Crítica Cinéfila: Toy Story 5

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Tras cinco películas, elegir tu favorita de "Toy Story" se siente misión imposible. Puede que tengas una, pero ¿por qué elegir solo una? Estas películas conforman un canon mayor que la suma de sus partes, a veces hilarantes y a veces delirantemente ingeniosas. Lo cierto es que todas las películas de "Toy Story" son hermosas, brillantes y diferentes entre sí, y ahora más que nunca funcionan a la perfección. Son una visión: de la infancia y la ternura nostálgica, de egos que chocan y de humor físico desenfrenado, de puro encanto cinematográfico. En ese sentido, Toy Story 5 es un resumen sublime, una película que refleja toda la saga en su espejo mágico y (quizás) un final perfecto.

A lo largo de 30 años, las películas de "Toy Story" han evolucionado hasta convertirse en su tema central: la pérdida. La tristeza que conlleva, pero también su inevitabilidad (así que quizás no sea tan triste como pensamos al principio). Los juguetes, como Woody y Buzz, siempre peleando, o Jessie, la vaquera, que ahora es la protagonista, han visto crecer a sus dueños y dejarlos atrás. Esto hace que los juguetes se sientan casi como padres, viendo a sus hijos partir hacia el mundo. Las películas abordan el espectro de la obsolescencia, pero también su contraparte positiva: el renacimiento.

En “Toy Story 5”, surge un nuevo tema que resulta inquietante y conmovedor para su época: la desaparición del juego. Bonnie (con la voz de Scarlett Spears), de 8 años, sigue jugando con Jessie (Joan Cusack), la vaquera pelirroja, y su fiel caballo, Bullseye (Alan Cumming). Pero parece incapaz de hacer amigos con los demás niños del barrio. ¿Por qué? Porque ya nadie juega con juguetes. Los niños están todos pegados a sus pantallas, una invasión tecnológica que la película muestra como causante de un cambio radical en las relaciones infantiles.

“¡La era de los juguetes ha terminado!”, exclama un viejo juguete desechado con melancolía. Como si se dieran por vencidos, los padres de Bonnie le compran una Lilypad, una tableta parlante para niños (con la voz de Greta Lee) con un marco de rana verde. Bonnie se vuelve adicta rápidamente, descubriendo que al comunicarse con otros niños en línea, puede hacer “amigos” al instante. En 15 minutos, ya tiene una cita para jugar. Pero como la película sabe muy bien (y como muchos adultos han olvidado), los amigos que se hacen a través de una conexión tecnológica no son lo mismo que los amigos con los que compartes el mismo espacio, los amigos con los que realmente juegas.

De lo que habla “Toy Story 5” es de lo que se conoce como juego imaginativo, y eso no es solo una actividad. Es toda una dimensión, una forma para que los niños tomen el universo que tienen en su cabeza y lo extiendan al mundo. Cuando el juego imaginativo se manifiesta en “Toy Story 5”, la película lo representa con secuencias de gran comedia, llenas de colores fluorescentes brillantes, donde la acción parece provenir directamente de la mente de un niño, de una manera hilarante.

Pero el mundo ya no está organizado para apoyar esto. Después de una pijamada organizada a través de una tableta infantil, las nuevas "amigas" de Bonnie, que son como niñas malas de 8 años (un subproducto de la era digital), se burlan de ella por seguir aferrándose a sus viejos juguetes. Jessie y Bullseye terminan de vuelta en la granja donde la niña original de Jessie, Emily, vivió una vez, y donde ahora hay una niña de 9 años llamada Blaze (Mykal-Michelle Harris). Pero traer a Bonnie de vuelta al mundo del juego imaginativo no será una tarea fácil. Se necesitarán las maquinaciones de Jessie y Woody (Tom Hanks), que ahora es un vaquero "viejo" calvo; todos nuestros viejos amigos de juguetes familiares; un trío de dispositivos tecnológicos primitivos: un entrenador de orinal llamado Smarty Pants (Conan O'Brien), una cámara infantil llamada Snappy (Shelby Rabara) y un hipopótamo GPS llamado Atlas (Craig Robinson), que están a medio camino entre los mundos analógico y digital; y un ejército de Buzz Lightyears atrapados en modo de demostración, que han sido agrupados en el Multi-Buzz, una fuerza de combate supervisada por su intrépido líder (Tim Allen).

Andrew Stanton, el legendario director de Pixar de “Wall-E”, toma ahora las riendas de una película de “Toy Story” por primera vez (aunque trabajó en todas las anteriores), y ha creado una película con una densidad ambiciosa y deliciosa. Donde una película menor habría convertido la historia en una batalla entre los buenos de la vieja escuela (los juguetes) y los malos de la nueva escuela (las pantallas), “Toy Story 5” no demoniza la vida tecnológica, sino que la representa como un nuevo reino metafísico del cosmos infantil. La trama es elaborada, pero todo se reduce a Jessie y su equipo tratando de organizar una cita para jugar entre Bonnie y Blaze, porque son niñas que aún tienen la cabeza en el mundo real. Joan Cusack, soltando “ain't” y “don't” y frases como “¡Santo caramelo!”, convierte a Jessie en una chica de pueblo, gruñona pero contagiosa. Tiene un romance con Buzz (que está deseando pedirle matrimonio) que se vuelve conmovedoramente divertido. Mientras tanto, Hanks dota al vulnerable pero testarudo Woody de una deliciosa resiliencia propia de la vejez.

