Crónica Cinéfila: Las mejores 24 películas del 2024

Se acaba el año y reflexiono sobre aquellas historias que nos recuerdan lo mágico y poderoso que es el cine. Sin importar el género, el origen del cineasta o el formato de estreno, el 2024 logró un cine que nos ha transportado a tantos lugares, desde los pasillos del Vaticano hasta la maravillosa tierra de Oz. 

Aquí les comparto las que considero que son las mejores películas del 2024:

Anora

Anora, una joven prostituta de Brooklyn, tiene la oportunidad de vivir una historia a lo Cenicienta cuando conoce e impulsivamente se casa con el hijo de un oligarca ruso. Cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas se ve amenazado, ya que los padres parten hacia Nueva York para intentar conseguir la anulación del matrimonio.

Ainda estou aqui

Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, en las que narra cómo su madre se vio obligada al activismo político cuando su marido, el diputado izquierdista Rubens Paiva, fue capturado por el régimen durante la Dictadura militar de Brasil, en 1971. 

Blitz

En el Londres de la Segunda Guerra Mundial, George, un niño de nueve años, es evacuado al campo por su madre, Rita, para escapar de los bombardeos. Decidido a volver con su familia, George se embarca en un viaje épico de vuelta a casa mientras Rita intenta encontrarle.

Better Man

La historia de Robbie Williams, uno de los mejores artistas del mundo, las experiencias que lo convirtieron en quien es y los demonios con los que luchó tanto dentro como fuera del escenario.

Challengers

Ambientada en el competitivo mundo del tenis profesional, en el que una exjugadora convertida en entrenadora, Tashi, ha conseguido transformar a su marido Art en campeón de varios torneos del Grand Slam. Tras una racha de derrotas, Tashi le inscribe en un torneo 'Challenger' -el torneo profesional de menor nivel-, en el que se reencuentra con Patrick, su antiguo mejor amigo y exnovio de Tashi.

Civil War

En un futuro cercano, donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de Estados Unidos.

Conclave

Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence es designado como responsable para liderar uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección de un nuevo Papa. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.

Dìdi

Un chaval taiwanés-estadounidense de 13 años descubre el skateboarding, el flirteo amoroso y la esencia del amor maternal más allá de las convenciones familiares.

Emilia Pérez

Sobrecualificada e infravalorada, Rita es una abogada de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar al temido jefe de un cartel a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser. 

His Three Daughters

Cuando la salud de su padre empeora, tres hermanas con vidas diferentes se unen para intentar hacer planes para lo inevitable. La mayor es la nerviosa Katie, que se centra en todos los detalles prácticos. La hermana mediana, Rachel, está deseando irse después de pasar un año cuidando al hombre. Y la hermana menor, Christina, parece siempre al borde de las lágrimas, haciendo todo lo posible por mantener la paz mientras todos están atrapados en el pequeño apartamento de su padre.

Immaculate

Cecilia, recién llegada de Estados Unidos, ingresa como novicia en un convento de la remota campiña italiana. Allí es recibida por el Padre Tedeschi, quien la introduce en las rutinas religiosas. Un día descubre que está embarazada y lo que parecía un milagro, por conservar aún su virginidad, resulta ocultar un siniestro secreto que hará que busque salir de aquel lugar desesperadamente.

Inside Out 2

Riley entra en la adolescencia y el Cuartel General de su cabeza sufre una repentina reforma para hacerle hueco a algo totalmente inesperado propio de la pubertad: ¡Nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco, con años de impecable gestión a sus espaldas (según ellos...) no saben muy bien qué sentir cuando aparece con enorme ímpetu Ansiedad. Y no viene sola: le acompañan envidia, vergüenza y aburrimiento. 

Juror #2

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Late Night with the Devil

En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica. 

Lee

La historia de la fotógrafa Elizabeth 'Lee' Miller, una modelo de moda que se convirtió en una aclamada corresponsal de guerra para la revista Vogue durante la Segunda Guerra Mundial.

Nightbitch

Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. 

