Crítica Cinéfila: Painkiller

Explora en profundidad la crisis de los opiáceos en EE.UU. a través de los ojos de los responsables, las víctimas y una investigadora que busca la verdad.

El episodio de estreno de la apasionante y elegante serie limitada de Netflix, “Painkiller”, comienza en forma de documental, con una mujer llamada Jen Trejo que nos dice: “Este programa está basado en hechos reales. Sin embargo, ciertos personajes, nombres, incidentes, lugares y diálogos se han ficcionalizado con fines dramáticos. Lo que no fue ficticio es que a mi hijo [Christopher] a la edad de 15 años le recetaron OxyContin. Vivió años y años de adicción... y a la edad de 32 años murió, completamente solo, en el frío glacial, en el estacionamiento de una gasolinera, y lo extrañamos”. Cada uno de los seis capítulos de la serie comienza con el trágico testimonio de alguien que perdió a un ser querido a causa de la adicción a los opioides, y nos conmueve hasta la médula. Luego nos sumergimos en una historia que es ficticia pero que tiene un tono de verdad esencial. 

Basado en el artículo del New Yorker de Patrick Radden Keefe “La familia que construyó un imperio del dolor” y “Pain Killer: An Empire of Deceit and the Origin of America's Opioid Epidemic” de Barry Meier, con los seis episodios dirigidos por Peter Berg (“Friday Night Lights”, “Deepwater Horizon”, “Patriots Day”), esta es una historia bien argumentada y interpretada por expertos que describe cómo la familia Sackler y Purdue Pharma crearon el medicamento recetado para aliviar el dolor OxyContin. Aparentemente de la nada, el analgésico recetado se extendió por todo el país como un incendio forestal, debido en gran parte a los esfuerzos de marketing y promoción, con vendedores participando en campañas a pie (o, a menudo, tacones altos) para lograr que los médicos prescriban Oxy como un método nuevo, mejorado y más beneficioso para aliviar el dolor.

Con un estilo rápido que nunca se vuelve demasiado llamativo a expensas de la narración y cambia de tono para reflejar una trama particular, “Painkiller” presenta cuatro historias principales que ocasionalmente se cruzan:

En una actuación poderosa y resonante, el ganador del premio Emmy Uzo Aduba (“Orange Is the New Black”) es Edie Flowers (un personaje compuesto), una investigadora tenazmente determinada y sensata de la oficina del fiscal federal que a finales de los años 1990 se entera de un nuevo medicamento para aliviar el dolor que ha surgido. Edie se convierte en nuestra guía y explica cómo la familia Sackler desarrolló OxyContin y logró obtener la aprobación revolucionaria del obstinado oficial médico de la FDA de la vida real, Curtis Wright (Noah Harpster), quien luego ingresó al sector privado para trabajar para Purdue Pharma. Tyler Ritter también realiza un trabajo estelar como el fiscal federal John Brownlee, quien está convencido de perseguir a Purdue Pharma.

El maravilloso Clark Gregg es el psiquiatra y patriarca de la familia Arthur Sackler, uno de los pioneros en el campo de la publicidad médica y la revolución farmacéutica. Arthur llama a Thorazine “una lobotomía en una botella” y dice que Valium es “la droga que nunca supiste que necesitabas”. Un casting inspirado tiene a uno de los actores más simpáticos de nuestro tiempo, Matthew Broderick, interpretando al sobrino de Arthur, Richard Sackler, quien dirigió el desarrollo de OxyContin. Como la mayoría de los villanos, Richard nunca se ve a sí mismo como tal. Él cree, o al menos se dice a sí mismo, que está ayudando a millones de estadounidenses a vivir mejor a través del manejo del dolor. ¿Esas preocupantes decenas de miles de muertes por adicción a opioides? Échele la culpa a los abusadores, no al proveedor.

En el lado de las ventas, Dina Shihabi es la bella y manipuladora Britt Hufford, una representante de ventas de Purdue Pharma con una devoción casi de culto por su trabajo que recluta a la ex atleta universitaria Shannon Schaeffer (West Duchovny) para que la acompañe en la carretera en su Porsche e ir de hospital en hospital, de consultorio médico en consultorio médico, de conferencia médica en conferencia médica, para coquetear con los médicos y entregarles muestras y cupones y hablarles sobre las cualidades milagrosas del OxyContin, que según Britt tiene una tasa de adicción de menos del 1%. Las primeras escenas, casi vertiginosas, en las que Britt y Shannon viven a lo grande son como un cruce entre “The Wolf of Wall Street y “Goodfellas”, con Shannon inicialmente apostando por el estilo de ventas hábil y agresivo, y cosechando los frutos en zapatos, autos, dinero en efectivo y fiestas.

Por último, pero menos importante, está una historia ambientada en Carolina del Norte, con Taylor Kitsch haciendo algunos de sus mejores trabajos como Glen Kryger, un mecánico, propietario de una pequeña empresa y un sólido hombre de familia que sufre una brutal lesión en la espalda en el trabajo y queda casi inmóvil por el dolor posquirúrgico, hasta que el amigable médico del vecindario le receta OxyContin, que produce resultados tan sorprendentes al principio que Glen aparece en una película promocional de Purdue Pharma. A medida que la adicción se apodera de Glen, vemos a su familia destrozada, pastilla tras pastilla. Carolina Bartczak también hace un buen trabajo como Lily, la esposa de Glen. Cuando Glen sufre una sobredosis y un médico expresa su preocupación por una posible adicción, Lily regurgita la línea "1%" y el médico responde: "Tengo una sala de emergencias llena con el 1%”. En una de las escenas más devastadoramente efectivas de la serie, alternamos entre representantes de Pharma Purdue que testifican ante el Congreso que su producto es seguro, que no es su culpa que los adictos y delincuentes estén abusando de él, y escenas en las que Glen recurre a comprar Oxy en la calle, aplastándolo y esnifándolo.

En episodios posteriores, “Painkiller” a veces se convierte en un mensaje duro, mientras vemos cómo las respectivas historias principales se desarrollan como una especie de juego moral. Aún así, este es un trabajo invaluable y, a veces, desgarradoramente efectivo. Es una nueva serie en la que cada episodio muestra la loca escalada de la codicia y el abuso en una simbiosis brutal. Es una serie de drama criminal basada en la historia muy real (y crímenes reales) de las grandes farmacéuticas. En concreto, aquellos que dominaron la escalada de la epidemia de opioides en EE.UU. 

