Crónicas de California: Pequeños Grandes Oficios de una Producción

Cuando se trata de hacer cine y las personas preguntan "¿a qué te quieres dedicar?", ellos normalmente esperan escuchar que querrás ser actor/actriz, director/a o cinematógrafo, pues son las áreas que normalmente todo el mundo quiere ejercer. Rara vez escucharás personas que quieren ser guionistas o editores. Y en ocasiones muy específicas encontrarás personas que se quieren dedicar a dirección de casting, dirección de arte o producción. 

Pero ¿a dónde dejan los "pequeños oficios"? ¿Será que nadie quiere ejercerlos en serio? Aunque no lo crean, esos llamados pequeños roles en una producción son tan importantes como el de un productor, director o incluso un actor. Los defiendo porque 1) los he ejercido todos y 2) un rodaje podría estar completamente perdido sin ellos. Estos son cinco pequeños grandes roles que toda productora debe tener entre su crew (porque sino fracasan):

1. Asistente de Producción: Ya les he hablado de TODO el trabajo que tiene un productor a la hora de hacer una película. ¿Se imaginan tener que cumplir con tantas tareas y sin ayuda? Yo no podría, por más multitasking que sea. Como su nombre lo indica, el asistente de producción se encarga de asistir al productor con todo lo que conlleva realizar una película, desde la preparación del plan del rodaje, contactar los integrantes de la producción, asegurarse que los parlamentos y escenarios estén listos y a tiempo para el rodaje, encontrar opciones de reparto, entre otras cosas.

2. Asistente de Dirección: Si creían que el director debía tener una excelente comunicación con todo el crew, el verdadero intermediario de esa comunicación es el asistente de dirección. Es quien organiza el desglose de rodaje, convoca a los actores al set y mantiene el rodaje en el presupuesto y horario previamente planeado. Normalmente es incluído en la pre-producción cuando el equipo se está preparando para rodaje. 

3. Asistente de Cámara: Este es la mano derecha del director de fotografía. Se encarga de mantener en foco la escena pese a los movimientos de los actores y de la cámara misma. También es el responsable de los lentes, filtros, del montaje de la cámara y de sus accesorios para las diferentes tomas a realizar. Al igual, es el que normalmente maneja la claqueta. Normalmente es contratado para el rodaje exclusivamente, pero su trabajo es tan específico que hay personas que se profesionalizan únicamente en el manejo de enfoque y/o balance de la cámara.

4. Supervisor de Guión: Ya hemos hablado (muchas veces) de este rol, pero lo vuelvo a repetir porque me he encontrado con personas que dicen que no es tan importante. Corrección... es tan importante que ha salvado muchas producciones. También conocido como el continuista, se encarga de supervisar que las secuencias y planos que conforman el guion mantengan una continuidad en todos sus aspectos. Desde en el aspecto narrativo, hasta en el manejo de ángulos, tomas y cortes. Lleva un registro de todo lo que acontece durante el rodaje, incluyendo cambios de lentes, filtros y luces. Una vez termina el día de rodaje, debe pasar el registro al director y editor de la película, para que mantenga continuidad en cada una de las escenas.

5. Extra: Sonará extraño... pero los extras son sumamente importantes, sobretodo por el hecho de que le agrenga el valor de realismo a las películas. Los extras son personas sin categoría de actor que solo aparecen de fondo y no pronuncian ningún diálogo. Muchos famosos actores comenzaron como extras en la industria, y es porque es uno de los trabajos más ofrecidos. Los extras son necesarios para todo tipo de rodajes, sin importar el género o estilo de película. 

¿Qué otro pequeño gran oficio en una producción es extremadamente importante?

Happytime Murders

Un ex-policía marioneta y su ex-compañera investigan los asesinatos al elenco de un show infantil de los años 80, con la esperanza de atrapar al responsable y limpiar su nombre.

No es la primera vez que una película presenta personajes que originalmente parecerían inocentes, pero que terminan desarrollándose con una depravación tal cual que no es apta ni siquiera para los adolescentes. Sin embargo, historias como "Who Framed Roger Rabbit" y "Ted" fueron mucho más inteligentes e interesantes de lo que "Happytime Murders" pudo lograr en su totalidad. Es más... ni siquiera en 1/4 parte de su totalidad.

En un mundo en el que los muppets coexisten con los humanos como ciudadanos de segunda clase, un títere que trabaja como detective privado, Phil Phillips, trata de seguir la pista del asesino de su hermano, que amenaza también con eliminar uno por uno a los miembros del famoso show de los 80, The Happytime Gang. La siguiente en la lista es un viejo amor de Phil, Jenny (Elizabeth Banks), lo que le empuja a pedir ayuda a su antigua compañera de trabajo, la detective Connie Edwards (Melissa McCarthy). La investigación llevará a ambos a un descubrimiento que cambiará para siempre el mundo de los muñecos.

No debería sorprendernos que "Happytime" parezca una metáfora del racismo: los humanos están conviviendo inquietamente con un grupo "minoritario, oprimido y despreciado". En este caso, marionetas similares a los Muppets, acosados ​​por adicciones al azúcar y prejuicios generalizados. Pero su error fatal es la decisión de cargar muchos con los momentos más desagradables en los primeros 15 o 20 minutos, obligando al resto de la película con escenas muy similares que terminan siendo aburridas y completamente ilógicas. ¿McCarthy confundida por un hombre? ¿Sexo en la oficina y un orgasmo demasiado largo para ser creíble? ¿Sobredosis de azucar con escarchas? ¿Muertes exageradamente horribles? Por favor...

A pesar del estilo noir con que Bill Barretta (personificando a Phil Phillips) narra la historia, esta es completamente insalvable dado a la innecesaria y un tanto exagerada trama que desarrolla. Y si esto no fuese suficiente, a la actuación de McCarthy le hace falta gracia e importancia; no es ni siquiera salvada por la idea de convertirla en "mitad muppet" (Spoiler alert! ¿Pero a quién vamos a engañar? ¡No la iban a ver comoquiera!). Ni siquiera los efectos especiales de hacer los títeres caminar por sí solos y el hecho de darles una debilidad general a todos, salva el mediocre desarrollo de una trama que me durmió durante 20 minutos en el cine.

En resumen: una hora y media de humor grosero y sexista. A los títeres solo les faltaba ser humanos para que no hubiese demasiada diferencia con la realidad. Es mala, y punto. Una película tortuosamente sin gracia que puede ser considerada la peor película del 2018.

Alpha

Después de que es abandonado por su tribu, un joven deberá aprender a sobrevivir ante la dura y cruel naturaleza, acompañado a regañadientes de un lobo, que terminará convirtiéndose en su aliado contra innumerables peligros y el frío invierno.

