Crónicas de California: Tipos de Directores

Cada director/a tiene su propio estilo; ya sea por el tipo de historias que cuentan o por cómo las cuentan, sus películas habla por ellos. Pero también, la experiencia en un rodaje con ellos. 

Después de más de 4 años trabajando en rodajes de cortometrajes y documentales, puedo decir que he visto de todo un poco, sobretodo cuando los directores también quieren asumir otros roles (a pesar de que hay otras personas encargadas de esos roles). Y más aún aquí en LA, donde no solo te enseñan tu carrera, sino también un poco más. Pero hay algunos que ese "poco más" se lo toman muy en serio. Puede ser divertido trabajar con ellos, pero a veces se pasan...

Estos son los cinco tipo de directores que he conocido:

Advertencia: los nombres fueron creados por mi; si se siente ofendido o identificado por alguno de ellos, logré mi cometido.

Estrella

Estos directores siempre mantienen una relación muy estrecha con los actores. Las principales razones pueden ser porque quizás también son actores, porque tienen el sueño frustrado de querer actuar, o porque se toman muy en serio la definición de "dirección". Sus películas siempre se destacan por una actuación increíble y excelente selección de talentos, pero también porque normalmente hacen un cameo con el director.

Amante del lente

Son directores que, antes de pensar en lo que el actor debería hacer, ya están pensando en la fotografía, los planos, la iluminación y los colores que quieren lograr. Viven en una eterna discusión con el director de fotografía, pero al final siempre consiguen lo que quieren. Como se imaginarán, sus películas se destacan por una fotografía envidiable, sin importar si la historia tiene sentido o no.

Libretista

Son aquellos que se guían exclusivamente de lo que dice el guion. Tanto en las acciones y líneas de los actores, como en las descripciones de cada escena. Normalmente escriben sus propios guiones y han hecho tantos borradores (de 10 a 20 borradores) que no quieren romper con lo que dice el papel. Sus películas se caracterizan por una historia completa, lógica y normalmente llena de twists, con la intención de sorprender siempre al espectador. 

Compositor

No tienen la historia escrita y ya saben la música o las canciones que van en la película. Además, siempre saben contar una buena historia sin tener que ponerle muchos diálogos, y saben provocar un sentimiento en específico con la música que seleccionan. Son directores que vienen de trabajar en orquestas o en videos musicales, y sus historias se destacan por tener las mejores bandas sonoras.

Montajista

Son directores que tienen la visión de cómo van a editar la película, desde antes del rodaje. Normalmente están presentes durante toda la postproducción y siempre tienen ideas de efectos especiales o una introducción de títulos bien animada. Así mismo, han trabajado anteriormente en películas animadas, fantasía o ciencia ficción. Sus películas se destacan por tener la edición más creativa, sin importar cuan original o compleja pueda ser la historia.

Y tú, ¿con cuál te identificas?

Mamma Mia: Here we go again

"Mamma Mia: Una y otra vez" nos lleva de viaje al verano donde comenzó todo. Desde su vida en el presente, los protagonistas de "Mamma mia!" nos cuentan los hechos acontecidos el mágico verano en el que comenzó esta historia de los tres posibles padres de Sophie. (FILMAFFINITY)

Otra vez, no pude resistirme...

Mamma Mia vuelve a la pantalla grande, y ya no importa saber quién es el padre de Sophie, sino cómo comenzó el romance entre cada uno de los posibles padres. La historia se narra desde dos puntos de vista: Donna joven, después de graduarse de la universidad, cuando decide irse en una aventura alrededor de Europa; Sophie, planeando la reinauguración del hotel de Donna, un año después de que su mamá falleció. Mientras se va conociendo el pasado de Donna, también se explica las razones que la llevaron a quedarse en Grecia, la relación que tenía con su madre y cómo decidió tener a Sophie sola. A pesar de que ambas historias se concentran en Donna, Sophie lleva sus propios conflictos con su esposo, quien trabaja en New York y está pensando quedarse, y con sus posibles padres Harry y Bill, quienes no podrán asistir a la reinauguración del hotel.

Un aspecto que los fanáticos de Mamma Mia notarán es la línea de tiempo que establecen en la trama de Donna, la cual no sigue en exactitud con lo que conocimos en la primera película; mientras el diario de Donna dice que Sam fue el primero, en esta versión Harry es el primero. Mientras Bill era supuestamente con quien ella vivió más experiencias en la isla, Sam es con quien ella compartió más en esta película. No obstante, sí responde al misterio de por qué Donna decidió quedarse aquí, cómo se apoderó de lo que ahora es el hotel de Donna, y el pasado con sus amigas. Lo único que queda en misterio en esta ocasión es la muerte de Donna, de la que nadie quiere hablar, aparentemente para no romperle el corazón a la audiencia.

Por otro lado, y aunque Donna es la cuestión principal de la historia, es interesante cómo cada personaje desarrolla su propia subtrama, tanto los del pasado como los del presente, sobretodo en el caso de los padres de Sophie y las mejores amigas de Donna. Cada quien tiene su momento de brillar, incluso cuando toca cantar. Y hablando de canto, un aspecto a resaltar es que esta película recupera clásicos de ABBA de su antecesora y agrega versiones que al igual enamorarán a la audiencia, por sus bailes, sus sorpresas y su tono cómico. Otro aspecto a resaltar es que dejan los mejores personajes para el final, sobretodo a Donna y la mamá de Donna (Cher). Ambos momentos son completamente sentimentales y cruciales, pues por igual revelan detalles de estos personajes y las razones que las llevaron a tomar decisiones específicas que afectan a Sophie directamente.

