Crónica Cinéfila: Cine del 2023, lo que más me gustó y lo que me decepcionó

Estamos saliendo de un año bastante diverso en el mundo del entretenimiento. Después de grandes historias y fracasos, apertura a tramas complejas y una huelga de 148 días que paralizó toda producción, estreno y distribución de películas y series importantes, el 2023 parece haber durado más de 365 días. 

Creo que hablo por muchos al reconocer que este fue un año muy particular para la industria del cine. Definitivamente fue un año para preferencias, porque a lo mejor esta lista la vean totalmente diferente a cómo yo la veo; pero como dicen por ahí, "para los gustos, los colores", y esta es mi opinión personal con la cual pueden o no coincidir. 

Este es mi selección de películas del 2023, las que más me gustaron y las que más me decepcionaron:

Me gustó Barbie

¡Por supuesto que debo iniciar con la película que salvó la experiencia de ir al cine! La película toma lo que podría haber sido un comercial extendido de Mattel y canaliza el complicado legado de la querida muñeca en una historia sobre el impacto tóxico del patriarcado y las presiones de la feminidad performativa. Con un toque místico del sistema, la directora Greta Gerwig combina su fantasía feminista en un paquete musical en tecnicolor repleto de algunos de los mejores chistes del año. Margot Robbie recorre perfectamente la línea entre la feliz ignorancia y el despertar irónico como Barbie, mientras que Ryan Gosling es divinamente tonto (y sorprendentemente vulnerable) como "simplemente Ken". Pero quizás el mayor juego de manos de la película es su capacidad para perforar la fantasía de la casa de los sueños de Barbie y dar un golpe emocional sin perder nunca el sentido del humor. La vida de plástico definitivamente no es fantástica, pero Barbie fue impresionante.

No me gustó The Super Mario Bros. Movie

Igual debo comenzar esta categoría con una película que llevó a muchos a la sala de cine, pero en este caso su corta duración se hizo eterna. Si bien pudo haber sido la más exitosa en términos de taquilla, realmente nadie pidió una película como esta. Para los que no son jugadores, es el tipo de películas que se siente como un videojuego, solo que aquí no podemos tomar ni una sola decisión. Para los que sí son jugadores, por más brillante y colorido, la cantidad de huevos de Pascua que le dejaron a los fanáticos, fue una película diseñada para niños muy pequeños que seguro no se preocuparán por el tiempo y la poca narrativa.

Me gustó Talk to Me

Dirigida por los hermanos gemelos Danny y Michael Philippou, conocidos por su canal de YouTube RackaRacka, la película sigue la historia de Mia, una adolescente en luto interpretada por Sophie Wilde. El intento de Mia de utilizar un truco de fiesta sobrenatural para comunicarse con los muertos se vuelve cada vez más riesgoso, lo que tiene consecuencias aterradoras mientras intenta conectarse con su difunta madre. La película se destaca por sus imágenes inventivas, su sangre impactante y la capacidad de los hermanos Philippou para crear una sensación de inquietud en todo momento mientras tenemos un entendimiento distinto de lo que significaría "quedarse en el limbo".

No me gustó The Exorcist: Believer

Una muy esperada de mi parte, y al final, muy decepcionante. Aunque es muy probable que solo los verdaderos fanáticos hubiesen esperado más de esta película, no deja de llevar el nombre de un clásico del terror que muchos deseamos ver con una secuela decente/pasable/amigable/única en el cine. "The Exorcist: Believer" decidió irse por la misma fórmula de su original y se le olvidó ser novedoso en el camino. No solo utiliza una narrativa que le falta potencia para sorprender a la audiencia del siglo XXI, sino que se quedó corta en sustos, diálogos, escenas, y hasta en protagonistas o tomadores de decisiones reales... porque secundarios y extras bastaron.

Me gustó Saltburn

Quizás ninguna película sea más polarizadora este año que Saltburn, una visión perversamente gótica de la obsesión, la riqueza y el deseo que no tiene ningún efecto. Barry Keoghan lidera un conjunto estelar como el lobo con traje de oveja, Oliver Quick. Es una actuación de truco de magia, fascinante por la pura audacia y abandono con el que ataca sus escenas más escandalosas. Cuando el y atractivo Felix (Jacob Elordi) invita a Oliver a su mansión titular durante el verano, se pone en marcha una trágica espiral que atrae a Oliver a la órbita de la familia Catton (que cobra vida gracias a uno de los mejores conjuntos de actuación del año). Con "Promising Young Woman", Emerald Fennell estableció su voz totalmente única, pero Saltburn la refina, empapando su lente con los excesos del dinero antiguo y el fascinante poder del deseo. Este año no hay ningún viaje más salvaje en el cine, ni uno más visualmente deslumbrante. Saltburn nos hizo perder la cabeza, de la mejor manera posible. 

No me gustó Freddy

He comenzado a cuestionar la necesidad de los biopics si no le harán justicia a su narrador de la manera que este merece. Freddy es una película que sirve de ejemplo. La trama que está supuesta a contar como esta gran figura de la televisión dominicana, interpretada aquí por Luis José Germán, no solo carece de una revisión en sus aspectos cinematográficos (la película tiene el estilo de un comercial largo por falta de evolución en su cinematografía y musicalización) también le falta una narrativa coherente, objetivos e incluso un enfoque. La intención de su director está claramente ahí, pero es evidente que enaltecer la figura de Freddy y cómo logró posicionarse no eran de su interés.

Me gustó Oppenheimer

Teoría y práctica. Esos son los dos polos que definen la física atómica, el comunismo internacional y la obra maestra de Christopher Nolan. Cuando los espectadores conocen por primera vez a la encarnación de J. Robert Oppenheimer en Cillian Murphy, él es un físico teórico tan en sintonía con las nuevas ideas científicas que literalmente puede ver la belleza del mundo cuántico que lo rodea. También es un joven idealista que no puede evitar simpatizar con los movimientos socialistas que surgieron en todo el mundo entre las dos grandes guerras. A lo largo de la película, Oppenheimer trabaja duro para llevar sus ideas a la realidad, solo para darse cuenta después de que pudo haber destruido las mismas cosas que tanto amaba. Lleno de grandes ideas, detalles visuales impresionantes y actuaciones increíbles, Oppenheimer (junto con Barbie) señala el camino hacia un nuevo y brillante futuro para las películas de Hollywood, al mismo tiempo que nos recuerda que no debemos dar por sentada la estabilidad de nuestro propio mundo.

No me gustó Killers of the Flower Moon

Es fácil imaginar cómo habría sido Los asesinos de la luna de flores en manos de un cineasta adecuado a su tema y su historia. El libro de David Grann de 2017 se centra en el reinado del terror de los Osage, cuando los colonos blancos en Oklahoma en la década de 1920 atacaron y asesinaron sistemáticamente a los osage ricos. Otro director podría haber abordado el tema desde el punto de vista más lógico, como el de las víctimas y los héroes de la historia. En cambio, Martin Scorsese y el coguionista Eric Roth literalmente se meten con los criminales, concentrándose en el matrimonio entre la mujer Osage Mollie Burkhart (Lily Gladstone) y su marido blanco Ernest (Leonardo DiCaprio). El resultado es una película que es en parte una epopeya criminal y en parte un drama matrimonial, con excelentes actuaciones, pero una duración completamente innecesaria y una cuestión resonante durante toda la película de por qué Scorsese está haciendo esta película.

Me gustó Past Lives

En los últimos años se ha hablado mucho de la desaparición de las conmovedoras comedias románticas de Hollywood, a medida que los superhéroes y otras franquicias taquilleras absorbían todo el oxígeno de la pantalla grande. Tal vez es por eso que "Past Lives" tuvo tal impacto este año, cuya escritora protagonista Nora Moon (Greta Lee) se pregunta si realmente pertenece a su esposo Arthur (John Magaro) o a su amor de infancia (Teo Yoo). Al igual que el enamoramiento de la primera infancia que describe la historia, la película con sentimientos profundos se ha grabado con fuerza en las mentes y los corazones de cualquiera que la haya visto. 

No me gustó Ant-Man and the Wasp: Quantumania

“En 'Quantumania', el ritmo alegre y el humor alegre han sucumbido a la seriedad turgente que plaga gran parte del canon del cómic. Paul Rudd hace un intento de proyectar su simpatía irresistible como Scott Lang, el antiguo ladrón que, como Ant-Man, es el miembro más pequeño del equipo de los Avengers. Pero cuando comienza 'Quantumania', y nos encontramos con Scott leyendo sus nuevas memorias, 'Look Out for the Little Guy', en un atrevido montaje con el tema de 'Welcome Back, Kotter', uno puede detectar que toda esa increíble esencia que se impregnó en el superhéroe y su película anterior se ha perdido totalmente. Culpen el "blip" o al COVID, pero Ant-Man se siente diferente en el peor de los sentidos posibles.