“Toy Story 5” es una película que te llena de alegría, pero también tiene momentos que te impactan profundamente. Porque esta película plantea una pregunta crucial: ¿Cómo se conectarán los niños entre sí en una era que los presiona para que crezcan demasiado rápido virtualizándose? El mensaje de la película es: tómate tu tiempo, sé tú mismo y juega. La diversión que recibes es igual a la diversión que creas. 

Crítica Cinéfila: Scary Movie 6

Veintiséis años después de conseguir escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de terror está a salvo. Marlon Wayans (Shorty), Shawn Wayans (Ray), Anna Faris (Cindy), y Regina Hall (Brenda) se reúnen en Scary Movie junto a favoritos que vuelven y nuevas caras frescas para acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas, spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Nada es sagrado. Ningún tópico sobrevive. Se cruzan todas las líneas. Los Wayans están de vuelta para cancelar la cultura de cancelación.

Es un mal momento para " Scary Movie " (2026), un nostálgico regreso de la franquicia que, considerando el contexto actual, resulta bastante bueno. En términos generales, la parodia funciona mejor cuando es anárquica, y en el caso de los Wayans, el humor negro inteligente siempre ha sido parte de su atractivo. Pero ver a los creadores de la saga regresar a "Scary Movie" después de casi 25 años, solo para ver cómo su parodia cae ahora en manos de las grandes corporaciones, es, cuanto menos, desalentador. 

La buena noticia es que los Wayans han recuperado en gran medida  el control de la franquicia que crearon, tras las infames disputas con los responsables de la era Weinstein, que provocaron la expulsión del equipo creativo principal antes de "Scary Movie 3". El reparto finalmente se ha reunido, con Marlon Wayans y Shawn Wayans junto a las estrellas Anna Faris y Regina Hall. Para los fans de "Scary Movie" de toda la vida, este acontecimiento por sí solo tiene suficiente peso emocional como para justificar una visita al cine.

A pesar del tiempo transcurrido entre "Scary Movie 6" y la última aparición de los cuatro protagonistas en "Scary Movie 2" (2001), la química entre los actores principales se mantiene prácticamente intacta. El director Michael Tiddes, quien nunca dirigió una entrega de "Scary Movie" pero se convirtió en un colaborador clave de los Wayans en las décadas posteriores, logra recordar a los espectadores por qué estos intérpretes se convirtieron en íconos de la comedia. Sin embargo, ya sea que los Wayans estuvieran protegiéndose de la influencia de Paramount o aceptándola a la hora de plasmar sus ideas en el guion, su irregular regreso no resulta del todo convincente. 

Faris sigue siendo la MVP como Cindy Campbell, por supuesto. La sobreviviente de "Scary Movie" ha funcionado durante mucho tiempo como el arma secreta de las películas, e incluso dejando atrás sus orígenes en "Scream" para adentrarse en el arquetipo de sobreviviente madura popularizado por Jamie Lee Curtis en "Halloween" (2018), Faris encuentra formas sorprendentes de hacer que los chistes insulsos o sosos parezcan sinceros. Hall está igualmente encantadora como la favorita de los fans, Brenda Meeks, quien, por alguna razón, está enmarcada aquí por una versión extendida de "Ma" de Octavia Spencer que es hilarante.

Mientras tanto, Olivia Rose Keegan resulta una elección de casting inspirada para el papel de Sarah, la hija de Cindy. La actriz de 26 años imita a Faris a la perfección, y cuando "Scary Movie 6" se centra en los personajes que conectan, funciona. Pero Shorty Meeks, el personaje de Marlon obsesionado con la marihuana, y Ray Wilkins, el personaje de Shawn que no es gay pero definitivamente lo es, tienen dificultades para encontrar su punto álgido cómico en arcos argumentales que se sienten anticuados en comparación con el resto del guion de los Wayans, coescrito por Marlon, Shawn, Keenen Ivory Wayans, Craig Wayans y Rick Alvarez.

Más jóvenes recién llegados se unen al elenco para dar forma al transparente homenaje de Paramount a sí misma, mientras "Scary Movie 6" toma forma en torno a la anterior "Scream 6" del estudio de 2023. Esa presencia juvenil se siente casi demasiado actual, ya que la sátira de la película se centra desproporcionadamente en discursos seleccionados de los últimos años. Un chiste de fondo sobre "Final Destination Bloodlines" funciona de maravilla, y un chiste especialmente cruel dirigido al reinicio de "I Know What You Did Last Summer" del año pasado exige grandes carcajadas. Hay una broma brutal sobre "John Wick" y la cultura de los spin-offs en Lionsgate. Además, una referencia a la sensación independiente de 2014 "It Follows" que es objetivamente errónea y bastante divertida. 

