Crónicas de California: Exorcism 101 gana su primer laurel

El que me conoce bien sabe de un dato que me atrae con facilidad al cine: los demonios. Soy fanática empedernida de las películas sobrenaturales, al punto que, mientras más miedo me de, más emoción siento. Pero esto se debe a que creo en los demonios... sí, mi fe llega a ese nivel. Mis creencias me han enseñado que cómo hay bien también hay mal, y son el tipo de antagonista que realmente me aterrorizan. Por eso, cuando escribo historias de terror, son relacionadas a estos seres.

Cuando tenía que elegir una idea para mi tesis de posgrado, recordé una historia que me contó una persona, sobre una escuela para seminaristas en mi país donde ellos deben participar en exorcismos, por el hecho de que deben aprender a hacerlo en caso de que algún día le tocara protagonizar uno por sí solos. En el momento en que me enteré de eso, sabía que en algún momento de mi vida la usaría (yo todo lo convierto en guiones, retenme).

El resultado final es uno de mis proyectos favoritos, y el cual me he comprometido a hacer realidad algún día. Exorcism 101 es la historia de una novicia rebelde que, después de haber realizado un exorcismo a una de sus citas, es inscrita a la fuerza en una escuela de exorcismo al Sur de la República Dominicana. No está basada en nadie real, pero tiene muchos relatos personales y de leyendas urbanas del país, lo cual es algo que muchas personas aprecian porque les da la oportunidad de conocer la cultura dominicana. A pesar de tener personajes endemoniados y tramas que están propuestas a asustar, también es una comedia, lo cual permite acercarlo más a la coloquialidad del país y a nuestra sociedad.

Como habrán notado, es un proyecto que me apasiona mucho, y por eso aproveché para enviarlo a varios festivales de género (para mujeres y exclusivamente para terror), uno de ellos siendo Stephanie Rothman Fellowship. Esta es una fundación creada para apoyar a mujeres cineastas que escriban, produzcan y/o dirijan historias de género de terror, thriller o fantasía. Es un concurso de guión que reconoce a la ganadora con un premio en efectivo que le ayude a producir el guión con el que participa u otro proyecto que tenga engavetado.

Soy del tipo de escritoras que cuando someto alguna de mis historias a concurso, me olvido que aplico para no entusiasmarme demasiado con lo que no ha ocurrido, y este fue uno de esos casos que participé y borré cassette casi al segundo de aplicar. Cuando me escribieron diciéndome que era finalista, ahí fue que los nervios realmente golpearon. Me preguntaron qué haría con el premio, y dije lo que realmente quería hacer desde que presenté mi tesis: produciría una de mis escenas favoritas del guión para utilizarla como parte de un lookbook para productores o inversionistas que les pudiese interesar la propuesta de televisión. Al día siguiente me notificaron que había resultado ganadora.

Hagamos una breve pausa aquí: cuando me enteré que había ganado, estaba en el metro, camino a un rodaje, y comencé a llorar de la felicidad, porque así soy de emocional aunque nadie me crea. La señora que estaba sentada al lado mío ni se inmutó, como el resto de los gringos aquí, pero no me importó y no me controlé las lágrimas. Es un logro que tengo derecho a expresarlo.

Me había guardado el premio hasta el día de ayer por dos razones: no soy de las que le encanta compartir todo al segundo que me ocurren con el resto del mundo, y me pidieron que lo mantuviese reservado hasta el anuncio publico en el Etheria Film Festival, un festival exclusivo para cineastas mujeres que produzcan contenido de terror, fantasía o thriller. 

Y una vez más, mientras anunciaban a la ganadora en escenario, mi corazón se aceleró. Ya sabía que había ganado y sabía que debía hablar en público, pero fue más real en persona. No lloré, ya aquí estaba un poco más tranquila... pero sí sonaba nerviosa. Obviamente quería copiar el discurso de Olivia Colman en los Oscars, pero aquí tenía algo más práctico y aterrizado para esta ocasión. El de Colman lo tengo reservado para cuando me gane el Oscar a mejor guión. 

El mayor orgullo lo sentí cuando expresé lo agradecida que estaba con mi cultura y mi país, desde que dije "República Dominicana", toda la audiencia aplaudió, y no sé si será por decencia o porque les caemos bien, pero que bien se sintió que reconocieran eso de mi.

Es el primero de muchos, lo sé. Lo siento en el fondo de mi corazoncito. Es una idea que siento que muchas personas, incluso aquellos que no son fanáticos del terror o los demonios, disfrutarían. Y este es el primer paso. El siguiente es poner en marcha la producción del teaser. 

Ya luego les cuento cómo va, mientras tanto, mi director y yo estamos en pre-producción ahora mismo.

Crítica Cinéfila: Annabelle Comes Home

Los demonólogos Ed y Lorraine Warren están decididos a evitar que Annabelle cause más estragos, así que llevan a la muñeca poseída a la sala de objetos bajo llave que tienen en su casa. La colocan "a salvo" en una vitrina sagrada bendecida por un sacerdote. Pero una terrorífica noche nada santa, Annabelle despierta a los espíritus malignos de la habitación que se fijan un nuevo objetivo: la hija de diez años de los Warren, Judy, y sus niñeras.

Después de cinco años, finalmente llega una Annabelle que comienza a hacerle justicia al terror que ha desbordado la franquicia The Conjuring.

Marvel y Star Wars presentaron las películas de eventos más importantes de la última década, pero la franquicia "The Conjuring" ha batido junto con más confianza y consistencia que cualquiera de ellas. La entrada de James Wan en 2013 puso en marcha la plantilla, con los demonólogos de la vida real Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga) que brindan un telón de fondo para el miedo sin fin. Después de haber recaudado más de $1.6 mil millones de dólares, el universo "The Conjuring" ha demostrado que a veces, las ideas más lucrativas requieren menos magia CGI y más silencio espeluznante, y la posibilidad constante de que algo aterrador pueda romperlo. Bueno, eso, y una muñeca espeluznante.

Annabelle, una de los muchos tropos de terror que yacen dentro del gabinete de monstruosidades paranormales de los Warren, mostró el potencial de llevar su propia y espeluznante mini-saga desde la primera escena de "The Conjuring". Con "Annabelle" y la precuela "Annabelle: Creation, ”La figura estacionaria se convirtió en una puerta de entrada para las fuerzas demoníacas que buscan las almas de niños. A diferencia de Chucky, Annabelle no tiene que moverse ni un poco para seguir siendo un objeto de temor constante. Sin embargo, "Annabelle comes home" entrega su título con el mejor spin-off de "Conjuring" hasta el momento.

A diferencia de las películas de más de dos horas de "Conjuring" o los enfrentamientos del convento en expansión de "The Nun", la nueva película básicamente incluye los arquetipos de una comedia adolescente de John Hughes en un escenario minimalista de la casa encantada. Si bien eso no es suficiente para suprimir los trucos subyacentes de la narración, "Annabelle comes home" al menos logra encantar y asustar a través de la destilación más pura de la fórmula "Conjuring" hasta la fecha. No es la película más espeluznante de "Conjuring", pero es lo suficientemente aterradora como para hacer avanzar la serie y ampliar su alcance.

Ed y Lorraine vuelven a aparecer al comienzo de la película, recogiendo la muñeca de las personas mortificadas que la perseguían, pero su fugaz apariencia sirve principalmente para entender cómo funcionan sus poderes: un encuentro con los fantasmas de cementerio (y una sangrienta víctima de un accidente de coche) revela que Annabelle no está encantada; en cambio, la muñeca sirve como un faro para otros espíritus. Esto proporciona suficiente información para el caos que sigue cuando Annabelle se libera del gabinete de los Warren más tarde, liberando a otros espíritus demoníacos atrapados en su hogar.

Pero Ed y Lorraine no están ahí para lidiar con eso. En cambio, las protagonistas son su hija, Judy (McKenna Grace), su niñera adolescente Mary Ellen (Madison Iseman) y a Daniela (Katie Sarife), la amiga de Mary Ellen. Cuando los Warren se van de la ciudad para un viaje nocturno, Mary Ellen se encarga de cuidar a Judy, y la problemática Daniela las acompaña con una agenda oculta. Dedicada a entrar en la sala de artefactos de los Warren para interactuar con el espíritu de su padre, el problema de Daniela en última instancia conduce a una gama de amenazas fantasmales que superan a la pequeña casa de los suburbios en el transcurso de una noche de niebla. Es la plantilla minimalista ideal para numerosos momentos espeluznantes, y debido a que está ambientada en la década de 1980, ni siquiera un teléfono celular puede ayudar a estas chicas a salir de su atasco embrujado.

