viernes, 30 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: Kajillionaire

Old Dolio y su familia de estafadores de poca monta invitan a una alegre joven a unirse a su reducido clan, algo que pondrá por completo patas arriba el mundo en el que viven. 



Una película maravillosamente extraña cuya considerable extrañeza permite observaciones agudas sobre la familia, la soledad y el terror de la intimidad emocional, Kajillionaire es una prueba más de la capacidad de la escritora y directora Miranda July para doblar la realidad a su voluntad. Al igual que con Me And You And Everyone We Know y The Future, nos presenta personajes que no se comportan de ninguna manera "normal", mientras Evan Rachel Wood interpreta a la infeliz hija de padres estafadores que se pregunta si existe más en la vida que la total desconexión del mundo que la rodea. Las estrategias de Kajillionaire y sus extrañas digresiones no siempre funcionan, pero aquellos que estén dispuestos a seguir su onda serán tratados con una odisea triste y divertida que puede ser abrumadoramente tierna y vulnerable.

Estrenada en Sundance, donde Me And You And Everyone We Know ganaron un premio especial del jurado en 2005,  Kajillionaire representa su primer largometraje en nueve años, y esta película posee un elenco potente; junto a Wood, también están Debra Winger, Gina Rodríguez y Richard Jenkins. Aún así, esta película desafiante, a veces desconcertante, no será para todos los gustos y puede resultar en ganancias teatrales limitadas.

Wood interpreta a Old Dolio, una veinteañera retraída que vive con sus padres Theresa (Winger) y Robert (Jenkins). Encerrados en un edificio de oficinas abandonado y robando paquetes de la oficina de correos local, son estafadores y carroñeros que tratan de mantener un perfil bajo para no ser detectados. Pero la existencia protegida de Old Dolio se ve alterada por la aparición de Melanie (Rodríguez), una confiada empleada del centro comercial que quiere ser parte de sus planes, ganándose rápidamente el cariño de Theresa y Robert, y desafiando el papel de Old Dolio en la familia.

July favorece a los personajes peculiares y las tramas poco convencionales en Kajillionaire, que puede parecer, a primera vista, un drama de estafadores, pero que rápidamente se transforma en algo único e impredecible, para bien y, a veces, para peor. Muy pocos espectadores adivinarán con precisión a dónde nos lleva July. 

Se pide a Wood, Winger y Jenkins que ofrezcan actuaciones afectadas. Las mujeres tienen el pelo largo y lacio que las hace parecer miembros de una secta, mientras que Robert tiene un aire muy ansioso. Si todo eso no fuera suficiente, Old Dolio habla en un tono bajo, casi masculino, y Theresa camina con una pronunciada cojera. Claramente, esta es una familia peculiar, pero lo impresionante de Kajillionaire es cómo nos atrapan July y su elenco, y nos obligan a aceptar las extrañas reglas básicas de la narrativa. Una vez que nos aclimatamos a sus patrones de habla forzados y estilo de vida poco tradicional, reconocemos la creciente frustración de Old Dolio con la forma en que sus padres la tratan como a una cómplice, no como su hija.

Las extrañas costumbres de esta familia, que incluyen limpiar con regularidad las espumas de jabón que inexplicablemente atraviesan la pared de su "casa", finalmente se ven interrumpidas por la llegada de Melanie a su órbita. A diferencia de ellos, ella habla y actúa como una persona común, lo que agrega una sacudida cómica al proceso. Mientras que Old Dolio esconde su cuerpo debajo de su cabello pasado de moda y sus chaquetas holgadas, Melanie es vivaz y sexy; algo que tiene consecuencias no deseadas dentro del clan disfuncional pero muy unido.

Se requiere paciencia para permitir que July establezca sus ritmos fuera de orden, e incluso entonces, su falta de inclinación a adherirse a las reglas de narración "adecuadas" a veces la lleva a callejones sin salida. Pero esto también la libera, preparando el escenario para secuencias completamente inesperadas, incluida una viñeta conmovedora en la que Melanie y el clán intentan una pequeña invasión a un hogar y se hacen pasar como una familia unida dentro de una casa de extraños. 

A medida que la película fluye entre piezas aparentemente episódicas, comienzan a surgir temas potentes. Se explora todo, desde el vacío del sueño americano hasta el vacío de la vida moderna, al igual que las cuestiones relativas a la mortalidad, la identidad y la pertenencia. Sin embargo, July nunca aterriza en una gran idea, por lo que los espectadores son libres de interpretar esta curiosa y enigmática travesía como mejor les parezca.

Winger y Jenkins no son del todo convincentes, por muy buenos actores que sean, se sienten un poco educados, pero Wood insinúa amorosamente algo roto dentro de Old Dolio, una estafadora a la que nunca se le permitió convertirse en un ser humano. Algunas de las payasadas del personaje pueden ser divertidas, pero lo que se manifiesta más fuerte es la sensación de un alma perdida que es demasiado frágil para liberarse del extraño capullo que sus padres construyeron para ella. La historia de Kajillionaire a veces desafía toda explicación, pero es rica en implicaciones metafóricas.


Halloween Cinéfila: 10 películas no tan terroríficas para ver en Halloween


Eres bienvenido a ver El orfanato (2007) y asustarte, o tirarte una de las clásicas de terror como El exorcista (1973) o La masacre de Texas (1974) y tener una verdadera noche de Halloween. Pero la verdad es que hay muchas alternativas no tan espeluznantes. Aquí hay diez de las mejores películas de Halloween para familias que puede disfrutar en la privacidad de su propia casa.

10. The Nightmare Before Christmas (1993)
Así que esto es, sin duda, una película navideña y una película de Halloween. Pero si quieres asustarte un poco, puedes verlo en cualquier época del año. Una de las obras maestras de Tim Burton, adquiere la sensación del Grinch del Dr. Suess cuando Santa es llevado a otra tierra y la Navidad adquiere una nueva forma. Pesadilla antes de Navidad es tan divertida como espeluznante, lo que se debe a la ingenuidad del protagonista, Jack Skellington. 

Jack Skellington es un personaje maravilloso y genial para toda la familia. Su inocencia infantil contrasta perversamente con su terror, ayudando a que la película sea hilarante, aterradora y original. Esta es una película clásica 'no tan aterradora' para niños y adultos por igual.

9. Gremlins (1984)
Gremlins es otra película navideña con un toque muy siniestro y aterrador que se puede disfrutar en cualquier otra época del año, como Halloween. Billy Peltzer recibe una extraña mascota navideña, junto con tres reglas estrictas a seguir: sin agua, sin comida después de la medianoche y sin luz brillante. Es seguro decir que el infierno se desata cuando Billy rompe las tres reglas.

Lleno de extraños momentos de violencia, la madre de Billy, Lynn, calienta en el microondas a uno de los Gremlins hasta su muerte. Es posible que esta película no sea genial para niños realmente pequeños. Aún así, son momentos como estos en los que no estás seguro de si reír o tener miedo. Y eso es lo que hace que Gremlins sea ​​una gran película para ver cuando estás de humor para algo aterrador, pero no demasiado aterrador.

8. Witches (1990)
Anjelica Huston era la Gran Gran Bruja perfecta, dominante y malvada como puede ser. Aunque Huston es generalmente encasillada en papeles antagónicos - la malvada madrastra en Ever After (1998), la malvada directora en Daddy Day Care (2003), Morticia en The Addams Family (1991).

Huston no solo encarnó absolutamente a este personaje épico de Roald Dahl, sino que los cosméticos fueron alucinantes para el momento. The Witches no es tan aterradora como para un adulto, pero aún puedes apreciar el compromiso que hizo la película para ser una película para niños verdaderamente aterradora . Es una aguja difícil de enhebrar, pero cuando tienes a Roald Dahl como material de origen , no es demasiado difícil encontrar el terror que acecha detrás de las sonrisas y los billetes dorados.

7. Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004)
¿Qué es mejor que un poco de Harry Potter? De la franquicia de Harry Potter, El prisionero de Azkaban es la primera película que presenta temas mucho más oscuros y siniestros, mejor ilustrados con la introducción de los Dementores. Su capacidad para absorber recuerdos felices significa una transición de una sana aventura familiar a un thriller/drama adolescente.

