Crítica Cinéfila: Ammonite

En la conservadora sociedad británica del siglo XIX, la aclamada pero desconocida buscadora de fósiles Mary Anning trabaja sola en el sur del país. Cuando toda su fama ya ha pasado, se dedica a vender fósiles a los turistas para salir adelante, hasta que un visitante rico quiere que Mary cuide a su mujer. La relación entre ambas se irá desarrollando y tomará un camino inesperado. 

Primero conocemos el trabajo de la paleontóloga Mary Anning, un fósil gigante empujado a un museo, empujado bruscamente y entregado a un lugar de honor entre un grupo de hombres blancos charlatanes. Es un comienzo apropiado para "Ammonite", una película sobre el tipo de personas que se pasan la vida buscando fósiles con nervaduras y espirales gigantes de los moluscos submarinos extintos y el tipo de personas atrapadas en conchas de su propia fabricación. En "Ammonite" de Francis Lee, esas personas son una y la misma, Mary (Kate Winslet) y su nueva amiga Charlotte Murchison (Saoirse Ronan). El resultado es un romance frío y distante entre las dos mujeres que nunca se enciende, una película sobre personas contenidas que resultan impenetrables.

Ofrece un comienzo fuerte, ya que Lee presenta observaciones clave sobre sus dos pistas y la ciudad de Lyme Regis en la costa del Canal de la Mancha, un lugar desolado donde pasarán la mayor parte del tiempo juntas. Estos primeros indicadores tendrán que trasladar la película y sus personajes a lo largo de sus casi dos horas de duración, que se van alejando cada vez más. La cinematografía de Stéphane Fontaine, toda sombras oscuras y vistas brumosas del océano se hace eco de esa frialdad, aunque la única escena que tiene lugar a plena luz del sol insinúa una película más vibrante debajo. Tiene el efecto de aspirar a un soplo de aire fresco, e incluso a actores más vivos dentro de él. 

Durante su primer encuentro con la solitaria y mordaz Mary, Charlotte se mantiene mayoritariamente fuera del marco. Atrapada en un matrimonio aparentemente frío y sufriendo de una "leve melancolía" que parece haber golpeado después de una tragedia muy real; es una persona muda que aún no puede ocultar su curiosidad latente por el mundo que la rodea. Abandonada por su esposo cazador de fósiles, un gran creyente en el poder del baño en el mar y los paseos, ambos fáciles de conseguir en Lyme, también se espera que Charlotte se una a las misiones de búsqueda de fósiles de Mary, y eventualmente se entusiasme con ambos: el pasatiempo de los fósiles y su anfitriona sangría.

Los vínculos que estas dos pueden llegar a tener pueden ser difícil de comprender, pero Lee y sus estrellas ocasionalmente se posan en pequeños momentos cruciales que casi explican su creciente atracción. Cuando Mary le pregunta a Charlotte su opinión (probablemente una rara ocasión con su fanfarrón esposo), Charlotte brilla de placer. En otra escena, una mirada de Mary ve a Charlotte pasar de una risa fuerte a sollozos grandes y agitados. Sin embargo, esos momentos escasean y se desvanecen demasiado pronto.

Finalmente, unidas por una combinación nebulosa de casualidad, respeto y posiblemente aburrimiento, Mary y Charlotte se lanzan a un romance secreto. A pesar de que Winslet y Ronan se deslizan en sus personajes con entusiasmo, el guión de Lee los decepciona. El guión está plagado de clichés, desde el escenario de la habitación que refuerza muchas novelas románticas, hasta la entrega de detalles importantes de los personajes a través de conversaciones febriles y miradas fortuitas que aterrizan en los personajes durante la revelación. Estos estereotipos son comunes a las historias heterosexuales y utilizarlos en un romance lésbico podría ser refrescante a su manera, pero “Ammonite” no los usa para nada nuevo; es solo otra forma de forzar una historia delgada.

Inevitablemente, "Ammonite" se comparará con otro lanzamiento reciente de Neon: el delicioso "A Portrait of a Lady on Fire" de Celine Sciamma. Las películas comparten rasgos materiales; ambas son piezas ambientadas en una época que toman lugar en playas azotadas por el viento y residencias extrañamente vacías, y siguen a un par de posibles amantes inesperadas unidas por el deseo de las personas que controlan sus vidas. En el contenido emocional, sin embargo, sus diferencias cobran gran importancia. Si bien la película de Sciamma estaba igualmente preocupada por la vida interior de sus personajes (y no solo su pareja central, sino otras mujeres importantes a su alrededor), después de su primer acto, “Ammonite” no puede despertar tal interés. Esto nunca podrá aspirar o acercarse a lo que logró la película de Sciamma.

Eso se extiende a la gran escena de amor de la película, una secuencia deliberadamente desconectada que se desarrolla durante las horas más desesperadas de Mary y Charlotte juntas. Según los informes, las actrices ayudaron a coreografiar la escena, y aunque ve a las estrellas moverse y tocarse de maneras creíbles (y ciertamente no "sexy"), todavía está poseída por sensibilidades más preparadas para las películas. Para decirlo de una manera menos decorosa: es lamentable que, incluso con las mujeres que toman las decisiones, "Ammonite" todavía parece feliz de ofrecer ideales de mirada masculina sobre la rapidez con que un acto sexual puede llevar a una mujer a las alturas del placer. Incluso en su escena más íntima, Mary y Charlotte y su amor se mantienen alejados.

En otros lugares, la moderación de Lee tiene más éxito. La película nunca ofrece tópicos obvios sobre lo difícil que era ser una mujer del siglo XIX que amaba a otras mujeres, y cómo cualquier sueño de una vida feliz juntos es casi imposible. Aunque la madre de Mary ocasionalmente les lanza miradas mordaces, la película no tiene la amenaza de ser descubierta. Está claro que este romance no es para los ojos del público y Lee confía en que su audiencia lo entenderá con un mínimo de información.

El reparto secundario de la película no recibe el mismo beneficio. Gemma Jones aparece como la madre de Mary, Molly; mientras que Alec Secareanu aparece como un médico recién llegado que le da un brillo a una Mary muy desinteresada. La majestuosa Fiona Shaw y un James McArdle apropiadamente descarado se hacen un poco mejor como la ex amante de Mary y el marido insensible de Charlotte. 

A pesar de todas sus ideas románticas y sus trágicos fundamentos, “Ammonite” solo inspira el deseo de saber más sobre la verdadera Mary Anning y su trabajo real. Un concepto similar se arraiga en los momentos finales de la película cuando Mary y Charlotte lidian con la sensación de que ninguna de las dos realmente se conoce. Incluso Charlotte no puede comprender el trabajo de Mary, y el dolor que conlleva la falta de reconocimiento del mundo en general. Amar a alguien no garantiza que siempre puedas entenderlo; Lee y sus estrellas pueden amar a estos personajes, pero nunca los entienden. Y nosotros tampoco.

Crítica Cinéfila: Soul

¿Alguna vez te has preguntado de dónde provienen tu pasión, tus sueños y tus intereses? ¿Qué es lo que te hace ser... tú? Pixar te lleva en un viaje desde las calles de Nueva York a los reinos cósmicos para descubrir las respuestas a las preguntas más importantes de la vida.

Pixar nunca ha rehuido los temas filosóficos... pero con Soul, el estudio se familiariza con algunos temas realmente importantes, con un efecto sorprendente. ¿Cuál es el propósito de la vida? ¿Es una pasión lo mismo que una vocación? ¿Y qué hace que una existencia humana sea significativa? Oportunamente, dado que la fuerza vital de la película es el jazz, hay una inventiva de enfoque libre que baila en torno al hecho de que la historia se desarrolla, al menos parcialmente, en un tono menor pensativo. Visualmente gloriosa, con frecuencia muy divertida y genuinamente profunda, esta es una película que clama por ser vista en la pantalla grande. Pero saben qué: no importa. Comoquiera funciona.

Con sus temas de aspiración musical y mortalidad, Soul tiene un parentesco con la producción de Pixar de 2017, Coco; en otros lugares hay una superposición narrativa con imágenes como Here Comes Mister Jordan y Heaven Can Wait. Pero lo más cercano en términos de construcción de mundos y fascinación por el funcionamiento de la mente humana es la película anterior del director Pete Docter, Inside Out. Aquí, Docter comparte las funciones de dirección y escritura con Kemp Powers, el guionista detrás de One Night In Miami de Regina King.

