Critica Cinéfila: Frozen II

¿Por qué nació Elsa con poderes mágicos? La respuesta le está llamando y amenaza su reino. Junto con Anna, Kristoff, Olaf y Sven emprenderá un viaje peligroso e inolvidable. En 'Frozen', Elsa temía que sus poderes fueran demasiado para el mundo; ahora deseará que sean suficientes. Secuela de "Frozen. El reino del hielo" (2013).

Con "Frozen II", Disney ha hecho lo imposible: ha creado una secuela musical animada excelente.

En los últimos 25 años, el estudio ha lanzado un montón de continuaciones a sus éxitos más grandes, como "Return of Jafar" y "The Lion King 1½". Todos ellos han sido olvidables en el mejor de los casos, desterrado a los rincones más oscuros de Disney +. Pero la maldición ha sido levantada. La segunda de "Frozen" es incluso mejor que la primera, con una animación deslumbrante y una partitura más madura y melodiosa. Llámalo "La nieve contraataca".

Elsa cantó una vez: "¡Nunca volveré! ¡El pasado está en el pasado!” y Frozen II ha seguido sabiamente ese camino. En lugar de repetir la película de 2013 y acumular complicaciones relacionadas con la capacidad mágica de la reina de congelarse con la punta de los dedos, comenzamos de nuevo con una nueva aventura fuera de la caja de hielo.

Nuestra heroína ahora se sienta en el trono de Arendele, pero a pesar de los altibajos de ser reina, Elsa (Idina Menzel) siente un vacío persistente. Ella comienza a escuchar una canción de sirena que la llama a la distancia cuando una fuerza sobrenatural devasta el reino. Ella cree que la canción es la fuente del daño, proveniente de un bosque encantado del que su madre le habló cuando era niña. ¿Podría también contener la clave de sus poderes mágicos? Entonces, ella se va, junto con su hermana Anna (Kristen Bell), el muñeco de nieve Olaf (Josh Gad), Kristoff (Jonathan Groff) y Sven el reno.

La pregunta más importante para los padres: "¿Qué canción me obligarán a tocar en el automóvil en un bucle sin fin hasta lo que parece el final de los tiempos?". Eso sería "Into the Unknown", que Elsa grita antes de embarcarse en su viaje. Es un número conmovedor que resume muy bien la mezcla más adulta de oscuridad y fantasía de la película. 

Una vez que estamos en el bosque, una tierra mágicamente cercada del mundo exterior, los paisajes y personajes más bonitos de Disney desde "Coco" de 2017 cobran vida. El demonio de fuego de color rosa intenso late con color, y los ogros de roca se ven tan bien como cualquier criatura en "El Señor de los Anillos". Pero no todos son monstruos y significados profundos. La música, de los ganadores del Oscar, Robert López y Kristen Anderson-López, es en realidad mucho más divertida esta vez. Olaf canta una canción encantadora, mientras lo persiguen los terrores en el bosque, sobre cómo todo tendrá sentido cuando sea mayor, y Groff suena genial como Kristoff durante una balada teñida en el campo que parece un video de los Backstreet Boys.

Resulta impresionante cómo en una película familiar se tocan tantas reflexiones que, claro, se les escaparán a los más pequeños: de Anna, siempre rebelde ante la realidad que la rodea, era previsible, pero no del muñeco de nieve Olaf, quien entre chistes y bromas se ve atacado también por el peso del paso de su propia existencia ("el agua tiene memoria" será una de sus frases clave en el desarrollo de la trama) y se plantea su función en un mundo que ha visto desde fuera y del que ahora se siente partícipe, consciente del paso del tiempo. Por otra parte, cuando abraza su vena cómica, protagoniza un hallazgo divertidísimo, una secuencia impagable en la que resume, en un monólogo de apenas veinte segundos, todo el argumento de la primera película.

Pero la franquicia "Frozen" se encuentra mucho en el bosque. Los poderes e inseguridades de Elsa siguen siendo la estrella, por supuesto, pero esta película debería confirmar a Disney lo perfecto que es todo este conjunto de personajes. El primer "Frozen" superó con creces las expectativas de taquilla, y como consecuencia su secuela parece mucho más grande.

Crítica Cinéfila: Honey Boy

La historia se centra en la tormentosa infancia de un joven actor y sus primeros años de la adultez mientras lucha por reconciliarse con su padre y lidiar con su salud mental.

Pocos actores han engendrado el nivel de curiosidad y confusión que rodea a Shia LaBeouf, sin embargo, se ha visto poco impacto en su carrera cinematográfica. Los arrestos de LaBeouf por intoxicación pública y su mezcla de arte de performance pueden haber obstaculizado su perfil público, pero nunca degradaron la calidad de una filmografía arriesgada y sustancial. Ahora, las facetas de duelo de la carrera y la vida pública de LaBeouf han chocado de la manera más intrigante.

Con "Honey Boy", LaBeouf ha escrito un resumen autobiográfico sobrio de su problemática juventud, atribuyendo gran parte de su entrada áspera en la edad adulta a su padre abusivo, un papel exuberante que el propio actor encarna con un gran machismo inquietante. Dirigida por el documentalista expresionista Alma Har'el en su debut narrativo, "Honey Boy" se beneficia del buen ojo de la cineasta, incluso cuando introduce el trauma de la vida real en ritmos convencionales.

Otis es un niño de 12 años que descubre desde muy joven la fama en Hollywood. Su padre es un antiguo payaso de rodeo con diversos problemas, ahora sin trabajo, que decide convertirse en su guardián. Cuando Otis no está divirtiendo a un selecto público, pasa el rato con su padre en un motel de mala muerte situado en las afueras de donde acude a grabar. La convivencia entre ambos es muy compleja: Otis se ve obligado a sufrir sus abusos mientras ambos intentar dar sentido a una relación que se reproduce en el tiempo a lo largo de más de una década.

Mientras "Honey Boy" se adhiere a un libro de jugadas tradicional para historias naturalistas de jóvenes problemáticos, pide lecturas más profundas desde su primera toma: en el 2005, un joven ligeramente ficcionalizado como "Otis" (Lucas Hedges), soporta algunos explosivos trabajo de acrobacias en el set de una gran producción de Hollywood que solo podría ser "Transformers". Vislumbrado en un denso montaje involucrado en un notable desenfoque de los horarios de producción, consumo excesivo de alcohol y conexiones, Otis apenas ha dicho una palabra antes de que voltee su auto y aterrice en la cárcel, seguido de rehabilitación. Una vez presionado por su terapeuta (Laura San Giacomo) para considerar su pasado como lo que ha causado tantos traumas en él, comienza el flashback: es 1995, cuando el preadolescente Otis (Noah Jupe) se encuentra en el centro de otra producción insustancial, esta vez un espectáculo infantil descartable que solo podría ser "Even Stevens".

A partir de ahí, "Honey Boy" se instala en sus dos períodos de tiempo, haciendo conexiones poco sutiles entre la forma en que el padre de LaBeouf (un padre llamado James, basado en el Jeffrey de la vida real) empujó a su hijo mientras tropezaba con una serie de pobres decisiones y el eventual impacto que tuvo en la propia trayectoria rocosa de LaBeouf. Diagnosticado desde el principio con el trastorno de estrés postraumático, Otis, de veinte años, lidia con sus recuerdos para darle sentido a su hogar roto. Mientras Hedges habita el papel con poco más que miradas furtivas y el berrinche ocasional, la mayor parte de la película involucra a su contraparte más joven. Afortunadamente, él es la gracia salvadora de la película: Jupe, quien también lo recordamos de "A Quiet Place", ocupa el centro del escenario  como un brote de buena fe.