Esta entrega también destaca porque es la única película que no se centra en el papel de Voldemort. Voldemort nunca se ve ni se pelea en toda la película. En cambio, Harry se ocupa de cuestiones como la venganza, la verdad y la familia. Todos grandes temas para niños y adultos por igual. Si no quieres asustarte demasiado, esta es una gran película de Halloween para toda la familia. Tenga cuidado, podría derramar una lágrima o dos.

6. La Familia Addams (1991)
Con una de las melodías temáticas más conocidas por el hombre, The Addams Family da un nuevo giro a una familia disfuncional. Y es genial.

Hay tantos momentos extraños y encantadores en esta película clásica que realmente sabe plasmmar lo que realmente es una familia “estereotipada”. Todas nuestras rutinas son raras si miras de afuera hacia adentro. Como una película 'no tan aterradora', esta es una para ver con la familia, riéndose de la rareza pero normalidad de las relaciones y la historia. Ninguna familia es perfecta, pero esta está más cerca que la mayoría. Una película perfecta 'no tan aterradora'.

5. Wallace and Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)
Esta fue la primera película de Wallace y Gromit como largometraje, y tuvo éxito. Plagada de risas y sustos, en el corazón de la película hay una comedia satírica.

En lugar de usar al hombre lobo estereotipado y abusado como su principal tipo de villano, en el mundo de Wallace y Gromit, Wallace ha creado inadvertidamente un hombre-conejo. Si quieres evitar los sustos, la película se burla de su propia cultura británica, por ejemplo, Wallace bebiendo té y Lady Tottington sobre la competencia de verduras, que equilibra maravillosamente la amenaza loca y el misterio del hombre-conejo. Es un thriller de risa a carcajadas, perfecto para verlo en familia.

4. Beetlejuice (1988)
¡Beetlejuice, Beetlejuice, Beetlejuice!

No es solo una película para los amantes de Tim Burton, Beetlejuice tiene una mezcla ingeniosa de comedia y payasadas de terror que la convierte en una película de Halloween no tan aterradora ideal para ver. Lleno de risas, personajes intrigantes y extraños monstruos espeluznantes, Beetlejuice es realmente una película fantástica. Y no solo una película de terror. Todo el terror que esperas de un clásico de Tim Burton, con una historia sorprendentemente conmovedora. Si aún no has visto esta película, ¿qué estás esperando?

3. Ghostbusters (1984)
¿A quien vas a llamar? Ghostbusters! Ghostbusters es un clásico absoluto en el género de Halloween, con un tema musical inolvidable. La historia es hilarante, tal vez incluso ocasionalmente cruza la línea hacia lo francamente ridículo, con momentos como cuando el enorme hombre de malvaviscos desfila por las calles causando estragos. Pero esto es parte de su encanto.

El elenco es extremadamente fuerte, con el ingenio cómico de Bill Murray al frente del equipo y Sigourney Weaver siendo la principal presencia femenina en la película. La relación entre los dos crea algunas de las escenas más divertidas, por ejemplo, cuando Weaver gime mientras está poseída "¿Quieres este cuerpo".

Toda la comedia hilarante y las extrañas peleas de fantasmas es una receta para risas, giros y tonterías, lo que la convierte en una película para disfrutar cualquier día, año tras año, una alternativa perfecta a todos esos horrores de Halloween.

2. Coraline (2009)
Ok, entonces esta película, aunque animada, podría ser en realidad la película para niños más espeluznante que he visto. Coraline utiliza una poderosa y bellamente detallada animación en stop motion para arrastrarte a un lugar intermedio, literalmente, que juega con los miedos de adultos y niños. Es algo espeluznante. La secuencia en la que la Otra Madre atrapa a Coraline en una red, es una de las secuencias más aterradoras de una animación.

Coraline, nuestra protagonista, desea una vida diferente y su deseo se hace realidad. Simplemente no de la forma que ella espera. Coraline infunde un humor extraño y un estilo artístico que mantendrá a cualquiera involucrado en esta película completamente original.

1. Monsters, Inc. (2001)
No es tan aterrador después de todo. Aunque el tema de los monstruos debajo de la cama suena familiar en Halloween, se puede ver cualquier noche del año. Puede asustar a los más pequeños, pero en el fondo hay una historia de amor y amistad.

Esta película le da la vuelta al tema del terror. Como siempre, Pixar invierte maravillosamente las representaciones típicas de los monstruos, cuestionando otros estereotipos con los que convivimos. La mezcla de coloridos personajes y tramas emocionales hacen Monsters, Inc. la película perfecta de Halloween que no da tanto miedo, especialmente para los más pequeños.

Crítica Cinéfila: Rebecca

 Una joven (Lily James) contrae matrimonio con un aristócrata (Armie Hammer) y se traslada a vivir a su mansión, de nombre Manderley, situada en Cornualles. Sin embargo, ahí continúa presente la sombra de Rebecca, la anterior esposa del millonario, fallecida en extrañas circunstancias.



Teniendo en cuenta el daño psicológico que causa el amor en las personas, me sorprende que el romance y el horror no sean compañeros de cama más frecuentes. Los dos géneros nunca han sido tan perfectamente entrelazados como lo logra Daphne du Maurier en su Rebecca hasta que el libro fue adaptado en 1940 como una de las mejores películas de Alfred Hitchcock. Ochenta años después, el director Ben Wheatley intenta una nueva adaptación de la historia que funciona para encajar en sus sensibilidades junto con las del público contemporáneo. Para crédito de Wheatley, se destaca en lo que hace que Rebecca sea tan mórbida: la horrible noción de la mujer idealizada cuya mera memoria existe para hacer que todos se sientan inadecuados. Pero cuanto más tiene Wheatley para basar la historia en lo que le sucedió a Rebecca de Winter, más pierde su poder etéreo y fantasmal. En una película magníficamente realizada desde una perspectiva artesanal y visual, los tropiezos en la narración se vuelven aún más difíciles de ignorar.

Trabajando como compañera de viaje de la adinerada Sra. Van Hopper (Ann Dowd) en una escapada a Montecarlo, una joven (Lily James) se cruza con el apuesto y enigmático Maxim de Winter (Armie Hammer). Seducidos el uno por el otro, los dos comienzan una aventura apasionada, y cuando Van Hopper planea irse de Montecarlo, Maxim decide que él y la joven deben casarse ​​para poder llevársela a su finca palaciega en la costa inglesa, Manderley. Allí, la nueva Sra. De Winter se enfrenta al dominante legado de la difunta esposa de Maxim, Rebecca. Oprimida por los cambios de humor de Maxim, la presencia persistente de Rebecca y la ama de llaves dominante, la Sra. Danvers (Kristin Scott Thomas), la joven lucha por mantener su cordura e identidad.

Comparar la versión de Hitchcock con Wheatley no favorece, y es justo decir que Wheatley ha puesto su propio sello en el material que hace que esto se sienta como una nueva adaptación a pesar del hecho que la película de 1940 de Hitchcock es un clásico. Wheatley pone su énfasis en lo pequeña que se siente la nueva señora de Winter. Esa es una parte inherente de la historia, pero Wheatley usa algunos toques psicodélicos para resaltar el aspecto del horror psicológico de que no importa qué identidad tenga, nunca será considerado "lo suficientemente bueno". No iría tan lejos como para llamarlo una crítica feminista, pero instantáneamente simpatizas con el retrato de James de un mundo que existe para decirle que nunca será lo suficientemente buena porque no es esta mujer perfecta que está muerta.

Al enfatizar este subtexto, Wheatley puede golpear la soledad y el aislamiento que siente la Sra. De Winter y el horror que impone su entorno. La idea de que nunca será la mujer ideal y es indigna de amor es una idea aterradora, y Wheatley lo dibuja maravillosamente a través de los dos primeros actos, primero con la actuación viciosa de Dowd y luego con el inolvidable giro de Scott una vez que los recién casados ​​llegan a Manderley, sin mencionar la forma en que Maxim usa a la Sra. de Winter como bote salvavidas para su herida del pasado. James, por su parte, lo sostiene por completo, mostrando su impresionante rango de actuación a medida que las inseguridades y los miedos de su personaje dominan su identidad.

Este enfoque se basa aún más en la exquisita artesanía, ya que Wheatley teje un telón de fondo visualmente exuberante y romántico que puede volverse siniestro cuando el director lo exige. Desde la gélida frialdad del dormitorio de Rebecca hasta los inquietantes paisajes que rodean a Manderley, Wheatley es experto en transmitir el tono y el carácter a través del espacio, y es una película eficaz en la que ni siquiera necesita depender de su elenco cuando su cuadro en escena logra decir tanto.

