Crítica Cinéfila: Immaculate

Cecilia, una mujer de fe devota, recibe una cálida bienvenida a la perfecta campiña italiana, donde le ofrecen un nuevo puesto en un ilustre convento. Pero Cecilia se da cuenta de que su nuevo hogar esconde oscuros y horripilantes secretos.

Lupita Nyong'o en “Us”, Toni Collette en “Hereditary”, Florence Pugh en "Midsommar" y ahora Sydney Sweeney en “Immaculate”. Todas son parte de un pequeño grupo de actuaciones femeninas en películas de terror modernas que te atrapan sin soltarte nunca. Si bien el género puede pasarse por alto cuando se trata de premios al final de cada año, todas estas actrices demuestran que son auténticas. Para Sweeney, es una prueba más de que, después de películas como el drama invisible “Clementine” y el thriller minimalista “Reality”, ella es una de las actrices más versátiles de su generación.

Saltó a la fama por primera vez por su papel en la serie de HBO “Euphoria”, pero ahora es en “Immaculate” donde emerge renacida, como una excelente presencia en la pantalla que siente que apenas está comenzando con lo que puede hacer. Al darle vida a una visión de terror que no tendría el mismo poder y potencia sin ella al frente, Sweeney nunca ha sido mejor que lo que es aquí. Qué película tan oscuramente hermosa pero brutal, sangrienta y audaz es esta para ella.

La película comienza con un prólogo siniestro. Vemos a una mujer que intenta escapar de un convento al amparo de la oscuridad. Roba algunas llaves y logra salir a través de una puerta encadenada antes de que la mano de una monja la detenga. La pierna de la mujer es brutalmente rota antes de ser enterrada viva, gritando de terror mientras la oscuridad de su lugar de descanso final la consume. Luego nos presentan a la joven expatriada estadounidense Cecilia (Sweeney) mientras intenta comenzar de nuevo en este mismo convento remoto escondido en la campiña italiana. Sin saber que algo puede estar mal, Cecilia sólo quiere entregar su vida a su fe, ya que cree que Dios la salvó cuando casi se ahoga cuando era niña. Como pronto descubre, es posible que la decisión de venir aquí no haya sido enteramente suya.

Justo cuando parece que se está acostumbrando a la rutina de esta nueva vida, Cecilia es llamada para ser interrogada por los líderes masculinos del convento. Nos enteramos de que quedó embarazada a pesar de permanecer virgen y la colocan en un pedestal como un milagro. Ya no tiene que hacer tareas domésticas ni preocuparse por nada más que dar a luz a este niño. Esto no resulta tan fácil, ya que su vida se ha definido por su existencia como recipiente para todas las esperanzas, sueños y oraciones de toda una comunidad. Así como las fuerzas oscuras parecen acechar en la noche, el día en el que se monitorean todos sus movimientos y del que ya no puede irse es igualmente escalofriante. Aunque todavía vive entre innumerables personas, también podría ser que esté cautiva en otro reino del que quizás nunca se libere.

Trabajando a partir de un guión de Andrew Lobel, el director Michael Mohan prepara la mesa con una variedad de sustos distintos pero no menos dinámicos que a menudo se definen por cortes duros y repentinos. Si bien esto podría reducirse fácilmente a ser llamado "sobresalto", eso no captura completamente la forma en que se entrelazan en el mundo de pesadilla por el que Cecilia está siendo aplastada constantemente. Todo lo que hace la película es más profundo debido a la forma en que sigue aumentando el temor, basándose en todo, desde un plano aterrador durante una confesión, cuando parece que la distancia misma se está desatando, hasta un repentino estallido de violencia justo cuando crees que las cosas podrían cambiar o que finalmente está a salvo.

Esto es lo que garantiza el paso posterior a una experiencia mucho más cercana al horror corporal. Cada detalle del convento, ya sea la conversación trivial sobre alguien que es científico, hasta el vistazo de las quemaduras en los pies de una mujer mayor, deja en claro que aquí está sucediendo algo inmenso en términos de los años que ha tomado y las creencias que lo sustentan. Cuanto más se comprende que Cecilia ha sido elegida, más asfixiante se vuelve la película. Lo que alguna vez fue un lugar que pudo haber ofrecido una pizca de salvación ahora solo alberga un sufrimiento inmenso. La película es realmente aterradora y demoledora.