Los cameos de famosos en “Scary Movie 6” también son, en general, excelentes, comenzando con una genial escena inicial que deja claro de inmediato que los Wayans siguen teniendo buen ojo para el casting de estrellas. Dicho esto, el tan esperado regreso de esta sátira familiar no parece del todo seguro de qué historia quiere contar sobre el género de terror en sí. La “Scary Movie” original llegó al final de una década dominada por las películas de asesinos en serie: una tendencia que ya había sido sutilmente criticada cuando se estrenó “Scream” por aquel entonces.

Por el contrario, los últimos trece años, aproximadamente, en el cine de género desde la verdaderamente terrible "Scream 5" han sido notablemente complejos y dinámicos. Desde el auge de los autores independientes en Neon y A24 hasta el discurso del "terror elevado" que lo acompañó, las películas de miedo han ido ganando reconocimiento artístico gradualmente, al tiempo que han seguido impulsando la industria en taquilla. "Scary Movie 6" ignora en gran medida esa historia, el dominio del universo de "The Conjuring" y Blumhouse, las producciones originales de plataformas de streaming, la explosión del terror con influencias de internet y mucho más, presentando una cronología incompleta que no engañará a la mayoría de los fanáticos del género.

"Art the Clown" hace acto de presencia, y algunos se sorprenderán cuando mencionen "Saltburn" de Emerald Fennell. Sin embargo, las omisiones son llamativas, ya que personas influyentes en las redes sociales, usuarios de Letterboxd, críticos de YouTube, fanáticos del crimen real y otros actores clave en la difusión de pesadillas contemporáneas quedan indemnes. "Scary Movie 6" hace referencia a "M3GAN", "Smile", "Candyman", "Longlegs", "The Substance", "Sinners", "Get Out", "Weapons" y más, lo que resulta en una película extrañamente cargada de premios que parece diseñada para satisfacer los gustos de Paramount por encima de los de cualquier otra persona.

En cierto modo, «Scary Movie 6» se asemeja menos a una parodia de la cultura del terror real y más a una vaga representación de lo que algunos ejecutivos de Hollywood consideran una película de terror moderna. Esta visión limitada trasciende la cultura pop y se adentra en la política. Cabe destacar que los Wayans no rehúyen por completo la controversia. Hay chistes sobre Black Lives Matter, Trump, los pronombres, ICE, Diddy, Drake, Michael Jackson, #MeToo e incluso una referencia al infame «Chamán MAGA», que se hizo tristemente célebre el 6 de enero. 

Los Wayans demuestran una audaz disposición a adentrarse en terrenos incómodos en un momento en que muchos artistas evitan hablar de tales tensiones, y eso tiene un mérito innegable. Algunos chistes particularmente escandalosos sobre raza se colaron en el montaje final de la película, aunque gran parte de su material más arriesgado resulta extrañamente forzado en lugar de provocador o imprudente. Los capítulos originales de "Scary Movie" de los Wayans eran vulgares, caóticos y ofensivos, precisamente porque los comediantes no se dejaron tentar por la falsa promesa de la simpatía universal. Pero "Scary Movie 6" parece haber forzado su transgresión más que la naturalidad que surgía de la producción en estas circunstancias. Y, sin embargo, las escenas de acción funcionan mejor que muchas de las sátiras escritas más ingeniosas de la película. Probablemente no fue casualidad. Dirigidas por David Zucker, "Scary Movie 3" y "Scary Movie 4" demostraron a la franquicia que los gags visuales tenían mayor impacto en el público general que el mordaz comentario social de los Wayans, lo que sugiere una frustrante contradicción que aún persiste en la última entrega. 

"Scary Movie 6" pretende ser la primera en decir lo indecible, pero al mismo tiempo parece más nerviosa que nunca por descubrir hasta dónde puede llegar sin consecuencias. En ningún otro lugar se hace más evidente esa tensión que en la relación, a veces exasperante, de la película con las recientes secuelas de "Scream" de Paramount. La influencia de esa franquicia se cierne sobre casi todo en "Scary Movie", y un chiste de última hora que involucra un sustituto apenas disimulado de una decisión controvertida sobre un personaje de "Scream 7" probablemente genere controversia. Dicho esto, los Wayans nunca abordan directamente el debate del mundo real que rodea a Ghostface, a pesar de que "Scream 7" fue duramente criticada a principios de este año después de que Melissa Barrera fuera despedida de la franquicia por publicaciones en redes sociales sobre Gaza. 

Nadie debería esperar un análisis geopolítico profundo de "Scary Movie", y solo un tonto se ofendería por lo que los Wayans no ridiculizaron en esta película. Sin embargo, la buena sátira a menudo se define tanto por lo que excluye como por lo que critica, y al negarse a abordar cualquier controversia real en Paramount (a pesar de una frase muy floja que involucra a Neve Campbell), "Scary Movie 6" logra parecer a la vez irreflexiva e inofensiva.