Crítica Cinéfila: Saltburn

Mientras lucha por encontrar su lugar en la Universidad de Oxford, el estudiante Oliver Quick se ve arrastrado al mundo del encantador y aristocrático Felix Catton, que le invita a Saltburn, la extensa finca de su excéntrica familia, para pasar un verano inolvidable. 

La descarada sátira en un golpe de clase de Emerald Fennell, "Saltburn", huele a una variedad de erotismo literario. Pero si recuerda algo visualmente, es ese retrato icónico de David LaChapelle de Alexander McQueen e Isabella Blow afuera de un castillo de Hedingham que ha sido incendiado: Fennell está en esa especie de modo de explosión, y el resultado es un viaje narrativamente entretenido y ruidoso protagonizado por un formidable Barry Keoghan en modo despreocupado.

No es tanto la historia lo que te dejará boquiabierto sino su audacia. Su primera película, "Promising Young Woman", no tenía miedo, era perversa y emocionante, y lo mismo ocurre con "Saltburn". Algunos han dicho que es Brideshead envuelta en maldad, con vibraciones de Tom Ripley, y es eso, pero Fennell es más atrevida que incluso Waugh o Highsmith. Al ver esta película probablemente quedará sin aliento en ciertos momentos. Es intrépido y embriagador.

Keoghan interpreta a un estudiante de primer año de Oxford, Oliver Quick; estamos en 2006. Los colores del director de fotografía Linus Sandgren están ricamente saturados y la música de apertura entona los Himnos de la Coronación ('Zadoc The Priest') sobre créditos que utilizan fuentes medievales y gritan 'diversión por venir'. En adición a representar la época desde los primeros planos, Fennell ahora utiliza el término 'cine pop' para definir su trabajo, y esta es una película oscuramente divertida que debería captar la atención de los premios por la actuación de Keoghan, sin mencionar el giro ricamente cómico de Rosamund Pike. Es posible que algunos matices sociales británicos no se transmitan tan bien si no entiende la cultura, pero hasta el más desconectado de la cultura se llevará algunas indirectas.

Fennell tiene en mente trasladar "Brideshead" a tiempos más modernos a través de su estudiante de Merseyside, Oliver, quien llega a Oxford y se da cuenta de que el orden social allí ha sido inamovible desde la escuela preparatoria, y él no está incluido. Comparte tutor con el lacónico Farleigh (Archie Madekwe), quien es el primo del magnético personaje de Felix Catton (el actor australiano Jacob Elordi), y con quien eventualmente se cruza en su auxilio por una bicicleta rota en lugar de por un exceso de alcohol. La historia de Oliver sobre padres drogadictos y una infancia bajo cuidado finalmente se gana la simpatía de Félix, quien invita a su nuevo amigo a pasar el verano en su casa familiar en Saltburn.

Fennell comienza a deshacerse de Waugh una vez que la producción llega a esta casa señorial, y hay una sección central donde la película es completamente divertida gracias a los anfitriones de Saltburn, Lady Elspeth Catton (la maravillosa Rosamund Pike) y Sir James (Richard E. Grant). Este es puramente el mundo del escritor que nos dio "Promising Young Woman", con sus mordaces observaciones y su asombrosa franqueza. Su propia experiencia personal en este entorno sin duda ayuda, mientras examina a los parásitos y dependientes de Saltburn, en particular a la siempre rehabilitada 'poor dear Pamela' (Carey Mulligan). Dan la bienvenida cautelosamente a Oliver a su redil como su último proyecto favorito. El clan también incluye al primo empobrecido Farliegh y a la hermana 'sexualmente inconstante' de Félix, Venetia (Alison Oliver), que también sufre de bulimia.

Después de una cena particularmente barroca en la que los ricos prueban el karaoke, Fennell enciende la iluminación en modo homoerótico y comienza a quitarse los guantes. De repente, Oliver está trabajando en la habitación, en más de un sentido, sin mencionar lamiendo la bañera hasta dejarla limpia. Su obsesión por Félix no está consumada, por lo que se acerca a Farleigh y también a Venetia. "Saltburn" no es corta, pero es siempre entretenido. Fennell toma algunas decisiones audaces en esas dos horas sobre dónde pasa su tiempo: en particular, un rápido corte narrativo al final parece cruel pero, cuando el sacrificio conduce a la secuencia final más entretenida que verás este año, todo puede ser perdonado. La clave del éxito de la película es la elasticidad de Keoghan: su rostro y sus ojos pueden cambiar con una sombra, y es imposible concebir que otro actor joven tenga la ventaja peligrosa para lograrlo todo. Es posible que parte de la lucha de clases no se traduzca tan bien en los mercados extranjeros, pero aquellos que lo entienden, lo sabrán.

Los espectadores que buscan porno de Oxford o de casas de campo pueden estar menos satisfechos: la producción de Fennell lo toma como leído, en lugar de insistir en los detalles visuales. Felix puede señalar a Rembrandt y Holstein, y así es como se ilumina gran parte de la película, pero la cámara está más interesada en Keoghan y Pike e incluso en el agua del baño de Felix que en los jardines o los picnics. La ubicación de la finca en la que saltó Saltburn se mantiene oculta a petición de sus propietarios, y no está claro si el laberinto en forma de Shining, en el que empiezan a aparecer alas y cuernos de ángel, está adjunto a ella. Quizás nunca lo sepamos. "Saltburn" no es imprescindible en la pantalla grande por las localizaciones o las tomas en la hora dorada, sino porque es oscura y divertida, y el tipo de película que el público más joven debería ver. De esa manera, debería continuar para siempre.

Crítica Cinéfila: May December

Veinte años después de que el mediático romance entre Gracie Atherton-Yu y su joven marido Joe escandalizara al país, con sus hijos a punto de graduarse en el instituto, se va a rodar una película sobre su historia. La actriz Elizabeth Berry pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar, provocando que la dinámica familiar se deshaga bajo la presión de la mirada exterior.

En el montaje experimental que abre “Persona”, un adolescente con el torso desnudo acaricia una pantalla en la que los rostros de dos mujeres se transforman lentamente de un lado a otro. Es fácil imaginar que Todd Haynes se sienta tentado a comenzar su drama de esta manera, pero es que "May December" es más profundo de lo que cualquiera pudiese imaginarse, ya que esta película infinitamente fascinante se centra en la confusión de las líneas entre una estrella de Hollywood (Natalie Portman) y la persona de un crimen real que ella interpretaría, quien fue sorprendida en una relación sexual con un estudiante de séptimo grado a la edad de 36 años. La película quiere saber: ¿Puede interpretar a esta Mary Kay Letourneau?

Haynes, un director embriagador cuya obra entera parece madura para disertaciones sobre estudios cinematográficos, hace películas no sólo para ser vistas, sino para ser analizadas y deconstruidas después de verlas. Desde el remake de Douglas Sirkian de “Far From Heaven” hasta el extraño giro de las clásicas “imágenes de mujeres” proporcionadas por “Carol”, su estilo puede ser frío y distanciador. Pero en "May December" esto no es así. Tan estratificada e infinitamente abierta a la interpretación como cualquiera de sus películas, también es la más generosa y directa, comenzando no con referencias a Ingmar Bergman (aunque vienen más adelante), sino con imágenes maduras de invernadero de mariposas monarcas, subrayadas por una exuberante reelaboración del tema en piano de Michel Legrand de “El intermediario”. El potencial de pasión, transformación y subversión flota en el aire.

Como Gracie Atherton-Yoo, Moore interpreta a una mujer con una conciencia de teflón que, incluso después de más de dos décadas, sigue desviando las críticas públicas. No ayudó que se hiciera una mala película para televisión sobre el escándalo en ese momento, que Haynes muestra de manera divertida en un momento. Ahora abuela (por su primer matrimonio), Gracie espera que una nueva película independiente aporte algunos matices a su historia, lo que no parece especialmente probable, si se consideran “The Staircase” de Netflix y otros ejemplos. Pero no es la primera vez que acepta con optimismo una oferta así.

Gracie le da la bienvenida a Elizabeth Berry (Portman), estrella de una popular serie de televisión llamada “Norah’s Ark”, a la casa de Savannah que comparte con Joe Yoo (Charles Melton), el mucho más joven esposo de Gracie. Joe tenía sólo 13 años cuando se enamoraron. Fueron sorprendidos en el almacén de la tienda de mascotas de Georgia donde trabajaban Gracie y Joe. Siguió un circo mediático y su bebé “nació tras las rejas”, como dijeron los periódicos del corazón.