Nunca hay un momento desperdiciado ya que todo se vuelve cada vez más oscuro. La partitura musical de Will Bates encaja perfectamente con las crudas imágenes del director de fotografía Elisha Christian. Bates y Christian colaboraron anteriormente con el director Mohan en su película de 2021 “Voyeurs”, que también protagonizó Sweeney, aunque parece que todos están operando en otro nivel. Christian, que ha hecho un gran trabajo en todo, desde “Columbus” hasta “The Night House”, es igualmente sobresaliente con todo que parece y se siente atrapado en el tiempo. Aproximadamente a la mitad, una escena en un automóvil que se abre a un campo se vuelve inquietante en sus manos.

Por supuesto, todo esto le corresponde a Sweeney quien lleva la gran parte del peso de todo sobre sus hombros. Como actriz y productora, tiene una clara pasión por el proyecto que la hace esforzarse mucho. No sólo lo hace con facilidad, capturando el pavor abrumador que cristaliza en una determinación sombría, sino que hace que toda la película cante en los pequeños momentos. Justo desde que los miembros del convento declaran que Cecilia es lo que estaban esperando, se ve el miedo en los ojos agudos y expresivos de Sweeney mientras busca una manera de asegurarse de no convertirse en un milagro muerto en el altar de su fanatismo.

Como se siente en una inquietante toma de alguien cayendo desde una gran altura y la forma en que la cámara se detiene en su rostro mientras ella lo capta todo, la devastación de la muerte se está volviendo más presente que la vida aquí. Escapar es superar una institución que busca controlarla a ella y a su cuerpo para sus propios fines. Esto hace que el último tramo de la película, donde todo cambia, sea aún más magnífico. Sin avisar nada, Cecilia debe tomar el asunto en sus propias manos, ya que está claro que pronto será abandonada una vez que dé a luz. Es en estos momentos donde Sweeney logra algo trascendente, volviéndose casi irreconocible. Parte de esto se debe a que su rostro está cada vez más cubierto de sangre, pero también hay una energía primaria que es capaz de canalizar con un efecto notable.

El plano final, ininterrumpido, reúne todo en un momento aplastante más en el que Sweeney grita a todo pulmón y silencia cualquier sensación de vacilación que uno pudiera haber tenido sobre su actuación. Así como fue ella quien dio vida a la película, también es ella quien tiene el mismo poder para borrarla de un último golpe. 

Critica Cinéfila: Civil War

En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.

Los miembros de la prensa son los buenos, pero también los malos, en la virtuosa “Civil War” de Alex Garland, un impactante relato básico de cómo podría ser una desunificación de Estados Unidos en un futuro cercano. Diseñado como una llamada de atención, el thriller de larga duración, que comienza lentamente y aumenta hasta llegar a una incursión asombrosa en Washington DC, integrando a los espectadores junto a un dedicado equipo de periodistas que se dirigen al Capitolio mientras el país se desmorona a su alrededor. Es la visión distópica más perturbadora hasta ahora del cerebro de ciencia ficción que acabó con todo Londres durante el levantamiento zombie representado en “28 days later”, y una que no puede consumirse fácilmente como entretenimiento. “Civil War”, un shock provocador para el sistema, está diseñado para causar división. Irónicamente, también pretende unir a la gente.

Guiados por la veterana fotógrafa de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), el reducido equipo de periodistas son profesionales totales. Representan una forma preocupante de desapego, esencial para su trabajo pero prácticamente contrahumano, ya que se esfuerzan por no tomar partido, lo que sirve como una acusación en sí mismo. Los medios de comunicación prosperan gracias al conflicto, que vende periódicos e impulsa los índices de audiencia, llegando incluso a fomentar el miedo en torno a la posibilidad de una segunda guerra civil estadounidense. A Garland no le importa cómo sucedió esto. Su guión omite el motivo por el que comenzó el conflicto y ofrece sólo la noción cuestionable de que Texas y California se separaron y posteriormente unieron recursos (llamándose a sí mismos “West Forces”) contra un presidente hambriento de poder durante tres mandatos (Nick Offerman).

Aunque parece otra entrada en el popular género de suspenso post-apocalíptico, no se equivoquen: “Civil War” describe el apocalipsis mismo. El país está en plena crisis, lo que se sugiere más que lo que se describe abiertamente. Los estadounidenses se han vuelto unos contra otros, y las únicas personas a las que se les permite moverse libremente a través de espacios con fuego activo son aquellas que tienen la palabra "PRENSA" escrita en sus chalecos antibalas. Garland establece el caos desde el principio, mientras Lee cubre una escena de mafia donde los civiles reducidos a refugiados en su propio país claman por agua. De repente, una mujer entra corriendo agitando una bandera estadounidense y con una mochila llena de explosivos atada al pecho.