Al ver “Scary Movie 6”, es prudente reflexionar sobre el futuro de la parodia cinematográfica. No porque la obra parezca explícitamente censurada, sino porque, en muchos sentidos, parece manipulada. Si la sátira estadounidense llega cada vez más a los cines reformada por la ideología corporativa y la gestión de marcas, nuestra comprensión compartida de la historia reciente del cine podría volverse preocupantemente selectiva. En ese sentido, los Wayans regresaron para un último “whatsuuup” que demuestra que podían recuperar la franquicia, aunque no su perspectiva original que tanto impactaba.

Crítica Cinéfila: Disclosure Day

Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega... el día de la revelación.

Ha pasado mucho tiempo desde que Steven Spielberg dirigió una película tan característica de su estilo como  "Disclosure Day", que reflexiona sobre cómo reaccionaría la humanidad ante la prueba de la existencia de vida extraterrestre. Algunos podrían argumentar que "War of Worlds", el trepidante thriller de acción apocalíptico de 2005, encaja a la perfección. Pero para quienes crecimos con los clásicos del director, Spielberg suele significar  "Jaws" para el terror,  "Raiders of the Lost Ark" para la aventura de estilo retro y "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T." para la pura sensación de asombro que evoca un universo que expande radicalmente nuestro mundo.

En lo que respecta a superproducciones cinematográficas que imaginaban nuevas fronteras, "Jurassic Park"  podría colarse en ese selecto grupo. Pero este thriller de 1993, que fusionaba la prehistoria con la tecnología futurista, ya se adentraba en terrenos más oscuros, donde la deslumbrante innovación científica chocaba con la codicia corporativa, la arrogancia y el sabotaje industrial, y el asombro daba paso al miedo.

Para muchos de nosotros, las películas de los años 70 y 80 afianzaron nuestro amor por el cine, y pocas experiencias formativas son tan fascinantes, cautivadoras y, si se quiere, puras como las de un Spielberg clásico. Pocos directores contemporáneos, si acaso alguno, han sabido aprovechar la capacidad del cine para asombrarnos y cautivarnos como lo hace el Spielberg de esas décadas, en parte porque, a pesar de su maestría narrativa, es tan ingenuo como cualquiera de nosotros (algo que queda patente en "The Fabelmans"), contemplando boquiabierto el espectáculo de la gran pantalla.

Spielberg trabaja en parte en esa línea con "Disclosure Day", y se pueden encontrar similitudes con  "Close Encounters of the Third Kind" y "E.T.".  Pero, como corresponde a un cineasta que se acerca a los 80, la inocencia asombrada ahora coexiste con una madurez más reflexiva, especialmente al abordar el secretismo, la manipulación y el engaño del poder gubernamental. Al igual que las primeras películas de ciencia ficción de Spielberg, esta nueva película me recordó constantemente las cuestiones morales y filosóficas planteadas por la brillante "Minority Report" de 2002 .

Ambas películas comparten una energía febril, un dominio absoluto de las secuencias de persecución viscerales y escenas de acción magníficamente coreografiadas. Pero el corazón del film, como en todas las mejores obras de Spielberg, reside en el drama humano, plasmado en las conmovedoras interpretaciones de Emily Blunt y Josh O'Connor, con Colin Firth interpretando un papel atípico como el villano, aunque este último cree estar actuando por el bien del país. Existen alegorías que pueden interpretarse sobre cómo el miedo a lo desconocido engendra crueldad y explotación, pero "Disclosure Day" es ante todo una historia trepidante con raíces temáticas en la esperanza, la verdad, la empatía y quizás incluso la espiritualidad. Spielberg siempre ha sido un cineasta populista, pero el grado en que él y el guionista David Koepp involucran al público para armar el rompecabezas es estimulante. 

Nos adentramos en la historia sin preámbulos, después de que una agencia gubernamental secreta llamada WARDEX, dirigida por Noah Scanlon (Firth), secuestre a Jane Blankenship (Eve Hewson) para llegar hasta su escurridizo novio, Daniel Kellner (O'Connor). Kellner es un antiguo genio de la tecnología de WARDEX, contratado directamente del estacionamiento de la prisión el día de su liberación tras cumplir ocho años de condena por delitos cibernéticos. La división guarda pruebas secretas de fenómenos aéreos no identificados (UFO) y visitas de seres no humanos a la Tierra que se remontan a la administración de Nixon. Ahora acusado de traición, Daniel ha robado un poderoso dispositivo de origen extraterrestre que la división le pagaba por proteger. Cree que la gente tiene derecho a saber sobre el encubrimiento de cinco décadas y planea publicar datos y archivos de vídeo clasificados de WARDEX.

