Las mejores películas del 2017, para Inesita de los Santos

Según mi IMDB, este año vi 155 películas y series de televisión; algunas estrenadas este año y otras de años anteriores. Buenas y malas; interesantes y aburridas; originales y clichés. Pero sobre todo, muchas películas diferentes.

Es difícil elegir la mejor película del 2017, principalmente por el hecho de que no he visto todas las películas estrenadas este año, y sobretodo porque la diversidad en cada una hizo que cada mes hubiese una excelente o destacable, gracias a algún aspecto en particular de esa historia. Por esa razón, antes de finalizar el año, les describo cuales han sido las mejores, desde mi punto de vista.

Get Out

Un joven afroamericano visita a la familia de su novia blanca, un matrimonio adinerado. Para Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams) ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, por lo que ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy (Catherine Keener) y Dean (Bradley Whitford). Al principio, Chris piensa que el comportamiento "demasiado" complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a una descubrir una verdad inimaginable.

¿Por qué es una de las mejores? La originalidad del guión, con una trama que explora una utopía de la esclavitud moderna.

Dunkirk

Año 1940, en plena II Guerra Mundial. En las playas de Dunkerque, cientos de miles de soldados de las tropas británicas y francesas se encuentran rodeados por el avance del ejército alemán, que ha invadido Francia. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, las tropas se enfrentan a una situación angustiosa que empeora a medida que el enemigo se acerca.

¿Por qué es una de las mejores? Tiene la combinación perfecta de trama, orden de narración y fotografía.

Baby Driver

Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad.

¿Por qué es una de las mejores? El trabajo de la musicalización con las intenciones de los personajes y las escenas.

The Big Sick

Cuenta la historia real de Kumail y Emily, una pareja que se conoce en un espectáculo de comedia. Cuando parecía que todo iba a quedarse en un encuentro de una noche, su relación empieza a avanzar a pesar de las diferencias culturales, complicando las vidas de todos por las expectativas que tenían los padres de Kumail, musulmanes estrictos.

¿Por qué es una de las mejores? Tiene una trama capaz de generar una mezcla de sentimientos encontrados, con el trabajo de los personajes y el desarrollo de la historia.

The Florida Project

Una niña de 6 años y sus amigos pasan un verano lleno de aventuras alrededor de un pequeño motel, mientras sus padres y el resto de adultos que les rodean pasan unos tiempos difíciles.

¿Por qué es una de las mejores? Las actuaciones y las circunstancias de vida que le dieron a cada personaje hacían de la historia mucho más interesante.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mildred Hayes (Frances McDormand), una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia.

¿Por qué es una de las mejores? El elenco seleccionado, que le daban un toque de perfección a una trama con sucesos muy particulares de la historia.

Lady Bird

Una joven estudiante que se hace llamar "Lady Bird" (Saoirse Ronan) se muda al norte de California para pasar allí su último año de instituto. La joven, con inclinaciones artísticas y que sueña con vivir en la costa Este, tratará de ese modo encontrar su propio camino y definirse fuera de la sombra protectora de su madre (Laurie Metcalf).

¿Por qué es una de las mejores? El contraste entre el mundo que la protagonista quería crear en comparación con la realidad que ella y su familia compartían.

Loveless

Una pareja que atraviesa un divorcio debe aunar fuerzas para encontrar a su hijo, desaparecido tras una de sus peleas.

¿Por qué es una de las mejores? El desarrollo y trabajo de los personajes que te provoca amarlos u odiarlos, pero nunca te deja indiferente a esta historia.

Coco

Miguel es un joven con el sueño de convertirse en leyenda de la música a pesar de la prohibición de su familia. Su pasión le llevará a adentrarse en la "Tierra de los Muertos" para conocer su verdadero legado familiar.

¿Por qué es una de las mejores? Pixar siempre tendrá la química perfecta: personajes interesantes, diseño de producción interesantes, historia interesante, música interesante.

The Shape of Water

Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido.

¿Por qué es una de las mejores? Guillermo del Toro desarrolla una trama que mezcla el suspenso de una realidad con la fantasía romántica de otra.

The Disaster Artist

Narra la historia real del 'making of' de la película The Room, que ha sido considerada como “una de las peores películas de la historia". Dirigida en 2003 por Tommy Wiseau, The Room se ha estado proyectando en salas completamente llenas por todo Norteamérica desde hace más de una década. The Disaster Artist es una buddy comedy sobre dos inadaptados en busca de un sueño. Cuando el mundo los rechaza, deciden hacer su propia película, un film maravillosamente espantoso gracias a sus momentos involuntariamente cómicos, sus tramas dispersas y sus terribles interpretaciones.

¿Por qué es una de las mejores? Esa película de culto es lo suficientemente interesante para analizar y entender cómo fue su proceso de producción y quién fue Tommy Wiseau al momento de crear The Room.

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa.

¿Por qué es una de las mejores? El trabajo minucioso de los personajes es más interesante que la historia que buscan narrar, pero sin opacar cuál es la verdadera intención de la trama.

I, Tonya

Tonya Harding fue la primera mujer estadounidense en completar un salto de triple axel en competición en patinaje sobre hielo en 1991. Pero el éxito en el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal.

¿Por qué es una de las mejores? Es la historia de uno de los mayores escándalos deportivos de la historia de Estados Unidos. A parte de contar con poderosas actuaciones y un guión muy bien narrado.

Aún no he visto Battle of the Sexes, Molly's Game, The Darkest Hour y The Post, las cuales son elevadas por la crítica y las nominaciones; pero después de verlas, esta lista podría ser actualizada.

Mis favoritas del 2017

Estas no fueron las mejores, pero sí se ganaron un espacio en mi corazón de favoritos:

I, Tonya

Tonya Harding fue la primera mujer estadounidense en completar un salto de triple axel en competición en patinaje sobre hielo en 1991. Pero el éxito en el hielo no siempre estuvo acompañado de felicidad en su vida personal. (FILMAFFINITY)

El director Craig Gillespie recrea uno de los mayores escándalos deportivos de la historia de Estados Unidos, con el papel protagónico de Margot Robbie quien encarna a Tonya Harding, la famosa patinadora estadounidense.