Desafortunadamente, todo comienza a desmoronarse cuando la película llega al tercer acto. Sin estropear nada, la historia obliga a Rebecca a comenzar a entrar en el reino de lo real en lugar de un símbolo vengativo y malicioso, por lo que el impacto comienza a desvanecerse. Wheatley nunca reclama el poder de los dos primeros actos de la película, y hay otras opciones en el camino que disminuyen la gravedad de la historia. La película no se vuelve "mala", pero ya no tiene el agarre magnético e inquietante de la Sra. De Winter que lucha con el legado de Rebecca, y en su lugar trata de retorcerse en una extraña idealización de mujer fuerte e independiente que también respalda el enfoque de hombre correcto o incorrecto que nunca hace clic, pues el personaje de Lily James no se lo ha ganado. Parte de lo que le da a Rebecca su poder es la melancolía de nunca sentir que será suficiente, por lo que es incómodo terminar con una nota edificante considerando lo que vino antes.

Estos tropiezos son un poco desalentadores. Al igual que el personaje de Rebecca que se cierne sobre la nueva Sra. De Winter, hay un poder enervante de estar a la sombra de Hitchcock, incluso si los cineastas afirman que se trata simplemente de una nueva adaptación. Tratar de encontrar algo nuevo, especialmente cuando la adaptación de 1940 no ha perdido nada de su poder, es una tarea abrumadora. Pero la nueva Rebecca no siempre es coherente, pero cuando se junta tiene todo el desconcertante y espantoso encanto de la historia original.



viernes, 23 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: The Trial of the Chicago 7

 En 1969 se celebró uno de los juicios más populares de la Historia de Estados Unidos, en el que siete individuos fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional. Este hecho traería una serie de conflictos sociales (manifestaciones, movimientos ciudadanos) que pasarían a la posteridad en una época de grandes cambios en todos los niveles del pueblo norteamericano.




Aaron Sorkin es de esos creadores que nunca decepcionan. Aún en los géneros más preestablecidos, él siempre encuentra el momento de recordarnos que no solo es uno de los mejores guionistas de su generación; sino quizás de los pocos que se renueva sin perder su estilo. 

A lo largo de su carrera escribiendo para cine, televisión y teatro, desde The West Wing , Charlie Wilson's War y The Newsroom hasta A Few Good Men y To Kill a Mockingbird, Aaron Sorkin ha mostrado cierta fascinación por las problemáticas instituciones políticas y la judiciales estadounidenses. Su poderoso y oportuno segundo largometraje como guionista y director, The Trial of the Chicago 7, muestra a Sorkin en su punto ideal, excavando con curiosidad, indignación y pasión en el infame circo de la sala de audiencias de seis meses de los cargos de incitación a un motín ocurrido en la Convención Nacional Demócrata de 1968.

La película de Netflix ha recorrido un largo camino hacia convertirse en este producto final. El guión de Sorkin originalmente estaba destinado a Steven Spielberg, pero la huelga de la WGA de 2007 provocó la suspensión del proyecto y el director original pasó a otros compromisos. Se rumoreaba que Paul Greengrass y Ben Stiller eran posibles reemplazos hasta que Spielberg alentó a Sorkin a dirigirlo él mismo, después de haberse estrenado como director en 2018 con Molly's Game. Cualquier defecto que pudo haber tenido su debut se ha superado aquí en una película que es densa por sus diálogos ingeniosos, personajes importantes, hechos, cambios de tiempo y multperspectividad como todo lo que Sorkin sabe escribir.

El capítulo Chicago Seven ha inspirado numerosas películas, desde el tratamiento documental de Haskell Wexler sobre las protestas de DNC, pasando por la versión satírica de Woody Allen, hasta la mezcla de material de archivo de Brett Morgen con escenas animadas basadas en transcripciones judiciales. Sorkin se acerca al enfoque de los documentales generados por el caso, dramatizando de manera convincente los eventos dentro y alrededor del sendero en una estructura fluida de ida y vuelta que gradualmente reconstruye lo que sucedió en el Grant Park de Chicago la noche del 28 de agosto de 1968.

Como ha demostrado a menudo el caso de las películas basadas en la historia durante este año turbulento, los acontecimientos de hace medio siglo tienen una forma extraña de reflejar la América amargamente polarizada de hoy, a medida que los juegos de poder neoconservadores se vuelven cada vez más agresivos.

El solo hecho de presenciar a los policías de Chicago quitarse las insignias y las etiquetas de identificación mientras aumentan las tensiones en un enfrentamiento con los manifestantes es escalofriante. La base misma del caso judicial, que se apila contra los grupos de protesta mientras que la evidencia apunta a la policía como antagonistas que intensifican la violencia, tiene una relevancia punzante dada la inquietud que ha sacudido al país en los últimos meses. El gas lacrimógeno, los clubes antidisturbios y las tropas federales militarizadas le han dado a 2020 un parecido incómodo con 1968.

Con la administración Trump ahora ansiosa por ocupar el asiento de Ruth Bader Ginsburg en la Corte Suprema, probablemente eliminando cualquier apariencia de equilibrio del cuerpo jurídico más alto del país, el espectáculo de un juez autoritario y parcial que ya ha tomado una decisión sobre los acusados ​​antes de que el juicio incluso se pone en marcha es motivo de reflexión. Ese jurista prepotente, el juez Julius Hoffman es una mezcla de autoridad glacial y beligerancia mezquina en una de las muchas caracterizaciones incisivas del conjunto superlativo. Por igual es una gran ironía que Frank Langella sea quien lo interprete cuando hace unos años le tocó un personaje igual de autoritario con el sombrero de Richard Nixon.

Sorkin y el editor Alan Baumgarten establecen la línea de tiempo histórica que condujo a la protesta y los actores principales involucrados en una secuencia previa al título de 7 minutos que entrelaza imágenes de noticias. El presidente Johnson había aumentado las tropas estadounidenses en Vietnam de 75.000 a 125.000, duplicando la convocatoria de reclutamiento mensual a 35.000. El miedo y la indignación aumentaron a raíz de los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy, y los estadounidenses liberales estaban indignados por la matanza en masa de vietnamitas inocentes con gotas de napalm.

El candidato presidencial demócrata, Hubert Humphrey, fue considerado demasiado cercano a su oponente republicano, Richard Nixon, en sus posiciones sobre Vietnam, por lo que múltiples grupos activistas se movilizaron para organizar lo que pretendía ser una manifestación pacífica en Chicago durante el DNC. Entre ellos se encontraban Estudiantes por una Sociedad Democrática (SDS), dirigida por Tom Hayden (Eddie Redmayne) y Rennie Davis (Alex Sharp); el Partido Internacional de la Juventud, o "Yippies", encabezado por Abbie Hoffman (Sacha Baron-Cohen) y Jerry Rubin (Jeremy Strong); y David Dellinger (John Carroll Lynch), el líder pacifista scoutmaster de la Movilización Nacional para Poner Fin a la Guerra de Vietnam, también conocido como The Mobe. Dos figuras periféricas, Lee Weiner (Noah Robbins) y John Froines (Danny Flaherty), también estuvieron entre los juzgados como resultado de la violencia de esa noche. No tienen idea de cómo lograron el corte, pero Weiner observa de manera divertida en su primer día en la corte: "Estos son los Premios de la Academia de las protestas, y en lo que a mí respecta, es un honor estar nominado". El octavo acusado original era Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), presidente nacional del Partido Pantera Negra, a pesar de haber estado en Chicago por un breve período esa noche.

El guión de Sorkin golpea a sabiendas los nervios con sus ideas sobre cómo los Black Panthers fueron explotados en el juicio, poniendo a un hombre negro entre los acusados ​​para asustar al jurado. Apenas dos de los miembros del jurado identificados por la defensa como potencialmente de su lado, sus familias reciben cartas amenazantes firmadas por los Panthers, a pesar de que esto es inconsistente con el modus operandi de la organización. El asesinato durante el juicio del presidente de Chicago Panthers, Fred Hampton (Kelvin Harrison Jr.) envía ondas de choque, y para el público que desconoce la forma vergonzosa en la que el juez Hoffman trató a Seale, las escenas brutales que llevaron a la declaración de un juicio nulo en su caso serán reveladores. 