El sutil giro de Jupe se destaca frente a la transformación menos convincente de LaBeouf, que encuentra al actor envuelto en una peluca calva, cabello hasta los hombros, patillas desordenadas y tripa visible, mientras se pone un acento sureño. El rendimiento hiperbólico de LaBeouf encuentra su ritmo con el tiempo, ya que el alcance completo de la historia de James se aclara en una serie de encuentros fugaces: un delincuente sexual convicto y un veterano de Vietnam que cumplió condena, se divorció de su esposa y traficaba drogas, James verifica casi todas las casillas del perfil de "padre sin vida". Y en una floritura que parecería exagerada si no se extrajera de la verdad, se gana la vida como un payaso.

La narración que sigue tiene muchos momentos de libros de texto, algunos más torpes que otros: recordatorios recurrentes de que James, reacio a los afectos, se niega a tomar la mano de su hijo, la cálida compañía de Otis con una niña mayor del vecindario en la comunidad de moteles económicos donde encuentra solo el más mínimo indicio de calidez, y la tienda de monedas de diez centavos que psicologiza las sesiones de rehabilitación se desarrollan más o menos de manera esquemática acorde con un guión.

El autoanálisis de LaBeouf es demasiado obvio para revelar mucha autorreflexión. "¡Soy un hombre adulto con un complejo de inferioridad!", Espeta Hedges desde el principio. Afortunadamente, mientras estas escenas van y vienen, los momentos anteriores proporcionan una base convincente para explorar los desafíos legítimos de LaBeouf y retrasar la percepción de un proyecto de vanidad total. Mucho de eso tiene que ver con la cineasta detrás de la cámara: el estilo visual de Har'el se hizo realidad en los documentales líricos "Bombay Beach" y "True Love" (producidos por LaBeouf), que entremezclan la no ficción con la puesta en escena y momentos que la hacen adecuada para la autobiografía cinematográfica de alto concepto que vemos aquí.

Aún así, "Honey Boy" exige un reconocimiento de la imagen más grande que rodea cada escena. Cuando el adulto Otis irrumpe en el consultorio de su terapeuta para pronunciar una epifanía ruidosa, le pregunta: "¿Estás siendo sincero o te estás burlando de mí?" Y responde "Ambos". Después de muchos años de considerar públicamente su personalidad, es bueno tener esa propia visión, pero abre la puerta sin mirarla.

"Honey Boy" es un objeto cultural fascinante y una visión esencial para cualquier persona obsesionada con los extraños altibajos del actor. Debido a que la existencia de la película se basa en una celebridad, es notable por los detalles ampliamente conocidos que deja fuera de la mesa. No hay nada de los epítetos raciales que LaBeouf entregó en cámara a los agentes de policía después de ser arrestado en Nueva Orleans. Nada sobre sus arrebatos ebrios en un espectáculo de Broadway. Y ninguna idea de su extraña decisión de dirigir un cortometraje de 2011 que fue plagiado de un cómic, una revelación que llevó a LaBeouf a contratar un avión para pintar las palabras "Lo siento" en el aire sobre Los Ángeles. En cambio, al fijarse en su padre, "Honey Boy" se conforma con un resumen sombrío de crecer en circunstancias difíciles. En esos términos, en su mayoría se mantiene unido. 

Como testimonio narrativo de su lado de la historia, la película existe en un continuo junto con el otro trabajo autorreferencial de LaBeouf, incluido el hilarante #ALLMYMOVIES (cuando consumió toda su filmografía públicamente, en un teatro de Nueva York, en el transcurso de varios días), y su inquietante exposición pública #IAMSORRY. Y, por supuesto, hubo un momento en que caminó por la alfombra roja con una máscara que decía "Ya no soy famoso".

Si bien esos trucos estaban destinados a ofuscar los problemas de LaBeouf y molestar a su público, "Honey Boy" ofrece una rama de olivo. Se aprecia menos como película que el confesionario cinematográfico, una búsqueda de catarsis en el único medio sustancial a su alcance. Con ese fin, incluso cuando "Honey Boy" se asienta, es una variación admirable: el intento sincero de una esquiva estrella de cine para llevar su mitología a la Tierra.

Crítica Cinéfila: Parasite

Tanto Gi Taek (Song Kang Ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo Shik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Sun Gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.

Según el diccionario inglés de Oxford, hay dos definiciones para el término "parásito". La más conocida de las dos es la siguiente: un organismo que vive en un organismo de otra especie (su huésped) y se beneficia al derivar nutrientes a expensas del otro. La segunda definición es más despectiva: una persona que habitualmente confía o explota a otros y no da nada a cambio.

En la película ganadora de la Palma de Oro de Bong Joon-Ho, Parasite, se aplican ambas definiciones. Pero a medida que la película llega a su clímax, el público se pregunta: ¿quién es el parásito y quién es el anfitrión? En una sociedad capitalista moderna, ¿es realmente posible que exista un sistema en el que los beneficios de uno puedan derivarse sin tomar de otro? Estas son solo dos de varias preguntas planteadas por esta película.

Parasite concierne a dos familias, que viven en la misma ciudad pero de mundos separados. Los Kim son un clan de pobres indigentes, que viven cerca de la miseria y luchan por obtener una existencia básica. Sin embargo, son inteligentes e ingeniosos, por lo que cuando se le da la oportunidad a su hijo Ki-woo ( Choi Woo Shik ) de ser tutor de la hija adolescente de un rico industrial, toda la familia, astuta y desesperada, se aprovecha. Sus objetivos serán apropiarse de cada trabajo que la familia Park pueda ofrecerles, desde ama de casa hasta chofer privado.

Bong y el coguionista Han Jin Won tienen cuidado de no hacer sus personajes demasiado arquetipados. Aunque en Parasite suceden cosas locas, después de todo, esta es una película de Bong, pero siempre se basan fundamentalmente en algo humano y real, lo que hace que la sátira pique mucho más.

Joon-Ho no es ajeno a ofrecer comentarios y críticas sociales. Sus trabajos anteriores, Okja (2017) y Snowpiercer (2013), abordan temas como la ética corporativa y el cambio climático, utilizando animales masivos y trenes post-apocalípticos como vehículos para su mensaje. Esta vez, sin embargo, las líneas entre los villanos y los héroes son borrosas. Los "buenos" son capaces de cometer actos de deshonestidad y engaño insondables y, a menudo, cómicos, mientras que los "malos" son, a veces, tan insípidos que simplemente parecen demasiado estúpidos para tener capacidad para el mal. ¿Quiénes son exactamente los personajes que el público debe apoyar?

Es esta dinámica cambiante entre la familia de clase baja y la familia de élite lo que hace que esta película sea tan especial. Nosotros, como espectadores, naturalmente nos sentimos atraídos por la familia de los estafadores desempleados y simpatizamos con sus esfuerzos para ganar dinero rápidamente desde su sótano en los barrios bajos de Corea del Sur. Cuando nos presentan la grandiosa y prístina propiedad de la familia Park de la clase alta, instintivamente sentimos cierta forma de desafección hacia ellos, ya que pueden vivir con tanto esplendor mientras la otra familia se ve obligada a conformarse con tan poco.

Desde el primer momento, Joon-Ho crea un mundo en el que tenemos la esperanza de los de abajo mientras vemos a los de arriba con desagrado, a pesar de las motivaciones de cualquiera de las partes. Claro, aquellos en la parte inferior de la cadena alimentaria pueden lograr sus objetivos a través de medios poco éticos, pero podemos mirar más allá de eso, simplemente porque parecen más merecedores de un resultado brillante. Es solo cuando estos roles comienzan a converger y sangrar entre sí que nos vemos obligados a considerar que quizás ambas partes están igualmente involucradas en una relación parasitaria. Existe la posibilidad de que ambas entidades se alimenten de la otra hasta que ambas se sequen.

Aquí todo se roba tu atención: desde la peculiaridad de los personajes, y como desde principio establecen sus talentos y debilidades, hasta el mismo equipo de producción, que con un tremendo montaje, una producción de diseño que solo requerirá dos locaciones principales y una musicalización para establecer la tonalidad del filme, han logrado crear en conjunto una de las películas más emblemáticas de este año.