Queer

William Lee, un expatriado estadounidense de unos 50 años en Ciudad de México, pasa sus días casi solo, salvo algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un joven estudiante recién llegado a la ciudad, le muestra, por primera vez, que finalmente podría ser posible establecer una conexión íntima con alguien.

September 5

Durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, el equipo de periodistas deportivos estadounidenses de la ABC que cubrían los juegos se vieron de repente obligados a cubrir la crisis de los rehenes de los atletas israelíes secuestrados por un grupo terrorista. 

The Substance

'Tú, pero mejor en todos los sentidos'. Esa es la promesa, un producto revolucionario basado en la división celular, que crea un alter ego más joven, más bello, más perfecto.

The Devil's Bath

Austria, siglo XVIII. Pueblos rodeados de profundos bosques. En lo alto de una colina, una mujer ha sido ejecutada y expuesta a la vista de todos tras matar a un bebé. Como prueba. Como advertencia. ¿Como un presagio? Agnes, profundamente religiosa y muy sensible, se casa con su amado Wolf y se prepara cándidamente para una vida de esposa. Poco después, su cabeza y su corazón empiezan a sentirse pesados. Día tras día, se ve cada vez más atrapada en un camino turbio y solitario que la conducen a los malos pensamientos. Quizá... no sólo pensamientos.

The Seed Of The Sacred Fig

El juez de instrucción Iman se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan. 

Thelma

Cuando a Thelma Post, de 93 años, le engaña un estafador telefónico que se hace pasar por su nieto, emprende una peligrosa búsqueda por toda la ciudad para recuperar lo que le han quitado.

We Live in Time

Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.

Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas. Elphaba es una joven incomprendida por su inusual color verde que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica Tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad. La trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical de Broadway.

Crítica Cinéfila: Babygirl

Romy es una alta ejecutiva que inicia una ardiente aventura de sexo extremo con su joven becario, Samuel (Harris Dickinson) a espaldas de su marido Jacob (Antonio Banderas). Romy invertirá su rol habitual en el trabajo, pasando de ser quien da las órdenes a disfrutar siendo sometida en la cama. Esta tórrida relación extramatrimonial le permitirá encontrar el camino hacia su libertad sexual, a pesar del riesgo y los prejuicios. 

Romy Mathis es dueña de un dúplex en la ciudad y de una gran casa en el campo. Tiene un marido cariñoso, dos hijas adorables y una carrera dorada como directora ejecutiva de Tensile, una "empresa de robots" no específica que gestiona un exitoso programa de entregas a domicilio. Romy lo tiene todo, lo que naturalmente significa que quiere algo más, algo más. Al poco tiempo se ha embarcado en una aventura peligrosa con su pasante de oficina, a quien se le echa encima en el baño al son de "Never Tear Us Apart" de INXS.

Romy es interpretada por Nicole Kidman, cuya brillante y audaz interpretación, sin embargo, tiene un dejo de angustia, como si no estuviera del todo convencida de todo lo que se ha comprometido a hacer, y esta crítica tampoco lo creería. Es la protagonista de la película de Halina Reijn, que podría haber sido el Tár de este año si no fuera tan superficialmente complacida consigo misma, tan emocionada por su propia osadía, y luego tan sumisa con el personaje que menos uno se lo imaginaría. "Babygirl" tiene algunas cosas útiles y ocasionalmente provocativas que decir sobre la dinámica interna de la oficina y el deseo sexual, pero las dice con el profesionalismo entrecortado y alegre de una presentación corporativa anual.

La película comienza con un orgasmo y termina con otro, aunque resulta que el primer clímax fue fingido, porque Romy nunca ha estado verdaderamente satisfecha con su esposo. Confiesa tener “pensamientos oscuros”, se masturba compulsivamente con su computadora portátil y anhela una aventura que la saque de su rutina. Esto explica por qué se siente vulgarmente atraída por Samuel (Harris Dickinson), un veinteañero que entra como pasante en la oficina de Tensile en Nueva York, cuya confianza en sí mismo es vulgarmente atrevida y está justo en el nivel insoportable de la insolencia. El pasante quiere que ella sea su mentora; quiere todo lo que pueda conseguir, aunque la mentoría sea solo para demostrarle lo atrevido que es. Al llegar al trabajo una mañana, Romy lo ve domesticando a un perro salvaje en la calle. Tal vez, piensa, él también pueda domesticarla a ella.