"Boy meets... dog?" Este bromance prometía ser desde los orígenes de la humanidad, y en Alpha nos demuestran que su inicio no fue nada fácil como todos creerían que fue.

En el Paleolítico superior europeo, hace más de 20.000 años antes de Cristo, Keda se une al grupo de su tribu durante la temporada de caza. No obstante, mientras se enfrentaban a una manada de búfalos, el joven es gravemente herido y lanzado al vacío. Su grupo lo dan por muerto y abandonan su cuerpo, sin imaginarse que el joven aún sigue vivo. Cuando finalmente despierta, Keda se tiene que embarcar en una dura expedición para encontrar a su tribu. Solo y débil, tendrá que enfrentarse a inhóspitos terrenos, terribles condiciones ocasionadas por la última glaciación y todo tipo de peligros. No obstante, después de enfrentarse a un grupo de lobos, uno de los lobos es abandonado por su grupo, y ahora acepta a acompañarlo a regañadientes. En esta épica historia de supervivencia, los dos tienen que aprender a convivir y ayudarse para sobrevivir en la naturaleza y encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.

Albert Hughes (The Book of Eli), crea esta narrativa de una manera simple y preciso, en que el dialecto de esta tribu no se interfiere en el entendimiento de las decisiones de los personajes. Es muy claro lo que busca lograr el personaje principal, pero la manera en que su travesía se convierte en una aventura sobre amistad y vínculo emocional es logrado a la fluidez de la trama y cada una de sus escenas.

El vínculo de Keda con el lobo solitario Alpha es el núcleo emocional de la película, y lo logra con tanta naturaleza que su relación nunca parece forzada ni falsa. Los dos se convierten en cazadores de equipo de etiqueta, con Alpha persiguiendo animales y Keda terminando con su lanza, y hay una autenticidad poética en cada uno de sus movimientos que hacen que la audiencia se olvide por una milésima de segundos de toda la travesía que les queda a ambos por pasar antes de llegar a su destino final. Pero no solo se trata de cómo se construye esta relación entre un humano y un perro, sino también sobre la madurez que una persona adquiere gracias al tiempo y la distancia alejado de su hogar. Por otro lado, los flashbacks y sueños representan ese mensaje paternal sobre lecciones que en su momento los hijos ignoramos, pero que después nos recuerdan nuestros orígenes y el verdadero camino que uno siempre debe tomar.

Lo que quizás no parecerá tan magnífico será la actuación de Kodi Smit-McPhee, la cual en más de una ocasión se siente sobreactuada (o mejor dicho exagerada), pero salvada por la empatía con el lobo, y la reducción al mínimo de los diálogos, para darle paso a sus acciones y reacciones durante cada momento de tristeza o peligro. 

"Alpha" es cautivador sin ser demasiado sorprendente; siempre se puede decir, más o menos, hacia dónde se dirige. Sin embargo, la película es lo suficientemente buena para conectar con una audiencia hambrienta de ver una película pasada de moda hecha con una finura a la última moda. Trabajando por su cuenta, Hughes demuestra ser un coreógrafo impresionante del mundo natural. Cuando Keda queda atrapada bajo el hielo (una escena que hemos visto cientos de veces antes), y Alpha corre sobre la superficie rastreando a su amo perdido debajo se siente tan bien descrita visualmente que la hace original una vez más. 

Pero el verdadero tapabocas de esta película es la fotografía, que dejará a todo el público sin aliento, aún en los momentos más neutrales. Desde los abismos del desierto hasta el frío artíco se ven atráctivos bajo el lente de Martin Gschlacht, acompañado de una banda sonora para erizar la piel. Y justo cuando pensamos que tenemos el final resuelto (con bebes lobo y toda la cosa), Hughes saca una silueta final memorable que sugiere que el vínculo que Keda ha creado es más que la conexión habitual de película entre hombre y animal, sino un salto en la evolución humana. Así es como un creador de imágenes de bravura toma una historia convencional y la eleva.

La típica historia de un niño y su perro se rebobinó varios milenios en "Alpha", una aventura narrativa puramente íntima entre humano y animal, dirigida por Albert Hughes. La elegancia gráfica y visual de la película logra con éxito narrar la ambiciosa crónica de "cómo la humanidad descubrió al mejor amigo del hombre".

Slender Man

En un pequeño pueblo de Massachusetts, cuatro estudiantes de preparatoria llevan a cabo un ritual en un intento de desmentir la leyenda de SLENDER MAN. Cuando una de las chicas desaparece misteriosamente, empiezan a sospechar que ella puede ser su última víctima.

Según se cuenta, Slender Man es una aterradora figura, muy alta, delgada, con brazos anormalmente largos, que no tiene rostro y persigue y secuestra a jóvenes para obligarles a cometer terribles actos. Su fama le atribuye el ser responsable de la desaparición de innumerables niños y adolescentes. Y a pesar de que muchos entendemos que este es un creepy pasta creado y alimentado por los amantes del terror en internet, son muchas las historias de jóvenes que comenten delitos supuestamente por estar bajo el control de esta criatura, o peor, desaparecen completamente y sin dejar ningún rastro.

En un pequeño pueblo de Estados Unidos, cuatro amigas se atreven a observar un video el cual supuestamente invoca la presencia de Slender Man. A pesar de que el video era demasiado extraño, decidieron ignorarlo y seguir con su vida. No obstante, cuando una de las chicas desaparece, el trío comienza a experimentar extraños sucesos. Desde visiones, pesadillas completamente extrañas, y apariciones de la criatura que se oculta en las sombras, esperando a atacarlas en el momento menos esperado. Y es que, la amenaza del peligroso villano es aún más difícil de evitar.

El personaje de Slenderman siempre ha tenido un gran potencial, especialmente por las tantas historias que aparecen en internet y dicen ser completamente basadas en hechos reales; no obstante, esta película sufre de una historia limitada y poco desarrollada, en donde la lógica es suficiente pero no explota cada detalle que se explica. Los personajes por igual tienen un desarrollo mediocre, y es difícil conectar con ellos. Se presentan como puros cebos para la famosa criatura, así como cada decisión que toman a lo largo de la historia parece una provocación obvía para que él vaya tras ellas.

Nuestras cuatro "heroínas", Wren (Joey King), Hallie (Julia Goldani Telles), Katie (Annalise Basso) y Chloe (Jaz Sinclair), son solo un grupo ordinario de chicas de escuela secundaria sacadas directamente de cualquier número de clichés adolescentes dramas. No hay nada extraordinario en ellos para mantener la historia estimulante, lo que hace que sea difícil empatizar con ellos cuando se desata el infierno. A diferencia del Club de Perdedores de IT, o la pandilla de Stranger Things, esta banda de fresitas es fácil de olvidar.

También está el problema con los comentarios generales de Slender Man sobre la sociedad que nunca se han realizado del todo. Dado que la criatura titular es una manifestación de la naturaleza viral de Internet, uno podría pensar que la película podría ofrecer una idea de cómo las redes sociales tienen el poder de crear seres horribles como Slender Man, pero la historia nunca termina allí. Claro, hay momentos en que las chicas están en salas de chat y foros de mensajes tratando de encontrar la forma de derrotarlo, pero todo se siente inauténtico e incluso un poco anticuado.

Slender Man, sin embargo, sobresale en los departamentos visual y de sonido. El score, realizado por el compositor Ramin Djawadi (Game of Thrones, Westworld) y Brandon Campbell, resume el escalofrío con su uso intensivo de instrumentos de cuerda, creando una atmósfera premonitoria a lo largo de la película. Los abrumadores créditos finales solo le recuerdan al espectador qué tipo de película se supone debían ver.

Por otro lado, Javier Botet, quien interpreta al Slenderman, es sin duda la principal atracción de la película, a pesar de que normalmente se queda en las sombras y no pronuncia una sola palabra. Él es realmente una figura imponente, y aunque la calificación PG-13 de la película no permite una gran cantidad de salpicaduras de sangre, su mera presencia es suficiente para asustar a las almas más valientes. Es una lástima que no se le haya proporcionado una mejor historia de fondo, y a la vez su imagen se haya explotado a un punto que ya no causaba terror después del punto medio de la película.

En el panorama cinematográfico de terror moderno, películas como The Conjuring y A Quiet Place han demostrado que crear una experiencia visual realmente aterradora requiere no solo saltos de miedo, sino también una historia sólida con personajes cautivadores. Slender Man, dirigida por Sylvain White (The Losers), solo obtiene la mitad de este cóctel de terror, pasando por alto los elementos narrativos vitales.

Crazy Rich Asians

Rachel y su novio Nick tienen que viajar a Singapur para asistir a la boda de su mejor amigo, allí descubre que su novio pertenece a una de las familias más ricas de Asia y que todas las solteras de clase alta están increíblemente celosas de ella. La joven tendrá que enfrentarse a todas ellas y demostrar a la familia de Nick que ella también es digna de estar con él. (SENSACINE)

Warner Bros adapta "Crazy Rich Asians" con el plan de hacer un cambio en el cine hollywoodense presentando un elenco casi complatemente asiático, pero a la vez con un giro moderno en la fórmula de películas de princesas.

En la historia, Rachel Chu (de decendencia china, pero nacida y criada en New York) es invitada por su novio, Nick Young, a la boda de su mejor amigo en Singapur. Emocionada por visitar Asia por primera vez, pero también nerviosa ya que conocerá a la familia de Nick, lo que Rachel descubre es que a Nick se le olvidó mencionar que no solo es el heredero de una de las familias más ricas del país, sino también uno de sus solteros más buscados. 

Rachel es el objetivo de los celos de toda la jóvenes de la alta sociedad de Asia y, peor aún, de la propia madre de Nick, quien desaprueba también esta relación. Si bien el dinero no puede comprar amor, definitivamente puede complicar las cosas. Y Rachel tiene que demostrar durante cada oportunidad que ella es digna, no solo del amor de Nick, sino también de ser parte de su familia.

Si hay algo que esta película quiso dejar claro era que estos personajes son verdaderamente y locamente ricos, gracias a las ridículas maneras de gastar dinero, además de las maravillas que se daban el gusto de disfrutar, las fiestas en grandes y las compras fuera de control. Esto fue resaltado constantemente a lo largo de la historia, lo cual mantiene ese contraste entre las riquezas materiales y las riquezas culturales que se destacan en la trama. No solo importa cuantos diamantes se compran al día, sino las tradiciones familiares de las personas en Singapur, la importancia de la familia sobretodo lo demás y cómo los roles en la sociedad son importantísimos para saber si una familia te aceptará o no.

A pesar de que el elenco practicamente completo proviene del otro lado del mundo, hay algunas caras conocidas, como Constance Wu (Fresh off the Boat), Gemma Chan (Fantastic Beasts and Where to Find Them), Awkwafina (Ocean's 8), Nico Santos (Superstore), Lisa Lu (2012), Ken Jeong (Hungover) y Michelle Yeoh (Memoirs of a Geisha), quienes una vez más conquitan a la audiencia con su talento inigualable y el realzamiento de su cultura.

Pero el verdadero corazón de la película es la relación entre Rachel y Nick, que es sólida cuando comienza la película, pero pasa por un juicio común para muchas parejas jóvenes: conocer a la familia. Esa experiencia se concreta al mundo del que proviene Nick. Aun así, Wu y Golding tienen una química impresionante, anclando todo el espectáculo extravagante de la película en una relación dulce y sólida. Además, Yeoh ofrece una actuación deslumbrante como Eleanor, la madre multifacética que intenta proteger a su familia, aunque sus métodos pueden ser crueles. Awkwafina es un destacado como Peik Lin (proporcionando una gran dosis de alivio cómico), mientras Chan y Santos completan el elenco principal, con el primero liderando su propia historia paralela; este último es más un tipo de hada madrina de una nota en comparación, pero el personaje es indudablemente necesario para el elemento de fantasía de la película

Sin embargo, lo que hace de esta historia una película única es el escenario de Singapur. La dirección de Chu permite al espectador experimentar Singapur lo más posible con solo los sentidos de la vista y el oído. Gran parte de la película, de hecho, una vez que Rachel y Nick llegan, está impregnada de la cultura de Singapur: con imágenes panorámicas del paisaje y la arquitectura, así como primeros planos sobre la comida y la gente. Y no se puede dejar de mencionar que la banda sonora incluye canciones en inglés y en otros idiomas, lo que destaca aún más la mezcla de cultura occidental y oriental. La preocupación de Chu por mostrar solo la comida de Singapur es maravillosamente sincera y deliciosa, desde el centro de vendedores ambulantes hasta La familia de Nick construyendo albóndigas caseras. En total, Chu saca a la luz la extravagancia de Singapur y las vidas de las personas dentro de Nick.

En conclusión, Crazy Rich Asians se comporta como el fairytale perfecto para la sociedad moderna, donde se une la comedia romántica perfecta con las extravagancias de una sociedad distinta a la americana. A pesar de que la historia no fue tan divertida como prometía en todos sus avances, sí cumple con la promesa de ser un buen rato en el cine y una historia difícil de olvidar.

Hasta yo quiero conocer un rico loco asiático...

Crónicas de California: 1 año, 13 museos

The Broad - Marzo 2018

Hace un año me mudé a Los Angeles. Mi meta era muy específica: obtener mi Maestría en Guion de Cine. Pero con los meses, la meta se fue multiplicando en pequeños y grandes objetivos; mi pasión por el cine pasó de ser amor a un estilo de vida. Mis objetivos fueron más que trabajar en producciones, sino simplemente aprender de este "nuevo mundo". Pero además de las salas de cine, algo más se fue convirtiendo en mi Top para los fines de semana: visitar museos.

Es increíble cómo, en tan solo un año, los días libres se pueden transformar en ocasiones exclusivamente culturales; las visitas a museos no solo eran para ver las colecciones del momento, sino también la búsqueda de nuevas historias para mis guiones. Hasta el momento, de cada museo que visito, me llevo 4 ideas a la casa (uno de mis guiones de largometraje está inspirado en una pintura del LACMA).

Y a pesar de todas las atracciones que hay en California, la mayoría son específicamente museos. Hasta el momento he visitado más de 30 museos desde que llegué, pero hay 13 en específico que podría visitar una y otra y otra y otra vez. Aquí les presento mis 13 museos favoritos en el estado de California (hasta el momento):

Getty Museum - Enero 2018

1. Gordon R Howard MuseumLocación: Burbank

Es un pequeño museo que te cuenta los orígenes de la ciudad y de los estudios que se encuentran aquí, como Warner Bros, Nickelodeon, Universal Studios y Cartoon Network.

2. Warner Bros studio Tour

Locación: Burbank

Además de enseñar las instalaciones donde día tras día se graban películas y series de televisión, también tiene un museo que muestra el proceso de hacer una película, desde la creación del guión hasta el último borrador de la película.

3. Grammy Museum

Locación: Downtown LA

Como su mismo nombre lo dice, trata sobre los premios Grammy, su historia y las presentaciones más famosas, pero a la vez trata sobre la creación de la música, los diferentes estilos musicales y la evolución de la música.

4. Walt Disney Hall Concert

Locación: Downtown LA

Este no es específicamente un museo, sino un teatro de hacer presentaciones de Opera o conciertos techados; sin embargo, está abierto al público para conocer la historia de su creación, cómo cada sala se enfoca en un estilo musical en específico y las personalidades que se encargaron de lograr su creación.

Walt Disney Concert Hall - Agosto 2017

5. The Broad

Locación: Downtown LA

No les voy a mentir: este es mi favorito favorito. Es un museo de arte moderno donde cada sala se enfoca en un estilo y concepto artístico distinto. Es gratuito, pero sus filas son larguísimas, pues las exhibiciones llaman la atención de todo tipo de público. Una de las presentaciones favoritas del público es la sala al infinito.

6. Getty Museum

Locación: Los Angeles

Es un museo donde exhibe todas las obras que el magnate Getty poseía hasta el día de su muerte. La familia creó este lugar, gratis al público, ubicado en la misma carretera que comunica las distintas ciudades de Los Angeles. El jardín privado es otra de las atracciones, y la vista hacia Downtown LA es simplemente increíble.

7. LACMA

Locación: Los Angeles

Otro de los museos más famosos de Los Angeles, y quizás el que la mayoría de las personas ponen en su lista como prioridad a visitar (incluso está en mi lista de 33 cosas que debes hacer o ver turisteando por Los Angeles). Es el museo más grande de la Costa Oeste de Estados Unidos, y esta dividido por regiones, culturas y países. No obstante, las atracciones más importante no la tienen sus salas, sino sus exteriores, tales como las Luces Urbanas y la Masa Levitante.

Luces Urbanas - LACMA - Agosto 2017

8. Natural History Museum

Locación: Los Angeles

Al igual que otros museos de Historia Natural, trata sobre descubrimientos historicos, especies y criaturas alrededor del mundo. Está dividido por continentes, y presenta hasta los tipos de animales y flora que hay en cada parte de Estados Unidos. A su vez, tiene una exposición de diamantes, por país y realeza.

9. Griffith Observatory

Locación: Los Angeles

Otro de los favoritos del público que viene a Estados Unidos. Como su mismo nombre lo dice, es un Observatorio donde hacen presentaciones sobre el espacio. Al ubicarse en el tope de una montaña, tiene una excelente vista de toda la ciudad, pero a la vez se encuentra a dos millas del letrero de Hollywood, por lo que esas fotos nunca faltan.

Museum of Illusions - Julio 2018

10. Museum of Illusions

Locación: Hollywood

Todo el que va a Hollywood pasa por este museo (o por lo menos por el frente del museo). Este museo tiene menos de un año; no obstante, su éxito está basado en las creaciones que tienen una ilusión óptica muy particular, desde desafiar los abismos, sobrevolar rascacielos o surfear con tiburones. Es un buen recuerdo de la clase de Semiótica y Diseño Gráfico.

11. Madame Toussauds Hollywood

Locación: Hollywood

Si vas a Hollywood y no vas al Museo Oficial de Cera, no fuiste. Es un museo donde presenta distintas personalidades del mundo del entretenimiento, desde cineastas, actores, cantantes y hasta presentadores de televisión. Desde Barack Obama hasta Zoe Saldaña tienen su modelo a tamaño real con un parecido que hasta un poco de miedo da. Fue creado en honor a la escultora de cera, Marie Toussauds.

12. USS Midway Museum

Balboa Park - Septiembre 2017

Locación: San Diego

Ubicado en la misma costa del Downtown de San Diego, es una exhibición de aviones militares y civiles, donde su estructura es el famoso USS Midway, un portaviones de la Armada y el más grande del mundo hasta el 1955. El museo muestra la historia del buque y los aviones que se encuentran allí. La atracción tiene vista al Downtown de San Diego y a la Estatua del Beso.

13. Balboa Park

Locación: San Diego

Este no es específicamente un museo, pero la naturaleza del lugar se comporta como tal. Es un parque que reune los museos más importantes de San Diego, desde el museo del Arte, museo del Hombre, museo de la Fotografía, entre otros. No obstante, los jardines de este espacio son majestuosos y uno de los principales focos de sesiones fotográficas.

Vamos a ver como la lista varía después de que visite San Francisco y San José.

BlackKklansman

Un detective afroamericano en Colorado Springs, en el estado de Colorado, se infiltra en el capítulo local del Ku Klux Klan y finalmente se convierte en el jefe del capítulo.

A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer detective negro del departamento de policía de Colorado Springs, pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad. No obstante, para lograr infiltrarse, deberá aliarse con policías blancos que logren pasarse por él, puedan participar en las atroces actividades de las que son parte y conocer los niveles de racismo que existían (y todavía existen).

Spike Lee regresa con una película de Blaxpoitation, para otorgar una trama que toma lugar en los años 70, pero que hace mucha referencia al racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de que el estilo es muy particular del conflicto entre los blancos y los negros, también trata del racismo a nivel general, con escenas particulares hacia los judíos, chinos, latinos y otros grupos étnicos que puedan ser target de ataque. A su vez, la decisión de hacer contraste entre la lucha por la igualdad de los años 60-70 con los actuales rallies de grupos en apoyo de la supremacía blanca es un grito a la sociedad de que todo parece seguir igual.

Esta es una película cargada de comedias amplias, discursos audaces, embotadas representaciones de racismo y un asombroso toque visual; es una película muy típica de Spike Lee, hecha con el tipo de brío artístico y político que recuerda su mejor trabajo. La historia tiene toda la sutileza de un mazo en la cara, pero el argumento de Lee comienza y termina con el hecho de que este es un momento poco sutil en Estados Unidos. ¿Por qué otra razón concluiría su película (una obra de época) con imágenes del mitin de Charlottesville, la lucha que estalló, el accidente automovilístico intencional que mató a la contrarrevolucionaria Heather Heyer y la negativa de Donald Trump a condenar a los nacionalistas blancos después?

El personaje de Ron Stallworth es muy particular pues, a pesar de saber que ser negro en esta época representaban muchas desventajas para sí mismo, era un tema que lo mantenía reservado para sí mismo, pero a la hora de ser víctima de racismo en su propio trabajo, más conocer revolucionistas afroamericanos luchando contra el racismo, su mentalidad se fue transformando de manera notoria. La mejor secuencia de la película llega temprano: después de contratar a Stallworth como el primer oficial de policía negro en la historia del departamento, tiene la tarea de asistir a un discurso del activista de derechos civiles Stokely Carmichael (entonces conocido como Kwame Ture) para supervisarlo por subversivo actividad. Lee filma la escena como un momento de despertar relámpago para Stallworth, la cámara volviendo a su rostro (y tomas individuales de otras caras en la audiencia) repetidas veces mientras Ture (Corey Hawkins) le dice a la audiencia que "deje de huir de ser negro".

Los personajes, protagonizados por John David Washington y Adam Driver, tienen una química que representan el mejor entretenimiento de la historia, aún durante la lucha por la igualdad. Ambos personajes son conflictivos y complejos, representan grupos minoritarios de su época, pero a la vez luchan por diferentes objetivos: uno busca la igualdad y otro un camuflaje para no llamar la atención. Son las actuaciones más sobresalientes de la película, pero esto no significa que sean las únicas, pues todas las actuaciones saben lograr la ironía y empoderamiento que requierern sus personajes.

El diseño de producción es otro aspecto a resaltar, pues presenta una ambientación de la época bien inspirada, pero a la vez sabe volver a traer a la luz monumentos que resaltaban el racismo de algunos y la lucha de otros. Por igual, la vestimenta complementa la musicalización de la historia para saber resguardar el Blaxpoitation que es la película. Del mismo modo, el montaje hace referencia a este género y se inspira de otros clásicos de este estilo, con el objetivo de resaltar la diferencia de étnias y mantener la misma línea gráfica que Spike Lee ha establecido en todas sus películas.

BlacKkKlansman celebra el orgullo negro como arma necesaria contra el Klan y la sociedad para que despierte y se de cuenta del racismo que todavía se vive hoy en día. A pesar de todos los momentos cómicos que crea a lo largo de la historia, también refleja que la lucha sigue y que muchos están contra ella. Es un sabor amargo, pero real.

The Meg

Un submarino en una expedición a la fosa de las Marianas, la más profunda del océano Pacífico, ha sido atacado por una gigantesca criatura que se creía extinta. Jonas Taylor (Jason Statham) es reclutado para poner en marcha una misión para rescatar a los tripulantes del sumergible antes de que sea demasiado tarde. 

¿Qué puede ser mejor que un tiburón devorando personas inocentes en la costa? Un super tiburón prehistórico devorando gente en una de las playas más visitadas del mundo.

Un submarino de aguas profundas, que forma parte de un programa internacional, es atacado por una enorme criatura y queda averiado en el fondo de la fosa oceánica más profunda del Pacífico, con su tripulación atrapada en el interior. El tiempo se acaba y un oceanógrafo chino, el Dr. Chang, recluta a Jonas Taylor (Jason Statham), un especialista en rescate en aguas profundas, en contra de los deseos de su hija Suyin (Li Bingbing) que cree que puede rescatar a la tripulación por sus propios medios. Pero ambos deberán unir sus fuerzas para salvar a la tripulación y también al océano de una amenaza imparable: un tiburón prehistórico de 23 metros conocido con el nombre de Megalodón. 

Aunque se creía que estaba extinguido, el Meg está vivo y coleando... y está de caza. Cinco años antes, Jonas se había encontrado con esta misma criatura aterradora, pero nadie le creyó en ese momento. Ahora Jonas debe enfrentarse a sus miedos para volver a las profundidades marinas... donde volverá a verse cara a cara con el depredador más temible de todos los tiempos. 

The Meg posee una ventaja que muchos clásicos sobre este depredador no tuvieron en su tiempo: la tecnología suficiente para que todo sea creíble. Es quizás el mejor aspecto de la película, donde lo principal era destacar la magnitud del tiburón y no que tan creativo era con las muertes, otro aspecto que vale la pena destacar, pues aquí a nadie se le da el placer o el disgusto de ver como personas (inocentes en su mayoría) mueren por la mandíbula de esta criatura. A su vez, el Megalodón le permite a la audiencia entender cómo se comporta, qué lo motiva a atacar o matar, y las características que lo convierten en el depredador más peligroso de la actualidad.

No obstante, mientras Meg se gana la atención de la audiencia, o por lo menos toda nuestra ansiedad, Jonas es al parecer el único ser humano que podría acabar con esta criatura con sus propias manos. Jonas, presentado por Jason Statham, es el típico superhéroe que no quiere salvar la situación pero que sabe que es el mejor y su arrogancia lo confirma. Es una mezcla de la actitud de Tony Stark de Iron Man -pero sin dinero- y la mentalidad de Alan Grant de Jurassic Park -pero más aspero- lo cual lo convierten en el mejor enemigo del Meg. Después de Jonas, los demás personajes parecen ser completamente indispensables pues son constantemente salvados por el mismo Jonas. Algunos terminan siendo muy cliché de películas de tiburones y otros parecen desaparecer en medio de la trama, sin aclarar si fueron devorados o simplemente decidieron irse. 

A su vez, las decisiones que toman estas personas para atacar al Megalodón parecen completamente ilógicas en comparación a la capacidad de este tiburón. Sí, sabemos que las personas se vuelven idiotas en las películas de terror. Pero cómo es que si sabes que esta criatura puede destruir un barco completo, ¿lo vas a cazar en barco? Cómo si sabes que es 15 veces más grande que un tiburón normal, ¿vas a dispararle un rastreador nadando hacia él? Es una decisión estúpida tras otra, quizás para crear comedia en medio de la situación, pero que a la vez termina ridiculizando los personajes. Por otro lado, los diálogos son una perdida de tiempo, pues parecen estar narrando un episodio de Criminal Minds, pero con la perspectiva que convierte al psicópata asesino en un tiburón de 50 toneladas. Y no hablemos del romance forzado que crearon entre Jason y Suyin. En serio... ¿no puede haber una película de aventura moderna que no tenga romance metido como un supositorio?

Mientras que la fotografía es el mejor aspecto técnico, la música es el peor... Pues una característica del cine de terror es crear miedo con la banda sonora; no obstante, aquí parece ser un remix de canciones populares, dejando a un lado esa buena idea de suspenso y tensión con tan solo jugar con los violines.

The Meg es una versión de Jaws (literal, tiene muchas escenas MUY parecidas) pero con doble cantidad de esteroides para el tiburón, creada para aterrorizar a la audiencia de no querer bañarse en la playa durante el verano, pero con un retraso intelectual que cuestiona la capacidad creativa de sus guionistas y que crea momentos demasiados comicos que casi caen en la estupidez. Buen intento, pero no lo lograron.

The Spy who Dumped me

Audrey y Morgan son dos amigas que se ven involucradas en una conspiración internacional cuando una de ellas descubre que su ex-novio era en realidad un espía. (FILMAFFINITY)

"The Spy Who Dumped Me" es un entretenimiento exagerado y extrañamente combustible, una película que parece no poder decidir si quiere ser una comedia ligera o un ejercicio pesado en B-Muy-violencia cinematográfica.

Audrey (Mila Kunis), una cajera de mercado orgánico de Los Ángeles con el pelo castaño lacio y una actitud a la par, y Morgan (Kate McKinnon), su feminista BFF, terminan en medio de una gran trampa de espionaje balístico después de que resulta que el novio ausente de Audrey, Drew ( Justin Theroux ), es un operativo feroz que trabaja para la CIA. Antes de que comience la historia, ya lo visto en acción, atravesando paredes, eliminando matones continentales y saltando por una ventana hacia un camión en una única que Tom Cruise lo haría. Esto casi podría ser el preludio de una película de Jason Statham, y el público piensa: "Está bien, deben estar tratando de ponernos de humor". Una vez que Drew es asesinado a tiros delante de Audrey, ella y Morgan intentan llevar a cabo su misión tomando el paquete que llevaba y volando a Viena para entregarlo a su contacto en un café. 

Los punch line nunca llegan a tiempo y la mayoría de las veces no se registran completamente como comedia (más como relleno). La imagen está tan empeñada en ser una extravagancia de caos directo que siempre resulta una exageración. Ese café de Viena, por ejemplo, explota en una sangrienta lucha libre (ametralladoras, dagas, cuerpos que se estrellan), incluyendo cuando un hombre se hunde la cabeza en una olla de fondue. Es una forma genial de matar a alguien pero no se ve tan creíble en pantalla.

La historia tiene peleas de cuchillos y persecuciones, docena de disparos de armas de fuego, dobles cruces y traiciones, una estructura de trote en Europa que lleva a las heroínas de Viena a París a Praga a Berlín, un agente (Sam Heughan) que puede o no pueden estar de su lado, una asesina rusa (Ivanna Sakhno) que es como una gimnasta androide con cejas invisibles, un clímax del Cirque du Soleil que presenta a Morgan en un trapecio, y más jibber-jabber de lo que puedes soportar sobre una unidad flash que contiene información que salvará innumerables vidas. 

Sin embargo, bajo sus propios términos, la película es incompetente. Es difícil tener mucha inversión con todo lo que estamos viendo, es ilógica, le falta comedia en la mayoría de sus escenas, y la actuación de Kate McKinnon es DEMASIADO. "The Spy Who Dumped Me" no es una película para verla dos veces.

Eighth Grade

Kayla, una niña de 13 años, tendrá que lidiar con los terremotos de la adolescencia suburbana en la última semana de colegio, tras un año desastroso antes de empezar el instituto. (FILMAFFINITY)

Ser adolescente es una de las peores etapas de la vida. Tener que pasar por octavo grado, los terribles cambios en el cuerpo y agregarle las nuevas tecnologías, redes sociales y competencias virtuales, es un reto para todo joven de esa edad. Sobretodo cuando es una persona tímida, que está tratando de adaptarse, pero a la velocidad que van las cosas ella no logra encajar.

Kayla Day cursa el octavo grado en su última semana de secundaria. Publica videos de motivación en YouTube sobre la confianza y la autoimagen (a pesar de que ella representa todo lo opuesto a lo que dice en sus videos), mientras lucha en la escuela para hacer amigos, y gana el premio "la Más Silenciosa" de sus compañeros de clase. Mark, su padre soltero, lucha por conectarse con ella y romper su dependencia de las redes sociales. A lo largo de la historia, Kayla se dará cuenta que, no se trata de cambiar tu personalidad para adaptarte a los cambios, sino adaptarte a los cambios y ser tu mismo a la vez.

Para ser su primera película como director, Bo Burnham logra captar los miedos que se vive en la adolescencia: la pesadilla de no encajar con los demás, ser demasiado tímida o demasiado expresivo, no tener amigos o alguien con quien compartir. Cada una de las escenas de esta película son un llamado importante a la sociedad, no solo a los adultos y cómo manejar su relación con sus hijos, sino también a los jóvenes de esta edad, quienes no solo se enfrentan a los terrores de las redes sociales, sino también a los de carne y hueso que solo quiere hacerles mal (SUPER SPOILER: Hay una escena que la protagonista está sola en un carro con un chico. Se que muchos, sobretodo los que ya tienen hijos, se sentirán incómodos y asustados por lo que le pudiese suceder a la joven).

Otro aspecto a resaltar es que te lleva a todos los escenarios modernos de los jóvenes, haciendo una perfecto retrato de lo que significa ser adolescente en el siglo XXI: la escuela, las actividades sociales, la plaza, sus habitaciones y las redes sociales. Es un recorrido a reflexionar y comparar la adolescencia de los más adultos con la que viven muchos jóvenes de esa edad ahora mismo. 

Hay una escena en "Eighth Grade" donde el personaje principal, Kayla, recibe una invitación a una fiesta en la piscina lanzada por un compañero popular y a la que asisten todos los que la tímida chica desea poder emular. La brillantez de este momento tan "random", sin embargo, es que en este punto de la película, estás tan inmerso en la torpeza de la vida de Kayla, que su caminata larga y tímida desde el baño de invitados en su traje de baño a la piscina casi te hace sudar con ansiedad. Claro, solo son adolescentes. Pero al ver a la secundaria tomar su lugar en un pequeño rincón de la escena social activa, te preguntas si Kayla casi preferiría estudiar desde casa.

El personaje de Kayla es uno de los más interesantes de este año, debido al contraste que ella presenta entre la imagen digital que ha creado para poder obtener atención de personas online, a la incomodidad frenética, particularmente cuando entabla conversaciones con niños de su edad, que están demasiado consumidos con su propia ambivalencia para darse cuenta de que Kayla está tratando muy duro de tener amigos. Gran parte de su diálogo en la película se entrega directamente a la cámara mientras Kayla filma videos de YouTube en primera persona y autoayuda destinados a otros niños de su edad. Poco visto, los videos terminan siendo una crónica de un adolescente que le da a los demás el consejo que deseaba saber cómo poner en acción.

A su vez, Josh Hamilton, quien interpreta al padre de Kayla, hace un gran trabajo por encarnar la vida de un padre que trata día tras día de tener la mejor relación con su hija, quien desprecia sus intentos de acercarse y tener una conversación "normal", pero al final se da cuenta cuan orgulloso está de que sea su hija.

Por otro lado, el estilo cinematográfico empleado en esta historia parece ser expresado como un punto de vista, donde la audiencia está en las gradas tratando de apoyar a Kayla, pero está tan lejos que solo su voz interna es lo que puede escuchar. A su vez, traslada a la audiencia con un ritmo lento para ayudarle a entender cada etapa y el significado de cada momento en la historia.

Elsie Fisher hace un excelente retrato a la angustia diaria de los Millenials y otorga uno de los filmes más memorables del 2018, pues es dolorosamente real y empático con todo tipo de público que se atreva a sumergirse en los terrores de esta etapa.

Christopher Robin

El niño que se embarcó en innumerables aventuras en el bosque de los Cien Acres con su banda de animales de peluche, ha crecido y… ha perdido el rumbo. Ahora les toca a sus amigos de la infancia aventurarse en nuestro mundo y ayudar a Christopher Robin a recordar al niño cariñoso y juguetón que aún tiene dentro. (FILMAFFINITY)

Christopher Robin se suma a proyectos como El libro de la selva, Dumbo, Aladdin y El Rey León que Disney decidió retomar en la pantalla grande para relanzarlos décadas después de su estreno con el estilo live action o acción real. El resultado ha sido completamente satisfactorio, sobretodo debido a la ternura que emanan los personajes, así como al mensaje que ofrecen Pooh, Tigger, Piglet e Igor al resaltar el valor de la familia.

La historia sigue tanto a los clásicos personajes de las aventuras de Winnie Pooh como la triste vida de adulto de Christopher Robin. Ewan McGregor interpreta a Christopher Robin que, tras dejar atrás los años en el Bosque de los Cien Acres con Pooh y sus compañeros, se ha convertido en todo un hombre de negocios con grandes responsabilidades. Su vida vuelve a recuperar el sentido cuando un día recibe la inesperada visita de su entrañable amigo, que hará que recupere la felicidad, tanto en su vida familiar con su esposa e hija, como en su vida laboral que le ayudará resolviendo una crisis interna que podría poner en peligro todo su equipo de trabajo.

La principal razón por la que "Christopher Robin" es una película inolvidable es la personalidad de sus personajes, y me refiero exclusivamente a los peluches que forman parte del Bosque de los Cien Acres. Cada uno sigue demostrando ser complejo, con metas, debilidades y hasta obstáculos. Winnie es aún más filosófico de cómo lo recordábamos, y sus frases tan inesperadas pero a la vez acertadas serán uno de los principales motivos para querer tener la colección de peluches de la serie. El filme atrapa con los personajes debido a la inocencia de sus personalidades, así como a los pensamientos y verdades que lanzan al reflexionar acerca de lo que realmente es importante en la vida, como el aquí y el ahora, el amor hacia los seres queridos y el gusto por disfrutar las pequeñas cosas, como una puesta de sol, un paisaje o un paseo por el bosque.

No obstante, los personajes reales (como Christopher Robin) no son tan elocuentes o incluso tan complejos como los peluches. El personaje de Ewan McGregor es muy confuso y cambiante en cuanto a sus emociones. Del mismo modo, es muy confuso el hecho de que en la primera mitad de la película es sobre Ewan McGregor convirtiéndose en el héroe, mientras que la última parte es sobre  el casi momento de gloria de Winnie. A pesar de que el doble protagonismo no representa mayor conflicto, es importante reconocer quien es el personaje más primordial y a quién debemos seguir en todo momento, sin importar lo que pase. Sin embargo, la historia sigue representando un hermoso throwback a la niñez de todo aquel que vio las aventuras de Winnie Pooh, y seguir a todos sus protagonistas será parte de la diversión y meta principal de la audiencia.

Hay que admitir que la producción es impecable. Los planos generales en los Bosques de Ashdown –en los que el creador Milne se inspiró para escribir el primer libro de Pooh– que sirven de escenario para los Bosques de los Cien Acres, son sensacionales. Además, el cuidado de los detalles en los peluches para lograr un movimiento natural y una sensación de antigüedad y suciedad después de tantos años lejos de Robin, son muy bien logrados. Y la fotografía está desarrollada con un tono y un ritmo muy agradable para el estilo en que se fue narrando la historia.

Christopher Robin no logró acompañarnos después de mucho tiempo. Sin embargo, es entretenida y por momentos graciosa. Además, el nuevo público infantil podría quedar muy satisfecho y contento con una historia tan sencilla y lenta que caracteriza a esta nueva entrega del “silly old bear".

Crónicas de California: Colaborando en el rodaje de un "pilot"

Dicen que las oportunidades son calvas y hay que aprovecharle los pocos cabellos que le salen. Sobretodo en la industria del cine: cuando apenas estás comenzando, es muy poco probable que te destaques de la nada (a menos que tu primer gran proyecto sea sumamente exitoso). Así le comento a cada persona que llega aquí y veo como deja pasar todas las oportunidades que le pasan por el frente... yo no soy de esas.

En mi búsqueda exhaustiva por una pasantía en una productora, encontré que una de ellas necesitaba asistentes de producción para el rodaje de un pilot (el pilot es el primer episodio de una serie de televisión o web).

Todo el que me conoce sabe que mi parte menos preferida es el rodaje, por lo abrumador que puede llegar a ser, sobretodo si no es mio ya que no puedo controlar nada de lo que pasa; y aún así cada detalle debe importarte, pues tu nombre estará en ese proyecto sin importar cuan importante haya sido tu rol.

No obstante, apliqué sin pensarlo dos veces por varias razones: es una serie web para amazon, otorga créditos en IMDB y es un tipo de rodaje diferente -quizás menos intenso que uno normal-. No es lo mismo grabar una película, que grabar una serie.

Dos días después me hicieron la entrevista, y al poco tiempo ya estaba en el set.

El día del rodaje llegó, me presenté al menos una hora antes de mi call lo cual le encantó a la productora, pues necesitaban ayuda rápidamente (call es la hora a la que debes presentarte a un rodaje, normalmente es una hora antes de comenzar a grabar).

De una vez, ya estaba en acción ayudando en diferentes aspectos de producción durante un rodaje: recolectando las firmas de todo el cast y crew (no para mi... para los contratos de la productora), organizando el área de crafty/snacks, supervisando que los actores no necesitaran nada y colaborando con la diseñadora de producción en la organización del set.

Una vez estuvo listo y ya íbamos a comenzar a grabar, comencé a hacer mi parte favorita: los reportes del rodaje; es muy similar al trabajo de un supervisor de guion, solo que los reportes son más sencillos para saber cuáles escenas están completas, incompletas, anuladas o cambiadas. Es más para verificar que se vaya acorde al horario de rodaje y que no se deje nada sin hacer.

Y así mis oficios durante el rodaje se extendieron desde revisar la continuidad de cada escena y cada corte, hasta supervisar que el catering sea suficiente para todo el cast y crew y llegue a tiempo. En pocas palabras fui asistente para todo el rodaje, y eso es lo que en realidad define el rol.

Las ventajas de ser asistente de producción en un rodaje son:

- Aprendes de cada área de la producción; pues estás colaborando con todo el mundo en un sinnúmero de tareas.
- Interactuas con los talentos; y no me refiero solo a los actores, sino también con el equipo de rodaje, quienes, si haces un buen trabajo, siempre te preguntarán "¿y qué tan ocupado usualmente estás?", con las intenciones de recomendarte a otro proyecto.
- Aprendes sobre scouting y casting; ya que trabajas muy de cerca en la preproducción del proyecto y conoces cuáles serán las opciones de lugares y personas que participarán en el rodaje.
- Estás durante todo el proceso de una producción; desde la parte de preproducción, hasta los detalles finales para el producto final.
- Trabajas muy de cerca con el productor; y esto significa que vas a aprender sobre aspectos  de producción, todo lo que se requiere para hacer una película o serie, los permisos, las diferentes necesidades de un rodaje, entre otros. Y esta para mi es la principal ventaja, pues ya después de trabajar en diversos rodajes, he encontrado mucho interés por la producción, al nivel que me visualizo en un futuro cumpliendo con este rol.

Unos días después de trabajar en este rodaje, me informaron que aprobaron la serie y que necesitarían ayuda en octubre... adivinen quien trabajará en esa serie otra vez.

Teen Titans Go! To the Movies

Cuando los Jóvenes Titanes se enteran de que otros superhéroes de DC han realizado sus propias películas, estos buscaran encontrar en un viaje épico un director perfecto para su debut en la gran pantalla, pero un viejo enemigo tiene otras ideas planeadas para ellos. (FILMAFFINITY)

¿Cuanto tiempo ha pasado desde que DC hizo una película buena y divertida a la vez? Quizás lo suficiente para decir que Teen Titans Go! es la que por fin logra realzar el título de esta marca. Los jóvenes superhéroes de DC Comics llegan a la gran pantalla para salvar nuestra perspectiva del Universo de DC. 

Producida por el equipo de animación de Warner Bros., Jóvenes titanes en acción parte del deseo de un grupo de superhéroes marginales de conseguir a toda costa una película propia. Este grupo adolescente de superhéroes, que comparte piso y vive toda clase de cómicas y alocadas situaciones, está formado por Robin, el líder de los Jóvenes Titanes; el medio-humano y medio-robot Ciborg; Raven, una chica mitad-humana y mitad-demonio que posee oscuros poderes místicos; Beast Boy, un héroe que se transforma en todo tipo de animales; y Starfire, una princesa Tamaraniana con una fuerza similar a la de Superman. 

Claro que los jóvenes Teen titans, especialmente Robin, sueñan con convertirse en estrellas de Hollywood. Pero, en un momento en el que se están haciendo películas de todos los superhéroes posibles, a ellos no les tienen en cuenta por no tener suficiente experiencia. Mientras, un villano está poniendo en práctica un plan para la dominación del mundo. ¿Podrán los Jóvenes Titanes derrotar a su archi-enemigo y de paso conseguir el estrellato?

Como en la serie de Cartoon Network, Robin y compañía se ríen de sí mismos y de los superhéroes en general. Los personajes logran la misma esencia que ya los habían dado a conocer en su serie de televisión, y deciden irse a un extremo más alto burlándose de los superheroes que dicen ser mejores que ellos. Es interesante ver cómo los Teen Titans, quienes algunos han sido "sidekicks" de otros superhéroes, toman las decisiones más extrañas para lograr su cometido (SUPER SPOILER: los Teen Titans deciden regresar al momento que les cambió la vida a quienes hoy son superhéroes, pero al ver el caos que esto provoca en el presente, deciden volver al pasado).

El mismo equipo de creadores, directores y productores de la serie se hacen cargo de la película, que mantiene las características del dibujito animado de la televisión. En pocas palabras, la sinvergüencería ante todo. Es muy similar al tono de Deadpool, pero con un humor apto para todo público: sin doble sentido, violencia ni palabrotas. 

Con una estructura narrativa que fluye con naturalidad y chistes para todas las edades, la película no sacrifica la emoción en virtud del distanciamiento irónico, sino que elude la seriedad para volver a pensar en el universo de héroes y villanos como el mejor y más fascinante de los juegos. Mientras el guión es uno de los elementos mejor desarrollados de la película con las mejores referencias del pop culture, clásicos de Warner Brothers y los tiempos en que los comics de superhéroes se hicieron famosos, además de las constantes alusiones al propio Deadpool y un par de “cameos” de Stan Lee.

Lo que hace de esta película un verdadero entretenimiento es la insistencia de estos superhéroes por burlarse de ellos mismos y de todo lo que les sucede durante la historia, sin olvidar la música pegajosa que hará que toda la audiencia salga del cine tarareando cada una de ellas. Go go Teen Titans!