Parasite es una obra única que nunca se limita a un solo género: lo que comienza como una comedia se convierte en un drama/thriller impredecible que se convierte en la noción convencional de una película de invasión doméstica. Aunque tiene lugar en Corea del Sur y toca el conflicto del país con sus vecinos del Norte, su examen del clasismo y las consecuencias de la distribución desigual de la riqueza se pueden aplicar fácilmente a la sociedad estadounidense actual. 

Crítica Cinéfila: Last Christmas

Kate (Emilia Clarke) es una mujer joven que suele tomar siempre la decisión menos acertada. ¿Su último error? Haber aceptado un trabajo como elfo de Santa Claus en un centro comercial. Sin embargo, el destino la lleva a conocer a Tom (Henry Golding), circunstancia que cambia por completo su vida. Para Kate, todo es demasiado bueno para ser cierto.

Last Christmas, la cursi e intermitentemente encantadora película de Paul Feig, le pide a su audiencia que suspenda su incredulidad temprano, abriendo la comedia romántica con temas festivos en un lugar decididamente infeliz: Yugoslavia a principios de los años 90. Si la situación parece sombría, eso es por diseño, mucho mejor para un giro bastante esperado (de mi parte), y muy poco probable, de magia musical para animar las cosas en una iglesia de pueblo pequeño.

Las cosas pueden ser malas en un país a punto de separarse, pero mejorarán una vez que el coro juvenil de la iglesia, liderado por Kate (interpretada por Madison Ingoldsby cuando era niña), se convierta en un favorito local: "Heal the Pain" de George Michael. Es una elección extraña para cualquier coro, pero no es una elección descabellada para la última película de Feig, que guarda opciones curiosas dentro de una bolsa de elementos de comedias románticas que de otra manera serían cálidas.

La fórmula está ahí: está la protagonista salada (una atractiva post- "Juego de tronos" Emilia Clarke, tan experta en el romance fabricado en el estudio como lo es en la fantasía de gran presupuesto), el interés amoroso que habla suave (Henry Golding, también atractivo, incluso con un tiempo de pantalla significativamente menor), una ubicación brillante y un toque estacional, sin mencionar un gran toque de bocina para que todo siga adelante hasta un final conmovedor. Poco sobre "Last Christmas" es tan sorprendente, pero a medida que Hollywood continúa lidiando con la idea de que la comedia romántica todavía tiene piernas y el público tiene hambre de entretenimiento, es una adición bienvenida a un género rebotante.

Al igual que muchas mujeres de comedias románticas antes que ella, Kate (Clarke) guarda un secreto, del tipo que entierra bajo malas decisiones y peor comportamiento. En un momento, otro personaje la considera "la mujer más egoísta del mundo", una designación que probablemente se encogió de hombros en el momento, solo para sentir el aguijón de ella mucho más tarde. Kate ha pasado el año pasado complaciéndose en sus peores deseos. Bebe mucho, se va a casa con hombres incompatibles e intenta reunir todo por la mañana para prestarle atención a su trabajo como duende en una tienda navideña durante todo el año, propiedad de nada menos que una Michelle ruda.

Pero Kate esconde muchas cosas clave debajo de su espinoso exterior, como algunos problemas familiares serios (dependientes de una relación irregular con su madre, interpretada por Emma Thompson, quien también coescribió la película) y un deseo de cantar profesionalmente frente a alguna audiencia masiva. La película en sí tampoco está lo suficientemente junta como para mantener mucha atención en las ambiciones de Kate, a pesar de que en última instancia refuerzan la función en forma musical desenfrenada. Kate no está buscando amor, compañía, comprensión, y si lo está, está buscando en todos los lugares equivocados, lo que la convierte en la heroína perfecta para el género.

Rodeada de historias de amor y alegría navideña en un Londres brillante (incluso "Notting Hill" mostró más mugre, y esa es una película que se desarrolla principalmente en una librería y en lujosas tiendas de prensa), Kate se enfrenta de repente a Tom (Golding), quien no parece sentirse molesto por la irritación de Kate. De hecho, incluso puede usar su buen humor y su caridad para convertir a Kate en una mejor persona. Como Kate y el público asumen, él debe estar tramando algo.

Resulta que también lo hace la película, pero eso ya yo lo sabía. "Last Christmas" se presenta como una historia sencilla, una que funciona lo suficientemente bien, incluso si a menudo se siente como el equivalente cinematográfico de los dulces navideños, pero hay algo más que acecha fuera de marco. Muchos posibles espectadores han especulado sobre la posibilidad de un giro, gracias a la curiosa elección del título y la referencia de George Michael, la película finalmente llega a una conclusión que proporciona algunas respuestas necesarias. Sin embargo, es esperado: el twist es predecible si prestas atención al trailer; si evitas el trailer, quizás te sorprenderás, y quizás llorarás. Pero al final, resulta incluso algo decepcionante.

De arriba a abajo, "Last Christmas" es tímida al comprometerse con sus ingredientes más sustanciales, desde elementos clave sobre Kate (todo lo relacionado con querer convertirse en cantante profesional se deja de lado) hasta un cuadro de personajes secundarios que van y vienen con poco cuidado. Incluso la obsesión de Kate por años con George Michael nunca se explica por completo (bien), y solo se utiliza como un truco para los momentos musicales de la película y su título cursi. El guión de Thompson y Bryony Kimmings intenta introducir algunos temas de actualidad, incluida una inyección realmente extraña de la conciencia del Brexit y una mirada más exitosa a la dinámica familiar compleja de Kate, pero llegan demasiado tarde en un guión que se ha desviado, llegando a un final que podría haber usado significativamente más delicadeza.

Al menos está Clarke, que maneja hábilmente el momento más rocoso con encanto y la cantidad adecuada de ventaja para un personaje tan complicado como Kate. Last Christmas podría no estar destinada a entrar en las listas de los clásicos de navidad, pero Kate ya es una reina de las comedias románticas a tener en cuenta. Vale la pena celebrarlo en sus propios términos.

Temporada de Premios: Nominados a Spirit Award 2020

¡Comenzó la temporada de premios! Los Spirit Awards tomaron la delantera y en esta semana dieron a conocer cuáles son esas películas que se han destacado este año lo suficiente para llegar a las nominaciones.

Se anunciaron las nominaciones para los 35 ° Premios Independent Spirit , y fue una gran mañana para "The Lighthouse" y "Uncut Gems". La ceremonia anual de entrega de premios independientes es presentada por Film Independent y tiene lugar el día antes de los Premios de la Academia en el Playa en Santa Mónica, California. Los Spirit Awards se han hecho conocidos en la última década por exhibir nominados que son una mezcla de películas desvalidas (ver "Sorry to Bother You", "Leave No Trace" y "We the Animals" el año pasado) y contendientes de premios de alto perfil ("If Beale Street could talk", "BlacKkKlansman").

Es importante tener en cuenta que los Premios Indie Spirit tienen un límite presupuestario de $22.5 millones, lo que significa que cualquier película hecha por más de esta cantidad no es elegible para nominaciones. Por esta razón, "The Irishman", respaldado por Netflix de Martin Scorsese, no era elegible para las nominaciones de 2020 (la película tenía un presupuesto de más de $150 millones). El otro contendiente al Oscar de Netflix, "Marriage Story" de Noah Baumbach, es elegible para los Premios Spirit y obtuvo una nominación a Mejor Película. Como se ha vuelto común en los últimos años, A24 tuvo un año poderoso con 18 nominaciones totales.