Como en su antecesora, la fotografía es muy específica de video musical, y se complementa con una colorida producción de diseño que destacan las bellezas de sus locaciones y cómo está fue cambiando con el tiempo y las acciones de sus personajes. Las escenas en la costa y los callejones de Grecia son las que mejor destacan la cultura de esta sociedad y cómo aún con un reparto británico se puede distinguir los locales.

Con una estructura simple y entendible, Mamma Mia: Here we go again tiene la gracia suficiente para mezclar los dos tiempos que narra y no confundir a nadie. Es divertida, nostálgica e irresistible, con mejor guion, mejores actuaciones y más ambición en un final completamente inolvidable.

Unfriended: Dark Web

Un veinteañero encuentra archivos escondidos en la memoria caché de su nuevo ordenador, lo que le lleva al fondo de la Dark Web. De los creadores de 'Unfriended', este thriller ocurre a tiempo real a través de la pantalla del ordenador. Un aviso para la era digital. (FILMAFFINITY)

Mientras su antecesora se enfocó en un fantasma que se quería deshacer de quienes la llevaron a suicidarse, esta se acerca más a la realidad que hoy se vive: los misterios que se ocultan en la web y cómo cualquier persona con una computadora puede ser víctima de esta.

La historia se visualiza desde la perspectiva del ordenador de Matias, un joven que obviamente acaba de obtener el aparato y se está adaptando a este. Mientras dialoga con unos amigos a través de Skype y con su novia a través de facebook, se da cuenta de los fallos del aparato: este se enciende y se apaga como si la memoria estuviese fallando. 

Una vez encuentra que la memoria está llena, se percata que los archivos que oculta el aparato son videos sobre mujeres que han sido secuestradas y asesinadas bajo en cargo. Cuando trata de devolver el computador, cada uno de sus amigos se convertirán en víctimas de quienes le dan vida al Dark web. Nadie está a salvo, no importa en qué parte del mundo se encuentren.

A pesar de que ya no es tan original como su antecesora, en cuanto a "ver todo desde la pantalla de una computadora", esta se acerca aún más a algo que se vive todos los días y que se podría considerar aún más real. No se trata de combatir a una persona, sino a todos los que están involucrados en el dark web. Tiene una visión tan sombría y espeluznante que hace que uno se cuestione si está inspirado en casos o si todo fue creado.

No obstante, tarda mucho para llegar a la tensión. Se toma hasta el punto medio de la historia para finalmente convertir en víctima a todos los que ya saben de los secretos del ordenador, mientras que se pasa la primera parte de la película explicando la dark web, las relaciones de los protagonistas, mensajes entre el protagonista y el antagonista y otras cosas que en sí, muchas personas los hubiesen entendido sin la necesidad de perder tanto tiempo en eso, sobretodo ¡porque esto es una película de terror! Aunque la tensión se mantiene, le falta acción.

Por otro lado, los personajes secundarios le roban protagonismo al personaje principal, quien no sabe resolver los problemas por sí solo y empeora la situación arrastrando a sus amigos, que no tienen nada que ver con esto. Al final, el protagonista es tan culpable como los malos de la película y se merece su muerte, mientras que sus amigos se convierten en víctimas que no se merecían nada de lo que les pasó. Es interesante cómo cada uno de los personajes tiene su propio conflicto personal y cómo esta situación es lo que el antagonista usará en su contra. No obstante, hay decisiones que no tienen lógica, cómo por ejemplo, cómo es que se obtienen algunos videos, por qué el computador del protagonista está mostrando cosas que ni siquiera pertenecen a él, por qué la escena final cambia a ser desde la perspectiva de una habitación que no es la del protagonista, entre otras situaciones.

Es interesante cómo la musicalización sirve para mostrar cuando el protagonista le está prestando atención a sus amigos, y cuándo está tratando de entender el dark web y sus secretos. Hay momentos que la conversación con los amigos se pone en silencio sin siquiera él hacer clic en "mute"; haciendo énfasis en cómo la sociedad presta atención a lo que quiere cuando se está frente a una computadora.

Quizás no sea completamente original frente a otras películas similares, pero Unfriended: Dark Web es suficientemente inquietante para mostrarle a la audiencia las realidades de la web y por qué deberíamos cuidarnos de esta.

Crónicas de California: Colaborando con un Productor Creativo

En la industria a nivel general, antes de escribir el guion, se debe hacer un tratamiento. Allí se debe describir todo lo que ayudará a que el guion tenga toda la lógica y desarrollo posible para que funcione. 

No se como trabajarán en RD, si los guionistas trabajan con tratamientos y beat sheets antes de entrar en estructura, o si solo van directo a escribir el guion; pero en Estados Unidos, antes de que a ti te autoricen un guion, tienen que leer tu tratamiento. Y este pasará por muchos borradores... no les mentiré, he leído tratamientos que están en su borrador #9, no han llegado a formato de guion, y todavía están en reescritura. De modo que no es un proceso rápido ni debería ser acelerado por temas de producción. Recuerden que, si un guión es malo, la película es insalvable. 