Haynes y el guionista Samy Burch presentan esa historia de fondo en pedazos, lo que permite al público formarse sus primeras impresiones de Gracie antes de descubrir su crimen. El tono lo es todo en películas como esta, y Haynes hace todo lo posible para evitar el sensacionalismo que hizo que “To Die For” o “Cry-Baby” fueran tan deliciosamente cursis. Una de las estrategias de supervivencia de Gracie y Joe es insistir en que todavía están enamorados, aunque en escenas privadas lo vemos enviando mensajes de texto a otra persona. Claramente hay más en esta relación de lo que parece, y Elizabeth solo puede descubrir una parte de ello en los pocos días que ha organizado para observar a la familia Yoo.

Mientras Elizabeth continúa su investigación para poder interpretar a Gracie en pantalla, tratando de meterse en la piel de Gracie entrevistando a su ex-marido y a quienes mejor la conocen, lo que sigue no es simplemente una deconstrucción cautivadora del proceso de un actor. Es una inmersión profunda en la psicología de todos los involucrados, especialmente de aquellos que se sentirían atraídos por desempeñar ese papel. "Es la complejidad, las áreas morales grises, lo que lo hace muy interesante", dice Elizabeth en una clase de actuación en una escuela secundaria. Dejando pistas que darán sus frutos más adelante, discute de manera inapropiada los matices de filmar escenas de sexo con estos adolescentes. La misma diferencia de edad separa a Gracie de Elizabeth que existía entre la mujer y su víctima. ¿Podrá esta actriz realmente hacer justicia a su historia?

“May December” opera en muchos niveles a la vez, lo cual permite al público especular sobre las motivaciones de Gracie (la razón por la que nos atraen películas como la que se hace sobre ella) incluso mientras vemos a Elizabeth “convertirse” en su personaje. Por la noche, regresa a la casa local que alquila y ve audiciones en vídeo con los actores menores de edad que podrían ser sus coprotagonistas, comentando que «no son lo suficientemente sexy». Sus interacciones con el Joe de la vida real se vuelven cada vez más coquetas, hasta el punto que uno no puede evitar preguntarse si Elizabeth siente que necesita seducirlo para poder comprender a Gracie.

Todos aquí están actuando en todo momento. En un metanivel, Moore también es una actriz que interpreta a una mujer declarada culpable de corromper a un menor, lo que plantea preguntas intrigantes sobre la realidad y la representación (al estilo de “Kate interpreta a Christine”). Reteniendo el juicio moral lo mejor que puede, Haynes mantiene las cosas más emocionales que intelectuales, confiando en que el público lo desempaquetará por sí solo. Aunque Portman tiene aquí el papel más conceptual, Moore debe establecer un punto de referencia para la credibilidad de la Gracie “real”: una mujer que se describe a sí misma como “ingenua”, pero que está muy interesada en cómo será retratada eventualmente, y astutamente manipuladora para conseguirlo a su manera (un gran ejemplo es cómo influye en la elección del vestido de graduación de su hija, o la forma en que le recuerda a Joe: “tú me sedujiste”).

“May December” sugiere una versión ficticia del documental “Subject” del año pasado sobre dónde están ahora y sobre cómo la atención del público puede cambiar las vidas de quienes aparecen en las películas, no siempre para mejor. La transformación más interesante aquí ocurre dentro de Elizabeth, mientras la actriz intenta encontrar su Gracie interior. En un momento, Haynes coloca a Portman y Moore frente a un espejo mientras Gracie realiza los movimientos de aplicarse su propio maquillaje. A mitad de la escena, pasan de mirar directamente al público a verse reflejados en los ojos del otro. Cualquiera que sea la intimidad que establezcan estas dos mujeres, Elizabeth está más interesada en llegar a la verdad de las motivaciones de Gracie; mucho más que en proteger su imagen en pantalla. Ese es el ideal inefable del arte, y que está inevitablemente limitado por la distancia entre una actriz y su punto de inspiración.

Crítica Cinéfila: The Crown, 6ta temporada - 2da parte

En la segunda parte, la historia continúa con la vida de la Familia Real después de Diana, incluidos los inicios de la relación del Príncipe William y Kate Middleton en la universidad, las desgarradoras muertes de la Princesa Margarita y la Reina Madre, y el Príncipe La boda de Carlos y Camilla.

¿Para qué sirve la monarquía? ¿Para qué sirve La Corona? Las dos preguntas corren una al lado de la otra mientras el exuberante drama biográfico de Netflix concluye la historia de la reina Isabel II. Pero el tema predominante es el mismo que ha sustentado los guiones de Peter Morgan todo el tiempo: una vida de servicio público, se nos dice, es una carga que exige un gran sacrificio personal, siendo la principal pérdida la felicidad. Qué tan convencido estés de esto determinará qué tan efectivo encuentres el desenlace de The Crown.

Después de la muerte de Diana (narrada en la Parte 1 de la Temporada 6, estrenada el mes pasado), la familia real se encuentra entrando al milenio con la nueva generación pasando a primer plano. Un príncipe William (Ed McVey), aún afligido, lucha por volver a la normalidad mientras ingresa a la edad adulta y a una nueva era de independencia prometida. En una familia dedicada a la tradición, el nacimiento de Will-mania es un shock para el sistema de todos, sobre todo para el propio William. El amanecer del siglo XXI significa la formación de un nuevo futuro heredero, y con ello llega el hambre por una nueva princesa. Así entra Kate Middleton (Meg Bellamy), una agradable chica de clase media que asiste a la Universidad de St. Andrew.

Gran parte de estos episodios finales, cubren eventos que muchos de nosotros vimos suceder en tiempo real. Se trata de personas que nunca salen de los titulares y que inspiran una intensa devoción o repulsión, según la política y el periódico que elijan. La mirada de Morgan siempre funcionó mejor cuando se le da cierta distancia de la actualidad, o al menos a través de un alcance más estrecho que lo obliga a ser específico con sus ideas. Como se evidencia en las primeras y por momentos mejores temporadas de la serie, Morgan tenía espacio para expandirse emocionalmente sobre figuras conocidas porque, a pesar de su fama estratosférica, eran libros cerrados para la mayor parte del mundo. Tratar de darle vida a personas como Charles y Diana obstaculizó a Morgan debido a esto, pero también debido a su firme negativa a realmente hacer olas.

La serie se recupera en gran medida de su tambaleo en la primera mitad de la temporada, cuando la princesa Diana se hizo cargo de todo el espectáculo y llevó a algunas decisiones creativas alocadas, la principal de ellas la “Diana fantasma”. El momento más arriesgado de los nuevos episodios es una secuencia de sueños en la que la Reina imagina que el nuevo rey, Tony Blair, pone fin a su reinado: en la coronación, los coristas cantan una espeluznante versión a capella de Things Can Only Get Better.

La escena es el prólogo del episodio enfocado en Tony Blair: las últimas entregas suelen estar dedicadas a un solo tema cada una; el ascenso y caída de Blair es el que se ha dramatizado con mayor éxito. Los ratings personales de Blair se disparaban al mismo tiempo que caían los de la Reina, lo que lleva a un momento salvaje en el que ella busca su consejo. Su celo por la modernización casi hace que la familia real tome medidas drásticas, como publicar cuentas completas, atenuar la costosa vida real y despedir al personal especializado empleado para doblar servilletas y cuidar de los cisnes. Al final, la Reina tiene sentido y ve a Blair (Bertie Carvel lo interpreta de manera convincente), como un oportunista con el “síndrome del estadista”, no un verdadero estadista con quien pueda conectarse. Puede que las viejas tradiciones se estén desgastando, pero la sabia Reina sabe que sin ellas no es nada. Es una fábula ordenada.

Si Blair sale mal aquí, piense en Carole Middleton (Eve Best), a quien conocemos por primera vez de compras con su hija Kate. Espían a la princesa Diana y visualiza un compromiso público con el Príncipe William. A partir de ese momento, Carole considera a William como un futuro yerno.

Unos años más tarde, cuando William (Ed McVey) llega a la Universidad de St Andrews, Kate (Meg Bellamy) sigue el mismo rumbo porque Carole se ha asegurado de ello. "William: the University Years" hace que "The Crown" se desvíe hacia una comedia romántica universitaria, con la frustración del joven príncipe por no poder salir de fiesta sin ser molestado por los paparazzi mitigada por las atenciones de una joven que parece demasiado sensata para dejarse intoxicar por su estatus. Sabemos que ella es todo lo contrario: cuando Kate inicialmente sale con otra persona y lo lleva a casa para conocer a sus padres, Carole está disgustada porque no son William. Cuando Kate impresiona a Will luciendo un vestido transparente en la pasarela de un desfile de moda estudiantil, lo hace expresamente para su beneficio. Los Middleton son retratados sin rodeos como fanáticos del trono que ven su oportunidad y la aprovechan.

William casi se convierte en el protagonista principal de esta temporada, luchando por aceptar un futuro de implacable escrutinio público. El personaje potencialmente más interesante de Harry es solo una caricatura de un hermano menor travieso, que desprestigia a la familia al fumar marihuana y disfrazarse de nazi para una fiesta. Luther Ford es excelente en el papel (al igual que McVey y Bellamy, desmiente por completo su falta de experiencia en la actuación), pero no se explora cómo llega Harry a estar tan resentido.

En cambio, The Crown vuelve a Elizabeth (Imelda Staunton). Lo que parece ser otro episodio más dedicado al hedonismo frustrado de la princesa Margaret (Lesley Manville) trata en realidad sobre su hermana: un flashback en 1945, cuando las princesas bailan el jitterbug con soldados estadounidenses, es la última vez que a Elizabeth se le permite ser Elizabeth. En sus últimos años, sacudida por la muerte de Margaret, la Reina Madre y, por supuesto, de ella misma (tiene que ayudar a planificar su propio funeral), Elizabeth comienza a preguntarse para qué sirvió todo.

Hay un diálogo atrevido en el episodio final, ya que incluso la Reina reconoce que la institución de la monarquía es un absurdo incómodo y moribundo. Sin embargo, en términos de drama emocional, lo único que The Crown realmente ha tenido es la idea de que vivir en palacios es terriblemente difícil. Siempre ha sido una premisa inestable, pero tenía cierto sentido cuando se aplicaba a personas que nunca fueron recompensadas con la corona. Escuchar sobre la agonía de no haber abdicado de la Reina real es realmente rico. “¿Qué pasa con la vida que dejé de lado?” pregunta Isabel. “¿La mujer que dejé a un lado?”. 

Parecerá un final inestable en una serie que ha conmovido a muchos y se ha convertido en la favorita de tantos, pero solo retrata la realidad de lo que significa llevar (y no llevar) la corona.

Crítica Cinéfila: Maestro

Biopic sobre el legendario Leonard Bernstein, compositor, pianista y director de orquesta estadounidense.

Posiblemente no haya palabra más cursi en la sección de tarjetas de felicitación del Día de San Valentín que "almas gemelas". Pero parece una destilación apropiada de lo que mantuvo juntos al virtuoso director y compositor Leonard Bernstein y a su esposa, la actriz Felicia Montealegre, durante 27 años, en su tenso y complicado matrimonio, como se describe en la fascinante historia de amor biográfica de Bradley Cooper, "Maestro".

Amplificando su fuerza narrativa con un uso emocionante e inteligente de la música de Bernstein, este es un examen en capas de una relación que hoy podría estar excesivamente simplificada como la de un hombre gay encerrado y su "barba", como le dicen los gringos. Sin embargo, Cooper y el coguionista Josh Singer profundizan más para representar una unión única, plagada de conflictos pero inquebrantable, incluso cuando esa unión está evidentemente rota.

No pretende ser un desaire a la nueva versión de "A Star is Born" de Cooper, su impresionante primer debut como director, pero es propio decir que su continuidad es un salto considerable en términos de desarrollo cinematográfico. Casualmente, Maestro también marca la segunda película en un año que se centra en un célebre director de música clásica con una vigorosa presencia tanto dentro como fuera del podio, con una desordenada vida personal y pasión. Es una pieza complementaria no oficial de "Tár", cuya protagonista ficticia, Lydia Tár, era supuestamente una protegida de Bernstein.

Las dificultades de equilibrar la fama y el amor son un tema compartido en ambas películas que Cooper ha dirigido. Pero "Maestro" crea una complejidad adicional al investigar los desafíos que enfrenta un hombre prodigiosamente talentoso que aspira a dirigir una orquesta importante en una época en la que los estadounidenses generalmente no eran considerados iguales a los grandes directores de orquesta europeos. Un judío estadounidense gay tenía aún menos posibilidades.

La práctica común de hombres queer (incluso en la artística y relativamente amplia escena cultural de Manhattan de mediados de siglo representada aquí con un estilo embriagador), que tomaban esposas por el bien de las apariencias y por el deseo de formar una familia, era a menudo menos una cuestión de engaño que una cuestión de necesidad.

El hecho de que tanto Bernstein (Cooper) como su novio clarinetista durante un tiempo, David Oppenheimer (Matt Bomer), se casaran con mujeres y tuvieran hijos provoca una risa irónica, pero también tristeza cuando Lenny sale de su apartamento y se encuentra con David y su familia en Central Park West. Bomer está afectando silenciosamente en una escena anterior cuando Lenny le presenta a la nueva mujer en su vida, Felicia (Carey Mulligan), erizada con su excitación habitualmente febril y sólo registra el momento incómodo en el que los ha dejado a ambos como una ocurrencia tardía.

Hay una sensación de estar entusiasmado con su propio genio en la excelente actuación de Cooper, como un artista implacablemente motivado, tan concentrado en sus propias necesidades y deseos que cualquier caos que crea o daño emocional involuntario que inflige se ignora con evasión o desprecio alegre. Bernstein es un hombre de enorme arrogancia, y Cooper camina por una línea complicada, sin permitir nunca que se vuelva antipático ni siquiera en sus momentos más insensibles.

Esas contradicciones también se ven atenuadas por la evidencia irrefutable, en todo momento, de que adora a Felicia. Incluso después de una discusión masiva durante la cual ella lo critica por su "tontería" con una furia huracanada, ella sigue siendo la primera persona con la que él quiere compartir cada triunfo, hasta el final. "Tu verdad es una maldita mentira", sisea ante su arrogante actitud defensiva. "Absorbes la energía de todas las habitaciones". Es un torrente de ira que transmite el precio de reprimir cada humillación, cada vez que ha hecho que su familia se sienta secundaria, especialmente después de comenzar una relación a largo plazo con Tommy Cothran (Gideon Glick). Mulligan nunca ha estado mejor. Ese argumento explosivo es una escena deslumbrante, uno de los puntos culminantes de la película, al que se le da un toque surrealista por las partes superiores de las carrozas del desfile del Día de Acción de Gracias que pasan frente a las ventanas de la sala de su departamento en el piso superior del Dakota. 

El desprecio de Bernstein por los sentimientos de su esposa y su creciente descontento son evidentes cuando llega con Tommy y otro amigo gay en su auto deportivo descapotable para pasar un fin de semana en su casa de Connecticut. Mientras se prepara para hablar con su marido sobre cómo abordar las preguntas de su hija mayor, Jamie (Maya Hawke), derivadas de los chismes que escuchó en la universidad, Felicia observa su llegada desde el otro lado de la piscina. La cámara de Matthew Libatique la observa fríamente desde atrás en un sorprendente plano general, en el que la tensión irregular de una sección del prólogo de West Side Story de Bernstein realza brillantemente la discordia latente.

Inmediatamente sigue otra escena cargada, en la que Lenny se sienta para tranquilizar a Jamie, ignorando los rumores como resultado de celos profesionales. Vemos en el rostro de Cooper que la mentira le cuesta a Lenny, pero la negación es una parte tan ineludible de la vida de un hombre gay ante el público en ese momento que incluso la deshonestidad flagrante con su hija adquiere matices morales más allá del blanco y negro.

La película está enmarcada durante el rodaje de una entrevista televisiva con el anciano Leonard, sentado frente a su piano con la eterna columna de humo de cigarrillo flotando en un cenicero a su lado mientras se ahoga al tocar una pieza que escribió para su difunta esposa. En otros foros se puede debatir si la prótesis de nariz era o no necesaria o apropiada. Pero el parecido con Bernstein, especialmente en sus últimos años, es lo suficientemente convincente como para permitir que Cooper desaparezca en el papel, por lo que esa nominación para el equipo de Maquillaje y Peluquería viene seguro.

El punto de partida de la columna biográfica es la llamada telefónica a primera hora de la mañana de 1943, cuando Bernstein, entonces director asistente de 25 años en la Filarmónica de Nueva York, es informado de que el director invitado se ha enfermado. Se le pide que intervenga con poca antelación y sin ensayo para dirigir la orquesta por primera vez en una actuación que lo convierte en una estrella de la noche a la mañana. Esa llamada es la primera de varias escenas en las que Cooper comprime efectivamente el tiempo y el lugar, haciendo que el eufórico Lenny salte sobre su cama, deteniéndose solo para darle al David de Bomer, que duerme a su lado, un golpe de celebración en el trasero mientras avanza directamente por el pasillo del Carnegie Hall.

El guión no se detiene en detalles y pasa por alto momentos clave de su carrera, como el desarrollo de "On the Town" con el coreógrafo Jerome Robbins (Michael Urie) como sólo un elemento del incesante frenesí de actividad de Bernstein. En cambio, Cooper y Singer dejan claro desde el principio que el foco no es tanto la carrera del artista sino su relación simbiótica con Felicia, dando igual peso a ambos protagonistas incluso si es obvio que ese no fue el caso en la vida real, donde Lenny absorbió el centro de atención.

La escena en la que se conocen es un brillante cóctel organizado por Shirley, la elegante y socialmente conectada hermana de Bernstein (Sarah Silverman). En una sala de estar llena de invitados, entre ellos Betty Comden (Mallory Portnoy) y Adolph Green (Nick Blaemire), mientras interpretan hilarantemente “Carried Away” al piano, Shirley le presenta a su hermano a Felicia, quien recientemente se mudó de Chile. El aplomo, sofisticación e ingenio de él combinan a la perfección con su encanto hiperarticulado de ella; ambos quedan hechizados al instante.

Montealegre era hija de madre costarricense y padre estadounidense, educada en Chile en lo que parecerían haber sido las mejores escuelas británicas (según los tonos elegantemente recortados y el acento sutil del magnífico trabajo de voz de Mulligan). Recién comenzando a irrumpir en la escena teatral neoyorquina de la década de 1940, lleva a Lenny al centro de la ciudad a un teatro donde ella estudia para el papel principal y él lee una escena con ella en el escenario vacío. Al declararla demasiado talentosa para ser suplente de nadie, parece estar ungiéndola para una floreciente carrera en la televisión y el teatro.

Cuando visitan la casa de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston en Tanglewood, donde Bernstein estudió y luego dirigió y enseñó a estudiantes, ella escucha mientras un mentor le aconseja que arregle su actuación, cambie su nombre a Burns y abandone la frívola distracción del teatro musical si quiere una carrera seria. En un gesto atrevido que Cooper realiza con aplomo, Felicia le pregunta a qué renunciaría. Literalmente la muestra al acompañarla a una representación de Fancy Free, el ballet de Robbins que se convertiría en "On the Town".

Queda abierto a interpretación si Bernstein vio o no el matrimonio como tapadera, pero su amor por Felicia es inequívoco. Su contrato, tal como se describe aquí, es poco ortodoxo pero genuino, y su fuerza de carácter y amabilidad proporcionan una base sólida. “Estar en la vida de mi hermano tiene un precio”, le dice Shirley en un momento revelador. "Tú lo sabes". Cuando se separan, Felicia incluso se reprende a sí misma por subestimar ese precio: “Fue mi arrogancia pensar que podría sobrevivir con lo que él podía darme. Le extraño a ese chico mío”.

La película cuenta con un reparto experto, hasta en los papeles más pequeños, y está realizada con enorme cuidado y atención en cada departamento artesanal. Libatique dispara principalmente en la cómoda relación de aspecto de 1,33:1 y en blanco y negro durante las primeras décadas, cambiando al color y a 1,85:1 en los años posteriores. Las numerosas escenas en Tanglewood o en Connecticut dan la impresión de un verano eterno y adquieren tonos más apagados a medida que la salud de Felicia empeora. Mulligan es desgarradora en esas escenas.

Cooper orquesta la constante acumulación de emocionalidad con gran seguridad. Utiliza música de manera experta como una versión coral celestial de “Make Your Garden Grow” de Candide para subrayar la depresión de Lenny, su inquietud artística y su miedo a estar solo. Una de las escenas más poderosas es una recreación de Bernstein dirigiendo la Sinfonía n.° 2 “Resurrección” de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres en la Catedral de Ely en 1973. Cooper captura la precisión, la fisicalidad y el éxtasis de la dirección de Bernstein en una pieza que reflexiona la continuación de la vida después de la muerte. Cuando se apresura a abrazar a Felicia al final entre el sonido de un estruendoso aplauso, es un conmovedor preludio de un acto final de tristeza devastadora, mientras su enfermedad lo devuelve a ella y une a la familia.

La evocación de época en el diseño de producción de Kevin Thompson está llena de detalles específicos, incluida una magnífica recreación del apartamento Dakota. Los trajes de Mark Bridges realzan aún más la vívida sensación de tiempo y lugar, en los elegantes trajes de falda, vestidos de cóctel y cárdigans que usan Felicia, Shirley y las otras mujeres; los atuendos más divertidos de los tres niños Bernstein; y, sobre todo, la apariencia icónica del hombre que es, desde su ropa formal hasta sus suéteres de cuello alto y su camiseta, pañuelo, jeans y zapatillas de deporte a rayas marineras.

Quizás la contribución artesanal más importante sea el diseño de sonido envolvente, que permite escuchar obras famosas de Bernstein como su Misa de escala épica y su ópera "A Quiet Place" o su magnífica obertura a Cándido como si fuese la primera vez.

Además de ser un tributo al carisma y genio musical de Bernstein, este es un estudio con matices psicológicos de un amor que no se ajustaba a las reglas tradicionales del matrimonio, pero que no era menos vinculante. El cambio instantáneo en Lenny cuando la condición de Felicia hace que él se enfoque y se dedique exclusivamente a sus necesidades, solidifica cualquier fractura de su vínculo. Incluso después de su muerte, cuando está empapado de sudor de coca en una pista de baile junto a un estudiante de Tanglewood de una fracción de su edad, su devoción por Felicia todavía resuena.

Temporada de Premios 2024: Nominados a la 29na entrega de los Critics Choice Awards

"Barbie" lidera las nominaciones a películas de la crítica con 18 nominaciones. Mientras "Oppenheimer" y "Poor Things" cada uno obtuvo 13 nominaciones, seguido de "Killers of the Flower Moon" que obtuvo 12 nominaciones. En la categoría de series, The Morning Show lidera con seis nominaciones, incluidas mejor serie dramática y mejor actriz en una serie dramática para Jennifer Aniston y Reese Witherspoon, seguida de Succession con cinco, incluidas nominaciones a mejor serie dramática y mejor actor en serie dramática para Kieran Culkin y Jeremy Strong.

Barbie, Oppenheimer, Poor Things y Killers of the Flower Moon están nominadas a mejor película , junto a American Fiction, Maestro, Past Lives, Saltburn, The Color Purple y The Holdovers.

Barbie también obtuvo nominaciones a mejor comedia, peluquería y maquillaje, mejor dirección (Greta Gerwig), mejor guión original (Gerwig y Noah Baumbach), mejor actriz (Margot Robbie), actor de reparto (Ryan Gosling), mejor actriz de reparto (America Ferrera), mejor actor/actriz joven (Ariana Greenblatt), mejor reparto actoral, mejor fotografía (Rodrigo Prieto), mejor diseño de producción (Sarah Greenwood y Katie Spencer), mejor montaje (Nick Houy), mejor diseño de vestuario (Jacqueline Durran) y mejor música ( Mark Ronson y Andrew Wyatt). Varias de las canciones exitosas de la película también fueron nominadas, incluidas “Dance the Night”, “I’m Just Ken” y “What Was I Made For”.

La Critics Choice Association reveló sus nominaciones televisivas la semana pasada, que "The Fall of the Usher" lideraba con seis nominaciones. Sin embargo, la organización corrigió un error en las nominaciones de TV, señalando que Carla Gugino también estaba nominada a mejor actriz de miniserie o telefilm por su papel en The Morning Show.

Los ganadores de los premios en las categorías de cine y televisión se revelarán durante la 29ª edición anual de los Awards, organizada por Chelsea Handler y que se transmitirá en vivo por The CW. el 14 de enero.

A continuación se incluye una lista completa de las películas y series nominadas por los Critics Choice de este año:

CATEGORIA PELICULAS

Best Picture

American Fiction

Barbie

The Color Purple

The Holdovers

Killers of the Flower Moon

Maestro

Oppenheimer

Past Lives

Poor Things

Saltburn

Best Actor

Bradley Cooper – Maestro

Leonardo DiCaprio – Killers of the Flower Moon

Colman Domingo – Rustin

Paul Giamatti – The Holdovers

Cillian Murphy – Oppenheimer

Jeffrey Wright – American Fiction

Best Actress

Lily Gladstone – Killers of the Flower Moon

Sandra Hüller – Anatomy of a Fall

Greta Lee – Past Lives

Carey Mulligan – Maestro

Margot Robbie – Barbie

Emma Stone – Poor Things

Best Supporting Actor

Sterling K. Brown – American Fiction

Robert De Niro – Killers of the Flower Moon

Robert Downey Jr. – Oppenheimer

Ryan Gosling – Barbie

Charles Melton – May December

Mark Ruffalo – Poor Things

Best Supporting Actress

Emily Blunt – Oppenheimer

Danielle Brooks – The Color Purple

America Ferrera – Barbie

Jodie Foster – Nyad

Julianne Moore – May December

Da’Vine Joy Randolph – The Holdovers

Best Young Actor/Actress

Abby Ryder Fortson – Are You There God? It’s Me, Margaret.

Ariana Greenblatt – Barbie

Calah Lane – Wonka

Milo Machado Graner – Anatomy of a Fall

Dominic Sessa – The Holdovers

Madeleine Yuna Voyles – The Creator

Best Acting Ensemble

Air

Barbie

The Color Purple

The Holdovers

Killers of the Flower Moon

Oppenheimer

Best Director

Bradley Cooper – Maestro

Greta Gerwig – Barbie

Yorgos Lanthimos – Poor Things

Christopher Nolan – Oppenheimer

Alexander Payne – The Holdovers

Martin Scorsese – Killers of the Flower Moon

Best Original Screenplay

Samy Burch – May December

Alex Convery – Air

Bradley Cooper & Josh Singer – Maestro

Greta Gerwig & Noah Baumbach – Barbie

David Hemingson – The Holdovers

Celine Song – Past Lives

Best Adapted Screenplay

Kelly Fremon Craig – Are You There God? It’s Me, Margaret.

Andrew Haigh – All of Us Strangers

Cord Jefferson – American Fiction

Tony McNamara – Poor Things

Christopher Nolan – Oppenheimer

Eric Roth & Martin Scorsese – Killers of the Flower Moon

Best Cinematography

Matthew Libatique – Maestro

Rodrigo Prieto – Barbie

Rodrigo Prieto – Killers of the Flower Moon

Robbie Ryan – Poor Things

Linus Sandgren – Saltburn

Hoyte van Hoytema – Oppenheimer

Best Production Design

Suzie Davies, Charlotte Dirickx – Saltburn

Ruth De Jong, Claire Kaufman – Oppenheimer

Jack Fisk, Adam Willis – Killers of the Flower Moon

Sarah Greenwood, Katie Spencer – Barbie

James Price, Shona Heath, Szusza Mihalek – Poor Things

Adam Stockhausen, Kris Moran – Asteroid City

Best Editing

William Goldenberg – Air

Nick Houy – Barbie

Jennifer Lame – Oppenheimer

Yorgos Mavropsaridis – Poor Things

Thelma Schoonmaker – Killers of the Flower Moon

Michelle Tesoro – Maestro

Best Costume Design

Jacqueline Durran – Barbie

Lindy Hemming – Wonka

Francine Jamison-Tanchuck – The Color Purple

Holly Waddington – Poor Things

Jacqueline West – Killers of the Flower Moon

Janty Yates, David Crossman – Napoleon

Best Hair and Makeup

Barbie

The Color Purple

Maestro

Oppenheimer

Poor Things

Priscilla

Best Visual Effects

The Creator

Guardians of the Galaxy Vol. 3

Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One

Oppenheimer

Poor Things

Spider-Man: Across the Spider-Verse

Best Comedy

American Fiction

Barbie

Bottoms

The Holdovers

No Hard Feelings

Poor Things

Best Animated Feature

The Boy and the Heron

Elemental

Nimona

Spider-Man: Across the Spider-Verse

Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem

Wish

Best Foreign Language Feature

Anatomy of a Fall

Godzilla Minus One

Perfect Days

Society of the Snow

The Taste of Things

The Zone of Interest

Best Song

“Dance the Night” – Barbie

“I’m Just Ken” – Barbie

“Peaches” – The Super Mario Bros. Movie

“Road to Freedom” – Rustin

“This Wish” – Wish

“What Was I Made For” – Barbie

Best Score

Jerskin Fendrix – Poor Things

Michael Giacchino – Society of the Snow

Ludwig Göransson – Oppenheimer

Daniel Pemberton – Spider-Man: Across the Spider-Verse

Robbie Robertson – Killers of the Flower Moon

Mark Ronson, Andrew Wyatt – Barbie

CATEGORIA SERIES

Best Drama Series

The Crown (Netflix)

The Diplomat (Netflix)

The Last of Us (HBO | Max)

Loki (Disney+)

The Morning Show (Apple TV+)

Star Trek: Strange New Worlds (Paramount+)

Succession (HBO | Max)

Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty (HBO | Max)

Best Actor in a Drama Series

Kieran Culkin – Succession (HBO | Max)

Tom Hiddleston – Loki (Disney+)

Timothy Olyphant – Justified: City Primeval (FX)

Pedro Pascal – The Last of Us (HBO | Max)

Ramón Rodríguez – Will Trent (ABC)

Jeremy Strong – Succession (HBO | Max)

Best Actress in a Drama Series

Jennifer Aniston – The Morning Show (Apple TV+)

Aunjanue Ellis – Justified: City Primeval (FX)

Bella Ramsey – The Last of Us (HBO | Max)

Keri Russell – The Diplomat (Netflix)

Sarah Snook – Succession (HBO | Max)

Reese Witherspoon – The Morning Show (Apple TV+)

Best Supporting Actor in a Drama Series

Khalid Abdalla – The Crown (Netflix)

Billy Crudup – The Morning Show (Apple TV+)

Ron Cephas Jones – Truth Be Told (Apple TV+)

Matthew MacFadyen – Succession (HBO | Max)

Ke Huy Quan – Loki (Disney+)

Rufus Sewell – The Diplomat (Netflix)

Best Supporting Actress in a Drama Series

Nicole Beharie – The Morning Show (Apple TV+)

Elizabeth Debicki – The Crown (Netflix)

Sophia Di Martino – Loki (Disney+)

Celia Rose Gooding – Star Trek: Strange New Worlds (Paramount+)

Karen Pittman – The Morning Show (Apple TV+)

Christina Ricci – Yellowjackets (Showtime)

Best Comedy Series

Abbott Elementary (ABC)

Barry (HBO | Max)

The Bear (FX)

The Marvelous Mrs. Maisel (Prime Video)

Poker Face (Peacock)

Reservation Dogs (FX)

Shrinking (Apple TV+)

What We Do in the Shadows (FX)

Best Actor in a Comedy Series

Bill Hader – Barry (HBO | Max)

Steve Martin – Only Murders in the Building (Hulu)

Kayvan Novak – What We Do in the Shadows (FX)

Drew Tarver – The Other Two (HBO | Max)

Jeremy Allen White – The Bear (FX)

D’Pharaoh Woon-A-Tai – Reservation Dogs (FX)

Best Actress in a Comedy Series

Rachel Brosnahan – The Marvelous Mrs. Maisel (Prime Video)

Quinta Brunson – Abbott Elementary (ABC)

Ayo Edebiri – The Bear (FX)

Bridget Everett – Somebody Somewhere (HBO | Max)

Devery Jacobs – Reservation Dogs (FX)

Natasha Lyonne – Poker Face (Peacock)

Best Supporting Actor in a Comedy Series

Phil Dunster – Ted Lasso (Apple TV+)

Harrison Ford – Shrinking (Apple TV+)

Harvey Guillén – What We Do in the Shadows (FX)

James Marsden – Jury Duty (Amazon Freevee)

Ebon Moss-Bachrach – The Bear (FX)

Henry Winkler – Barry (HBO | Max)

Best Supporting Actress in a Comedy Series

Paulina Alexis – Reservation Dogs (FX)

Alex Borstein – The Marvelous Mrs. Maisel (Prime Video)

Janelle James – Abbott Elementary (ABC)

Sheryl Lee Ralph – Abbott Elementary (ABC)

Meryl Streep – Only Murders in the Building (Hulu)

Jessica Williams – Shrinking (Apple TV+)

Best Limited Series

Beef (Netflix)

Daisy Jones & the Six (Prime Video)

Fargo (FX)

Fellow Travelers (Showtime)

Lessons in Chemistry (Apple TV+)

Love & Death (HBO | Max)

A Murder at the End of the World (FX)

A Small Light (National Geographic)

Best Movie made for Television

The Caine Mutiny Court-Martial (Showtime)

Finestkind (Paramount+)

Mr. Monk’s Last Case: A Monk Movie (Peacock)

No One Will Save You (Hulu)

Quiz Lady (Hulu)

Reality (HBO | Max)

Best Actor in a Limited Series or Movie made for Television

Matt Bomer – Fellow Travelers (Showtime)

Tom Holland – The Crowded Room (Apple TV+)

David Oyelowo – Lawmen: Bass Reeves (Paramount+)

Tony Shalhoub – Mr. Monk’s Last Case: A Monk Movie (Peacock)

Kiefer Sutherland – The Caine Mutiny Court-Martial (Showtime)

Steven Yeun – Beef (Netflix)

Best Actress in a Limited Series or Movie made for Television

Carla Gugino – The Fall of the House of Usher (Netflix)

Kaitlyn Dever – No One Will Save You (Hulu)

Brie Larson – Lessons in Chemistry (Apple TV+)

Bel Powley – A Small Light (National Geographic)

Sydney Sweeney – Reality (HBO | Max)

Juno Temple – Fargo (FX)

Ali Wong – Beef (Netflix)

Best Supporting Actor in a Limited Series or Movie made for Television

Jonathan Bailey – Fellow Travelers (Showtime)

Taylor Kitsch – Painkiller (Netflix)

Jesse Plemons – Love & Death (HBO | Max)

Lewis Pullman – Lessons in Chemistry (Apple TV+)

Liev Schreiber – A Small Light (National Geographic)

Justin Theroux – White House Plumbers (HBO | Max)

Best Supporting Actress in a Limited Series or Movie made for Television

Maria Bello – Beef (Netflix)

Billie Boullet – A Small Light (National Geographic)

Willa Fitzgerald – The Fall of the House of Usher (Netflix)

Aja Naomi King – Lessons in Chemistry (Apple TV+)

Mary McDonnell – The Fall of the House of Usher (Netflix)

Camila Morrone – Daisy Jones & the Six (Prime Video)

Best Foreign Language Series

Bargain (Paramount+)

The Glory (Netflix)

The Good Mothers (Hulu)

The Interpreter of Silence (Hulu)

Lupin (Netflix)

Mask Girl (Netflix)

Moving (Hulu)

Best Animated Series

Bluey (Disney+)

Bob’s Burgers (Fox)

Harley Quinn (HBO | Max)

Scott Pilgrim Takes Off (Netflix)

Star Trek: Lower Decks (Paramount+)

Young Love (HBO | Max)

Best Talk Show

The Graham Norton Show (BBC America)

Jimmy Kimmel Live! (ABC)

The Kelly Clarkson Show (NBC)

Last Week Tonight with John Oliver (HBO | Max)

Late Night with Seth Meyers (NBC)

The Late Show with Stephen Colbert (CBS)

Best Comedy Special

Mike Birbiglia: The Old Man and the Pool (Netflix)

Alex Borstein: Corsets & Clown Suits (Prime Video)

John Early: Now More Than Ever (HBO | Max)

John Mulaney: Baby J (Netflix)

Trevor Noah: Where Was I (Netflix)

Wanda Sykes – I’m an Entertainer (Netflix)

Crítica Cinéfila: Leave the World Behind

Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona. 

Escuchaba por la radio a un comentarista que decía que este es el tipo de películas que amas u odias. Desconozco la cantidad de personas que realmente disfrutaron esta película... pero yo me incluyo en esa misteriosa lista. Quizás es una fórmula cinematográfica que no le funcionará a los que no entienden las historias de doble sentido, donde se explora los distintos puntos de vista de los personajes con la moraleja final del "te lo dije", pero es un estilo que con el tiempo se ha ido acentuando bastante bien, logrando grandes películas, y que poco a poco será mejor interpretado por la audiencia, si esta aprende a tener paciencia mientras observa una historia como esta.

Es una mañana luminosa y soleada. Julia Roberts, como Amanda, una ejecutiva de publicidad de Nueva York, mira por la ventana de su dormitorio en un apartamento de Park Slope y le cuenta a su marido Clay (Ethan Hawke), un tranquilo profesor universitario que todavía está en la cama, sobre cómo contemplar el amanecer y ver tantas personas que comienzan su día, decididas a hacer algo de sí mismas, hacer algo de nuestro mundo. "Me sentí muy afortunada de ser parte de eso. Entonces recordé cómo es realmente el mundo y llegué a una conclusión más precisa: Odio a la gente”.

Esta es la salva inicial del thriller psicológico mordazmente efectivo e impresionantemente desconcertante del escritor, productor y director Sam Esmail, "Leave the World Behind", que incluye comentarios agudos y precisos sobre teorías de conspiración (que podrían no ser teorías) sutiles y no tan sutiles, divisiones raciales, la dependencia casi total de la tecnología que existe actualmente y el hecho de que ahora se tiene una generación entera de jóvenes que realmente no entienden qué es una “reposición”.

Adaptando la novela homónima de 2020 de Rumaan Alam, el talentoso Esmail, que anteriormente trabajó con Roberts en las series de televisión “Homecoming” y “Gaslit”, ha creado un drama tenso, en ocasiones oscuramente divertido pero en última instancia aleccionador, de construcción lenta y con ecos de todo, desde cierto episodio clásico de “The Twilight Zone” hasta la película de 1983 “Testament” y las películas de 2022 “Gone in the Night” y “Alone Together”. Es el tipo de película en la que sigues pensando en lo que uno haría en las situaciones que se les presentan a los personajes principales, mientras la vida tal como la conocen parece desmoronarse de manera permanente.

Después de ese revelador monólogo, Amanda y Clay y sus hijos Archie (Charlie Evans) y Rosie (Farrah Mackenzie) se van a unas vacaciones espontáneas a la idílica aldea de Point Comfort en Long Island, donde se instalan en una hermosa y moderna casa en expansión para pasar una escapada muy necesaria. Al principio, todo parece soleado y luminoso, pero con la música siniestra y contundente de Mac Quayle marcando el tono, las cosas rápidamente se vuelven inusuales.

Mientras la familia descansa en la playa, un enorme barco petrolero se acerca, como el tiburón de “Jaws”, y no se detiene hasta que se adentra en la playa. Mientras va a comprar comida, Amanda ve a un hombre de aspecto hostil (Kevin Bacon) que está llenando la caja de su camioneta con artículos básicos de supervivencia. El servicio de Wi-Fi y teléfono se suspende de repente, para consternación de la joven Rosie, que está obsesionada con “Friends” y estaba a punto de ver el final de la serie, muriéndose por saber si Ross y Rachel terminarán juntos (al parecer también Rosie no parece darse cuenta de que su madre tiene un sorprendente parecido con la estrella de cine Julia Roberts, quien apareció como invitada en el famoso episodio de "Friends" titulado "The One After the Superbowl"). Al buscar noticias en la televisión, lo único que encuentran es una pantalla de “Alerta de emergencia no reconocida” en cada canal. Pero esto no es una prueba.

Hasta ahora, muy lento. Ese es el modelo que Shyamalan estableció para este género (llamémoslos thrillers lentos de “muerte por pavor”) en el que provocar gradualmente a personalidades aterradoras durante dos tercios de la película alienta nuestra imaginación a hacer la mayor parte, pero no todo, del trabajo. Ya entrada la primera noche de vacaciones, llaman a la puerta y allí están un tal GH “George” Scott (Mahershala Ali) y su hija de veintitantos años, Ruth (Myha'la). George explica que esta es su casa y que él y Ruth vinieron aquí porque hubo un corte de energía en la ciudad y no pudieron llegar a su apartamento de gran altura. "¿Esta es tu casa?" dice Amanda de una manera que deja claro que le resulta un poco difícil creer que este hombre (negro) pueda permitirse una casa como esa. No es la última vez que Amanda mostrará algunas tendencias serias de "Karen", y Ruth la criticará por esto.

Se ha decidido que George y Ruth se quedarán en la habitación de invitados en el sótano de su casa, mientras que Amanda, Clay y los niños permanecerán en la casa principal (La esposa de George y madre de Ruth, recolectora de arte, está viajando del extranjero). ¿Qué más pueden hacer? Como dice el siempre optimista Clay, todo quedará más claro a la luz del día y solucionarán todo este asunto. Seguramente se restablecerán los servicios de Wi-Fi, TV y teléfono, se enterarán de lo que está pasando en el mundo y todo estará bien.

Excepto que eso no es lo que sucede. Queda claro que algo catastrófico podría estar ocurriendo en todo el mundo, o por lo menos en Estados Unidos. Se alteran los patrones de migración animal. Varios aviones cae del cielo. De vez en cuando, se oye un ruido ensordecedor que surge de la nada. El viaje de Clay hacia la ciudad y el intento de George de conectarse con los vecinos fracasan. Podríamos tener un giro tipo M. Night Shyamalan, o tal vez no. Te lo dejo para que lo descubras.

Con información limitada sobre lo que está sucediendo, ¿es un ciberataque? ¿Podría Estados Unidos estar en guerra? — Los Sandford y los Scott forman una alianza incómoda muy alejada de la civilización. Pero, ¿puede este microcosmos de seis personas llegar a algún tipo de arreglo viable, o es la incertidumbre suficiente para destruir la delgada fachada de civilidad que existía entre la humanidad antes del apagón? La película eventualmente ofrece algo parecido a una explicación de lo que está sucediendo, justo cuando inevitablemente regresa al personaje de Kevin Bacon. Pero su triple teoría sobre cómo paralizar una nación ya dividida parece tan simplista como su mensaje bien intencionado sobre las actitudes de los estadounidenses ante situaciones de su propio país y hacia lo que sucede fuera de su "mundo" (atado a la culpa que Clay siente por abandonar a una mujer de habla hispana que evidentemente necesita ayuda), y va concluyendo hacia un buen ejemplo de qué ocurre cuando su propio mundo comienza a derrumbarse.

En cierto modo, todo el escenario se beneficia de la ambigüedad, lo que permite ciertos detalles casi sobrenaturales, como una manada de ciervos que se reúne en el bosque detrás de la casa, mirando amenazadoramente a los humanos. Más tarde, en uno de los momentos más originales de la película, los Sandford intentan regresar a la ciudad, solo para encontrar la autopista obstruida por una enorme acumulación de autos en piloto automático estrellándose sin control.

Como “Testament”, la película de 1983 que imaginaba las consecuencias, tanto nucleares como psicológicas, después del lanzamiento de una bomba atómica en suelo estadounidense, “Deja el mundo atrás” describe un escenario apocalíptico plausible desde la perspectiva de un puñado de personajes comunes y corrientes. Ni expertos militares, ni científicos, sino dos familias obligadas a refugiarse bajo el mismo techo mientras algo aterrador sucede a unas horas de distancia, fuera de la pantalla, en Nueva York.

El guionista y director Esmail tiene un agudo sentido del ritmo y hace un gran uso del sonido para realzar la sensación de fatalidad inminente. Es una maravilla ver el elenco, particularmente a Roberts y Myha'la como dos mujeres que instantáneamente se odian pero que tal vez tengan que depender una de la otra para sobrevivir. Si, según la rúbrica de Howard Hawks, una buena película consta de tres escenas buenas y ninguna escena mala, entonces esta es la que se mantiene. La mejor escena puede ser la última, lo que sorprende en una película de Netflix, considerando que el servicio de streaming es una de las primeras víctimas cuando se cae la conectividad a Internet. No es un final estilo Shyamalan, pero pone una sonrisa de satisfacción en una situación que de otro modo sería angustiosa.

“Leave the world behind” es un esfuerzo audaz y complicado que rinde frutos de manera casi perfecta. Es posible que nunca vuelvas a pensar en “Friends” de la misma manera. Igualmente, quizás pueda ser más observador ante las ignorancias del ser humano mientras la tecnologías y otras banalidades de la vida se apropian de nuestra mente.

Crítica Cinéfila: Wonka

Basada en el personaje que protagoniza 'Charlie y la fábrica de chocolate', el libro infantil más emblemático de Roald Dahl y uno de los más vendidos de todos los tiempos, 'Wonka' cuenta la historia de cómo el mayor inventor, mago y chocolatero del mundo se convirtió en el querido Willy Wonka que conocemos hoy en día, centrándose en su juventud y en cómo conoció a un Oompa-Loompa en una de sus primeras aventuras.

A todo fan de “Willy Wonka y la fábrica de chocolate” del 1971 le encanta la escena en la que Gene Wilder, como el místico fabricante de dulces, lleva a sus invitados a un viaje psicodélico por un túnel, recorriendo las entrañas de la fábrica de chocolate mientras canta un pequeño verso “No hay forma terrenal de saber en qué dirección vamos…”, volviéndose más enojado y más histérico a cada segundo durante la películ. El Wonka de Wilder era un amor, pero tenía un lado maníaco oculto. Y en “Charlie y la fábrica de chocolate”, la majestuosamente loca versión de Tim Burton de 2005, Johnny Depp, entonces en la cúspide de su estrellato cinematográfico, se volvió completamente Depp, interpretando a Wonka como un cruce vampírico entre Anna Wintour y Michael Jackson.

Pero en “Wonka”, la precuela musical divertida, conmovedora, impecablemente escenificada y asombrosamente estelizada del legendario cuento de Roald Dahl, Timothée Chalamet interpreta al personaje principal como el alma radiante de bondad efervescente. Su pasión por el chocolate está ahí (está prácticamente definido por eso), pero los problemas han desaparecido; también lo es cualquier rastro de un lado oscuro. Willy, un joven de unos 25 años, llega a Londres después de siete años de navegar alrededor del mundo, durante los cuales recorrió tierras oscuras en busca de las raras delicias que le darán a sus dulces su trascendente sabor. Tiene sus recetas de dulces (como el hoverchoc, un huevo de chocolate con un insecto en su interior que te hace levitar) y tiene su estilo (abrigo largo morado, chaleco, pañuelo, sombrero de copa arrugado). Pero, sobre todo, tiene su sueño: levantar el mundo llevando la maravilla de sus dulces a todos los que lo habitan.

Para Willy, el chocolate no es un simple dulce. Es una religión, algo que te elevará y cambiará tu día, tu estado de ánimo, tu vida. Y esa creencia se encarna en la actuación delirantemente contagiosa de Chalamet. Es un truco interpretar a alguien tan entusiasta, inocente y ansioso y hacerlo magnéticamente encantador y creíble, y Chalamet tiene el carisma de estrella para lograrlo. Como Willy, es el alma de la dulzura juvenil, aunque con un toque de tristeza (extraña a su difunta madre, interpretada en un flashback por Sally Hawkins), quien le inculcó su amor por la fabricación de chocolate y que se expresa en el delgado y la pensativa mirada de cejas oscuras que nos sigue indicando lo que está pensando. Es como PT Barnum interpretado por el hijo de Daniel Day-Lewis. Chalamet canta con un tono de barítono puro y sincero, comprometiéndose con líneas como "¡Pon tu mano dentro de tu bolsillo, consigue un poco de chocolate Wonka!" Y no es sólo el personaje el que está sano hasta un centímetro de su vida. Como película, “Wonka” puede ser el musical de Hollywood de mayor escala en décadas.

¿Qué tan cuadrado es? En una era que nos ha brindado musicales visionarios de siguiente nivel como “La La Land”, “Moulin Rouge!” y la sorprendentemente subestimada “The Greatest Showman”, así como adaptaciones de Broadway tan modernas y vibrantes como “Chicago”, “Hairspray”, “In the Heights”, “Mamma Mia!”, “Les Misérables” y “Rent”, “Wonka”, dirigida y coescrita por Paul King (quien hizo las películas de “Paddington”), interpretan como una versión visualmente más ágil de alguna reliquia de canto y baile de la era tardía del sistema de estudio de “Oliver!” (1968) y “Scrooge” (1970). Es tan cuadrado que hace que “Mary Poppins Returns” parezca vanguardista.

Willy ha venido a Londres para montar su primera tienda de chocolates, algo que planea hacer en las Galleries Gourmet, un vasto y ornamentado centro comercial que alberga las tiendas de los tres chocolateros reinantes (y corruptos) de la ciudad: Slugworth (Paterson Joseph), el untuoso cabecilla con sonrisa de serpiente; el snob Fickelgruber (Matthew Baynton), a quien literalmente le dan arcadas cada vez que escucha las palabras "los pobres"; y el pomposo Prodnose (Matt Lucas), quien no sabe filtrar información. Willy tiene 12 soberanos de plata a su nombre, que utiliza en un solo día. Sabe que tan pronto como la gente pruebe su chocolate, tendrá el dinero para abrir la tienda de sus sueños. Pero cuando nuestro trío de villanos lo prueba, saben que tendrán que acabar con él utilizando al Jefe de Policía (Keegan-Michael Key), un tonto adicto al chocolate que cumple sus órdenes para obtener una gran recompensa clandestina de dulces.

Como si este sindicato del chocolate no fuera impedimento suficiente, el destino de Willy es aterrizar en una pension dirigida por la Sra. Scrubbit (Olivia Colman), un ogro dickensiano que atrapa a sus clientes con un contrato de por vida, encarcelándolos en el sótano como esclavos trabajadores. Colman y Tom Davis, como el corpulento secuaz de la señora Scrubbit (que se convierte en su ridículo novio vestido con un kimono de seda), se burlan y gruñen como si salieran de una producción itinerante suburbana de "Sweeney Todd". Quizás tengas que volver al Child Catcher en “Chitty Chitty Bang Bang” (1968) para encontrar villanos musicales en este nivel de cobardía.

Da la casualidad de que Willy puede entrar y salir del cautiverio escondiéndose en un carrito de lavandería. Organiza a las otras víctimas de Scrubbit, como la triste huérfana Noodle (Calah Lane) y el contable Abacus (Jim Carter), en un equipo para ayudarlo a derrotar las fuerzas de la maldad al estilo de la vieja escuela. También se enfrenta a un ladrón que se convierte en su comodín: un Oompa-Loompa de piel naranja y pelo de paje verde, interpretado por Hugh Grant con un irresistible toque aristocrático y hosco. Todo esto es absolutamente disfrutable, al igual que el lujoso estilo victoriano del backlot de la película, y “Wonka”, con un poco de suerte, se convertirá en el éxito navideño que los dueños de salas de cine ahora están desesperados.

Sin embargo, apuesto a que podría haber sido un éxito aún mayor si hubiera sido un poco menos pulido para los niños y se hubiese aprovechado más la esencia de Roald Dahl (que estuvo presente en la animada adaptación del año pasado de “Matilda” de Dahl). Las canciones de la película, escritas por Neil Hannon, te llevan, aunque con más energía bulliciosa que éxtasis, al menos hasta que llegas a la canción icónica retomada de “Willy Wonka and the Chocolate Factory”, “Pure Imagination”, que hace un hermoso trabajo de hacernos cosquillas en nuestro gusto por lo dulce de la nostalgia.