El protagonista es Joe (Jamie Foxx), el primer personaje central afroamericano de Pixar, un maestro escolar de música de mediana edad que, en un cruel giro del destino, pierde fatalmente el equilibrio en el mismo momento en que parecía que su vida estaba a punto de tornarse más interesante. Joe tiene la oportunidad de hacer realidad la ambición de su vida y tocar en el club de jazz Half Note de Manhattan junto a una de las grandes, la saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett). Ciertamente, no está listo para morir.

En su búsqueda por sacar su alma del "Great Beyond" y reunirla con su cuerpo en la Tierra, Joe se encuentra arrojado junto con el malcriado 22 (Tina Fey), un alma aún por nacer que ya está harta de la vida. Un residente permanente de “The Great Before” - el mundo de nubes abstracto donde las pizarras en blanco de almas no nacidas puras e inmaculadas obtienen sus personalidades esbozadas - 22 ha puesto a prueba la paciencia de cientos de mentores, entre ellos la Madre Teresa, Muhammad Ali y Galileo. Con la voz de una mujer blanca de 40 y tantos años, elegida arbitrariamente por el porque parecía molestar a la gente, 22 no está tan en la idea de nacer.

Todo eso cambia cuando, debido a la interferencia psíquica por parte de una alma perdida que viaja astralmente expresada por Graham Norton, 22 llega a ver el mundo de primera mano, a través de los ojos de Joe, o al menos de los ojos del cuerpo de Joe. Mientras tanto, el alma de Joe está atrapada en un corpulento gato de terapia de hospital llamado Mister Mittens.

Al igual que con Inside Out, la historia se desarrolla en dos mundos distintos. El "Great Beyond" es una (des)realidad elástica que no está sujeta a las leyes de la física o, por lo tanto, a la razón. Pero es en las bulliciosas calles de Nueva York donde la película encuentra su núcleo de magia y su enfoque, a través de momentos trascendentales y edificantes que podrían ser desencadenados por cualquier cosa, desde un piano de jazz hasta una semilla de sicomoroo una porción de pizza realmente grandiosa. Los realizadores citan los dibujos del dibujante Ronald Searle y la animación de Disney de 1961 101 Dalmatians como referencias visuales, pero también hay un guiño a la sorprendente calidad gráfica de las portadas de álbums de Blue Note y el beat art de los años 50.

Los dos mundos también se definen por su música. Trent Reznor y Atticus Ross proporcionan una musicalización fluida y descabellada para el Great Beyond. Pero es el músico de jazz John Batiste quien captura la personalidad de Joe y le da a la película su ritmo interior. La animación y el jazz siempre han tenido una relación simbiótica: la poesía rítmica del piano de Joe suenan como las relaciones descarriadas de la partitura de Vince Guaraldi para A Charlie Brown Christmas. Y aunque esta imagen podría inclinarse hacia una audiencia un poco mayor que la demográfica habitual de Pixar, se podría crear una generación completamente nueva de fanáticos del jazz junior como resultado del verdadero don de Joe, no solo en tocar la música, sino también en su contagiosa pasión por ella.

Crítica Cinéfila: Druk (Another Round)

Cuatro profesores de secundaria consumen alcohol a diario para ver cómo afecta su vida social y profesional. 

Ocho años después de hacer juntos The Hunt, Mads Mikkelsen y el guionista y director Thomas Vinterberg se han reunido para Another Round, una tragicomedia de la crisis de la mediana edad y el abuso del alcohol. Desde su colaboración anterior, tanto el director como la estrella han trabajado principalmente en largometrajes internacionales más importantes, pero están de vuelta en un cómodo terreno con una producción danés modestamente escalada llena de rostros familiares. Mikkelsen interpreta a un profesor de historia de secundaria que espera revitalizar su aburrido trabajo y su matrimonio al permanecer borracho en secreto todo el día, un experimento arriesgado que lo deja conmocionado y conmovido.

Another Round es más ligera y más convencional que la mayoría de los trabajos anteriores de Vinterberg, evitando los sombríos comentarios sociales que subrayaron películas como The Celebration, Kursk y The Hunt. Aun así, se convierte en una atractiva pieza de conjunto en general, así como un gran vehículo para los ágiles movimientos de baile de Mikkelsen. Para cualquiera que alguna vez haya anhelado ver a este exgimnasta haciendo su mejor imitación de Gene Kelly, la película de sus sueños finalmente ha llegado.

La vida parece haber perdido su brillo para Martin (Mikkelsen) y sus compañeros de trabajo Tommy (el veterano de Vinterberg Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang). En la superficie, estos viejos compañeros de bebida parecen estar viviendo una versión del Sueño Danés con sus trabajos respetables, familias aparentemente felices y hogares cómodos en hermosos suburbios costeros. Pero los cuatro también están insatisfechos interiormente, especialmente Martin, cuya actitud cada vez más indiferente lo ha convertido en una broma para sus alumnos, invisible para sus propios hijos y extraño para su esposa, Trine (Maria Bonnevie).

Buscando salir de su vida con silenciosa desesperación, Martin comienza a beber nuevamente en una bulliciosa cena de cumpleaños con sus tres amigos. Después de confesar sus frustraciones compartidas de la mediana edad, el grupo acuerda un audaz plan secreto inspirado en la controvertida teoría del psicólogo noruego Finn Skarderud de que la mayoría de las personas viven con muy poco alcohol en la sangre. Citando ejemplos históricos de borrachos de alto rendimiento, desde Winston Churchill hasta Ernest Hemingway, los cuatro hacen un pacto para permanecer ligeramente borrachos todo el día, tanto en el trabajo como en casa, monitoreando y registrando los efectos.

Inicialmente, este juego de beber extremo tiene un efecto positivo. Al inyectar una nueva energía alegre en el aula, los cuatro maestros logran impulsar a sus estudiantes con más confianza y entusiasmo de lo habitual, disfrutando de la gloria reflejada como una especie de Sociedad de Poetas Borrachos. Martin parece especialmente transformado, reviviendo temporalmente su matrimonio dormido y su vida sexual estancada. Pero, por supuesto, como era de esperar, toda esta intoxicación tiene un precio elevado. El camino del exceso no conduce aquí al palacio de la sabiduría, sino a revelaciones dolorosas, matrimonios rotos, carreras arruinadas, adicciones en espiral y cosas peores.

Vinterberg y su coguionista habitual Tobias Lindholm originalmente concibieron Another Round como una "celebración" del alcohol. Inevitablemente, durante el proceso de escritura, llegaron a una imagen más matizada, con el exceso de alcohol representado como una fuerza liberadora y destructiva. Si bien esta es posiblemente la decisión más dramáticamente necesaria y realista, también se siente como la opción más segura. Un director más audaz, como el viejo amigo y colaborador de Vinterberg, Lars von Trier, podría haber disfrutado explorando más a fondo la premisa subversiva de que el alcohol hace que todo sea mejor en lugar de rendirse tan pronto a la moralización preventiva.

Aun así, Another Round logra capturar algo de la euforia alegre y anárquica de estar alegremente borracho en compañía de buenos amigos. Con este espíritu, Vinterberg y su directora de fotografía Sturla Brandth Grovlen llenan el lienzo con colores brillantes de verano, destellos de lente difusos y trabajos de cámara giratorios en mano. El uso lúdico del texto en pantalla y los montajes de archivo de líderes mundiales borrachos refuerza este tono generalmente ligero e irreverente. Incluso el giro de la trama más oscuro de la película, que involucra una muerte y un funeral, se transmite con estilo en un montaje conciso de tomas sin palabras. Las canciones patrióticas interpretadas por el elenco de apoyo juvenil también sirven como motivo recurrente y edificante. 

En última instancia, Another Round tiene poco que decir sobre la intoxicación y la adicción, pero es un tributo atractivo a la amistad, la familia y el hedonismo bacanal con moderación, que por cierto Skarderud luego repudió sus controvertidas afirmaciones sobre los niveles de alcohol en sangre, insistiendo en que habían sido sacadas de contexto. 

Cinéfila recomienda: Mis 20 películas favoritas del 2020

El año más atípico de mi vida tuvo sus favoritas de las cuales estaré muy agradecida. En medio de pandemia, crisis financiera, caída de producciones, cierre masivo de cines, desconfianza de las masas y ausencia del sabor tradicional de las palomitas, estas películas hicieron de mi 2020 un año menos pesado de lo que pudo haber sido. 