Al igual que la explosión de la cafetería en “Children of Men” de Alfonso Cuarón, la explosión de estilo vérité nos pone nerviosos, aunque el mundo en general nunca podría presenciarlo, si no fuera por Lee, quien toma su cámara y comienza a documentar la carnicería. Segundos antes, había llevado a una joven admiradora, Jessie (la estrella de "Priscilla", Cailee Spaeny), a un lugar seguro, salvando efectivamente la vida de esta aspirante fotógrafa. El objetivo de Jessie es ser fotógrafa de guerra, aunque trabaja con películas en blanco y negro: una joven artista comparada a Lee. La ambiciosa joven se abre camino hacia la próxima misión de Lee, conduciendo con el reportero Joel (Wagner Moura) y el veterano periodista político Sammy (Stephen McKinley Henderson) a DC para entrevistar al presidente: tres generaciones de periodistas con agendas muy diferentes.

Jessie se ve a sí misma en la niña, incluso si ya no se ve en su propio reflejo. En una escena tranquila pero reveladora, el cuarteto llega a una ciudad que parece no haber sido tocada por la guerra. Entran en una tienda, donde Lee se prueba un vestido y se estudia en el espejo. La película es ese espejo, que muestra a Estados Unidos los riesgos de las luchas internas y los costos potenciales de la división. “Civil War” es una historia con moraleja que reutiliza el tipo de imágenes que el público ha visto en zonas de guerra en el extranjero (disidentes colgados de puentes, cadáveres cubiertos de cal apilados en fosas comunes) y las aplica a entornos familiares y totalmente estadounidenses.

Es sorprendente, por decir lo menos. Aún así, Lee ha visto cosas peores en su vida (al principio, mientras se relaja en su baño, recorre una muestra de horrores que ha documentado a lo largo de su carrera, incluido un hombre prendido fuego). Si alguna vez conoció la empatía, Lee ahora parece insensible sin posibilidad de reparación. Cuando Jessie le pregunta a su ídola si retrataría el momento si Jessie estuviera muriendo, Lee le devuelve la mirada fríamente y dice: "¿Qué piensas?".

El público nunca había visto a Dunst así. Parecía ruda en “The Power of the Dog”, pero aquí, cubrir conflictos le ha quitado la esencia. Garland le brinda al personaje varias oportunidades para reconectarse con su humanidad, incluso cuando es en un viaje por carretera tenso y cada vez más brutal mientras empuja al equipo hacia el proverbial corazón de la oscuridad. La mayor parte de la película se desarrolla a plena luz del día, lo que no tiene en absoluto la estética que el público espera de una película de guerra moderna, que normalmente utiliza filtros estratégicos para que todo parezca áspero.

"Civil War” puede desarrollarse en una dimensión paralela (el equipo de Cal-Texan no aclara si los estados azules o rojos están dirigiendo este levantamiento), pero se parece mucho a los Estados Unidos que conocemos. A veces, en medio de la confusión, los personajes no se pueden distinguir entre rebeldes y patriotas, como en una escena en una atracción al aire libre de Winter Wonderland, donde los soldados intentan eliminar a un francotirador. En esa situación, poco importa en qué equipo esté. Más tarde, Jessie Plemons aparece vistiendo un uniforme de camuflaje y gafas de sol en forma de corazón, apuntando con su arma a los periodistas desarmados. “¿Qué clase de estadounidense eres?” exige de cada uno de ellos. En el clima político actual, algunos plantean preguntas similares, con un subtexto igualmente intimidante.

En este punto, la película se ha inclinado hacia el terror en toda regla. De hecho, la recta final parece más sacada de Stephen King (“The Mist” o “The Stand”) que de cualquier película de guerra anterior, mientras el pequeño grupo de periodistas acompaña a las Fuerzas Occidentales en su gran avance en DC. Aunque Garland Mostró a Offerman preparando un discurso como presidente al principio, sembró dudas sobre la sinceridad del hombre al intercalar levantamientos del mundo real con sus palabras. Aún así, seguramente ningún estadounidense quiere ver lo que viene después, mientras las tropas en la sombra de Jessie y Lee intentan abrirse camino hacia la Casa Blanca.