En un momento en que el fiscal general William Barr pervierte la justicia casi a diario, Sorkin se mete en la piel desde el principio al presentar al fiscal general de Nixon, John Mitchell (John Doman), como un depredador sin bondad. Está aún más impulsado por una venganza contra su predecesor en el trabajo, Ramsey Clark (Michael Keaton), un defensor de los derechos civiles que se negó a presentar cargos contra los manifestantes y encontraba a la policía como los verdaderos culpables del motín.

Cuando el joven fiscal Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) es convocado a la oficina de Mitchell para tomar el caso, deja claras sus reservas. El fiscal general quiere que los manifestantes sean juzgados bajo la Ley Rap Brown, una ley antidisturbios aprobada por los blancos del sur en el Congreso para limitar la libertad de expresión de los activistas negros al reprimir a los agitadores que actúan fuera de sus propias comunidades. Schultz, que es brillante y ambicioso pero también ético, señala que los testigos dicen que la policía, no los manifestantes, inició la violencia.

En el otro lado está el abogado defensor William Kunstler (Mark Rylance), asistido por Leonard Weinglass (Ben Shenkman). Pasan gran parte de las primeras semanas del juicio mediando entre las personalidades discordantes de sus acusados, sobre todo Seale, cuyo abogado está en el hospital y al que el juez Hoffman le niega el derecho a representarse a sí mismo.

Abdul-Mateen II trae una tremenda ira enroscada a sus escenas, al igual que Harrison como Hampton, quien inflama al puntilloso Juez susurrando como abogado al oído de Seale. Su desaparición de la película en el punto medio podría haber dejado un bajón en la energía si Sorkin no hubiera sido tan hábil en subir la temperatura alrededor de los otros personajes para compensar. La fricción entre Kunstler y el juez Hoffman, en particular, produciendo momentos emocionantes de fuegos artificiales para Rylance y Langella.

Pero la atención se centra cada vez más en el respeto inicialmente a regañadientes entre Hayden (que todavía está vivo y se desempeñó como asesor mientras Sorkin investigaba el guión) y Abbie Hoffman, dos hombres con enfoques muy diferentes para un objetivo común.

El primero es muy grave, al igual que su compinche nerd Davis, ocupado en llevar un recuento diario de las muertes estadounidenses en Vietnam durante el juicio. Tom, que mantiene una actitud respetuosa durante todo el juicio, descarta a Abbie y Jerry como bufones de la corte contraculturales en busca de atención, y Baron Cohen aporta un toque de comedia en vivo a los discursos irreverentes de Hoffman ante multitudes de universitarios. Redmayne inyecta una conmovedora seriedad en el reconocimiento definitivo de Tom de que detrás de la provocación de Abbie se encuentra un coraje y un compromiso inquebrantables. Gran parte del humor astuto de la película proviene del doble acto de Baron Cohen y Strong, que se susurran bromas constantemente en contra del juez. Y Strong le da a Jerry una conmovedora inocencia y vulnerabilidad cuando es engañado por una planta del FBI (Caitlin Fitzgerald) que mantiene el romance mientras recopila información.

Hay momentos fuertes de todos los directores, pero Redmayne obtiene las últimas palabras conmovedoras. Si bien se podría decir que Sorkin empuja un poco fuerte en esa escena con las notas altísimas de la partitura de Daniel Pemberton, el fuerte impacto emocional del personaje es innegable, especialmente cuando se produce tan pronto después de que las escenas llenan las piezas finales de la noche de los disturbios. Las imágenes descarnadas del cinematógrafo Phedon Papamichael de esos momentos volátiles en la calle y en el parque, intercaladas con imágenes de archivo, son un éxito.

Sorkin ha hecho una película apasionante, esclarecedora y mordaz, tan erudita como su mejor trabajo y siempre basada ante todo en la historia y el personaje. Se trata tanto del derecho constitucional estadounidense a protestar como de la justicia, lo que lo hace increíblemente relevante para el lugar donde nos encontramos hoy y para lo que está en juego en las próximas elecciones. La nota final de desafío aquí ofrece un rayo de esperanza que muchos de nosotros estamos hambrientos en este momento.


viernes, 16 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: El Practicante

 Ángel (Mario Casas) trabaja como técnico en emergencias sanitarias a bordo de una ambulancia. Tras sufrir un grave accidente, su vida junto a Vane (Déborah François) empieza a desmoronarse. Obsesionado con la idea de que ella le es infiel, convertirá su vida en un infierno del que será difícil escapar.


El Paramédico funciona hasta cierto punto porque el director Carles Torras animó al protagonista Ángel (interpretado por Mario Casas) a ser detestablemente intenso desde la primera escena. El personaje no mostró ningún respeto por su pareja con sus tonos subyacentes y su comportamiento paranoico implícito. La premisa sigue a Ángel mientras afronta una nueva realidad en silla de ruedas tras un lamentable accidente. Cuando la mujer a la que dice amar lo abandona, desarrolla una obsesión mortal y planea un plan de venganza.

La película de Netflix dedica mucho tiempo a moldear su relación en una historia ordenada en la primera mitad: su compañera Vane es interpretada por Déborah François y ella ofrece una interpretación completa asegurándose de que sus gestos lo digan todo. La mirada extraña, el tic y sus ojos devoradores cuentan una historia más que las formas intensas de Ángel: es un escenario donde un personaje tiene demasiado miedo para estar solo y la pareja puede olerlo, pero Vane no encuentra una excusa para irse.

Es flagrantemente evidente por qué el director quería sacar a la luz los rasgos siniestros de Ángel antes de que terminara en una silla de ruedas: quería un ángulo en el que Ángel no se volviera amargado y malvado debido a sus nuevas circunstancias, pero que la creciente oscuridad estaba dentro de él todo el tiempo, ya sea esto será aceptado como parte de la trama que queda por ver. La segunda mitad de la película explora la trama de venganza de Ángel. Y ahí es donde se vuelve bastante promedio porque el misterio de la pareja que mantuvo el impulso se pierde repentinamente. La historia se convierte en un hombre extraño y enojado que encuentra formas de mantener a su expareja en su vida, una trama que hemos visto muchas veces.

Y, por supuesto, la razón por la que se llama así es que los escritores necesitaban encontrar una razón por la que tenía suministros médicos a mano. La película muestra en particular que el personaje tiene una habilidad especial para robar desde el principio.

Así, El Practicante trata sobre un hombre solitario con una obsesión mortal que no llega más allá del potencial de la trama.


jueves, 15 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: A Love Song For Latasha

El asesinato de Latasha Harlins se convirtió en un momento cumbre para los altercados que tuvieron lugar en Los Ángeles en 1992. Este documental explora los sueños y la vida de la joven fallecida de 15 años.



Durante casi tres décadas, el nombre "Latasha Harlins" se ha dicho casi exclusivamente en el contexto de los levantamientos de 1992 en Los Ángeles. Pero A Love Song For Latasha de Netflix, un nuevo cortometraje de la directora Sophia Nahli Allison, se niega a dejar que los espectadores olviden que detrás de cada protesta, cada levantamiento y cada hashtag que nació del injusto asesinato de afroamericanos, estaba la pérdida de una vida humana muy real. Y para aquellos más cercanos a Harlins, el dolor de esa pérdida nunca ha cesado.

Harlins fue asesinada a tiros cuando tenía 15 años por la dueña de una tienda llamada Soon Ja Du, quien afirmó que Latasha estaba robando jugo de naranja. De hecho, Harlins tenía el dinero para pagar el jugo en su mano cuando murió, y la policía determinó que no estaba robando. Pero eso no es de lo que trata la película de Allison. En cambio, pinta una imagen de quién era Harlins desde el punto de vista de los más cercanos a ella, su prima Shinese y su mejor amiga Ty, y una colección de imágenes que hacen alusión a momentos de su niñez.

Estas imágenes involucran actores, pero no se parecen en nada a las recreaciones que a veces se presentan en los documentales. Aquí son poéticas, narrativas y profundas. Mientras Ty cuenta la historia del día en que ella y Latasha se conocieron, cuando estaba siendo intimidada por un grupo de niños en la piscina, y Latasha vino a rescatarla, vemos a una mujer flotando pacíficamente en la piscina y el agua se derrama suavemente sobre la cámara. Más tarde, cuando Ty y Shinese describe el día en que mataron a Latasha, la pantalla se convierte en una serie de patrones animados, formas y colores que hablan de las emociones del testimonio. La pantalla se convierte en un bucle infinito para describir la muerte de Latasha una y otra vez; un revoltijo de garabatos enojados por los sentimientos oscuros que siguieron. Luego, en el último tercio de la película, la propia Ty finalmente aparece en la pantalla, y es aún más poderoso porque Allison nos hizo esperar.