Sé que me faltan muchas que seguro hubiesen entrado a esta lista pero que aún no las he visto (como The Father, Promising Young Woman, Nomadland), pero aquí les comparto mis 20 favoritas del 2020 hasta ahora:

Nota: el orden de estas películas no es de preferencia ni de estreno. Es en realidad el orden en que me fui recordando para hacer este listado.

1. Never Rarely Sometimes Always

Enfrentados a un embarazo no planeado y la falta de apoyo local, Autumn y su prima, Skylar, viajan a través de las fronteras estatales a la ciudad de Nueva York en un viaje lleno de amistad, valentía y compasión.

2. The Trial of Chicago 7

La película se basa en el infame juicio de 1969 de siete acusados ​​acusados ​​por el gobierno federal de conspiración y más, como resultado de las protestas contraculturales en Chicago en la Convención Nacional Demócrata de 1968. El juicio paralizó a la nación y provocó una conversación sobre el caos destinado a socavar al gobierno de Estados Unidos.

3. Emma.

Siguiendo las payasadas de una mujer joven, Emma Woodhouse, que vive en la Inglaterra de la era georgiana y de la Regencia y se dedica a buscar parejas, de una manera a veces equivocada, a menudo entrometida, en la vida de sus amigos y familiares.

4. His House

Una pareja de refugiados huye atrozmente de Sudán del Sur devastado por la guerra, pero luego luchan por adaptarse a su nueva vida en una ciudad inglesa que tiene un mal al acecho bajo la superficie.

5. Shirley

Una famosa escritora de terror encuentra inspiración para su próximo libro después de que ella y su esposo acogen a una joven pareja.

6. Mank

Hollywood de los años 30 es reevaluado a través de los ojos del mordaz ingenio y guionista alcohólico Herman J. Mankiewicz mientras se apresura a terminar "Citizen Kane".

7. An Easy Girl

La vida de una niña se pone patas arriba cuando su seductora prima mayor se une a ella durante el verano.

8. Another Round

Cuatro profesores de secundaria consumen alcohol a diario para ver cómo afecta su vida social y profesional.

9. The Invisible Man

Después de organizar su propio suicidio, un científico enloquecido usa su poder para volverse invisible para acechar y aterrorizar a su exnovia. Cuando la policía se niega a creer su historia, decide tomar el asunto en sus propias manos y contraatacar.

10. The Vast of Night

En la década de 1950, dos niños buscan la fuente de una frecuencia misteriosa que ha llegado a su ciudad.

11. The Assistant

Jane, una recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine, acaba de conseguir el trabajo de sus sueños como asistente junior de un poderoso magnate del entretenimiento. Su día es muy parecido al de cualquier otro asistente: preparar café, pedir el almuerzo, organizar viajes y recibir mensajes telefónicos. Pero a medida que Jane sigue su rutina diaria, se vuelve cada vez más consciente del abuso que colorea insidiosamente todos los aspectos de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las que decide tomar una posición.

12. First Cow

Dos viajeros, que huyen de una banda de cazadores vengativos en el noroeste de la década de 1820, sueñan con hacerse ricos, pero su tenue plan de hacer fortuna en la frontera depende del uso secreto de la preciada vaca lechera de un terrateniente.

13. Soul

Joe es un profesor de banda en la escuela secundaria cuya vida no ha salido como esperaba. Su verdadera pasión es el jazz, y es bueno. Pero cuando viaja a otro reino para ayudar a alguien a encontrar su pasión, pronto descubre lo que significa tener alma.

14. WolfWalkers

En una época de superstición y magia, cuando los lobos son vistos como demoníacos y la naturaleza como un mal que hay que domar, una joven aprendiz de cazadora, Robyn, llega a Irlanda con su padre para acabar con la última manada. Pero cuando Robyn salva a una salvaje nativa, Mebh, su amistad la lleva a descubrir el mundo de los Wolfwalers y a transformarla en lo que su padre tiene la tarea de destruir.

15. Papi

Sonia, una niña de nueve años espera a su padre, un mafioso dominicano que le ha prometido llevarla a la playa. Papi la deja esperando, porque el tráfico de carros, dólares, mercancías y novias entre el Miami y el Santo Domingo de los años 80 lo mantienen muy ocupado. La niña sufre el paso de las horas de ese sábado sin fin, al cuidado de su madre deprimida. En los juegos y recuerdos con los que mata el tiempo crea un mundo fantástico de criaturas siniestras y túneles ocultos en el que ella y Papi se enfrentan a socios, familiares, novias y espectros. La pequeña delirante sobrelleva el abandono y la angustia, aferrada a la memoria de su héroe que aparece pero nunca llega.

16. Kajillionaire

Dos estafadores han pasado 26 años entrenando a su única hija para estafar, estafar y robar en todo momento. Durante un atraco desesperado y apresuradamente concebido, encantan a un extraño para que se una a ellos, solo para que todo su mundo se ponga patas arriba.

17. She Dies Tomorrow

La convicción de una mujer de que mañana morirá se esparce como un contagio por un pueblo.

18. Ema

Una pareja se enfrenta a las secuelas de una adopción que sale mal cuando su hogar se desmorona.

19. Horse Girl

Los sueños surrealistas de una mujer afectan su percepción de la realidad.

20. I'm Thinking of Ending Things

Llena de recelos, una joven viaja con su nuevo novio a la apartada granja de sus padres.

Crítica Cinéfila: Big Mouth, 4ta temporada

Nick Kroll y Andrew Goldberg, amigos íntimos en la vida real, exploran las aventuras de los adolescentes durante la pubertad en esta serie cómica de dibujos animados.

Todo el mundo pasó por los mismos sentimientos mientras estaba en la escuela secundaria: crecer es y siempre será la parte más difícil de la vida. Durante las últimas tres temporadas, Big Mouth ha relatado con detalles profundamente inquietantes todas las formas en que esa declaración es físicamente cierta, desde preadolescentes obsesionados con la masturbación y niños que lloran el vello púbico ausente, hasta coquetear con un pariente y preocuparse por los períodos. Pero la temporada 4 es la primera vez que la serie se compromete a relatar la verdad interna detrás de esa famosa frase. Crecer es difícil; tanto físicamente, como emocional y mentalmente.

Siempre que Big Mouth ha encarnado luchas de salud mental, ha estado en su mejor momento. David Thewlis embrujó la temporada 2 como el mago de la vergüenza, un ser que toma cualquier acción desagradable y la magnifica para que sea lo más devastadora internamente posible. Jean Smart hizo lo mismo en la temporada 3 con su Depression Kitty, un gato gigante que convenció a la inteligente y motivada Jessi (Jessi Klein) de que era más fácil rendirse que intentarlo. Estos momentos fueron tan perspicaces y dolorosamente divertidos como Big Mouth sabe hacerlo, equilibrando brillantemente la verdad tácita de cuán poderosas son estas emociones con sus tontas contrapartes de dibujos animados. Pero a pesar de lo excelentes que eran, a menudo eran pocos y distantes entre sí.

En ese frente, la temporada 4 cambia completamente el guión. Las bromas sobre la masturbación, el punto G y el monstruo hormonal todavía están ahí, y todavía son obscenas, pero por una vez es la salud mental de estos jóvenes lo que ocupa un lugar central. Lo que es especialmente impresionante es que la lucha interna de cada niño es drásticamente diferente a la del otro.

Mientras Jessi tiene que lidiar con las consecuencias del divorcio de sus padres y mudarse a una escuela académicamente desafiante, la siguen Depression Kitty y Tito the Anxiety Mosquito (Maria Bamford), un dúo letal que la convencen de dudar de sí misma. Para Andrew (John Mulaney), sus problemas de salud mental se convierten en una sensación amplificada de pavor de morir en cualquier momento, un miedo que le inculcan sus padres constantemente ansiosos. Matthew (Andrew Rannells) lucha contra el miedo de que si sale del armario le costará su familia. Y Nick (Nick Kroll) toma la opción más nuclear de todos. A medida que los pensamientos oscuros giran en su cabeza, elige cerrarse por completo.

