Crítica Cinéfila: An Easy Girl

Naima (Mina Farid) tiene 16 años y vive en Cannes. Mientras se da a sí misma el verano como plazo para elegir lo que quiere hacer con su vida, su prima Sofia (Zahia Dehar), de 22 años y con un estilo de vida tan desenfadado como atrayente, viene a pasar las vacaciones con ella. Juntas vivirán un verano inolvidable.

La escritora y directora francesa Rebecca Zlotowski ofrece un atractivo increíble en An Easy Girl (Une fille facile): un drama relajado y cálidamente sensual sobre la madurez en el sur de Francia - sol, mar, mucha piel y un poco de brillo natural en cada roce de piel desnuda.

El tono y el trasfondo de la película florecen en detalles del arte europeo: Naima (Mina Farid), una joven de 16 años, pasa el verano jugando al "wingman" de su prima sexualmente aventurera, Sofía (Zahia Dehar). Mientras An Easy Girl hace alarde de una despreocupación clásica cuando se trata de sexo, su cualidad más sorprendente es una tierna compasión: la capacidad de cuestionar delicadamente las elecciones de estos personajes sin mover un dedo o repartir castigos.

Naima, que vive con su madre (Loubna Abidar), una limpiadora en un elegante hotel local, pasará sus vacaciones con su mejor amiga Dodo (el petardo cómico “Riley” Lakdhar Dridi). Pero se necesita poco más que un bolso Chanel que le regaló Sofía, una iniciación simbólica a un estilo de vida de ocio y languidez, para que Dodo sea relegado a un segundo plano. Con sus ropas que abrazan las curvas, su voz entrecortada y una mirada que parece vacía hasta que se percibe un vago aire de tristeza por la reciente muerte de su madre, Sofía invita a ciertas suposiciones, no todas halagadoras. Sin embargo, también es de carácter dulce y cariñoso como una hermana mayor: una figura con un buen corazón. Entiendes por qué Naima la ama y la admira.

Zlotowski demostró con sus dos primeras películas (Dear Prudence y Grand Central), ser una conjuradora de estados de ánimo muy hábil, pero una narradora menos segura. En An Easy Girl (que coescribió con Teddy Lussi-Modeste), la cineasta aporta su talento estilístico a una narrativa mucho más sólida; la trama es ajustada, el ritmo flota y los personajes se desarrollan con cuidado y paciencia. El resultado es, con mucho, su mejor película, enérgica, juguetona y atmosférica, pero con una resaca emocional: una sabiduría luminosa y una nostalgia que te pilla desprevenido. La película se basa firmemente en las experiencias de sus protagonistas femeninas: la estudiante de secundaria Naima y su prima Sofia, que se desliza desde París y revuelve el mundo de Naima - y la película - con su insaciable apetito por el placer y dos superpoderes de seducción y provocación.

Los realizadores también le dan a Sofía la oportunidad de articular su visión del mundo. Como le declara a su prima, no le interesa el amor, sino que busca sensaciones y aventuras. Muy pronto los encuentra con el suave marchante de arte brasileño Andrés (Nuno Lopes), quien la invita a su yate y a su cama. Naima los acompaña, uniéndose con el mejor amigo de Andrés, Philippe (Benoit Magimel), mientras el cuarteto pasa varias semanas visitando secciones VIP de clubes nocturnos, cenando en los mejores restaurantes y descansando en el barco de Andrés.

Curiosamente, An Easy Girl no es la historia de la corrupción de un inocente. Naima es más observadora que participante, y algunos primeros planos de su espera mientras los gemidos de Sofía y Andrés emanan de otra habitación capturan indicios de arrepentimiento y culpa. Además, la fascinación de Naima por Sofía no está teñida por la ilusión; tiene los ojos claros sobre quién es su prima y cómo opera, así como sobre sus propios límites. El hecho es que Sofía es divertida pero no es tonta. Aunque se presenta en gran medida con ojos perdidos en la que los hombres pueden proyectar sus fantasías, la película sugiere que hay una especie de poder de autoprotección y economía en la historia de Sofia. Ella está tratando de aprovechar al máximo el juego de la vida sin tener que mostrar sus cartas. 

Y de hecho hay cartas para mostrar. Cuando una rica amiga de Andrés (Clotilde Courau) intenta humillarla casualmente, Sofía la pone en su lugar sin sudar ni hundirse a su nivel. Zlowtowski señala nuestras propias suposiciones sobre la exclusividad mutua de la belleza y la inteligencia, así como nuestras concepciones obstinadas, aunque a veces inconscientes, sobre la forma "aceptable" de que las mujeres ejerzan y disfruten su sexualidad.

An Easy Girl insiste en la humanidad y autonomía de Sofia, pero no la glorifica. Si bien rara vez parece esquemático, el guión utiliza el escepticismo de personajes secundarios como Dodo y la madre de Naima para desafiar las nociones de libertad de Sofía. Una mirada de decepción fulminante dirigida a Naima por un chef para quien se suponía que debía ser pasante cuando la ve comiendo en su restaurante con sus nuevos amigos ricos también dice mucho. Zlotowski establece sutilmente, en lugar de imponer, un marco moral para su historia.

Más allá de su ligereza, An Easy Girl ya tiene mucho en mente, incluido el materialismo, la misoginia, la adquisición de autoconocimiento y lo que significa aceptar realmente a otra persona. 

Crítica Cinéfila: Sputnik

El único superviviente de un enigmático incidente de una nave espacial no ha regresado solo a casa, escondiéndose dentro de su cuerpo una criatura peligrosa.

 

Alien de Ridley Scott dejó un gran impacto en el horror ambientado en el espacio. Es difícil no incumplir y ceder ante Alien cada vez que hay un extraterrestre particularmente desagradable en el horror, especialmente si hay una escena de entrada. Aunque tan solo un 5% de la película toma lugar en el espacio, "Sputnik" intenta contrarrestar las constantes comparaciones con una presentación de personajes en el planeta Tierra y proyectado en la monótona sombra de la Guerra Fría. Y aunque la criatura y su monstruoso monstruo devorador de hombres es uno de los mejores sazones de la trama, el verdadero grosor de Sputnik se apoya en un drama interno entre los personajes.

Tatiana Yurievna (Oksana Akinshina) es una joven doctora apasionada, pero su voluntad de ir más allá de los límites de la práctica médica ética provocó una investigación que probablemente resultará en la revocación de su licencia. La controversia llama la atención del oficial militar Semiradov (Fedor Bondarchuk), quien recluta a Tatiana para evaluar un caso único en un centro de investigación secreto fuera de Rusia. Ese caso se centra en el cosmonauta Konstantin Sergeyevich (Pyotr Fyodorov), el único superviviente de un misterioso incidente espacial que, sin saberlo, lo dejó con un parásito extraterrestre que vive dentro de él y deja su cuerpo cada noche mientras está inconsciente.