Un elenco absolutamente estelar nos guía a través de eventos que comienzan como positivos e inocentes. Sin embargo, como todos sabemos ahora, ha resultado en muerte y dolor para muchas personas. Cada uno de los seis episodios llega a tu corazón de diferentes maneras antes de convertirse en una historia de terror de la vida real. 

Crítica Cinéfila: Depp V Heard

Esta serie, que intercala los testimonios de los dos protagonistas por primera vez, analiza el juicio que conmocionó a Hollywood y el revuelo que provocó en Internet.

Los juicios televisados ​​siempre han atraído a una audiencia entusiasta. Piense en OJ Simpson o en la niñera Louise Woodward . Pero esos eran los viejos tiempos, cuando compartías tu opinión sobre la inocencia o culpabilidad del acusado con nadie más que con las personas que conocías. Ahora, puede comentar sobre una prueba transmitida en vivo en tiempo real, a una audiencia global de extraños, en Twitter, en TikTok, o en su propio canal de YouTube. 

Este fue el territorio explorado en Depp vs Heard (Canal 4), y fue profundamente deprimente. Un resumen rápido del motive del juicio: Johnny Depp demandó a Amber Heard, su ex esposa, por difamación después de que ella escribiera un artículo de opinión en el Washington Post refiriéndose a sí misma como "una figura pública que representa el abuso doméstico". Heard contrademandó, diciendo que el abogado de Depp la difamó al afirmar que ella inventó las acusaciones. El caso de $50 millones se desarrolló el verano pasado en Fairfax, Virginia. 

La serie de telerrealidad de Netflix Depp v Heard sigue el caso uno al lado del otro mientras la estrella de Piratas del Caribe demandó a la actriz de Zombieland por difamación, cuestionando específicamente las afirmaciones de su ex esposa de “violencia sexual” y “abuso doméstico”. Al final, el jurado concluyó que el artículo de opinión de Amber Heard fue un intento deliberado de dañar la reputación de Johnny Depp.

El primer episodio, “La verdad a prueba”, aborda la difusión de información errónea. Se dedicaron al juicio casi 200 horas de cobertura en vivo a través de las RRSS, lo que posiblemente refleja cómo los jóvenes consumen noticias. Según el Pew Research Center, el 16% de las personas recopilan información a través de estas plataformas, lo que contribuye a difundir afirmaciones no verificadas. El episodio es intrigante ya que examina afirmaciones de ambos lados: la opinión pública versus los registros públicos. Heard posee un video impactante de Depp mostrando enojo y bebiendo. Por otro lado, la actriz escribió un artículo de opinión que detalla su experiencia como víctima de abuso doméstico. Sin embargo, Depp puede proporcionar una grabación de audio en la que Heard admite haber abusado físicamente de él.

El segundo episodio, "Breaking the Internet", profundiza en la acusación de Heard de que Depp la agredió sexualmente. La serie afirma que esto marca el primer testimonio de una “presunta agresión sexual a la vista de todos” en los EE.UU. Si bien numerosos artículos académicos enfatizan la importancia de que las víctimas crean, las redes sociales ignoraron en gran medida las afirmaciones de Heard. Quizás sorprenda que muchas mujeres se pusieran del lado de Depp durante el movimiento #MeToo. ¿Es esto indicativo de la influencia de la fama y del efecto halo idealizado de la celebridad? Los informes en las redes sociales aumentaron y, aunque muchos se manifestaron para apoyar a las víctimas, etiquetaron a Heard como deshonesta. Incluso TMZ hace un cameo revelador.

El episodio final, titulado “The Viral Verdict”, reúne varios elementos y profundiza en la percepción viral de la reputación de Heard. La escena en la que Heard abre la puerta al personaje de Depp parece sacada directamente de un episodio de Ley y orden. A medida que la serie revisa el incidente en el que Heard supuestamente golpeó a Depp, se alinea con su afirmación de defender a su hermana.

Sin embargo, como destaca la serie, la opinión de las redes sociales ha pasado a un segundo plano ante este incidente en particular, especialmente sobre las declaraciones de Heard sobre la donación de su acuerdo de divorcio. Tras el veredicto, hay una sensación de arrogancia en la celebración de las redes sociales. El veredicto fue una recompensa de diez millones de dólares en daños compensatorios (para ayudar a la “víctima lesionada”) y cinco millones en daños punitivos (para penalizar al “culpable”) para Depp. Esto es sorprendente ya que, según el Torts and Insurance Law Book, este último rara vez se recompensa en los Estados Unidos y ocurre sólo en casos “extremos”. La cantidad tenía un tope de 350.000 dólares, según la ley del estado de Virginia. Además, se llegó a un acuerdo en el que Heard pagó un millón de dólares y ambas apelaciones fueron desestimadas. Hay una recompensa adicional para Heard que acusó a los ex abogados de Depp de difamación, lo que resultó en un veredicto de dos millones, pero ese punto no quedó del todo claro en la serie.

Algunos se pusieron del lado de Heard, citándolo como otro momento #MeToo. Pero el estado de ánimo del público era abrumadoramente a favor de Depp, con fanáticos haciendo fila afuera del juzgado todos los días para mostrar su apoyo y muchos más apoyándolo en línea. Una visión equilibrada es que ambas personas son horribles. Que hubo un comportamiento impactante en ambos lados; que Heard no era una figura santa, que Depp era una estrella de cine encantadora pero un borracho asqueroso detrás de cámaras. 

Depp contra Heard es una experiencia polarizadora, lo cual es más bien el punto debido a la gran cantidad de opinión pública y percepción pública. Los informes y la verificación de hechos de la serie son admirables debido al equilibrio que brindan los realizadores. Desafortunadamente, ahora estamos en un mundo donde todo tiene que ser en blanco y negro, donde tomar partido y gritar en voz alta es el camino para obtener me gusta y suscripciones. Este fue el enfoque del programa, tanto un estudio de la cultura tóxica de las redes sociales como un matrimonio tóxico de celebridades. Los "influencers" idiotas se filmaron viendo el juicio, convirtiéndolo en su propia versión de Gogglebox. Heard, Depp y sus abogados se convirtieron en el tema de innumerables memes de TikTok. 