El gran ganador del Spirit Award del año pasado fue "If Beale Street Could Talk", de Barry Jenkins, que ganó premios por Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actriz de Reparto por Regina King. A la noche siguiente, King repitió en los Oscar. Si bien "Beale Street" no fue nominada para el Oscar a la Mejor Película, los Spirit Awards tienen una sólida historia de cruzarse con el mayor premio de la Academia. “Moonlight”, “Spotlight”, “Birdman”, “12 Years of Slave” y “The Artist” ganaron el premio Spirit Award seguido del Oscar al Mejor Película al día siguiente. Los ganadores del Premio Spirit "Get Out" y "Silver Linings Playbook" fueron nominados al Oscar a la Mejor Película.

Los 35° Premios Independent Spirit se llevarán a cabo el sábado 8 de febrero. Esta es la lista completa de los nominados para los Spirit Awards:

Best Feature

A HIDDEN LIFE

CLEMENCY

THE FAREWELL

MARRIAGE STORY

UNCUT GEMS

Best Director

Robert Eggers – THE LIGHTHOUSE

Alma Har’el – HONEY BOY

Julius Onah – LUCE

Benny Safdie, Josh Safdie – UNCUT GEMS

Lorene Scafaria – HUSTLERS

Best First Feature

BOOKSMART

THE CLIMB

DIANE

THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO

THE MUSTANG

SEE YOU YESTERDAY

Best Female Lead

Karen Allen – COLEWELL

Hong Chau – DRIVEWAYS

Elisabeth Moss – HER SMELL

Mary Kay Place – DIANE

Alfre Woodard – CLEMENCY

Renée Zellweger – JUDY

Best Male Lead

Chris Galust – GIVE ME LIBERTY

Kelvin Harrison Jr. – LUCE

Robert Pattinson – THE LIGHTHOUSE

Adam Sandler – UNCUT GEMS

Matthias Schoenaerts – THE MUSTANG

Best Supporting Female

Jennifer Lopez – HUSTLERS

Taylor Russell – WAVES

Zhao Shuzhen – THE FAREWELL

Lauren “Lolo” Spencer – GIVE ME LIBERTY

Octavia Spencer – LUCE

Best Supporting Male

Willem Dafoe – THE LIGHTHOUSE

Noah Jupe – HONEY BOY

Shia Labeouf – HONEY BOY

Jonathan Majors – THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO

Wendell Pierce – BURNING CANE

Best Screenplay

Noah Baumbach – MARRIAGE STORY

Jason Begue, Shawn Snyder – TO DUST

Ronald Bronstein, Benny Safdie, Josh Safdie – UNCUT GEMS

Chinonye Chukwu – CLEMENCY

Tarell Alvin Mccraney – HIGH FLYING BIRD

Best First Screenplay

Fredrica Bailey, Stefon Bristol – SEE YOU YESTERDAY

Hannah Bos, Paul Thureen – DRIVEWAYS

Bridget Savage Cole, Danielle Krudy – BLOW THE MAN DOWN

Jocelyn Deboer, Dawn Luebbe – GREENER GRASS

James Montague, Craig W. Sanger – THE VAST OF NIGHT

Best Cinematography

Todd Banhazl – HUSTLERS

Jarin Blaschke – THE LIGHTHOUSE

Natasha Braier – HONEY BOY

Chananun Chotrungroj – THE THIRD WIFE

Pawel Pogorzelski – MIDSOMMAR

Best Editing

Julie Béziau – THE THIRD WIFE

Ronald Bronstein, Benny Safdie – UNCUT GEMS

Tyler L. Cook – SWORD OF TRUST

Louise Ford – THE LIGHTHOUSE

Kirill Mikhanovsky – GIVE ME LIBERTY

John Cassavetes Award

BURNING CANE

COLEWELL

GIVE ME LIBERTY

PREMATURE

WILD NIGHTS WITH EMILY

Robert Altman Award

“Marriage Story”

Best Documentary

AMERICAN FACTORY

APOLLO 11

FOR SAMA

HONEYLAND

ISLAND OF THE HUNGRY GHOSTS

Best International Film

INVISIBLE LIFE, Brazil

LES MISERABLES, France

PARASITE, South Korea

PORTRAIT OF A LADY ON FIRE, France

RETABLO, Peru

THE SOUVENIR, United Kingdom

Piaget Producers Award

Mollye Asher

Krista Parris

Ryan Zacarias

Someone to Watch Award

Rashaad Ernesto Green – PREMATURE

Ash Mayfair – THE THIRD WIFE

Joe Talbot – THE LAST BLACK MAN IN SAN FRANCISCO

Truer Than Fiction Award

Khalik Allah – BLACK MOTHER

Davy Rothbart – 17 BLOCKS

Nadia Shihab – JADDOLAND

Erick Stoll & Chase Whiteside – AMÉRICA

Annual Bonnie Award

Marielle Heller

Lulu Wang

Kelly Reichardt

Crítica Cinéfila: Charlie's Angels

Los Ángeles de Charlie siempre han proporcionado servicios de seguridad e investigación a clientes privados, y ahora la Agencia Townsend se ha expandido internacionalmente con las mujeres más inteligentes, valientes y mejor entrenadas a lo largo y ancho del planeta – varios equipos de Ángeles guiados por otros tantos Bosleys llevando a cabo los trabajos más duros por todo el mundo. Cuando un joven ingeniero de sistemas llama la atención sobre una peligrosa tecnología, los Ángeles son llamados a la acción, arriesgando sus vidas por protegernos a todos.

Siéndoles honesta: tenía altas expectativas para esta película. Siéndoles más honesta: después de que se acabó, hasta me dolió que hubiese gastado uno de mis tickets de A-List en esta película.

El público ha estado observando al trío de mujeres espías conocidas como los Ángeles de Charlie pateando traseros y cerrando conspiraciones criminales por más de 40 años. Todo comenzó como un programa de televisión de ABC en 1976. Más de 20 años después, hubo reinicios de películas en 2000 y 2003 protagonizados por Drew Barrymore, Cameron Diaz y Lucy Liu, ambos del director McG. Luego, en 2011, apareció un reinicio de televisión en ABC, pero no logró igualar el éxito del original, lo que resultó en  críticas mordaces  y una eventual cancelación.

Ahora, a medida que avanza la última ola de fiebre de reinicio de Hollywood, la historia se ha reinventado como otra, esta vez escrita y dirigida por Elizabeth Banks, Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska protagonizan los papeles principales.

Las versiones anteriores de Los ángeles de Charlie casi no se parecen a su última versión. Si bien la premisa básica sigue siendo la misma: tres espías trabajan para un jefe millonario desconocido llamado Charlie a través de su proxy (ahora son en realidad representantes, todos todavía llamados Bosley).

La historia se centra en la ingeniera de sistemas Elena (Scott), que ha programado un dispositivo llamado Calisto, una forma de energía verde sostenible que reemplaza la necesidad de la red eléctrica tradicional. Pero en las manos equivocadas, Calisto también puede ser armado como un instrumento de asesinato en masa, y Sabina (Stewart) y Jane (Balinska) de los Ángeles, junto con Banks como Bosley, desentierran dicho complot clandestino con el villano menos esperado de todos.

Bosley se ha convertido en los Bosley, un grupo de hombres (como el majestuoso Patrick Stewart) y mujeres tenientes que informan a Charlie y ayudan a la fuerza global de espías Angel mientras llevan a cabo sus misiones. Si bien Stewart, Scott y Balinska tienen su propia habilidad en la pantalla, ya no se trata solo de ellas; en cambio, Banks representa una red mundial de espionaje compuesta por mujeres altamente capacitadas y colaboradoras.

Los Ángeles de Charlie originales fue inventado por los hombres como puro escapismo. El programa de televisión tenía el sexismo integrado en su concepto. El resultado es un intento de remodelación que pretende honrar a sus precursores mientras no le llega ni a sus talones. Banks lleva los ángeles de Charlie a la era moderna, todo para levantar sin disculpa una bandera feminista, defiende las amistades femeninas y hace un comentario sutil sobre la urgencia de la crisis climática en curso. Sin embargo, lo hace a un costo irreparable: un guión lleno de clichés y estereotipos más el adherido de una cantidad de chistes y momentos cómicos complatemente innecesarios.