Pero se preguntarán, ¿quién se encarga de todas esas revisiones? Algunos guionistas hacen sus  propias revisiones por temas de autoría y estilo, pero lo adecuado es que sean ojos externos al proyecto que juzguen que funciona o no. Por suerte, existe una persona encargada exclusivamente de las revisiones de borradores: el Productor Creativo. 

Este productor trabaja con las sinopsis, tratamientos y beat sheets de una historia, antes y durante es desarrollado en la estructura de guion. Se encarga de que cada punto de la historia tenga lógica, sea útil en la historia y tenga continuación a lo largo de la trama. En pocas palabras, es una de las personas más importantes durante el proceso de preproducción, y sobretodo es quien lleva la culpa si algo en la historia falla, una vez llega a su rodaje. 

Actualmente estoy colaborando con un Development Production Company (honestamente, no sé cómo se traduce, pero es la compañía de producción del Productor Creativo, donde se trabaja únicamente con desarrollo y escritura de historias y guiones); su productor creativo es John Fogel, quien ha trabajado han sido para DreamWorks, FOX, MGM, United Artists, Revolution Studios y Sony. Mi oficio es leer y dar notas. 

Colaborando con este productor creativo he aprendido varias cosas sobre mis propias historias:

1. A veces lo que a uno más le gusta de la historia que está escribiendo, no funcionaría con la audiencia a la que va dirigido.

2. Cada acción, sentimiento y decisión de un personaje debe tener total sentido con la historia.

3. No importa que sea el climax, a veces algunas cosas se ven exageradas y muy aceleradas.

4. Antes de desarrollar mucho una historia, debes reconocer cuál es el tema que va a tratar. Así no se introducen puntos que serían innecesarios o que no sirven a la historia.

5. Si la historia se desarrolla en un mundo fantástico, futurístico o exótico, hay que explicar este lugar en el tratamiento.

6. Hay que evitar los personajes que no le sirven a la trama.

7. Siempre se debe cuidar de que las acciones o los personajes no caigan en clichés o estereotipos.

8. Mientras más explícito es el tratamiento, mejor será el guión (los tratamientos podrían llegar hasta a 25 páginas de longitud).

9. Escribir el tratamiento por secuencias es la mejor opción.

10. Se pueden escribir algunos diálogos importantes en el tratamiento, pero estos no son primordiales para este proceso.

Hasta ahora he leído 7 tratamientos, y es verdad que cada quien tiene su propio estilo para escribir tratamientos, pero la mejor opción es escribirlo por secuencias (ya después les explico qué es esto, si no lo saben). Porque así se entiende mejor cuál es el objetivo del protagonista, y cómo va cambiando a lo largo de la historia. Esto por lo menos es lo que más revisa Fogel a la hora de decirme por qué algo funciona o no en una historia.

Es fascinante cómo un productor creativo trabaja incansablemente con todas las historias, las cuales pueden ser: creadas por él y asignadas a un escritor, o simplemente provenientes de un escritor y revisadas por él. Fogel trabaja con ambos proyectos (propios y externos) y es increíble cómo ambos reciben la misma dedicación e interés de su parte. Además, los productores creativos siempre están buscando escritores que estén interesados en desarrollar algunas de las historias que estos productores tienen en su carpeta de ideas en espera de ser desarrolladas, lo cual significa una oportunidad a futuro para mi.

Quien sabe, ahorita estoy escribiendo una historia para esta compañía.

Sorry to Bother you

Un vendedor telefónico con problemas de autoestima descubre la clave para el éxito en el negocio. Pero cuando empieza a subir escalones en la compañía, sus amigos activistas denuncian prácticas laborales injustas. (FILMAFFINITY)

Está de moda contar historias sobre problemas sociales, pero lo importante no es simplemente contarlas, sino cuanta creatividad tiene el cineasta para contarlas de una manera única y fuera de lo tradicional. Esto es lo que hace que una historia sobre injusticias laborales pueda ser divertida y a la vez educativa. Boots Riley hace su debut como director con Sorry to Bother You.

En un presente alterno en Oakland (California), Cash es un joven que trata desesperadamente de conseguir un trabajo. Su personalidad tan introvertida y valoración propia le hacen aún más difícil la oportunidad de lograr cosas en la vida, hasta que en su más reciente trabajo logra algo que pocas personas se han atrevido a hacer: cambiar su actitud  (o mejor dicho, su voz) para brindar el servicio al cliente. 

Pero de manera aleatoria, sus propios compañeros de trabajo deciden hacer huelga a las injusticias laborales que deben enfrentar, como el salario mínimo o abuso de horarios de trabajo. Ahora Cash tendrá que decidir entre seguir subiendo en su nuevo trabajo o unirse a la causa de las únicas personas que han sido sus verdaderos amigos.

Keith Stanfield es un actor que se ha destacado por establecer un tipo de personaje que se presenta tímido o introvertido, pero que cuando se debe enfrentar a algo o alguien siempre lo hace de una manera inolvidable (nunca olvidaremos su personaje en "Get Out"). Y así mismo sucede en esta ocasión donde no solo crea a una persona tridimensional en Cash, sino también que lo va cambiando a paso de bebé y que lo hace creíble. Que no solo se trata de adaptarse a su nuevo trabajo y su nueva vida, sino también como él mismo trata de cambiar este nuevo mundo del que es parte.