Este no era el juicio de Wagatha Christie, donde lo único que estaba en juego era la reputación de las esposas de dos futbolistas tontos y el tema era cómicamente trivial. Los espectadores ven esta serie en streaming a través del lente de la opinión pública y consumen noticias a través de las redes sociales. Al principio, esto es tan exagerado que parece un truco. Sin embargo, a medida que avanza la serie, es una acusación contra nosotros mismos, no contra las partes perjudicadas. Fue un caso grave, convertido en un circo de las redes sociales. La pelea del año pasado entre Johnny Depp y su ex esposa Amber Heard mostró una verdad fea: el internet nos ha vuelto más crueles.

Crítica Cinéfila: Talk to me

La solitaria adolescente Mia se engancha a la emoción de invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, pero cuando se enfrenta a un alma que dice ser su madre muerta, desata una plaga de fuerzas sobrenaturales y se debate entre decidir en quién puede confiar: en los vivos o en los muertos. 

Los objetos malditos/embrujados no son nada nuevo en el género de terror; basta con mirar la cinta de vídeo de The Ring, los muñecos poseídos de Chucky y Annabelle, y quizás más apropiadamente para esta película, "The Monkey's Paw" de WW Jacob, es fácil ver por qué se han convertido en un elemento básico del horror; es fácil crear un tono siniestro en torno a algo tangible y una excelente manera de crear misterio para engancharte a un concepto: siempre sabes que algo malo sucederá cuando esté cerca. En el caso de "Talk To Me", el objeto es una mano embalsamada de origen desconocido que ha acabado en posesión de un grupo de adolescentes en Adelaida, Australia.

Pronto, la famosa mano embalsamada se convierte en una sensación viral en la escuela secundaria cuando se filma a los participantes dispuestos a tomar la mano y pronunciar las palabras "háblame" seguidas de "te dejo entrar"; ser poseído por los espíritus con los que han entrado en contacto y durar 90 segundos con ellos dentro de sí. La adrenalina es otra cosa, lo que lleva a que algunos adolescentes se enganchen al nuevo "reto", incluida Mia (Sophia Wilde), que todavía está de luto por el suicidio de su madre hace dos años. Pero cuando una sesión sale mal, Mia pronto descubre que los espíritus tienen un control sobre ella mucho más fuerte de lo que había supuesto. 

Esta película de terror australiana independiente ya ha causado sensación desde su debut en el Festival de Cine de Adelaida el año pasado. Desencadenó una guerra de ofertas tras su debut en Sundance y desde entonces ha generado gran expectativa como una de las películas de terror más alabadas por la crítica del último año. Si bien puede ofrecer varios tropos familiares, no es difícil ver por qué se ha ganado tal reputación. Realizado por YouTubers convertidos en cineastas, Danny y Michael Philippou, también conocidos como RackaRacka, "Talk To Me" es un ejercicio de género eficaz que genera una energía adecuadamente espeluznante y enigmática en torno a este objeto maldito, alimentada por imágenes de pesadilla y actuaciones sólidas. También es muy divertido, especialmente en sus primeros momentos, lo que ayuda a unirte a los personajes antes de que todo se vuelva una locura fuera de control. 

Los hermanos gemelos Philippou ya han conseguido una importante base de fans a través de su canal de YouTube, y sus cortos de terror y comedia subversiva acumulan más de 6,5 millones de seguidores y 1.500 millones de visitas. Traducen efectivamente esa atractiva ambición y talento en su primer largometraje, producido por Causeway Films (detrás de "The Babadook", en el que ambos hermanos Philippou trabajaron en papeles menores) y apoyado por Screen Australia. 

Al igual que el éxito de terror "Smile" del año pasado, suceden muchas cosas bajo la superficie de Talk To Me . El guión, de Danny Philippou y Bill Hinzman, colaborador de los hermanos desde hace mucho tiempo, aborda los miedos del mundo real: la muerte de un padre, la naturaleza insidiosa del dolor y la soledad, el atractivo y las mentiras de las redes sociales. Todos estos elementos se arremolinan dentro de Mia, dejándola, como a tantos adolescentes, vulnerable a actividades arriesgadas que prometen hacerla más popular, darle algunas respuestas y, fundamentalmente, permitirle salir de su propia cabeza.

Pero, también como "Smile", "Talk To Me" está tan preocupada por los sustos viscerales y por la introspección psicológica y, con ese fin, combina efectos prácticos y en cámara (y una hábil edición de Geoff Lamb) para crear algunas secuencias genuinamente inquietantes. El sorprendente diseño de sonido de Emma Bortignon es una mezcla desorientadora de lo real y lo extraño, subrayando escenas de posesión con una palpable sensación de temor que contrasta con la salvaje euforia de las reacciones de los niños. Y particularmente efectivo es el uso del color en la película: la paleta de colores inicialmente vibrante de Mia se desvanece lentamente a medida que comienza a perder todo sentido de sí misma. 

Las primeras secuencias que involucran las fiestas donde nuestro joven elenco se engancha al poder de la mano también sirven para establecer el atractivo y la atracción del objeto en el centro de la película. Tratada como si fuera la nueva droga de moda en el campus, "Talk To Me" se basa en "Flatliners" de Joel Schumacher para establecer que hay un subidón que todos persiguen de este objeto que resulta difícil de dejar ir, incluso una vez que las cosas dan un giro. Los paralelos con las drogas son fáciles de leer y, inteligentemente, la película no te golpea en la cabeza con ese mensaje, con un montaje en particular que crea de manera experta tanto la sensación de diversión como el peligro al comunicarse con los muertos. 

Como protagonista de la película, Sophia Wilde brilla, superando hábilmente el trauma y la soledad de Mia mientras intenta encontrar una manera de afrontar la pérdida de su madre. Cree haber encontrado una respuesta con la mano embalsamada, ya que pronto se convence de que es una forma de comunicarse con su madre, pero, por supuesto, las cosas toman un giro mucho más oscuro. Mia pasa por el escurridor y Wilde es convincente en todo momento, realizando el tipo de actuación llamativa que la convierte en alguien a seguir en el futuro. 