Al igual que el primer clímax de Romy, la película parece ser una parodia y una buena actuación; realizada con maestría pero sospechosa en el corazón de la historia. Reijn disfrutó de un gran éxito con la contundente "Bodies Bodies Bodies" en 2022, pero esta película es menos satisfactoria y, a veces, bastante incómoda. Romy y Samuel están atrapados en una relación tórrida y tóxica. Él le da de comer platillos de leche al son de "Father Figure" de George Michael, mientras que su marido, Jacob (Antonio Banderas), se queda con las niñas y tratando de dirigir su último espectáculo off-Broadway. El equilibrio de poder cambia: Samuel comienza a pensar que él es el jefe y Romy (por alguna razón que solo ella entiende) cede. Señala que tiene un control crucial sobre Romy y que todo lo que se necesitaría es una llamada telefónica para terminar instantáneamente con su carrera (pero, ¿a quién es esa llamada?). Mientras más cede al control de él y sus juegos tóxicos, más incómoda se vuelve la historia, solo alzando la pregunta de hasta donde llegará este "juego".

¿Es un spoiler mencionar que la aventura de Romy y Samuel no termina bien? Es obvio. No puede haber un final feliz para estos dos; solo más desorden, más estrés y, finalmente, una pelea a puños junto al árbol de Navidad. El drama de Reijn merece crédito por su falta de moralización y sugiere que incluso la aventura más imprudente puede traer beneficios imprevistos. Pero su mayor logro lo alcanza demasiado tarde en la trama, y a pesar de toda su carnalidad excitada y sus luchas de poder en sucesión, las emociones de la película se sienten maquinadas y envasadas al vacío. "Babygirl" culmina luciendo tan ordenada y anónima como una caja del almacén de entregas de Tensile, con la inquietud de su contenido pudo haber sido más emocionante si se hubiese empacado mejor.

Crítica Cinéfila: Conclave

Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence es designado como responsable para liderar uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección de un nuevo Papa. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.

El director Edward Berger, que hizo una de las mejores películas de 2022 con una vívida adaptación de "All Quiet on the Western Front", cambia de marcha de forma gratificante con una película ambientada casi en su totalidad en el Vaticano. "Conclave", adaptada de la popular novela de Robert Harris, demuestra la versatilidad de Berger y también ofrece uno de los mejores papeles de su carrera a Ralph Fiennes, que cuenta con el apoyo de un elenco impresionante.

La reciente película nominada al Oscar "The Two Popes" también nos llevó al Vaticano para examinar la verdadera historia de la ascensión del papa Francisco (interpretado por Jonathan Pryce). En aquel entonces era esencialmente un docudrama, mientras que esta película es pura especulación ficticia sobre las maquinaciones detrás de escena involucradas en la elección de un nuevo papa después de la muerte del pontífice anterior. Fiennes interpreta al decano del Colegio de Cardenales, quien está a cargo de supervisar la elección.

El guionista Peter Straughan ("Tinker Tailor Soldier Spy") mantiene la historia en movimiento. Una colección de personajes intrigantes respalda al cardenal Lawrence de Fiennes. Siente un vínculo estrecho con un cardenal estadounidense, interpretado encantadoramente por Stanley Tucci. Ambos hombres sospechan del cardenal canadiense interpretado por John Lithgow, quien está haciendo una campaña febril para ser el próximo Papa, pero que parece motivado más por la ambición personal que por cualquier impulso humanitario o espiritual.

Un candidato sorprendente es un cardenal de Nigeria, interpretado por Lucian Msamati, y muchos en el Vaticano ven posibilidades en la elección del primer papa africano. Pero hay otros cardenales más conservadores, como el candidato italiano, interpretado por Sergio Castellito, que harían casi cualquier cosa para impedir que este advenedizo desmantele la jerarquía europea. Y luego aparece un misterioso recién llegado de Kabul, interpretado por Carlos Diehz. Ninguno de los cardenales sabía siquiera de la existencia de este sacerdote, que aparentemente fue invitado a Roma por el ex Papa antes de su muerte. Y muchos de ellos desconfían de un sacerdote católico procedente de una parte del mundo predominantemente musulmana. Los viejos prejuicios son difíciles de eliminar.