Es importante resaltar que la realidad de la película es completamente exagerada: aquí no se trata de que tan reales son los hechos, sino que tan satíricos pueden llegar a ser. A pesar de estar narrando una situación global, Boots Riley crea personajes elocuentes a su manera y acciones que sólo tienen lógica en este mundo. Parecerán demasiado alocadas e inesperadas, pero lo que en realidad hace es romper con el estereotipo de que los tráilers cuentan todo. 

Del mismo modo, cuenta con una fotografía muy peculiar, donde el principal aspecto a resaltar son las emociones y locuras de sus personajes, pero a la vez las locuras del mundo en el que viven. Mientras tanto, la banda sonora le da un aspecto de video musical o videos de campaña, queriendo hacer meschandizing de las mismas ideologías de la película.

Aunque es una película sumamente irregular, es lo suficientemente original y rara para sobresalir en el mercado. Sorry to Bother You es alocada y ambiciosa donde los momentos más ridículos tienen su pizca de realidad, mostrándonos una versión distorsionada y paranoica de la época actual.

Hotel Transylvania 3: Summer Vacation

Nuestra familia de monstruos favorita se embarca en un crucero de lujo para que por fin Drac pueda tomarse un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel. Pero las vacaciones de ensueño se convierten en una pesadilla cuando Mavis se da cuenta de que Drac se ha enamorado de la misteriosa capitana de la nave, Ericka, quien esconde un peligroso secreto que podría destruir a todos los monstruos. (FILMAFFINITY)

Desde el año 2012, Dracula y sus amigos mitológicos se han convertido en mis favoritos de Sony Animation, y quizás Hotel Transylvania no quedaría en el Top de las mejores películas sobre monstruos animados, pero no se le puede quitar el mérito de tener personajes sólidos y divertidos para seguir durante 100 minutos de película. Una vez más, Sony Pictures decidió sacarle provecho al concepto de monstruos animados para llegar con una tercera parte en la que estos personajes salen del Hotel Transylvania para tomar unas exóticas vacaciones en un crucero.  

En esta ocasión, Drácula, su hija Mavis, su yerno Johnny y su nieto Dennis, además de toda la troupe de monstruos, se van de crucero. Y es que Mavis sorprende a su padre con un viaje sorpresa en un crucero de lujo para monstruos, así que Drácula tendrá que tomarse unas vacaciones de su trabajo en el Hotel. Como no pueden resistirse a la tentación de ir, el grupo de amigos formado por Frankenstein, Murray, el hombre lobo y el gelatinoso Blandi, se unirán a esta aventura en barco. Una vez en alta mar, el conde Drácula conocerá a Ericka, la misteriosa capitana de la embarcación con la que vivirá un romance. O al menos lo intentará, ya que la sobreprotectora Mavis se esforzará por mantenerlos separados. Todo se complicará cuando descubran que Ericka es en realidad la descendiente de Van Helsing, el archienemigo de Drácula y de todos los monstruos.

A pesar de que esta es la saga que ha sido menos apoyada de Sony Animation, la idea de que Drac se toma un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel es interesante por el simple hecho de que saca a todos los personajes de la zona de comfort que le han creado desde su primera película. Aquí ya no se trata de ser los mejores en su particular cualidad, sino de qué hacer cuando no tienen que hacer su trabajo diario. Los personajes continúan siendo tan eficacez como lo lograron ser en su primera entrega, y aún regresando con chistes y escenas que ya se han visto antes en esta franquicia, no dejan de ser divertidas y entretenidas para toda la familia. A su vez, mantienen el estilo de "burlarse de sí mismos", donde si la escena o algún comentario resulta ser exagerado o ridículo, otro personaje hace burla de esto.

La película le hace homenaje tanto a los clásicos personajes de Hotel Transylvania, como a otros para las generaciones anteriores, como los Gremlins, el Chupacabras y Van Helsing, dándole a la película una tonalidad aún más para toda la familia. Del mismo modo ocurre con la musicalización, donde se utiliza tanto canciones populares de los 90 hasta algunas más modernas.

La familia de Dracula sigue siendo uno de los principales atractivos de la historia, pero otros se integran a ser parte importante de la misma, como Frankenstein, Wayne, Jack y Murray, quienes tienen su propio plot separada de la historia principal, pero no completamente separada como para parecer dos películas en una. Esto le da la oportunidad a cada personaje a tener sus propios objetivos y necesidades en la historia.

En esta ocasión, la historia traslada a la audiencia a nuevos escenarios, como Atlantis, un volcán submarino, el Triángulo de las Bermudas y una playa de fango, cada uno dándole una tonalidad más colorida de lo que previamente se había visto en esta saga, por la sombriedad del historial de sus personajes (a pesar de que su actitud es todo lo contrario).

Hotel Transylvania es sin duda la más sólida de toda la franquicia. Aún con los clichés, estereotipos y humor quemado, la comedia sigue presente, complementándose de la propuesta visual que ofrece esta historia. Una vez más, los monstruos se resisten a morir.

The First Purge

Los Nuevos Padres Fundadores de América quieren reducir las tasas de criminalidad, por lo que deciden poner a prueba a los ciudadanos de una pequeña región del país mediante un experimento social, dando vía libre a todo tipo de crímenes durante una noche. Sin embargo, la fuerza de estos actos violentos aumenta hasta que acaba traspasando las fronteras establecidas. 