Los sustos se transmiten de forma eficaz y con un tono juguetón y irónico. Los realizadores conocen bien la mecánica de un buen susto y se alegran de hacerte esperar la gran revelación, mientras que a menudo también realzan los sustos con efectos de sonido estremecedores y violencia impactante. Es una gran experiencia con un cine lleno, ya que los sustos se van eliminando, jalándote sobre una cuerda floja antes de cortar repentinamente la línea debajo de tus pies. 

Crítica Cinéfila: The Last Voyage of the Demeter

Basado en un solo capítulo, el Captain's Log, de la clásica novela Drácula de 1897 de Bram Stoker, la historia se desarrolla a bordo de la goleta rusa Demeter, que fue fletada para transportar carga privada (veinticuatro cajas de madera sin marcar) desde Carpatia a Londres. La película detallará los extraños eventos que acontecieron a la tripulación condenada mientras intentan sobrevivir al viaje por el océano, acechados cada noche por una aterradora presencia a bordo del barco. Cuando finalmente llegó cerca del puerto de Whitby, estaba totalmente en ruinas. No había rastro de la tripulación.

Hay una fuerza aterradora en el centro de "The Last Voyage of the Demeter" del director André Øvredal. No son los peligros inherentes de estar atrapado en un bote sin ayuda que se encuentran en las millas y millas de mar abierto que lo rodean. Ni siquiera proviene de la notable fisicalidad de la leyenda del actor Javier Botet , quien asume el papel del mismísimo Drácula. Aún con toda su promesa, es algo aún más espeluznante lo que viene a definir la experiencia: la banalidad. Es una banalidad que extrae la vida de la brutalidad de pesadilla que acecha debajo y deja a su elenco varado con poco para guiarlos. Hacen lo mejor que pueden, con Corey Hawkins especialmente, trayendo seriedad a un papel principal largamente atrasado, y hay una cantidad encomiable de oscuridad de la que la película no rehuye. Sin embargo, cuanto más se eleva a la luz, más comienza a arder y desmoronarse ante sí. Se pueden encontrar emociones, pero gran parte de la película se hace innecesariamente a la deriva mientras se precipita hacia su destino final.

Ampliando un solo capítulo de la novela de 1897 de Bram Stoker, la película comienza propiamente con un barco cargando con un cargamento misterioso y buscando manos adicionales para el próximo viaje. Hay un elemento casi cómico en la frecuencia con la que la película muestra signos de aprensión, con un personaje secundario tras otro prácticamente gritando que el mal está a punto de ser llevado a bordo del barco, prediciendo sin rodeos no solo los peligros que consumirán la historia una vez que se ponga en marcha, sino también también la repetición a menudo aburrida en cómo explora esto. 

Lo que inicialmente mantiene unido este comienzo son los actores que, sin exagerar nunca sus papeles, se sienten dinámicos de una manera que la película en sí no lo es. El observador doctor Clemens (Hawkins) inicialmente es pasado por alto a pesar de sus claras calificaciones, aunque finalmente demuestra su aplomo bajo presión cuando salva a un niño de ser aplastado por una caja enorme. La protección que hace sobre Toby (Woody Norman de la encantadora película de 2021 C'mon C'mon), se gana el cariño del Capitán Eliot, interpretado por un maravillosamente brusco Liam Cunningham de Game of Thrones, y le consigue el pasaje. Esto ocurre a pesar de las objeciones iniciales del sucesor de Eliot, Wojcheck (interpretado por el siempre encantador David Dastmalchian de "The Boogeyman" de este año), quien todavía no puede ir en contra de su Capitán. Con el escenario suficientemente preparado, la película comienza su vacilante viaje hacia un horror cuya mayor revelación es cuán esporádico y extrañamente lento es todo cuanto más avanza.

Después de ser presentado a algunos otros personajes, la mayoría de los cuales se desvanecerán en un segundo plano hasta que se le presente a Drácula, la película comienza a establecer algunas de sus reglas. Muchos de estos serán bastante básicos para cualquiera que tenga una familiaridad mínima con los vampiros y la película se basa en su escenario para proporcionar un pequeño giro en la fórmula. 

Nos establecen en varias ocasiones de que todos los personajes pueden comunicarse golpeando el barco y que el eco se escuchará en todos sus huesos. Cuando Drácula comienza a usar esta información para meterse con ellos, convirtiéndolo en el juego de toc-toc más mortal de la historia, la película comienza a encontrar algo más divertido en lo que hincarle el diente. No son solo las muertes, que son apropiadamente espantosas incluso si tienen una tensión extrañamente ligera, pero el trasfondo más lúdico que opera debajo de él. Drácula no es un monstruo sin sentido y verlo jugar con su comida es muy divertido.

Cuando el vampiro adopta un tono burlón justo antes de despachar sin piedad a los miembros de la tripulación, podemos vislumbrar lo que podría haber sido una experiencia más mordaz. Desafortunadamente, la película no es tan genuinamente aterradora y, a menudo, recurre a algunos trucos cansados ​​​​para proporcionar una ilusión poco convincente de ser así. Un momento en el que un personaje agarra el hombro de otro es el tipo de "jumpscare" que hubiese sido eficaz si hubiera dejado de usarse en gran medida y por una buena razón. 

Donde otras magistrales películas de terror recientes desafían la gramática visual de cómo el miedo puede apoderarse de nosotros, "The Last Voyage of the Demeter" se inclina hacia el reciclaje de memoria y, como resultado, desinfla su pavor. Es más violento que "Scary Stories to Tell in the Dark" de Øvredal, aunque menos que "The Autopsy of Jane Doe", ya que limita demasiado los estallidos de derramamiento de sangre. Estos pueden ser alegremente blandos y brutales, empujando las cosas más allá de lo que harían la mayoría de las películas de terror convencionales, aunque sigue habiendo un techo que no está dispuesto a romper.