A medida que los juegos de poder se vuelven más intensos, una monja interpretada por Isabella Rossellini resulta tener un papel importante en el desafío a la jerarquía masculina de la Iglesia Católica. La película plantea cuestiones actuales sobre los prejuicios sexuales y racistas dentro de la religión organizada, al tiempo que reconoce los escándalos sexuales que han sacudido a la Iglesia en los últimos años.

Fiennes ofrece una magnífica interpretación de un hombre que empieza a tener dudas sobre su fe como resultado de todos estos escándalos, y cuando es nombrado como uno de los principales candidatos para ser nombrado Papa, su crisis de conciencia se intensifica. Podemos ver que puede ser el candidato más calificado, en parte como resultado de estas dudas cuidadosamente articuladas, pero puede que no tenga el estómago para el trabajo.

Berger hace un buen trabajo controlando todas estas actuaciones, y también crea una atmósfera rica para la producción. La Capilla Sixtina y otras partes del Vaticano fueron reconstruidas en los Estudios Cinecitta, y fueron traídas a la vida por el director de fotografía Stephane Fontaine y la diseñadora de producción Suzie Davies. Aunque el mundo elegante y enclaustrado del Vaticano es capturado de manera atractiva, un mundo más violento se entromete cuando un atentado terrorista en Roma se acerca demasiado para la comodidad. El editor Nick Emerson mantiene la acción a toda velocidad, mientras que el compositor Volker Bertelmann, quien ganó un Oscar por su banda sonora en "All Quiet on the Western Front", demuestra su experiencia, así como su versatilidad con su trabajo aquí.

Incluso los espectadores que quieran adivinar la identidad del próximo Papa se sorprenderán con el giro final, que está en consonancia con la ambición de la película de trasladar las certezas del pasado a un futuro nuevo, impredecible, vertiginoso, pero esencial.

Crítica Cinéfila: Maria

La tumultuosa, bella y trágica historia de la vida de la cantante de ópera más importante del mundo, revivida y reimaginada durante sus últimos días en el París de los años setenta. 

Si Hollywood ya no sabe qué hacer con sus actrices, lo mejor que podría hacer es enviar más de ellas a Pablo Larraín. En lugar de colocarlas frente a una pantalla verde, el autor chileno tiene un don para emparejar a las actrices con papeles biográficos que aprovechan todo el potencial de sus talentos y las hacen parecer diosas. Lo hizo en 2016 con Natalie Portman como Jacqueline Kennedy, y en 2021 con Kristen Stewart como la princesa Diana. 

Ahora en 2024 es el turno de Angelina Jolie, quien en la muy esperada película biográfica de Maria Callas –la tercera parte de una trilogía informal sobre mujeres históricas– ofrece su mejor interpretación en al menos 15 años. Lejos de obligarla a deshacerse de su imagen glamurosa existente, la película la redobla y la eleva hasta extremos regios. Sin mencionar los rumores sobre los Oscar que ya están circulando. Uno querría enviar a esta mujer a recibir a visitantes extraterrestres.

Al igual que en Jackie y Spencer, "María" ofrece una vista panorámica de su protagonista a través de una ventana temporal en forma de saetera: en este caso, la última semana de la vida de Callas. Con la voz debilitada y el estrellato desaparecido, la gran soprano vive recluida en París con su fiel criada (Alba Rohrwacher) y su mayordomo (Pierfrancesco Favino), este último que pasa la mayor parte del tiempo intentando encontrar el lugar adecuado para el piano de cola de su patrona. El guión de Steven Knight gira en torno a una dinámica trágica poco habitual: Maria ha sobrevivido a su carrera operística mientras que su leyenda ha pasado a la historia sin ella, dejándola sola para sopesar el coste de ambas. Pasa tiempo con un pianista, intentando inútilmente recuperar la voz que quedó plasmada en sus viejas grabaciones de vinilo. 