La parte más interesante de estas respuestas variadas es que todas provienen aproximadamente de las mismas emociones desencadenantes. A medida que cada personaje es molestado por Tito y en menor grado por Depression Kitty y Shame Wizard, manejan sus bromas y dudas de sí mismos de formas drásticamente diferentes. Es raro ver la enfermedad mental representada de esta manera, como algo que nos afecta a todos pero que nos convence de que estamos solos. Eso es lo que hacen la depresión, la ansiedad y la vergüenza, nos dividen cruelmente. Es milagroso que cualquier programa, y ​​mucho menos uno animado que una vez ahogó a Florida en un sumidero, haya logrado capturar esta dualidad.

Tan inteligentes como son todos estos arcos, es la historia de Missy la que merece más elogios. La residente de Big Mouth se ha merecido durante mucho tiempo una historia más sustanciosa que sus sueños despiertos de Nathan Fillion, y en esta temporada finalmente obtiene una mientras explora su identidad racial. Mientras Missy aprende de sus primos lo que significa ser negro mientras sus padres le dicen que la raza no debería importar, ves a Missy literalmente destrozándose a sí misma durante toda la temporada. Es desgarrador ver sufrir a un personaje tan intrínsecamente encantador como Missy, especialmente de esta manera compleja y emocionalmente agotadora que no tiene una respuesta "correcta". Entonces, cuando Jenny Slate finalmente le entrega el papel a Ayo Edebiri en el penúltimo episodio, es un momento de alivio bien merecido.

Por supuesto, estamos hablando de Big Mouth. Todavía hay muchas bromas horribles que casi te hacen vomitar, como un pelotón de surfistas de tampones y el pene de un adolescente que tiene acento de Long Island por alguna razón. Pero esta vez los cambios por los que todo el mundo está pasando son un poco más abstractos, para mejor.

Crítica Cinéfila: The Prom

Un grupo de estrellas de teatro hilarantemente obsesionadas con sí mismas se adentra en un pequeño pueblo conservador de Indiana en apoyo de una chica de secundaria que quiere llevar a su novia al baile de graduación.

Meryl Streep está en un estilo interesante en The Prom como Dee Dee Allen, una diva del escenario ganadora de dos Tony Awards que debe olvidar años de ensimismamiento de celebridades y dar el paso desconocido de anteponer las necesidades de otras personas. Siempre que está en la pantalla central, esta adaptación de Netflix del desarmante musical de Broadway de 2018 brilla con un humor cursi. En otros lugares, el reparto estrellado y la mano dura del director Ryan Murphy le hacen pocos favores al material de peso pluma, con escenas dramáticas inertes y números musicales exagerados que contribuyen a la temática general. El valor más innegable de la película está en la representación que brinda a los adolescentes LGBTQ a través de un baile de la escuela secundaria que es el sueño arcoíris de todo niño queer emocionalmente aislado.

El musical presenta una partitura de Matthew Sklar y un guión coescrito por Bob Martin y Chad Beguelin, lleno de canciones que son pegadizas en el momento, incluso si rara vez permanecen mucho tiempo en la cabeza. La modesta producción de Broadway tuvo un atractivo considerable en su elenco de queridos veteranos del teatro de Nueva York que interpretan caricaturas de sí mismos mientras descienden a la pequeña ciudad de Indiana con un plan egoísta para rehabilitar su reputación poco comprensiva. Incluso si el lado sentimental era menos cautivador que la sátira, el mero hecho de ser un musical original en un panorama de películas readaptadaas y compilaciones de máquinas de discos, les valió mucha buena voluntad.

Al adaptar el musical a la pantalla, Martin y Beguelin rellenan los interludios entre las canciones de manera que desinflen el humor al tiempo que exponen la fragilidad del drama central. No ayuda que Murphy, cuyo credo puede que sea "cuanto más ocupado, mejor", tenga con frecuencia la cámara del director de fotografía Matthew Libatique girando a toda velocidad alrededor de los personajes sin ninguna razón discernible.

También ha habido un cambio en las actitudes nacionales que va en contra de la comedia. En 2018, todavía era posible reírse del enconado abismo entre los estados rojo y azul. Después de cuatro años de maquinaria de Trump que promueve el odio, a nadie le divierte. Eso hace que la controladora reina del PTA, la Sra. Greene (Kerry Washington) sea una furiosa colapsante, ya que decide cancelar el baile de graduación de la escuela secundaria en lugar de permitir que Emma (Jo Ellen Pellman) traiga una cita del mismo sexo. Cuando el director de la escuela progresista Tom Hawkins (Keegan-Michael Key) obtiene el respaldo de la oficina del Fiscal del Estado para realizar una fiesta de graduación inclusiva, la Sra. Greene usa medios más deshonestos para eludir ese mandato, infligiendo la máxima crueldad a Emma.

"Esto no es Estados Unidos, esto es Indiana", dice la cruzada conservadora moralista. "Se trata de que un gran gobierno nos quite la libertad de elección". Dado que las mujeres negras han sido la columna vertebral del Partido Demócrata durante generaciones, el papel de Washington, cuyo fuerte no es la comedia, es lo más asombroso de la película. Nuestra antipatía por el personaje está prácticamente sellada una vez que se revela desde el principio que la hija de la Sra. Greene, Alyssa (Ariana DeBose), es la novia secreta de Emma, ​​que planea salir del closet en el baile de graduación. De modo que el inevitable cambio de actitud de la Sra. Greene, cuando finalmente antepone sus sentimientos maternos a su política, juega como un final feliz mecánico más que como un desarrollo basado en el personaje.

El toque de Murphy es evidente desde el principio cuando W45th Street en el distrito de los teatros de Manhattan se convierte en un deslumbrante tumulto de letreros LED que ponen a Las Vegas a la sombra. Dee Dee y su coprotagonista Barry Glickman (James Corden) están celebrando la noche de apertura de su bio-musical ¡Eleanor Roosevelt, Eleanor! cuando una crítica fulminante en The New York Times convierte el afterparty en un velorio. Su publicista, Sheldon (Kevin Chamberlin), les informa que el crítico tiene un punto: "No es la obra. Son ustedes dos. Simplemente no son agradables. A nadie le gustan los narcisistas".

Dee Dee y Barry, que pensaron que tenían que idear una causa que les ayudara a reformar su imagen empañada, se pusieron de acuerdo con Trent (Andrew Rannells), un actor desempleado obligado a atender un bar, y Angie (Nicole Kidman). una bailarina de coro que ha estado esperando 20 años para continuar como Roxie en Chicago. Con la difícil situación de Emma en el baile de graduación en Twitter, abordan un autobús turístico Godspell no sindicalizado y se dirigen al estado de Indiana decididos a cambiar vidas.

El mejor número de la película encapsula el choque cultural de los condescendientes liberales de la Costa Este que emergen de su burbuja para iluminar los caminos ciegos de los pandilleros del corazón, mientras Dee Dee aplasta una acalorada reunión cantando "It's Not About Me". La broma es que, por supuesto, de eso se trata exactamente. El showtopper con temática de tango contiene algunas de las letras más divertidas de Beguelin, con Dee Dee ilustrando cómo la cosmovisión del teatro está completamente formada por su experiencia en el escenario. Streep es constantemente hilarante.

Las primeras chispas de un interés amoroso poco probable entre Dee Dee y el devoto fanático de Broadway, Tom, surgen en este punto, junto con la tímida inquietud de Emma por ser empujada a la primera línea del activismo LGBTQ. Pellman es encantadora en el papel, formando una pareja adorable con DeBose. Pero entre el diseñador de producción Jamie Walker McCall que bombardeó la escuela secundaria en brillantes tonos de colores dulces y Lou Eyrich que le dio a Emma una serie de opciones de estilo andrógino y moderno en la vestimenta, difícilmente parece una extraña. El personaje fue expulsado de su casa a los 16 años cuando se lo contó a sus padres, pero la incorporación de una abuela solidaria y de mente abierta (Mary Kay Place) contribuye a reducir las apuestas de que Emma encuentre su voz.

La trama está más o menos inactiva con una tensión mínima a través de la sección media distendida de la película. Además de que hay muchas subtramas que seguir, es difícil reconocer la verdadera trama principal. Barry y Angie se turnan para asesorar a Emma, ​​y ​​Trent hace alarde de sus credenciales de Juilliard con un horrendo himno de aceptación que se derrumba como un pedazo de plomo en un rally de camiones monstruo. También hay una pequeña fricción entre Dee Dee y Tom cuando descubre que la principal motivación de los oportunistas neoyorquinos era la publicidad.