Tonya tuvo una niñez complicada. Su familia era completamente disfuncional, con una madre que la maltrataba física y verbalmente, y un padre ausente en la mayor parte de su niñez, atemorizado por la madre de Tonya. Desde los tres años, su madre la inscribió en patinaje, pues se había percatado de la obsesión de la niña con ese deporte, pero todo esto con la condición de que se convertiría en su carrera y único deseo de vida. Tonya vivía bajo las reglas dictatoriales de su madre y por esa razón creció con una actitud fuerte, violenta y extrovertida. 

A pesar de su distorcionada relación con su madre, y luego con su novio, la escasez de verdaderos amigos y su afán por impresionar a la audiencia bajo sus extrencidades, siempre demostró la pasión que sentía por el patinaje.

Margot Robbie le da vida a este personaje, del cual se apodera y lo presenta de una manera divertida pero a la vez dramática, con la principal intención de reconocerla como una víctima de las personas que la rodearon, que a la vez la convirtieron en la persona que todavía hoy es. La personalidad que transmitió y la devoción con la que fue desarrollando su personaje la convierten en una fuerte candidata para esta próxima temporada de premios. Además, es impresionante y notorio el entrenamiento que Margot tuvo que recibir para las escenas en hielo (aunque se haya utilizado un doblaje). 

Por otro lado, Robbie es complementada con un elenco envidiable compuesto por Sebastian Stan y Allison Janney, quienes tuvieron la ardua tarea de representar al esposo y la madre de Tonya, y hacerle la vida imposible al personaje en cada etapa que estuvo junto a ellos.

La trama está narrada a modo de entrevistas realizadas a los personajes que estuvieron más involucrados en esta historia, permitiendo entender cada momento y lo que conllevó a que se produjera el escándalo en la que la patinadora estuvo supuestamente involucrada y lo que la llevó al declive total de su carrera. El guión está desarrollado en un orden y temática interesante, con un tono y ritmo que se mantiene para no romper con la atención de la audiencia, y unas líneas que de manera constante y divertida mantienen la energia, ironía y sarcasmo de sus personajes.

Un aspecto importante a resaltar es el diseño de vestuario, que se guió completamente de los verdaderos atuendos de Tonya Harding para mantener una línea más realista y cercana a las presentaciones de la patinadora.

La fotografía se guía del estilo en que la historia está narrada y emplea planos de entrevistas, donde cada personaje se caracterizaba por un diseño de producción y escenografía en específico, y  luego utilizando planos en movimientos y slow motion para las escenas en el hielo, muy característicos de los dramas deportivos. Del mismo modo, la musicalización es inspirada del estilo musical que Tonya siempre utilizó para sus presentaciones, manteniendo la esencia del personaje y el tono de la trama.

"I, Tonya" es una película de humor negro con la que Margot Robbie debuta como productora y trata de lanzarse como una actriz de más nivel. Este filme puede ser considerado uno de los mejores del 2017, gracias a la naturalidad y carisma con la que sus personajes cuentan este drama que involucró  a una de las mejores patinadoras de hielo más famosas de los años 90. 

Call Me By Your Name

Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983, cuando un nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa: Oliver. Pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa. (FILMAFFINITY)

Es el verano de 1983 en el norte de Italia y Elio Perlman (Timothée Chamalet), un chico ítalo-estadounidense precoz de 17 años, pasa los días en la villa familiar del s. XVII transcribiendo y tocando música clásica, leyendo y enamorando a su amiga Marzia (Esther Garrel).

Elio tiene una estrecha relación con su padre (Michael Stuhlbarg), un ilustre profesor especializado en cultura grecorromana, y su madre Annella (Amira Casar), una traductora, y entre ambos le han dotado de una amplia cultura en un entorno que rebosa de encantos naturales. Aunque la sofisticación y don intelectual de Elio podrían sugerir que es un adulto hecho y derecho, todavía tiene cierta inocencia y temas en los que desarrollarse, especialmente cuando se tratan de los sentimientos.

Un día, Oliver (Armie Hammer), un cautivador investigador americano que trabaja en su doctorado, llega para ayudar al padre de Elio como becario durante el verano. En medio del soleado esplendor de este marco, Elio y Oliver descubrirán la embriagadora belleza del despertar sexual a lo largo de un verano que cambiará sus vidas para siempre.

Esta película no es únicamente una trama enfocada en la sexualidad homosexual, sino también en el descubrimiento de las atracciones humanas y el desarrollo de las relaciones amorosas, desde su inicio hasta su climax. La sutileza y ritmo con la que cuentan la trama provoca un entendimiento completo de las intenciones de su director Luca Guadagnino, principalmente por la mezcla de vulnerabilidad y sensualidad como cuenta esta historia.

El reparto, protagonizado por Armie Hammer y Timothée Chalamet, es totalmente explosivo, principalmente en las escenas de este duo que muestra una química envidiable y anhelada en cada minuto de la película. No obstante, esto no resta al valor actoral que cada uno le da a sus roles, aún en las escenas individuales, por la carga emotiva que conllevan y la evolución de los mismos a lo largo de la trama. A su vez, los discursos están cargados de ironía y verdades subliminales que cada uno de sus narradores irán delatando a medida que avance la historia, sin ningún doble sentido, sino dejando todo exactamente donde quieren.

La fotografía está enfocada principalmente en retratar los distintos escenarios de la ciudad italiana donde ocurre esta historia, y cómo está va evolucionando junto con los sucesos de la historia. Los personajes saben sacarle provecho a cada escenografía empleada y aportarla como un elemento cultural que demuestra los propósitos de cada uno. Por otro lado, la musicalización es un espejo del tono romántico y dramático que va narrando la historia. Esa última canción es el clímax más inesperado que la audiencia espera para el protagonista, un grito de desahogo que muy pocos entenderan, pero que se dejarán llevar por su ritmo sutil y melancólico.

Además de ser una película completamente transparente y emotiva, el romance que crece entre sus protagonistas, más las interacciones de estos con el elenco de reparto, hacen que sea una trama respetable, aun por el más escéptico, y esto se debe al tono adecuado que tiene, a la naturalidad de cómo van surgiendo las situaciones y cómo los personajes saben dar un final totalmente inesperado pero aceptable, con el objetivo de dejar a su público con los sentimientos a flor de piel.