Así como Diana en Spencer conversaba antes de acostarse con el fantasma de Ana Bolena, María tiene su propio interlocutor espectral. Se llama Mandrax (Kodi Smit-McPhee), es la personificación de sus sedantes recetados y toma la forma de un joven periodista libertino que la interroga durante sus paseos solitarios. Los recuerdos de su vida anterior también vuelven en blanco y negro: algunas actuaciones tempranas magníficamente escenificadas (con audio combinado de las voces de Jolie y Callas), además de escenas de su romance con el magnate naviero Aristóteles Onassis (Haluk Bilginer), cuyo afecto entrelazado y crueldad hacia ella está dramatizado de manera sustanciosa.

Al ver a Marilyn Monroe desearle un feliz cumpleaños al presidente Kennedy, Callas comenta que incluso una artista con una voz relativamente normal puede causar una buena impresión. “A nadie le importa su voz”, responde Onassis, “así como a nadie le importa su cuerpo”.

Onassis está preocupado por su propia fealdad, lo que parece una pista del enigma de su relación, que tal vez la película podría haber hecho más por resolver. Aquí tampoco hay muchos de los toques de gracia extravagantes que Stewart tuvo que interpretar en Spencer: Jolie tiene mucho espacio para deslumbrar, pero menos para sorprender. Pero deslumbra, con una fina comprensión de hasta qué punto puede ser exagerada sin que los procedimientos se vuelvan demasiado operísticos para su propio bien.

La mayoría de las grandes óperas se inclinan tan ardientemente hacia la tragedia, la pérdida y la muerte que, para los no creyentes, corren el riesgo de desplomarse en el campamento, y lo mismo ocurre con María, que no puede ver un grano de arena sin hacer una montaña; no puede ver una línea de risa sin tratar de exprimirla en lágrimas. "María" demuestra ser una obra más forzada y egocéntrica, crucialmente más esclava del culto al gran artista. Callas llega tarde al ensayo. A su pianista no le importa. "Eres María Callas, no llegas tarde", le asegura. "Todos los demás llegan temprano". Si toda ópera invita al desastre, se deduce que las buenas se inclinan hacia el peligro, manteniendo su nota de patetismo lastimero para enredarnos lentamente en el drama. Y así lo demuestra la magnífica y declamatoria María, una película que es tan preciosa y difícil de manejar como ese molesto piano de cola. 

Crítica Cinéfila: Anora

Anora, una joven prostituta de Brooklyn, tiene la oportunidad de vivir una historia a lo Cenicienta cuando conoce e impulsivamente se casa con el hijo de un oligarca ruso. Cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas se ve amenazado, ya que los padres parten hacia Nueva York para intentar conseguir la anulación del matrimonio.

“Anora” es una película sobre dos culturas (rusa y estadounidense), dos idiomas (ruso e inglés) y dos monedas (dinero y sexo). Como incontables fantasías hollywoodenses que la han precedido, cuenta la historia de cómo jóvenes de mundos diferentes se enamoran, se enfrentan a obstáculos inmediatos y afrontan las consecuencias, excepto que en este caso la pareja está formada por una stripper neoyorquina y el hijo imprudente de un oligarca ruso. ¿Cuánto tiempo le darías?

El director Sean Baker describe “Anora” como una historia de Cenicienta, pero eso es cierto sólo en la misma medida que su “The Florida Project”, que se rodó en Walt Disney World, podría ser vista como un cuento de hadas. Sigue los pasos de otras cuatro películas en las que Baker se centró en la experiencia de las trabajadoras sexuales (desde estrellas del porno hasta prostitutas) y remodela sus mejores aspectos en un viaje emocional compulsivamente entretenida. El corazón de la película puede estar en Brighton Beach, pero su espíritu serio y cómico está más en línea con el ciclón de Coney Island que está justo al final del paseo marítimo.