Ver a estos actores ejercitar sus habilidades musicales brinda un disfrute esporádico, incluso si el elenco nunca es coherente como conjunto. Corden, cuyo rango limitado se vuelve más evidente con cada papel en la pantalla, se debate entre esforzarse demasiado y no lo suficiente como Barry. Quizás consciente del potencial para un actor heterosexual que interpreta un gay estereotipado en llamas, Corden canaliza los gestos sin la alegría. Es una actuación plana sin mucho corazón, incluso cuando aparece Tracey Ullman para reparar puentes como la madre separada de Barry. Y Corden es demasiado joven para ser contemporáneo de Dee Dee. Este es un papel que clama por Nathan Lane.

Rannells lo hace mejor a pesar de que su personaje desaparece durante gran parte de la acción. Él reaparece con "Love Thy Neighbor", uno de los dos números optimistas consecutivos en un centro comercial que parece más un centro comercial de una gran ciudad que parte de una ciudad de provincias donde Kmart es la mejor opción de moda. Key es simpático como siempre, en la medida en que lo permite jugar al hombre heterosexual literal. Y Kidman aporta una dulzura y un humor chiflado discreto a la corista que lucha por mantenerse en el juego y mantener su bebida diurna bajo control. Sin embargo, su gran canción, "Zazz", está diseñada para un motor más consumado de la escuela Fosse, algo que ningún efecto visual puede disfrazar.

Murphy está de regreso en el territorio de Glee aquí, para bien o para mal, lo que significa que los números a menudo se esfuerzan por la exuberancia: la coreografía del director de escena Casey Nicholaw se vuelve grande y atlética cada vez que surge la oportunidad, y las voces tienden a la uniformidad. Solo cerca del final, cuando Emma toma el control de su narrativa en la canción "Unruly Heart", a la que se le da un tratamiento relativamente íntimo si ignoras su cama levitando y girando, la sinceridad detrás del esfuerzo lo hace realmente conmovedor.

A diferencia de Everybody's Talking About Jamie, un éxito en el escenario de Londres con una trama similar que también se proyectó en la pantalla, los personajes jóvenes aquí juegan un papel secundario frente a los intrusos que buscan el centro de atención. En cualquier caso, hay algo que decir sobre el amplio alcance de una función de Netflix que defiende los derechos de los adolescentes LGBTQ, compartiendo un mensaje que es fácil de respaldar incluso si la entrega tiende a ser desagradable por largos momentos.

Crítica Cinéfila: Ma Rainey's Black Bottom

Cuando Ma Rainey, la "Reina del Blues", graba su nuevo disco en un estudio de Chicago en 1927, se disparan las tensiones entre ella, su agente, su productor y sus compañeros de banda.

En "Ma Rainey’s Black Bottom", las presentaciones son importantes. Ya sea que el público conozca o no la reputación de la verdadera Ma Rainey como "madre del blues", August Wilson asegura que esta pionera musical es un personaje más grande incluso antes de pisar el escenario. Y debido a que la adaptación del largometraje de Netflix marca el último papel de la estrella de "Black Panther" Chadwick Boseman en pantalla, las salidas también asumen una conmovedora conmoción. Pero comencemos por el principio.

Es el año 1927, y Ma Rainey (Viola Davis) ha sido contratada para grabar algunas de sus canciones más conocidas, todos éxitos en el circuito de espectáculos, en un estudio en el lado sur de Chicago. Dos hombres blancos, su manager Irvin (Jeremy Shamos) y el productor del álbum Sturdyvant (Jonny Coyne), se preocupan por si ella llegará a tiempo o no, lo que es suficiente para que los espectadores asuman que Ma Rainey es una especie de Diva. Su banda musical, que incluye a Levee (Chadwick Boseman), el famoso trompetista, llega mucho antes que Ma, ensayando abajo mientras esperan a que la jefa haga su gran entrada. Y ella lo hace.

En una desviación de la obra, el director George C. Wolfe (“Lackawanna Blues”) abre su película con una breve burla del atractivo de supernova de Ma Rainey, haciendo lo suyo en lo profundo del bosque para una audiencia negra rural. Ese vistazo nos da una sensación de la estrella en su elemento. Pero su primera escena propiamente dicha es la que escribió Wilson, y encuentra a la cantante rodeada de rostros blancos enojados: Ma Rainey le está gritando a un oficial de policía. Su chofer llegó tarde al estudio, provocando un accidente en el proceso, y ahora las autoridades amenazan con llevarla a la estación.

Davis, quien ganó un Oscar como la esposa de amor duro en “Fences” de Wilson, luce virtualmente irreconocible como Ma Rainey, con su maquillaje de ojos de panda manchado, su peluca cansada y su expresión desafiante. La actriz ha transformado su silueta, su postura y su actitud en algo desafiante, una reina madre ante la que otros deben humillarse. Eso es porque el mayor activo de Davis, una convicción en sí misma que es la columna vertebral y el alma de este personaje, brilla, dejando en claro que Ma Rainey no es una mujer a la que se pueda presionar.

Casi cada segundo de la actuación de Davis trata sobre el poder, quién tiene la ventaja sobre quién y lo que significa para una persona estar en una posición subordinada. La obediente adaptación de Rubén Santiago-Hudson explica algo de ese subtexto, pero la sensibilidad del público variará según su experiencia de vida.

La primera novela de Wilson, "Ma Rainey's Black Bottom" reformula la Era del Jazz desde un punto de vista afroamericano. Los personajes blancos son relativamente raros en el trabajo de Wilson, y aquí, Irvin, Sturdyvant y ese policía representan un sistema que explota la cultura negra. En el transcurso de un solo día sofocante en un estudio de grabación, somos testigos del triunfo y la derrota, animados por el blues, una forma de arte informada por la opresión, y ahora una de conexión. Pero Wilson no escribe obras de teatro alegres, y esta termina con una nota que suena como el suspiro cansado de un trombón triste.

“No les importo nada. Lo único que quieren es mi voz”, dice Ma Rainey a modo de explicación, después de negarse a cantar hasta que Irvin cumpla su promesa de entregar una botella fría de Coca-Cola. De repente, lo que hasta ahora parecía un comportamiento de diva adquiere una nueva perspectiva. Ma Rainey reconoce el poco respeto que se le otorga a una mujer abiertamente bisexual y sin complejos negros como ella en el Chicago de la década de 1920, y está aprovechando lo que tiene, su talento, para establecer los términos.

Pero Ma Rainey no es la única con talento. Levee ha escrito algunas canciones propias, siguiendo las indicaciones de Sturdyvant para adaptarse a sus clientes blancos. Para estos oídos, suenan como una mejora, pero el problema no es qué versiones son mejores. Los compañeros de banda de Levee, Culter (Colman Domingo), Toledo (Glynn Turman) y Slow Drag (Michael Potts), cuestionan lo que su afán por adaptarse a sus guardianes dice sobre sus valores.

Ma Rainey entiende que tan pronto como Sturdyvant tenga su récord, puede dejar la cortesía y eliminarla de la escena. Ella lucha por ser fiel a sus raíces, por dar voz a su gente (lo que hace literalmente al pedirle a su tartamudo sobrino que presente la canción principal), mientras que Levee no ve ningún problema en la asimilación. Pero si Wilson es crítico con este impulso, lo complica al mostrar que Levee no es un tipo tradicional: al principio, mientras el público todavía está tratando de descubrir su personaje, Levee describe un incidente que presenció a los 8 años que lo dejó marcado en todos los aspectos.

Wilson escribe personajes que se revelan a sí mismos en capas, y aunque la película le da a Levee una introducción cinematográfica propia, cada escena agrega complejidad. Boseman entra en la película, delgado e inquieto. La confianza y la compostura de los íconos que ha interpretado antes (Jackie Robinson, Thurgood Marshall, T'Challa) se han desvanecido en una especie de inseguridad nerviosa que nunca hemos visto en el actor. Levee tiene hambre de fama; tiene mucho que demostrar. Está ahí en la forma en que coquetea con todas las jóvenes bonitas, incluida la "chica de Ma", Dussie Mae (Taylour Paige), y está ahí en la forma en que gasta el salario de una semana en un par de zapatos nuevos.

Levee merodea por la habitación donde ensaya la banda, preocupada por una puerta pesada y oxidada en la pared trasera que se convierte en un símbolo claro de sus ambiciones: ¿es un atajo o un callejón sin salida? La historia de la música estadounidense moderna está pavimentada con la apropiación y el robo total de la cultura negra. Esa tradición continúa hoy, remontándose al menos hasta el momento que Wilson, inspirado por el blues, ha imaginado aquí.

