielberg y George Lucas, el último de los cuales sin duda sonreiría ante la tontería del gran final de la película, quieren desesperadamente que Indy llegue a la cima en la imaginación del público, y "The Dial of Destiny” desentierra innecesariamente la historia antigua para que eso suceda.

“El ayer nos pertenece”, dice alguien en un momento, y cuando se trata de Indiana Jones, el ayer siempre lo será. El problema es que ya lo hizo, y hoy se siente como una completa pérdida de tiempo.