El personaje principal (Mikey Madison), que prefiere que lo llamen Ani, trabaja en un club de striptease de Manhattan y ofrece bailes eróticos a hombres de negocios y, en lo que parece ser el día más afortunado de su vida, conoce a un chico ruso llamado Ivan (Mark Eydelshteyn), cuyo verdadero nombre es Vanya Zakharov. Como Ani sabe un poco de ruso, su jefe la envía a su mesa, donde los dos se llevan bien enseguida, comunicándose a través de una torpe mezcla de los dos idiomas.

Ingenuo, dulce e incondicionalmente generoso, Ivan inmediatamente parece diferente de los otros clientes de Ani, la mayoría de los cuales tienen la edad suficiente para ser su padre. Apenas dos años mayor que Ivan, Ani lo toma de la mano, lo lleva a una habitación privada y se hace cargo, lo que hace que Ivan piense que es él quien toma las decisiones. Ese es un tema común a los 138 minutos de una película que transcurre rápidamente: otros personajes pueden tener el dinero, pero ella tiene el control durante la mayor parte de "Anora". En las escenas en las que no lo tiene, sobre todo una escena prolongada y profundamente incómoda en la que tres hombres intentan contenerla, la mente de Ani corre en busca de una forma de inclinar la balanza a su favor. Al final de esa primera noche, ha enviado a Ivan a casa con su número en su teléfono.

Después de unas cuantas visitas individuales a su opulento apartamento (una mansión frente al mar con servicio de limpieza y seguridad privada), Ani se encuentra negociando la tarifa por una semana de atención exclusiva. Acuerdan 15.000 dólares, en efectivo por adelantado. Baker no es tímido, pero tampoco pervertido, sobre el sexo transaccional entre estos dos, presentándolo sin juzgar. Ni degradantes ni glamorosas, las sesiones de Ani e Ivan son, en cambio, suavemente divertidas. Ella intenta conocerlo, mientras que Ivan lo que más quiere es sexo, centrando su atención en los videojuegos o la televisión tan pronto como terminan.

Entusiasmado pero inexperto, Ivan hace el amor a toda velocidad como una especie de conejo espástico y, tras unas cuantas decepciones, Ani se ofrece a ir más despacio y a darle algunas instrucciones. Es justo en ese momento cuando Ivan le dice a Ani que está enamorado... y poco tiempo después le propone que se casen. En ese momento, Ani se deja llevar por la extravagante vibra YOLO que desprende Ivan: un caleidoscopio de fiestas y noches largas que es infinitamente mejor que su vida familiar de clase trabajadora (vislumbrada brevemente entre los turnos en el club). Ivan lleva a Ani en avión a Las Vegas, donde las capillas nupciales están abiertas las 24 horas. Algunas personas van a Las Vegas y se hacen un tatuaje; ella sale con una piedra de cuatro quilates y un certificado de matrimonio.

Es justo en este punto donde una historia de Cenicienta terminaría. Pero en realidad está comenzando. El sueño de Ani dura 45 minutos, y luego los padres de Ivan se enteran de que su hijo pródigo (y despilfarrador) se ha casado con una "prostituta", como la identifican erróneamente con frecuencia. Están indignados por la vergüenza que Ivan ha traído sobre su familia, aunque Madison es tan sincera en el papel de Ani que es difícil ver su punto de vista. Claro, los ojos de Ani se abrieron de par en par cuando vio la vista desde el dormitorio de Ivan o la colección de vehículos de lujo en su garaje. Pero ella no es una cazafortunas.

El padrino de Ivan, Toros (Karren Karagulian), se involucra y despacha a un par de matones: un compatriota armenio llamado Garnick (Vache Tovmaysan) y un rusoparlante llamado Igor (Yura Borisov). Baker le aporta a “Anora” la misma energía espontánea e improvisada que le aportó a “Tangerine” antes de esta, lo que hace que lo que sigue sea igual de impulsivo e impredecible, capturado en una deliciosa pantalla ancha ligeramente sobresaturada. El público está del lado de Ani, pero aquí no hay “malos”, solo familiares y amigos preocupados y comprensiblemente alarmados por las acciones de Ivan.