Donde esto comienza a pasar de ser simplemente decepcionante a francamente frustrante en términos de escritura es en el desarrollo de los personajes. Tener un personaje como la misteriosa Anna interpretada por Aisling Franciosi, cuya actuación en la asombrosa película de Jennifer Kent de 2018 "The Nightingale" sigue siendo una de las mejores de la historia reciente y reducirla a ser poco más que una forma de exponer es un error. Parte de esto proviene del hecho de que ella es una polizona que pasa una gran parte de la película inconsciente después de que el equipo la descubre, pero no tiene mucho con qué trabajar, incluso cuando se despierta. A pesar de ello, Franciosi nos obliga a prestar atención a través de la fuerza de su interpretación. La primera vez que habla y vemos el miedo en sus ojos es más llamativo que muchas de las escenas más elaboradas definidas por su espectáculo sangriento. Incluso algunas de sus escenas finales que recuerdan a la serie "Midnight Mass", aunque inmerecidas en términos del poco cuidado que se puso al escribir su personaje, se convierten en algo más por lo magnífica que es como intérprete. Se le asigna un papel desagradecido y de alguna manera se las arregla para trascender sus limitaciones lo suficiente como para enfocarse en cuánto más podría haber sido. Uno solo puede imaginar lo que habría hecho con un personaje multidimensional y cómo podría haberle dado a la película algo más de profundidad emocional. En cambio, recorremos escena tras escena de los personajes tratando de reconstruir lo que está sucediendo frente a sus caras de una manera que comienza a sentirse bastante aburrida en lugar de emocionante.

Cuando llegamos al final, incluso la confrontación culminante se ve socavada por mucho de lo que la precedió. Sin estropear lo que sucede, hay un elemento clave que habría sido mucho más aterrador si la película lo hubiera retenido un momento más. En cambio, estamos un paso por delante de los personajes y no experimentamos el miedo que experimentan cuando la muerte se abalanza sobre ellos. Que la película ha sido catalogada como una “película de terror al estilo Alien” es quizás cierto en un sentido abstracto, pero la ejecución está muy por debajo de eso. Solo hay una falta fundamental de potencia en la experiencia, lo que hace que la provocación final de lo que se siente como una secuela potencial sea más tonta que siniestra. Por todas las formas en que Botet y compañía pusieron su corazón en darle algo de vida, la película se define persistentemente por la muerte no solo de sus personajes, sino también de la creatividad misma.

Crítica Cinéfila: Meg 2 - The Trench

Un equipo de investigación inicia una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo. Secuela de 'The Meg' (2018).

El fenómeno cinéfilo de “Barbenheimer” ha sido un emocionante recordatorio de que el público aún puede abrazar la experiencia del cine, apareciendo en grandes cantidades cuando se les ofrece algo novedoso, aventurero y de calidad. También ha sido una evidencia poderosa de que las películas que no son secuelas formuladas pueden tener éxito de una manera que muchas películas de franquicias recientes no han tenido. Pero, ¿será todo eso una lección para el futuro? ¿Una anomalía que cambiará la industria? o simplemente, ¿se convertirá en un bonito recuerdo de lo que pudo ser?

Probablemente no deberíamos engañarnos a nosotros mismos porque "Meg 2: The Trench” es una pieza trivial de gran presupuesto semi-ridícula (no imposible de ver pero chatarra) . Pero al llegar solo dos semanas después de “Barbenheimer”, se erige como un molesto indicador de lo que han sido las películas convencionales durante los últimos 40 años, y lo que probablemente seguirán siendo: una secuela para robar dinero de una imitación cínica, que apunta directamente al mínimo común denominador, con efectos visuales que arrollan lo que alguna vez se conoció como desarrollo de personajes. "Meg 2" es abrumadoramente formulista, promiscuamente derivada y, durante algunos tramos (como el tercer acto exagerado), divertidamente ridícula y desvergonzada. Es, en otras palabras, todo lo que una película de agosto realmente necesita ser. Pero hay una forma en que la línea entre las películas de agosto y las películas de verdad se vuelve más delgada cada día.  

Hace cinco veranos, "The Meg" era una imitación de "Jaws" de gran tamaño e inimaginable que no tenía el descaro de ser más que una pieza de nostalgia de éxito de taquilla. Pero "Meg 2" intenta subir la apuesta, de modo que, a pesar de todas sus ridiculeces rectificadas, estamos destinados a verla y pensar: "¡Mira qué mezcla heterogénea salvaje es!"... ok. 

Un preludio, ambientado durante el período Cretáceo hace 65 millones de años, nos presenta la versión jurásica de quién es el más depredador: en este caso, el lagarto marino carnívoro come peces retorcidos, luego aparece un Tiranosaurio Rex y hace lo suyo, hasta que llega el verdadero depredador ápice: un megalodón, el tiburón prehistórico que hace que el gran tiburón blanco de “Jaws” parezca un pececito. Saltando a la playa, el Megalodón se come al T. Rex como si fuera un bocadillo.

Hay varios megalodones en "Meg 2", incluido uno criado en cautiverio llamado Haiqi. Se deslizan por el océano con dientes triangulares al descubierto y cuerpos con cicatrices que parecen tallados en piedra antigua. También hay un pulpo gigante, además de esos lagartos primitivos que parecen haber salido de "Jurassic Park: Pet Shop World". Y está Jason Statham, con un aspecto un poco menos lagarto que Jonas Taylor, el buzo de rescate ahora convertido en guerrero ecológico de Bondian. La película también presenta a la superestrella china de artes marciales Wu Jing, quien como colega de Statham no tiene mucho que ver con las escenas de acción, aunque su personaje sí puede mostrar su talento como susurrador de megalodones. Hay un elenco de apoyo para comida de tiburones, así como uno o dos actores ingeniosos (como Page Kennedy) que parecen haber recibido un shot de confianza o rejuvenecimiento narrativo desde la última película en que vimos a sus personajes.

Por un tiempo, “Meg 2” es un thriller de inmersión en aguas profundas que salió mal, una división anegada, mientras Jonas de Statham lidera una expedición de investigación en un par de sumergibles hasta la Fosa de las Marianas, 25,000 pies debajo de la superficie. Los exploradores se encuentran con una estación secreta que ha sido instalada por una operación minera ilegal. Los saboteadores del instituto de Jonas están involucrados, pero cuando lidera a su equipo en una caminata de escape de tres kilómetros a través de las profundidades, donde tienen que luchar para salir de la estación minera, la película se convierte en clichés de acción submarina, donde todo un club de megalodones están nadando alrededor de ellos, buscando algo para comer, intentando agregar algo de suspenso a esto. Luego, “Meg 2” avanza pesadamente hasta que llega a Fun Island, un centro turístico tropical que proporciona el banquete principal para todas las criaturas que la película se ha inventado, adicional a los megalodones (como si no fuese suficiente con ellos).