"Annabelle Comes Home" marca el debut directorial de Gary Dauberman, cuyos créditos como guionista incluyen "The Nun", así como la reciente adaptación "It" y la segunda entrega que se estrena este año. Eso lo hace estar bien posicionado para presentar la primera entrega centrada en los adolescentes del universo "The Conjuring", y está razonablemente atento a sus personajes antes de que se desespere del miedo habitual. La problemática vida social de Judy y el resultado de informes cínicos sobre la profesión de sus padres, introduce una nueva profundidad emocional en la historia. Del mismo modo, la pena de Daniela por la muerte prematura de su padre agrega un grado de drama personal a una serie que generalmente gira en torno a grandes apuestas sobrenaturales.

Por supuesto, una vez que Daniela se cuela en la sala de artefactos y deja que Annabelle "salga a jugar", la película se convierte en un largo montón de avistamientos espeluznantes, puertas cerradas repentinamente, voces susurrantes y otras cosas terribles. Como de costumbre, alguien finalmente descubre la principal amenaza en juego y qué se debe hacer para contenerla, algo que no explican a profundidad, pero ocurre. Ninguna de las películas anteriores ha logrado concluir sus historias tan bien como establecen una acumulación gradual de fuerzas espeluznantes, pero "Annabelle comes Home" se apoya en sus puntos fuertes principales.

La película abraza la oportunidad de apariciones escalofriantes en todo momento, desde el uso de un juego de "caja de agarre" que se convierte en peligroso para figuras fantasmales con monedas sobre sus ojos vagando por los pasillos, y una novia con cuchillo que aparece en los momentos más inconvenientes. Estos no son conceptos tan mortificantes como las sacudidas efímeras, en realidad se enfoca en tradiciones funerales, leyendas locales y juegos malditos que se han ganado la fama de atraer la muerte o el mal.

Pero el guión de Dauberman equilibra esta familiaridad con un puñado de tramas atractivas, que incluyen al pretendiente de Mary Ellen, Bob (Michael Cimino), quien aparece con una serenata en el peor momento posible, y el proceso de duelo de Daniela, ambos de los cuales llegan a un punto crítico. El grupo se une para contener a Annabelle una vez más. La película se une a "It" y "Stranger Things" como la última resurrección de la rutina de los 80 con temática de "niños en peligro", y no pretende exactamente reinventar el género, sino es una especie de alivio que la película supere la habitual seriedad de estas películas para permitir una variedad más colorida de personajes y un poco de humor alrededor de su difícil situación.

Dicho esto, nada en "Annabelle Comes Home" coincide con la inventiva genuina de las sagas más visionarias de invasión de casas. En esta película, como en sus precedentes, los sobresaltos son el punto final principal. Pero las películas de "The Conjuring" hacen un esfuerzo por preocuparse por sus personajes antes de aterrorizarlos de todas maneras, y esta les da muchas razones para estar aterrorizados.

Eso es suficiente para llevar la película a lo largo de su onda espeluznante, y revela la esencia del golpe comercial en juego. Con otra entrega de "Conjuring" y una secuela de "Nun" en camino, es seguro decir que las audiencias seguirán obteniendo más variaciones en esta rutina hasta que los fantasmas dejen de dar miedo o el miedo a los saltos simplemente no funcione. Hasta entonces, "Annabelle Comes Home" es una prueba de que algunas tácticas de miedo no necesitan mucho esfuerzo para hacer el truco.

Crítica Cinéfila: Child's Play

Una madre le regala a su hijo un muñeco por su cumpleaños, sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior. 

Chucky es uno de los personajes de terror más aclamados de la historia de este género. Lo conocí con menos de 10 años y recuerdo lo atemorizada que estaba a los muñecos de ese tipo.

Este remake vuelve a traer a la vida al muñeco malvado (con la voz de Mark Hamill), en esta ocasión siendo un error de manufactura, y llega a manos de Andy (Gabriel Bateman), quien acaba de mudarse a la ciudad con su madre soltera Karen (Aubrey Plaza). Él no se está aclimatando bien, así que cuando un cliente entra con un muñeco Buddi aparentemente defectuoso, ella lo toma para sí misma, y ​​aunque Andy es demasiado viejo para los muñecos, lo acepta con ironía. 

Andy comienza a andar con el muñeco, quien se nombra Chucky por error, y le enseña todo lo que sabe. Sin embargo, ya que es un adolescente que intenta hacerse amigo de niños extraños y matones, finalmente le enseña a Chucky sobre la violencia, el odio y el miedo. Chucky se da cuenta de que para preservar su amistad con Andy y hacerlo feliz, necesita deshacerse de todo lo que se interponga en el camino de Andy. Y si eso significa matar a alguien con un cortacésped, eso es perfectamente normal. Ha visto ese tipo de violencia exactamente en la televisión.

Las clásicas películas de Child's Play han asustado al público durante más de tres décadas y aún siguen siendo entretenidas películas de muñecas asesinas; y a veces son más inteligentes de lo que cabría esperar. No es sorprendente que un estudio quiera reiniciar la franquicia para una generación más joven, pero es extraño que se haya hecho sin la influencia de Don Mancini, su creador original, y es aún más extraño que tenga tan poco que ver con la premisa original.

El muñeco original "Good Guy", que era poseído por el asesino en serie Charles Lee Ray, era un anuncio del comercialismo de la década de 1980, una época en la que los padres prácticamente matarían para conseguir un Cabbage Patch Kid en tiempos de navidad. El nuevo Chucky, un "Buddi Doll", se acerca más a las tendencias modernas, tiene un poderoso sistema operativo de computadora y es tratado como un nuevo y emocionante iPhone que como un juguete para niños. Es exactamente lo que el título ofrece.

¿Cómo se vuelve loco Chucky esta vez? Se acabaron los hechizos de vudú y el siniestro asesino en serie. En cambio, al igual que la asesina muñeca Krusty de Los Simpson, un empleado en una fábrica de chales en el extranjero ya no podía manejar la presión y decidió, por la única razón de que su jefe apesta totalmente, desactivar todo el Protocolos de seguridad en el muñeco Buddi para luego arrojarse desde el techo y nunca volver a mencionarlo durante la película. 

El origen sobrenatural de Chucky siempre ha sido pegajoso en las películas de Child's Play. No es particularmente inteligente, y las reglas de la magia son simples, pero eran interesantes. El origen del remake de Child's Play parece simple, ciertamente es eficiente y hace que el muñeco asesino salga al mundo, pero plantea muchas preguntas que la película nunca responde. ¿Por qué, exactamente, es un sistema operativo de computadora en un producto de consumo masivo tan sofisticado que puede generar una inteligencia artificial? ¿No es esa clase de exceso? ¿Por qué sus ojos se iluminan de rojo cuando está activada la configuración "malvada"? ¿Es eso un error o una característica? ¿Con qué frecuencia sucede esto o, incluso más aterrador, con qué frecuencia se supone que suceda esto? 

La verdad de esta nueva adaptación es que el muñeco y sus nuevos efectos son aún más terroríficos; es una película de terror trepidante sangriento, inventiva. No es tan inteligente como podría ser, pero es tan inteligente como quiere ser. Las víctimas mueren por miedo a saltar, no por temor, lo que le da a la película una increíble diversión que compensa la dureza y tontería. La película tiene suspenso y es lo suficientemente divertida como para que casi olvides que estás viendo una película sobre un malvado muñeco.

¿Qué tan desesperada es esta película para verse y sonar como la original, aunque no tenga sentido para la historia? Cuando Andy nombra a su muñeco Buddi, trata de llamarlo "Han Solo", momento en el que el muñeco responde: "¿Dijiste 'Chucky'?" Es como si el propio destino decretara que esta película tenía que ser una nueva versión, aunque es completamente arbitrario, y habría estado mejor como su propio asunto. Todos los juegos de niños actuales son lo que se diferencian del antiguo.