Toros quiere anular el matrimonio, mientras que Ani se aferra a la esperanza de cuento de hadas de que sea real hasta que Ivan se escapa y abandona a todos, en lugar de enfrentarse a su madre (una feroz Darya Ekamasova), que ya está de camino desde Rusia. Al cambiar el tono de la película y cómo se siente el público sobre la situación cada pocos minutos, Baker orquesta brillantemente el caos que se avecina mientras la situación se descontrola. Los rusos tienen cierta reputación y es fácil imaginar que el día se torcerá terriblemente. ¿Quién podría ser el primero en extrañar a Ani si desapareciera? La respuesta: nosotros.

Con una voz tenue y de niña y la intensidad de pelea de gatas, Madison sorprende como Ani. En su trabajo, su personaje tiene todos los motivos para ser cínica y, sin embargo, Ani sigue creyendo en el amor verdadero, aunque Ivan no parezca merecedor de su fe. Debajo de su brillante cabello adornado con oropel y sus uñas de mariposa, es inteligente y llena de recursos, y representa en este inolvidable personaje las ambiciones y los obstáculos de siglos de trabajadoras sexuales. Baker siempre ha tenido un instinto para detectar talentos y, aquí, no tiene que mostrar a Madison bailando en barra al estilo de Jennifer Lopez en “Hustlers” para que el público crea en la autenticidad. Leemos a Ani como un ser real y nos sentimos profundamente involucrados en cómo se desarrolla.

Por su parte, Eydelshteyn aporta un aire larguirucho al papel de Ivan, al estilo de Timothée Chalamet, adaptando su lenguaje corporal a la forma en que Ani lo ve: Príncipe Azul al principio, pero cada vez más patético cuando se invoca a sus padres. El rostro familiar de Karagulian ha aparecido en todos los papeles de Baker, pero consigue su papel más importante hasta ahora como un hombre que no está dispuesto a arriesgar su conexión privilegiada con el clan Zakharov por las travesuras de Ivan. Borisov, que parece capaz de matar a alguien (Ani insiste en que tiene "ojos de violador"), acaba siendo el único realmente interesado en tender un puente entre sus dos mundos.

Por sí sola, “Anora” es una obra impresionante. Vista en el contexto de las fijaciones recurrentes de Baker (desde “Starlet” hasta “Red Rocket”), enfatiza su creencia de que el trabajo sexual es un trabajo real, que es más central para la sociedad de lo que la sociedad quiere admitir y que al identificarnos con aquellos a quienes normalmente cosificamos, no podemos evitar amarlos.

Temporada de Premios: Nominados a la 30va entrega de los Critics Choice Awards

El Critics Choice Association ha revelado las películas nominadas para los Critics Choice Awards de 2025.

"Conclave" y "Wicked" lideran las nominaciones de este año con 11 nominaciones cada una, incluido el premio principal a mejor película. "Dune: Part Two" y "Emilia Pérez" obtuvieron 10 nominaciones cada una, seguidas de "The Brutalist" con nueve y "Anora" y "The Substance" con siete nominaciones cada una. Las siete películas están nominadas a mejor película, categoría en la que también se enfrentarán a las cinco veces nominadas "Nickel Boys" y "Sing Sing" y a la tres veces nominada "A Complete Unknown".

La semana pasada, el Critics Choice Association anunció las nominaciones en sus categorías de TV, con "Shogun" obteniendo seis nominaciones.

Los ganadores de las categorías de cine y televisión se revelarán durante la 30.ª edición anual de los Critics Choice Awards, presentados por Chelsea Handler, que se llevarán a cabo el 12 de enero en el Barker Hangar de Santa Mónica y se emitirán en vivo por E!

A continuación una lista completa de los nominados de este año.