Spielberg nos mantiene en vilo al comenzar la película en un combate de lucha libre, un lugar concurrido que Daniel ha elegido para realizar el intercambio: el dispositivo a cambio del regreso de Jane. Pero la operación secreta no sale como Scanlon había planeado. Daniel huye con Jane y el dispositivo, poniendo en marcha la trepidante persecución que caracteriza la película. El principal aliado de Daniel es Hugo Wakefield (Colman Domingo), director de Activos Biológicos de WARDEX, quien se ocultó junto con una docena de empleados y ahora comparte el mismo objetivo. Daniel protesta diciendo que no tiene ninguna experiencia como agente de campo, pero Hugo insiste en que conserve el dispositivo y espere que lo encuentren antes que Scanlon.

Mientras tanto, Margaret Fairchild (Blunt), una meteoróloga de la televisión de Kansas City cuyo novio Jackson (Wyatt Russell) se resiste a su deseo de mudarse a un mercado más grande, experimenta cambios repentinos. Después de que un cardenal rojo entra volando a su apartamento y se posa en la mesa de la cocina, Margaret adquiere misteriosamente la capacidad de hablar ruso y coreano, y de comprender la mente de cualquiera con quien se encuentre, simplemente con contacto visual. Mientras está al aire, a punto de dar su habitual y animado pronóstico del tiempo, se distrae y comienza a emitir extraños chasquidos, un idioma ininteligible para todos excepto para Daniel, quien lo reconoce al instante como un código.

Presionada por Hugo para que destruyera su teléfono y huyera rápidamente de Kansas City antes de que WARDEX la encontrara, Margaret también se lanza a la carretera, acompañada inicialmente por un desconcertado Jackson. La conexión entre Margaret y Daniel y su origen constituyen el misterio central del guion de Koepp, basado en una historia de Spielberg. La forma en que estos dos, aparentemente desconocidos, se conocen y las distintas funciones que desempeñan en la comprensión de una especie alienígena confieren a la película una gran carga emocional.

Spielberg hace un claro guiño a "Close Encounters of the Third Kind", llegando incluso a hacer que los extraterrestres se parezcan a los visitantes de ese clásico imperecedero de 1977, mientras que la agencia secreta empeñada en contener la fuga de información recuerda a "E.T.". Pero es importante señalar la distinción de que esta no es ninguna de esas películas emblemáticas. La abundancia de ciencia ficción sofisticada en el último medio siglo significa que prácticamente cualquier forma de vida alienígena o nave espacial que los cineastas puedan imaginar ya se ha visto, lo cual no quiere decir que el trabajo del diseñador de producción Adam Stockhausen en esta última no sea impresionante. Inevitablemente, ahora es mucho más difícil sorprendernos.

Durante casi toda la película, nuestra visión de los visitantes interplanetarios se limita a vídeos en blanco y negro de baja resolución de los años 70, proyectados en monitores que antes estaban guardados bajo llave en las bóvedas de WARDEX. Pero, al menos para este espectador, esa exposición limitada sirvió para resaltar las implicaciones humanas, especialmente cuando Scanlon empieza a usar un dispositivo idéntico al que tiene Daniel para acceder a la mente de las personas cercanas a los fugitivos y que puedan revelar su paradero.

Si bien la combinación del ritmo vertiginoso de la editora Sarah Broshar y la potente banda sonora de John Williams (una de las mejores del veterano compositor) garantiza una experiencia emocionante de principio a fin, las secuencias de acción trepidantes resultan especialmente emocionantes. Destaca una persecución a alta velocidad en la que Margaret y Daniel saltan de un coche a un tren en marcha mientras el despiadado jefe de seguridad de Scanlon, Boyd (Henry Lloyd-Hughes), los persigue e intenta matarlos.

El reparto es inmejorable. Jane, interpretada por Hewson, una antigua novicia que perdió su vocación, es a la vez una brújula moral y una amenaza cuando Scanlon la manipula mentalmente; sirve como vehículo para las preguntas de la película sobre la fe y la necesidad humana de creer en algo más allá de nuestra existencia. Domingo interpreta a Hugo como el más lúcido y sensato, pero a la vez inesperadamente tierno, guiando a Margaret y Daniel hacia una comprensión más profunda de su pasado y de lo que viven en el presente. 

Firth resulta escalofriante, llevando su semblante severo y sumamente inteligente hacia terrenos cada vez más siniestros y aportando matices y gravedad a los extremos a los que Scanlon está dispuesto a llegar para cumplir su cometido, cueste lo que cueste. El éxito de WARDEX en la ingeniería inversa de tecnología extraterrestre alimenta la atmósfera subyacente de paranoia y conspiración nefasta propia de los años 70 que impregna la película.

O'Connor es uno de nuestros actores más emotivos y sensibles, aparentemente incapaz de una nota falsa; aporta convicción y una profundidad de sentimiento a Daniel que se intensifica con cada nueva información sobre quién es y de dónde provienen sus habilidades. Una secuencia en la que escapa por poco de ser arrestado en una granja aislada en la zona rural de Virginia Occidental junto a Jane es otro momento de gran tensión, magistralmente ejecutado.