Aquí es donde llega la verdadera razón por la que vamos a una película de "Meg": para ver a Statham montar en una lancha, armado con tres arpones explosivos químicos, mientras los megas lo persiguen en formación, para ver un gigantesco tentáculo saliendo del mar para luchar contra un helicóptero, o ver a los villanos ser mordidos en un "momento inesperado". “Meg 2” fue dirigida por el cineasta de género de culto independiente británico, Ben Wheatley (“High-Rise”), y en el episodio culminante, al menos, se escala de manera efectiva, ¡lo cual! no es lo mismo que hacer una buena película. Las películas de "Meg" ahora están exageradas más allá de la flagrante nostalgia de "Jaws" para convertirse en su propia basura medio irónica. Son como películas de "Godzilla" sin el subtexto de la bomba atómica. Incluso, hacen que Godzilla se vea profundo.

Si desea saber cómo sonaría una película si estuviera escrita en su totalidad por AI, no busque más allá de "Meg 2". “Hacemos lo que tenemos delante”, le indica Jonas a Meiying, “luego hacemos lo siguiente”... eso suena como una computadora escribiendo un guión. Quizás esto se deba a que la película tiene tres guionistas (Jon Hoeber, Erich Hoeber y Dean Georgaris), pero el problema no es solo que el diálogo que se les ocurrió sea sumamente estereotipado y cargado de clichés, o que la película esté salpicada de discordancias entre lo grupal y lo inepto. Es que todo lo que vemos o escuchamos está encasillado, es predecible y se ahogó en su propia basura cinematográfica.

Crítica Cinéfila: Joy Ride

Cuando el viaje de negocios de Audrey a Asia sale mal, solicita la ayuda de Lolo, su irreverente mejor amiga de la infancia que también resulta ser un desastre; Kat, su amiga de la universidad convertida en estrella de las telenovelas chinas; y Deadeye, la excéntrica prima de Lolo.

Después del merecido éxito de "Everything Everywhere All at Once", me alegra ver que el impulso de la representación asiática continúa con el debut como directora de la coguionista de "Crazy Rich Asians", Adele Lim, en su película "Joy Ride". Dirigida por asiático-estadounidenses en particular, este filme está haciendo historia con un elenco asiático exclusivamente femenino, incluida una actriz no binaria. “Joy Ride” es un excelente ejemplo de cuán importante es la representación en la pantalla y demuestra que los comediantes asiático-estadounidenses pueden ser tan divertidos, obscenos y exitosos como sus contrapartes masculinas blancas.

La escena de apertura de la película es un flashback de 1993 cuando el dueto de mejores amigas Lolo (Sherry Cola) y Audrey (Ashley Park) se conocen en un pequeño pueblo predominantemente blanco llamado White Hills. Las dos conectan instantáneamente en un parque de niños ya que son las únicas dos niñas chino-estadounidenses. El hecho de que Audrey sea adoptada por padres blancos no es un problema para la valiente y franca Lolo, quien golpea a un niño pequeño en la cara ante la primera mención de un comentario racista hacia ellas.

A medida que las chicas crecen juntas, se aferran a sus puntos en común, a pesar de tener personalidades completamente opuestas. Lolo es una artista abiertamente positiva al sexo con una conexión más fuerte con su herencia que Audrey. Lolo usa su arte para subvertir los roles de género tradicionales y las expectativas de las mujeres en su cultura, así como para iniciar conversaciones sobre sexo. Audrey es una abogada reservada y exitosa que se mantiene al día con sus colegas masculinos predominantemente blancos, generalmente llamados Michael o Kevin.

Los guionistas Cherry Chevapravatdumrong y Teresa Hsiao rápidamente establecen el tono cómico de los comentarios raciales que están presentes a lo largo de la película y no muestran piedad en cómo estos personajes enfrentan prejuicios y etiquetas a diario, incluso si otros no tienen la intención de herirles intencionalmente. También destacan con éxito las barreras que Audrey y Lolo intentan romper como mujeres en sus carreras. 

Si bien Audrey agradece que sus colegas le hayan organizado una fiesta de cumpleaños (a pesar de que tiene el tema de "Mulan"), se esfuerza por apuntar más alto al consolidar un trato con un cliente chino para convertirse en socia de su empresa. Junto a Lolo trabajando como su traductora, reserva un vuelo a Beijing. Al dueto se les une la mejor amiga de la universidad de Audrey y actriz, Kat (Stephanie Hsu), y la prima solitaria de Lolo, Deadeye (encantadoramente interpretada por la comediante no binaria Sabrina Wu). A la hora de intentar cerrar el trato con el cliente chino, quien cuestiona sus lazos asiáticos, Audrey miente sobre su relación con su madre biológica (siguiéndole la corriente a la mentira iniciada por Lolo quien trata de ayudarla) y se sumerge en una aventura para encontrarla y llevarla a una fiesta corporativa donde finalmente el cliente firmaría el contrato. 

Cada personaje tiene sus peculiaridades y contribuciones únicas a su experiencia como estadounidenses de origen asiático. Mientras programas como “Fresh Off the Boat” y “Awkwafina Is Nora from Queens” exploran la experiencia asiático-estadounidense en los Estados Unidos, “Joy Ride” se destaca en cómo estos personajes asiático-estadounidenses viajan a China y eventualmente a Corea del Sur. Esta inmersión cultural es un desafío para Audrey, porque siente que no pertenece a ninguna parte. Es demasiado asiática para América y demasiado blanca para Asia. Esta lucha es una de las muchas experiencias importantes y relatables que aparecen en la película. Cada escritor y actriz aportó aspectos de sus propias experiencias personales a la historia y utilizó la improvisación varias veces durante la filmación, lo que aumenta la emoción y la narrativa inclusiva para hacerla mucho más genuina.

Aparte de los elementos temáticos que rodean la identidad y la amistad, "Joy Ride" ofrece una comedia candente al abrazar el sexo, las drogas, la inmersión cultural y cerrar la brecha entre las generaciones jóvenes y envejecientes. El equipo se sumerge en un poco de todo, desde americanos traficantes de drogas, tríos con miembros de la Asociación China de Baloncesto hasta tatuajes vaginales. Los chistes evitan que se interpreten como carcajadas y, en cambio, atacan sabiamente el estigma social y la representación cultural en general. Se distribuyen uniformemente entre el elenco con insultos, peculiaridades de personalidad incómodas y comentarios sarcásticos a conocidos desprevenidos.