Una canción de amor para Latasha es experimental, artística y un tributo conmovedor a una vida que fue robada, no solo a Harlins, sino a quienes la amaban. Aunque el tiempo de ejecución es solo 19 minutos, Allison logra hacer que Harlins cobre vida de una manera que los medios de comunicación que rodean su muerte y la violencia que la siguió nunca pudieron.

“La gente simplemente sabe que era una joven negra que valía $1.79”, dice Ty. “No saben quién era ella como individuo. Ellos no lo saben".

Con suerte, ahora algunas personas más lo hacen.

Crítica Cinéfila: The Haunting of Bly Manor

Morir no equivale a desaparecer. En este gótico romance, una ‘au pair’ se adentra en un abismo de escalofriantes secretos.



¿Cómo puede el showrunner Mike Flanagan seguir un éxito de Netflix como The Haunting of Hill House?

Al igual que la primera serie adaptada en la obra de la icónica autora de terror Shirley Jackson , el nuevo capítulo de la antología se centra en la histórica novela de terror The Turn of the Screw y otras obras de su autor, Henry James. El resultado es algo que dividirá a los fanáticos de su predecesora: algunos la amarán, otros no resultarán sorprendidos, mientras que un pequeño grupo reconocerá que no debe compararlas pues son dos historias completamente diferentes.

The Haunting of Bly Manor se desarrolla en la década de 1980 y sigue a la au pair estadounidense Dani Clayton (Victoria Pedretti) cuando es contratada por Sir Henry Wingrave (Henry Thomas) para cuidar a su sobrina y sobrino huérfanos, Flora (Amelie Smith) y Miles (Benjamin Evan Ainsworth), en la mansión inglesa de Bly Manor. Una vez que llega a la casa, Dani, que ya tiene sus propios problemas de su pasado, se ve perturbada por el comportamiento de los niños y algunos sucesos inquietantes, y descubre las verdades más oscuras sobre el lugar en el que se encuentra ahora.

Si reconoces la historia es porque la vimos en la gran pantalla a principios de este año a través de la película The Turning. Sin embargo, aquella presentación no tuvo la dicha de contar con Mike Flanagan y el mismísimo Henry James en la construcción narrativa de la historia, aventajando a la serie para poder desarrollarse pacientemente en cada uno de sus aspectos. Así mismo, los guionistas le dieron más protagonismo a cada uno de sus personajes, permitiéndole un episodio para contar sus versiones y darle libertad a los conflictos internos que arropa a cada uno. Nadie está a salvo de su propia maldición. Más que una serie de terror sobre fantasmas y lugares malditos, la serie es un drama explorativo, siguiendo los demonios de cada uno de sus protagonistas, rotándonos para conocer más a fondo los diferentes rostros que viven y vivieron en Bly.

Por un lado, los miembros del elenco más nuevos ciertamente demuestran ser ladrones de escenas, incluidas las espeluznantes pero dulces estrellas infantiles. Se debe destacar el elogio por las fascinantes actuaciones de T'Nia Miller como la ama de llaves Hannah Grose y Amelia Eve como la jardinera Jamie.

Por otra parte, Oliver Jackson-Cohen puede darse a lucir en algunos escenarios como un rostro misterioso de la nana anterior de la casa, mientras que Henry Thomas solo recibe un episodio que le permite mostrar su papel como el señor ausente de la mansión.

Lamentablemente, a Rahul Kohli no se le ofrece la misma oportunidad de brillar que el dulce chef Owen, que finalmente parece minimizado por los pocos aspectos de carácter que le otorgan al personaje en sí. Pero quien tiene aún menos suerte es Victoria Pedretti como Dani; a pesar de ser una excelente actriz, su Dani se siente exagerada por momento y aún con las situaciones de su pasado, la personalidad no termina de aterrizar y concluye como alguien que merecía el tipo de final que le dieron. Me quedo con Nell de Hill House.

Aunque la serie mantiene la capacidad de provocar sobresaltos y momentos más sutiles e inquietantes, el tono de The Haunting of Bly Manor funciona mejor cuando abarca las profundidades de la tragedia y el desgarrador abrumador en el verdadero tono del romance gótico.

Desafortunadamente, Mike Flanagan no dirige la mayoría de los episodios como lo hizo con Hill House, lo que se suma a la estructura desigual provocada por los intentos de adaptar los cuentos de Henry James junto con su novela The Turn of the Screw. Esto significa que la temporada puede sentirse algo entrecortada y algunos episodios de los sustos mostrados no funcionan como otros. Sin embargo, existe una verdadera reverencia por el trabajo de James y las emociones de soledad, dolor y pasión que burbujean debajo de la superficie de sus cuentos sobrenaturales, que solo finalizan cuando la serie llega a una conclusión emocional y francamente desgarradora.

En general, The Haunting of Bly Manor proporciona sustos adecuados y algo claramente diferente de su predecesor al evocar emociones desgarradoras a lo largo de su estructura. Es una continuación escalofriante de Hill House con una historia gótica clásica llena de romance y ghouls.


domingo, 11 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: The Boys in the Band

Un grupo de homosexuales se reúne en un apartamento de Nueva York para celebrar el cumpleaños de un amigo. Cuando transcurren las horas, después de beber y de subir el volumen de la música, la velada comienza a exponer las fisuras que existen entre su amistad y el dolor auto-infligido que amenaza con hacer trizas su concepto de la solidaridad. 



Se han escrito volúmenes sobre cómo las relaciones heterosexuales en obras de dramaturgo homosexuales a menudo eran relaciones gays "codificadas". Mart Crowley rompió con todo eso inspirándose en parte por una diatriba del New York Times del crítico Stanley Kauffman, quien desafió a los dramaturgos a escribir directamente sobre sí mismos. Crowley hizo precisamente eso y elaboró ​​un psicodrama de juego de la verdad sobre un grupo de reinas del drama que se reúnen en un apartamento de Greenwich Village para una fiesta de cumpleaños, y al final de una larga noche de copas todo termina en un conflicto interno contra ellos mismos.

“The Boys in the Band” fue una buena obra para su época, pero no resistió la prueba del tiempo. La segunda etapa de la obra llegó en 1970, cuando se hizo una película de Hollywood, y en ese momento el espíritu de liberación gay estaba cambiando rápidamente la temperatura cultural de la vida homosexual. El abrumador odio hacia sí mismos que parecían compartir los personajes de Crowley, casi ninguno de ellos creía que merecieran amor, de repente parecía una reliquia tremendamente desactualizada de una época más represiva.

La tercera etapa comenzó alrededor de finales de los 70, momento en el que la obra había pasado de estar fechada a casi patológicamente anticuada. Los personajes, con sus antiguas referencias a las divas del cine y las rivalidades de los dardos venenosos, habían llegado a parecer exhibiciones en algún museo subterráneo macabro de un campamento superior, en parte porque una generación de dramaturgos homosexuales y orgullosos estaban ahora de pie en la obra de Mart Crowley.

Luego, en 2018, llegó la cuarta etapa sorpresa: la obra se revivió en Broadway para su 50 aniversario, y se exhibió, ingeniosamente, como una pieza de época, menos un retrato de la vida gay que un retrato de cómo una vez se retrató la vida gay. Y en ese nivel era rico, verdadero y fascinante; de una manera divertida, algunas de las cosas más anticuadas eran ahora las más reveladoras.

La nueva versión de Netflix de "The Boys in the Band" presenta el mismo elenco que el resurgimiento, liderado por Jim Parsons y Zachary Quinto, así como el mismo director (Joe Mantello), con Ryan Murphy una vez más al frente en el equipo de productores. ¿Por qué es esta la quinta etapa? Visto en casa en la era de COVID, "The Boys in the Band" ahora parece un San Valentín irónico de nostalgia a los días en que sentarse en un apartamento de Nueva York con amigos, incluso cuando tienen las ganas de pelear, se siente como uno de las momentos más placenteros del mundo.