Hay muchos aspectos buenos en el nuevo Child's Play que no se debe pasar por alto. La voz incómodamente inocente de Mark Hamill convierte al muñeco asesino en una figura trágica: una pizarra en blanco que solo quería cantar y ser amigos, que en su lugar fue tratada cruelmente por personas inmaduras, y absorbió toda su negatividad casual y actitudes irreflexivas hacia la violencia. A pesar de que eventualmente se vuelve completamente malvado, hay un patetismo hacia el nuevo Chucky que ni siquiera el original pudo decir. La nueva película también presenta algunos nuevos poderes para Chucky, por lo que no tiene que apuñalar o estrangular a la gente todo el tiempo. En su mayoría Chucky puede controlar dispositivos electrónicos a su alrededor, incluidas luces, televisores y automóviles. Esto hace que Chucky sea absurdamente poderoso, y evita que la película recurra a gags cansados. Chucky ya no tiene que matar a mano. Ahora puede dejar que las herramientas eléctricas y los sistemas de calefacción hagan el trabajo sucio por él mientras se asoma en el fondo, con sus ojos brillantes y extraños.

El juego de niños construye a un clímax satisfactorio. Tan satisfactorio, de hecho, que es fácil desear que el resto de la película haya sido más como ella. El caos que Chucky puede causar en esta nueva forma es impresionante y lleva a momentos satisfactorios y difíciles, pero para cuando finalmente libera esa furia asesina, la película casi ha terminado. Justo cuando estaba llegando a las cosas impresionantes también.

Child's Play (2019) es descuidado y está mal concebido, pero juega sorprendentemente bien. El elenco es uniformemente excelente, otorgando un sentido de realismo a una película que de otra manera no tendría, y es fotografiada de manera inquietante por Brendan Uegama (Chilling Adventures of Sabrina). La banda sonora de Bear McCreary es fácilmente lo mejor que ha tenido la franquicia, un tema de terror memorable que es igualmente caprichoso y malévolo.

Si la historia tuviera sentido, o incluso si fuera un poco más bizarra, Child's Play (2019) sería una excelente incorporación al género de la tecnología asesina. Los robots de consumo de alta tecnología son geniales y todo, pero simplemente no tienen el mismo impacto espeluznante que una muñeca de plástico que se mueve por sí sola. 

Crítica Cinéfila: Anna

Bajo la hipnotizante belleza de Anna Poliatova (Sasha Luss) se esconde un secreto que la lleva a poder desatar una imparable agilidad y fuerza, convirtiéndose así en una de las asesinas a sueldo más temidas por los gobiernos de todo el planeta. 

Anna se siente como un intento modernizado de La Femme Nikita, una película que hablaba sobre una joven francesa huérfana que lleva una doble vida: amante cariñosa y dedicada, y espía/asesina asignada del gobierno. Lo decepcionante no es solo que Luc Besson no pudiera simplemente rehacer la famosa película de Nikita, sino que hiciese su peor versión.

Anna (Sasha Luss), una drogadicta de Moscú cuyo ingenio y calma la llaman la atención de un fantasma de la KGB (Luke Evans), y antes de que alguien se dé cuenta, está operando en París como una modelo de élite que se dedica también a asesinatos por encargo.

No hay subtexto, no hay tensión; en ningún momento te preocuparás de que Anna pueda ser atrapada o asesinada, porque todo el trato de Besson son escapes, amputaciones y falsificaciones de último segundo. La única variación que juega en La Femme Nikita es que no sigue una línea cronológica, prefiriendo mostrar un evento impactante en el presente, para luego volver a varios meses antes, cuando se sentaron las bases para cualquier cambio o traición que ya se hayan presenciado en pantalla, y creanme que estos viajes en el tiempo no pudiesen haber mareado más.

Besson parece pensar que es una elección estructural atrevida, pero todo lo que hace es enseñar a no tomar nada a su valor nominal. No se dan razones para que alguien se preocupe por el por qué de cualquier cosa, entonces, ¿por qué alguien estaría invirtiendo en cómo hacerlo? El vacío de Anna, combinado con su tiempo de ejecución de dos horas otorga un momento para uno analizar que uno no se estaría perdiendo de nada si hubiese evitado mirar esta película.

¿Por qué se ha diseñado Helen Mirren para que se parezca a Fran Leibowitz como la administradora de la KGB de Anna? ¿Por qué tantos montajes de asesinatos que terminan cuando Anna estrangula a su víctima? Y si quiere hablar sobre detalles de la época, Anna tiene lugar entre 1985 y 1991, en la era de Glasnost: Mikhail Gorbachev está en el poder y la URSS se está abriendo a Occidente. Pero esta película está perdida sin horizontes ni seguimientos a la realidad del mundo en aquel entonces. Y no solo eso... Besson se equivoca con los detalles del período más básico: los moscovitas comunes tienen IBM ThinkPads y WiFi, las salas de situaciones de la CIA tienen pantallas planas y los teléfonos móviles de todos son considerablemente más pequeños de lo que hubieran sido. 

Besson pasó la mayor parte del año pasado involucrado en situaciones sobre MeToo, hasta el punto en que afectó la estrategia de distribución estadounidense de Anna. Mientras más dura Anna, más incómodas se sienten las opciones de Besson, pues al final del día, es una mujer balanceándose entre dos hombres y un patriarcado de espías. Luss, que se parece a Milla Jovovich (la ex esposa del cineasta), se ve casi exclusivamente como un objeto físico, deseado y utilizado por casi todos. Lo más cercano que tiene la película a un tema es la idea de que siempre está trabajando para alguien que promete su libertad; da un paso atrás y se da cuenta de que está siendo intercambiada entre divisiones e instituciones como una posesión. Incluso el romance de Anna con otra modelo (Lera Abova) es, en última instancia, solo transaccional: a Anna se le ha ordenado usarla como cobertura, porque las novias disuaden a los depredadores.

Besson podría argumentar que todo este fetichismo está al servicio de su héroe que finalmente reclama su propia agencia, pero es la razón más fina, y no explica realmente por qué la cámara ve a Anna como un objeto a lo largo de la imagen.

Por su parte, Luss no juega en los clichés. Ella le da a Anna un núcleo de rabia y vigilancia que apoya perfectamente todo el trabajo físico que debe hacer en el transcurso de la película. La mayoría son cosas muy comunes para correr y saltar, hasta que se presencia una secuencia en la que Anna se inspira en John Wick a través de un restaurante lleno de matones, armada solo con una pistola vacía; al final de la secuencia, está cortando gargantas con platos rotos y matando a su marca con un tenedor. Sin embargo, es difícil leer a la actriz, pues sus emociones son muy planas, sin siquiera intentar expresarse.

Pero esa es la única escena en Anna en la que todo se junta y se ve la película que podría haber sido: robusta, implacable, inteligente y divertida. Mientras tanto, es una historia vacía, confusa  y sin un fin determinado.

Crónicas de California: Hola Mexico Film Festival

Por 11va ocasión, México dice presente en la ciudad de Los Angeles con el Hola Mexico Film Festival, un espacio donde se resaltan la cultura, el día a día y los conflictos de este país. El teatro Montalbán de Hollywood se vistió de distintos colores, y entre colores, enchiladas y un mariachi de fondo, la gala abrió sus puertas a una audiencia, que sin importar la nacionalidad, hacían a un lado su visión del mundo, y se ponían en el lugar de nuestros vecinos hispanos.

Samuel Douek, el productor y creador de este Festival, es quien dirige las palabras de bienvenida al evento, preparándonos que, más que una exposición de películas, es una degustación de talentos, con estilos muy particulares, pero a la vez uniéndose por la misma pasión de llevar a México en alto. Desde historias aparentemente familiares, como la lucha entre diferentes géneros, élites y poder económico, hasta mensajes aún más profundos relacionados al racismo hacia los pueblos indígenas, los afromexicanos, y la comunidad judía en México.

"Fue sumamente importante para nosotros el poder proveer no sólo una plataforma para estas películas, sino también animar a la audiencia a que vea estas películas tan introspectivas e irresistibles que durante tanto tiempo fueron descartadas”, Samuel Douek.

El festival inició con la película "Las Niñas Bien", y culminó con Mirreyes contra Godínez, siendo un viaje en el tiempo alrededor de la lucha de clases en México, pero a la vez una demostración de como la sociedad mexicana ha evolucionado y ha mantenido muchas sus costumbres.