Antes, las batallas eran intensas pero de alguna manera teóricas. Este asedio culminante parece aterrador, aunque tremendamente diferente del tipo de guerra del mundo real presenciado en Ucrania. Al principio, Jessie tendía a congelarse bajo el fuego, pero ahora parece valiente, mientras que Lee sufre ataques de ansiedad porque ya está llegando a su tope. Si vieras botas de combate pisoteando la bandera estadounidense, ¿podrías quedarte quieto y tomar fotografías? Enferma del alma, la reacción de Lee parece prácticamente fuera de lugar, ya que la visión de la democracia derrocada la detiene en seco. Pero sólo por un momento. Incrustados junto a insurrectos a quienes los medios bien pudieron haber inspirado, estos testigos presenciales de la historia están impulsados ​​por un sentido del deber totalmente distorsionado: su único objetivo es conseguir la foto, o la historia, según sea el caso.

Cualquiera que haya visto la película anterior de Garland, una de mis favoritas del 2022, “Men”, sabe que el director no rehuye a llevar las cosas al extremo más nauseabundo. “Civil War” no es diferente. Garland comercializa imágenes desencadenantes, no sólo de crímenes de guerra de los propios creadores de imágenes, actos que están lejos de ser neutrales y casi alentadores que hacen que el 6 de enero parezca leve. Mientras tanto, las ambigüedades que rodean los orígenes del conflicto significan que no hay manera de desactivar lo que estamos viendo. Sin ser vista, “Civil War” ha sido criticada por explotar las tensiones en un año electoral, cuando en realidad pretende ilustrar la inutilidad de los “bandos”. Garland es la última persona que sugiere un abrazo grupal. A medida que avanzan las declaraciones, su poderosa visión nos deja conmocionados, repitiendo efectivamente la pregunta que sofocó los disturbios de Los Ángeles: ¿Podemos llevarnos bien todos?

Crítica Cinéfila: Parasyte, The Grey - 1ra Temporada

Cuando unos misteriosos y violentos parásitos, alojados en huéspedes humanos, se hacen con el poder, la humanidad deberá alzarse para combatir esta temible amenaza. Versión live-action inspirada en el manga "Parasyte", con cambios con respecto al manga original. 

Si creciste con el manga japonés del mismo nombre, y luego te obsesionaste con la serie ánime; aunque la historia no sigue a los mismos personajes ni es en el mismo país, te va a emocionar comoquiera y mantiene la fórmula del universo: mezcla perfecta de acción con emociones y una calidad más creíble de los efectos visuales (y esto es haciendo referencia para nunca recordar aquel live-action que trataron de hacer con la historia original del manga...). Los fanáticos del director de género Yeon Sang-ho, quien nos dio Train to Busan, Hellbound y Jung_E estarán felices porque él está detrás de esto. La 1ra temporada tiene solo episodios de seis horas de duración y es imposible no seguir viéndolos de golpe, concluyendo con un personaje familiar en la escena final de la temporada que solo dará más sed de parásitos y temporadas.

Cuando comienza la serie, queda inmediatamente claro que "Parasyte: The Grey" es en gran medida una historia de terror de ciencia ficción. Se ve cómo una espora cae del cielo, rebota suavemente y parece un juguete de niños hasta que brota un tentáculo de su interior. La criatura emergente se desliza hacia la persona más cercana y salta a su cerebro a través de su oreja. ¿De dónde vino la extraña masa de esporas? ¡Quién sabe! Ciertamente no es de este mundo. Lo que sí llegamos a saber rápidamente es que el humano infectado por el extraterrestre se convierte en una criatura con tentáculos que pone en peligro a todos los que están a la vista. Cualquier sensación de que esto será una serie amigable se evapora a partir de ese momento, cuando todas las secuencias se vuelven más brutales y mortales con cada segundo. Y apenas estamos en el prólogo del primer episodio.

Si has visto la película de Hulu "Nadie te salvará" (2023), es posible que reconozcas la forma en que los seres humanos siguen existiendo sin dejar de ser humanos. En cambio, ahora están controlados por el  parásito en su cerebro; excepto nuestro personaje principal, que termina en una extraña relación simbiótica con su parásito. Un poco como en "Venom", excepto el parásito en "Parasyte: The Grey" solo quiere proteger a su anfitrión. No hace nada que la ponga en peligro. Todo lo contrario: incluso puede controlar su hambre obviamente natural por la carne humana (Oh, sí, nos hemos convertido en comida para los extraterrestres en esta serie).

Como ya se mencionó, esta nueva serie surcoreana de Netflix está basada en el manga japonés. Jeon So-nee (interpreta a Jeong Su-in) es una joven que ha tenido una infancia brutal y es salvada por el  parásito que infesta su cerebro mientras es atacada por un desconocido. La parte parásita de ella significa que entra en una especie de personaje de Jekyll y Hyde. 