El dramaturgo concibió a Levee como una figura trágica, lo cual lamentablemente se filtró en la vida real. Por muy poderosa que sea la actuación de Davis, esta es la película de Boseman: el nombre de Ma Rainey está ahí en el título, pero Levee está tratando de secuestrar su atención en todo momento, por lo que tiene sentido que nuestros ojos deban estar en él cuando comienza a estallar: una estrella colapsando, dejándolo todo en la pantalla. Qué suerte que el legado de Boseman incluya esta película, un homenaje al arte negro que es lo suficientemente duro como para afrontar los costos de su realización.

Crítica Cinéfila: Wonder Woman 1984

En 1984, durante la Guerra Fría, Diana entra en conflicto con dos enemigos formidables: el empresario de los medios Maxwell Lord y la amiga convertida en enemiga Barbara Minerva / Cheetah, mientras se reúne con su interés amoroso Steve Trevor.

Durante los últimos nueve meses, desde que una pandemia viral arrasó el planeta y forzó el cierre de la civilización tal como la conocemos, hemos estado leyendo sobre cómo esta o aquella película es "la película que necesitamos en este momento". Las películas no resuelven las crisis de salud global, pero pueden distraernos e inspirarnos. Pueden unirnos cuando estamos separados y curar las divisiones que definen nuestros tiempos.

Supongo que "Wonder Woman 1984" puede lograr algunas de esas cosas, pero sobre todo nos recuerda lo mal que podríamos usar un superpoder en este momento, como una fantasía para regresar el tiempo y arreglar la situación, y en ese sentido, es a la vez una distracción efervescente del arte pop y una gran decepción. Esta definitivamente no es la Wonder Woman del 2017.

Durante casi dos horas de su duración de 151 minutos, “Wonder Woman 1984” nos aleja por momentos de nuestras preocupaciones, borrándolas con puro escapismo. Para aquellos que tienen la edad suficiente para recordar los años 80, es como ir a casa por Navidad y descubrir una caja llena de juguetes de la infancia en el ático de tus padres. Así es como se sintió al ver "Superman" de Richard Donner por primera vez. Incluso si los años 80 te parecen tan distantes como el escenario de la Primera Guerra Mundial de la primera película de la heroína que hizo historia hace 3 años, la secuela ofrece un recorrido divertido a través de las décadas más vulgares, cuando las hombreras y el cabello con permanente estaban de moda. Sin embargo, e insisto, es incomparable a su primera entrada.

En la historia del origen, Gal Gadot interpreta a un pez fuera del agua, mientras la princesa/diosa amazona Diana Prince se ve empujada a la Europa devastada por la guerra, en 1918, haciendo todo lo posible para adaptarse a las convenciones de un patriarcado menos ilustrado, con la ayuda del piloto de estudios Steve Trevor (Chris Pine). Esta vez, es el turno de Steve de sentirse desincronizado con la sociedad, ya que Diana pide un deseo que resucita a su amor perdido. En el medio, Zack Snyder hizo una ruidosa película actual de "La Liga de la Justicia", pero Jenkins tenía un mejor manejo de lo que el público quiere de la divina Miss Diana. Hasta que hizo "Wonder Woman 1984".

Adoptando tanto su escenario icónico de Washington, DC, como el estilo de cómic ligeramente cursi de la época, Jenkins presenta escenas en las que Wonder Woman interviene en las crisis cotidianas, salvando a un corredor que usa Walkman de ser atropellado por un Pontiac Firebird o rescatando a dos niñas durante un atraco de joyas en un centro comercial. Ese robo resulta en la recuperación de Dreamstone, un antiguo artefacto citrino con poderes mágicos. La gema puede conceder el deseo de cualquiera que la toque. Pero también viene con una trampa: toma tanto como da. Los personajes se apresuran a hacer referencia a "The Monkey's Paw", el cuento clásico de WW Jacobs en el que los deseos tienen consecuencias, pero eso no es suficiente para explicar las complicadas reglas del tótem.

Después de tocar la piedra, Diana recupera a su novio, pero va a tener problemas. A menos que ella renuncie a él, el deseo eventualmente le costará a Wonder Woman sus poderes. Su torpe compañera de trabajo en el Museo Smithsonian, Barbara Minerva (Kristen Wiig), pide ser tan fuerte, sexy, genial y especial como Diana, pero pierde sus cualidades cariñosamente groseras, indeseables, pasadas de moda y sin complicaciones. Más tarde, Barbara tendrá un segundo deseo - convertirse en "un depredador ápice" - que transforma a Wiig en el Cheetah, una criatura que es menos Catwoman.

En los cómics, Cheetah casi siempre se dibuja como una mujer desnuda con manchas estratégicamente colocadas, un objeto fetiche fanboy. Wiig posee las versiones del antes y el después de Barbara, pero no esta versión final del personaje. Con su pelaje virtual y su físico decididamente más felino, esta guepardo no es ni feroz ni rival para Wonder Woman. Por otra parte, en el momento en que estos dos enemigos se enfrentan, la película hace tiempo que dejó de ser divertida. Esta secuela se sale de control una vez que los villanos obtienen todo su poder, pasando de una comedia atractiva basada en personajes a una superbatalla llena de CGI para concluir con un discurso que parece cambiar el mundo con tan solo ser pronunciado.

Jenkins es una cineasta de enorme talento a la que el estudio le dio una oportunidad, algo que rara vez se cuestiona cuando se le confiere a los hombres, y demuestra este don al nunca dejar que el espectáculo ahogue las actuaciones. A diferencia de muchos de los protagonistas de DC, la innegablemente e increíble Gadot hace que las cualidades de Wonder Woman parezcan identificables y, por lo tanto, dignas de aspirar a ellas. Por mucho que Wakanda represente una tierra libre de las restricciones de la supremacía blanca en "Black Panther", Diana Prince representa lo que cualquier mujer podría lograr, si se eleva fuera del patriarcado.

Oportunamente, la película comienza en la isla de Themyscira, donde la joven Diana compite junto a mujeres adultas (maravillosas) en un emocionante triatlón, un cruce mejor visto en la pantalla grande entre los Juegos del Hambre y un partido de Quidditch en el que la precoz Diana logra tomar la iniciativa. El mensaje aquí no es simplemente que las mujeres son iguales o mejores que sus contrapartes masculinas, sino que la sociedad también subestima a los niños. A partir de este prólogo empoderador, "Wonder Woman 1984" quiere que las niñas sepan que el cielo es el límite de sus habilidades, con una advertencia clave: "Ningún héroe verdadero nace de la mentira", explica la tía Antiope (Robin Wright).

Esa idea no está dirigida tanto a los niños como a las audiencias contemporáneas. La película tiene fuertes opiniones sobre los vendedores ambulantes y villanos claramente malvados. Su traficante de codicia al estilo de Gordon Gekko, Max Lord (interpretado por el chileno "Juego de Tronos" Pedro Pascal) insiste que es solo una personalidad de televisión respetada. Desde que “Joker” reformuló al empresario multimillonario (y padre de Batman) Thomas Wayne como un oportunista de mal gusto, este proyecto de DC hizo una referencia poco sutil a Donald Trump.

No olvidemos que el verdadero villano aquí, el supervillano invisible de la película, es el "Dios de las mentiras", cuya peligrosa Piedra de los sueños "concede deseos con un truco". Max Lord no es más que un instrumento de los esquemas de destrucción de civilización de la deidad tortuosa, en el que se convierte al asumir todo el poder de Dreamstone para conceder deseos y, presumiblemente, para tomar lo que quiera a cambio, aunque la película es tremendamente inconsistente y poco clara en cómo funciona eso. Jenkins, quien comparte el crédito del guión con Geoff Johns y Dave Callaham, probablemente debería haberse mantenido alejado de un dispositivo que pueda satisfacer los deseos más profundos de todos, o debió otorgarnos una verdadera confrontación con el Dios de las mentiras.

Los momentos más satisfactorios de la película tienen poco que ver con el conflicto central, que surge en cambio del descubrimiento y la implementación indirecta de los poderes de Diana. Los fanáticos de los cómics se han preguntado durante mucho tiempo: "Si Wonder Woman puede volar, ¿por qué necesita un jet invisible?" Jenkins pone fin a este debate a su manera, tomando una página de "Superman" de Donner mientras Steve y Wonder Woman comparten un paseo romántico desde un cielo iluminado por fuegos artificiales. Una hora después, la directora literalmente le da alas a su héroe: un cambio de armadura chapado en oro que se ve mejor en la campaña publicitaria que en la pantalla.