En esta ocasión es Tatiana quien cuestiona si las decisiones que están tomando los oficiales son las correctas, donde será expuesta a la preferencia de poder controlar a la criatura y poder separarla definitivamente de Konstantin con el fin de entrenarla como arma letal, sin importar que esto podría ser letal no solo para la raza humana a nivel general, sino también para la misma criatura que lo más probable no pueda sobrevivir sin su portador. En medio de esto, Tatiana crea un vínculo con Konstantin que no solo le ayudará a comprender el pensamiento del parásito sino también cómo poder hacerlo no letal.

El guión de Oleg Malovichko y Andrei Zolotarev está mucho más interesado en conocer a Tatiana, sus métodos poco ortodoxos y su impulso, y su conexión lenta con Konstantin que en ver al extraterrestre en acción. Lo que significa que el tiempo en pantalla del extraterrestre es mínimo en comparación con la búsqueda mesurada de Tatiana por la verdad. Es una pena porque la película cobra vida cada vez que la criatura sale de la boca de Konstantin, ya sea destripando una presa o sintiendo curiosidad por su nuevo hábitat. 

Una vez que Tatiana recupera el enfoque, la película vuelve a la meditación silenciosa durante largos períodos. Sin embargo, y al ser un ritmo relativamente diferente al que la audiencia de ciencia ficción está acostumbrado, la trama exige una paciencia mayor. No se trata de la típica historia sobre un ser extraterrestre que ataca humanos, sino de la supervivencia y adaptación a los cambios. Y esto no solo se explora desde el punto de vista del parásito, sino desde la misma Tatiana teniendo que asumir este caso especial, y desde los mismos oficiales quienes tienen que adaptarse a los métodos impulsivos de ella para poder obtener algunas respuestas.

De manera muy particular, es importante distinguir las escenas del extraterrestre, el cual a pesar de haber sido completamente en CGI, la sutileza de sus efectos visuales son reconocibles y no se esfuerza por ir más allá para evitar caer en lo increíble. Se ve aplausible, al igual que todos sus ataques sangrientos, y aunque soy muy fanática del gore y la mutilación en el cine, las pocas escenas mostradas son suficientes gracias a su calidad visual.

Dirigida por Egor Abramenko, "Sputnik" está impresionantemente filmada, incluso con su ambientación simplista de los 80. El hecho de que los humanos sean personajes reservados que mantienen sus emociones ocultas en el fondo del ceño fruncido solo mejora el estado de ánimo frío y distante de la película. Ese es el punto. Por muy estimulantes que sean los momentos de las criaturas, esta película existe más como un comentario sobre la época y cómo da forma al descubrimiento de un extraterrestre que se apega a una figura pública. 

La misión espacial de Konstantin que dejó a su compañero muerto nunca se explica al igual que lo que luego ocurre con el caso por el cual Tatiana está siendo juzgada, pero su país natal necesita tanto héroes para levantar la moral que esto no importa. Para no robarle a Rusia un héroe, se muda a una instalación fuera del país con la intención de evitar que la entidad parasitaria empañe un ícono de esperanza. Gran parte de "Sputnik" se trata de lo que no se dice y de leer entre líneas, como los pasados individuales de Tatiana y Semiradov, y su relación más allá de lo que parece a simple vista, pero la película espera su momento para quitar sus capas. Ese distanciamiento hace que vuelva tenso encontrar el punto principal de la película. Tatiana es el centro de la base, pero hay algunos hilos de la trama e ideas en el drama que nos obligan asumir a otro como el protagonista de la historia. Es una estructura oriental, particular y con un enfoque más allá de lo considerado tradicional.

Las expectativas al entrar jugarán un papel fundamental en la recepción. Aquellos que entren sabiendo que es un estudio de carácter meditativo a través de una pieza sutil, puntuada por momentos claves de violencia empapada de sangre, podrán adaptarse mucho más fácil a este mundo pausado. En última instancia,  Sputnik fusiona una película de monstruos con un drama hermoso e imparcial, y la primera es mucho más exitosa de las dos. Abramenko no separa su película de su influencia alienígena, pero hay suficiente para mantenerte intrigado y anhelando más caos monstruosos.

Crítica Cinéfila: The Stranger (Miniseries)

Una joven que gana algo de dinero como taxi personalizado descubre su peor pesadilla cuando un misterioso pasajero se sube con ella en Hollywood Hills, y resulta ser un psicópata asesino. 

El miedo eterno de todo conductor de Uber o Lyft es que un loco/a sea su pasajero. "The Stranger" de Veena Sud es un excelente ejemplo de la ansiedad que esto puede dar. En tan solo 13 episodios, la cineasta nos otorga una noche completa de terror a la que una conductora de taxi personalizado es sometida cuando su siguiente pasajero es un psicópata que quiere matarla.

Maika Monroe interpreta a Clare, conductora de viajes compartidos y aspirante a escritora, quien recientemente se mudó a Los Ángeles desde Kansas para poder alcanzar su sueño. El piloto inicia con ella recogiendo a un hombre (Dane DeHaan) con una maleta en un condominio privado ubicado en el tope de una colina de Hollywood. El hombre, quien se hace llamar Carl E., rápidamente pasa de ser encantador a espeluznante cuando le revela que es un asesino y un sexista furioso.

No es necesario una historia de trasfondo profunda en Carl E., pues el formato de Quibi de menos de 10 minutos ayuda a que la audiencia interprete por sí sola con la información limitada que nos da: es un psicópata que asesina friamente a cualquiera que se le cruce por su camino, no es la primera vez que hace esto, y para él sus asesinatos son experimentos. Todo esto se va interpretando poco a poco a lo largo de los 13 episodios, al igual que muchos detalles del pasado de Clare, aspectos que son importantes conocer para darle la importancia que merece a su ansiedad y sus acciones.

No es la primera vez que pasa por un trauma de acoso, pero sí es la primera vez que las circunstancias del pasado afectan los terrores del presente, a un punto que muchos dudan de su palabra. ¿Será verdad que un tal Carl E. la está tratando de asesinar? Nadie lo ha visto, ni siquiera JJ (Avan Jogia), un cajero de una gasolinera quien desde el momento en que Clare apareció por primera vez después del primer susto con el psicópata, ha tratado de ayudarla, no solo para salir de la ciudad, sino para rastrear a su asesino; un poco de coincidencia que el cajero también sea programador, pero él mismo admite que esto es un cliché típico de Los Angeles.

Las calles de Hollywood nunca aterraron tanto con esta historia de menos de 12 horas, donde cada episodio tenía un escenario distinto, desde la estación de Union Station, hasta el Hollywood Hills y las taquerías de media noche en SoHo. El aspecto más interesante y aplaudible de la historia es lograr menos de 8 minutos de historias en un mismo lugar, y terminar el episodio con la salida del personaje a un nuevo escape. La cámara en mano de Paul Yee le agrega ansiedad a cada espacio, casi creando un efecto de claustrofobía entre las cuatro paredes episódicas que encerraban a Clare en una tortura constante, sin importar si era una estación de policía, un baño público o un carro en movimiento.

Quibi ya ha experimentado con el formato de suspenso, pero no ha producido nada tan memorable. The Stranger de Veena Sud se beneficia de su trabajo televisivo anterior (The Killing, Seven Seconds) y un ojo hacia la narración visual, además que no se siente innecesario dividir la tortura en 13 episodios. A pesar de tener una estructura narrativa de una película de 120 minutos (pueden tomar cada episodio y convertirlo en una película de thriller), cada episodio funciona como su historia independiente, manteniendo la continuidad entre ellos, pero con un conflicto particular.

The Stranger pasa acertadamente del thriller al horror, utilizando elementos básicos de género (recoger a un extraño, invasión de casa, asesino suelto) para mantener el impulso. También juega con la perspectiva de maneras interesantes: una toma posterior de Clare en su apartamento se pone en primer plano por lo que estamos anticipando, un salto, pero se vuelve aún más intrigante por lo que no vemos de cerca. Es una ilustración más tradicional de It Follows (resultando irónico que es la misma actriz sufriendo la misma circunstancia), pero ya en un plano más realista y con una conclusión más cerrada.

Si Quibi continúa creando contenido de este calibre, que Netflix y Amazon Prime se preparen.

Crítica Cinéfila: Project Power

En las calles de Nueva Orleans, se empieza a correr la voz sobre una misteriosa nueva píldora que desbloquea superpoderes únicos para cada usuario. La trampa: no sabes cómo te afectará hasta que la tomes. 

Todos tenemos un superpoder único. O por lo menos eso es lo que dicen en Project Power. Algunos están relacionado con las temperaturas, otros con condiciones animales y vegetales, y también está el grupo de los que se se van más allá de lo creíble. Pero mientras algunos desarrollan una piel a prueba de balas, invisibilidad y una fuerza sobrenatural, otros exhiben una reacción más mortal. Cuando la ciudad de New Orleans es tomada como conejillo de indias para probar estas nuevas píldoras y estas elevan el crimen dentro de la ciudad a niveles peligrosos, un policía local (Joseph Gordon-Levitt) se une a una traficante adolescente (Dominique Fishback) y a un ex soldado alimentado por una venganza secreta (Jamie Foxx) para luchar contra el poder con poder y arriesgarse a tomar la píldora con el fin de localizar y detener al grupo responsable de crearla.

"Project Power" se siente como parte de una nueva tendencia en las películas de Netflix, o tal vez de un nuevo género: una película que no es una película de superhéroes tradicional, es más un thriller callejero excitado, pero está llena de toques que recordarán usted de las películas de superhéroes, por lo que en ciertos momentos cuenta. (Ya que estás sentado en casa, disfrutando del entretenimiento en la pantalla chica, sientes el impulso de decir: "¡Mira esto! ¡Es lo suficientemente bueno!") El éxito de Netflix "The Old Guard" realmente fue una película de superhéroes. En "Project Power", sin embargo, no se nos pide que apoyemos a estas almas hambrientas de omnipotencia que están haciendo estallar cápsulas; son conejillos de indias humanos al azar. Estamos apoyando el arte, también conocido como el Mayor ( Jamie Foxx), un ex oficial militar que está en un curso de colisión del inframundo para saber quién distribuye la droga, para poder sofocarla en su origen. Se une a Robin ( Dominique Fishback ), un demonio de la escuela secundaria que ha estado vendiendo la droga de forma paralela, y se convierten en aliados incómodos en una carrera para ver qué significa realmente "poder".

“Project Power” tiene propulsión, pequeñas detonaciones de magia visual, el escenario resonante de una Nueva Orleans todavía desesperada y un reparto mejor que el que suele tener una película como ésta. Sin embargo, al verlo, es posible que se dé cuenta de lo arreglado que está todo. Los directores de la película, Henry Joost y Ariel Schulman (quienes hicieron el documental "Catfish" de 2011 y luego dirigieron dos secuelas de "Paranormal Activity"), quieren darle un rumor. Cada vez que se hace estallar la droga, hay montajes de ojos dilatados y sinapsis activadas que imitan crudamente a las de “Requiem for a Dream”.

En “Project Power”, estamos fuera de la experiencia de las drogas, pero la verdadera pista del alma bastante descuidada de esta aventura llamativa y deprimente es que se convierte en un thriller sobre una conspiración que es grandiosa pero irritantemente abstracta. La droga es parte de un plan maestro para controlar a las personas: quitarles su poder dándoles una falsa sensación de poder. El guión, de Mattson Tomlin es una obra raída que te hace desear la siniestra especificidad y el peligro arraigado de un buen drama sobre drogas. "Project Power" es básicamente un cuaderno de bocetos exagerado de una película con efectos de exhibición.

A pesar de una temática relevante y una premisa interesante sobre una sobrecargada reimaginación de la narrativa de superhéroes, hay que admitir que Henry Joost y Ariel Schulman son fanáticos de complicar las historias. Lo han hecho a lo largo de su carrera y lo más interesante de este dúo es que siempre encuentran la manera de salvar sus tramas de caer en lo extravagante o disfuncional. En el caso de Project Power, y a pesar de su nombre tan genérico, se salva por un elenco que sabe elevar el conflicto narrativo con estilo.

No es una fórmula secreta, pero está claro que hay que saber reunir actores de diferentes calibres. Joseph Gordon-Levitt (quien se ha mantenido extrañamente ausente de la pantalla grande desde hace unos años) y Jamie Foxx son dos potencias de diferentes bandos, y su punto neutral es el talento joven de Dominique Fishback parecen hacer una buena balanza. Pero aún con sus talentos en equilibrio, existen momentos que crean cuestionamientos sobre los ideales, principios e impulsos de cada personaje; por momentos contradictorios a lo que hacen entre escenas, e incluso conclusiones y decisiones que denotan a una persona completamente diferente. 

La diversidad de casting, que se ha convertido en un sello distintivo de Netflix, le da a la conspiración de la película, al menos en teoría, una nueva dimensión de fervor social, evocando connotaciones del Experimento Tuskegee de 1932 y la percepción generalizada de que las drogas que se derramaron en Estados Unidos el interior de las ciudades a finales de los 60, 70 y 80 lo hizo con un grado de aprobación gubernamental. Sin embargo, eso no libra a la película de la necesidad de completar la logística de la conspiración de una manera convincente. Al igual que otras películas de acción recientes de Netflix ("Extraction" y "The Old Guard"), "Project Power" te da la sensación de que se basa en tantas décadas de clichés que la película apenas se molesta en fingir que es cualquier cosa menos un remix.

Crítica Cinéfila: La Llorona

Treinta años después de un conflicto armado en Guatemala, se abre una causa penal contra Enrique, un general retirado que estuvo al frente del genocidio. Pero el juicio es declarado nulo y él es absuelto, y el espíritu de La Llorona se libera para vagar por el mundo como un alma perdida entre los vivos.

Todos los países de Latinoamérica tienen su propia leyenda de la Llorona muy particular a su propia historia, pero la idea es la misma, pero ¿qué ocurre cuando se toma la idea de la Llorona, atacando a quien literalmente mató a sus hijos? El director Jayro Bustamante revive la vieja leyenda con un toque más enfocado a una situación social. El resultado no es del todo satisfactorio, pero el concepto es creativo.

El general retirado Enrique finalmente enfrenta un juicio por el genocidio de indígenas mayas hace tres décadas. Aunque sostiene que estaba cumpliendo con su deber de acabar con las guerrillas, su comportamiento cada vez más senil pone en riesgo la casa. Eso es antes de las devastadoras confesiones en la sala de audiencias de las víctimas sobrevivientes de los crímenes pasados ​​de Enrique que lo encuentran culpable. Hordas de manifestantes enojados amenazan con invadir, lo que hace que la familia de Enrique se atrinchere dentro de su lujosa casa. Cuando su personal huye, solo queda un ama de llaves leal. A medida que el horrible pasado de Enrique provoca una creciente ira del mundo exterior, la llegada de una nueva y misteriosa sirvienta coincide con una fuerza sobrenatural que tiene como objetivo deshacer por completo a la familia.

La Llorona, o la mujer que llora, es una de las figuras más conocidas del folclore latinoamericano. Los detalles de sus orígenes pueden diferir, pero la presunción general de su tradición habla de una mujer cuyo marido la deja por otra. En su dolor, la mujer ahoga a sus dos hijos en un río, y luego a ella misma cuando se da cuenta de lo que ha hecho. El acto la condena a vagar en el limbo, llorando por sus hijos perdidos y ahogando a los niños desafortunados que se cruzan en su camino. Con La Llorona, el cineasta guatemalteco Jayro Bustamante reinterpreta la leyenda y la aplica a una película de "terror" estratificada y políticamente cargada que evita lo sobrenatural en favor del realismo trágico.

Enrique y su pasado se basan en el pasado no muy lejano de Guatemala, fusionando la ficción con duras verdades históricas. El director Bustamante y su coguionista Lisandro Sanchez mantienen los horrores del reinado político de Enrique al frente de esta narrativa lenta. Hay una atmósfera espeluznante y algunos momentos sutiles de horror sobrenatural, pero no hay sustos que se puedan encontrar. Tampoco es esta la historia de Enrique; sufre de Alzheimer y se acerca al final de su larga vida. Escucha los gritos de La Llorona y tendrá que considerar su pasado antes de que termine la película, pero el enfoque narrativo está en las mujeres de su vida, la hija adulta y exitosa que cuestiona la verdad en las versiones de los hechos de su padre; la orgullosa esposa que se aferra con fuerza a su marido, a pesar de la ira que sus formas lujuriosas traen a la superficie; y la nieta inocente que es ajena a la historia familiar y que le ha tomado un gran cariño a la extraña nueva criada. La sorpresa más agradable de la película es la actuación de María Mercedes Coroy como Alma/la Llorona, quien sin una pizca de maquillaje extravagante y la simpleza de sus aspectos indígenas mayas son los que le dan ese toque espeluznante y de sospecha hacia lo que podría causar. 

Si bien muchas de las imágenes son poderosas y el contexto histórico agrega potencia al mensaje de Bustamante, el ritmo lento a menudo puede hacer que el tiempo de ejecución parezca más largo de lo que es. La historia carece de cierre para ciertos personajes a los que nunca se les dio el espacio para desarrollarse en primer lugar. El tercer acto tampoco ofrece sorpresas reales y termina con demasiada prolijidad. Además que los elementos del género son mínimos, por lo que es más un drama político de terror que un horror real. 

En un momento determinado al principio de la película, la tensión crece y se establece la tonalidad que debió mantener durante toda la historia; a pesar de no venderse como una trama de terror, esas escenas nocturnas, donde Enrique (interpretado por Julio Diaz) toma su pistola con el plan de acribillar a la intrusa que llora en los pasillos de su casa, no solo habla de la interpretación muy propia que cada quien tiene a reaccionar a sonidos particularmente alarmantes en situaciones horroríficas. Sin embargo, esta tensión se pierde cuando el drama del pasado envuelve el presente y los pocos momentos terroríficos son mayormente psicológicos y emocionales, justificando el morbo de los asesinatos para salvar a un grupo. Muy al final se rescata ese mismo momento, creando la gran interrogante de cuál es el verdadero género que quería lograr Bustamante con esta historia.

Bustamante evoca por la justicia, y en el caso de La Llorona, es de la mano de un buscador de venganza folclórico. Ciertos aspectos de la historia son emocionalmente poderosos, mientras que otros hilos se sienten subdesarrollados. La previsibilidad de la dirección general significa que el ritmo lento puede arrastrarse y los elementos de terror son mínimos. Si esperas algo más relevante históricamente y un género adyacente, es más fácil encontrar una entrada a una narrativa que no siempre es de fácil acceso.

Crítica Cinéfila: An American Pickle

Herschel es un inmigrante que se muda a Estados Unidos en 1920 con la esperanza de iniciar una vida mejor con su familia. Un día cae accidentalmente en una cuba de pepinillo y se queda en salmuera durante 100 años, despertando luego en perfectas condiciones en la moderna Brooklyn. La cosa se complica cuando descubre que el único miembro de su familia con vida es su bisnieto, con el que tiene muy poco en común.

La extraña mezcla de comedia ridículizada, frases hirientes y tomas de primer plano en exageración al estilo de los 90 con un gran corazón sentimental hace que An American Pickle sea una película difícil de gustar. Lo que lo eleva por encima de la trama a menudo desordenada del guión del ex escritor de Saturday Night Live Simon Rich es la cautivadora interpretación de Seth Rogen en dos roles, interpretando a familiares divididos por la rivalidad y la incomprensión antes de redescubrir finalmente las comodidades de su herencia compartida.

Rogen es un actor siempre agradable cuya reputación se basó en gran medida en interpretar a fumetas toscos y de segundo año. Pero hay una dulzura inherente en su personaje de la pantalla que ha estado allí desde el principio en Freaks and Geeks , especialmente en el conmovedor arco de la historia en el que su desconcertado personaje, Ken Miller, luchó con la revelación de los orígenes del nacimiento intersexual de su novia Amy, la tuba . Es una variación de Ken, el oso tierno y apasionado de un tipo que a veces se ve obstaculizado por sus puntos ciegos, lo que lleva a An American Pickle a través de sus momentos narrativos difíciles.

Originalmente planeada como un lanzamiento teatral de Sony, la comedia marca un debut como director de largometrajes para el director de fotografía Brandon Trost, quien filmó varias películas con Rogen, incluyendo This is the End, The Night Before, The Interview, The Disaster Artist, Neighbors y su secuela.

El encanto de una apertura, que mezcla la voz en off en inglés de Rogen con fuerte acento ruso y el diálogo yiddish, comienza en un pueblo ficticio de Europa del Este de Schlupsk en 1919. Herschel Greenbaum (Rogen) es el cavador de zanjas de la ciudad, luchando con palas rotas y carros desvencijados y un Dios que le dificulta la vida hasta que se encuentra con la hermosa Sarah (Sarah Snook) en el mercado. "Ella es fuerte y saludable, tiene todos sus dientes, arriba y abajo", dice Herschel con admiración. El noviazgo es rápido pero conmovedor y culmina con ellos compartiendo sus esperanzas y sueños junto a un "hermoso pantano". Sarah fantasea con ser lo suficientemente rica como para comprar su propia lápida, mientras que para Herschel, el máximo lujo imaginable es probar agua gaseosa.

Aparte de una mordaza que induce a carcajadas con un pescado seco, el humor aquí es estrictamente discreto, como una versión de comedia negra de una historia de Sholem Aleichem. Pero basa la película en una celebración cautivadora de la identidad judía. Herschel y Sarah apenas han intercambiado sus votos matrimoniales tradicionales cuando los cosacos rusos destruyen la ciudad. Su llegada a Ellis Island, recibida con una bienvenida casualmente antisemita, agrega capas temáticas sobre la experiencia de los inmigrantes que fortalecen aún más los sólidos cimientos de la comedia.

Al enterarse de que Sarah está esperando un hijo, Herschel jura que en 100 años, los Greenbaum tendrán poder y éxito. Pero poco después, cae en un barril de salmuera de pepinillos en la fábrica de Brooklyn donde se gana la vida matando ratas. Lo encierran en el edificio en ruinas, solo para ser descubierto un siglo después cuando dos niños chocan su dron a través de una ventana, derribando la tapa de la tina. En una divertida excavación sobre la credulidad de los medios, los reporteros se tragan instantáneamente su escepticismo cuando un científico (Sean Whalen) saca un gráfico para explicar el notable estado de conservación de Herschel.

Ese extraño suceso lo hace exactamente de la misma edad que su único pariente vivo, su bisnieto Ben (Rogen nuevamente), quien minimiza sus sentimientos aún crudos sobre la pérdida de sus padres en un accidente automovilístico. La consternación de Herschel por el rechazo de la religión por parte del informático Ben se ve algo mejorada por el hecho de que su bisnieto tiene su propia máquina seltzer. Pero una visita al cementerio judío donde está enterrada su amada Sarah se vuelve fea cuando Herschel se enfurece porque los trabajadores de la construcción levantan una valla publicitaria de vodka ruso. Se produce una pelea, y el arresto resultante mata cualquier posibilidad de que Ben venda su proyecto de cinco años, una aplicación para el consumidor éticamente consciente.

Si eso suena a mucha configuración de la trama, bueno, lo es. Pero la brecha entre Herschel y Ben impulsa el resto de la comedia, para bien o para mal, ya que el viajero en el tiempo se lanza por su cuenta, decidido a hacerse rico como un fabricante de pepinillos y menospreciar a su biznieto que duda.

El material fuente fue la novela Sell ​​Out de Rich, publicada por primera vez en cuatro partes en The New Yorker en 2013. Gran parte de la trama se ha condensado y elaborado, con efectos variables, y el antagonismo entre Herschel y su descendiente aumentó considerablemente. Esto da como resultado algunos conflictos que se sienten forzados y no siempre fieles a los personajes, en particular al Ben de modales apacibles.

Lo que sí se traslada efectivamente de la historia es el choque cultural de un inmigrante centenario que se encuentra en el Brooklyn hipster actual, donde su barba salvaje está de moda y su ropa despeinada le hace reconocer su estilo vintage.

El proceso de Herschel para hacer sus propios encurtidos, que involucra productos recuperados de un contenedor de basura, frascos rescatados, un carrito de supermercado convertido y agua de lluvia, es divertido de una manera curiosamente chiflada. Y hay risas en su primera transacción con una pareja gay (Eliot Glazer y Kalen Allen), que aprueban sus ingredientes de origen local, políticas de marketing y reciclaje sencillas. "Traigan el frasco o los encontraré y haré una violencia terrible", advierte Herschel a los clientes complacidos, lo que inspira una publicación de blog que convierte sus encurtidos artesanales en una sensación de la noche a la mañana.

El guión de Rich luego se estanca un poco cuando Ben se vuelve vengativo y comienza a sabotear el éxito de Herschel; la estructura de la escena se vuelve entrecortada. Esto continúa incluso cuando el descubrimiento de pasantes no remunerados por parte de este último le permite expandir el negocio y recomprar el control de la parcela del cementerio de Sarah. Ben usa el anzuelo de Twitter para incitar a su bisabuelo a que comparta sus puntos de vista religiosos retrógrados sobre las mujeres y la homosexualidad. Pero incluso eso no bloquea del todo la creciente fama de Herschel.

Hay matices de estar allí en la elevación del inarticulado Herschel al estatus de héroe popular nacional, con su pasión y verdad sin filtro atrayendo el apoyo de los defensores de la libertad de expresión, que incluso comienzan a cavilar sobre un posible futuro político. Pero la escritura de Rich se vuelve torpe y mecánica cuando el enfurecido Ben recurre a una creciente crueldad. Se infiltra un ligero mal humor, que parece fuera de personaje con el tono general.

Un juicio de deportación con fragmentos de comedia de mano dura es demasiado descuidado para funcionar, incluso dentro de la lógica caprichosa de esta película. Pero produce un interludio de antaño y una hermosa conclusión que refuerza los valores de la fe y la familia literalmente conservados en Herschel y transmitidos a lo largo de un siglo. En ese sentido, An American Pickle, a pesar de todas sus tonterías, es extraordinariamente espiritual para una comedia convencional. Ese aspecto se amplifica con los acordes de Klezmer en la partitura de Nami Melumad, con temas originales de Michael Giacchino.

Si bien hubiera sido gratificante ver más de la maravillosa Snook, la película no sufre por la ausencia de personajes secundarios más desarrollados. Eso se debe en gran parte a que Rogen es tan hábil para respirar profundidad en dos roles distintos, diferentes en su físico y expresiones faciales, así como en su uso del lenguaje, y sin embargo, claramente cortan del mismo tejido de maneras que el tiempo o los antecedentes culturales no pueden negar. A pesar de la amargura de su separación, apoyas su inevitable reconciliación, que cierra la película con una nota cálida. 

El trabajo de efectos que le permite a Rogen jugar escenas frente a él es de primera clase. Lo que es más sorprendente es la delicada belleza de los elementos generados por computadora en las escenas de Schlupsk y el avance rápido durante 100 años que parece una toma de libro de cuentos de la fábrica de pepinillos de Brooklyn con Manhattan de fondo. Se utiliza un cambio en las relaciones de aspecto para diferenciar el viejo mundo del nuevo. An American Pickle no es ni la comedia más sustancial ni la más sofisticada, pero su dulzura conmovedora supera sus defectos.

Crítica Cinéfila: She Dies Tomorrow

Amy piensa que morirá al día siguiente... y es contagioso.

Es totalmente apropiado decir que "She Dies Tomorrow" es definitivamente una película para este momento particular, extraño y aterrador. Seimetz no lo sabía cuando hizo la película, por supuesto, pero una película basada en un sentido omnipresente agonizante que abarca cada esquina del planteta y que se transmite de persona a persona está en sintonía con el estado de ánimo desesperante del 2020.

Es una película sobre el pánico existencial que surge en un momento donde lo único que queda es protegerse de aquellos que lo transmiten. Eso podría convertirlo en lo último que algunas personas quieran ver en este momento, o podría convertirlo en un inquietante viaje indie a través de un mundo disfuncional que no es realmente nuestro, pero que parece que lo es.

El personaje principal llamado Amy (Kate Lyn Sheil), quien podría ser mejor conocida por la serie de televisión "House of Cards" y "The Girlfriend Experience" de Seimetz, pero es una verdadera reina del indie a través de películas como "Kate Plays Christine" y "Silver Bullets". La primera vez que la vemos es en un primer plano de su ojo mientras una lágrima sale. En poco tiempo, nos enteramos de que compró una casa nueva, tuvo una pelea con su novio y está desconsolada por una razón no especificada.

Caminando por su nueva casa, que todavía está llena de cajas sin empacar, Amy se pone un vestido de lentejuelas y se resiste a las súplicas de calmarse. Cuando su amiga Jane (Jane Adams) sugiere por teléfono que Amy se relaje y vea una película, ella responde con desdén, prefiriendo escuchar el Réquiem de Mozart, aunque, para ser justos, parece que nunca pasa de "Lacrimosa", cuatro minutos de grandiosidad maldita y depresiva.

Preocupada por su amiga, Jane va a visitarla y encuentra a Amy en el patio, en la oscuridad, con su vestido de noche, una copa de vino y un soplador de hojas. Amy explica que sabe que va a morir mañana, lo que asusta tanto a Jane que se va. Poco después, Jane se despierta con un sudor frío, convencida de que ella también va a morir al día siguiente.

Más rápido de lo que puedes decir "Coronavirus", la paranoia se propaga de un personaje a otro, atravesando un elenco de apoyo que incluye a Chris Messina, Katie Aselton, Josh Lucas, Tunde Adebimpe y otros. Jane llega a una velada de cumpleaños organizada por su hermano y su cuñada, y en poco tiempo ellos y sus invitados a la fiesta se sienten presos del mismo miedo. La historia se desarrolla en paradas y comienzos, en flashbacks (no siempre tan útiles como deberían ser) y en imágenes de ensueño; todos tienen sus momentos de revelación fatal, a menudo mientras están iluminados por una luz azul o roja intermitente.

Seimetz, quien anteriormente dirigió la película de 2011 "Sun Don't Shine" y "The Girlfriend Experience", no está interesado en deletrear las cosas. Las cosas suceden en destellos rápidos o se vislumbran a través de una puerta desde la habitación contigua; especialmente en el tramo inicial de la película, donde las escenas terminan abruptamente y se sienten cortadas, como si hubiera más que decir pero el tiempo no da para decirlo. Y Amy también se siente así, porque resulta que está convencida de que va a morir al día siguiente. Puede que no sepa cómo ni por qué, pero está segura de que sucederá, hasta el punto de que está investigando la logística de que la desollen y la conviertan en una chaqueta de cuero después de su muerte.

Por supuesto, este plan no tiene sentido, pero "She Dies Tomorrow" no tiene sentido en general (en el buen sentido de la palabra). Deliciosamente desarticulado y alucinante, evita la solución fácil y confía en la extraña belleza de sus imágenes. Al principio, uno se pregunta cómo podría uno mismo en este estado mental abordar una película sobre la depresión, pero al final del día el trayecto se vuelve inquietante y absorbente. No nos despegamos hasta que llegue mañana.

Lo que comenzó como un psicodrama espeluznante sobre la depresión no puede evitar transformarse en una comedia negra fatalista, y de ahí en una especie de película de terror, o tal vez en todas a la vez, un acto de equilibrio perturbador con una mirada y narración intencionalmente desorientadoras pero escalofriantemente evocadora.

La mayor parte de la película tiene lugar durante la larga noche que precede al "mañana" que todos los personajes temen. La película en sí, que nos confronta y se deleita con su vaguedad, no está tratando de dejar un mensaje, particularmente uno sobre una pandemia viral específica que estamos enfrentando. Pero su exploración de un pánico que se extiende y el miedo a la muerte no puede dejar de hablar de la sensación de malestar y temor que nunca está lejos de la superficie en estos días.

Crítica Cinéfila: Peninsula

 Después de que la infección que se extendió hace 4 años, solo algunas partes de Corea del Sur permanecen resguardadas, aunque la Península de Busan es la única parte en donde pueden buscar refugio los coreanos, muchos aún mantienen la esperanza de ser rescatados por ayuda internacional.

Ahora bien establecido en Yeon, Train To Busan y su animación previa en la estación de Seúl, el brote de zombies se ha apoderado de la nación en Peninsula. Jung-Seok (Kang Dong-Won), un soldado, huye del país con su familia en un barco. Él y su cuñado Cheol-Min (Kim Do-Yoon) llegan a Hong Kong, pero su hermana y su sobrino son infectados por el virus en el barco y deben dejarlos atrás.

Después de cuatro años en Hong Kong, Jung y Cheol-Min regresan a la península, que ahora está esencialmente en cuarentena, con un pequeño equipo para localizar un camión abandonado con bolsas llenas de efectivo y traerlo de regreso a Hong Kong. Viajando en barco, aterrizan en Incheon y luego se dirigen a Seúl para completar su misión. Pero lo que menos se esperan es ser emboscados en la capital por un grupo de milicias conocido como la Unidad 631 encabezada por el Sargento Hwang (Kim Min-Jae) y el Capitán Seo (Koo Kyo-Hwan) que toman a Cheol-Min como rehén, y Jung-Seok logra escapar gracias a la ayuda de dos chicas en un carro. Luego conoce a su madre Min-Jung (Lee Jung-hyun) y trabajan juntos para tratar de recuperar el dinero, encontrar a Cheol-Min y salir de la península.  

Gang Dong-Won (1987: When The Day Comes) trae su personalidad discreta al personaje principal central, pero este es esencialmente un elenco de conjunto. Todos los jugadores son excelentes y elegidos inteligentemente. Lee Jung-Hyun (The Battleship Island) continúa impresionando como la madre de las dos niñas (Lee Re, Lee Ye-Won) que le dan a la narrativa momentos más ligeros y divertidos que tanto necesitan en las formas que inventan para distraer a los zombies. Kim Min-Jae es brutalmente auténtico como uno de los antagonistas centrales de la película, y Koo Kyo-Hwan ofrece una actuación en capas y fascinante como el Capitán Seo. Si hay una queja aquí, el siempre confiable Kwon Hae-Hyo (The Day After) se deja un poco al margen, pero eso no quita lo que es una característica inmensamente emocionante.  

Comparar a Peninsula con Train to Busan es desconsiderado pues aunque parten del mismo universo y una misma atmósfera de tensión, son dos historias diferentes. Mientras que en Train to Busan todo se concentraba en un mismo espacio durante la mayor parte de tiempo narrativo, aquí estamos lidiando con una ciudad, y la tensión de la trama se reparte en trozos más pequeños. Ya no se trata de una familia tratando de sobrevivir, sino de varias familias e individuos tratando de salir de la ciudad. Quizás a los grandes fanáticos de las películas de zombies no les parecerá suficiente, pero esta película es mucho más emocional, enfocándose más en cómo un trauma familiar afecta la supervivencia en un mundo postapocalíptico zombie, con el constante pensar de "¿qué hubiese pasado si hubiese hecho más?". La realidad es que se concentra la atención de la línea completa en muchas historias alternas, pero al final del día, todas se enfocan en un mismo objetivo: encontrar el camión para poder salir de esta tierra de mala muerte.

En última instancia, la trama de Yeon es deliberadamente sencilla, lo que permite a los espectadores centrarse en los asombrosos escenarios que la impulsan: las calles abandonadas, la Unidad 631 de los sobrevivientes callejeros, el puente de Incheon cortado a la mitad para evitar cruces de infecciones, y el muelle con contenedores a mitad de distribución. Cada uno sirve como hilo conductor de sus pequeñas tramas individuales, pero el que los une a todos es la carretera abandonada de Seúl donde ocurre una de las secuencias más emocionantes de la historia: una persecución de autos extraordinaria mientras Yeon acelera a fondo en las carreteras de una manera que recuerda a las escenas de Mad Max: Fury Road. 

A pesar de que los efectos visuales de la multitud y ataques zombies totalmente se desligan de la realidad, lo que realmente hace que funcione particularmente bien en algunas de las imágenes más ambiciosas de la película no es solo la cinematografía, sino el trabajo realizado en la postproducción, que refleja las habilidades de Yeon no solo como cineasta sino también como animador. En lugar de luchar por el realismo, la estética nocturna de Peninsula es más valiente que Train To Busan y más como sus aclamadas animaciones The King Of Pigs, The Fake y Estación de Seúl. También es digno de mención la amplia partitura de Mowg (Burning), el atractivo diseño de producción de Lee Mok-won y la edición experta de Yang Jin-Mo (Parasite), nominado al Oscar. 

Aunque no llega al mismo nivel que su película de origen, Península es emocionante y logra algo que en su momento lo pudo establecer The Walking Dead: tenerle más miedo a los vivos que a los mismos muertos. Habla sobre esa ambición de lograr más que los demás aún en las situaciones difíciles, sobretodo en el control por encima del resto. Es una película intrigante por la cantidad de retos que asume en estos tiempos, pero su mensaje es acertado.

Crítica Cinéfila: Black is King

Los viajes de las familias negras a lo largo del tiempo se honran en una historia acerca del trascendental viaje de un joven rey a través de la traición, el amor y la identidad propia. Sus antepasados le ayudan a guiarle en su destino y, con las enseñanzas de su padre y la guía de su amor de infancia, alcanza las virtudes necesarias para reclamar su hogar y su trono.

Según el líder de extrema derecha Richard Spencer, la esclavitud era buena. Sus palabras son una justificación apenas velada para la esclavitud negra y una advertencia a los afroamericanos para que estén agradecidos por lo bien que la han tenido aquí. Spencer dice que al esclavizar a los africanos negros y llevarlos al Nuevo Mundo en el siglo XVII, los estadounidenses y europeos blancos los estaban salvando de "un mundo de temor y miedo".

El último proyecto de Beyoncé Knowles, "Black Is King", podría duplicarse como una respuesta tardía a tales tonterías. La nueva película musical, que se estrenó el 31 de julio en Disney Plus, es la presentación visual de su álbum de banda sonora, "The Lion King: The Gift". Pero este llega en un momento adecuado: dos meses después de la muerte de George Floyd, un hombre negro, asesinado por un policía blanco en Minneapolis, y durante las protestas globales de Black Lives Matter que han cambiado la vida de los negros y los blancos para siempre.

A pesar de su título racialmente cargado, "Rey" no es solo para los negros. También es para una sociedad de no negros que han sido condicionados a pensar que las personas de ascendencia africana son menos, sin su propia historia y con un futuro limitado. Escrito y dirigido por Beyoncé con varios colaboradores, "Black Is King" nos recuerda que las vidas de los negros no comenzaron encadenadas. Esos llegaron relativamente tarde, pero no pudieron borrar un pasado rico y complejo en la patria. "La historia es tu futuro", anuncia Beyoncé hacia el principio. "Un día te encontrarás de nuevo donde empezaste, pero más fuerte".

No hay una lección de historia tangible en "Black Is King", pero enfatiza el hecho posiblemente olvidado de que los negros en África estaban prosperando antes de que los blancos llegaran a sus costas. Entre los comentarios más atroces que Spencer hace en "Angry, White and American" está su afirmación de que los blancos han sido más importantes en la historia de la humanidad que los negros. Sin esto último, el mundo sería tal como es, insiste. En otras palabras, los negros no han aportado nada. Por ridículo que parezca, teniendo en cuenta la historia centrada en los blancos que se les enseña a los estadounidenses en la escuela, no es sorprendente que diga eso. Tal vez algunos jóvenes negros incluso estén de acuerdo. Pero más importante, "Black Is King" inspira a aprender sobre la historia de su raza y las formas en que ha dado forma al mundo.

Aunque arraigado en la ficción, "Black Is King" ofrece vislumbres de lo que ha sido la vida de los negros y de lo que puede ser, a través de la infancia y la edad adulta de un miembro de la realeza africana, a través de una variedad de imágenes afroamericanas y una serie de atuendos impresionantes usados ​​por Beyoncé y su elenco de cientos de negros. Nos lleva a un viaje de recuerdo y reinvención. Es aspiracional y más. Se trata de la realeza que fueron los negros y la realeza que siguen siendo los negros, tanto en Estados Unidos como en África. Esta versión de Blackness, tiene poco que ver con el blanco, excepto en las cortinas que cubren los cuerpos de Black y la pintura manchada en la cara de Beyoncé durante "Nile".

"Black Is King" vuelve a imaginar "El Rey León" con humanos negros en lugar de animales. El tiempo de ejecución de 90 minutos alterna entre escenas del viaje de Simba desde la infancia hasta la edad adulta y videos estilizados de canciones de "The Lion King: The Gift". Es una mezcla de imágenes magníficas (a veces, se siente como una sincronización simpática entre "Tree of Life" de Terence Malick y "Black Panther" de Ryan Coogler), música mundial (dominada por artistas afroamericanos y africanos), fabulosas poses y poesía narrada por Beyoncé.

Como uno podría esperar de Beyoncé, presenta una versión genial y coreografiada de Blackness que el estadounidense negro promedio podría no reconocer, excepto por los videos musicales. Sin embargo, el negro es más que poses feroces y costosos trajes rojos y morados. Es crudo. Es real. Es la elocuencia y la inteligencia de la gente común. Y ahí radica la gran contradicción de ser Beyoncé. Claramente siente el dolor de la gente negra todos los días, pero también muestra la reinvindicación y fortaleza de ellos. 

Funciona porque es más que solo un show de Beyoncé. Sí, con frecuencia es el centro del escenario, y está cargada de cameos de celebridades, pero ninguno se siente gratuito. Su esposo Jay-Z, su hija Blue Ivy y su madre Tina Knowles hacen apariciones, al igual que Pharrell Williams y artistas africanos como Yemi Alade, Lord Afrixana y Shatta Wale, pero cuando la supermodelo Naomi Campbell, la ganadora del Oscar Lupita Nyong'o, y la ex Destiny's Child, Kelly Rowland, aparecen durante "Brown Skin Girl", un homenaje a las mujeres negras, se siente trascendental y emocional. Esa canción es uno de varios interludios en "Black Is King" que ponen a los géneros en pie de igualdad.

Esta película musical sobresale como una celebración de la negrura en sus muchas formas: mujeres negras, hombres negros, niños negros, maternidad negra, paternidad negra, pasados ​​negros, regalos negros y futuros negros. Hay varias referencias bíblicas, una secuencia se basa en gran medida en la vida temprana de Moisés, pero uno de los aspectos más sorprendentes es el tono casi desafiante y secular de todo el discurso narrativo. Es como si Beyoncé tomara la fe que tantos afroamericanos han depositado en Dios y les exhortó a invertir también en ellos mismos.

"Black Is King" nos muestra que la vida renovada, como las muertes, puede venir en tres. Nos da fe de que para Beyoncé, para los afroamericanos y para los africanos negros, lo mejor está por venir.

Crítica Cinéfila: The Rental

Dos parejas alquilan una casa de vacaciones para lo que debería ser una escapada de fin de semana.

Cualquiera que haya alquilado una casa o se haya inscrito en alojamientos de Airbnb en un rincón remoto del mundo puede haber sentido la incertidumbre o preguntarse: ¿qué pasa si todo es demasiado bueno para ser verdad? ¿Qué pasa si el dueño real no ha dejado la propiedad y todavía está muy cerca, espiándome? The Rental se encuentra con un miedo reconocible, pero no trata a los visitantes con una experiencia inolvidable. Sin embargo, el debut como director de Dave Franco acumula una serie de oportunidades desperdiciadas y se aburre en áreas poco convencionales.

Hay que iniciar diciendo que The Rental tiene una premisa familiar. Dos parejas que necesitan una escapada fijan su vista en una impresionante villa junto al mar. La casa de lujo al borde de un acantilado es tan soñadora como se anuncia, pero el hombre casualmente racista que maneja las reservaciones para la casa de su hermano es irritante para Mina (Sheila Vand), su novio Josh (Jeremy Allen White), Michelle (Alison Brie) y Charlie (Dan Stevens) intentan difundir el amargo comienzo, pero está claro que nadie dejará sus problemas atrás en el corto plazo.

Por el contrario, el debut de Franco agria gradualmente los planes de vacaciones de todos al presionar las pequeñas fracturas de ambas relaciones. Mina y Charlie son compañeros de trabajo cercanos y Josh y Michelle no están tan bien como hacen creer a sus compañeros. Una fiesta y un poco de éxtasis contribuyen en gran medida a la escalada de situaciones, y una vez que Mina y Charlie descubren que la privacidad no existe en esta propiedad de lujo, su atención pronto cambia a mantener su momento secreto en secreto. Es más fácil decirlo que hacerlo, ya que un quinto ser invisible parece interesado en enfrentarse a las parejas.

The Rental es una película desigual con una primera mitad defectuosa pero más ambiciosa. Comienza de manera plausible e intenta montar una tensión interpersonal impulsada por los personajes antes de forzar la credibilidad y quedarse atascado en neutral. La película no se burla de la estupidez de sus personajes y se ríe de la gente común que descubre que deshacerse de un cuerpo no es tan sencillo como las películas nos han hecho creer. Desafortunadamente, después de los 50 minutos, esta comedia oscura inesperada solo socava aún más los intentos de generar suspenso.

En ningún momento el espectador tiene la impresión de que una soga se está apretando alrededor del cuello de estos personajes o simplemente no nos importa mucho dado que todo se acumula demasiado lánguidamente y los personajes son demasiado insignificantes. El elenco hace todo lo posible para trabajar con material que está en su mayoría por debajo de sus talentos, pero no compensa la falta de sentido de la película y los problemas relacionados con el guión. Al final del viaje, The Rental ha llenado su tiempo de ejecución con conversaciones sin sentido, sin decir nada perspicaz sobre la dinámica de las relaciones, el espionaje descarado o el racismo. Habiendo fallado en generar tensión, el último tercio se conforma con emociones de memoria mientras la película se convierte perezosamente en un cúmulo de ataques por un destructor de invasiones de casas de renta. 

En lugar de optar por la salida fácil, The Rental podría haber dejado que sus personajes vivan con el conocimiento de que su encubrimiento ha sido filmado y un tercer desconocido podría, en cualquier momento dado, lanzar el metraje para arruinar sus vidas. Podría haber hecho que los personajes vivan con el peso de su decisión. Al tratar de tenerlo en ambos sentidos, al ser una película en la que las parejas son manipuladas por un vigilante que luego aparece en un tercer acto como un villano slasher, la película se presenta como un esfuerzo a mitad que necesita una reescritura o dos.