Con el tiempo, tanto Jeon So-nee como Hyde se alían a otro personaje, que le pone al parasito alienígena el apodo de Heidi, y está también tratando de salvar su vida e iniciar otra lejos de su realidad actual. Su nombre es Seol Kang-woo y es un criminal que tiene el corazón en el lugar correcto... la mayor parte del tiempo. En esencia, Jeon So-nee interpreta tanto a Jeong Su-in y Heidi, quienes tienen personalidades muy diferentes. Y realmente le dacredibilidad a cada uno, con unas transformaciones impresionantes en su actitud y forma de hablar. 

Si bien todos los parásitos (como en los humanos infectados por extraterrestres) quieren comerse toda la carne humana que puedan, existe una línea de defensa llamada "Equipo Gris". Están trabajando para erradicar la amenaza alienígena por cualquier medio necesario. Choi Jun-kyung (Lee Jung-hyun) es la líder del grupo de trabajo del Equipo Gris. Como cada episodio comienza con breves flashbacks que nos ayudan a comprender a los personajes en su situación actual, también ayuda a comprender por qué alguien parece demasiado oscuro, demasiado bueno o simplemente demasiado malvado,  dándonos una idea de cómo llegó a ser así. Una manera brillante de garantizar que la historia basada en los personajes tenga el impacto deseado.

Otros personajes clave incluyen a Kim Chul-min, un detective de policía y viejo amigo de Jeon So-nee, interpretado por Kwon Hae-hyo (The Vanished). Kang Won-seock (Kim In-kwon) como colega de Chul-min, y Kwan Hyuk-ju (Lee Hyun-kyun) como el pastor en el centro de la conspiración alienígena. 

Como suele ser (o siempre es) el caso con las historias de Corea del Sur, nadie es del todo bueno o malo. Todo el mundo es capaz de hacer algo bueno o algo terrible, independientemente de cómo les hayamos visto actuar de otra manera. Esto también hace que la versión surcoreana le dé su propio toque a la narración de la historia. También, esta adaptación de Netflix presenta una historia original simplemente ambientada en el mismo universo. Muchos de los detalles del manga todavía se encuentran en esta historia. Sólo que de maneras ligeramente diferentes. Como se trata de una producción surcoreana dirigida por Yeon Sang-ho, también tiene lugar en Corea del Sur. Específicamente, la ubicación cambió de Fukuyama en Hiroshima, a una ciudad de Corea del Sur llamada Namil en la serie.

Aún así, por mucho que la historia de la serie sea original, está claramente ambientada en el mismo universo que el manga. Además, la escena final de la temporada 1 presenta un personaje alrededor del cual es obvio construir la temporada 2. Especialmente porque este personaje es el mismo que el personaje principal del manga japonés original. Una escena final perfecta de la temporada 1 que ofrece el segway perfecto para la temporada 2 (o un spin-off japonés) y al mismo tiempo resume a la perfección la historia de esta serie surcoreana. Y sí, obviamente, quiero una temporada 2 de "Parasyte: The Grey" ya que apenas hemos comenzado a conocer este mundo.

Crítica Cinéfila: One Life

Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas "Nicky" Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

Parece extraño que un actor del prestigio y aclamación de Sir Anthony Hopkins necesite un regreso tan avanzado en su carrera; pero durante algunos años, el ganador del Oscar estuvo atrapado en un ciclo de secuelas ingratas y thrillers de una sola palabra donde el brillo actoral que alguna vez lo convirtió en un rostro muy solicitado fue ahogándose. En un año, fue nominado al Oscar por Los dos papas y ganó por El padre (su primera nominación en la Academia desde 1998) y, si bien esto no frenó por completo su predilección por las películas de serie B, lo llevó de regreso a la sustancia, con un giro sutil pero devorador de escenas en Armageddon Time de James Gray y ahora, otra actuación espectacular en el drama de la segunda guerra mundial "One Life".

La película, a veces, puede parecer más un drama televisivo de la BBC con algunos toques cinematográficos, pero avanza hacia un último acto con una emoción imponente, y pocos ojos secos. Es la historia de valentía radical de Nicholas Winton, un corredor de bolsa atrapado por la necesidad de hacer algo mientras Europa se acercaba al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se dirigió a Praga en 1938, a pesar de las advertencias de su bien intencionada madre, y de inmediato se horrorizó por la situación en la que se encontraban tantos jóvenes refugiados, la mayoría de los cuales tenían pocas probabilidades de sobrevivir al invierno. Su plan para salvarlos fue descartado como ingenuo por aquellos más endurecidos por lo que habían visto y lo que habían descubierto que no era posible, pero regresó a Londres decidido a ayudar y, con la ayuda de su igualmente obstinada madre, comenzó a reunir visas y encontrar hogares.

La historia desarrolla su trabajo a través de flashbacks mientras el Winton mayor clasifica archivos y papeles que ha estado acumulando durante mucho tiempo, para disgusto de su esposa. Interpretado por Johnny Flynn cuando era joven, es un hombre impulsado por una necesidad imparable de ayudar y, en su versión mayor, interpretado por Hopkins, es un hombre atormentado con el sentimiento de que no ayudó lo suficiente. Avergonzado por la idea de recibir atención por lo que había hecho, aprendió a enterrarla en su oficina, dentro del mismo maletín que usó en aquel entonces, diciéndose a sí mismo que cualquiera habría actuado de la misma manera y que pensar demasiado en ello le haría centrarse en los que quedaron atrás.

Es un ir y venir a través del tiempo, pero en las escenas de finales de los años 30, el director James Hawes a menudo lucha por distinguir visualmente su película de tantos dramas anteriores de la Segunda Guerra Mundial, volviendo a la seguridad de sus raíces en la televisión. Flynn es un solucionador de problemas convincentemente obsesivo, con la ayuda de una férrea Romola Garai en Praga y una tenaz Helena Bonham-Carter como su madre en Londres, y hay un innegable desgarro de lo familiar que es cuando vemos esas imágenes conmovedoras de manitas despidiéndose de sus padres a quienes nunca volverán a ver. Pero es en las escenas de finales de los 80, que poco a poco empiezan a tomar protagonismo, donde la película encuentra una base más original, explorando con matices las realidades de vivir con el peso de hacer tanto pero pensando en ello como que fue tan poco.

El monumental logro de Winton se mantuvo oculto durante años, enterrado en un maletín de cuero en su casa, mientras poco a poco intenta encontrar una manera de compartir los documentos que detallan lo que hizo (con fines históricos y educativos más que para cualquier cosa que involucre su ego), su vida y su autopercepción comienzan a cambiar. Es en estas últimas escenas, cuando Winton confronta su bondad innata y se da cuenta del peso de lo que ha hecho, que la película realmente se dispara. Los momentos clave tienen lugar en las grabaciones de That's Life de la BBC, un programa que su esposa considera de mal gusto, pero hay algo en su sentimentalismo descarado que comienza a tener un efecto, golpeándonos de repente como lo hace Hopkins, cuya demostración de emoción desenterrada es bastante demoledora, un hombre que nunca se consideró lo suficientemente bueno y finalmente se da cuenta de que es mejor que muchos. Es ese último acto lo que derribará cualquier pared de sentimientos retenidos hasta ese momento, pues es esa sensación de tristeza y redención las que se necesitan lograr para que la película cumpla con su cometido.

Crítica Cinéfila: The Iron Claw

Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.

Admito que sabía muy poco sobre la familia Von Erich antes de ver "The Iron Claw"; la lucha libre no es el tipo de deporte que veré por voluntad propia. Sin embargo, la película es tan buena y tan conmovedora que es fácil sumergirse en su mundo. Escrita y dirigida por Sean Durkin, "The Iron Claw" cuenta con la mejor actuación de Zac Efron hasta la fecha, y se destaca por aportar una profunda sensación de pérdida, dolor y angustia a su papel. La película biográfica en sí, realizada con la bendición de Kevin Von Erich, se hizo con mucho respeto y corazón, profundizando en las trágicas pérdidas que enfrenta la familia Von Erich. A pesar de lidiar con el dolor y las dificultades, "The Iron Claw" mantiene un sentido de sensibilidad y matices, creando una meditación hermosa e inquietante sobre la historia de la familia Von Erich.

Su enfoque en la familia y, en particular, la dinámica entre los hermanos Von Erich y su padre, Fritz, es convincente y emocionalmente pesada. Hay muchas cosas que no se dicen con palabras, pero que se expresan alto y claro en el lenguaje corporal y en la tensión que se genera entre los personajes con el tiempo. No es fácil de ver y no hay forma de prepararse para los golpes emocionales que da la película, pero es silenciosamente dinámica y poderosa en innumerables formas. Es una película biográfica desgarradora, visceral y conmovedora que seguramente te hará derramar una lágrima o dos sin importar si conocías la historia de los Von Erich.