Detrás de cada tradición hay un inicio. 

Hay una frase en la primera película de The Purge que dice "recuerda todo lo bueno que The Purge nos ha dado". Siempre establecían que gracias a estas 12 horas de asesinatos legales, la economía había mejorado, la pobreza se había reducido y las personas viven más seguras en el resto del año. Pero... ¿a qué costo?

Al igual que en las demás películas de esta franquicia, The First Purge sigue varias perspectivas: la psicóloga que ha creado este experimento con el fin de crear un día donde las personas descarguen toda la furia que sienten; y la de un grupo de personas residentes en Staten Island, lugar donde ocurrirá la primera Purga. Staten Island es una ciudad donde la mayoría de su población es pobre, marginada o de color, y un grupo de habitantes ven la purga como una injusticia para los que viven allí. Mientra que otras personas se suman a apoyar el experimento, con la excusa de que recibirán US$5000 de parte del NFFA. Pero, ¿qué sucede cuando inicia el experimento y personas externas a esta ciudad se suman para ellos descargar su rabia? Revelándose de que en realidad no es un estudio psicológico, sino una primera prueba para reducir las clases "no deseadas".

James DeMonaco regresa como guionista de The First Purge, la cual resulta ser una propuesta interesante sobre las decisiones que podrían tomarse con el objetivo de mejorar la pobreza, convirtiendo el país en una carnicería callejera por 12 horas. Un aspecto que han destacado desde la primera película es que uno de los blancos de grupo atacados siempre serán personas afroamericanas, haciendo aún más énfasis sobre este detalle en esta última película, con referencias sobre el grupo Ku Klux Klan y su odio hacia los grupos opuestos. A pesar de darle una tonalidad racista hacia los opresores, esto sirve como una analogía de lo que quizás aún sucede en gran parte de América y otros países. 

Otro mensaje que la historia crea es que no todo el mundo se involucraría en la purga con deseos de matar, sino que solo sería para disfrutar la libertad de hacer lo que sea en las calles de manera legal, como fiestas a horas indecentes, beber en las calles, sexo público, y demás, los cuales son mucho más inocentes que salir a matar gente.

No obstante, y a pesar de que la premisa es un excelente catalizador para el resto de la historia, los personajes son muy estereotipados en comparación a las anteriores tramas. Con diálogos extremadamente ensayados y reacciones sobreactuadas, representan el punto más débil de la historia. Los malos eran maléficos nivel Disney y los buenos eran demasiado inocentes e indefensos. La gran excepción es el verdadero héroe de la historia, interpretado por Y'lan Noel, quien no solo se hace cargo de sus enemigos, sino también de los enemigos de sus familiares, amigos y aliados. Es a quien le dieron las mejores líneas, el mejor entrenamiento para matar y toda la inteligencia del resto de los personajes.

Uno de los mejores aspectos de la película, que también es lo mejor de la saga, es la fotografía, porque siempre se ha establecido con un estilo a video musical, haciendo que cada asesinato parezca ser un entretenimiento para la audiencia, y a pesar de que en los primeros minutos no pasa casi nada, el suspenso va creciendo con cada toma a detalle y cada escena en slow motion, solo dándole tiempo a que las muertes aumenten.

Es importante destacar que Gerard McMurray (Burning Sands, Fruitvale Station) ha realizado películas con una tonalidad parecida a la de The First Purge, enfocándose en las diferencias de la clase opresora y la clase marginada. El director busca hacer énfasis en cómo cada quien lucha por lo que cree y lo que considera justo. Este fue el mayor punto en esta película, donde en vez de volver al tono caricaturesco de las anteriores, encontró el realismo y lo hizo aún más vivo y cercano. 

The First Purge es una verdadera película de terror para las personas de color, la cual se autentiza de lo que ya se está viviendo, con un nivel de sadismo aún más elevado. Eventualmente, esto se hará legal.

Ant-man and the Wasp

Después de "Capitán América: Guerra Civil", Scott Lang lidia con las consecuencias de sus elecciones como superhéroe y padre. Mientras lucha por mantener un equilibrio entre su vida hogareña y sus responsabilidades como Ant-Man, se enfrenta a Hope van Dyne y al Dr. Hank Pym con una nueva misión urgente. (FILMAFFINITY)

Una de las preguntas más populares que dejó Avengers fue: ¿dónde está Ant-man y por qué no participó en la batalla? Bueno... digamos que es culpa de su vida de criminal, y destruir medio aeropuerto junto al Capi y compañía. Después de dos años bajo arresto domiciliario, Scott está muy cerca de dejar de vivir encerrado.

Hope Van Dyne (Evangeline Lilly) ya usa el traje de The Wasp (La avispa) y junto a su padre Hank Pym (Michael Douglas), el primer Ant-Man e inventor de toda la tecnología que hace posible alterar tamaños de personas y objetos, han creado desde la clandestinidad una máquina para poder ir y volver del reino cuántico, ese mundo de lo infinitamente pequeño en el que la madre de Hope (la primera Avispa) quedó atrapada hace 30 años. En la primera película de Ant-Man, Scott Lang sí pudo volver, así que recurrirán a él para que los ayude.

Pero ellos no son los únicos que quieren usar esta máquina. También están detrás una banda de traficantes de tecnología y Fantasma, una villana que atraviesa cualquier materia pero necesita estabilizar sus poderes. Y detrás de todos ellos está la policía.