El apartamento pertenece a Michael (Parsons), un comprador personal que prefiere las bufandas de Hermès y un semi-peinado. Dado que es el Village, su lugar es bastante grande, un dúplex con una escalera de caracol y una terraza en el techo. El espacioso set está lleno de baratijas gay de finales de los 60, y Mantello lo usa para que la acción fluya. Pero la acción es principalmente de Michael y sus amigos tratando de superarse el uno al otro con frases de te-leo-mejor-que-tú-me-lees que se vuelven más mezquinas y penetrantes a medida que avanza la noche.

Michael ha tenido su parte de aventuras sexuales, la mayor parte mientras viajaba, pero es un católico lleno de culpa que no puede reconciliar las partes divididas de sí mismo. Durante mucho tiempo justificó sus actividades con el síndrome de "¡estaba borracho anoche!"; ahora, está tratando de mantenerse sobrio y puro. Pero está sentado en un polvorín de sentimientos no resueltos, y el perfecto para desencadenarlo es Harold, el neurótico cumpleañero, interpretado por Zachary Quinto, y con su Jewfro oscuro corto, patillas, lentes polarizados, traje verde, camisa y corbata, botas de los 60, anillos en los dedos y actitud de sobra. Quinto interpreta a Harold creando su propio espacio drogado de perversidad, acariciando cada línea despiadada como si fuera terciopelo. Convierte líneas en deliciosas capas de pasteles de ironía y sarcasmo.

Mientras Michael y Harold se pelean, lo que hacen a pesar de que son viejos amigos, “The Boys in the Band” suena como un tiro. Pero los otros personajes se acercan más a ser complementarios de su batalla sinfín. Sin embargo, los actores se registran. Andrew Rannells, como el casualmente promiscuo Larry, y Tuc Watkins como su compañero mayor, Hank, juegan un dilema doméstico que se siente arquetípico pero, a su manera, lo suficientemente genuino. Y Michael Benjamin Washington hace del gregario Bernard, un alma gentil atrapada en opresiones gemelas: su sexualidad y su raza.

Una frase sobre el tema es la agonía de envejecer. Lo más anticuado de la obra de Crowley es que todos actúan como si llegar a los 35 años fuera equivalente a recibir un diagnóstico de cáncer terminal. Lo menos anticuado de la obra, de hecho, algo que aprecio más, es que los personajes prácticamente no hacen referencia a cómo el mundo exterior los oprime, pero eso es porque viven esa realidad con cada respiración. Su autocompasión y odio a sí mismos es una internalización de lo que la sociedad piensa de ellos y, al final, eso le da a las telenovelas un pequeño matiz de tragedia. Pero solo un matiz.

Lo que mantiene unida a la película, además de la mística geek de ensueño de Quinto y la entrega deliciosa de cada línea, es la pasión atormentada que Jim Parsons le aporta. A veces es como Paul Lynde, un artista agotado que se burla de sus invitados y de sí mismo. Pero Parsons, rebotando del placer a la rabia y viceversa, con ese acento de insolencia y ese ritmo tan perfecto que no solo cuenta un chiste, lo canta, nunca te deja olvidar el núcleo del niño herido que impulsa a Michael a dejar salir su mala racha. Puede volverse terriblemente cruel, pero es solo por lo mucho que le duele. Eso es cierto para todos en la obra. 

“The Boys in the Band” es un homenaje a cómo sonreír y cómo quejarse, aunque se te rompa el corazón. Hay muchos dramas que se ven diferentes con el tiempo, pero es el destino peculiar de esta innovadora obra de Mart Crowley en 1968: haber sido tan golpeada por los tiempos cambiantes que la obra sigue cambiando su identidad. 


sábado, 10 de octubre de 2020

Crítica Cinéfila: American Murder, The Family Next Door

Con imágenes reales sin editar, este documental ahonda en la desaparición de Shanann Watts y sus hijos, y los sucesos acontecidos posteriormente.



Ya estaba familiarizada con el caso de Shanann Watts, su esposo Chris y sus dos hijos antes de ver el documental American Murder: The Family Next Door de Jenny Popplewell. Por varias semanas, fue una de las noticias más impactantes a nivel nacional en Estados Unidos. Pero para el inmenso crédito de Popplewell, ella nunca explota el caso, sino que lo usa como una forma de enmarcar cómo nuestras vidas en las redes sociales hacen contraste con nuestras luchas privadas con nosotros mismos y quienes nos rodean, y cómo lo que puede parecer la familia perfecta en facebook es un velo delgado para cubrir la trágica historia detrás de cuatro paredes. Con la palabra "Asesinato" en el título, el documental no se preocupa realmente por delatar quién es el asesino o seguir varias pistas e hilos. El resultado espantoso es obvio. Donde el documental saca su fuerza es en la exploración de la huella digital que dejó Shanann y la aniquilación que provocó su esposo.

El 13 de agosto de 2018, Shanann Watts llegó tarde a casa después de un fin de semana en un viaje de trabajo. A la mañana siguiente, ella y sus dos hijas Celeste y Bella estaban desaparecidas. El documental luego va y viene entre sus publicaciones en las redes sociales y los mensajes privados en las semanas previas a su desaparición y las imágenes policiales que investigan e interrogan a Chris en los días posteriores. A través de estos dos retratos, vemos cómo Shanann y Chris construyeron sus vidas en las redes sociales, lo que oscureció los serios problemas que enfrentaba su matrimonio e hizo que las últimas revelaciones fueran aún más impactantes.

Lo más inteligente que hace Popplewell es no intentar enmarcar su documental como un misterio. En cambio, se siente como un lento declive hacia una verdad horrible, y si bien los detalles de esa verdad son profundamente perturbadores y horribles, estamos atrapados en este viaje porque necesitamos llegar al final de la investigación. El criminal no es un misterio, pero las circunstancias que llevarían a un resultado tan horrible son las que captan nuestro interés. Una vez más, para crédito de Popplewell, ella se niega a consolar a su audiencia y trata de "explicar" el por qué más allá de los hechos del caso. Trabajando únicamente a partir de las redes sociales, los éxitos de noticias y las imágenes de investigación criminal a su disposición, American Murderno intenta dar sentido a lo sin sentido. A veces no hay una gran verdad detrás de un crimen monstruoso; solo hay motivos humanos banales y patéticos.

Lo que Popplewell aprovecha sabiamente es cómo la construcción de nuestras vidas digitales se convierte casi en una especie de prisión. Obviamente, nuestros perfiles en las redes sociales están tan construidos como nuestras personas externas. Incluso antes de Facebook, los matrimonios podían parecer una forma para el mundo en general y, al mismo tiempo, ser completamente diferente a las personas que están dentro de ellos. Lo que American Murder muestra es que la construcción está tan desarrollada y realmente está martillando lo que se ha perdido. En sus medios, Shanann no está diciendo toda su historia, pero ella está diciendo una historia de la familia feliz que anhelaba y los niños que amaba profundamente. Al usar tantas imágenes de las redes sociales, American Murder saca a Shanann y sus hijos de la abstracción y les da voz a las víctimas, incluso si está limitada por las disposiciones alegres que exigen las redes sociales.

La descripción más amplia de American Murder es evidente en su subtítulo "La familia de al lado"; la noción de que, según todas las apariencias, los Watts eran el ideal platónico de una familia feliz. Algunos pueden querer más respuestas sobre quién era Chris y su estado mental que lo llevaría a un crimen tan atroz, pero Popplewell está más preocupada en dejar que Shanann hable por sí misma a través de sus redes sociales y sus mensajes privados con amigos. American Murder no está aquí para ofrecer ningún tipo de consuelo. No hay euforia de tratar de resolver el crimen o buscar hilos para tirar. Ni siquiera hay un patrón de comportamiento que podamos señalar y tratar de aplicar a nuestras propias vidas. En el mejor de los casos, American Murder es un poderoso recordatorio de que las redes sociales son una fabricación de la vida que deseamos tener, una en la que nunca estamos tristes; donde nuestras familias son perfectas; donde viviremos felices para siempre.


miércoles, 7 de octubre de 2020

Halloween Cinéfila: 31 películas de terror para un Halloween en cuarentena


El que me conoce lo sabe: yo soy enferma con las películas de terror. Pero aún más: soy enferma con el Halloween. A pesar de haber crecido en una cultura que no cree en este "evento anual", desde muy joven me interesaron todas las películas que parten de la idea de la noche de Brujas, desde ver Hocus Pocus 20 veces durante el mes o tirarme todas las temporadas de Goosebumps de una sentada. No fue hasta después de mis 20 que realmente se convirtió en una celebración de todos los años. 