Si bien hay escenas que logran salvarse son aquellas de completa acción, donde lo más importante es la coreografía de las patadas y balas, pero por momentos casi se ve arruinada, por diálogos mal ubicados y coqueteos a querer demostrar que las mujeres pueden pelear hasta con estilo. Al final, las escenas de acción están cortadas en una marea vertiginosa, imposible de seguir.

Lo bueno es que estas mujeres no están liderando con escote ni se están ahogando para apuntalar el ego de sus novios despistados como los Ángeles del pasado. Más bien, expresan su feminidad y sexualidad de manera que le dan a sus personajes profundidad y agencia en lugar de reducirlos a objetos. La película también quiere que interpretemos la personalidad de cada uno de sus personajes y que tratemos de empatizar con cada uno a pesar de sus prejuicios.

Este es el segundo esfuerzo de ayuda de Banks, quien dirigió Pitch Perfect 2, que tenía un presupuesto estimado de $30 millones y recaudó $287 millones en todo el mundo. Quizás la mayor revelación de su inventiva aquí es que logra posicionar a los Ángeles de Charlie como una franquicia internacional que ahora permite fácilmente múltiples secuelas y tal vez incluso un par de precuelas con la Sabina de Stewart o el Charlie que Banks ingeniosamente desenmascara como el primero en la fila.

La película no es tímida sobre su punto principal: los hombres no son intrínsecamente más valiosos que las mujeres, o, como lo dice Sabina en su línea de apertura, "las mujeres pueden hacer cualquier cosa". Ese tipo de diálogo directo indudablemente puede irritar a algunos espectadores. Del mismo modo, a pesar de todo su trabajo pesado #MeToo, la película todavía no funciona, principalmente por las mismas razones que antes: construidos como símbolos (no seres humanos), estos personajes tienen demasiadas cosas de espía que hacer y, sin embargo, no del todo suficiente. Naturalmente, tenemos otros dos ángeles, solo para mantener contentos a los abogados de propiedad intelectual, ni Naomi Scott ni Ella Balinska causan una gran impresión, y el trío persigue a un MacGuffin de energía limpia mientras lucha con una procesión de cerdos sexistas.

Crítica Cinéfila: Ford v Ferrari

Se centra en un excéntrico y decidido equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderados por el visionario automovilístico Carroll Shelby (Damon) y su conductor británico Ken Miles (Bale). Henry Ford II y Lee Iacocca les dan la misión de construir desde cero un nuevo automóvil con el fin de derrocar el dominio de Ferrari en el Campeonato del Mundo de Le Mans de 1966. 

Los personajes rara vez pueden competir con los autos en las películas de carreras de autos, pero ese no es el caso de Ford v Ferrari, una historia de la vida real con mucho cuerpo y emoción en la que los hombres detrás del volante son tan dinámicos como las máquinas que conducen. Protagonizado por los emblemáticos Christian Bale y Matt Damon como, respectivamente, las leyendas de carreras Ken Miles y Carroll Shelby, este es un vehículo bien construido en todos los aspectos que debería hacer un buen recorrido por los cines.

Esta es una saga de carreras con fuertes bases dramáticas e históricas. En el mundo de las carreras internacionales en la década de 1960, nadie podía tocar a Ferrari, la ultra compañía de los fabricantes de automóviles rápidos. Durante una recesión de la compañía, Henry Ford II y su teniente Lee Iacocca, que desempeñaron un papel importante en la presentación del Mustang y Ford Pinto, se les ocurrió producir un auto de carreras que pudiera desplazar a los italianos, lo que parecía una broma en el hora. Pero lo hicieron posible.

Con el director James Mangold mostrando una mano segura en todo momento, algunas tempranas escenas divertidas contrastan con la cultura corporativa de Ferrari y Ford. Dedicado a la calidad, el prestigio y la clase, Enzo Ferrari preside su imperio como un cruce entre un señor medieval y un jefe de la mafia, menospreciando a Ford como un príncipe le haría a un campesino. En todo caso, sin embargo, Ford es una figura aún más aterradora, un hombre grande que hace temblar a los subordinados en su presencia. 

Sin embargo, Ford a veces puede sorprender con sus edictos, y le ordena a su despiadado protegido Lee Iacocca que haga lo que sea necesario para darle a la compañía un ganador. El interludio de la interacción corporativa en el que el equipo de Ford viaja a Italia para proponer una fusión estalla con absurdo humorístico, ya que la presunción de que estas dos culturas automobilísticas podrían coexistir bajo un mismo techo se muestra como lo que es: casi una pelea de gallos.

Atractivamente, los hombres que podrían dar vida al sueño de Ford se sienten atraídos rápidamente por las virtudes y los defectos a la vista. Después de una carrera exitosa en su carrera, Shelby se embarcó en una variedad de proyectos automotrices, pero firmó el proyecto de Ford de crear un auto caliente que pudiera ganar las 24 Horas de Le Mans.

Por su parte, Shelby soportó cualquier cantidad de obstáculos al alistar a Miles para el loco pero atractivo proyecto de Ford. Al principio, Miles, un emigrante británico, que trabaja como un mecánico humilde en Los Ángeles y corre por pura pasión, vive con su esposa espía Mollie (una Caitriona Balfe luminosamente comprensiva) y con su hijo Peter (Noah Jupe). No es difícil deducir que Miles no ha llegado más lejos en la vida porque es un temperamental, fácilmente irritable y propenso a las cosas difíciles.

Pero Miles tiene talento y realmente conoce sus autos, por lo que él y Shelby se convierten en el boleto poco probable de Ford para la grandeza de las carreras. La sección media del drama revela los golpes duros y la combustión, tanto mecánica como humana, que se introdujeron en el desarrollo de un automóvil que podría vencer a los italianos, y cómo se hizo en un año.

Aplicando una sólida artesanía propia, los guionistas Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y Jason Keller han forjado una sólida estructura de tres actos que invita a la inversión rápida del espectador en algunas personas difíciles pero empáticas, proporcionando dinámicas de carácter combativo entre conductores muy competitivos: los ejecutivos y la figura central, Miles, dándole la el toque perfecto al tratamiento cuando se trata de su inteligencia de carrera, ambiciones y vida familiar.

La dinámica de la película debe mucho a la naturaleza erizada de casi todas las relaciones e interacciones en la película. Miles es un cable en vivo impredecible con todos, excepto con su esposa e hijo; Shelby siempre parece estar haciendo malabarismos con más bolas de las que razonablemente pueden mantenerse en alto en cualquier momento dado; los exigentes Ford y Iacocca mantienen a todos fuera de balance y en alerta; y los inminentes plazos y el peligro inherentes a la profesión en sí proporcionan una sensación constante de inquietud por la mortalidad profesional y personal. Pero lo más interesante de todos estos momentos dramáticos son las analogías conclusivas y las metáforas, utilizando excelentes interludios para enfocarse en lo que interviene en la relación del conductor con su automóvil. 

Naturalmente, el tercer acto está dedicado al maratón de conducción francés de 24 horas de 1966, en el que dos conductores se turnan para pilotar sus automóviles durante el día, la noche y, en este caso, una pequeña cantidad de lluvia. Es una carrera que Shelby había ganado en 1959, mientras que Miles ya había prevalecido en las competencias de Daytona y Sebring del año en curso. Es una carrera difícil de dramatizar debido a su longitud y cambio de pilotos, y este en particular posee su propio problema peculiar debido a la forma en que terminó. Pero también tiene sus enormes satisfacciones, y todo el equipo que lo armó debe ser saludado.