El guión rebosa comedia y comentarios sociales casi en exceso porque hay mucho que estas talentosas mujeres quieren y merecen decir. Debido a que no hay películas como esta fácilmente disponibles, el intento de transmitir puntos se vuelve urgente a veces, lo cual permite que no haya un respiro entre momentos narrativos. 

El enfoque de la película sobre la sexualidad es único e incomparable a otras comedias obscenas en el sentido de que no hay un objetivo final para participar en el acto. En cambio, el sexo se ve como algo natural, divertido y una forma de que los personajes se expresen libremente, ya sea a través del arte, el diálogo abierto, con un amante o consigo mismos. El personaje de Kat es una actriz exitosa que está comprometida con su coprotagonista chino cristiano Clarence (Desmond Chiam), quien cree que ella es virgen. Ella lucha por equilibrar su líbido alto con la necesidad de abstinencia de Clarence, y su promiscuidad se convierte en una broma corriente entre el grupo de amigas a pesar de que apoyan su naturaleza sexual. Los hombres de la película pasan a un segundo plano en la trama, pero siguen siendo actores cómicos cuando se introducen en una escena. 

Aunque el estilo de dirección de Lim es bastante tradicional en estructura y forma, las secuencias de personajes altamente creativas, interludios ilustrativos y una divertida escena de video musical de K-Pop la eleva a otro nivel. La escritura es impresionantemente compleja para una comedia y se basa en temas más universales y experiencias más amplias. Por todas esas razones, "Joy Ride" puede navegar fácilmente, superando la prueba de Bechdel al presentar a una mujer más preocupada por perseguir sus sueños profesionales y herencia. 

Con tanto que decir y un elenco supremamente talentoso que encarna personajes multidimensionales, una secuela podría ser aceptada, aunque no es necesaria. “Joy Ride” es fácilmente el estándar de oro para la comedia progresiva y obscena, y la necesidad de contar historias más diversas en la pantalla.

Crítica Cinéfila: The Deepest Breath

Descendiendo a notables profundidades bajo el mar, a pulmón, Alessia Zecchini entra en lo que ella describe como el último lugar tranquilo en la Tierra. La campeona italiana está decidida a marcar un nuevo récord mundial en apnea, un deporte extremo y peligroso en el que los competidores intentan alcanzar la mayor profundidad sin usar equipo de buceo.

Tenga mucho cuidado al ver el documental de Laura McGann en Netflix y A24 The Deepest Breath. Esta crónica del mundo precario, inquietante y casi místico del buceo libre hará que cualquier persona motivada por los deportes extremos desee unirse a los competidores mientras siguen sus viajes a las profundidades acuáticas. Pero probablemente deberías resistirte. ¿Los freedivers? Bueno, probablemente también deberían resistirse, ya que "The Deepest Breath" encaja en una tradición reciente de documentales sobre atletas extremos cuyo compromiso con eventos en los que la muerte es una consecuencia aceptada supera el sentido común: se convierte en una creencia.

En el sentido más literal, "The Deepest Breath" es un documental impresionante, con una cinematografía alucinante, narraciones de competencia emocionantes y una historia de amor hábilmente presentada. A pesar de que la narración del documental tiene un enfoque retorcido que encuentro cada vez más irritante cada vez que se usa, por la manipulación que hacen en su audiencia, el gran volumen de respuestas viscerales producidas por la historia es difícil de negar. Piense en Free Solo en descenso, con matices de Fire of Love, y tendrá una idea de la emoción nerviosa y ocasionalmente estimulante que acompaña a esta película.

Antes de que sepamos su nombre o el evento en el que participa, "The Deepest Breath" nos presenta a la freediver Alessia Zecchini. En las Bahamas y de camino a un intento de clavado sin precedentes, se le pregunta a Alessia sobre la posibilidad de morir en su deporte favorito. Se ríe y habla sobre el destino, pero cinco minutos más tarde, después de una de las zambullidas más fotogénicas, sale a la superficie, con los ojos en blanco y recibiendo RCP de emergencia. 

Esto, revela finalmente el documental, no es raro en el buceo libre, un deporte en el que los apagones son comunes y los buzos de seguridad son tan esenciales que alcanzan un nivel de celebridad comparable al de los buzos que están protegiendo. 

McGann construye la película en torno a dos biografías paralelas. Joven, hermosa y motivada, Alessia supo que quería ser apneista desde que era una niña, atraída por el encanto del mar y por la celebridad récord de la apneista rusa Natalia Molchanova. Stephen Keenan es un hombre en busca de un propósito, que eventualmente se dirige a Dahab, la Meca egipcia del buceo, hogar del notoriamente mortal Blue Hole. Después de batir récords irlandeses con su propio buceo, se convierte en buzo de seguridad.

Editado cuidadosamente por Julian Hart para presagiar pero no estropear, el documental se dirige hacia una intersección de nuestros héroes, y hacia algo siniestro. A lo largo hay explicaciones de los matices del deporte, lo suficientemente bien comunicadas para que la audiencia pueda comprender tanto las estrategias como los objetivos, y advertencias repetidas de que incluso las competiciones más reguladas con los saltadores más entrenados pueden conducir a una tragedia. Hay un concurso fundamental en el que Alessia tiene apagones durante tres días seguidos, y eso es normal.

Es un deporte que es notablemente bueno para documentarse a sí mismo, y aunque Tim Cragg es el director de fotografía acreditado, el documental está compuesto por imágenes filmadas por más fotógrafos submarinos y cronistas de redes sociales sobre el agua de los que podría contar. Puede que la audiencia no entienda por completo por qué Alessia y Stephen hacen lo que hacen, más o menos de lo mismo que se cuestiona el deseo de Alex Honnold de escalar acantilados sin cuerdas ni arneses, pero las imágenes captan a Alessia y Stephen en tantas formas diferentes de júbilo y desolación que al menos se puede empatizar con los extremos que anhelan. La partitura arrolladora de Nainita Desai ahoga cualquier incertidumbre restante del espectador, aunque McGann es muy cuidadosa en entregar las escenas submarinas sin música en absoluto, solo respiración, latidos del corazón y un silencio de otro mundo.