Cada película de Marvel tiene una comedia distinta. Sí, se supone que es acción y aventura, lo cual se puede apreciar muy bien en cada escena de la película; no obstante, tiene un estilo humorístico muy particular de su historia, la cual la diferencia no solo del resto de las películas de Marvel, sino incluso de la primera versión.

Aquí se puede ver un Scott más consciente de su poder, tratando de ser responsable, pero a la vez sin dejar a un lado el sentido humorístico del personaje. A su vez, se conoce más de cómo ha cambiado su vida y la vida de las personas que le rodean desde que lo vimos en su última película en solitario. Pero no es el único actor que se roba el protagónico (aunque se supone que es el protagonista), también hay que darle créditos a la Avispa/Hope sobretodo en las escenas de acción que sobrepasan a lo que hizo Ant-Man, y a Fantasma/Ava quien es una antagonista mucho más tridimensional que los demás villanos de este universo.

La diversión de Ant-man (de cambiar de tamaño con gran facilidad) es más aprovechado por Wasp que por el mismo protagonista, quien se ve atrapado en un nuevo traje y no logra controlarlo como debería. Sí, es quien logra recuperar el laboratorio de todos los secuestradores que iban tras este, logra hacer comunicación con la madre de Hope, pero no es el único héroe de la historia, pues incluso (Spoiler alert) quien derrota a Ghost es la madre de Hope.

"Ant-Man and the Wasp", dirigida por Peyton Reed, es una película light, que le dará a la audiencia un respiro después de todo lo acontecido en "Infinity War", con un buen ritmo que la convierten en una película fresca, entretenida y casi independiente de la gran trama de Thanos vs. Avengers... hasta que llegan los post-créditos.

Nominados a los Primetime Emmy Awards 2018

La Academia de la Televisión de Estados Unidos anunció este jueves en vivo a los nominados a los premios Emmy 2018, cuya gala de entrega se celebrará el próximo 17 de septiembre en el Teatro Microsoft de Los Ángeles. Netflix encabeza las nominaciones, con 112 opciones de estatuilla, frente a las 108 de HBO.

Estos fueron los nominados:

Mejor actor principal en serie dramática
Jason Bateman ("Ozark")
Sterling K. Brown ("This Is Us")
Ed Harris ("Westworld")
Matthew Rhys ("The Americans")
Milo Ventimiglia ("This Is Us")
Jeffrey Wright ("Westworld")

Mejor actriz principal en serie dramática
Claire Foy ("The Crown")
Tatiana Maslany ("Orphan Black")
Elisabeth Moss ("The Handmaid’s Tale")
Sandra Oh ("Killing Eve")
Keri Russell ("The Americans")
Evan Rachel Wood ("Westworld")

Mejor actor en serie de edición limitada/ película para TV
Antonio Banderas ("Genius: Picasso")
Darren Criss ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Benedict Cumberbatch ("Patrick Melrose")
Jeff Daniels ("The Looming Tower")
John Legend ("Jesus Christ Superstar")
Jesse Plemons ("USS Callister")

Mejor actriz en serie de edición limitada/ película para TV
Laura Dern ("The Tale")
Jessica Biel ("The Sinner")
Michelle Dockery ("Godless")
Edie Falco ("The Menendez Murders")
Regina King ("Seven Seconds")
Sarah Paulson ("American Horror Story: Cult")

Mejor actor de comedia
Donald Glover ("Atlanta")
Bill Hader ("Barry")
Anthony Anderson ("Black-ish")
William H. Macy ("Shameless")
Larry David ("Curb Your Enthusiasm")
Ted Danson ("The Good Place")

Mejor actriz de comedia
Pamela Adlon ("Better Things")
Rachel Brosnahan ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Tracee Ellis Ross ("Black-ish")
Allison Janney ("Mom")
Lily Tomlin ("Grace and Frankie")
Issa Rae ("Insecure")

Mejor serie dramática
"The Handmaid’s Tale"
"Game of Thrones"
"This Is Us"
"The Crown"
"The Americans"
"Stranger Things"
"Westworld"

Mejor serie cómica
"Atlanta" (FX)
"Barry" (HBO)
"Black-ish" (ABC)
"Curb Your Enthusiasm" (HBO)
"GLOW" (Netflix)
"The Marvelous Mrs. Maisel" (Amazon)
"Silicon Valley" (HBO)
"The Unbreakable Kimmy Schmidt" (Netflix)

Mejor serie de edición limitada
"The Alienist"
"The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story"
"Genius: Picasso"
"Godless"
"Patrick Melrose"

Mejor actor de reparto en serie dramática
Nikolaj Coster-Waldau (“Game of Thrones”)
Peter Dinklage (“Game of Thrones”)
Joseph Fiennes (“The Handmaid’s Tale”)
David Harbour (“Stranger Things”)
Mandy Patinkin (“Homeland”)
Matt Smith (“The Crown”)

Mejor actriz de reparto en serie dramática
Alexis Bledel ("The Handmaid’s Tale")
Millie Bobby Brown (“Stranger Things”)
Ann Dowd (“The Handmaid’s Tale”)
Lena Headey (“Game of Thrones”)
Thandie Newton (“Westworld”)
Yvonne Strahovski (“The Handmaid’s Tale”)