Sin embargo, quien realmente se roba toda la atención es Blunt, sencillamente impresionante y más magnética que nunca, inyectando un torbellino de emociones en Margaret mientras es arrastrada por instintos aterradores que no puede controlar, y ganando terreno con determinación a medida que su situación —pasada y presente— se va esclareciendo. El acto final, que lleva a Margaret de vuelta al punto de partida, es profundamente conmovedor, aunque los pasos que Koepp da para llegar allí a veces resulten confusos. 

En cuanto a la técnica, Spielberg está en su mejor momento. Trabajando con su director de fotografía de siempre, Janusz Kaminski, quien aquí pinta con una paleta de colores apagados realzada por una iluminación exquisita, el director planifica cada plano para lograr el máximo impacto dramático, con una cámara que se mueve con una gracia y un control que reafirman su reputación como un narrador visual consumado. Para cualquiera que haya disfrutado de sus películas, "Disclosure Day" será una adición esencial a la rica filmografía de Spielberg.

Crítica Cinéfila: Final de Euphoria

Han pasado cinco años para los antiguos alumnos de East Highland High, y la vida para ellos ha sufrido serios cambios.

El que ha visto Euphoria desde sus inicios (en tiempo real) hasta este final, debe reconocer que la serie ha logrado un antes y un después; siendo de por sí una propuesta arriesgada, logró un viaje fructífero desde el 2019 hasta esta fecha de cierre. Las tramas de preparatoria y de acoso sexual ya se habían contado, por lo que su creador Sam Levinson, el creador y director de la serie, se encontraba ante una disyuntiva. ¿Merecía la pena seguir con la historia de estos adolescentes? La única diferencia es que el tema no era tratado como él lo hizo, y su respuesta le vino dada. La amenaza de cancelar la serie fue contraatacada con esos dos episodios especiales que profundizaban en la psicología de su pareja principal, Rue y Jules, a modo de episodio botella, dos especiales que para muchos alcanzaron los temas más intensos y espléndidos de la serie.

La segunda temporada apostó también por una vuelta de tuerca arriesgada, con tramas de los personajes que confluían en una especie de metacine hispter a modo de obra de teatro de colegio. Mientras, Rue, seguía inmiscuida en sus negocios turbios relacionados con la droga. Después, cuando todos dábamos por extinguida la serie, llegó el inesperado anuncio de una tercera temporada. La serie debía reinventarse de nuevo; habían pasado muchos años desde el lanzamiento del último episodio. Las tramas de colegio ya no tenían sentido, especialmente porque nadie se tomaría en serio que aquellos actores adultos todavía siguieran siendo estudiantes. Había que tomar una decisión, en parte motivada por la salida del proyecto de algunos actores. Es cierto que la producción merecía un cierre digno y definitivo. La segunda temporada, aunque sensacional, no podía quedarse como el último movimiento por parte de los personajes. Los espectadores merecíamos un final. Y personalmente creo que fue el más adecuado.

Con todas estas circunstancias. Levinson se enfrentaba a una decisión tan arriesgada como estimulante: ¿Qué habría sido de los protagonistas después del colegio? Lo que podría haberse convertido en una expansión insulsiva de algunas tramas se convirtió en una oportunidad única para demostrar su talento narrativo. La temporada 3 de Euphoria se convierte casi en una temporada de antología en la que los personajes rompen con su background para colocarlos en situaciones al límite, en las que tendrán que poner a prueba su actitud ante la vida, esos valores que se supone que aprendemos durante la época escolar.

La nueva temporada también supuso un giro radical respecto a sus preceptos originales. Una especie de historia independiente que podría funcionar de forma aislada, sin las ataduras emocionales de las temporadas anteriores y los años del colegio. Nadie dijo que fuera fácil. No todo el mundo lo entendería. Pero Sam Levinson se ha atrevido a aceptar el reto y a desarrollar una temporada fantástica y muy sólida.

Euphoria gira radicalmente. De ser un drama juvenil, la serie va hacia un neowestern fronterizo en el que los cárteles de la droga y las malas decisiones componen un retrato demoledor de la sociedad norteamericana de los suburbios. Con la amenaza latente de una de las lacras más vergonzosas y preocupantes de Estados Unidos: el fentanilo.

Euphoria se suma a ese movimiento artístico que está aflorando en el cine de Hollywood con películas como The Rider o Nomadland (ambas de Chloë Zao) o las recientes Eddington (Ari Aster) o la triunfadora Una batalla tras otra (Paul Thomas Anderson) con historias de gente que malvive en los límites de todo y de la nada más absoluta al tiempo que las políticas y discursos del odio calan entre los descerebrados que ya no tienen nada que perder.

Sin dejar de lado esa locura que ha golpeado con fuerza a los más jóvenes: auténticos yonkis dependientes de las redes sociales y del aparentar algo ante los demás. Un destructor de cerebros que ridiculizan hasta el extremo al personaje de Cassie (Sydney Sweeney), por el que casi sentimos vergüenza en algunos momentos. Su caída a los infiernos quizás no sea tan explícita que la de otros personajes, pero resulta grotescamente violenta por lo cercano que resulta el mundo de las influencers en la sociedad actual.

Por otro lado, la explotación de mujeres y las falsas promesas de llegar a lo más alto es un tema tan necesario como aterrador. Mujeres peleando entre ellas por llegar a lo más alto, cuya única fantasía es la de operarse para conseguir más likes —las que tienen suerte de no ser explotadas sexualmente— o conseguir más propinas. Una historia deprimente que nos hace reflexionar sobre todas las cosas que estamos haciendo mal. Quizás Jules sea el personaje menos aprovechado en esta temporada, pero la nueva frialdad de su personaje es capaz de crear una atmósfera única, llenando la pantalla con su sola presencia. Soberbia.

Por otro lado, la serie se centra en ese arraigo, todavía palpable, hacia lo primitivo de la sociedad americana, anclada en costumbres y poses anacrónicas, más propias de los antiguos westerns trasnochados pero que siguen vigentes. Una sociedad armada hasta los dientes y que sigue luciendo sombreros de cowboy de ala ancha. Las referencias son múltiples, especialmente, a través de los nuevos personajes pertenecientes al mundo de la prostitución y de la droga: persecuciones a caballo, paisajes desérticos, cartucheras, serpientes y botas de punta.

Por último, en esa doble moral tan norteamericana, la redención parece que solo cabe ante el abrazo de la religión, cualquiera de ellas es válida como dice el personaje de Ali (mentor de Rue en Alcohólicos Anónimos). En esta temporada, Rue parece alcanzar la paz mental a través del estudio de la Biblia. Mientras otros personajes creen que ahora el libro sagrado tiene una versión reducida y adaptada a los nuevos tiempos, otros personajes descubren que las historias bíblicas están repletas de sangre, sexo y odio, como pasa en la vida real. Viendo la interpretación que muchas naciones hacen de los textos sagrados, no es de extrañar la situación geopolítica actual. 

Quizás no sea casualidad la inclusión en el reparto de Rosalía, fan reconocida de la serie, que con su último disco Lux ha hecho que muchos se replanteen la religión y se interesen por temas más espirituales. Aunque solo sea por estar de moda o porque los influencers hablen de ello, abrir el debate en esta sociedad tan lobotomizada siempre es una buena noticia.

Todo es caos en Euphoria. Nada hace pensar que saldremos bien parados de esta situación si el catalizador de todo resulta ser el personaje de Ali, capaz de restaurar el equilibrio moral de la temporada entrando a tiros en un local de striptease de carretera. Nada hace pensar que la vida mejorará después de la etapa escolar.

La elección del maestro Hans Zimmer en el espacio musical junto a los samplers electrónicos de Labrinth sirve como una intención adicional a una temporada asfixiante que siempre va en crescendo. Los espectadores sabemos que los personajes se dirigen hacia el abismo, sin poder hacer nada para remediarlo. Mucho se había hablado de la música y el cambio sustancial de la banda sonora, pero para mí esta elección ya marca, y mucho, el devenir de los episodios.

Por momentos, Sam Levinson se recrea durante varios minutos en escenas formidables, para componer un clímax único. Recuerda mucho a esos fotogramas preciosistas que demuestran un control absoluto de la iluminación, el uso del color y la imagen de otros grandes maestros como David Lynch o Nicholas Winding Refn.

Euphoria refleja a la perfección esa frustración furibunda de la clase media y trabajadora por no alcanzar los sueños de adolescencia, esos sueños que nos prometieron a través de la publicidad y los mensajes vacíos de los gurús de las redes sociales. Entre la mediocridad de consumo rápido de la mayoría de series de algunas plataformas, la conclusión es que necesitamos más series como Euphoria. 

Crítica Cinéfila: Backrooms

Una extraña puerta aparece en el sótano de una exposición de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para intentar salvarlo.

En “ Backrooms ”, un inquietante viaje de terror dadaísta y meditativo en la tradición de “Eraserhead” y “Skinamarink”, donde se cuestiona la realidad, el director Kane Parsons convierte nuestros miedos en una casa de la risa con muchas paredes pero sin fondo. El personaje central, Clark ( Chiwetel Ejiofor ), es un dueño divorciado de una tienda de muebles, un arquitecto fracasado que hierve de resentimiento por el desastre en que se ha convertido su vida. Clark acude a terapia con la Dra. Mary Kline ( Renate Reinsve ), y juntos realizan un juego de rol en el que recrean la historia de Clark sobre cómo su esposa lo echó de casa. Ahora vive en la tienda, que se llama Cap'n Clark's Ottoman Empire (incluso hace anuncios de televisión disfrazado de pirata). Es un lugar grande donde vende muebles baratos, y un día, mientras intenta arreglar la iluminación defectuosa de la tienda, se siente atraído por una pared hasta que se adentra en ella.

Al otro lado de la pared hay una habitación enorme, casi vacía. Es como una versión de la tienda que han vaciado, con una moqueta mohosa, un techo salpicado de paneles rectangulares de luz fluorescente y paredes de un amarillo descolorido. Está conectada a otra habitación, y a otra, y a otra, y algunas contienen muebles apilados o montones de ropa sucia, y otras están divididas por huecos cuadrados que parecen pasadizos. Pero el lugar parece no tener fin. ¿Acaso Clark ha cruzado un espejo que lo llevará a la salvación? ¿Ha descubierto un misterio envuelto en un acertijo dentro de un enigma? ¿O ha entrado en el infierno? Quizás todo lo anterior.

La historia de fondo de "Backrooms" es casi tan interesante como la película misma. No es la primera película que surge de un concepto de creepypasta, pero podría ser la primera en hablar el lenguaje de los memes de Internet, canalizando la esencia misma del terror web en constante expansión. Backrooms comenzó como una sola fotografía inquietante tomada durante la renovación de una antigua tienda de muebles en Oshkosh, Wisconsin. El concepto fue luego desarrollado por usuarios en un hilo de 4chan, pero siguió siendo una visión del infierno como un infinito espacio de oficinas abandonadas hasta 2022, cuando Kane Parsons, de 16 años, tomó esa premisa y la expandió en una intrincada serie de cortometrajes en YouTube; la serie se convirtió en un fenómeno.

En las películas de Backrooms, la cámara vagaba por habitación tras habitación (era como un plató de cine interminable), con imágenes grabadas con el grano degradado del VHS. Todo tenía un aura a lo "Blair Witch": la dimensión de metraje encontrado, con la cámara en mano que el camarógrafo nunca suelta, ni siquiera al correr, y toda la insinuación de "¿qué se esconde tras la siguiente esquina?". Pero también fue un ejemplo fundamental de la estética del "espacio liminal": imágenes de espacios vacíos o abandonados que transmiten una sensación de desolación y, vagamente, de embrujo, con la cualidad de un portal de la vida real. El espacio liminal original podría haber sido casi como las tomas de los pasillos vacíos del hotel en "El resplandor", una película que siempre me ha parecido mucho más inquietante por su diseño audiovisual que por cualquier otro aspecto.

Gracias a la popularidad de la serie Backrooms, Parsons recibió una oferta de A24 para adaptarla a una película de terror. Con tan solo 20 años, esto lo convierte en el Orson Welles del cine viral. Y tal vez lo sea. "Backrooms", que se nutre de la popularidad de Parsons, podría convertirse en la primera película de terror experimental en recaudar 40 millones de dólares en su primer fin de semana. Parsons, en su debut como director de largometrajes (el guion es de Will Soodik), demuestra ser un maestro de la ambientación, compartiendo con el joven David Lynch la pasión por el diseño de sonido industrial y cósmico, así como su fascinación por los misterios de la electricidad. Parsons extrae el verdadero terror de la sensación de estar encerrado, en lo que a veces parece una versión infinita de la guarida de un asesino en serie.

Como película de terror atmosférico, "Backrooms" es extraordinariamente efectiva. Te sientas y te sumerges en el laberinto, en los enigmas y las texturas grunge, sabiendo que la película te va a dejar perplejo. La sensación de pavor creciente se basa en la posibilidad de que algo horrible aceche dentro de esas habitaciones amarillas y mohosas, algo parecido al monstruo que aparece en "Inland Empire" de Lynch (otro precursor de Backrooms). Y Parsons, con su estilo demasiado refinado para los sustos repentinos, nos ofrece esos monstruos, o al menos, algunas figuras atormentadas de horror con cabezas retorcidas. Hay una imponente versión demoníaca del Capitán Clark, así como humanos que parecen tener varias caras arrugadas sobre sí mismos. ¿Qué son? Quizás seamos nosotros.

Chiwetel Ejiofor, un actor excepcional, es la presencia perfecta para estar en el centro de todo esto. Su Clark, barbudo y bebedor, es un hombre cuya vida destrozada no tiene sentido para él, y a medida que se adentra en los cuartos traseros, comunica —e inculca en el público— la sensación de que busca una catarsis de significado, incluso si resulta ser una pesadilla (que, por supuesto, lo es). Renate Reinsve, como la psiquiatra que se adentra en los cuartos traseros tras él, transmite una tensión angustiosa.

A pesar de la inquietante viveza de su imaginación, ¿es "Backrooms" una buena película? Es un film de insinuaciones y oscuridad profunda, como un thriller de casas encantadas convertido en un escalofriante poema sobre lo siniestro. Puede que decepcione a quienes esperen una experiencia de terror convencional. Parsons, a pesar de todo lo que muestra, deja la sensación de que el verdadero horror podría estar fuera de nuestro alcance, lo cual, en cierto modo, es lo que convierte la estética del espacio liminal en algo atractivo. Pero no se puede negar que Kane Parsons es ahora un maestro en este género. De ahora en adelante, será fascinante ver cómo llena esos espacios.