Bale y Damon parecen entusiasmados, inmersos en los coloridos personajes que interpretan aquí y entrenan muy bien juntos de manera muy atractiva, tanto cuando están confabulados como en desacuerdo.

Las prácticas y actitudes, si no la habilidad, de la gran industria se colocan en una luz bastante fulminante, aunque con ingenio frecuente, y todas las manos aquí han puesto en trabajos de trabajo fuertes que pagan en la pantalla. A pesar de haber sido escrito por cuatro guionistas (lo cual siempre he considerado ser una multitud) y algunos detalles de la historia que no van completamente en acuerdo con lo que pasó en la vida real, Ford v Ferrari se desenvuelve como una película de un alto nivel, dándole el respeto que se merece a la historia y a sus personajes, y convirtiéndose en una competidora fuerte para la temporada de premios.

Crítica Cinéfila: Motherless Brooklyn

Nueva York. Años 50. Lionel Essrog es un solitario detective privado, afectado por el Síndrome de Tourette, que se aventura a intentar resolver el asesinato de su mentor y único amigo, Frank Minna.

Después de ver una película con un misterio extendido por dos horas y media, la melancolía me invade: podría ser por tratarse de una historia ambiciosa con asesinatos, chantaje y corrupción en un Nueva York de mediados de siglo para competir con "Chinatown" en su complejidad, elegancia y atractivo de ese cerebro, pero también podría ser por el viaje visual y musical tan regocijante que fluye con la misma facilidad lograda en la novela de Jonathan Lethem.

"Brooklyn", en este caso, es el apodo de Lionel Essrog, también conocido como "Freakshow", un hombre con síndrome de Tourette cuyos tics espontáneos y arrebatos verbales de mal color pueden resultar vergonzosos en público, pero le sirven bien en el empleo para un profesional detective llamado Frank Minna (Bruce Willis). Para un actor como Norton, que ha hecho una carrera de papeles importantes: el esquizofrénico tartamudeo de "Primal Fear", o el hombre interno que finge el autismo para lograr un atraco en "The Score" - Lionel representa a ambos: un nuevo desafío enorme y una variación increíblemente única del arquetipo de ojo privado que de otro modo estaría desgastado. 

En lugar de seguir el modelo del libro, que tiene lugar en 1999, Norton toma el personaje y lo traslada de vuelta alrededor de medio siglo, a la década de 1950, donde el colorido Lionel de Norton es libre de investigar otro personaje más grande: Moses Randolph, un seudónimo poco disfrazado para Robert Moses, el "maestro de obras" de la moderna Nueva York, que arrasó barrios enteros para dar paso a los puentes y autopistas que sirven a la ciudad hoy. Moses era un visionario, pero su desdén por las minorías y los pobres se mezcló con el mismísimo concreto de sus logros: la infraestructura como una forma de racismo.

Por el aspecto de las cosas, "Motherless Brooklyn" toma prestado tanto de la asombrosa de exposición de Robert Caro de Moses en "The Power Broker" como de la novela de Lethem. En un conjunto que también incluye a actores pesados ​​como Willem Dafoe y Cherry Jones, Norton aterriza a Alec Baldwin como el planificador de la ciudad. Baldwin puede jugar a este tipo de magnates mientras duerme, y aunque el hecho de que lo haga con Donald Trump en "Saturday Night Live" puede hacer que algunos crean que es a quien está canalizando aquí, Norton se ha esforzado por hacer esto sobre Moses.

Metiendo un mensaje junto con más trama de la que la película puede manejar, Norton tiene como objetivo educar al público sobre las prácticas deplorables que sustentan la ciudad que damos por sentado hoy. El truco, por supuesto, es resumirlo en una historia de detectives convincente, que debe haber sido un dolor de cabeza logístico increíble, confiando en ubicaciones reales de Nueva York, desde Washington Square Park hasta Penn Station, tal como se veía en ese momento. Para mantener nuestro interés, se apoya en la invención de Lethem del excéntrico nervioso que ve un hilo suelto y no lo suelta hasta que se deshilacha todo el suéter: una metáfora de la forma en qué funciona la mente de Lionel.

"Me hace decir cosas graciosas, pero no estoy tratando de ser gracioso", explica Lionel, describiendo su aflicción sobre su síndrome que para ese entonces muy pocos entendían. Pero también es un obsesivo y capaz de memorizar hechos y conversaciones literalmente, una especie de computadora humana con fallas que dice cosas como "tócalo" y "tetas". Sacks probablemente sería el primero en observar que, si bien Norton ha clavado la condición física de la condición, su rendimiento no es tanto sensible ya que es narrativamente conveniente y convincente.

Los gestos de Lionel podrían haberse vuelto desagradables a toda prisa, pero Norton calibra la actuación para que el personaje permanezca impredecible sin volverse insoportable. Podemos ver a Lionel tratando de luchar contra sus interrupciones espontáneas para que se sometan. ¿Tal personaje realmente habría sido tan fácilmente aceptado en la década de 1950? Es difícil de decir, pero Norton lo hace encantador al mantener los arrebatos ingeniosos y oportunos, y porque la personalidad subyacente de Lionel es todo menos dura. Es más un caballero, lo que explica cómo termina acercándose a Laura Rose (Gugu Mbatha-Raw), la activista que tiene la llave del caso.

Laura vive en Harlem, encima de un club nocturno que marca la pauta para el sedoso puntaje de jazz de la película, pero pasa sus días luchando contra la discriminación racial en el centro, enfrentándose a hombres como Moses. 

En el libro, Lionel es uno de los pocos huérfanos (por eso le llaman Motherless Brooklyn) a quien Frank toma bajo su protección, preparando a estos niños para que hagan su trabajo sucio. Aquí, Frank es más un mentor benévolo, pero aún lo suficientemente sombrío como para ir a dispararse en un callejón lateral después de reunirse con un grupo de matones. Antes de que Frank muriera, dijo la palabra "Formosa" y algo sobre una "niña de color" que podría ser la clave para descubrir quién lo mató.

Es el trabajo de Lionel resolver casos, pero por alguna razón, nadie más que él parece tan interesado en resolver este. La esposa de Frank (Leslie Mann) deja su agencia de detectives en manos de Tony (Bobby Cannavale), y aunque el lugar parece estar demasiado ocupado, ¿qué pasa con Gil (Ethan Suplee) y Danny (Dallas Roberts) o con Lionel termina investigando lo que le pasó a Frank más o menos por su cuenta?

En comparación con las relativamente sencillas Guerras del Agua de California que inspiraron "Chinatown", la corrupción en el corazón de "Motherless Brooklyn" no se trata solo de dinero. Los misterios de las opciones de infraestructura de Nueva York son una lección de historia densa y parlante, y una audiencia que necesitará tiempo para digerir. Ese legado incluye historias sobre cómo Moses ordenó que se construyeran puentes a poca altura sobre la ruta verde que conducía a Long Island, con la intención de mantener alejadas a las minorías que solo podían permitirse viajar en autobús, y estrategias cobardes usadas en nombre de la "limpieza de barrios bajos" para engañar a las familias de bajos ingresos fuera de sus hogares. A pesar de toda su audacia, incluso el libro de Lethem no se atrevió a ir allí. Al final tocan teclas que nadie más se atrevía a tocar.

Motherless Brooklyn es la opera prima de Edward Norton como guionista, y su segunda película como director. Y a diferencia de muchos otros que se balancean entre los roles con debilidad, aquí lo hace con mucha altura, donde no solo es necesario resaltar la elegancia de las escenas y la increíble actuación de todo un elenco, sino también el mensaje tan bien llevado sobre el maltrato de los políticos hacia las minorías y trabajadores.

Crítica Cinéfila: Doctor Sleep

Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con problemas de ira y alcoholismo que hacen eco de los problemas de su padre Jack, descubre que sus habilidades psíquicas resurgen cuando se contacta con una niña llamada Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de "el resplandor".