Lamentablemente este año parece estar envenenado por completo porque no se celebrará Halloween. No a los disfraces que tenía en mente o a reunirme con amigos y comer tantos dulces sin sentir remordimiento. 

Así que, es hora de volver a los viejos tiempos, lo cual significa Noche de Películas de Terror

Desde hace muchos años he estado recolectando diferentes películas de terror como fiel fanática. Sin importar el estilo, si es musical o si no da tanto miedo, hay historias que simplemente pegan para ver durante la noche de Halloween. Quiero ser generosa con ustedes y compartirle mi lista inédita. Algo importante a tomar en cuenta: he decidido no incluir películas asiáticas aquí porque creo que esas merecen su propio listado. 

De nada. 

Aviso: el nivel de terror está acorde a lo que a mí me aterra. Esto puede variar dependiendo de la sensibilidad de ustedes.

1. The Exorcist (1973)
Cuando la joven Regan comienza a actuar de manera extraña, levitando, hablando en lenguas, su madre preocupada busca ayuda médica, solo para llegar a un callejón sin salida. Un sacerdote local (Jason Miller), sin embargo, cree que el diablo puede apoderarse de la niña. El sacerdote solicita realizar un exorcismo y la iglesia envía a un experto (Max von Sydow) para ayudar con el difícil trabajo.
Nivel de terror: 3.5/5

2. The Texas Chain Saw Massacre (1974)
Cinco adolescentes visitan la tumba, supuestamente profanada, del abuelo de uno de ellos. Cuando llegan al lugar, donde hay un siniestro matadero, toman una deliciosa carne en una gasolinera. A partir de ese momento, los jóvenes vivirán la peor pesadilla de toda su vida.
Nivel de terror: 4/5

3. The Rocky Horror Show (1975)
Cuando una pareja regresa de la boda de unos amigos, estalla una violenta tormenta y el coche se les avería. Así las cosas, no tienen más remedio que refugiarse en un castillo, donde el doctor Frank-N-Furter vive entregado a la fabricación de una especie de Frankenstein.
Nivel de terror: 1/5

4. Carrie (1976)
Carrie White, una tímida adolescente que vive con su madre, una fanática religiosa, es objeto de las burlas constantes de sus compañeros de instituto. Cuando, en las duchas del gimnasio, la chica sufre un ataque de histeria al tener su primera menstruación, a una de sus compañeras se le ocurre gastarle una broma macabra durante la fiesta de graduación. Lo que todos ignoran es que Carrie posee poderes telequinésicos.
Nivel de terror: 2/5

5. Halloween (1978)
Durante la noche de Halloween, Michael, un niño de seis años, asesina a su familia con un cuchillo de cocina. Es internado en un psiquiátrico del que huye quince años más tarde, precisamente la víspera de Halloween. El psicópata vuelve a su pueblo y comete una serie de asesinatos. Mientras, uno de los médicos del psiquiátrico le sigue la pista. 
Nivel de terror: 4/5

6. Alien (1979) 
De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación.
Nivel de terror: 4/5

7. The Shining (1980) 
Jack Torrance se traslada con su mujer y su hijo de siete años al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento de las instalaciones durante la temporada invernal, época en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su objetivo es encontrar paz y sosiego para escribir una novela. Sin embargo, poco después de su llegada al hotel, al mismo tiempo que Jack empieza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, se suceden extraños y espeluznantes fenómenos paranormales.
Nivel de terror: 3/5

8. Nightmare on Elm Street (1984)
Varios jóvenes de una pequeña localidad tienen habitualmente pesadillas en las que son perseguidos por un hombre deformado por el fuego y que usa un guante terminado en afiladas cuchillas. Algunos de ellos comienzan a ser asesinados mientras duermen por este ser que resulta ser Freddy Krugger, un hombre con un pasado abominable.
Nivel de terror: 3/5

9. Beetlejuice (1988)
Un matrimonio de fantasmas (Geena Davis y Alec Baldwin) contrata los servicios de Bitelchus (Michael Keaton), un especialista en asustar mortales, para que ahuyente a los nuevos propietarios de su querida casa Victoriana. 
Nivel de terror: 1/5

10. Misery (1990)
Un escritor llamado Paul Sheldon (James Caan) lleva años malgastando su talento con unas románticas historias, de gran éxito comercial, cuya protagonista es una mujer llamada Misery. Decidido a acabar con esta situación, mata al personaje y se refugia en Colorado para escribir una novela seria. Terminado su trabajo, emprende el regreso, pero en una carretera de montaña, pierde el control de su coche y sufre un grave accidente. Annie Wilkes (Kathy Bates), una brusca e impetuosa mujer, gran admiradora suya, lo rescata, se lo lleva a su casa y lo cuida con esmero. Obsesionada con el personaje de Misery, retiene a Sheldon para obligarlo a escribir una nueva historia en la que resucite al personaje.
Nivel de terror: 3/5

11. Bram Stoker's Dracula (1992) 
En el año 1890, el joven abogado Jonathan Harker viaja a un castillo perdido de Transilvania, donde conoce al conde Drácula, que en 1462 perdió a su amor Elisabeta. El Conde, fascinado por una fotografía de Mina Murray, la novia de Harker, que le recuerda a su Elisabeta, viaja hasta Londres "cruzando océanos de tiempo" para conocerla. Ya en Inglaterra, intentará conquistar y seducir a Lucy, la mejor amiga de Mina.
Nivel de terror: 3/5

12. The Nightmare Before Christmas (1993) 
Cuando Jack Skellington, el Señor de Halloween, descubre la Navidad, se queda fascinado y decide mejorarla. Sin embargo, su visión de la festividad es totalmente contraria al espíritu navideño. Sus planes incluyen el secuestro de Santa Claus y la introducción de cambios bastante macabros. Sólo su novia Sally es consciente del error que está cometiendo.
Nivel de terror: 1/5

13. Scream (1996)
Un año después del asesinato de su madre, Sidney (Neve Campbell) vuelve a vivir una situación angustiosa: mientras un terrible psicópata tiene aterrorizado al barrio, su padre está siempre ausente y su novio está a punto de romper con ella.
Nivel de terror: 3/5

14. The Blair Witch Project (1999)
El 21 de octubre de 1994, Heather Donahue, Joshua Leonard y Michael Williams entraron en un bosque de Maryland para rodar un documental sobre una leyenda local, "La bruja de Blair". No se volvió a saber de ellos. Un año después, fue encontrada la cámara con la que rodaron: mostraba los terroríficos hechos que dieron lugar a su desaparición.
Nivel de terror: 4/5

15. Dawn of the Dead (2004)
Remake del filme de terror de George A. Romero. Una inexplicable plaga ha diezmado la población del planeta, convirtiendo a los muertos en horribles zombies que continuamente buscan carne y sangre humana para sobrevivir. En Wisconsin, un variopinto grupo de personas que han escapado a la plaga, tratan de salvar la vida refugiándose en un centro comercial, donde deben aprender no sólo a protegerse de las hordas de zombies, sino también a convivir.
Nivel de terror: 4/5

16. The Descent (2005)
Seis amigas se reúnen en una remota montaña para emprender una expedición espeleológica. Una de ellas, Sarah, se está recuperando de un colapso mental causado por la muerte de su marido y su hijo un año antes. El grupo queda atrapado en una cueva cuando una roca se desprende y bloquea la salida. Mientras buscan otra salida en medio de un laberinto de túneles, son perseguidas por una raza de hambrientos depredadores.
Nivel de terror: 4/5

17. The Hills Have Eyes (2006)
El viaje de una familia se convierte en una pesadilla terrorífica cuando se adentran en una zona desértica de acceso restringido, donde el Gobierno está haciendo experimentos con energía atómica.
Nivel de terror: 3/5

18. El Orfanato (2007)
Laura se instala con su familia en el orfanato en el que creció de niña. Su propósito es abrir una residencia para niños discapacitados. El ambiente del viejo caserón despierta la imaginación de su hijo, que empieza a dejarse arrastrar por la fantasía. Los juegos del niño inquietan cada vez más a Laura, que empieza a sospechar que en la casa hay algo que amenaza su familia. 
Nivel de terror: 3.5/5

19. Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007)
Basada en un famoso musical de Broadway, narra la historia de Benjamin Barker, también conocido como "Sweeney Todd" (Johnny Depp), un siniestro personaje que tiene una barbería en Londres y cuya navaja de afeitar apura demasiado.
Nivel de terror: 1/5

20. Coraline (2009)
Basada en una novela de Neil Gaiman, narra la historia de una niña que, al atravesar una pared de su casa, encuentra una versión mejorada de su vida: sus padres son más considerados con ella, pero la las sensaciones maravillosas darán paso al miedo y a la angustia.
Nivel de terror: 2/5

21. Sinister (2012)
Un periodista viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia.
Nivel de terror: 3/5

22. The Conjuring (2013)
Basada en una historia real documentada por los reputados demonólogos Ed y Lorraine Warren. Narra los encuentros sobrenaturales que vivió la familia Perron en su casa de Rhode Island a principios de los 70. El matrimonio Warren, investigadores de renombre en el mundo de los fenómenos paranormales, acudieron a la llamada de esta familia aterrorizada por la presencia en su granja de un ser maligno.
Nivel de terror: 4/5

23. Evil Dead (2013)
Cinco amigos se alojan en una cabaña de Tenessee para así poder ayudar a una de los jóvenes, que se encuentra en rehabilitación por drogas. Estar sin sus drogas convierte a la chica en una persona agresiva, lo que llevará a sus amigos a no darse cuenta de que en realidad esta poseída por demonios que fueron desatados al leer el Necromicon.
Nivel de terror: 4/5

24. It Follows (2014)
Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa. 
Nivel de terror: 4/5

25. The Witch (2015)
Nueva Inglaterra, 1630. Un matrimonio de colonos cristianos, con cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está dominado por el mal. Cuando el hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros: un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
Nivel de terror: 4.5/5

26. Veronica (2017) 
Inspirada en una historia real sucedida en el madrileño barrio de Vallecas en los años 90. Tras hacer una ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por aterradoras presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. 
Nivel de terror: 5/5 
*Cada vez que la veo, tengo pesadillas*

27. Get Out (2017)
Un joven afroamericano visita a la familia de su novia blanca, un matrimonio adinerado. Para Chris y su novia Rose ha llegado el momento de conocer a los futuros suegros, por lo que ella le invita a pasar un fin de semana en el campo con sus padres, Missy y Dean. Al principio, Chris piensa que el comportamiento "demasiado" complaciente de los padres se debe a su nerviosismo por la relación interracial de su hija, pero a medida que pasan las horas, una serie de descubrimientos cada vez más inquietantes le llevan a descubrir una verdad inimaginable. 
Nivel de terror: 3.5/5

28. Hereditary (2018)
Cosas extrañas comienzan a suceder en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja en herencia su casa a su hija Annie. Annie Graham, una galerista casada y con dos hijos, no tuvo una infancia demasiado feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacer que pase página. Pero todo se complica cuando su hija menor comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hermano. 
Nivel de terror: 4/5

29. A Quiet Place (2018)
Sigue la historia de una familia que vive en una casa en el bosque cuidándose de no emitir ningún sonido.
Nivel de terror: 4/5

30. Crawl (2019)
Con un enorme huracán de categoría 5 descargando sobre Florida, la joven Haley (Kaya Scodelario) desoye las órdenes de evacuación para buscar a su padre (Barry Pepper), que ha desaparecido. Tras encontrarle herido en el entresuelo de su casa, los dos quedan atrapados acechados por enormes caimanes y por una inundación que cubre rápidamente el terreno. 
Nivel de terror: 4.5/5

31. The Lodge (2020)
Una mujer (Riley Keough) que está apunto de convertirse en madrastra se encuentra atrapada, junto a los dos hijos de su prometido, en una casa alejada de la civilización por culpa de una fuerte nevada. Justo cuando la relación entre los tres empieza a florecer, la mujer adopta una actitud aterradora que proviene del adoctrinamiento religioso que sufrió en su dura infancia. 
Nivel de terror: 4/5




martes, 6 de octubre de 2020

Halloween Cinéfila: 13 películas asiáticas de terror para no dormir


Hace unos años atrás, le comentaba a una amiga como me molestaba que las películas de terror de ahora pierden tanto tiempo explicando las reglas, lo cual tumba totalmente el terror. Ella me dijo que solo había un cine que no hacía eso: el asiático. A nivel general, el cine asiático es uno de los más destacados, pues su industria no busca compararse con la occidental, sino seguir sus propios parámetros culturales y crear subgéneros que ni los americanos han podido descifrar bien cuando hacen los remakes.

Cuando se trata de películas de terror, si surgieron en algún país oriental, no podrá superarla. Es por eso que he decidido compartirles 13 películas asiáticas que, aún algunas teniendo remakes con mayores presupuestos, sus originales tienen mucha más esencia.

1. Raat (India - 1992)
Los Sharma se mudan a una ubicación semiurbana a una casa que tiene una "reputación". Cuando comienzan a suceder cosas extrañas en la casa, la familia comienza a preguntarse si lo que está sucediendo es natural o sobrenatural.

2. Ringu (Japón - 1998)
Cuando su sobrina es encontrada muerta junto con tres amigos después de ver una cinta de video supuestamente maldita, la reportera Reiko Asakawa se propone investigar. Junto con su ex marido, Ryuji, Reiko encuentra la cinta, la mira y recibe una llamada telefónica que le informa que morirá en una semana. Decididos a llegar al fondo de la maldición, Reiko y Ryuji descubren el origen del video e intentan resolver un antiguo asesinato que podría romper el hechizo.

3. Audition (Japón - 1999)
Un cuarentón viudo, a propuesta de un amigo, convoca un casting para una inexistente película con la intención de encontrar una nueva esposa.

4. Pulse (Japón - 2001)
Hace tiempo que Michi, Yunko y Yabe no tienen noticias de un amigo. Cuando Michi va a visitarlo a su casa lo encuentra un poco extraño. Pero su actitud está conectada a una extraña página web, donde aparecen turbadoras imágenes de habitaciones oscuras y finalmente un inquietante mensaje: "¿Quieres ver un fantasma?".

5. Ju-On: The Grudge (Japón - 2002)
Rika es una joven que cuida a una anciana en cuya casa suceden cosas muy extrañas. Un día, Rika encuentra en el piso de arriba a un niño de seis años que lleva un gato negro en los brazos. 

6. The Eye (Hong Kong - 2002)
Ciega desde los dos años, Mann se somete, catorce años después, a un nuevo y arriesgado transplante de córnea.

7. A Tale of Two Sisters (Corea del Sur - 2003)
Dos hermanas llegan a la nueva casa que su padre viudo comparte con su nueva esposa. La creciente crueldad de la madrastra, unida a las apariciones del fantasma de la madre de las jóvenes, irá creando una atmósfera inquietante.

8. One Missed Call (Japón - 2003)
Una joven estudiante de universidad, Yumi Nakamura (Kou Shibasaki), ve cómo sus amigos mueren uno a uno víctimas de una extraña “maldición” que parece tener su origen en el teléfono móvil. 

9. Noroi: The Curse (Japón - 2005)
Masafumi Kobayashi es un reportero de lo sobrenatural. Su último documental nunca fue mostrado al publico por ser considerado demasiado perturbador para la televisión, ese famoso y ultrasecreto documental es Noroi, La maldición.

10. Death Bell (Corea del Sur - 2008)
En un colegio lleno de jovenes, comienzan a sucederse extraños asesinatos entre los alumnos.

11. Don't Click (Corea del Sur - 2012)
Jung-mi es una estudiante obsesionada con videos extraños y prohibidos eliminados de páginas web. Ella pide ayuda al novio de su hermana, Joon-hyuk, ya que tiene acceso a dichos videos. Finalmente consigue hacerse con uno de los videos, pero lo que ve en él no es exactamente lo que esperaba. 

12. The Wailing (Corea del Sur - 2016)
La vida de un pueblo coreano se ve alterada por una serie de asesinatos, salvajes y misteriosos, que azota a la pequeña comunidad rural. Los rumores y las supersticiones se propagan a causa de la presencia, desde hace poco tiempo, de un anciano extranjero que vive como un ermitaño.

13. Train to Busan (Corea del Sur - 2016)
Un virus letal se expande por Corea del Sur, provocando violentos altercados. Los pasajeros de un tren KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia.