Crítica Cinéfila: Waco, American Apocalypse

Miniserie documental con imágenes nunca antes vistas del enfrentamiento de 51 días entre agentes federales y un grupo religioso armado en 1993.

David Koresh era el líder de un culto del fin del mundo cuyos miembros creían que él era el Mesías y que estaban destinados a perecer en un conflicto con el gobierno de los Estados Unidos. Y el 19 de abril de 1993, después de un enfrentamiento de 51 días con el FBI, esa profecía se hizo realidad, con un incendio en su complejo del rancho Mount Carmel, matando así a docenas de sus propios discípulos (incluidos los niños): Koresh cometió lo impensable. Por lo tanto, cuando alguien se refiere a este incidente en Waco: American Apocalypse como una "tragedia", es difícil no verlo como uno provocado explícitamente por un hombre que también era considerado un pedófilo, polígamo, abusador doméstico e insurgente armado.

La serie documental de tres episodios de Tiller Russell es un examen emparejado de Koresh, su equipo de Branch Davidian y la lucha que instigaron con las fuerzas del orden. Presenta entrevistas con figuras de ambos lados de la división de la historia, desde negociadores, agentes tácticos, francotiradores y periodistas, hasta cultistas sobrevivientes, que incluso hoy profesan su inocencia y victimización a manos de un gobierno tiránico estadounidense. Proporcionando una visión de 360 grados de esos fatídicos meses de 1993, aborda muchos de los argumentos que han hecho estragos en los últimos 30 años con respecto a la villanía y la culpabilidad de Koresh, los papeles cruciales de sus seguidores para avivar la consagración y los errores de aplicación de la ley por parte de ATF y el FBI que pueden haber frustrado un resultado pacífico.

Lo que en última instancia presenta, sin embargo, es un retrato de una catástrofe que su principal jugador siempre buscó, y trabajó incansablemente, y con éxito, para hacer realidad.

Como se relata en "Waco: American Apocalypse", Koresh creció en un hogar roto y finalmente se dirigió al Mount Carmel a mediados de la década de 1980, donde sedujo al anciano líder del culto y se metió en un tiroteo con su hijo para tomar el control del grupo. Una vez que lo tuvo, se propuso cambiar su doctrina cristiana a su gusto, es decir, proclamándose a sí mismo el profeta divino del Señor (si no Dios encarnado) y disolviendo los matrimonios de sus seguidores para que pudiera robar la esposa de todos para sí mismo. El hecho de que alguien estuviera de acuerdo con tal demanda es una locura, pero entonces, Koresh ya había obtenido el permiso tácito de sus partidarios para casarse con una niña de 14 años. Practicaba habitualmente la pedofilia y fue tolerada porque, como afirma la adherente Kathy Schroeder en una nueva entrevista, Branch Davidians creía que las niñas "llegaban a la mayoría de edad" cuando tienen 12 años.

Los davidianos de la rama eran como muchos otros cultos en el sentido de que los participantes aceptaron todo lo que Koresh dijo porque estaban bajo la ilusión de que él era divino. En un entorno tan trastornado, tenía sentido tomarle la palabra cuando dijo que los enemigos gubernamentales estaban destinados a llegar a su puerta, y que debían prepararse almacenando armas. Así lo hicieron, acumulando rifles semiautomáticos que convirtieron ilegalmente en automáticos, produciendo granadas caseras, comprando rifles de calibre .50 que perforan la armadura y acumulando 1,6 millones de cartuchos de munición. Tales gestos eran claramente un prefacio para la guerra. En consecuencia, cuando la ATF (la Oficina de Alcohol, Tabaco, Armas de Fuego y Explosivos) apareció en la fuerza buscando preguntar sobre este escondite, del que se habían enterado a través de un paquete roto en el correo que contenía una granada, los Davidianos de la Rama atacaron.

Si la ATF o los Branch Davidians dispararon primero sigue siendo objeto de mucha especulación, y si "Waco: American Apocalypse" no llega a una conclusión definitiva, sus sujetos de entrevistas de la ATF (como Jim Cavanaugh y Bill Buford, el último de los cuales apenas salieron con vida) son mucho más creíbles que los sobrevivientes Davidianos. Cuatro agentes de la ATF murieron en el tiroteo, y a raíz del fracaso de la agencia para asegurar los armamentos de la secta, el FBI fue llamado para negociar una rendición. La serie documental de Russell utiliza material de archivo (algunos de ellos nunca antes vistos) y testimonios de primera mano para llevar ese proceso prolongado al hecho vívido.

"Waco: American Apocalypse" se beneficia de las grabaciones de audio de las conversaciones del FBI con Koresh, así como de las imágenes de transmisión de noticias y los clips de las películas que Koresh hizo dentro del complejo durante el enfrentamiento. Mejor aún, captura la forma en que las fricciones entre la negociación y los equipos tácticos socavaron su objetivo conjunto de concluir esta disputa de polvo sin una confrontación final tan compleja. La gran duración de la prueba y la voraz cobertura de los medios de comunicación solo hicieron que las cosas se tensaran, al igual que las tácticas de retraso de Koresh, que culminaron con su anuncio, en el momento en que se suponía que debía rendirse, de que necesitaba más tiempo para escribir su nueva versión del Libro del Apocalipsis. Aunque permitiría que 21 niños y dos mujeres adultas abandonaran el complejo, las autoridades federales determinaron que nunca iba a ir en silencio.

En última instancia, tenían razón, en un grado impactante. El plan de los federales del 19 de abril de 1993 para disparar gas lacrimógeno en el complejo (después de anunciar sus intenciones a Koresh de antemano) estaba destinado a obligarlos a retirarse del lugar. En cambio, Koresh y sus secuaces se quedaron dentro mientras el lugar se incendiaba, menos algunas personas, como Thibodeau (que todavía niega la responsabilidad de Koresh por el infierno). Fue un suicidio masivo para una audiencia de televisión nacional, y mientras Thibodeau sostiene que los davidianos de la Rama eran "mártires" inocentes que "murieron por Dios", y el abogado de Koresh implica que todo esto fue el subproducto de una orden de búsqueda y incautación irrazonable, que suena ridículamente falsa, la impresión primordial dejada por el desenlace es que pareciese haberse provocado.

Russell deja que sus súbditos Davidianos planteen su caso de simpatía, pero, incluso a la luz del manejo imperfecto de la situación por parte del gobierno, se enfrentan a fanáticos que todavía creen fielmente a un lunático que les alimentó con mentiras y les costó todo. Timothy McVeigh honró a Koresh y contradijo el sistema que consideraba su enemigo común bombardeando el edificio federal de Oklahoma City en el aniversario de dos años del asedio de Waco. Al hacerlo, subrayó además que, al final, el legado duradero de esta catástrofe está destacando la amenaza que nos representa a todos: el virulento y violento extremismo religioso de derecha y el antisistema que prospera dentro de nuestras propias fronteras.

Crítica Cinéfila: John Wick - Chapter 4

John Wick, legendario asesino retirado, vuelve de nuevo a la acción impulsado por una incontrolable búsqueda de venganza. Al tener que luchar contra asesinos sedientos de sangre que le persiguen, John tendrá que llevar sus habilidades al límite si quiere salir esta vez con vida.

La franquicia "John Wick" ha evolucionado de una historia a pequeña escala de venganza (por la muerte de su perro) y resentimiento por la perdida de una esposa, a una epopeya trotamundos que abarca continentes, docenas de personajes y una intrincada mitología. En su cuarto capítulo, el director Chad Stahelski y la estrella Keanu Reeves devuelven esta franquicia a sus raíces mientras expanden el mundo y la historia a lugares más grandes y audaces. El resultado no solo es la mejor película de la franquicia, sino también la más exitosa de acción estadounidense desde "Mad Max: Fury Road" de George Miller.

Después de ir a la guerra esencialmente contra el mundo entero, y causar la muerte de cientos de personas, el "Capítulo 4" finalmente comienza a reflexionar sobre la cuestión de hasta dónde está dispuesto John Wick a vengarse, a cuántas personas cercanas a él está dispuesto a poner en peligro y si todo valió la pena. En este punto, ya no se trata del asesinato de su esposa y su perro, se trata de quemar un sistema que Wick  siempre resintía por abandonarlo.

El problema es que ahora, los amigos y conocidos de John Wick están pagando el precio de su pequeña insurrección. Esto comienza con el cierre y luego la destrucción del Hotel Continental por la enigmática Mesa Alta, que ahora ha recurrido a la contratación de The Marquis. Este es Bill Skarsgård haciendo su mejor Joker francés, interpretando al Marqués como un villano despiadado, a menudo hilarante, siempre caótico e inteligente.

Como con todas las películas de la serie, "John Wick: Capítulo 4" se suma a su mitología ridículamente compleja, introduciendo nuevas reglas al mando de la Mesa Alta, nuevas secciones del mundo secreto de asesinos de la franquicia y nuevos personajes únicos. Está el Sr. Nobody de Shamier Anderson, un rastreador que sabe exactamente dónde estará John Wick a continuación, pero espera pacientemente hasta que su recompensa sea lo suficientemente grande como para que valga la pena para él, y que siempre está acompañado por un pastor alemán fiel (y ladrón de escenas). Si bien la película tiene un mayor alcance, también se las arregla para mantenerse bastante fundamentada en la idea de las relaciones, centrándose en John Wick y sus aliados y amigos, como Winston, que asume un papel más importante esta vez, o el antiguo amigo de Wick, Caine.

Caine es el mejor personaje de la película, con Donnie Yen llevando su estrellato de las artes marciales al universo de "John Wick" con un asesino ciego intimidante pero carismático con una historia de fondo similar a la de Wick, que se ve obligado a cazarlo a petición de la Mesa Alta. Incluso cuando no está peleando, Yen roba todas las escenas en las que se encuentran, incluso simplemente bebiendo fideos mientras sus secuaces mueren a su alrededor, o cuando usa timbres controlados por Wifi para rastrear a sus enemigos.

El creador Derek Kolstad renuncia como guionista de la película, dejando los deberes del guion por completo al coguionista de la secuela anterior en la franquicia, Shay Hatten, así como a Michael Finch. A pesar del largo tiempo de ejecución, "John Wick: Capítulo 4" tiene un ritmo impecable. Nunca se arrastra, pero se siente muy enfocado, y se las arregla para desarrollar incluso el nuevo elenco de apoyo, como el asesino Akira de Rina Sawayama, o Scott Adkins pasando el mejor momento de su vida como asesino alemán cubierto de prótesis pesadas. También ayuda que este capítulo de la historia sea una acción casi sin parar, teniendo cada uno de los tres actos de la película girando en torno a un set tras otro, cada uno con sus propios enemigos, armas y decorados.

De hecho, la mejor manera de describir "John Wick: Capítulo 4" es que a menudo se siente como ver "Mad Max: Fury Road" y maravillarse de cómo lograron esa película sin matar a la mitad del equipo. Cada set aprovecha las diferentes ubicaciones y equipos para ofrecer escenas de lucha totalmente únicas, y como en todas las películas de la franquicia, sigue siendo un placer ver a John Wick de Keanu Reeves constantemente sin aliento, derribado y luego golpeado antes de que vuelva a levantarse. El último arco, en particular, debería colocarse en el Louvre, con una pelea en medio de un Arco del Triunfo transitado.

Y, sin embargo, por genial que sea ver a un vulnerable John Wick, todavía necesita algunos artilugios. Está su traje mágico superpoderoso que parece desviar completamente las balas, lo que convierte a los personajes en superhéroes tan vulnerables como un personaje de dibujos animados. Nunca deja de ser un poco demasiado ridículo ver a estos asesinos cubrirse la cara con sus trajes y simplemente no sufrir ningún daño, al igual que John Wick ahora es aparentemente inmune al dolor por ser atropellado por un coche, pero es fácil dejar que esto se deslice cuando las escenas de acción son tan buenas. El director de fotografía que regresa, Dan Laustsen, continúa realmente entendiendo y utilizando azules y rojos de neón, pero también nos da una pelea increíble hecha como una sola línea con una toma aérea que hace que la escena se parezca al videojuego "Hotline Miami".

Tenemos cuatro películas, y estamos a punto de tener spin-offs. Esta es una película que no mira hacia una secuela de robo de dinero, sino hacia el pasado y cómo llegamos aquí. Ya sea que salga vivo o muerto, John Wick tiene que empezar a pensar a dónde conduce esta búsqueda, a dónde conduce el camino construido sobre todos los cadáveres que ha estado acostado frente a él. La respuesta es sorprendentemente meditativa y conmovedora, una que hace que esta sea la película más resonante emocionalmente de la franquicia.

La saga "John Wick" ha cambiado y evolucionado a lo largo de los años. Para esta película, no se puede negar cómo ha convertido a Chad Stahelski en uno de nuestros mejores cineastas de acción, y cómo la franquicia le dio a Keanu otro papel que redefine su carrera. Ha sido un viaje salvaje, y una de las mejores y más consistentes series de películas de la historia. Sin embargo, no importa a dónde lleven las carreteras, "esté pensando que John Wick ha vuelto".

Crítica Cinéfila: You, 4ta Temporada

Joe logró escapar de la muerte a manos de Love tras idear un plan arriesgado. Su astucia y frialdad lo llevaron a renunciar por completo a cualquier atisbo de vida familiar, pues también dejó atrás a su hijo. Ahora, se encuentra en un nuevo continente, a donde llegó en busca de Marienne. La aventura por suelo británico lo llevará a convivir con la élite y un montón de personalidades excéntricas, incluido alguien anónimo que podría arruinarle todo el “teatro” y revelar su verdadera identidad.

En este punto, probablemente sepas si el drama de acosadores de Netflix You es para ti. Si eres fanático/a de su premisa perturbadora, la narración de historias por una voz seductora y los giros de alta tensión, la Temporada 4 se mantiene erguida en ese sentido, y hay mucho para deleitar a los espectadores que aman ver al acosador/asesino/persona generalmente terrible Joe Goldberg (Penn Badgley) obsesionado con las mujeres, escapando por poco de la justicia y literalmente saliendo impune del asesinato. Sin embargo, aunque sigue siendo un viaje entretenido, divertido y tremendamente propulsor en su cuarta temporada, y You, en general, sigue siendo uno de los mejores argumentos para el modelo de atracones completos de Netflix que te anima a verlo todo en una sola noche, cuatro temporadas después de You puede indicar que. ya es hora de que incluso aquellos de nosotros que disfrutamos de la serie por lo que es, nos preguntemos si su premisa todavía tiene algo significativo que decir. 

Después de cuestionar los peligros que a menudo pueden acechar detrás de la apariencia pública de supuestos "buenos chicos", criticar las formas insidiosas en que las redes sociales pueden usarse para causar daño en el mundo real, ensartar la vida en los suburbios amigables con Instagram y emparejar a Joe románticamente con un mujer cuyo recuento de cuerpos era considerablemente más alto que el suyo, ¿dónde podría ir la serie en subsecuentes temporadas? Después de todo, ya conocemos los ritmos básicos de una temporada típica: voces en off egoístas, múltiples muertes espeluznantes y escapes muy convenientes por poco de todo, desde vecinos entrometidos hasta agentes de la ley. ¿Cuántas veces podemos ver cómo se desarrolla esta historia?

Para su crédito, You es particularmente hábil para sacar a Joe de situaciones particularmente difíciles, o simplemente ignorar el hecho inconveniente de que la gran cantidad de vidas nuevas que ha construido y casi descubrimientos que ha logrado evitar es bastante ridículo. Pero a medida que la temporada 4 intenta reiniciar la historia de Joe, parece que vale la pena preguntarse: ¿Cuál es el punto de todo esto? Y, quizás lo más importante, ¿cuán cómplices somos como espectadores cuando inevitablemente nos encontramos realmente apoyando a un hombre como Joe Goldberg para que tenga éxito?

You 4 intenta reformular la historia de Joe, esta vez a través de un cambio de ubicación (fingió su propia muerte y se mudó a Europa al final de la temporada pasada) y la introducción de un conjunto completamente nuevo de antagonistas para que él combata en el centro de un escuadrón de aristócratas británicos súper ricos. Con la reciente popularidad de series como The White Lotus y películas como Glass Onion, You 4 llega por casualidad en un momento en que las audiencias están especialmente preparadas para abrazar historias sobre apegarse a los súper ricos. Y así, aunque puede que no tenga mucho sentido, Joe (ahora con el nombre de Jonathan Moore y de alguna manera ha convertido su amor por la lectura en un trabajo enseñando literatura a nivel universitario sin credenciales identificables o currículum para hablar) de repente se ve involucrado como invitado habitual en clubes solo para miembros, cenas exclusivas y fines de semana de caza en las fincas estilo Downton Abbey.

Su nuevo círculo abarca toda la gama de estereotipos variados de personas ricas, incluido el profesor incompleto Malcolm (Stephan Hagan), la conservadora de la galería de arte Kate (Charlotte Ritchie), la heredera ingenua Lady Phoebe (Tilly Keeper), el playboy estadounidense Adam (Lukas Gage), el artista misterioso Simon (Aidan Cheng), su hermana influencer y patrocinadora Sophie (Niddy Lin) y Rhys (Ed Speelers), un luchador de origen pobre con grandes ambiciones políticas. Naturalmente, Joe los odia a todos y a sus diversos parásitos asociados, por lo que inmediatamente se ve obligado a convertirse en una parte íntima de su círculo después de que una noche de borrachera con el grupo da un giro oscuro.

La temporada 4 sacude la dinámica estándar de You al darle la vuelta a Joe, dándole un acosador anónimo que no solo le envía mensajes de texto opacos a través de una aplicación encriptada, sino que parece saber todo sobre él y sigue matando a varias personas en su órbita. Ver a Joe luchando y completamente en la oscuridad es un buen cambio de ritmo después de tres temporadas de verlo dirigir las vidas (y muertes) de tantas personas. Pero también lo coloca incómodamente en el papel de una víctima de una manera que la serie no parece particularmente ansioso o capaz de mirar demasiado de cerca. Sí, su comentario sarcástico sobre por qué su nuevo círculo social rico es terrible es muy divertido de ver, pero también plantea la pregunta de si You ha perdido un poco su camino cuando se trata de su personaje principal. ¿Es realmente Joe alguien a quien alguna vez deberíamos apoyar en esta historia? Por más enfermizamente atractivo que sea, no debería ser apoyado, pues al final del día está recibiendo un golpe de karma merecido.

La serie ciertamente hace todo lo posible para asegurarse de que todas las demás personas en su órbita parezcan tan malas y/o moralmente desagradables como él, y aunque los nobles elegantes, los multimillonarios decadentes y los aspirantes a genios de la tecnología probablemente no sean asesinos en serie: aunque algunos se sienten mucho más cómodos cazando seres humanos de lo que cabría esperar. Sin embargo, de alguna manera, ninguno de los personajes secundarios de la temporada 4 tiene nada parecido a las capas matizadas que hicieron de Love Quinn de Victoria Pedretti un contraste tan convincente para Joe. Todos ellos simplemente son terribles seres humanos y ya.

Estas son todas las personas que parecen no enfrentar consecuencias por nada, que explotan abiertamente a aquellos que consideran inferiores a ellos y que no aportan nada de valor a la sociedad. Son ladrones y mentirosos, chantajistas y adúlteros, y entre ellos, sus familias controlan muchas de las palancas de poder más altas del país. Es dudoso que cualquiera que esté viendo en casa se sienta particularmente triste cuando uno de este grupo muere y la serie en sí parece más interesado en la idea de un "Eat the rich killer" que en la gente que muere.

Por primera vez, Netflix está dividiendo su última temporada de You en dos mitades, dejando a los espectadores con un final que se siente menos como un punto de parada que una pausa, y con muchas cuestiones pendientes sin resolver. El verdadero antagonista principal de Joe se revela al final de esta media temporada, pero los objetivos narrativos más amplios de la historia siguen siendo bastante turbios, por lo que parecería difícil predecir a dónde irán las cosas. 

En fin, la primera mitad fue un poco contraria al drama popular, aunque ocasionalmente controvertido, de Netflix, que eligió al asesino/acosador/persona generalmente terrible Joe como protagonista en un misterio al estilo de Agatha Christie, encargado de descubrir la identidad de "Eat the rich killer" que intenta incriminarlo por una serie de crímenes que no cometió. Su kilometraje puede variar en función de qué tan bien funcionó realmente esta reorganización narrativa en particular, y si posicionar incómodamente al personaje de Joe en el papel de héroe/víctima sin molestarse realmente en interrogar si animar a su audiencia a alentarlo y simpatizar con él es en realidad un buena idea. Y, para ser sincera, la segunda mitad de la temporada no es mucho mejor para responder a este tipo de preguntas. 

La segunda mitad de You Season 4 es ciertamente más entretenida que la primera. Esta serie de episodios es, con un par de excepciones a las que llegaremos en un momento, compulsivamente observable y llena del tipo de giros salvajes y locos que esperamos de esta serie. Pero a medida que los espectadores inevitablemente se dan cuenta de que la mayoría de los eventos que vimos en los primeros cinco episodios de la temporada no se desarrollaron exactamente de la forma en que lo vimos en pantalla, la decisión de Netflix de dividir la temporada a la mitad parece cada vez más extraña. ¿Cuánto más impactantes y/o impactantes habrían sido muchas de estas revelaciones en un mundo donde no había pasado un mes entre ellas? ¿Cuándo los espectadores no tuvieron que esforzarse para recordar los detalles de esas escenas repentinamente clave y desechables? (Supongo que gracias a Dios por los flashbacks narrados, pero... ¿por qué?).

Los últimos cinco episodios de la temporada 4 hacen muchas cosas bien. Afortunadamente, hemos terminado con la mayoría de las tramas secundarias que involucran al nuevo grupo de ricos amigos aristocráticos de Joe. Parte de esto se debe a que varios de ellos están muertos ahora, pero también se debe a que la serie pierde rápidamente interés en sus esfuerzos anteriores de criticar incluso vagamente las vidas de los ricos ociosos. Hay una trama secundaria que mata el impulso por completo que involucra la relación entre la heredera influyente Lady Phoebe (Tilly Keeper) y su novio playboy estadounidense Adam (Lukas Gage), con problemas financieros, que puede o no estar engañándola para obtener acceso a su fortuna, y presenta Greg Kinnear como el padre multimillonario de Kate (Charlotte Ritchie) que intenta controlar la vida de su hija separada desde lejos, pero, afortunadamente, eso es todo. En su lugar, hay más atención en la valiente estudiante universitaria Nadia (Amy-Leigh Hickman), una amante de las novelas policíacas. 

Más importante aún, la serie afortunadamente descarta el extraño encuadre que implica que Joe es una especie de víctima en esta temporada, o que en realidad ha tomado medidas reales para convertirse en una mejor persona, o incluso en una persona terriblemente diferente. Ha vuelto a sus peores formas, y aunque tanto él como la serie pasan una cantidad prodigiosa de tiempo tratando de explicar qué monstruo es, la evidencia visual habla por sí sola. Y en este punto, es difícil argumentar que You sea un "todo podría no estar mejor" si dejara de tratar de darle excusas a Joe de por qué es terrible y simplemente se apoyara completamente en el hecho de que lo es. 

Cuatro temporadas después de esta serie, ¿hay alguien todavía mirando que espera un arco de redención para este personaje, o incluso una explicación coherente para su peor comportamiento? Probablemente no. Sin embargo, por alguna razón, siguen tratando de darnos uno, desde la triste historia de fondo de la infancia que presentaron durante la Temporada 3 hasta las formas en que esta salida actual a menudo parece contentarse con fingir que Joe de alguna manera está siendo impulsado a cometer actos terribles por personas y fuerzas más allá de su control, la serie es extrañamente reacia a reconocer el hecho de que su protagonista no es alguien con quien la audiencia debería simpatizar. Joe Goldberg no debería ser el héroe de nadie. O incluso antihéroe para el caso. 

La temporada se siente más fresca cuando intenta navegar por la nueva relación entre Joe y el querido político Rhys Monrose (Ed Speelers), un hombre que es a la vez su enamoramiento extrañamente cuasi inspirador y su nuevo peor enemigo. La revelación de que Rhys fue en secreto "Eat the Rich Killer" todo el tiempo fue el giro más interesante en la primera mitad de la temporada, y sus últimos cinco episodios son mejores cuando Badgley y Speelers están juntos en la pantalla. La villanía deliciosamente seca y completamente sin disculpas de Rhys, a menudo directamente desquiciada, ofrece la chispa de energía que hemos estado perdiendo del personaje principal de la serie tan a menudo esta temporada y su relación tensa vibra tanto con la amenaza constante de violencia como con un tipo intrigante de tensión sexual que refleja muchas de las formas en que hemos visto a Joe obsesionarse con las mujeres durante el transcurso de la serie.

Su extraña relación es ciertamente más interesante de ver que el romance de Joe con Kate, que se vuelve más aburrido y pedestre con cada escena que comparten la pareja. You parece querer que veamos a Kate como una joven diferente para Joe, alguien que, a diferencia de la ahora difunta esposa Love, quiere alentarlo a ser lo mejor de sí mismo en lugar de permitir sus peores impulsos. Una mujer marcada por las terribles decisiones que su riqueza y privilegios le han permitido salirse con la suya, que en secreto solo quiere la oportunidad de usar esas ventajas para cambiar el mundo para mejor como una especie de penitencia, debería ser un personaje convincente en sí misma. Pero a Kate no le molestan extrañamente las banderas rojas que ensucian la vida de Joe, y aunque la serie ocasionalmente insinúa que ella también tiene el tipo de secretos oscuros que la posicionan de manera única para comprender su deseo de dejar atrás a su antiguo yo, hay poco que su dinero y posición no ha sido capaz de suavizar para ella, por lo que su insistencia en que ella es realmente mala, no es suficiente.

Hay muchas sorpresas entretenidas dentro de la conclusión de la Temporada 4, y más de un momento en el que Joe casi se siente listo para admitir que no es el héroe romántico desinteresado que pretende ser, y que su idea de un código moral es tan retorcida como todo lo demás sobre él. Pero al final, la temporada termina casi exactamente donde siempre lo hace. Eso es técnicamente un spoiler leve, pero no lo es, no realmente, porque esta serie no puede existir si atrapan a Joe, o si se ve obligado a asumir realmente alguna responsabilidad o enfrentar consecuencias duraderas por sus acciones, así que no. Cierto, la temporada 4 presenta un momento tentador, con un par de cameos de estrellas invitadas realmente fantásticas que se siente como si finalmente estuviera listo para ver a Joe responder por su oscura misoginia, pero finalmente regresa al terreno narrativo seguro, lo que significa que es casi ciertamente se renovará para la temporada 5. Y, mira, no estoy diciendo que no la miraré cuando llegue. Pero tal vez sea hora de comenzar a preguntarse: ¿cuánto tiempo puede durar esto?

Crítica Cinéfila: The Last of Us, 1ra Temporada

Veinte años después de la destrucción de la civilización moderna a causa de un hongo -el cordyceps- que se adueña del cuerpo de los humanos, uno de los supervivientes, Joel, recibe el encargo de sacar a la joven Ellie de una opresiva zona de cuarentena. Juntos cruzan Estados Unidos ayudándose mutuamente para intentar sobrevivir.

The Last Of Us, lanzado originalmente para PlayStation en 2013, es indiscutiblemente uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Un giro original en la plantilla de suspenso de zombis, abrió nuevos caminos con sus temas resonantes, un juego intensamente fluido, escenas capturadas de rendimiento y una escritura inusualmente decente. Fue una experiencia emocional, inmersiva y casi tan cinematográfica como la que se puede tener en una consola de juegos. Todo lo cual fue una buena razón para evitar una adaptación en primer lugar. ¿Por qué arriesgarse a arruinar algo perfecto? ¿Por qué ensuciar lo que vino antes? ¿Por qué, cuando los videojuegos han tenido un historial cruel en películas y televisión, siquiera hacer el gasto de ese presupuesto?

La respuesta viene de manera espectacular y enfática de los co-showrunners Neil Druckmann (el creador original del juego) y Craig Mazin (el escritor/productor detrás del igualmente apocalíptico y excelente "Chernobyl"). La acción en vivo "The Last Of Us" es un excelente ejemplo de cómo hacer que una adaptación funcione, cómo retener los elementos de lo que funcionó mientras se tiene la confianza para explorar nuevas y audaces avenidas, expandir el universo, hacer algo que se mantenga firme en sus propios pies. 

Una de las fortalezas clave del juego era la profundidad de sus personajes, y eso solo se intensifica aquí. Lo más llamativo, en primer lugar, es lo fiel que ha sido este traspaso. Claramente conscientes de que están trabajando a partir de una plantilla bastante sólida, y quizás también conscientes de complacer a la base de fanáticos leales y agresivos del juego, Druckmann y Mazin se han ceñido relativamente a la narrativa original. Como en el videojuego, esta serie sigue a Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey) en su traicionero viaje a través de un Estados Unidos post-apocalíptico, desde Boston a Wyoming, enfrentándose a zombis (conocidos aquí como los 'infectados'), además de la vida igualmente aterradora, en busca de una cura, o al menos algún tipo de curación interna.

Para cualquiera que haya jugado el juego, es una experiencia a veces surrealista ver sus momentos más icónicos (el rascacielos derrumbado, las jirafas) bellamente representados en acción en vivo. Pero, excepto por un momento en el que Joel le dice a Ellie que "le dará un impulso", un guiño astuto a una de las mecánicas clave del juego, nunca se siente como si estuviera viendo un videojuego. 

Emocionantemente, la serie es quizás más fuerte cuando se desvía de su plan original. Ninguno de los puntos principales de la trama cambia drásticamente, pero varios episodios se salen gloriosamente de la pista anterior. Lo más fascinante de todo es el extraordinario tercer episodio, casi independiente, que cuenta la historia completa de Bill, un personaje antes muy secundario que ahora interpreta Nick Offerman. Se lo vuelve a imaginar aquí como un sobreviviente y un loco ocasional de la conspiración que se preparó para los zombis toda su vida, demostrando que es posible obtener una buena distopía de las ruinas del mundo. Decir más podría estropear la experiencia; baste decir que es conmovedora, sorprendentemente romántica y una de las mejores horas de televisión de los últimos tiempos.

Esto no le resta valor a los demás episodios, donde cada uno mostró la increíble fraternidad de los personajes con su historia y el universo, sirviéndose mutuamente, y rescatando los grandes pensamientos de las actitudes que todo ser humano sacaría a la luz si un evento de esta magnitud ocurriese. Aunque hay mucha violencia en la disputa por los recursos limitados que quedan en el nuevo drama distópico, los personajes que conocemos a menudo se presentan como si fueran víctimas de las circunstancias, condenados a recordar lo que alguna vez tuvieron.

Lo que hace que el personaje principal, Ellie, sea una figura particularmente potente. Ellie es una adolescente que nunca ha conocido nada más que el mundo posterior a la caída. A través de sus ojos, vemos el paisaje como, efectivamente, un tipo divertido de normalidad: Criada desde la infancia para ser parte de la defensa contra la amenaza de los muertos vivientes que siempre invade, Ellie tiene miedo de la gente de los hongos, pero no se sorprende por ellos.

Es esta dinámica y su relación con su protector Joel lo que mantiene a flote a “The Last of Us” a lo largo de su carrera. La serie puede apoyarse demasiado en las secuencias de acción, lo que enfatiza la asombrosa surrealidad de los infectados. Pero lo que yace debajo del caos es el vínculo naciente entre Joel, un hombre sin raíces que prometió para proteger a Ellie, que puede tener dentro de su cuerpo inmunidad al hongo, pero que parece estar infectada, en su viaje fuera de la zona de cuarentena y hacia un lugar seguro. A través de las actuaciones de Pascal y Ramsey y una escritura sólida, esta dinámica brilla con emoción y vida.

Ellie y Joel están experimentando diferentes tipos de duelo. Ellie, que tiene una vaga curiosidad por una época que no vivió, difícilmente puede sorprenderse de que aquellos a los que amaba le sean arrebatados en un mundo que siempre ha conocido como brutal. Joel, mientras tanto, experimentó el primer día de la infección masiva y vive en una especie de dolor contenido por la pérdida de su hija. Esa hija es interpretada por Nico Parker en el primer episodio de la serie, una demostración de más de una hora del don que Mazin tiene especialmente para demostrar el colapso de los procesos. Aquí, como en “Chernobyl”, vemos cómo los personajes lentamente, y luego todos a la vez, se dan cuenta de que el mundo que los rodea se está desmoronando.

Esto es lo que es tan impresionante de esta adaptación: lo completamente realizado que es este mundo. Hay una asombrosa sensación de escala en este apocalipsis, desde los toques sutiles (un extra usa una camiseta de la campaña presidencial de Al Gore, un indicador de que el tiempo se detuvo en el brote de principios de la década de 2000) hasta el CGI impecable, gran cinematografía, el mantenimiento del diseño de producción, que incluye el trabajo de vestuario, maquillaje y utilería. 

Y, sin embargo, a pesar de todo su vasto lienzo, a pesar de todo su caos monstruoso ocurriendo alrededor de ellos, el enfoque permanece en todo momento en los personajes. En particular, Ellie de Ramsey equilibra de manera convincente la inocencia con los ojos muy abiertos (habiendo vivido toda su vida en una zona de cuarentena, nunca antes se había sentado en un automóvil o visto un avión) con una determinación intensa e incluso tonterías, lo que de otro modo podría ser un reloj bastante sombrío. Mientras tanto, Pedro Pascal tiene un reparto perfecto: ofrece una gran dureza de vaquero entrecerrando los ojos y de rostro tosco, pero siempre es una fachada, que enmascara un trauma profundo y el puro terror de ser una figura paterna. Nunca ha estado mejor. Que la serie termine como lo hace el primer juego juego, con Joel tomando una decisión brutalmente ambigua, muestra una comprensión implícita de estos personajes, su oscuridad moral, su humanidad confusa. El último de nosotros, el juego, nunca ofreció respuestas fáciles; la serie tampoco. Es mucho mejor por eso.

Cómodamente, se puede admitir que es la mejor adaptación de un videojuego jamás realizada: una que profundiza en la tradición distópica del juego, mientras se mantiene fiel a su núcleo emocional. Al igual que el juego, también es una obra maestra.

Crítica Cinéfila: Missing

Cuando su madre desaparece estando de vacaciones en Colombia con su nuevo novio, la búsqueda de respuestas por parte de June se ve entorpecida por la burocracia internacional. Atascada en Los Ángeles, a miles de kilómetros de distancia, June utiliza toda la tecnología a su disposición para intentar encontrarla antes de que sea demasiado tarde. Pero cuanto más profundiza en su búsqueda, su investigación digital levanta más preguntas que respuestas… y cuando June revela secretos sobre su madre, se da cuenta de que nunca la conoció realmente. 

Missing, la segunda película del ingenioso cineasta Aneesh Chaganty, no es para los ansiosos por la vigilancia. Adoptando la plantilla de su predecesor, la película extrae y manipula las herramientas en el escritorio de una computadora para contar una historia palpitante y alarmante.

Dirigida por los editores de Searching, Will Merrick y Nicholas D. Johnson, Missing comienza con imágenes de video de una familia feliz rápidamente golpeada por la tragedia. Los fanáticos de la película anterior estarán complacidos con la secuencia de apertura, que crea un hilo de conspiración entre los directores y los espectadores establecidos. Un video casero muestra a una joven June (Ava Zaria Lee) intentando grabar a su padre, James, (Tim Griffin), en una videocámara vieja antes de que su madre, Grace, (Nia Long), entre en el marco y con cautela confisque el dispositivo. El momento íntimo conduce a uno más doloroso: los registros médicos, las búsquedas en Google y los correos electrónicos muestran que James murió de cáncer. Despojada y abrumada por el dolor, Grace se muda de San Antonio a Los Ángeles en busca de un nuevo comienzo.

De ahí pasan años hasta llegar al presente, donde June (Storm Reid) acaba de graduarse de la escuela secundaria y Grace ha entrado con cautela en una nueva relación con un hombre llamado Kevin (Ken Leung). La muerte de James ha creado un abismo cada vez mayor entre madre e hija, que luchan por relacionarse más allá de las interacciones debidas. Está claro por sus constantes mensajes de texto pasivo-agresivos que June, que pasa todo el tiempo pegada a su MacBook, encuentra intolerable la naturaleza autoritaria y protectora de su madre. Grace, por otro lado, lleva libremente su deseo de intimidad con su hija.

Long y Reid se sienten cómodos en sus papeles de madre nerviosa y su adolescente distante. Se acercan a los personajes con un toque ligero, lo que permite a los espectadores comprender rápidamente que muchas de las peleas de June y Grace son el resultado de una subestimación mutua y una mala comunicación. Cuando Grace le pide a June que la recoja a ella y a Kevin en el aeropuerto el lunes después de un viaje a Colombia, la solicitud molesta visiblemente a la adolescente, incluso ofendida. Ella escucha a medias los severos recordatorios de su madre y apenas presta atención mientras ella y su novio salen arrastrando los pies por la puerta.

June pasa el fin de semana sin la supervisión de sus padres enfurecida con sus amigos. Las fiestas nocturnas en su casa (aventuras llenas de alcohol y música) se narran en las historias de Instagram, los videos de TikTok y las fotos de Snapchat. Cuando llega el lunes, June, con una severa resaca, llega tarde al aeropuerto para recoger a su madre. Pero Grace y Kevin nunca aparecen, lo que lleva a June, presa del pánico, a rastrear la huella digital de su madre en busca de respuestas.

En los cinco años transcurridos desde el lanzamiento de Searching, las películas de "vida en pantalla" se han vuelto menos novedosas. La pandemia, que introdujo su propio subgénero de narrativas basadas en video chat, aceleró su infiltración en la corriente principal y redujo nuestra tolerancia hacia ellas. Aún así, hay buenos esfuerzos como Language Lessons de Natalie Morales , We're All Going to the World's Fair de Jane Schoenbrun y Rap Sh!t de Issa Rae, que aprovechan nuestra comunicación modulada por tecnología para contar diferentes tipos de historias.

Missing entiende dónde existe en la línea de tiempo y, como resultado, la narrativa de Merrick y Johnson  no solo se enfoca en la existencia de esta tecnología, sino que también especula sobre su efecto en la sociedad, observando la facilidad con la que nos sometemos a la vigilancia por conveniencia y cómo estas aplicaciones finalmente alimentan nuestro insaciable apetito por la información. Igualmente, hay una mirada particularmente fascinante, aunque a veces demasiado contundente y repetitiva, a la proliferación de contenido de detectives aficionados y crímenes reales, y aquí se muestra cómo esta nueva generación lo pone a prueba. Si ha visto "Searching", probablemente tendrá la idea de que la respuesta se plantará frente a los espectadores, pero "Missing" toma algunos giros y vueltas absolutamente salvajes y locos para llegar a su destino.

Confiando en sus impresionantes habilidades de Google, innatas para un miembro nativo digital de la Generación Z, June comienza a buscar a su madre desaparecida, revisando cámaras en vivo de turistas, extractos bancarios y contratando a un ayudante tipo TaskRabbit, Javi (Joaquim de Almeida), para hacer trabajo de pies en Colombia. June es inteligente, ingeniosa y audaz, y la forma en que descifra contraseñas y navega por el laberinto de información hará que cualquiera piense profundamente sobre la cantidad de seguimiento de datos que uno debe dejar activado en su cuenta de Google. ¿Es mejor dejar un rastro? Depende de lo que estés haciendo.

El suspenso de "Missing" atraviesa casi dos horas de impactantes giros en la trama a un ritmo vertiginoso. Y si bien es entretenida, sin duda, también adquiere un tono sombrío, ya que considera el dolor, la pérdida y la violencia de pareja íntima de una manera que es muy real, respaldada por titulares extraídos de las noticias, y sí, esas series de crímenes reales y TikToks que son muy convincentes. Eso es lo que hace que películas como “Searching” y “Missing” sean tan cautivadoras. No son solo thrillers de alto concepto con actuaciones melodramáticas, sino que también se sienten auténticos en la forma en que vivimos, incluso en el momentos extravagantes.

Missing logra mantener una atmósfera propulsora y mordaz y superar el aburrimiento de sus ritmos narrativos convencionales al tratar cada herramienta (cuentas de Gmail, fotos de iPhone y sitios web corporativos) como un rompecabezas de capas profundas, que recopila y ofrece más información de lo que la mayoría de las personas logran darse cuenta. Para aquellos que ya están en sintonía con los zarcillos de nuestro mundo cada vez más vigilado y digitalizado, Missing se siente como un episodio de Black Mirror, pues en su mayoría confirma las sospechas sobre la facilidad de rastrear incluso las vidas en línea más obstinadamente opacas. Para todos los demás, será una escalofriante llamada de atención sobre todo lo que almacenan en el mundo digital.

Experimentamos gran parte de nuestra realidad en línea, sin saberlo, dispersando artefactos de nuestra experiencia vivida mientras hacemos clic y deslizamos. Pero “Searching” y “Missing” reiteran que a pesar de las fotos, los videos, las migajas de pan de la humanidad reflejadas en ceros y unos, no hay nada como lo real, para bien o para mal.

Crítica Cinéfila: 65

Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que realmente está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con solo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

A pesar de su posición como una de las pocas películas de ciencia ficción "originales" a gran escala que parecen competir con franquicias, secuelas y remakes por los dueños de taquilla, "65" está demasiado fabricada en el mejor de los casos. Improvisado a partir de partes de "Jurassic Park", "The Descent", "Armageddon" y más, el guion de Scott Beck y Bryan Woods se parece demasiado a sus antepasados ​​para abrir nuevos caminos, mucho menos particularmente interesantes. Sin embargo, anclada por otra en una serie de actuaciones comprometidas de Adam Driver y un conjunto de bestias prehistóricas adecuadamente amenazantes que lo persiguen durante poco más de 90 minutos, la aventura de Beck y Woods ofrece las emociones necesarias, incluso si su creatividad parece estancada en el pasado cinematográfico.

Driver interpreta al Comandante Mills, un piloto y explorador de "antes del advenimiento de la humanidad" que acepta a regañadientes pilotar una misión de dos años a cambio de un salario suficiente para pagar un procedimiento médico que salva la vida de su hija Nevine (Chloe Coleman). Cuando los escombros del asteroide matan a los otros pasajeros y dejan varada su nave en un Planeta Tierra de la era del Cretácico, Mills contempla si enviar o no una señal de socorro para pedir ayuda. Pero después de localizar a la única sobreviviente, una niña llamada Koa (Ariana Greenblatt) que tiene casi la edad de Nevine pero no habla inglés, él se compromete a salvarla de los muchos peligros del planeta.

Al identificar los restos distantes del resto de su nave utilizando un puñado de reliquias de su cultura tecnológicamente avanzada, Mills y Koa emprenden un viaje difícil a través de un terreno lleno de arenas movedizas, géiseres llenos de vapor, flora que amenaza la vida y una variedad de especies de dinosaurios. Pero incluso cuando superan cada nuevo peligro, aparece uno mucho más grande: el asteroide que derribó su nave está en curso de colisión con la Tierra. Pronto se encuentran en una carrera contrarreloj para llegar a la cápsula de escape de la nave antes de morir por el impacto del asteroide que nivela el planeta o ser devorados por un reptil carnívoro.

Dado su título, es difícil saber qué detalles en “65” califican como sorpresa o “spoiler” y, de todos modos, la película te dice inmediatamente cuándo y dónde está sucediendo. Sin embargo, lo que no hace es decirte por qué sucede; aparte de su fecha estelar, esta es solo otra historia sobre un padre con exceso de trabajo que descuida a su hijo en nombre de asegurar su futuro. Hay algo ampliamente acogedor en esa familiaridad, y Driver, por supuesto, imbuye incluso los momentos tranquilos con más sustancia que la exposición proporcionada en flashbacks periódicos de tarjetas de memoria.

Pero esos momentos de tranquilidad también hacen que la audiencia se pregunte: entonces, una especie similar a la humana de otro planeta, armada con la tecnología para el viaje interestelar (sin mencionar las pistolas láser y el GPS 3D) llegó a la Tierra hace 65 millones de años, mucho antes de que existiera la humanidad, y ¿el punto es "solo" que están tratando de volver a casa? Parece un largo camino por recorrer para no llegar a ningún lugar particularmente significativo.

Dicho esto, Beck y Woods hacen que los dinosaurios sean aterradores por primera vez en décadas, gracias a una dirección clásica y una puesta en escena que involucra muchas sombras para hacer que la audiencia diga "no" cuando los personajes deciden adentrarse más en ellos. Si su filmación no es particularmente inventiva, el dúo lo aborda con el mismo tipo de habilidad sólida que usan cuando toman prestadas escenas o repeticiones de género para contar sus historias. El guion de “A Quiet Place” funcionó porque modificó suavemente muchas fórmulas familiares y luego el director John Krasinski ejecutó todo con una atención al detalle profesional; “65” no tiene la misma emotividad central que la mantiene unida (esta familia está fracturada, no lucha por mantenerse unida), pero detrás de las cámaras, Beck y Woods simplemente sirven sus ideas en lugar de fortalecerlas desde la página.

Sin embargo, con solo 93 minutos, "65" se siente agradablemente divertido en competencia con una gran cantidad de secuelas que incluyen "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" y "Scream VI, que no tienen nada de original. Por otra parte, tal vez la razón por la que todavía se queda corta es porque la idea de una historia independiente parece demasiado buena para ser verdad en una era de universos cinematográficos, especialmente dado el hecho de que en su premisa, incluso antes de la tarjeta de título, está la idea. hay más de un mundo que el nuestro por explorar.

En cuyo caso, lo mejor para “65” sería que no le siguieran más entregas, pero si resulta ser un éxito, el público no podría tener tanta suerte. ¿Quiénes eran los otros pasajeros de Mills? ¿Por qué los estaba transportando? ¿De qué manera su “pueblo” se relaciona, genéticamente o de otra manera, con los humanos comunes? Todas estas son preguntas que puede ver a Sony salivando ante la perspectiva de responder en una secuela o spin-off, pero todas se sienten más intrigantes sin algún tipo de respuesta canónica. En cuyo caso, “65” es una película cuyo pasado se siente como si hubiera habido 65 millones de películas en proceso, y su futuro depende de varios cientos de millones en ingresos de taquilla. La mejor manera de disfrutarlo es dejar ir todo eso y vivir el presente.

Temporada de premios: Ganadores de la 95ta entrega de los Premios de la Academia

“Everything Everywhere All at Once” fue nombrada mejor película en la 95ª edición de los Premios de la Academia el domingo, coronando una impredecible temporada de premios al ganar el mayor honor de la industria cinematográfica.

La película, una aventura alegórica sobre la propietaria de una lavandería chino-estadounidense que lidia con una auditoría del IRS y atacantes interdimensionales, ganó siete estatuillas, incluido Mejor guión original y Mejor dirección para sus creadores Daniel Kwan y Daniel Scheinert (conocidos colectivamente como los Daniels). La victoria es un triunfo para A24, el estudio independiente que llevó la alocada película a la impresionante cifra de 100 millones de dólares en taquilla, un logro impresionante en un momento en que el mercado de las películas de autor se ha marchitado. El estudio también logró la rara hazaña de obtener los cuatro honores de actuación, tres de los cuales fueron ganados por "Everything Everywhere All at Once" y uno por "The Whale".

Fue una noche de remontadas y reevaluaciones. “Everything Everywhere All at Once” de Michelle Yeoh se convirtió en la primera mujer asiática en ser reconocida como mejor actriz. El honor llegó después de una larga carrera en artes marciales y películas de acción como "Crouching Tiger Hidden Dragon" y "Yes, Madam".

“Señoras, nunca dejen que nadie les diga que ya pasaron su mejor momento”, dijo Yeoh. “Para todos los niños y niñas pequeños que se parecen a mí viendo esta noche, este es un faro de esperanza y posibilidades”, agregó.

Brendan Fraser se llevó los honores de mejor actor por su interpretación de un hombre con obesidad mórbida que intenta reconectarse con su hija separada en "The Whale". Fraser, que alguna vez fue un destacado actor conocido por su trabajo en películas de palomitas de maíz como "George of the Jungle" y "The Mummy", pasó la última década y se alejó del centro de atención lidiando con problemas de salud y personales. Su victoria continúa su notable resurgimiento.

“Empecé en este negocio hace 30 años, y esto, ciertamente no fue fácil para mí, pero había una instalación que no aprecié en ese momento hasta que se detuvo”, dijo Fraser, reconociendo los reveses de su carrera. Agradeció a su director Darren Aronofsky por "arrojarme un salvavidas creativo y llevarme a bordo".

Ke Huy Quan ganó el premio al mejor actor de reparto por su interpretación del agotado esposo de Yeoh en "Everything Everywhere All at Once". Quan, ex estrella infantil que apareció en "Indiana Jones and the Temple of Doom" y "The Goonies", había dejado de actuar en los últimos años, frustrado por la falta de oportunidades. Al aceptar su premio, luchó por contener las lágrimas mientras compartía su historia personal.

“Mi viaje comenzó en un bote”, dijo. “Pasé un año en un campo de refugiados y de alguna manera terminé aquí en el escenario más grande de Hollywood. Dicen que historias como esta solo pasan en las películas. No puedo creer que me esté pasando. Este es el sueño americano”.

“Los sueños son algo en lo que tienes que creer”, agregó. “Casi me doy por vencido con el mío. A todos ustedes, por favor, mantengan vivos sus sueños”.

Jamie Lee Curtis, una veterana cabeza de cartel de éxitos de terror como "Halloween" e hija de las leyendas de Hollywood Janet Leigh y Tony Curtis, ganó el premio a la mejor actriz de reparto por su papel como inspectora del IRS en "Everything Everywhere All at Once".

La ceremonia se desarrolló en un momento tenso para Hollywood. A medida que los consumidores se han alejado del cable y se han acercado a los servicios de transmisión por suscripción, los principales estudios y sus empresas matrices han dedicado mucho tiempo y dinero a lanzar sus propios desafíos internos de Netflix. La industria del entretenimiento también ha atravesado un período de consolidación, con Discovery fusionándose con WarnerMedia, Disney comprando gran parte de 21st Century Fox y Amazon apropiándose de MGM.

Los Oscar también hicieron algunos cambios cosméticos notables, reemplazando una alfombra color champán por la roja habitual. 

Esta es la lista completa de los ganadores:

Mejor Película: “Everything Everywhere All at Once” — Daniel Kwan, Daniel Scheinert y Jonathan Wang

“All Quiet on the Western Front” — Malte Grunert

“Avatar: The Way of Water” — James Cameron y Jon Landau

“The Banshees of Inisherin” — Graham Broadbent, Pete Czernin y Martin McDonagh

“Elvis” — Baz Luhrmann, Catherine Martin, Gail Berman, Patrick McCormick y Schuyler Weiss

“The Fabelmans” — Kristie Macosko Krieger, Steven Spielberg y Tony Kushner

“Tár” — Todd Field, Alexandra Milchan y Scott Lambert

“Top Gun: Maverick” — Tom Cruise, Christopher McQuarrie, David Ellison y Jerry Bruckheimer

“Triangle of Sadness” — Erik Hemmendorff y Philippe Bober

“Women Talking” — Dede Gardner, Jeremy Kleiner y Frances McDormand

Mejor Actriz Principal: Michelle Yeoh (“Everything Everywhere All at Once”)

Cate Blanchett (“Tár”) 

Ana de Armas (“Blonde”) 

Andrea Riseborough (“To Leslie”)

Michelle Williams (“The Fabelmans”) 

Mejor Actor Principal: Brendan Fraser (“The Whale”) 

Austin Butler (“Elvis”) 

Colin Farrell (“The Banshees of Inisherin”) 

Paul Mescal (“Aftersun”) 

Bill Nighy (“Living”) 

Mejor Actriz de Reparto: Jamie Lee Curtis (“Everything Everywhere All at Once”)

Angela Bassett (“Black Panther: Wakanda Forever”) 

Hong Chau (“The Whale”) 

Kerry Condon (“The Banshees of Inisherin”)  

Stephanie Hsu (“Everything Everywhere All at Once”)

Mejor Actor de Reparto: Ke Huy Quan (“Everything Everywhere All at Once”) 

Brendan Gleeson (“The Banshees of Inisherin”) 

Brian Tyree Henry (“Causeway”) 

Judd Hirsch (“The Fabelmans”)

Barry Keoghan (“The Banshees of Inisherin”) 

Best Director: Daniel Kwan, Daniel Scheinert (“Everything Everywhere All at Once”) 

Martin McDonagh (“The Banshees of Inisherin”) 

Steven Spielberg (“The Fabelmans”) 

Todd Field (“Tár”) 

Ruben Östlund (“Triangle of Sadness”)

Mejor Guion Original: “Everything Everywhere All at Once” — Daniel Kwan y Daniel Scheinert

“The Banshees of Inisherin” — Martin McDonagh

“The Fabelmans” — Steven Spielberg and Tony Kushner

“Tár” — Todd Field

“Triangle of Sadness” — Ruben Östlund

Mejor Guion Adaptado: “Women Talking” — Sarah Polley

“All Quiet on the Western Front” — Edward Berger, Lesley Paterson y Ian Stokell

“Glass Onion: A Knives Out Mystery” — Rian Johnson

“Living” — Kazuo Ishiguro

“Top Gun: Maverick” — guion de Ehren Kruger, Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie; historia de Peter Craig y Justin Marks

Mejor Cinematografía: “All Quiet on the Western Front” — James Friend

“Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths” — Darius Khondji

“Elvis” — Mandy Walker

“Empire of Light” — Roger Deakins

“Tár” — Florian Hoffmeister

Mejor Edición: “Everything Everywhere All at Once” — Paul Rogers

“The Banshees of Inisherin” — Mikkel E.G. Nielsen

“Elvis” — Matt Villa and Jonathan Redmond

“Tár” — Monika Willi

“Top Gun: Maverick” — Eddie Hamilton

Mejor Diseño de Producción: “All Quiet on the Western Front” — diseño de producción de Christian M. Goldbeck, decoración de set de Ernestine Hipper

“Avatar: The Way of Water” — diseño de producción de Dylan Cole and Ben Procter, decoración de set de Vanessa Cole

“Babylon” — diseño de producción de Florencia Martin, decoración de set de Anthony Carlino

“Elvis” — diseño de producción de Catherine Martin and Karen Murphy, decoración de set de Bev Dunn

“The Fabelmans” — diseño de producción de Rick Carter, decoración de set de Karen O’Hara

Mejor Diseño de Vestuario: “Black Panther: Wakanda Forever” — Ruth E. Carter

“Babylon” — Mary Zophres

“Elvis” — Catherine Martin

“Everything Everywhere All at Once” — Shirley Kurata

“Mrs. Harris Goes to Paris” — Jenny Beavan

Mejor Maquillaje y Peinado: “The Whale” — Adrien Morot, Judy Chin y Anne Marie Bradley

“All Quiet on the Western Front” — Heike Merker y Linda Eisenhamerová

“The Batman” — Naomi Donne, Mike Marino y Mike Fontaine

“Black Panther: Wakanda Forever” — Camille Friend y Joel Harlow

“Elvis” — Mark Coulier, Jason Baird y Aldo Signoretti

Mejor Canción Original: “Naatu Naatu” from “RRR” — música de M.M. Keeravaani, lírica de Chandrabose  

“Applause” from “Tell It Like a Woman” — música y lírica de Diane Warren

“Hold My Hand” from “Top Gun: Maverick” — música y lírica de Lady Gaga y BloodPop

“Lift Me Up” from “Black Panther: Wakanda Forever” — música de Tems, Rihanna, Ryan Coogler and Ludwig Goransson; lírica de Tems y Ryan Coogler

“This Is a Life” from “Everything Everywhere All at Once” — música de Ryan Lott, David Byrne y Mitski; lírica de Ryan Lott and David Byrne

Mejor Banda Sonora: “All Quiet on the Western Front” — Volker Bertelmann

“Babylon” — Justin Hurwitz

“The Banshees of Inisherin” — Carter Burwell

“Everything Everywhere All at Once” — Son Lux

“The Fabelmans” — John Williams

Mejor Sonido: “Top Gun: Maverick” — Mark Weingarten, James H. Mather, Al Nelson, Chris Burdon y Mark Taylor

“All Quiet on the Western Front” — Viktor Prášil, Frank Kruse, Markus Stemler, Lars Ginzel y Stefan Kort

“Avatar: The Way of Water” — Julian Howarth, Gwendolyn Yates Whittle, Dick Bernstein, Christopher Boyes, Gary Summers y Michael Hedges

“The Batman” — Stuart Wilson, William Files, Douglas Murray y Andy Nelson

“Elvis” — David Lee, Wayne Pashley, Andy Nelson y Michael Keller

Mejor Efectos Visuales: “Avatar: The Way of Water” — Joe Letteri, Richard Baneham, Eric Saindon y Daniel Barrett

“All Quiet on the Western Front” — Frank Petzold, Viktor Müller, Markus Frank y Kamil Jafar

“The Batman” — Dan Lemmon, Russell Earl, Anders Langlands y Dominic Tuohy

“Black Panther: Wakanda Forever” — Geoffrey Baumann, Craig Hammack, R. Christopher White y Dan Sudick

“Top Gun: Maverick” — Ryan Tudhope, Seth Hill, Bryan Litson y Scott R. Fisher

Mejor Película Internacional: “All Quiet on the Western Front” (Alemania) 

“Argentina, 1985” (Argentina) 

“Close” (Bélgica)

“EO” (Polanda) 

“The Quiet Girl” (Irlanda) 

Mejor Película Animada: “Guillermo del Toro’s Pinocchio” — Guillermo del Toro, Mark Gustafson, Gary Ungar and Alex Bulkley

“Marcel the Shell With Shoes On” — Dean Fleischer Camp, Elisabeth Holm, Andrew Goldman, Caroline Kaplan and Paul Mezey

“Puss in Boots: The Last Wish” — Joel Crawford and Mark Swift

“The Sea Beast” — Chris Williams and Jed Schlanger

“Turning Red” — Domee Shi and Lindsey Collins

Mejor Documental: “Navalny” — Daniel Roher, Odessa Rae, Diane Becker, Melanie Miller and Shane Boris

“All That Breathes” — Shaunak Sen, Aman Mann and Teddy Leifer

“All the Beauty and the Bloodshed” — Laura Poitras, Howard Gertler, John Lyons, Nan Goldin and Yoni Golijov

“Fire of Love” — Sara Dosa, Shane Boris and Ina Fichman

“A House Made of Splinters” — Simon Lereng Wilmont and Monica Hellström

Mejor Cortometraje de ficción: “An Irish Goodbye” — Tom Berkeley and Ross White

“Ivalu” — Anders Walter and Rebecca Pruzan

“Le Pupille” — Alice Rohrwacher and Alfonso Cuarón

“Night Ride” — Eirik Tveiten and Gaute Lid Larssen

“The Red Suitcase” — Cyrus Neshvad

Mejor Cortometraje Animado: “The Boy, the Mole, the Fox and the Horse” — Charlie Mackesy y Matthew Freud

“The Flying Sailor” — Amanda Forbis y Wendy Tilby

“Ice Merchants” — João Gonzalez y Bruno Caetano

“My Year of Dicks” — Sara Gunnarsdóttir y Pamela Ribon

“An Ostrich Told Me the World Is Fake and I Think I Believe It” — Lachlan Pendragon

Mejor Cortometraje Documental: “The Elephant Whisperers” — Kartiki Gonsalves y Guneet Monga

“Haulout” — Evgenia Arbugaeva y Maxim Arbugaev

“How Do You Measure a Year?” — Jay Rosenblatt

“The Martha Mitchell Effect” — Anne Alvergue y Beth Levison

“Stranger at the Gate” — Joshua Seftel y Conall Jones

Crítica Cinéfila: Creed III

Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, Adonis Creed quiere demostrar que merece una oportunidad en el ring. Pero el enfrentamiento entre estos antiguos amigos es algo más que una simple pelea. 

Con Creed de 2015, el director Ryan Coogler nos dio la mejor "legacyquel" del genero deportivo, construyendo una nueva adición estable y satisfactoria en la base de la franquicia Rocky de Sylvester Stallone. Pero, al igual que con las películas de Rocky, la siguiente película fue confusa y olvidable, luchando por lograr el equilibrio entre el drama familiar sincero y el concepto del ring de la película deportiva hiperbólica que se encuentra en las entregas más exitosas de la saga. La serie Rocky luchó con esta fórmula durante décadas, lo que a menudo resultó en correcciones exageradas como el montaje de entrenamiento de 2 horas de Rocky IV o el triste y deprimente Rocky V.

Ahora, no muy diferente a cómo Stallone reinventó su saga de boxeo, la estrella y ahora director Michael B. Jordan ha infundido el drama de Creed III con la intensidad de 11 de los dibujos animados de su propia juventud. Buenas noticias: los dibujos animados han mejorado mucho desde 1982 y, en consecuencia, Creed III es mucho más interesante, manejando con confianza la intensidad y la alegría de sus predecesores más memorables.

Años después de defender su título de campeón en Creed II, Adonis "Donnie" Creed (Jordan) se ha colgado los guantes y se ha dedicado a entrenar y promover a los luchadores más jóvenes, así como a su vida familiar con la productora pop Bianca (Tessa Thompson) y su joven hija Amara (Mila Davis-Kent). Donnie ha superado la sombra de su difunto padre Apolo y su mentor, Rocky Balboa, hasta el punto de que la ausencia de este último en esta entrega se siente perfectamente natural. Esta película trata sobre el propio pasado de Donnie, personificado por Damian Anderson (Jonathan Majors), su amigo más cercano de la infancia que ha pasado los últimos 18 años tras las rejas. Un prometedor boxeador aficionado antes de su arresto, Damian es en quien Donnie podría haberse convertido si no hubiera sido sacado de la pobreza por viuda de su padre (Phylicia Rashad). Tras la liberación de Damian, el ex campeón lleno de culpa se ofrece a ayudarlo a volver a ponerse de pie, pero Damian tiene mayores ambiciones y no se detendrá en nada para recuperar la vida que siente que Donnie le ha robado.

Damian se convierte en el Iago del Otelo de Creed, consterminando un golpe de estado por la corona más alta del boxeo y arrojando a nuestro héroe a la confusión emocional. Es un marcador que solo se puede resolver en el ring, lo que lleva a un choque que parece haber salido de una de las grandes batallas de Dragon Ball Z. Este conflicto no solo es convincente, sino refrescantemente autónomo, lo que lo convierte en la rara secuela moderna que se beneficia de la complicada historia de su franquicia, pero también se siente como si fuera a jugar igual de bien para alguien sin experiencia previa o interés en ella.

Aunque no es tan inmersivo como los magistrales combates de toma de Coogler del primer Creed, la representación del boxeo de Jordan hace un mejor trabajo al resaltar la estrategia y el desafío intelectual del deporte, utilizando cámara lenta y primeros planos extremos no solo para enfatizar el poder de los ganchos y los golpes, sino también su precisión, tiempo y estrategia. Las peleas de Creed III se juegan como partidos de ajedrez, y el nuevo enemigo de Creed es, apropiadamente, tanto una amenaza cerebral como un bocadillo. Nota aparte... Quiero elogiar a Creed III por el tiempo que tardamos antes de que veamos a Jonathan Majors sin camisa. No te das cuenta de lo grande que es este tipo hasta que es demasiado tarde. Damian es, con mucho, el antagonista más complicado que nos ha dado esta franquicia, y Majors pone tanto dolor, rabia y tristeza detrás de sus ojos que es difícil no conectarse con Damian, incluso en los momentos en que quiere ser visto como un villano arrogante y con bigotes, algo que parece ser más una debilidad del actor que del personaje en sí. Uno puede imaginar fácilmente una versión de Creed III que es un drama directo sin ninguna de las intrigas deportivas, y eso habría funcionado también, pero Jordan y Majors también se ganan absolutamente la intensidad añadida de su enemistad. Cuando su intensa pelea final da un giro para lo expresionista, es ciertamente exagerada, pero no inapropiado, especialmente cuando está a solo diez minutos separado de los montajes obligatorios de entrenamiento de duelos que se encuentran en todas las películas de Rocky & Creed.

Los elementos más amplios de la película se equilibran con la dinámica familiar más íntima entre los Creed. En ausencia de Rocky Balboa, las otras relaciones de Donnie tienen mucho más espacio para crecer, en particular su matrimonio con Bianca de Tessa Thompson, una productora musical con pérdida auditiva degenerativa. Creed III continúa explorando a Donnie como el anti-Rocky, una cabeza caliente que tiene dificultades para ser vulnerable con su pareja. Tanto como padre como gerente, ahora se ve obligado a ser el adulto en la habitación, un papel que es difícil de desempeñar cuando todavía tiene miedo de sus propios sentimientos. Jordan no está tan marcado aquí como en la primera película (posiblemente una consecuencia de dirigirse a sí mismo), pero Thompson y Majors se apoderan de su holgura.

La historia traza hábilmente un paralelismo entre la condición de Bianca y el encarcelamiento de Damian, ya que ambos representan el tiempo perdido con la nave que atesoran. La sordera en sí misma, afortunadamente, no está estigmatizada (la vibrante hija, Amara, nació sorda y tiene sus propias aspiraciones de boxeo), pero la película también se detiene en condenar rotundamente el sistema de justicia que encerró a un adolescente pobre y huérfano en una celda durante la mayor parte de dos décadas. La atención se mantiene en el conflicto específico de los personajes, y el guion (de Keenan Coogler y Zach Baylan) tiene cuidado de aclarar que Donnie no necesita sentirse culpable por su enorme mansión de alta tecnología o su chef personal. Aún así, en el espíritu del Rocky original, Creed III implica firmemente que muchos de los "perdedores" de la vida podrían ser campeones si solo se les diera una oportunidad. Lo mejor de todo es que la historia obliga a Adonis a examinar el privilegio que pasó la primera película tratando y fallando de descartar. Con este tercer capítulo, la serie Creed sigue siendo un examen más interesante de la clase, la casta y la meritocracia estadounidense de lo que alguna vez fueron las películas de Rocky, todo dentro de los límites del cine comercial y con más de Michael B. Jordan sin camiseta.

Crítica Cinéfila: Triangle of Sadness

Tras la Semana de la moda, Carl y Yaya, pareja de modelos e influencers, son invitados a un yate en un crucero de lujo. Mientras que la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los eventos toman un giro inesperado y el equilibrio de poder se invierte cuando se levanta una tormenta que pone en peligro el confort de los pasajeros.

¿Alguna vez han visto una película que se vuelve más confusa (en el peor sentido de la palabra) con cada minuto que pasa, y luego finalmente cuando se va esclareciendo la trama de repente empeora porque un actor vomita de manera extrema y grotesca a la vez? Pues si no quieren tener esa sensación, no vean esta película. A pesar del interesante manejo que se burla de cómo el poder material se vuelve insignificante dependiendo de las situaciones que se afrontan, esta visión de Triangle of Sadness se ve asquerosamente opacada por las innecesarias exageraciones en cada uno de sus renglones, planos y momentos.

La gran burla es cuál monarquía caerá primero: el imperio tradicional de la riqueza heredada por trabajo y esfuerzo, o el imperio de los influencers, la gran escoria del planeta tierra y, a la vez, un mal necesario de consumo para todos en la era moderna; un espectador se siente obligado a defender lo indefendible. Ruben Östlund trata de enfocar el punto de vista de los Instagrammers en el primer tercio de esta película, después de un prólogo que presenta a un conjunto de modelos masculinos y una llamada de casting que presenta al cincelado Carl (Harris Dickinson). Nada que ver una cosa con la otra, pero seguimos.

Él y su novia Yaya (Charlbi Dean) se ganan la vida posando y publicando, ella más lucrativa que él, ya que está perfectamente dispuesta a declarar en voz alta durante una incómoda liquidación de la factura en un restaurante de Tony. Es mezquina, superficial, vengativa y, lo peor de todo, es hipócrita cuando se hace un selfie con un tazón de pasta del que se niega a tomar un solo bocado por ser intolerante al gluten. Sin un ancla de humanidad que coincida con la inseguridad comprensiva de Carl, su existencia como pareja se presenta como una contradicción total y un desbalance de química.

Ella es solo una de las frutas colgantes aferradas por una sátira con ideas tan enormes y huecas a la vez como el casco del lujoso transatlántico en el que se encuentra el segundo tercio. Carl y Yaya embarcan en Christina O, anteriormente propiedad de Aristóteles Onassis, para un crucero solo por invitación que atiende a los megaricos de la sociedad. En el camino, la película en sí nos lleva a un recorrido turístico por el tema del que se basa esta historia, comenzando con la invacidad de la industria de la moda hasta las grandes cuestiones de capital y poder.

En el pasado, Östlund ha demostrado su habilidad para enviar temas carnosos, aplicando una atención granular al ego masculino en "Fuerza Mayor" y las pretensiones del mundo del arte con "The Square". Aquí, sin embargo, se inclina a la amplitud atribuida a su trabajo por sus críticos más duros, ahora más parodia de sí mismo que de una parodia como tal.

Tiene su mente en el dinero y el dinero en su mente: lo que le hace a aquellos con mucho y cómo reaccionan cuando ya no pueden lanzarlo al cielo. El barco alberga un grupo de grotescos ricos, incluido un magnate ruso del estiércol, un especulador británico de juguetes de guerra y el tipo de idiota manso y reacio a la mujer que seguramente habrá hecho su riqueza de la gran tecnología. Puede que Carl y Yaya no sean titanes de la industria, pero encajan perfectamente con su aire de desprecio apenas silenciado por todos los demás. Los clientes obtienen sus alegrías al hablar sobre el control que ejercen sobre el personal, ya sea que los despidan por infracciones menores o que los obliguen a jugar al ocio para que aquellos que explotan la mano de obra puedan calmar su culpabilidad. E incluso dentro de la clase inferior de la cubierta inferior, hay niveles; los empleados blancos que miran hacia el exterior obtienen consejos y beneficios inaccesibles en comparación con el personal de limpieza multiétnico.

Si bien apenas hay noticias de última hora de que la élite con dinero sean gigantescos agujeros, esa es solo la primera mitad de la ecuación confusa de Östlund. El punto medio se convierte en un verdadero caos cuando, por enviar a todo el personal a darse un chapuzón, la cena del capitán se dañó y por lo tanto todos los que la comieron terminaron intoxicados, vomitando y desechando todo su interior en una secuencia que, más que parte de una burla a cómo las exageraciones de los ricos los infligió directamente, es uno de los momentos más desagradables en pantalla del 2022. El que no tenga deseos de vomitar viendo esto, es un sádico. 

Todas las variables se intercambian una vez que las cosas se "desvían", en un momento narrativo que involucró vómito regado por doquier, heces fecales que salen expulsadas de los retretes, discusiones comunistas, piratas (así mismito...) y una explosión por una granada. Llega la tercera parte donde la custodia Abigail (Dolly De Leon) se da cuenta de que su capacidad para pescar, hacer un fuego y realizar actos básicos de autosuficiencia la coloca en la cima de la jerarquía alterada. En poco tiempo, se ha convertido en una minitirana, extorsionando sexo a Carl, su buena apariencia ahora es la forma más significativa de moneda en circulación, a cambio de comida.

Si lo esencial es que el poder absoluto se corrompe eventualmente, está bien, claro, aunque esa es una observación igualmente obvia. Pero Östlund enmarca su estructura de autoridad en términos políticos explícitos, con el capitán marxista del barco (Woody Harrelson, dentro y fuera de la película demasiado rápido) yendo cita por cita contra el magnate de los fertilizantes capitalista hasta que todos son solo eslóganes intercambiables. Puesto en práctica, la noción de que el proletariado será tan monstruoso como la burguesía si se le da la oportunidad cae en el inútil cinismo de ambos lados visto por última vez en "Nuevo Orden".

Estas fueron dos horas y media largas, tortuosas, que se vuelven "interesantes" solo en intervalos escasos, generalmente cuando el magnífico Dickinson juega su belleza, lo que sugiere insidad contra la angustiada agitación dentro de Carl. Pero el intento de comedia física en el período previo al vuelco, como si el clímax de "Titanic" hubiera sido rociado con vómitos y diarrea, hizo que la atención se desviara totalmente, y no se enfocara tanto en cómo los ricos pueden caer tan fácil. Estas distracciones hacen poco para redimir el análisis social subdesarrollado que Östlund no dejará de martillar hasta el mero final.

Uno puede preguntarse dónde encaja en esta superioridad de igualdad de oportunidades, mientras recibe sus cortes desde el banquillo de un conflicto que ve a distancia. Irónicamente, se aprovecha del mayor privilegio de todos: la comodidad de tratar a la clase como un experimento mental para ser jugado como mejor le parezca. El cineasta trabajó en las estaciones de esquí de Tony Alpine en sus años de posgrado, presumiblemente sirviendo a los mismos ricos que se satirizan aquí. Pero eso no es razón suficiente para que un espectador pueda suponer esto fácilmente por el desapego y poca empatía que se genera hacia el paquete de personajes que se desarrollan en esta historia. De manera particular, era más fácil aceptar su muerte y no seguirlos hasta el final con el deseo a voces de que se mutilen mutuamente y así terminar con esta "comedia" de una vez por todas.