Mejor actor de reparto en serie cómica
Louie Anderson ("Baskets")
Alec Baldwin ("Saturday Night Live")
Tituss Burgess ("Unbreakable Kimmy Schmidt")
Tony Shalhoub ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Kenan Thompson ("Saturday Night Live")
Henry Winkler ("Barry")

Mejor actriz de reparto en serie cómica
Zazie Beetz ("Atlanta")
Alex Borstein ("The Marvelous Mrs. Maisel")
Aidy Bryant ("Saturday Night Live")
Betty Gilpin ("GLOW")
Leslie Jones ("Saturday Night Live")
Kate McKinnon ("Saturday Night Live")
Laurie Metcalf ("Roseanne")
Megan Mullally ("Will & Grace")

Mejor reality de competencias
"The Amazing Race"
"American Ninja Warrior"
"Project Runway"
"RuPaul’s Drag Race"
"Top Chef"
"The Voice"

Mejor programa de sketches
"Saturday Night Live" (NBC)
"Portlandia" (IFC)
"Drunk History" (Comedy Central)
"Tracey Ullman’s Show" (HBO)
"At Home with Amy Sedaris" (TruTV)
"I Love You, America" (Hulu)

Mejor programa de variedades
"The Daily Show With Trevor Noah"
"Full Frontal With Samantha Bee"
"Jimmy Kimmel Live"
"Last Week Tonight with John Oliver"
"Late Late Show with James Corden Late Show with Stephen Colbert"

Mejor película para TV
"Fahrenheit 451" (HBO)
"Flint" (Lifetime)
"Paterno" (HBO)
"The Tale" (HBO)
"Black Mirror: USS Callister" (Netflix)

Mejor actor de reparto en serie limitada o película
Jeff Daniels ("Godless")
Brandon Victor Dixon ("Jesus Christ Superstar")
John Leguizamo ("Waco")
Ricky Martin ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Edgar Ramirez ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")
Michael Stuhlbarg ("The Looming Tower")
Finn Wittrock ("The Assassination of Gianni Versace: American Crime Story")

Mejor conductor de reality
W. Kamau Bell ("United Shades of America With W. Kamau Bell")
Ellen DeGeneres ("Ellen’s Game of Games")
RuPaul Charles ("RuPaul’s Drag Race")
Heidi Klum and Tim Gunn ("Project Runway")
Jane Lynch ("Hollywood Game Night")

Crónicas de California: Produced by Conference

"¿Quieres vender una historia? Encuentra un productor y cuéntasela". Ese es el consejo que le dan a todo escritor. No importa en qué etapa de su carrera está o cuantos guiones ha escrito y/o se han producido, con cada historia se comienza de cero, tratando de encontrar un productor que quiera escucharla.

Por eso, cuando la universidad me preguntó si quería ser voluntaria para Producers Guild of America, no lo pensé dos veces: esta era una oportunidad que no iba a obtener tan fácil en otras circunstancias. Y aunque me advirtieron que no podía "pitchear" historias a los productores que conociera, sí podía intercambiar tarjetas y quedar para otro momento. El plan no era venderlo allí, sino crear una lista de opciones posibles para venderlo.

Produced by Conference es un evento realizado por Producers Guild of America, en el que invitan diversas personalidades del mundo del entretenimiento, especialmente productores, con el fin de realizar conferencias, paneles, mesas de discusión y demás. Es abierto para todo público, pero el verdadero blanco son los productores y guionistas jóvenes. Además, también se conocen las distintas compañías que están relacionadas en el campo de la preproducción y sus productos, ya sea servidores de almacenamiento de datos, locaciones, softwares de producción, y demás. 

Paramount Studios fue "el campo de batalla", y muchos otros creativos independientes (cineastas, productores jóvenes, más guionistas y actores) venían con las mismas intenciones de salir de allí con contactos. Pero también a aprender la manera adecuada de acercarse a un productor de cine, porque sí: son una especie distinta y compleja.

Una de mis conferencias favoritas fue "The Art and Craft of Pitching" donde cuatro productores activos de la televisión y el cine dieron su opinión sobre lo que se espera escuchar y recibir durante un pitching. Allí estaban Chris Moore (productor de "Manchester by the Sea" y la franquicia de "American Pie"), Rose Pinkney (productora de BET Networks), Michael Seitzman (productor de "Quantico") y Lynette Howell (productora de "A Star is Born" y "Captain Fantastic"). Los productores dieron consejos desde qué hacer cuando se está muy nervioso, cómo debería ser la estructura de tu pitching y siempre decir por qué yo soy la persona ideal para escribir esta historia.

Otras conferencias que igual me llamaron la atención fueron "What Makes a Doc a Doc", hablando sobre la importancia del cine documental y el mercado de este cine (que normalmente son los festivales); "The Art of Producing Animation", cómo introducirse a este renglón, cuáles son los estilos más rentables y los retos de crear productoras específicamente para animación; y "Producing an Inclusive Industry", cómo crear un ambiente de trabajo inclusivo para cualquier persona, sin importar raza, sexo, religión o años de experiencia.

Pero el mejor momento de todos era la mesa de discusión con productores, porque era un momento más personalizado donde hablaban de cuál era la mejor manera de acercarse a ellos, y qué estaban buscando en el momento. Yo tuve la oportunidad de conocer a Chris Moore (más de cerca), William Horberg (productor de "Searching for Bobby Fischer") y Mary Parent (productora de "The Revenant" y "Pacific Rim"). Era la única guionista en la mesa de discusión, por lo que tuve la oportunidad de preguntar cosas que solo le importa a mi grupo: ¿cómo se les vende un guión? Cada uno tiene una visión y gustos distintos, de modo que lo importante no solo era tener la historia, sino también que la historia los enganche y sea de su estilo. También dijeron cómo conseguir una reunión con ellos...

Asistir a este tipo de eventos es crucial para esta carrera, porque no solo estás conociendo lo que el mercado busca, sino que también le haces saber al mercado tu disponibilidad y tu portafolio. Uno sale de allí con una mentalidad nueva de que "hacer películas" es un arte, un negocio y un estilo de vida, y ahora es el momento ideal para incursionar en el área.

Sicario: Day of the Soldado

La guerra contra los cárteles de la droga se ha intensificado en la frontera entre EE.UU. y México a medida que éstos se han metido en el negocio de tráfico de personas, introduciendo en suelo americano a terroristas islámicos. Para hacer frente a esta nueva guerra sucia, el agente federal Matt Graver (Josh Brolin) planea una idea para que los carteles se enfrenten entre ellos. Para ello volverá a reclutar para la peligrosa misión al volátil mercenario Alejandro Gillick (Benicio del Toro). (FILMAFFINITY)

Sicario significa "asesino a sueldo". Por lo que no puede ser sorpresa para nadie la cantidad de muertos que habrán en esta película. Y me atrevo a discutir con cualquiera que en esta hubo más que en la primera.

Matt y Alejandro vuelven a cruzar caminos cuando diversos ataques islámicos en Estados Unidos son relacionados al tráfico ilegal de personas por los carteles mexicanos. Pero cuando el trabajo significa crear una guerra entre dos poderosos carteles de drogas, su atención se enfocará en el secuestro de la hija de uno de los líderes, lo cual los aislará de su principal objetivo y creará más caos del que debía causar. Ahora, los dos sicarios deben decidir si seguir las órdenes finales o volver a sus métodos ilícitos, así como lo hicieron en la primera película.

A pesar de que este tipo de historias trata más de cuantos muertos acumula cada persona, el guionista Taylor Sheridan se encarga de darle un "lado amable" a sus protagonistas, humanizándolos y convirtiéndolos en personajes tridimensionales. Mientras la primera se enfocó en mostrar dos hombres que hacen lo que sea a su manera y sin ser acusados, en esta entrega la audiencia tiene la oportunidad de conocer la otra cara de los sicarios. Mientras la primera solo mostraba su violencia y el sadismo de Matt y Alejandro, aquí también se aprecia sus debilidades, y cómo se logran salir con la suya, por más balas que hayan recibido en el camino.

Josh Brolin/Matt será parte importante del plan que se ejecuta, pero el verdadero protagonista es Benicio del Toro/Alejandro, quien no solo se enfrenta a los enemigos que van creando por sus decisiones, sino también a un grupo jóven de transportistas ilegales de inmigrantes mexicanos quienes intentarán asesinarlo para lograr quedarse con la niña que él protege. La interacción que se desarrolla entre Alejandro e Isabela (interpretado por Isabela Moner) enseñan ese lado paterno del protagonista que en la primera entrega de Sicario buscaron introducir, dándole más de una razón de por qué debía defenderla antes de que alguien la reconociera. 

Spoiler alert: algo que no logró esta película en comparación a la primera fue el desarrollo de la subtrama con el niño que se introduce a la banda como transportista. Se muestra como un personaje innecesario y vacío, sobretodo porque no le dieron excusas suficientes de por qué se estaba metiendo en este grupo (no pueden decir que es porque su familia la iban a matar o porque tenía una mala situación económica). Es un personaje que lo único que suma es que reconoce a Alejandro y lo delata, para luego intentar matarlo y ser encontrado por él un año después. Honestamente, espero que lo haya matado.

Por otro lado, la esencia de Sicario se mantiene en esta película, y no me refiero a toda la sangre derramada, sino por el inicio tan intenso y realista con las situaciones de hoy en día, la banda sonora penetrante que también fue parte de Sicario I (compuesta por el fallecido Jóhann Jóhannsson) y el uso de tomas aereas para darle un tono más militar a la película.

A pesar de que hubo varias preguntas sin responder de la trama, Sicario 2 invierte todo lo que la primera hizo, sin dejar a un lado la frialdad, intensidad y violencia asfixiante de su antecesora. Es una película que no abandona el realismo de nuestra época pero a su vez quiere darle ese toque humano que a la primera le falto en muchas ocasiones.

Sicario: Day of the Soldado

Título en español: Sicario: Día del Soldado

Ficha técnica

Dirección: Stefano Sollima

Producción: Basil Iwanyk y Erica Lee

Guion: Taylor Sheridan

Música: Hildur Guðnadóttir

Fotografía: Dariusz Wolski

Montaje: Marisa Frantz, Meg Everist y Daniela Rojas

Protagonistas: Benicio del Toro, Josh Brolin, Jeffrey Donovan, Manuel Garcia-Rulfo, Isabela Moner, Catherine Keener, Matthew Modine, David Castaneda, Ian Bohen y Bruno Bichir