Mis favoritas de la noche

Al igual que muchos otros festivales, Hola Mexico nos dejó probar diferentes estilos por noche. Personalmente, fue también una degustación de conflictos, acercándose a lo que realmente le importa a esta sociedad, dependiendo de la comunidad que protagoniza las historias y el tiempo que se toma para contarlas.

"Leona".

- Hiachicolero: Un enamoramiento inocente propulsa el descenso del joven Lalo al inframundo criminal de la extracción ilegal de gasolina. Lo que comienza como una vía rápida para impresionar a una niña se convierte rápidamente en una lucha mortal por su vida. El director Edgar Nito se enfoca en otro tipo de contrabando, pero casi con el mismo leve de violencia y riesgos que son difíciles de salirse una vez se está en lo profundo del problema. A pesar de ser una situación muy específica de la comunidad donde se desarrolla la historia, hace empatía con el control del petroleo y las altas ventas a nivel mundial que crean la misma frustración que se ve en muchas personas dentro de esta película.

- Leona: Isaac Cherem hace su debut directorial con esta película que narra la historia de Ariela, una joven de ascendencia judía que inicia una relación con un hombre no judío. A pesar de que reconoce el rechazo que su familia pueda sentir a personas que no pertenezcan a su comunidad, ella continúa con la relación hasta que ambos lados le exijan romper. Es una trama que presenta las creencias y tradiciones judías en México, algo que quizás muchas personas (incluyéndome) desconocían que existe en este país. El final es placentero, para romper con lo que establece la sociedad y las mismas familias, dándole una libertad increíble al personaje de decidir que quiere para ser feliz.

- Museo: Esta película cuenta las circunstancias que rodearon al robo de varios artefactos prehispánicos del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México en 1985, y la sorpresa de las autoridades al descubrir que los autores habían sido dos jóvenes marginales de los suburbios, en lugar de los ladrones profesionales de arte a los que se le atribuía la sustracción de los objetos. Gael García Bernal y Leonardo Ortizgris protagonizan esta película del director Alonso Ruizpalacios, quien recrea de manera recreación libre y desbordada de un caso real que sacudió la opinión pública mexicana en los ochenta, confirmándole a la audiencia todos los dotes que posee este director para profundizar en los detalles de cada escena y jugar con la mente de la audiencia mientras se disfruta de la química de estos dos actores.

- Si Yo Fuera Tú: Alejandro Lubezki dirige esta comedia romántica cuenta la historia de Claudia y Antonio, quienes, después de 15 años de casados, su relación se ha vuelto rutinaria. Una noche, después de una fuerte discusión, el inusual alineamiento de los planetas Venus, Tierra y Marte, provoca una mágica transformación: en la que el alma de Antonio queda atrapada en el cuerpo de Claudia y viceversa; haciéndolos vivir en carne propia la complicada vida de su pareja. De los tantos deseos que muchos anhelarían para su "media mitad", quizás este sea el más traumante, y Lubezki lo hace con tanta naturalidad, logrando un desborde de risas tras otro, mientras que la pareja se pone (literalmente) en los zapatos del otro para lograr romper con el hechizo. La película no solo resulta hilarante sino también educativa, para aprender que, si un matrimonio quiere evitar desgastarse, lo mejor es trabajar porque se mantenga con vida.

Tomorrow's Filmmakers Today

Una vez más, y cortesía de HBO, HFPA y UNAM, Hola Mexico Film Festival muestra una selección de cortos dirigidos por latinoamericanos en Los Angeles, siendo esto una vía más para explorar los talentos hispanos que residen y trabajan en esta ciudad. Los jóvenes directores provienen de todo el continente americano, trayendo ideas que independientemente de llamar su cultura de origen, muestran la diversidad de sus estilos cinematográficos y una gran variedad de enfoques narrativos, teniendo un rol protagónico antes de la presentación de cada largometraje que se exponía cada día.

Además del screening de sus cortometrajes, los jóvenes directores también recibieron paneles especiales y visitas a algunos de los grandes estudios y agencias de la ciudad de Los Angeles, y una mesa redonda donde conversaron sobre sus películas y sus ideales, junto a algunas personalidades mexicanas que ya se han insertado en la industría hollywoodense.

Al canto del mariachi...

Hola Mexico Film Festival no solo fue una fiesta de películas culturales, sino también una catería musical, siendo la música ranchera la protagonista de la noche, sobretodo en la clausura del evento, donde la actriz y cantante Sandra Echeverria salió con un conjunto de mariachis a traer a México en lo alto. El final se hizo cantando a voces y serenatas, con cada uno de los miembros de la audiencia haciéndole compañía a Sandra y haciéndole honor a algunos de los clásicos y los favoritos de este país.

Para alguien que nunca había escuchado música ranchera en vivo, me sentí transportada a otro país. Y al final del día eso era lo que quería lograr este festival: no solo se trató de exponer lo más reciente del cine mexicano, sino también presentar la diversidad de talentos e historias, dando un vistazo a los diferentes aspectos que afectan o animan esta sociedad. Fue un plato grande que todos los presentes pudimos probar comodamente.

Crítica Cinéfila: When They See Us

Cinco adolescentes de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque brutal en Central Park. Basada en los hechos reales.

Ava DuVernay restaura los nombres del Jogger Case en una miniserie de Netflix marcada por poderosos momentos y la soberbia cinematografía de Bradford Young.

Antron McCray. Kevin Richardson. Yusef Salaam. Raymond Santana. Korey Wise. Esos son los cinco adolescentes de Harlem que fueron arrestados, condenados y encarcelados en la violación de una trotadora en 1989, solo para que esas condenas quedaran libres en 2002. Son más conocidas como the Central Park Five, pero ese es un error que la creadora Ava DuVernay excluye casi por completo de su miniserie de Netflix, When They See Us.

En cuatro episodios de más de una hora cada uno, When They See Us es un intento riguroso de hacer una crónica de un fallo legal épico y ayudar a restaurar el sentido de los hombres como individuos, en lugar de ser miembros de un colectivo acusado injustamente. DuVernay, directora y co-escritora de cada episodio, aborda su historia de una manera que evita los tropos narrativos típicos de triunfo sobre la adversidad. A veces le da prioridad a lo intelectual sobre lo emocional o deja intencionalmente grandes huecos en el tiempo y la perspectiva, pero sus elecciones nunca se sienten al azar. El material extrae una profunda indignación, y el conjunto de notas perfectas le da corazón.

El piloto introduce a los espectadores en la noche del 19 de abril de 1989, con un breve vistazo a las vidas de los jóvenes Korey (Jharrel Jerome), Antron (Caleel Harris), Yusef (Ethan Herisse), Raymond (Marquis Rodriguez) y Kevin (Asante Blackk) antes de unirse a un grupo que se dirigía a Central Park. DuVernay podría haberle brindado una amplia introducción a sus personajes y haber jugado por sentimientos, pero en lugar de eso, fue por la brusquedad de la juventud interrumpida. Las razones de los niños para ir al parque en primer lugar se vuelven borrosas, al igual que sus acciones reales allí esa noche como parte de una ola de juveniles, algunos para causar estragos y otros solo para una noche de primavera.

Es al día siguiente que observamos a las autoridades, principalmente encarnadas por Linda Fairstein (Felicity Huffman), aprendemos sobre una brutal violación y comenzamos su proceso de replanteamiento de la narrativa. Deconstruyendo la historia de Central Park Five, DuVernay nos muestra su construcción deshumanizadora. La palabra "wilding" que se ha caído inocentemente adquiere un significado nuevo y aterrador, y escuchamos a los policías que convierten a los niños de "testigos" en "depredadores" y de "niños" en "animales". DuVernay no se muestra indiferente en la representación del papel de Donald Trump, cuyo rollo es omnipresente en el fondo, fácilmente burlón si no reclamara la devolución de la pena de muerte.

La injusticia está en el corazón del resto de la serie, con DuVernay a menudo sacrificando la especificidad del caso para ilustrar algunas de las inequidades sistémicas exploradas en su documental nominado al Oscar, 13th. A medida que los cinco adolescentes crecen, cada vez más desgarradores a su manera, los jóvenes intérpretes son reemplazados por otro grupo de actores (Jovan Adepo, Chris Chalk, Freddy Miyares y Justin Cunningham), y el enfoque de la serie cambia a una crítica general del Complejo industrial carcelario y los retos de reincidencia y rehabilitación. 

Notará solo cuatro, en lugar de cinco, nombres para los actores adultos. Eso se debe a que Jerome, interpreta a Korey Wise en ambos períodos. Dieciséis en el momento de su condena y sujeto a un encarcelamiento particularmente angustioso, Wise domina la hora final de la serie, y Jerome ofrece un desempeño sobresaliente. 

La otra característica clave de la serie es la fotografía a cargo de Bradford Young. Hay matices de Gordon Parks en la forma en que la cámara de Young trata a las localidades de la ciudad de Nueva York como fuentes de nostalgia y reflexión por igual. Los programas de cable de prestigio son demasiado a menudo víctimas de una simplificación "oscura = seria", pero el trabajo de Young es una introducción a cómo trabajar con poca luz no es lo mismo que sacrificar la visibilidad. Ya sea que esté usando farolas amarillas en las primeras escenas de Central Park o que refleje la confusión moral en un juzgado amañado, a menudo Young trata la iluminación simbólicamente, como la verdad que trata de estallar en cada marco, sin olvidar como jugó con los primerísimos planos en los personajes para darle un duro golpe de enojo a la audiencia. El acto de ver, de reconocer, está integrado en el título de la serie.

Al igual que con las opciones estructurales de DuVernay, hay temas visuales en los que la cinematografía basada en ideas de Young se convierte en una pequeña distracción: no tiene que prestar mucha atención a las escenas de interrogación para ver el confinamiento literalmente acercándose a los niños, pero cada cuadro es digno de consideración.

Seguro que algunos sentirán que la mecánica tanto de las vías férreas como de la exoneración están un poco alteradas aquí, pero DuVernay no pretende perder de vista a estos jóvenes, las vidas ordinarias que se les quitaron, sus identidades y sus nombres.

Crítica Cinéfila: Late Night

La presentadora de un talk-show nocturno sospecha que su longevo programa está a punto de ser cancelado.

Inspirada por su experiencia como la única mujer en la sala de escritores de The Office, Mindy Kaling ha accedido a un área relativamente poco representada en la pantalla: la dificultad de ser una comediante. Para su primer guión de largometraje, Kaling también asumió el papel principal como Molly, una trabajadora de una planta química desesperada por convertirse en comediante. De una manera bastante complicada, su camino se cruza con Katherine Newbury, interpretada por Emma Thompson, una incondicional presentadora de TV de un show nocturnos cuyo programa está perdiendo audiencia. Es una feminista que se confiesa a sí misma y le da tiempo en su programa a mujeres en el poder, pero tiene problemas para tratar con otras mujeres en el lugar de trabajo y confía en una sala de escritores completamente masculina para construir sus pequeñas ocurrencias en la pantalla.

Con ganas de demostrar que este no es el caso, Katherine contrata a Molly como un gesto simbólico y, mientras Molly entra con entusiasmo, encuentra resistencia por parte de los hombres que trabajan a su lado y de su jefa que no busca modernizarse ni muchas opiniones, sino simplemente tratar de mantener su programa bajo su nombre.

Es una configuración perfecta para comentarios agudos sobre mujeres que coexisten en un campo dominado por hombres, y Kaling ha creado una película que se siente muy en línea con las discusiones recientes, desde #MeToo hasta una mayor conciencia de la diversidad, tanto delante como detrás del cámara. Pero mientras inserta las palabras de moda correctas, no puede moldear una serie de ideas interesantes en una película convincente y totalmente concreta. Construye un marco familiar con ritmos que uno podría ver a una milla de distancia, lo que le da a la película un ambiente reconfortante y difícil de odiar, pero que nunca se une con los intentos más agudos de satirizar la naturaleza misógina de la comedia.

Thompson es un torbellino en su papel de Miranda Priestly, claramente disfrutando de una rara oportunidad de interpretar a un cómico co-líder, despidiendo en una sola línea con gran exuberancia, y sus habilidades como actriz dramática se emplean sin esfuerzo en el acto final. Pero su personaje es frustrantemente inconsistente. Se nos dice que se ha vuelto complaciente con su posición y evitó cubrir cualquier cosa demasiado personal o política con la edad, pero al mismo tiempo, sus empleados se quejan de que dedica demasiado tiempo a las mujeres políticas de alto rango. Ella también es una fanática del control, pero una que no ha entrado en la sala de escritores y se involucró en el proceso. Los intentos de salvar su programa también son confusos, y se desvían entre entrevistar a celebridades de Instagram y protagonizar parodias virales para enfrentar al patriarcado en su monólogo.

Es inevitable, dada la configuración, que se hagan comparaciones con 30 Rock, la última vez que pasamos tanto tiempo con una mujer tratando de lidiar con una sala de escritores mayoritariamente masculina, y el guión de Kaling tiene una mirada similar. A un ritmo constante, los chistes se caen escena tras escena. Pero hay mucho menos conocimiento e ingenio aquí, y Kaling no es Tina Fey, tanto en su escritura como en su encanto en la pantalla. Tampoco estamos del todo seguros de su personaje, y el guión arroja una trama secundaria romántica construida de manera rápida que debería haber sido eliminada o ampliada. Y no se puede dejar de mencionar a los personajes masculinos, que representan más personalidades que seres humanos, y que simplemente están en la película para aparentemente aconsejar a las mujeres de lo que deben hacer, cuando en realidad las mujeres deberían empoderarse entre sí. 

Podría decirse que el mayor problema de la película es que es menos risueño, hilarante y más merecedor de la extraña sonrisa casual. Cuando una película o programa detalla la evolución de los chistes o las parodias, tenemos que creer que el producto final es un fastidio y, a pesar de las copiosas tomas de reacción de la audiencia, la película se esfuerza por venderlos. Las dos protagonistas comparten un escenario a medio camino de la película, brindando apoyo a una pequeña multitud, y es casi imposible creer que no hubieran sido abucheadas rápidamente. Es increíble la poca interacción que tienen las dos protagonistas; a pesar de los muchos intentos de ser una nueva versión de The Devil wears Prada, parece que estuviésemos viendo dos películas a la vez.

Sigue siendo una oportunidad amplia y maravillosa para Thompson, quien rara vez tiene oportunidades tan jugosas en esta etapa de su carrera y, si bien algunos de los intentos de cachorro de la película para lograr que la audiencia a bordo se abra paso, exageran el entusiasmo. Mientras Late Night quiere ser amado, en cambio, tendrá que conformarse con ser querido.

Crítica Cinéfila: MIB International

Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a su mayor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización MIB.

Aquí vienen los Hombres de Negro, pero no los que recuerdas. "Men in Black: International" de Gary Gray, una secuela de la exitosa franquicia sobre burócratas humanos que gestionan los servicios de inmigración interestelar en la Tierra, tiene un elenco y un estilo completamente nuevo, pero sin ninguna novedad en sus ideas.

La adaptación original de Barry Sonnenfeld en 1997 de la serie de Malibu Comics "Hombres de negro" fue uno de los éxitos de taquilla más inesperados de los años noventa. La mitad de la película fue una exposición directa pero divertida, por lo que a nadie le importó. Excéntrico e inteligente, negándose firmemente a participar en una secuencia de acción cada vez que una conversación extraña lo haría, la película era un raro faro de ingenio en un terreno baldío de espectáculos sin escrúpulos.

Pero después de dos secuelas, la franquicia "Men in Black" nunca evolucionó del todo. Lo que comenzó como una metáfora puntiaguda para Estados Unidos como un crisol de culturas dispares se convirtió en un vehículo estrella débil para Will Smith y Tommy Lee Jones, y luego un vehículo estrella mediocre para Will Smith y Josh Brolin (interpretando una versión más joven de Tommy Lee). El suministro aparentemente ilimitado de material atemporal y tópico que fue objeto de burlas en la película original se agotó. Casi inmediatamente.

Y así una vez más regresamos por "Men in Black: International", una nueva entrada más ligera que el aire en la serie. Tessa Thompson y Chris Hemsworth, reunidos después de "Thor: Ragnarok" y "Avengers: Endgame", son los Agentes M y H, y tendrán que superar sus personalidades en conflicto para encontrar un misterioso dispositivo alienígena que podría amenazar con el universo.

Se acabó el comentario social, ya sabes, "el punto", y en su lugar se encuentra la súper aventura de espionaje de ciencia ficción trotamundos, vacía pero entretenida, y transmitida casi exclusivamente por los encantos multimillonarios y atrayentes de sus estrellas.

Thompson interpreta a Molly, a quien los Hombres de Negro borraron los recuerdos de su familia después de un encuentro extraño con un alienígena, pero no de ella, por lo que ha pasado toda su vida tratando de encontrar al MIB. No para exponerlos, sino para alistarse. Después de burlar a la organización e impresionar a la Agente O (Emma Thompson), Molly es contratada en forma probatoria y estacionada en Inglaterra como Agente M. Su nuevo compañero es H (Hemsworth), quien salvó el mundo hace unos años y desde entonces ha estado aprovechando los caprichos de ese único éxito. H es irresponsable y un poco inepto, pero es un infierno de animales de fiesta, así que cuando un dignatario alienígena visitante viene a la Tierra en busca de pasar un buen rato, el MIB le da el puesto de chaperón.

Cuando unos asesinos matan al alienígena que debía proteger, y justo antes de morir le da a M una misteriosa caja de rompecabezas y una advertencia de que MIB podría estar en peligro, M y H se encuentran solos, viajando por el mundo y entrando en una secuencia de acción emocionante tras otra, en un lugar atractivo tras otro.

En caso de que no estuviera claro, Hemsworth interpreta la versión de James Bond de "Men in Black". Es apuesto y encantador, y bueno en un rasguño, pero es terrible con el protocolo, demasiado ansioso por recurrir a la violencia y un coqueteo sin esperanzas. Mientras tanto, M tiene su momento de novata, pero rápidamente se encuentra escalando caras escarpadas mientras se viste como Ethan Hunt, y luego se enfrenta a Rebecca Ferguson, jugando con una versión de realidad alternativa de Ilsa Faust.

La estética realmente encaja. "Men in Black" siempre parecía haber comprado sus sets de segunda mano en un Trift Shop de películas, y los héroes siempre eran demasiado geniales para tomar en serio la acción. "International" toma el diseño de producción del original "Men in Black" y lo lanza sobre un thriller de espías matinal de la vieja escuela. El director de fotografía Stuart Dryburgh ("Ben is Back") le da a la película una estética de viaje brillante y seductora, y el compositor Chris Bacon ("Sherlock Gnomes") le da a Danny Elfman la versión original de "Men in Black".

Una cosa es segura: Gary Gray sabe cómo hacer éxitos de taquilla afables y efectivos. Lo hizo antes con "The Italian Job" y "The Fate of the Furious", y lo está haciendo de nuevo ahora. "Men in Black: International" es casi un simpático enfrentamiento, como si el deslumbrante reparto y la ágil dirección te desafiaran a encontrar un defecto. Este es un entretenimiento de ciencia ficción sencillo y encantador para (casi) toda la familia. ¿Qué más podrías querer?

Sin embargo, y a pesar de que Gary Gray puede aportar aún más a una película cuando lo desee, y el director de "Straight Outta Compton" parece haberse resistido al impulso en esta ocasión. Thompson y Hemsworth son eléctricos, pero no tienen nada significativo que decirse, y la trama de la película sobre superarmas y topos en el MIB es bien anticuado, hasta el punto de que es casi totalmente irrelevante para el día de hoy.

En un mundo donde los problemas de inmigración están a la vanguardia del panorama político, lo que más se puede decir de MIB sobre el tema, que es, de nuevo, la premisa fundamental de toda la franquicia, es que a veces los extranjeros son buenos y algunas veces son malos. Y cuando son malos, es bueno que los buenos tengan armas de energía gigantes. Aparentemente. No parece haber sido pensado muy bien. La película carece de ambición o profundidad, pero es divertida y abundante, lo que demuestra que Tessa Thompson y Chris Hemsworth son dos de las estrellas de cine más agradables de la galaxia.

Puedes lanzar "Thompsworth" en una película educativa sobre el aserrín, y todavía encontrarán la manera de hacerlo fabuloso. Póngalos en una película con un diseño de producción elegante, acción divertida y un guión altamente convencional, y obtendrán un tratamiento de verano verdaderamente agradable, aunque superficial.

Crónica Cinéfila: Ma

Una mujer solitaria (Octavia Spencer) entabla amistad con un grupo de adolescentes y decide invitarles a una fiesta en su casa. Justo cuando los jóvenes piensan que su suerte no puede ir a mejor, una serie de extraños acontecimientos comienzan a suceder, poniendo en tela de juicio las intenciones de su nueva y misteriosa amiga.

Como el personaje principal de "Ma", Octavia Spencer asume el papel de acosadora-plaga desesperada, amigable en el exterior, loca en el interior de una manera que se adapta facilmente a una actriz de importancia internacional. Ella hace todo lo que puede para interpretar al personaje como un ser humano real, y eso logra dos cosas: pone un poco de carne en los huesos inteligentes y tontos de esta producción de Blumhouse, con destellos distantes de "Carrie", "Misery" y otros thrillers de la acosadora de la venganza estudiada. Al mismo tiempo, la humanidad de Spencer solo hace que el personaje parezca mucho más espeluznante, lo cual es algo bueno.

No puedes tomar a "Ma" en serio. Es una imagen de fórmula consumida que está demasiado ocupada conectando puntos, golpeando ritmos, diseñando situaciones diseñadas para hacerlo retorcerse. Pero la audiencia se va a retorcer de todas formas. Y aunque incluso el sector demográfico más joven para esta película sabrá que están siendo manipulados, es probable que lo consigan. La novedad y la moderación de la actuación de Spencer, cuando no está haciendo todo lo posible, aunque se las arregla para hacerlo incluso de manera controlada, debería ser un señuelo suficiente para convertir a "Ma" en un fabricante de dinero menor.

En una ciudad en Ohio, Maggie (Diana Silvers), que acaba de mudarse allí con su madre, Erica (Juliette Lewis), se encuentra con un grupo de nuevos amigos de la escuela secundaria en una camioneta frente a un Tienda de licores. Siguen intentando, y fallando, conseguir que un adulto les compre algo de alcohol. Luego viene Sue Ann (Spencer), paseando a un perro de tres patas. Ella también se resiste, pero recuerda sus propios días haciendo lo mismo que estos jóvenes, así que ella le compra a los niños unas cuantas botellas. Al día siguiente, ella los compra un poco más, invitándolos a su casa para festejar en el sótano.

Sue Ann, que trabaja como asistente de un veterinaria testaruda (Allison Janney), parece ser una persona solitaria, pero no es como si se pudieran celebrar fiestas de adolescentes en la sala de recreación sin terminar de su gran casa en medio de la nada. Algo está mal, y los flashbacks de la adolescencia de Sue Ann en la década de los 80 nos dicen que algo realmente malo sucedió.

Spencer, una actriz camaleónica, hace cambios de humor en "Ma" que nos dejan entretenidos con la guardia baja. Primero, ella es la perdedora divorciada alegre y afectuosa que aún intenta congraciarse con los niños con información privilegiada después de tantos años. Entonces ella es la mujer de mediana edad que quiere una fiesta y que todavía cree que es genial bailar con el robot en "Funkytown". Luego es la criticona que hace estallar invitaciones de video selfie para todos los teléfonos de los niños, y el puma lujurioso con ojos para Andy, que en un momento se refiere a Sue Ann como "ma", y el apodo se pega. Luego es la exaltada que obliga a Andy a desnudarse a punta de pistola, y luego al bromista que finge que todo es una gran broma, diciendo: "¿Crees que soy Madea?". Ella también es, por supuesto, el manipulador siniestro que atará agregará tranquilizante para animales a los shots de los jóvenes, el psico enojado con sed de venganza (aunque Spencer lo hace con una sonrisa extrañamente atractiva), y la madre de una niña a la que quiere convencer que está enferma, cuando en realidad solo está evitando que le llegase a pasar lo mismo que a ella le pasó cuando era joven.

"Ma" fue dirigida por Tate Taylor, quien realizó "The Help", que contó con una brillante (y ganadora de un Oscar) Spencer. Luego creció como director en su película "Get On Up", una película biográfica de James Brown, con una actuación extraordinaria de Chadwick Boseman. Hacer un thriller de Blumhouse como "Ma" es una manera de reforzar su buena fe comercial, y, probablemente se lo haya imaginado. En la era de Jordan Peele, no es como si estuviera perdiendo credibilidad.

Pero cuando intentas hacer una buena película con un guión como este, de Scotty Landes, que está hecho de fragmentos y piezas derivadas, puedes terminar con muchas mini películas en una. En "Ma", Taylor obtiene fragmentos de textura en las primeras escenas de la adolescencia, y en la interacción entre Maggie y su madre, interpretada por Juliette Lewis como una ave dura y desamparada que está regresando a su ciudad natal después de haber intentado llegar a San Francisco. Y luego salta a los demás personajes, que sí están relacionados a la vida de Maggie o la de sus amigos, pero que se sienten fuera de orden. Y no se puede mencionar la introducción de personajes que parecen ir a ningún lugar con participaciones innecesarias. Pero lo aún más decepcionante es el final, demasiado abierto para el resto de los thrillers que ya se conocen, con aspectos de historias similares a las de Stephen King pero sin el crecimiento suficiento de los personajes para ganárselo.

Al final, quienes la salvan son las actuaciones y sobretodo una Octavia Spencer fuera de sus típicos personajes, que hará hasta el más valiente tambalearse en su asiento. Diana Silvers y los otros actores hacen lo que pueden para completar sus roles. Están jugando versiones glorificadas de la carne fresca en una película de Slasher, pero Taylor muestra un regalo para el terror del tabaco. Sue Ann tiene una agenda oculta para elegir a estos niños, y cuando ella finalmente decide aplicar el castigo, la película te hace temblar en todos los lugares correctos. Y hay un elemento astuto agregado: el tema de la raza apenas se menciona, pero cuando Sue Ann habla de crecer como una "forastera", Octavia Spencer invierte eso en un subtexto de lo que significaba ser la chica negra aislada que intenta encajar en una cultura juvenil homogeneizada de Middle American. louts No es justificación para el horror que ella inflige, pero sí da un poco de escalofrío a la explicación.

Crónica Cinéfila: Toy Story 4

Cuando Bonnie añade Forky, un nuevo y reluciente juguete a su habitación, arranca una nueva aventura que servirá para que los viejos y nuevos amigos le enseñen a Woody lo grande que puede ser el mundo para un juguete. 

En 1995 se estrenó la primera película de Toy Story, una de las películas más exitosas y emblemáticas de Pixar y Disney, con un perfecto rating de parte de las críticas y la audiencia. Las que le siguieron mantuvieron la esencia de su primera película; aunque tenían la misma estructura y la misma idea de "juguetes perdidos que deciden irse a la aventura y encontrar su hogar", la originalidad y distingüidad se mantuvo siempre. Y así lo logró igualmente Toy Story 4.

Cuando Andy decide dar sus juguetes a Bonnie, su vecina, Woody y la pandilla encuentran un nuevo hogar donde su razón de existir (ser el juguete de un niño) se mantiene. Sin embargo, para Woody no parece ser un cuento de hadas. A pesar de tener una dueña, es un juguete olvidado en el fondo del closet. Un día, decide escaparse al Kindergarden en la mochila de Bonnie y allí es testigo de una de sus primeras creaciones del Jardín de niños: Forky, quien resulta ser un tenedor/cuchara destinado a simplemente ser usado y botado a la basura. Sabiendo lo importante que es Forky para Bonnie, Woody lo protege constantemente, evitando que el mismo Forky continúe lanzándose a la basura. 

Cuando la familia de Bonnie decide hacer un roadtrip y Bonnie se lleva todos sus juguetes, incluyendo a Forky, Woody vuelve a encontrar su razón de existir, siendo el niñero de Forky y vigilando de que no se autolanze a la basura. Pero cuando los intentos suicidas de Forky llegan al extremo de lanzarse por la ventana, Woody se lanza tras él y ambos se suman en una travesía de encontrar la casa rodante de la familia de Bonnie antes de que se alejen de la zona. Esta parece ser la última gran aventura de toda la pandilla juntas, más el reencuentro de algunos juguetes del pasado de Woody.

Los escritores de Pixar tienen una estructura muy particular: introducción del problema de esta historia y de los personajes que estarán involucrados, inicio de una nueva aventura, introducción de villanos y muchos más problemas en el medio hasta la confrontación final. Pero, aunque ya sabemos todo esto, porque todas hacen lo mismo, siempre tienen esos elementos en los que dices "no es lo mismo". Aquí Woody, quien ha sido el héroe en las películas anteriores, se siente abandonado y no tiene motivación; al llegar Forky a la vida de Bonnie, él siente que esta es su nueva razón y que necesita salvarlo, pero en realidad lo que él no se ha dado cuenta es que, después de tantos años siendo el juguete de un niño, ya es tiempo de retirarse. Como siempre, el maravilloso Tom Hanks le da voz al extraordinario vaquero, quien tienen nuevas metas a lograr y una realización que descubrir.

Por otro lado, la pandilla también tiene sus subtramas, como Buzz (con la voz de Tim Allen) tratando de entender su voz interior, lo que en realidad es su voz mecanizada que siempre preciso con lo que realmente él necesita escuchar; mientras que Bo Peep (con la voz de Annie Potts) quien años atrás había sido separada de la pandilla cuando la hermana de Andy la donó, ahora regresa demostrando que no tener un niño/a como dueño no significa que un juguete no tiene ningún propósito de existir, siendo aún más ágil de lo que uno esperaría de una muñeca de porcelana. Mientras que la antagonista principal, Gabby Gabby, tiene su propio propósito de maldad, que al final de la historia no resulta ser tan malvado, sino empático, prometiendo que se ganará el corazón de muchos; lo único terrorífico de ella son sus dummies que siguen su mando y cumplen con cada uno de sus órdenes.

Una vez más, Toy Story regresa con su doble mensaje: gracioso para los niños, mensajes internos para los adultos, pero con uno similar que termina siendo "tu propósito en la vida no está preestablecido", nadie llega a este mundo teniendo que ser algo en específico. Este, junto con el significado de las voces del subconsciente y el remordimiento, es uno de los tantos mensajes que trae esta película. La comedia es tan de doble sentido como recordábamos, pero aún más hilarante de lo que se esperaría con nuevos personajes secundarios que cuando están en pantalla, logran robarse a la audiencia con un pequeño momento de gloria en el que brillan hasta botar rayos por los ojos. Entre los más destacados de  Duke Caboom (Keanu Reeves), Ducky (Keegan-Michael Key), Bunny (Jordan Peele) y Giggle McDimples (Ally Maki).

Como siempre, Pixar se la luce con los camarazos que parecen salidos de la realidad. Si no fuese porque la animación no se acerca para nada a una versión de live action, la dirección de cámara podría confundir al más inocente, desde zooms de sorpresa hasta secuencias de persecusión siguiendo a los personajes mientras corren del resto del mundo. Y una vez más, el equipo de animación se la luce no solo con darle vida a tantos objetos inanimados, pero también creando escenografías tan específicas, desde un parque de diversiones completo, hasta una pequeña tienda de antigüedades. Lo que sí se mantiene es esa banda sonora, acompañada de su principal canción "You've got a friend in me" que nos va a seguir hasta el resto de nuestros días, solo para recordarnos que este es el final oficial de nuestra niñez. 

Toy Story 4 representa el final de uno de los mejores clásicos animados, el adiós final a Woody, Bo y Buzz, pero uno de los mejores recuerdos posibles a una infancia que los niños de hoy en día no entenderán. Es inocentemente e hilarántemente maravillosa, con una historia para contar hasta antes de dormir y personajes que solo uno anhela coleccionar. 

Crónica Cinéfila: Dark Phoenix

Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men.

En un universo muy diferente a la primera trilogía de los mutantes, los X-Men son finalmente aceptados por el resto del mundo, teniendo seguidores alrededor del mundo que no solo desearían ser como ellos, pero que también siguen sus pasos, les autorizan apropiarse de islas abandonadas para mantener su comunidad allí, y representan una de las mejores armas del mundo para situaciones extraordinarias. Y la verdad es que los mutantes son los mejores personajes que Marvel ha creado, con personalidades y poderes tan particulares de ellos que siempre demuestran ser la gran envidia de la humanidad. Pero, al contrario de las maravillas que ellos pueden lograr, Dark Phoenix podría ser oficialmente una de las grandes decepciones.

Jean, uno de los X-Men más poderosos, posee el dón de la telequinesis y telepatía, siendo capaz de leer mentes, controlar a las personas y lo que le rodea, mover objetos a su alrededor, y causar proyecciones astrales de magnitud mundial. Por eso representa uno de los X-Men más importantes a la hora de tener misiones para salvar al mundo. En esta ocasión, el punto X representa el espacio, donde varios astronautas han quedado atrapados después de que una energía cósmica visualmente destructiva los tuviese atrapados sin forma de regresar a la Tierra. Siendo Jean la única del grupo que podría soportar esta energía mientras el resto del grupo salva a los tripulantes, ella alcanza la misteriosa energía que se adentra en ella. Lo que parecía un servicio funebre se convirtió en una fiesta, cuando Jean sobrevive a la fuerza cósmica y regresa sin ningún rasguño.

Raven advierte que lo que sucedió en el espacio no es normal, pues ella no debería estar viva después de esto, y cuando Jean se da cuenta de las destrucciones que causa su nuevo poder, decide huir de casa. En su escape no solo se entera de su verdadero pasado y cómo su padre decidió abandonarla después de un accidente automobilístico, también es atraída por Vuk, la líder de una raza alienígena que caza el poder que ella tiene dentro, solo con intenciones de destruir la raza humana para poder utilizar el planeta Tierra como su nuevo planeta.

El problema de esta película es la lógica ausente. No solo rompe continuidad con la segunda trilogía de X-Men, sino que rompe con la línea cronológica de los hechos. Por el tema de mantener los mismos actores de la Primera Generación, Professor X y Magneto parecen nunca envejecer, cuando se supone que a estas alturas ya deberían estar en sus 60 años. Mientras tanto, Jean solo tendrá un nuevo nivel de poder, pero no es un poder que no hayamos visto antes (es algo que claramente vimos en Apocalipsis -2016- y que entra entre las tantas abilidades del personaje desde los comics). También está el final, el cambio del nombre de la escuela, el retiro de Xavier de la escuela debido a la muerte de Jean (quien se supone no está muerta, pues la aparición del fenix en el cielo quiere decir que ella anda por ahí, además de que en  X-Men: Days of Future Past -2014- enseñan que ella sigue viva en el futuro...).

A pesar que es una estructura completa, la película tiene muchos huecos e historias incompletas; nunca se sabe lo que les pasa a los mutantes del grupo de Magneto, ni si todos los mutantes sobreviven a la pelea final, o si profesor X piensa regresar a la escuela. El final es mucho más abierto e incompleto de lo que ellos querían provocar, y no resulta agradable. Y por supuesto, no se puede dejar de mencionar los clichés de diálogos que incluso personajes tan icónicos como Mystique y Profesor X tienen. Esto hace la historia aún más débil. Las decisiones son muy pobres, la confrontación hasta el último momento es muy repetitiva, y Jean confunde mucho, nunca se sabe cuando es buena o mala; parece tener las mismas reacciones para todo.

Comparado con las resoluciones de otras franquicias importantes de este año, esta parece claramente una liga menor. Los hombres que han anclado la mayoría de las salidas de X-Men están girando sus ruedas aquí, y si bien el dilema central de Jean es ciertamente bastante dramático, y está más estrechamente vinculado con las acciones de otras dos mujeres, lo que debería haberse registrado como genuinamente poderoso, juega en una forma bastante discreta. De ninguna manera esto se siente como un destino insatisfactorio para un viaje que comenzó hace dos décadas y registró aproximadamente 30 horas de anticipación, pero que resultó un fracaso decepcionante.

Crónicas de California: Creando una Franquicia (Parte 2)

Cuando comencé a idear esta serie, mi principal enfoque fue alejarme de cualquier aspecto de la realidad que la ha inspirado, con excepción del personaje de Leo (quién representa a mi abuelo). Como dije en mi post anterior, mi abuelo no tuvo 100 hijos, pero el señor está muy orgulloso de todos los que sí procreó. Los anuncia con orgullo, incluyendo mi mamasita. Y es algo que quiero destacar mucho a lo largo de la historia... pero dado que esto es apenas el piloto de la historia, sabía que no lo mostraría a él. Y debía enfocarme en otros personajes.

Esto es Route 100. 

Josephine es una joven que ha crecido toda su vida pensando que es hija única. Y al tener una niñez tan solitaria, eso la convirtió en una mujer introvertida, con una incomodidad increíble a estar frente a cámaras, y que solo disfruta la compañía de su madre y su hija. El hecho de trabajar desde casa hace que salir de su casa sea tarea difícil. Ultimamente, cada vez que sale de casa, es confundida de manera bien indecente por hombres que la llaman "Melissa Champagne". Y un día, cansada de estos encontronazos, decide seguirle la corriente a dos hombres, y averigua la dirección de Melissa para finalmente confrontarla, o por lo menos descubrir si de verdad son tan parecidas, sin esperarse que va a descubrir mucho más que eso.

Duré 2 meses reescribiendo el guión, pues a pesar de tan solo ser 8 páginas, quería captar muchos aspectos: la personalidad de Josephine, su contraste con Melissa, su punto de vista sobre la situación a nivel general y las dudas hacia su madre, si sabría sobre el pasado de su padre. También me tomé mi tiempo construyendo los diálogos, pues es una comedia negra para sentir la incomodidad y confusiones de Josephine. Es un estilo inspirado en How I Met your Mother y My Name is Earl.

El siguiente paso fue la audición. No solo necesitaba personas que estuvieran dispuestas a cumplir con los personajes que había creado, sino también buscaba personas que de verdad pareciesen familia, o por lo menos que tuviesen facciones similares. Y después de 4 horas de casting, encontré las perfectas Josephine y Melissa. Los ensayos fueron parte de mis momentos favoritos, pues comprobaba la buena decisión que había tomado a nivel general. 

Además de los ensayos, la preproducción constó de tres grandes partes: la creación de los posters para la producción de diseño, scouting de locaciones y vestuario para el rodaje. Todo fluyó de manera impresionante (incluyendo los posters, de los cuales todavía conservo uno). La locación fue lo más complejo, la cual encontré a último momento, pero justo a tiempo antes de que tuviese un ataque de nervios. Y la sesión de fotos fue mi parte favorita; Paula es el tipo de actriz que se deja guiar y acepta lo que le indicas sin peros ni objeciones, tanto en poses como en vestimentas.

Fueron dos días de rodaje, trabajando con un crew que era 75% hispano y 65% femenino. Me sentía en mis aguas. Así como me lo demostraron en las audiciones y ensayos, los actores cumplieron con su parte. Con lo único que parecía que iba a perder la paciencia fácilmente era con los sonidos de los lugares, que si un perro, o una persona hablando por teléfono o un niño montando skateboard... Nada más me faltaba cerrar la calle y pedirle que hicieran silencio hasta a los pajaritos.

Luego de grabar, fueron 4 meses en post-producción, editando, corrigiendo el color y cambiando las escenas del orden original. La música fue compuesta por una amiga dominicana, Elaine Lizardo, a quien conocí a través del Consulado Dominicano en LA. Y después de mucho pensarlo, lo que originalmente eran seis escenas, terminó siendo 4 escenas, con la intención de dejar al público con la curiosidad de saber qué pasará luego.

La historia toma lugar en Los Angeles, con el plan de que viajaría alrededor de Estados Unidos, conociendo más sobre el pasado del padre de Josephine y los tantos hermanos que tendrá que conocer en cada ciudad y Estado. Pero después de mucho pensarlo, he decidido que la historia tiene más sentido (y facilidad) si sucede en República Dominicana. Por lo que, el piloto original se volverá a grabar. 

¿Qué sigue? Bueno, ya hay 10 guiones escritos de la primera temporada, así que lo que queda es producir y grabar. Pero, aunque no lo crean, ya hay otras componentes de mi franquicia en camino. Entérate en la próxima parte.