A primera vista, hacer una secuela de "The Shining" no parece una idea prometedora. La novela original de Stephen King, que se publicó en 1977, sigue siendo uno de sus mejores libros. Y en los 40 años transcurridos desde la espeluznante versión para cine cerebral de Stanley Kubrick de "The Shining", la película ha llegado a definir el aspecto y la mística de esta historia en nuestra cultura. Casi todos los aspectos de la visualización de Kubrick del Hotel Overlook y sus demonios vivos: los pasillos con su alfombra de hexágono naranja y marrón de viaje de los años 70, las gemelas con sus vestidos de fiesta verde azulado, la sangre brotaba de los ascensores Navajo Deco, el vestíbulo con sus paredes de adobe y candelabros de rueda de carreta de techo alto, el sonambulante cuidador británico que hablaba en el baño en un sueño hipnótico, el espectro de la anciana podrida emergíendo detrás de la cortina de la ducha de la habitación 237 - es tan icónico como cualquier cosa que exista en el horror de la pantalla contemporánea.

Incluso una buena película seria, como "Before Sunrise" o "The Hustler", puede pedir una secuela. Pero cuando intentas hacer una secuela de una película tan icónica como "The Shining", el resultado tiende a aparecer como "The Two Jakes" o "The Godfather Part III" o "Psycho II": una pálida, olvidable y superflua imitación del original. Por otra parte, si alguien tiene derecho a crear una secuela de "The Shining", es Stephen King. Lo hizo hace seis años, en su novela de 531 páginas "Doctor Sleep", y la película que ahora se ha creado combina ese libro, que sigue la saga de Danny Torrance cuando es adulto, con una réplica tortuosa y exigente del ambiente de "The Shining" de Kubrick.

King ha expresado anteriormente su insatisfacción con la película de Kubrick, pero "The Shining", como película, ahora se considera un clásico. Está allí, como un monumento fantasmal. Y así, la nueva película, escrita y dirigida por Mike Flanagan, es a la vez una adaptación de la secuela de King y una alondra de terror del parque temático que trata el Overlook como un patio de pesadillas que ahora podemos volver a visitar.

El hecho de que la película funcione dice algo sobre lo irresistible que es volver allí. Que funcione tan bien como lo hace es un testimonio de la atracción ominosa de la imaginación de Stephen King. Todavía no sé si "The Shining" necesitaba un segundo acto, pero "Doctor Sleep" presenta uno que es lo suficientemente fresco e inquietante como para justificar su existencia.

Décadas después de "The Shining", Danny, ahora conocido como Dan, y interpretado con una tristeza reflexiva por Ewan McGregor , se ha convertido en el tipo abandonado de mediana edad e imprudente que cae en peleas borrachas en bares todas las noches. Una de esas tantas, después de consumir cocaína, se despierta junto a un cadáver, solo para descubrir que es una madre con un niño pequeño. El terror de esa comprensión lo lleva a un momento de verdad, y termina en una casa de huéspedes de New Hampshire, yendo a reuniones de AAA dirigidas por el Dr. John (Bruce Greenwood).

El año es 2011, y no se necesitan mayores matemáticas para ver cómo Dan terminó como un borracho enojado: también lo fue su padre (por supuesto, su padre también se convirtió en un psicópata que trató de asesinar a su esposa e hijo, lo que podría haber dejado una cicatriz de niñez que requiera una automedicación o dos). Dan lleva demonios del tipo personal, pero, por supuesto, él también sigue brillando, captando voces dispares como si su cabeza fuera un receptor de radio, aunque trata de mantener las voces compartimentadas en "cajas de seguridad", como le enseñó Dick Hallorann (Carl Lumbly). Dan consigue un trabajo como asistente en una clínica de hospicio, donde utiliza sus habilidades psíquicas para ayudar a los pacientes a "morir en paz" (de ahí su apodo, Doctor Sleep). Y en su habitación alquilada en el ático, donde una pared entera es una pizarra, comienza a ver mensajes misteriosos garabateados en tiza.

Pero todo esto, francamente, es la configuración que esperarías de una secuela de "The Shining". Parte del poder de Jack Torrance como personaje, en la novela original, es que su ira alcohólica expresaba algo profundo y misterioso: que como padre ya no sentía que tenía derecho a mostrar ira en un entorno doméstico. "Doctor Sleep", por el contrario, presenta a Dan pasando por la seriedad de adicción.

Sin embargo, la película también tiene un comodín, en forma de un culto traicionero de vida o muerte gobernado por alguien llamada Rose the Hat. Ella es interpretada por Rebecca Ferguson, y cuando Rose aparece en los primeros momentos de "Doctor Sleep", tentando a una niña con flores, la película tiene una nota fascinante y escalofriante. ¿Qué está haciendo Rose con esta chica? Nuestras mentes derivan hacia escenarios indescriptibles, y no nos equivocamos: Rose lidera una pandilla de rufianes semi-inmortales conocidos como el Nudo Verdadero, que sostienen sus vidas inhalando "vapor", una especie de esencia psíquica que se produce cuando los niños tienen el don, preferiblemente provocado con dolor (cuanto más dolor, más vapor). El vapor se almacena en termos, lo cual hace que los antagonistas sean aún más horrorosos.

Lo que se suma a lo espeluznante es que Rose misma es una figura diabólicamente seductora. Ferguson, con su sombrero de mago y sus joyas hippies, la interpreta como un miembro satánico de la revista Rolling Thunder Revue, un espíritu libre de los 70 que cree que es su derecho vivir todo el tiempo que quiera, lo que sea necesario. En esencia, lidera un culto que se alimenta del asesinato de niños. Sin embargo, ella lo hace con una sonrisa. Ferguson hace a Rose a la vez imperial y sensual, una forajida alta en su mitología. El primer gancho de "Doctor Sleep" es que es una película construida alrededor de una demonio con calidad de estrella.

El segundo gancho es que se trata de niños que lucen las agonías de los demás en todo el mundo, como Abra, una niña en la ciudad de Dan, con habilidades brillantes como nunca antes había visto. En "Doctor Sleep", brillar no se trata solo de escuchar y conocer cosas, sino de una especie de teletransportación psíquica. Abra, interpretada por Kyliegh Curran, son una mezcla de temor y astucia que se hace eco de la actuación de Danny Lloyd en "The Shining". Abra y Dan se unen, al darse cuenta de que hay más en juego que su recuperación, despertando con el regalo que ha estado reprimiendo.

"Doctor Sleep" es una película prosaica, pero que gana sus ondas de emoción. No es hasta el último tercio que la historia se instala nuevamente en el Hotel Overlook, y para cuando llegamos al legendario albergue, encaramado en una montaña nevada, sentimos que la historia se ha ganado el derecho de volver. Cada tercera película de terror en estos días se desarrolla en una casa embrujada, pero el Overlook sigue vivo con sus demonios lujosamente coordinados. Se podría decir que son viejos amigos, pero les quedan algunos trucos. Naturalmente, hay una escena en la que Dan se sienta en el resplandeciente bar de salón de baile, tentado a tomar una copa, y aunque el actor que interpreta al cantinero está bien, he aquí un momento en el que desearía que la película se hubiera basado en tecnología informática para evocar la imagen de cierto actor legendario (a nivel general, el hecho de no haber revivido los actores originales a través de CGI ha sido una buena decisión, pues aún así la película fluye con naturaleza, a pesar de sus nuevos rostros). Dicho esto, el clímax es inquietante y satisfactorio. 

Mike Flanagan, a quien conocemos de otros majestuosos filmes de terror de esta generación, se toma el atrevimiento de revivir estos viejos fantasmas, y lo hace con una altura que no decepciona. En vez de querer copiar argumentos y horroridades del clásico de los 80, se inspira de su fotografía y crea un nuevo diálogo, a momentos bien conectado entre sí y dándole sentido y objetivos a cada uno de los personajes principales. Al final, esta secuela de "The Shining" puede registrarse como una larga nota al pie que alegra que haya podido volver a tocar en esa siniestra casa de diversión.