Muchos de los efectos y momentos narrativos son cursis. Algunos son francamente vergonzosos (como cuando Wonder Woman interrumpe una persecución en el desierto bien coreografiada para rescatar a dos niños en peligro). Y el gran final es un fracaso, ya que el villano secuestra la tecnología de transmisión global de un presidente al estilo Reagan para conceder los deseos de todos y Jenkins intenta exprimir esa idea en unos pocos minutos apresurados de tiempo en pantalla con un discurso sumamente estereotipado de ilusiones fantasiosas.

El género de superhéroes siempre se ha tratado de la realización de deseos, pero cuando llega el clímax y toda la población humana tiene la oportunidad de realizar sus fantasías, ya nada parece especial. A medida que los deseos se acumulan y el mundo cae en el caos, "Wonder Woman 1984" pierde el rumbo, y aunque el final no es lo suficientemente malo como para renunciar a la satisfacción de lo que vino antes, es suficiente para cambiar nuestro enfoque de nuevo a nuestro propio mundo real. Lo que necesitamos en este momento no lo puede proporcionar esta película, pero tal vez inspire a alguien a hacer otra versión.

Cinéfila recomienda: 21 películas para cuarentavidad

Ya llegó la época de la felicidad, las lucecitas navideñas y la familia quererse reunir para recordarnos a muchos que seguimos solteros. Sin embargo, este año es muy diferente para conveniencia de los solteros. Gracias a la llegada del COVID, es muy posible que la navidad esté cancelada de manera parcial.

Pero aunque mi lado Grinch se alegra, también sale mi lado más emocional. Así que les haré un regalo a todos lo que están quedados y solitarios en esta navidad: 21 películas navideñas (o con secuencias navideñas que me encantan) para matar el tiempo en esta cuarentavidad.

1. 12 Tiny Christmas Tales

Una abuela le cuenta a sus tres nietos cada vez más extrañas historias de Navidad.

🎄🍿 3.5/5

2. Meet Me in St. Louis

Esta comedia musical romántica clásica de MGM se centra en cuatro hermanas (una de las cuales es Judy Garland, sin igual) en la cúspide de la Feria Mundial de St. Louis de 1904. La película destaca la educación de las hermanas en los caminos del mundo, que incluye, entre otros, aprender sobre la vida y el amor, cortesía del prototipo del chico de al lado. Al final, el amor, acompañado de canciones, bailes y trajes de época, todo en glorioso Technicolor, lo conquista todo.

🎄🍿 4.5/5

3. Love Actually

Nueve historias entrelazadas examinan las complejidades de la única emoción que nos conecta a todos: el amor. Entre los personajes explorados están David (Hugh Grant), el apuesto primer ministro británico recién elegido que se enamora de una joven empleada junior (Martine McCutcheon), Sarah (Laura Linney), una diseñadora gráfica cuya devoción por su hermano enfermo mental complica su vida amorosa. y Harry (Alan Rickman), un hombre casado tentado por su atractiva nueva secretaria.

🎄🍿 3/5

4. Anna and the Apocalypse

Un apocalipsis zombi amenaza la tranquila ciudad de Little Haven, en Navidad, lo que obliga a Anna y a sus amigos a luchar, cortar y cantar para sobrevivir, enfrentándose a los no muertos en una carrera desesperada por llegar hasta sus seres queridos. Pero pronto descubren que nadie está a salvo en este nuevo mundo, y con la civilización desmoronándose a su alrededor, las únicas personas en las que realmente pueden confiar son los unos en los otros.

🎄🍿 4/5

5. Harry Potter and the Sorcerer's Stone

Harry Potter es un niño que se entera en su undécimo cumpleaños que es el hijo huérfano de dos poderosos magos y posee poderes mágicos únicos. Es convocado de su vida como un niño no deseado para convertirse en estudiante de Hogwarts, un internado inglés para magos. Allí, conoce a varios amigos que se convierten en sus aliados más cercanos y lo ayudan a descubrir la verdad sobre las misteriosas muertes de sus padres.

🎄🍿 4/5

6. A Christmas Carol

Aunque Londres espera la feliz llegada de la Navidad, el avaro Ebenezer Scrooge (Jim Carrey) cree que todo es una patraña y regaña a su fiel secretario y alegre sobrino por su opinión. Más tarde, Scrooge se encuentra con el fantasma de su difunto socio comercial, quien advierte que tres espíritus lo visitarán esta noche. Los fantasmas llevan a Scrooge a un viaje por su pasado, presente y futuro con la esperanza de transformar su amargura.

🎄🍿 4/5

7. Gremlins

Un vendedor de gadgets busca un regalo especial para su hijo y lo encuentra en una tienda de Chinatown. El comerciante se muestra reacio a venderle el 'mogwai', pero se lo vende con la advertencia de que nunca lo exponga a luz brillante, agua o que lo alimente después de la medianoche. Todo esto sucede y el resultado es una banda de gremlins que deciden destrozar la ciudad en Nochebuena.

🎄🍿 3/5

8. The Nightmare Before Christmas

La película sigue las desventuras de Jack Skellington, el amado rey de las calabazas de Halloweentown, que se ha aburrido con la misma rutina anual de asustar a la gente en el "mundo real". Cuando Jack se topa accidentalmente con Christmastown, todo de colores brillantes y espíritus cálidos, obtiene una nueva oportunidad de vida: planea poner la Navidad bajo su control secuestrando a Santa Claus y asumiendo el papel. Pero Jack pronto descubre que incluso los planes mejor trazados de ratones y hombres esqueléticos pueden salir mal.

🎄🍿 4.5/5

9. Little Women

En los años posteriores a la Guerra Civil, Jo March vive en Nueva York y se gana la vida como escritora, mientras que su hermana Amy estudia pintura en París. Amy tiene un encuentro casual con Theodore, un enamorado de la infancia que le propuso matrimonio a Jo pero finalmente fue rechazado. Su hermana mayor, Meg, está casada con un maestro de escuela, mientras que la tímida hermana Beth desarrolla una enfermedad devastadora que vuelve a unir a la familia.

🎄🍿 4/5⠀

10. Die Hard

El policía de la ciudad de Nueva York John McClane (Bruce Willis) está visitando a su ex esposa (Bonnie Bedelia) y a sus dos hijas en Nochebuena. Él se une a ella en una fiesta en la sede de la empresa japonesa para la que trabaja. Pero las festividades son interrumpidas por un grupo de terroristas que se apoderan del exclusivo rascacielos y de todos los que están en él. Muy pronto McClane se da cuenta de que nadie puede salvar a los rehenes, excepto él.

🎄🍿 4.5/5

11. Bridget Jones' Diary

Al comienzo del Año Nuevo, Bridget (Renée Zellweger), de 32 años, decide que es hora de tomar el control de su vida y comenzar a llevar un diario. Ahora, el libro más provocativo, erótico e histérico de su mesita de noche es el que está escribiendo. Con un gusto por la aventura y una opinión sobre todos los temas, desde el ejercicio hasta los hombres, la comida, el sexo y todo lo demás, está pasando página hacia una vida completamente nueva.

🎄🍿 4.5/5

12. Edward Scissorhands

Un científico (Vincent Price) construye un ser humano animado: el amable Edward (Johnny Depp). Sin embargo, el científico muere antes de que pueda terminar de ensamblar a Edward, dejando al joven con una apariencia extraña acentuada por las hojas de tijera que tiene en lugar de manos. La amorosa vendedora de los suburbios Peg (Dianne Wiest) descubre a Edward y lo lleva a casa, donde se enamora de la hija adolescente de Peg (Winona Ryder). Sin embargo, a pesar de su amabilidad y talento artístico, las manos de Edward lo convierten en un paria.

🎄🍿 5/5⠀

13. About a Boy

Una comedia dramática protagonizada por Hugh Grant como Will, un londinense rico, sin hijos e irresponsable de unos treinta años que, en busca de mujeres disponibles, inventa un hijo imaginario y comienza a asistir a reuniones de padres solteros. Como resultado de una de sus relaciones, conoce a Marcus, un extraño niño de 12 años con problemas en la escuela. Gradualmente, Will y Marcus se hacen amigos, y mientras Will le enseña a Marcus cómo ser un niño genial, Marcus ayuda a Will a crecer finalmente.