"The Iron Claw" se basa en la historia real de los hermanos Von Erich, su ascenso a la fama en la lucha libre en Texas en la década de 1980 y la popularización de la lucha con garras de hierro. La película biográfica sigue a los cuatro hermanos, Kevin (Zac Efron), Kerry (Jeremy Allen White), David (Harris Dickinson) y Mike (Stanley Simons), centrándose en la relación con su padre, Fritz (Holt McCallany), quien los impulsó a convertirse en luchadores profesionales y se tomaron el deporte muy en serio. Si bien la familia Von Erich tiene una gran presencia, "The Iron Claw" se cuenta en gran medida desde la perspectiva de Kevin, mientras trabaja duro para ganar el cinturón del Campeonato Mundial Peso Pesado de la NWA y la aprobación de su padre, mientras intenta luchar contra una supuesta maldición familiar.

La película de Durkin incluye la muerte de tres hermanos Von Erich, y cada una de ellas es absolutamente desgarradora. Si bien el drama no dedica demasiado tiempo a tragedias individuales, estas impregnan la película y afectan la vida de Kevin y su nueva familia con su esposa Pam (Lily James), la relación a menudo tensa con Fritz y la forma en que interactuamos con los temas de la película y la dinámica familiar. Más allá de las muertes, la pesadez emocional de la película surge de la compleja relación entre Fritz y sus hijos. Hay mucha vulnerabilidad en la película y una crudeza emocional que retuerce nuestros corazones al mismo tiempo que brinda momentos de devastación desgarradores. "The Iron Claw" no es la película biográfica para sentirse bien que muchos cineastas tienden a hacer hoy en día; en realidad, trata sobre las dificultades, el dolor y las dificultades que enfrentan sus personajes.

Las situaciones de la vida real no siempre son tan claras y ordenadas, y "The Iron Claw" es una clase magistral para dar matices, profundidad y dinamismo a una familia que ha sufrido una buena cantidad de tragedias. El guión de Durkin es sensible y conmovedor; es a la vez duro y exigente. La lucha libre juega un papel importante en la película, pero, por encima de todo, se trata del amor y el vínculo entre hermanos, que son el corazón y el alma de la vida de cada uno. Las pérdidas que siguen después de establecer un vínculo tan fuerte le dan a la película su peso emocional, quitando la alfombra bajo nuestros pies incluso cuando contenemos la respiración anticipándolo. Y aunque "The Iron Claw" es realmente triste, no es manipuladora.

La película tiene un reparto excepcional y todos hacen su parte. Jeremy Allen White es fantástico como Kerry y realmente eleva el sentido del deber que tiene hacia su familia y la presión que eso conlleva. Harris Dickinson como David es encantador y discreto, mientras que Mike, de Stanley Simons, es sensible y dulce. Pero si bien todo el elenco, incluida Lily James como la encantadora Pam, es excelente, "The Iron Claw" pertenece a Zac Efron y Holt McCallany. Mejor conocido por su papel en Mindhunter, McCallany es feroz y formidable como Fritz. El actor interpreta al patriarca Von Erich, estoico y cada vez más duro con sus hijos. No quiere necesariamente lo mejor para ellos, sino lo que cree que es mejor para la familia. Hay algo casi amenazador en la interpretación de McCallany, y equilibra esa arrogancia e ira desenfrenada.

Efron, por otro lado, muestra la vulnerabilidad de Kevin en todo momento. Es protector y gentil con sus hermanos, pero frustrado y deferente con su padre. Efron se comporta de manera diferente en sus interacciones con Fritz, casi como si tuviera miedo de causar problemas. Hay mucha confusión interna que Kevin siente que el actor es capaz de transmitir de forma no verbal. Es una actuación fuerte y cautivadora por la que me sentí atraída en todo momento, ya que Efron demuestra que puede aprovechar una gran cantidad de emociones a la vez sin permitir que una supere a la otra. La suya es una actuación emocionalmente devastadora que nos permite permanecer en la tristeza abrumadora.

No esperaba que me gustara tanto la película de Durkin, pero me atrapó desde la primera escena y me mantuvo fascinada hasta el final. Ni siquiera es necesario saber mucho sobre lucha libre para quedar cautivado por esta película. La sensibilidad con la que trata a la familia central y todo lo que pasó, junto con las actuaciones excepcionales y en capas, fundamentan la película. A pesar del dolor constante y el abuso de sustancias que llena el último tercio de la película, "The Iron Claw" tiene mucho corazón gracias a la relación de los hermanos. ¿Podría haber profundizado más en las relaciones de los personajes más allá de la familia? Absolutamente. Pero lo que le falta a la película lo compensa con su hermosa e inquietante meditación sobre la familia Von Erich, las trágicas pérdidas que enfrentaron y el amoroso manejo de su historia.

Crítica Cinéfila: Three Body Problem - 1ra Temporada

Una decisión tomada en China en los años 60 trasciende el tiempo y el espacio, obligando a unos científicos a afrontar la peor amenaza para la humanidad en el presente.