Crítica Cinéfila: Harriet

Historia basada en la abolicionista Harriet Tubman (Cynthia Erivo), que liberó a numerosos esclavos tras haber escapado ella misma de la esclavitud en 1849.

El plan de la administración de Obama de poner a Harriet Tubman en el billete de $ 20 sigue en el limbo gracias al estancamiento del gobierno de Trump, pero el brillante tratamiento épico de Kasi Lemmons sobre la vida de la legendaria luchadora por la libertad graba un retrato icónico para bien o para mal, resonando más como una criatura simbólica que un personaje de carne y hueso. Cynthia Erivo es una poderosa presencia física en el papel principal, relatando un capítulo importante en la historia de Estados Unidos que Hollywood ha descuidado demasiado tiempo. Si la película no escapa a la trampa hagiográfica de la película biográfica reverente, definitivamente conmoverá al público con un gusto por el drama inspirador de grandes lienzos.

Lemmons, que llamó la atención por primera vez con su debut independiente en 2004 con el gótico sureño Eve, no camina exactamente a la ligera aquí. Esa tendencia es evidente desde el primer marco panorámico, ya que el exuberante puntaje de Terence Blanchard aumenta al modo de elevación sobre un campo empapado de lluvia, señalando agresivamente señales emocionales antes de encontrar un solo personaje. El uso de la música a menudo es duro, una excepción es la emoción de escuchar "Sinnerman" de Nina Simone sobre un montaje de audaces rescates del ferrocarril subterráneo.

El guión de Gregory Allen Howard y Lemmons comienza en 1849 con la experiencia brutal que provoca el fuego de la libertad o la muerte en el vientre de la esclava, para ese entonces conocida como Minty. Su esposo John (Zackary Momoh), un hombre libre, ha obtenido documentación legal para verificar que bajo los términos de un testamento dejado por el bisabuelo del dueño de una plantación de Maryland, Edward Brodess (Michael Marunde), Minty, sus hermanos y su madre, (Vanessa Bell Calloway) deberían haber sido liberados hace más de una década.

John expone su caso con calma y respeto, explicando que quieren formar una familia y desean que sus hijos nazcan libres. Pero Brodess rompe el papel y los despide con indignación, diciéndole a su hijo Gideon (Joe Alwyn) que debería haber vendido a Minty hace años.

Después de cuidarlo de la fiebre tifoidea cuando era niño, Minty ocupa una posición extraña para Gideon, mezclando posesión con obligación y devoción. Está inquieto por la intensidad de sus oraciones, y la evidencia de que ella se comunica directamente con Dios se transmite a lo largo de la película en secuencias de visión en blanco y negro que le revelan destellos del futuro. Pero un cambio repentino en las circunstancias de la familia hace que Gideon actúe tardíamente según el consejo de su padre y ponga a Minty a la venta. La posibilidad de separarse de su familia es el ímpetu que necesita para intentar escapar, pero ella se niega a dejar que John corra con ella, argumentando que la captura le costará su libertad.

A partir de entonces, durante gran parte de su tiempo de ejecución de dos horas, Harriet se convierte en una película de persecución, con secuencias de acción impulsadas por la puntuación propulsora de Blanchard y la cámara ágil de John Toll. Hay breves marcadores emocionales en el viaje, especialmente al principio, cuando Minty se despide de su madre en el campo cantando un espiritual tradicional, abraza a su padre (Clarke Peters) y recibe orientación del reverendo local (Vondie Curtis Hall), cuya iglesia sirve como estación de paso para esclavos fugitivos. Pero a pesar de la tenacidad de Erivo en el papel, el drama se siente más majestuoso e impresionante que urgente y afectivo.

Sin embargo, nunca implica nada, y el guión hace un trabajo sólido al rastrear la formación de una valiente luchadora por la libertad fuera de una fugitiva asustada. Ese proceso ocurre una vez que Minty llega a Filadelfia y marca su liberación al elegir un nuevo nombre, combinando los de su madre y esposo para convertirse en Harriet Tubman. Conoce al abolicionista William Still (Leslie Odom Jr.), quien registra su historia junto con la de otros esclavos fugitivos; y Marie Buchanan (Janelle Monae), una elegante dueña de negocios nacida en libertad que establece a Harriet en un trabajo remunerado como empleada doméstica.

Es Marie quien le da un arma, le enseña cómo pasar por una mujer libre y asegura sus documentos de identificación falsos un año después cuando Harriet insiste en tomar el peligroso viaje de 100 millas de regreso a Maryland para llevar a John con ella al estado libre de Pensilvania. Eso no sale según lo planeado, pero ella termina dirigiendo una fiesta de ocho a la libertad, incluidos sus hermanos. Cinco de ellos provienen de la plantación de Brodess, que sufre dificultades financieras, descrita por Gideon como "tres dólares, una hembra y un potro", palabras que subrayan el horrible pensamiento del tiempo y el lugar donde hacían pensar que los esclavos eran similares al ganado.

Lemmons presenta una bienvenida variedad de humor discreto a medida que las misiones de rescate de Harriet se vuelven más audaces, incluso mientras los dueños de esclavos se vuelven más despiadados en sus ofertas para detener la marea creciente de fugitivos. La afluencia en Filadelfia llega a ser tan numerosa que William apenas puede registrar sus historias lo suficientemente rápido. La tasa de éxito de Harriet lo lleva a presentarla al comité organizador secreto del ferrocarril subterráneo, convirtiéndola en una directora oficial, y sus hazañas la hacen notoria en el sur, inicialmente como una "salvadora de esclavos" apodada Moisés.

Es una historia apasionante, en su mayor parte contada eficientemente. Pero los frecuentes intervalos de éxtasis religioso, durante los cuales Harriet a menudo siente el peligro a tiempo de cambiar de rumbo y poner sus cargas a salvo, contribuyen a la sensación de santidad invulnerable que mantiene al personaje central un poco alejado.

Cuando el Congreso aprueba la Ley de esclavos fugitivos de 1850, que permite rastrear y capturar a los fugitivos incluso en los estados del norte, los viajes de rescate de Harriet se extienden de 100 millas a 600, Canadá conviertiéndose en el único refugio seguro. Pero el guión se vuelve predicador en este punto, y se entrega a grandes discursos cinematográficos diseñados para reforzar el valiente sentido de propósito y el espíritu protofeminista de Harriet. Además, una vez que Gideon descubre la verdadera identidad del libertador que levanta los gritos de los sureños blancos y hace que le echen la culpa, se establece una confrontación como algo inevitable.

Ese encuentro no tiene el peso dramático para proporcionar una recompensa totalmente satisfactoria, y la participación de Harriet como líder de asalto armado durante la Guerra Civil se le da un manejo apresurado. La naturaleza sin precedentes de su papel militar se transmite principalmente en el texto en pantalla al final de la película, junto con su posterior dedicación al movimiento de sufragio femenino.

Erivo, que ganó un premio Tony por su debut en Broadway en The Color Purple, toca todas las notas necesarias de flaqueza y valentía desinteresada nacidas del sufrimiento, la determinación y la ira. Pero la película baña a Harriet a la luz sagrada de la nobleza sin proporcionar mucho acceso a lo que está pensando y sintiendo. Su fuerte sesgo hacia las escenas de acción deja muy poco espacio para el estudio del personaje. Tubman es una figura extraordinaria con un lugar único en la historia de Estados Unidos, pero aunque la película de Lemmons es una apuesta admirable para hacer justicia a esta personalidad del movimiento contra la esclavitud, es un monumento a su heroísmo en lugar de una encarnación de pura sangre.