🎄🍿 4/5⠀

14. Carol

Therese Belivet (Rooney Mara) ve a la hermosa y elegante Carol (Cate Blanchett) examinando las exhibiciones de muñecas en una tienda departamental de Manhattan de la década de 1950. Las dos mujeres desarrollan un vínculo rápido que se convierte en un amor de complicadas consecuencias.

🎄🍿 4.5/5

15. The Polar Express

Cuando un joven que duda toma un extraordinario viaje en tren hacia el Polo Norte, se embarca en un viaje de autodescubrimiento que le muestra que la maravilla de la vida nunca se desvanece para quienes creen.

🎄🍿 4.5/5

16. Krampus

Si bien la temporada navideña representa la época más mágica del año, el antiguo folclore europeo advierte sobre Krampus, una bestia con cuernos que castiga a los niños traviesos en Navidad. Cuando las disputas familiares disfuncionales hacen que el joven Max (Emjay Anthony) pierda su espíritu festivo, desata la ira del temible demonio. Mientras Krampus asedia la casa de Engel, mamá (Toni Collette), papá (Adam Scott), hermana (Stefania LaVie Owen) y hermano deben unirse para salvarse mutuamente de un destino monstruoso.

🎄🍿 3.5/5

17. The Man Who Invented Christmas

En 1843 Londres, el autor Charles Dickens se encuentra en problemas financieros después de escribir tres novelas sin éxito seguidas. Desesperado por un éxito, Dickens confía en la inspiración de la vida real y su vívida imaginación para dar vida a Ebenezer Scrooge, Tiny Tim y otros personajes clásicos en "A Christmas Carol", cambiando para siempre la temporada navideña en la celebración conocida hoy.

🎄🍿 4/5

18. Last Christmas

Nada parece ir bien para la joven Kate, una londinense frustrada que trabaja como elfa en una tienda navideña abierta todo el año. Pero las cosas pronto mejoran cuando conoce a Tom, un atractivo encantador que parece demasiado bueno para ser verdad. A medida que la ciudad se transforma en la época más maravillosa del año, la creciente atracción de Tom y Kate se convierte en el mejor regalo de todos: un romance navideño.

🎄🍿 3.5/5

19. Home Alone

Cuando Kevin McCallister (Macaulay Culkin), un malcriado de 8 años, se porta mal la noche antes de un viaje familiar a París, su madre (Catherine O'Hara) lo hace dormir en el ático. Después de que los McCallisters se van por error al aeropuerto sin Kevin, él se despierta en una casa vacía y asume que su deseo de no tener familia se ha hecho realidad. Pero su emoción se agria cuando se da cuenta de que dos estafadores (Joe Pesci, Daniel Stern) planean robar la residencia McCallister y que solo él debe proteger la casa familiar.

🎄🍿 4/5

20. Klaus

Después de demostrar que es el peor cartero de la academia, un cartero es enviado a un pueblo frío en el norte, donde descubre que Santa Claus se esconde.

🎄🍿 5/5⠀

21. How the Grinch Stole Christmas 

El solitario Grinch verde (Jim Carrey) decide arruinar la Navidad para los alegres ciudadanos de Whoville. A regañadientes se le unió su desventurado perro, Max, el Grinch baja de su casa en la cima de la montaña y se cuela en la ciudad para borrar todo lo relacionado con las vacaciones de los Quién. Sin embargo, el amargado gruñón encuentra un problema en sus planes cuando se encuentra con la entrañable Cindy Lou Who (Taylor Momsen).

🎄🍿 5/5⠀

¿Cuántas ya han visto en esta temporada?

Crítica Cinéfila: Selena The Series, 1ra temporada

A medida que la cantante tex-mex Selena crece y cumple sus sueños, ella y su familia deben tomar decisiones difíciles para aferrarse al amor y vivir de la música.

Durante el primer episodio de "Selena : The Series" de Netflix, sobre la superestrella de la música tejana, el patriarca de la familia, Abraham Quintanilla Jr. (Ricardo Chavira), toca su guitarra mientras su hija de 8 años, Selena (Madison Taylor) canta la popular canción de la década de 1970 "Feelings" como lo haría cualquier niña con talento. "Las notas son buenas, simplemente no eres ...", dice su padre mientras explica que para ser un cantante convincente, uno debe aprovechar sus propias experiencias de vida. Su madre interviene que Selena es demasiado joven para entender lo que realmente significan letras como "tratar de olvidar sus sentimientos de amor por una persona".

Esas emociones genuinas necesarias para expresar lo que hay dentro del corazón de alguien pueden no haber existido en Selena cuando era niña, pero durante sus fugaces 23 años de vida, muchos de los cuales pasaron actuando en el centro del escenario y amados por innumerables fanáticos, su música provocó una respuesta que solo podría ser descrito como adoración profunda.

Lo mismo puede decirse del trabajo del equipo detrás de "Selena: The Series". El cuidado y la compasión que se ha inyectado en la primera mitad de esta serie de televisión biográfica de dos partes es evidente desde el principio y nunca se detiene durante los nueve episodios iniciales.

Es posible que algunos devotos de Selena no aprecien por qué su historia necesitaba una nueva adaptación después del largometraje de 1997 que lanzó la carrera de Jennifer Lopez, pero las nuevas versiones expanden la narrativa de la Reina del Tejano más allá de ella. De hecho, si Netflix hubiera llamado a su nueva serie "Los Quintanillas", podría transmitir de qué se trata el programa de manera más efectiva.

“Selena: The Series” es una serie sobre una familia unida decidida a hacer una vida mejor para ellos mismos utilizando solo los recursos disponibles para ellos. Por supuesto, su atractivo principal es Selena (interpretada como adolescente y adulta por Christian Serratos), pero la serie es en sí una historia de elenco, rotándose el protagonismo de escenas entre los personajes de Abraham, AB y Suzette.

Desde su nacimiento en Lake Jackson, Texas, en 1971, hasta el lanzamiento de su segundo álbum de estudio, "Ven Conmigo", "Selena: The Series" cubre mucho terreno y lo hace con empatía, autenticidad, humor y la cantidad justa de orgullo. En los 25 años transcurridos desde su muerte, ha sido fácil para los fanáticos de Selena considerarla como una especie de diosa musical, pero el showrunner Moisés Zamora y Campanario Entertainment de Jaime Dávila evitan caer en esas trampas de adoración de héroes, en gran parte porque la dinámica familiar le da ese mismo significado que Selena, dando un paso hacia el centro de atención por su cuenta.

Como Selena, Serratos es a la vez encantadora, entusiasta, ambiciosa y juguetona. En una escena adorable, Selena practica su español imitando la actuación exagerada de las telenovelas mexicanas en la televisión. En otro, se emociona comprando un Bedazzler para poder agregar pedrería a sus atuendos.

La serie también explora la vida del hermano mayor de Selena, AB (Gabriel Chavarria) y la inmensa presión a la que está sometido para escribir canciones exitosas para que su hermana las grabe en el estudio; y la hermana mayor de Selena, Suzette (Noemi Gonzalez), la baterista inicialmente reacia de la banda que está tratando de encontrar cómo encaja en el grupo, pero también consciente de las limitaciones de su talento. Más adelante en la serie, se presenta al público el interés amoroso de Selena y el nuevo miembro de la banda, Chris Perez (Jesse Posey), quien más tarde se convertiría en su esposo. Sin embargo, esta es la única relación que se siente innecesariamente melodramática y fuera de lugar. ¿Cuántas veces puede Suzette mirar de reojo a Selena cuando cree que algo se está gestando entre los compañeros de banda?

Los espectadores deben intentar no hacer demasiadas comparaciones entre la serie y la película anterior del director Gregory Nava. “Selena” la película fue una celebración de la vida y carrera de la cantante. “Selena: The Series” va más allá de eso. Es una celebración de la historia familiar y la cultura Tex Mex. Es un reconocimiento a la lucha que enfrentan los latinos para prosperar en la industria del entretenimiento, una lucha que es un poco más manejable gracias a los esfuerzos de una talentosa joven de Corpus Christi que usó su poderosa voz y su espíritu radiante para alcanzar el estrellato.

"Selena estuvo aquí", escribe la cantante en la ventana neblinosa de su autobús de gira mientras los fans esperan su llegada. Selena estuvo aquí, y todavía lo está.