Call me by your name es, sin lugar a dudas, una película perfecta y digna de ser reconocida.

Detroit

Film ambientado durante los disturbios raciales que sacudieron la ciudad de Detroit, en el estado de Michigan, en julio de 1967. Todo comenzó con una redada de la policía en un bar nocturno sin licencia, que acabó convirtiéndose en una de las revueltas civiles más violentas de los Estados Unidos. (FILMAFFINTY)

Los años 60 representaron una de las décadas más difíciles y oscuras de los Estados Unidos. Con el tema del racismo y la brutalidad policial y ciudadana, ser negro en algún estado del sur era un riesgo. Actualmente, mientras más pasa el tiempo, más historias salen a la luz, revelando informaciones que la gran mayoría de la gente desconocía sobre esta época.

A mediados del 1967, cuatro años después del famoso discurso de Martin Luther King, todavía existía un racismo intenso en el Sur de Estados Unidos, principalmente por parte del cuerpo policial americano. Detroit era una ciudad en constante batalla, donde la población afroamericana estaba cansada de ser oprimida y se revelaron en contra de las autoridades. De modo que un cuerpo militar es enviado a la ciudad para "controlar" la situación y evitar a que llegue a peores situaciones.

Mientras tanto, el grupo musical The Dramatics está a segundos de presentarse en Detroit, cuando la policía irrumpe y exige que todo el mundo abandone el teatro, pues una revuelta está ocurriendo justo fuera del edificio. Los rebeldes atacaron el autobús de los músicos y los miembros del grupo se dividen hacia diferentes lugares. Larry Reed y su amigo Fred Temple deciden ir al Algiers Motel y rentar una habitación, mientras se calman las calles. Allí conocen a dos jóvenes que los invitan a compartir con unos amigos. Pero las bromas de uno se convirtió en la perdición del resto, que provocó la muerte de 3 afroamericanos y un caso sin resolver.

Kathryn Bigelow narra esta historia desde distintas perspectivas y la divide en tres situaciones: un policía corrupto, frente a otros que no estaban totalmente de acuerdo con su opinión y forma de tratar a los afroamericanos; un policía afroamericano de turno nocturno que solo trataba de ayudar a los demás; un grupo de afroamericanos en una situación delicada que les costaría la vida por un relajo con una pistola falsa.

La visión de la directora es resaltar los distintos puntos de vista en este suceso conocido como el Incidente del Motel Algiers en el que los hechos que se presentan en la película no son precisamente los que sucedieron esa noche, más bien está inspirada en una recopilación de entrevistas a los que sí pudieron colaborar; sin embargo, sí capta ese mensaje de contrariedades y demuestra que, no todos los afroamericanos eran víctimas y no todos los policías eran villanos.

Es necesario destacar la actuación de Will Poulter como el policia Strauss, quizás uno de los villanos más odiados del 2017, pero con una actuación impresionante de este actor que no decepciona cuando encarna cualquier personaje. Así mismo, las actuaciones de John Boyega, Algee Smith, Jason Mitchell y Anthony Mackie son increíbles, que saben traducir en sus líneas y lenguaje no verbal cada uno de los sentimientos de discriminación, injusticias y barbaries que planteaban sus personajes, explicando que, no importaba si pertenecían a la policía, la política o si era veterano de la guerra, el hecho de ser negro ya era una clasificación marginatoria que los policías pensaban que podían violar sus derechos humanos.

Por otro lado, la fotografía, caracterizada por la cámara en mano, le permite al público una cercanía a cada uno de los personajes y crea la sensación de que la audiencia es un personaje más dentro de la historia, lo cual genera mayor empatía con las distintas historias y el mensaje final. Del mismo modo, a pesar de que la musicalización es parte importante para generar la atmósfera dramática, los silencios de la película son esenciales para la tensión que provocaba cada escena.

Detroit es una película que merece ser más destacada, porque busca ser un llamado de atención y un espejo a las brutalidades policiales que existen hoy en día, pero también a destacar quienes son los verdaderos villanos de esta historia de nunca acabar y cómo los conflictos se pueden evitar si se tomaran las decisiones inteligentes.

El Gran Showman (The Greatest Showman)

Biopic sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense, fundador del "Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus" conocido como "el mayor espectáculo en la tierra". (FILMAFFINITY)

Hace cinco años, Hugh Jackman fue protagonista del musical dramático The Miserables. Era la primera vez que yo lo veía en un rol donde, a parte de actuar, debía cantar. Y me sorprendió su entrega al personaje. Una vez más, vuelve a ser protagonista en un musical mucho menos miserable pero con intenciones similares.

Jackman encarna a Barnum, un cirquero que, después de casarse con su amor de niñez y perder su trabajo, decidió abrir un museo de animales de cera. Sin embargo, las circunstancias de la vida y su curiosidad lo impulsaron a abrir un espacio donde las atracciones principales eran personas con características biológicas, distintivas del resto. Sin embargo, estas personas eran consideradas monstruos y el circo siempre corrió peligro de su destrucción, ya sea por los ataques de los escépticos o el descuido de Barnum.

La historia adapta la vida del cirquero, protagonizada exquisitamente por Hugh Jackman, donde los momentos más importantes fueron las interpretaciones de las canciones que representaban cada etapa superada en la vida del personaje. Gracias a su actuación, le permite a la audiencia conocer mejor a Barnum y todo lo que tuvo que pasar para poder llegar a considerarse un empresario conocido en Estados Unidos.

Del mismo modo, la película cuenta con la participación de otros actores como Michelle Williams (otra sorpresa, para mi, en el mundo del canto), Zac Efron (a quien siempre nos recordará a Troy Bolton de High School Musical) y Zendaya, quienes saben complementar la historia con diferentes números musicales particulares que sirven para desviar la atención fija del protagonista y crear subtramas a su alrededor que a su vez afectaron la vida del cirquero.

Los escritores Michael Arndt, Jenny Bicks y Bill Condon se tomaron su tiempo para construir esta historia y darle una forma completa en la que no hiciese falta preguntarse qué sucede en la vida de cada personaje, pues dejan todo lo suficientemente claro para dejarse envolver por las situaciones y dejarse llevar con las canciones.

Los mejores momentos de la película son recreados dentro del circo, donde la coreografía y la musicalización son elementos esenciales que proyectan la atmósfera perfecta para creerse que la misma audiencia está dentro de la película. La fotografía sirve de complemento para destacar las atracciones, bailes y números artísticos que, incluso fuera del circo, parecen como si fuese un cuento de hadas adaptado a la vida real.

Para los amantes de musicales, esta película es una manera entretenida de terminar el año, caracterizada por la combinación perfecta de historia y musica, y complementada por un elenco envidiable que lo entregan todo para otorgar un verdadero espectáculo a la audiencia.

The Disaster Artist

Adaptación del libro de Greg Sestero, que habla sobre la producción de una de las consideradas peores películas de la historia, "The Room", dirigida en el 2003 por Tommy Wiseau. (FILMAFFINITY)

Nunca he visto la película The Room, pero si he escuchado los comentarios de que esta es una de las peores películas de la historia del cine. Quizás por esa razón, la idea de crear una película sobre su proceso de producción y quién era Tommy Wiseau resultaron lo suficientemente interesantes para crear un conflicto que le diera vida a lo que denominaron The Disaster Artist.

Tommy es un actor estadounidense que, debido a sus peculiaridades y su estilo extrovertido, no logró el éxito que se propuso conseguir al llegar a Los Angeles junto a su amigo Greg. De modo que él decide escribir su propio guión para producirlo, dirigirlo y protagonizarlo.

Esta película está protagonizada por el elocuente James Franco, quien encarna de una manera impresionante a Tommy. Aquí no solo fue un trabajo de personificación en aspectos físicos y acentos, sino también en el entendimiento de los complejos de este artista y las necesidades que tenía frente al mundo ambicioso al que quería pertenecer. Es acompañado por su hermano Dave Franco, quien tiene la tarea de encarnar a Greg Sestero y demostrar todas las situaciones que tuvo que aguantar el personaje para no perder las oportunidades que le había otorgado su amistad con Tommy.

Durante toda la película, surgen tres misterios sobre la vida de Tommy: cuántos años tiene, de dónde es (recientemente reveló que es europeo) y de dónde consigue tanto dinero. Sin embargo, esto no será lo único importante de la trama, sino también las circunstancias que vivirán los personajes a lo largo de este rodaje y las decisiones que cada uno toma para poder seguir adelante con esta película, que solo a último momento, cuando ya se está presentando en la sala de cine, es que se dan cuenta del desastre del que fueron parte.

Además de la trama principal de presentar cómo Tommy y Greg produjeron The Room, también se establecen las dificultades que los actores deben sobrepasar para poder llegar a ser alguien en el mundo del espectáculo.

La cámara en mano y el empleo de "tomas detrás de escenas" complementan la trama y le entregan a la audiencia una película mucho más personal e íntima, permitiendo un mejor entendimiento de las intenciones de sus personajes que los llevaron a desarrollar esta producción. Otro aspecto a destacar es el extremo cuidado que se tomó para reproducir las escenas más "emblemáticas" de The Room y demostrar las similaridades de esta adaptación con su versión original al final de la película, en escenas postcréditos.

The Disaster Artist es una de las películas más divertidas y entretenidas del 2017, donde James Franco sirve de director, productor y actor, y se envuelve en la difícil tarea de entender la mente de Tommy Wiseau, para lograrlo con una carisma que le podrían garantizar más de una nominación en esta temporada de premios.

Crónicas de California: Conociendo al guionista Allan Heinberg, escritor de Wonder Woman

"Yo soy guionista de TV, y usualmente hay una gran pared entre guionistas de TV y guionistas de cine. Y en el caso de Los Angeles, hay una gran lista de guionistas que consiguen buenas oportunidades y otros que son buenos escritores pero no logran entrar en la lista de créditos del guión, porque estas películas regularmente tienen de 15 a 19 escritores en sus historias", Allan Heinberg.

Con el paso del tiempo, ademas de ser el responsable de escribir la historia en formato de guion, el guionista o escritor se ha convertido en un personaje importante de la pre-producción de una película o serie de televisión. En el caso de la televisión, la mayoría de los escritores de una serie son también productores de la misma. En el caso del cine, el guionista es una persona que desarrolla la historia en un plazo que depende de la película que se escribe y con la colaboración del productor, los actores (si ya han sido definidos) y el director. Esto aplica aún más cuando el guionista es el último que se contrata en una producción y sus reuniones con el equipo se basan en sesiones creativas para desarrollar la trama.

Es así como Allan Heinberg comenzó a trabajar Wonder Woman. 

Alan es un productor y guionista estadounidense, mejor conocido por sus trabajos en las series americanas Gilmore Girls, Sex and the City, The OC, Grey's Anatomy, Scandal y The Catch. Pero la película de la Mujer Maravilla (2017) es la que ha elevado aún más su nombre, principalmente por el hecho de ser la única película de un superhéroe femenino realizada por DC Universe. En un mundo en que la supremacia masculina en las películas de acción ha dominado desde los inicios de este género, hacia falta una voz que dijera "los hombres no son los únicos héroes".

Ser parte de la producción de Wonder Woman fue para él una increíble experiencia, principalmente por el hecho de trabajar junto a Patty Jenkins, quien se incluyó en el proyecto cuando ya iban por la página 60 del guión, pero la hizo suya y le dio el sentimiento que se habían planteado desde el principio.

Por otro lado, si estudian la filmografía de Allan, se podrán dar que en casi todos los proyectos en los que ha sido guionista, sus protagonistas son mujeres, que de una manera u otra, dependiendo de su personalidad, se empoderan de la historia y rompen los estereotipos establecidos por la universidad.

Gracias al New York Film Academy por darles a sus estudiantes la oportunidad de conocer a este escritor y cómo llegó a ser el guionista de Wonder woman.

¿Cómo se convierte en el guionista de Wonder Woman?
Había colaborado con algunas ideas a mi amigo Jeff que trabaja en el Universo de DC. Ya Wonder Woman tenía aproximadamente un año de desarrollo, y yo no hacía muchas preguntas sobre el proyecto. De repente, me llamó para decirme que Zack Snyder quería volver a analizar el personaje  y el concepto, y Jeff le dijo que quería tenerme en su equipo.  Me cuentan todas las ideas que ya tienen y la historia. Yo les propuse que se cambiara la trama que ya tenían, que era básicamente la misma que se ha planteado en las películas anteriores de Superman, y enfocarla más en los orígenes de Diana, pues es una historia mucho más emotiva. Terminé de explicar mi idea, salí y Zack me preguntó si podía integrarme al equipo al día siguiente para escribir mi historia. Escribí el tratamiento en una semana.
Pero antes de comenzar todo el proceso de formato, debía hablar con Shonda Rhimes.

¿Qué esperaban con la película de Wonder Woman?
No estábamos tratando de escribir una historia enfocada en empoderamiento femenino, sino en la verdadera historia de este personaje. Pero esa fue la reacción que obtuvo del público.
Uno se da cuenta cuando la industria puede generar dinero y buenas críticas realizando películas que son específicamente para contar historias femeninas emotivas, y este fue uno de los casos.

¿Cómo fue el proceso para escribir un guión para el universo de DC?
En el caso de Marvel y DC, los productores plantean las historias a sus escritores, y les preguntan cuales quieren trabajar.
Cuando entré al equipo, habían aproximadamente 12 escritores que estaban trabajando con la historia que se iba a contar antes de yo plantear mi idea. Pero nunca leí nada de ellos, porque los productores no te dejan, para evitar plagio o críticas internas.
Zack y yo dividimos la historia por secuencias en un tablero y la escribimos en tres meses aproximadamente, pues estábamos en contratiempo.

¿Cuál fue una de las escenas más difíciles de escribir en Wonder Woman?
Básicamente las lecciones de historia de las amazonias, donde Diana aprende la mitología. Y el conflicto final entre Diana y Ares, solo porque es muy difícil escribir villanos.
Duramos mucho tiempo reescribiéndolas, y todavía después de ver la película, me dije a mi mismo que podían haber quedado mejor.

¿Alguna escena o líneas que escribiste que te sorprende que la hayan incluído en la película?
Cuando Steve está desnudo en tierra de las amazonias y algunos de los diálogos entre Diana y Steve, donde él decía que estaba sobre lo que es considerado un "hombre regular". Eran chistes que se repitieron varias veces, pero que al final parecen haber funcionado.

¿Qué tanto desarrollaste las escenas de batallas en el guión que fueron presentadas en pantalla?
Los guionistas no podemos ser coreógrafos en nuestros guiones y describir cada minúsculo detalle de las batallas, pero sí hubo momentos, principalmente en las escenas cuando ya está en la guerra, que sí describí lo que ella hacía: como esquivar las balas, saltar a un edificio, golpear a un hombre y luego a otro.
No soy un guionista de acción, pero escribí lo suficiente para que Patty y el "coreógrafo" entiendan cómo debían suceder esas escenas.
Además, se debe tener en cuenta la cantidad de páginas y es mejor tener una descripción no tan detallada, porque cada página es dinero y tiempo que se va a invertir.

¿Qué tan difícil es para ti, como hombre, escribir y desarrollar personajes femeninos y captar sus voces? 
Es lo que siempre he hecho. Pero además, todo es inspirado por lo que mi madre siempre me enseño, quien era una mujer que no toleraba el sexismo y que siempre tuvo una voz fuerte frente a estos temas, principalmente al empoderamiento femenino.
Pero además, pertenezco a la comunidad LGBT y nunca he visto a la mujer como un objeto sexual, de modo que siempre las he desarrollado como personas capaces de lograr cualquier cosa.

Roman J. Israel, Esq.

Roman Israel (Denzel Washington) es un idealista abogado defensor que, debido a una serie de acontecimientos, se encuentra en una crisis que le conduce a una decisión extrema. (FILMAFFINITY)

Denzel Washington vuelve a recordarnos por qué es considerado uno de los mejores actores de su generación y actualmente, con un personaje que no solo es interesante, sino que crea los sentimientos de fiabilidad y empatía.

Roman J. Israel es un abogado que siempre ha trabajado tras el escritorio con los casos de una pequeña firma de abogados, mientras sus colegas se llevan todo el mérito de su trabajo. Renunció a todo: tener una familia, avanzar más como abogado, lograr una mejor estabilidad económica; todo esto, solo para salvar los casos de personas inocentes, débiles y discriminadas. Pero cuando su jefe sufre de un ataque cardíaco, la firma toma la decisión de dividirse y Roman queda sin trabajo. Después de semanas en busca de un trabajo, un socio de la firma de su ex-jefe decide otorgarle una posición en su poderosa empresa. 

No obstante, y después de un intento fallido de salvar a una persona inocente de ser sentenciada por un crímen que no cometió, Roman decide revelar de manera anónima quién es el verdadero culpable y recibir una poderosa recompensa con la cual podrá otorgarse la vida que nunca había podido tener, solo para que la culpabilidad lo atacara constantemente después de que resulte ser el abogado de a quién delató.

Denzel Washington encarna a este personaje y permite retratar los grandes esfuerzos, complejos, debilidades y necesidades que enfrenta constantemente frente a una sociedad que no entiende ni respeta su manera de ver la vida. Su actuación resulta ser cautivadora frente a las situaciones que debe enfrentar Roman para seguir adelante y las decisiones que toma frente a lo que ocurre a su alrededor.

Lo que resulta decepcionante es la historia que narran frente a Roman, que resulta estar muy por debajo de lo que este logra causar. El personaje resulta ser mucho más interesante que la trama. Le faltó velocidad, mantener un tono, causar la suficiente tensión y generar fascinación por lo que sucedía a lo largo de la historia. Lo que podría considerarse mejor trabajado frente a la trama a nivel general es el twist final otorgado, que permite demostrar que se logró cada objetivo que Roman se propuso a lo largo de la película.

Por otro lado, la película retrata distintos escenarios de Los Angeles, enfocando su fotografía y musicalización en encontrar un lado divertido y a la vez lleno de tensiones y acomplejidades de parte de las realidades que enfrenta el protagonista.

Roman J. Israel Esq. es mucho personaje para la precaria historia que cuenta y merece una mucho mejor que demuestre todo lo que tuvo que pasar para lograr la poca felicidad de su vida, tratando temas sobre la injusticia judicial, el poder que tienen los más ricos frente a los más intelectuales, el peligro que corren los abogados frente a los demás criminales y la constante tensión de que cualquer cosa podría ocurrirle, incluyendo la muerte.

Star Wars: The Last Jedi

La malvada Primera Orden se ha vuelto más poderosa tras 'El despertar de la fuerza' y tiene contra las cuerdas a la Resistencia liderada por la General Leia Organa (Carrie Fisher). El piloto Poe Dameron (Oscar Isaac) lidera una misión para destruir un acorazado de la Primera Orden. Mientras tanto, Rey (Daisy Ridley) tendrá que definir su futuro y su vocación, y Luke (Mark Hamill) revaluar el significado de su vida. (FILMAFFINITY)

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana...

No había visto Star Wars hasta hace dos meses atrás, cuando mi querido profesor de Feature Script comenzó a explicar la clase con algunos ejemplos de la saga. Hasta ese entonces desconocía los nombres, las criaturas, el escenario o incluso que significaba la "rebelión". Después de educarme del tema a nivel general y ver cada una de las películas, me di cuenta de un punto que se había establecido desde el V episodio (The Empire Strikes Again), donde Obi-Wan Kenobi le suplica a Yoda que es importante el entrenamiento de Luke, pues es la última esperanza, y Yoda le dice: "no, habrá otra persona". ¿De quién creen que hablaba? Yo no sé ustedes, pero para mi Rey fue establecida desde ese momento.

En el episodio VIII, Rey se encuentra con Luke y le pide que regrese con ella a la base de los rebeldes para ayudarles a vencer la Primera Orden y restaurar la paz en la Rebelión. Un renuente Luke se niega constantemente, principalmente por el hecho de que esconde un secreto de la principal razón que lo alejó de Han Solo, la Princesa Leia y el resto de la rebelión. Su secreto está relacionado a Ben Solo (mejor conocido como Kylo Ren) y cómo este pasó a ser parte del "lado oscuro de la fuerza". 

Por otro lado, la Princesa Leia y Poe Dameron luchan contra la base espacial de la Primera Orden y pierden gran parte de su equipo. En medio de su escape, la Primera Orden logran rastrearlos y seguirlos, de modo que Finn y Rose Tico deciden buscar un "code braker" para que la Primera Orden no los logre rastrear y puedan salvarse de una muerte asegurada para toda la rebelión.

La película le da una continuación precisa a The Force Awakens, con el encuentro de Luke y Rey, y logra responder algunas de las preguntas que el episodio VII dejó en el aire: por qué Luke se fue al exilio, quiénes son los padres de Rey (spoiler alert: nadie importante), qué pasó con Finn y, la pregunta de siempre, si la rebelión se salva de los ataques de la Primera Orden.

Un punto importante es el trabajo técnico en cada una de las secuencias de batalla, escapes, confrontaciones y nuevas criaturas incluidas, que entonaban con el género y mantenían la atmósfera de la primera trilogía. Uno de los mejores momentos de la trama son las escenas de batalla, que reintroducen las tecnologías que los episodios anteriores planteaban, pero mejorada con los avances de CGI y efectos especiales. Las batallas están complementadas por la musicalización del maestro John Williams y el continuo desarrollo de tensión y conflictos en cada uno de los enfrentamientos. Cada vez que lograban escapar de uno, la siguiente era mucho peor y aumentaba la preocupación del público con la incógnita constante de quiénes se salvarán.

Una vez más, se presentan Mark Mahill, Carrie Fisher (RIP), Daisy Ridley, John Boyega y Adam Driver en los roles principales, donde además de cumplir con su rol, supieron impregnar distintos sentimientos en su personaje y dar momentos hilarantes, a pesar de las situaciones que enfrentaban.

Un aspecto a destacar es la conexión que existe entre Rey y Kylo Ren. El hecho de que ambos podían comunicarse, aún a distancias bien lejanas, y que podían tener un contacto hasta físico crea intriga, además de resultar interesante, y eleva la cuestionante en más de una ocasión de si Rey se pasará a las fuerzas oscuras o se convertirá en el último Jedi.

El guionista Rian Johnson sabe jugar con la mente del espectador y crea situaciones inesperadas, principalmente en el enfrentamiento entre Luke y Kylo, la venganza de Finn contra la Primera Orden y el ataque a la nave de la rebelión.

Además de jugar con la mente del espectador y darle lo opuesto a lo que espera, en respuesta a lo que se cree por la película anterior; también retoma el tema de que "cualquiera puede ser un Jedi", pues los padres de Rey no son nadie que se haya conocido anteriormente (son solo unas terribles personas que vendieron a su hija), y el niño  con la escoba al final de la película, que tiene la fuerza pero es al igual un marginado que nadie conoce ni es hijo de algún personaje importante.

The Last Jedi es una película entretenida y completa, que recrea técnicas que fueron las que encantaron al público en los años 80, pero agregando nuevos motivos y nuevas ideologías, para complementar el mensaje principal de su trama y aumentar el suspenso en la rebelión.

Nominados a los Screen Actors Guild Awards 2018

Fuente: Revista E!

¿Sienten cómo se acerca una nueva temporada de alfombras rojas?

Este miércoles, Gabrielle Carteris, Presidenta de los SAG-AFTRA presentó a Olivia Munn y a Niecy Nash en el Pacific Design Center de West Hollywood, donde las actrices anunciaron a los nominados para los SAG Awards 2018. La ceremonia Nº24 de los Annual Screen Actors Guild Awards, presentada por Kristen Bell, se realizará el domingo 21 de enero de 2018.

Históricamente, los SAG Awards hacen la mejor predicción de los nominados a los Oscars.

Aquí están los nominados:

Mejor Actuación Masculina en una Película de TV o Serie Limitada
Alexander Skarsgård, Big Little Lies
Robert De Niro, Wizard of Lies
Geoffrey Rush, Genius
Jeff Daniels, Godless
Benedict Cumberbatch, Sherlock

Mejor Actuación Femenina en una Película de TV o Serie Limitada

Nicole Kidman, Big Little Lies
Laura Dern, Big Little Lies
Reese Witherspoon, Big Little Lies
Susan Sarandon, Feud: Bette and Joan
Jessica Lange, Feud: Bette and Joan

Mejor Actuación Masculina en una Serie de Comedia
Anthony Anderson, black-ish
Aziz Ansari, Master of None
Larry David, Curb Your Enthusiasm
Sean Hayes, Will & Grace
William H. Macy, Shameless
Marc Maron, GLOW

Mejor Actuación Femenina en una Serie de Comedia
Uzo Aduba, Orange Is the New Black
Alison Brie, GLOW
Jane Fonda, Julia Louis-Dreyfus, Veep
Lily Tomlin, Grace and Frankie

Mejor Actuación de un Elenco en una Serie de Comedia
Black-ish
Curb Your Enthusiasm
GLOW
Orange Is the New Black
Veep

Mejor Actuación Masculina en una Serie de Drama
Jason Bateman, Ozark
Sterling K. Brown, This Is Us
Peter Dinklage, Game of Thrones
David Harbour, Stranger Things
Bob Odenkirk, Better Call Saul

Mejor Actuación Femenina en una Serie Femenina
Millie Bobby Brown, Stranger Things
Claire Foy, The Crown
Laura Linney, Ozark
Elisabeth Moss, The Handmaid's Tale
Robin Wright, House of Cards

Mejor Actuación de un Elenco en una Serie de Drama
The Crown
Game of Thrones
The Handmaid's Tale
Stranger Things
This Is Us

Mejor Equipo de Dobles para Serie Dramatica o de Comedia
Game of Thrones
Glow
Homeland
Stranger Things
The Walking Dead

Mejor Actuación Femenina en un Rol de Reparto en una Película
Mary J. Blige, Mudbound
Hong Chau, Downsizing
Holly Hunter, The Big Sick
Allison Janney, I, Tonya
Laurie Metcalf, Lady Bird

Mejor Actuación Masculina en un Rol de Reparto en una Película
Steve Carell, Battle of the Sexes
Willem Dafoe, The Florida Project
Woody Harrelson, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Richard Jenkins, The Shape of Water
Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Actuación Femenina en un Rol Principal de una Película
Judi Dench, Victoria & Abdul
Sally Hawkins, The Shape of Water
Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Margot Robbie, I, Tonya
Saiorse Ronan, Lady Bird

Mejor Actuación Masculina en un Rol Principal de una Película
Timothée Chalamet, Call Me by Your Name
James Franco, The Disaster Artist
Daniel Kaluuya, Get Out
Gary Oldman, Darkest Hour
Denzel Washington, Roman J. Israel, Esq.

Mejor Actuación como Elenco en una Película
The Big Sick
Get Out
Lady Bird
Mudbound
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor Equipo de dobles para largometraje
Baby Driver
Dunkirk
Logan
War for the Planet of the Apes
Wonder Woman

Bell hará historia cuando dirija este show en Enero. "Estoy honrada de ser parte de los SAG Awards, y estoy un poco nerviosa por ser una presentadora primeriza. Me complace que estaré en compañía de mis compañeros actores, con muchos con los que he trabajado antes, así que sé que serán cálidos y me apoyarán", le dijo la actriz a E! News este lunes. "Será una noche maravillosa".

Los SAG-AFTA representan a más de 160.000 profesionales en la industria del entretenimiento.

Nominados a los Golden Globes Awards 2018

Este lunes 11 de diciembre se ha dado a conocer la lista de los nominados a la 75 edición de los Globos de Oro. La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood desvela las candidaturas que protagonizarán la gala que se celebrará el próximo 7 de enero en el hotel Beverly Hilton de Los Ángeles.

Esta es la lista completa de nominados en las categorías de cine:

Mejor película dramática
Call Me by Your Name
Dunkirk
The Post
The Shape of Water
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor película comedia o musical
The Disaster Artist
Get Out
The Greatest Showman
I, Tonya
Lady Bird

Mejor director
Guillermo del Toro, The Shape of Water
Martin McDonagh, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Christopher Nolan, Dunkirk
Ridley Scott, All The Money in the World
Steven Spielberg, The Post

Mejor actor en comedia o musical
Steve Carell, Battle of the Sexes
Ansel Elgort, Baby Driver
James Franco, The Disaster Artist
Hugh Jackman, The Greatest Showman
Daniel Kaluuya, Get Out

Mejor actor en película dramática
Timothée Chalamet, Call Me by Your Name
Daniel Day-Lewis, Phantom Thread
Tom Hanks, The Post
Gary Oldman, Darkest Hour
Denzel Washington, Roman J. Israel, Esq.

Mejor actriz en comedia o musical
Judi Dench, Victoria & Abdul
Margot Robbie, I, Tonya
Saoirse Ronan, Lady Bird
Emma Stone, Battle of the Sexes
Helen Mirren, The Leisure Seeker

Mejor actriz en película dramática
Jessica Chastain, Molly’s Game
Sally Hawkins, The Shape of Water
Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Meryl Streep, The Post
Michelle Williams, All the Money in the World

Mejor actor secundario
Willem Dafoe, The Florida Project
Armie Hammer, Call Me by Your Name
Richard Jenkins, The Shape of Water
Christopher Plummer, All the Money in the World
Sam Rockwell, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Mejor actriz secundaria
Mary J. Blige, Mudbound
Hong Chau, Downsizing
Allison Janney, I, Tonya
Laurie Metcalf, Lady Bird
Octavia Spencer, The Shape of Water

Mejor Banda sonora
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
The Shape of Water
Phantom Thread
The Post

Dunkirk

Mejor canción original
Ferdinand – ‘Home’
Mudbound – ‘Mighty River’
Coco – ‘Remember Me’
The Star – ‘The Star’
The Greatest Showman – ‘This Is Me’

Mejor guion
The Shape of Water
Lady Bird
The Post
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
Molly’s Game

Mejor película extranjera
A Fantastic Woman
First They Killed My Father
In the Fade
Loveless
The Square

Mejor película animada
The Boss Baby
The Breadwinner
Ferdinand
Coco
Loving Vincent

TELEVISIÓN

Mejor serie dramática de televisión
Game of Thrones
The crown
This Is Us
Stranger Things
The Handmaid's Tale

Mejor actor en televisión dramática
Jason Bateman, Ozark
Sterling K Brown, This Is Us
Freddie Highmore, The Good Doctor
Bob Odenkirk, Better Call Saul
Liev Schreiber, Ray Donovan

Mejor actriz en televisión dramática
Catrina Balfe, Outlander
Claire Foy, The Crown
Maggie Gyllenhaal, The Deuce
Katherine Langford, 13 Reasons Why
Elisabeth Moss, The Handmaid's Tale

Mejor actor en una miniserie o película de televisión
Robert de Niro, The Wizard of Lies
Jude Law, The Young Pope
Kyle MacLachlan, Twin Peaks
Ewan McGregor, Fargo
Geoffrey Rush, Genius

Mejor actriz en miniserie o película de televisión
Jessica Biel, The Sinner
Nicole Kidman, Big Little Lies
Jessica Lange, Feud: Bette & Joan
Susan Sarandon, Feud: Bette & Joan
Reese Witherspoon, Big Little Lies

Mejor actriz secundaria en serie de TV, Serie Limitada o Película para TV
Laura Dern, Big Little Lies
Ann Dowd, The Handmaid's Tale
Chrissy Metz, This Is Us
Michelle Pfeiffer, The Wizard of Lies
Shailene Woodley, Big Little Lies

Mejor actor secundario en serie de TV, Serie Limitada o Película para TV
David Harbour, Stranger Things
Alfred Molina, Feud: Bette & Joan
Christian Slater, Mr Robot
Alexander Skarsgaard, Big Little Lies
David Thewlis, Fargo

Mejor miniserie o película para televisión
Big Little Lies
Fargo
Feud: Bette & Joan
The Sinner
Top of the Lake: China Girl

Mejor serie de televisión en comedia
Black-ish
The Marvelous Mrs Maisel
Master of None
SMILF
Will y Grace

Mejor actriz de televisión en comedia o musical
Pamela Adlon, Better Things
Alison Brie, GLOW
Rachel Brosnahan, The Marvelous Mrs Maisel
Issa Rae, Insecure
Frankie Shaw, SMILF

Mejor actor de televisión en comedia o musical
Anthony Anderson, Black-ish
Aziz Ansari, Master of None
Kevin Bacon, Mis experiencias sexuales con Dick
William H Macy, Shameless
Eric McCormack, Will y Grace

Crónicas de California: Mi primer trabajo en un cortometraje en Los Ángeles

Trabajar en una producción, sin importar si se trata de un audiovisual realizado por estudiantes, cuesta. Un cortometraje, que podría costar lo mismo que un montaje de una boda, conlleva un equipo completo de cámara, sonido, supervisión de guión, diseño y asistencia de producción, vestuario, maquillaje y A&B, lo cual significa dinero y tiempo invertido. Es lo más cercano que tiene un estudiante de cine a una producción.

Después del último cortometraje que hice cuando estaba terminando la licenciatura, trabajé en otros tres audiovisuales dominicanos en los que me contrataron. Y al llegar aquí, sabía que viviría lo mismo; a pesar de haber elegido una carrera que se caracteriza principalmente por entregar el guión a la productora y no tener la obligación de participar en el rodaje, sabía que en cualquier momento volvería a ese escenario, por voluntad propia o solicitud de otras personas, más porque la mayoría de las personas que viven en el condominio son estudiantes del New York Film Academy y siempre interactuamos en el pasillo de la escuela o del apartamento.

Se podrán imaginar que no le sé decir que no a la oportunidad de aparecer en los créditos de un audiovisual, por lo que ya les he colaborado con la revisión de sus guiones, pero finalmente ya me tocó estar en el set de grabación, esta vez como supervisora de guión.

Bajo este rol, estoy encargada de supervisar que se esté haciendo el rodaje en base a la agenda establecida, tomar anotaciones de cada escena, cuantas tomas se hicieron, los ángulos de cámara, los tipos de lentes, iluminación, props utilizados en el set y vestuario, todo esto para evitar errores de continuidad y siempre tener un registro de cuál fue el corte de cada escena.

Además de tener pendiente la atención que requería mi rol, a la vez pude apreciar la dedicación del resto del equipo, quienes son todos parte de mi escuela, en distintos departamentos. Como ya dije, trabajar en un rodaje, sin importar si se trata de un cortometraje de aproximádamente 10 minutos, es algo importante. El crew se lo toma tan en serio como si le fuesen a pagar billetes grandes por sus horas de trabajo, y así es que siempre debe ser.

Me sorprendió la organización de toda la producción: cómo tuvieron pendiente cada detalle, como la cantidad de guiones necesarios y horarios de trabajo para todo el equipo, la constante atención de que además de estar haciendo nuestro trabajo, nos sintieramos cómodos, no pasáramos hambre y, si tuviésemos alguna sugerencia, la comunicáramos con confianza, pues la directora estuvo siempre dispuesta a escuchar nuestra opinión o preocupación con respecto a cualquier escena o diálogo.

Esta experiencia en el set de rodaje del cortometraje Simetry, del cual no puedo dar muchos detalles, me hizo recordar los requerimientos técnicos y artísticos, y la inversión de tiempo y dinero que será necesaria.

Después del break de navidad, me tocará producir un cortometraje para una competencia internacional de audiovisuales, y esta oportunidad que he tenido en estos últimos días me han permitido resaltar lo que realmente necesitaré para que el trabajo fluya con éxito.

A pesar de que trabajar en el set de rodaje no es mi principal objetivo, es una experiencia de la que siempre me gustará ser parte, porque creo que la visión del guionista debe ser capaz de crear imágenes en palabras y poder imaginarse cómo será visualmente cada escena. Es por eso que muchos guionistas se atreven a cumplir con el rol de dirección y crean su propio estilo narrativo y artístico de hipnotizar a la audiencia con sus historias.