A lo largo de "The Deepest Breath", se sabe que la película que uno está viendo no concluirá con dos personas jugando felizmente con cachorros en un campo y diciendo: "¡Hombre, eso fue una locura que hicimos durante un par de años!" Pero la ambigüedad y el misterio de lo que se avecina se mantiene a tensión elevada, y dado que el documental está destinado a Netflix, la esperanza es que la gracia de Alessia y sus compañeros, la oscuridad herméticamente sellada que proviene de estar a más de 100 metros bajo la superficie, los intentos de inmersión auditiva y visual serán tan completos que la audiencia no se distraerá lo suficiente o no querrá curiosear en Google lo que realmente pasa en esos últimos minutos de la película.

No vi "The Deepest Breath" en un cine, y aunque sentí una gran inmersión y una gran distracción por su cinematografía y su historia, aún sentía la incomodidad de la narrativa manipulada. Entiendo que con muchos documentales que me gustan, incluido "Free Solo", los directores saben el final de una historia y emplean juegos de manos para mantener a los espectadores en la oscuridad, dispositivos que van desde una cronología cuestionable hasta cabezas parlantes que usan tiempos verbales tortuosos para enderezar hasta la retención de información, que se muestran aquí. Está justo al borde de lo cuestionable, y no puedo evitar pensar en los miembros de la familia algún día viendo un documental que usa el peor momento de sus vidas para un twist cinematográfico. 

Pero la artesanía que impulsa "The Deepest Breath" es tan efectiva que finalmente me quedé con una catarsis bien representada. E incluso en mi incomodidad, no estoy segura de qué hubiera querido que McGann lo hiciera de manera diferente. Es una reserva, no una condena de una película, en gran parte potente, hermosa y asfixiante (en el buen sentido de la palabra).

Crítica Cinéfila: La Dama del Silencio - El caso Mataviejitas

La oleada de asesinatos de ancianas que sacudió Ciudad de México entre 1998 y 2005 desató la caza (y captura) del asesino... pero nadie podía imaginarse su identidad.

Difícilmente puedes navegar por el gran océano del streaming sin encontrarte con un documental o una serie de asesinos en serie , un hecho que probablemente dice más sobre nosotros como espectadores que de la industria del entretenimiento. Sin embargo, todas las opciones no son iguales. Algunas se notan rápidas y descuidadas por esa gran necesidad de "entretener con el morbo", pero siempre aparecerán otros con estilo y personalidad real; esa es la categoría donde "La dama del silencio: Los asesinatos de Mataviejitas" caen en definitiva. 

La directora María José Cuevas no podría haber elegido mejor tema para un documental policial. La historia de “La Dama del Silencio” es ciertamente extraña, curiosa y llena de intriga. Esta se sumerge en los muchos aspectos fascinantes del caso que asoló la Ciudad de México, como (por años y un seguro sexismo) se creyó que el asesino debía ser hombre por la brutalidad de los asesinatos, como la asesina en serie creía que su Dios era la muerte, su supuesta profesión de luchadora y tomar recuerdos de cada víctima.

Juana Barraza fue la responsable de la muerte de más de 16 mujeres envejecientes, desde el 1998 hasta el 2006. Víctima de abuso sexual cuando era una niña, Barraza se convirtió en luchadora profesional, lo cual le permitió lograr un físico y técnicas de ataque que le permitieron derribar a sus víctimas sin mucha dificultad. Aunque no se le pudieron demostrar los más de 40 casos de ancianas asesinadas en la franja de tiempo que ella misma confesó haberlos hecho, Barraza mostró siempre una frialdad y serenidad ante el caso. Quizás por sus traumas del pasado, o por la satisfacción de que lo logró por un largo tiempo. 

Lo interesante del documental es la manera tan artística y coqueta en que se maneje. En definitiva, no parecería un documental de una asesina en serie a simple vista. La introducción tiene un buen gancho con un tipo de tema de asesinato y misterio, pero con una música que estimula a un thriller de aventura. Las fuentes utilizadas a lo largo de la película incluso imitan hábilmente las que están impresas en los viejos libros de Agatha Christie. La paleta de colores recurrentes también tiene un significado con los aspectos de lucha libre y día de los muertos, que se revela sutilmente cerca del final de la película, pero que de entrada parecería que indica una fiesta y no un crimen.

Hay una variedad de diferentes técnicas documentales aplicadas aquí. La cineasta no se limita con realizar las entrevistas habituales a los testigos, sobrevivientes y familiares, también detona un gran contraste entre lo que dice la prensa y lo que dicen los miembros institucionales responsables de encontrar a la asesina. Retrata a las familias en un estilo de documental dramático, mientras que los fragmentos de las acusadas y asociadas a Barraza parecen unos sketches de comedia.

Tampoco hay una narración de mano dura que es lo habitual de encontrar en los documentos criminales. En esta película, aunque el relato de los hechos por parte de los entrevistados es la única narración necesaria, la cineasta se esfuerza por mostrar un aprecio por la población adulta mayor mexicana en general y un enfoque en las víctimas y sus familias, a través de los distintos elementos que caracterizan a estas figuras.

El documental también muestra la discriminación que exhibieron la policía y el gobierno mexicano al priorizar los asesinatos mientras ignoraba de alguna manera muchos otros feminicidios violentos que estaban ocurriendo en ese momento. La Dama del Silencio: Los Asesinatos de Mataviejitas destaca a todos los grupos afectados, incluidos los muchos acusados ​​falsamente (uno de los cuales murió en prisión por pecados que no cometió). 

Y si no eres nativo de México, entonces te estarás preguntando por qué nunca antes habías oído hablar de “La Dama del Silencio”. Bueno, eso es porque hasta que se estrenó esta película, nadie le había dado a la historia una plataforma internacional adecuada sobre la cual apoyarse. Hay tantas maneras en que esta historia podría haber sido contada. Podría haber habido diez veces más entrevistados. Podría haber más o menos antecedentes sobre el asesino en serie. Pero la forma en que se filma esta parece estar cerca de la perfección. Hay variedad, hay brevedad y, sobre todo, hay armonía. 

De manera amena y creativa, "La dama del silencio: los asesinatos de Mataviejitas" cuenta una historia, pero también señala las fallas del gobierno mexicano y su policía. Está completamente bien hecho, y podría ser uno de los mejores documentales sobre crímenes que se han producido este año.