En física, el "problema de los tres cuerpos" es lo que se llamaría un verdadero quebradero de cabeza: un enigma científico que tiene que ver con las posiciones y velocidades de tres cuerpos de masa cuando se atraen entre sí con la gravedad. Es una cuestión de siglos de antigüedad de la teoría del caos; un enigma matemático, aparentemente irresoluble. Y sólo un poco más complicado que adaptar la novela de Liu Cixin de 2008, "El problema de los tres cuerpos", a una serie. El libro (y sus secuelas posteriores) abarca desde la historia hasta la muerte por calor del universo; incluye una densa charla sobre astrofísica teórica; y se fija, en un punto, en la décima dimensión. ¿Cómo exactamente se hace una serie a partir de eso?

"Ambicioso" no es suficiente, lo que quizás convierte a los showrunners de "Game Of Thrones", David Benioff y DB Weiss, junto con Alexander Woo de "True Blood", en los productores ideales para la enorme apuesta multimillonaria de Netflix. Los tres creadores tienen experiencia con presupuestos gigantes; conocen bien cómo darle a la audiencia una secuencia de escneas asombrosas; pueden luchar con material fuente extenso y difícil de manejar; pueden construir el mundo; pueden desarrollar el personaje. Para tomar prestada una frase, consideran el caos una escalera fácil. 

En muchos sentidos, este es un cambio notable con respecto a esas dos series. Hay mucho contenido en estos ocho episodios, tanto en tonos, estilos y géneros. Es en parte un servicio de procedimientos policiales, en parte una epopeya de ficción histórica, en parte un misterio de rompecabezas, en parte una aventura de descubrimiento científico, en parte una ciencia ficción de invasión alienígena. Comienza con una serie de muertes de científicos, aparentemente conectadas, que son investigadas por el observador detective Da Shi, al estilo Raymond Chandler (Benedict Wong); termina con el amanecer de una guerra intergaláctica. Que se sienta coherente es un logro. En el fondo se encuentra la cuestión de qué significa ser humano. 

La fundamentación a la pregunta inicial es una de las mayores contribuciones de los showrunners. El libro de Liu estaba más enamorado de sus conceptos que de sus personajes. Esta adaptación simplifica, combina o inventa cinco personajes principales, interpretados por Jess Hong, Jovan Adepo, Eiza González, John Bradley y Alex Sharp, para que sean todos de la misma promoción de graduados de Oxford. Siempre que aceptes la pulcritud ligeramente conveniente de esa elección, son fuertes sustitutos de la audiencia, lo que le da una sensación humana de incredulidad a todo. Algunas de las relaciones se sienten un poco trilladas (un triángulo amoroso parece innecesario y trivial), pero hay momentos de verdadero trabajo. Hong y Sharp emergen como los MVP, ambos ofreciendo actuaciones cálidas, magníficamente presentadas, llenas de humor y humildad.

El resultado es algo más accesible que el libro (no se necesita un doctorado para comprender o disfrutar esta serie), incluso cuando se centra en personas increíblemente inteligentes que se dedican a la resolución de problemas de alto concepto mientras juegan con Apple Vision Pros nivel alien. Sin embargo, todavía se pueden encontrar los temas más importantes de Liu. Esta es una adaptación internacional en inglés de un libro chino, pero conserva sus alegorías sociales e históricas: la serie, como el libro, comienza con la violencia de la Revolución Cultural de China, y nos invita a establecer comparaciones entre humanos y extraterrestres, y estructuras de poder: el espectro de un régimen opresivo, la aterradora deferencia hacia un culto y a la personalidad, que se forja de un nuevo mundo a cualquier precio.

Tampoco escatima en el factor sorpresa del libro. Hay una sensación colosal de escala y ritmo en todo momento. El episodio 5, en particular, tiene una secuencia que rivaliza con la Boda Roja por su nivel de violencia y sangre. Esta temporada inicial sigue un patrón familiar de Thrones, anticipando sus grandes momentos mientras termina con una nota más reflexiva. Casi decepcionantemente, ese final se siente más silencioso, ofrece algunas respuestas pero muchas más preguntas, sentando las bases para temporadas futuras actualmente no confirmadas. Hay un enorme potencial aquí. Si lo logran, este podría ser una de las mejores series de ciencia ficción de todos los tiempos. Pero primero necesitan aterrizar el avión. Netflix, te lo rogamos: no nos dejes colgados. No hagas de esto un problema más sin solución. Tenemos suficientes.