CATEGORÍA CINE

Best Picture

A Complete Unknown

Anora

The Brutalist

Conclave

Dune: Part Two

Emilia Pérez

Nickel Boys

Sing Sing

The Substance

Wicked

Best Actor

Adrien Brody – The Brutalist

Timothée Chalamet – A Complete Unknown

Daniel Craig – Queer

Colman Domingo – Sing Sing

Ralph Fiennes – Conclave

Hugh Grant – Heretic

Best Actress

Cynthia Erivo – Wicked

Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez

Marianne Jean-Baptiste – Hard Truths

Angelina Jolie – Maria

Mikey Madison – Anora

Demi Moore – The Substance

Best Supporting Actor

Yura Borisov – Anora

Kieran Culkin – A Real Pain

Clarence Maclin – Sing Sing

Edward Norton – A Complete Unknown

Guy Pearce – The Brutalist

Denzel Washington – Gladiator II

Best Supporting Actress

Danielle Deadwyler – The Piano Lesson

Aunjanue Ellis-Taylor – Nickel Boys

Ariana Grande – Wicked

Margaret Qualley – The Substance

Isabella Rossellini – Conclave

Zoe Saldaña – Emilia Pérez

Best Young Actor / Actress

Alyla Browne – Furiosa: A Mad Max Saga

Elliott Heffernan – Blitz

Maisy Stella – My Old Ass

Izaac Wang – Didi

Alisha Weir – Abigail

Zoe Ziegler – Janet Planet

Best Acting Ensemble

Anora

Conclave

Emilia Pérez

Saturday Night

Sing Sing

Wicked

Best Director

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Sean Baker – Anora

Edward Berger – Conclave

Brady Corbet – The Brutalist

Jon M. Chu – Wicked

Coralie Fargeat – The Substance

RaMell Ross – Nickel Boys

Denis Villeneuve – Dune: Part Two

Best Original Screenplay

Sean Baker – Anora

Moritz Binder, Tim Fehlbaum, Alex David – September 5

Brady Corbet, Mona Fastvold – The Brutalist

Jesse Eisenberg – A Real Pain

Coralie Fargeat – The Substance

Justin Kuritzkes – Challengers

Best Adapted Screenplay

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Winnie Holzman, Dana Fox – Wicked

Greg Kwedar, Clint Bentley – Sing Sing

RaMell Ross & Joslyn Barnes – Nickel Boys

Peter Straughan – Conclave

Denis Villeneuve, Jon Spaihts – Dune: Part Two

Best Cinematography

Jarin Blaschke – Nosferatu

Alice Brooks – Wicked

Lol Crawley – The Brutalist

Stéphane Fontaine – Conclave

Greig Fraser – Dune: Part Two

Jomo Fray – Nickel Boys

Best Production Design

Judy Becker, Patricia Cuccia – The Brutalist

Nathan Crowley, Lee Sandales – Wicked

Suzie Davies – Conclave

Craig Lathrop – Nosferatu

Arthur Max, Jille Azis, Elli Griff – Gladiator II

Patrice Vermette, Shane Vieau – Dune: Part Two

Best Editing

Sean Baker – Anora

Marco Costa – Challengers

Nick Emerson – Conclave

David Jancso – The Brutalist

Joe Walker – Dune: Part Two

Hansjörg Weißbrich – September 5

Best Costume Design

Lisy Christl – Conclave

Linda Muir – Nosferatu

Massimo Cantini Parrini – Maria

Paul Tazewell – Wicked

Jacqueline West – Dune: Part Two

Janty Yates, Dave Crossman – Gladiator II

Best Hair and Makeup

Christine Blundell, Lesa Warrener, Neal Scanlan – Beetlejuice Beetlejuice

Hair and Makeup Team – Dune: Part Two

Hair and Makeup Team – The Substance

Frances Hannon, Sarah Nuth, Laura Blount – Wicked

Traci Loader, Suzanne Stokes-Munton, David White – Nosferatu

Mike Marino, Sarah Graalman, Aaron Saucier – A Different Man

Best Visual Effects

Mark Bakowski, Pietro Ponti, Nikki Penny, Neil Corbould – Gladiator II

Pablo Helman, Jonathan Fawkner, Paul Corbould, David Shirk – Wicked

Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe, Gerd Nefzer – Dune: Part Two

Luke Millar, David Clayton, Keith Herft, Peter Stubbs – Better Man

Visual Effects Team – The Substance

Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story, Rodney Burke – Kingdom of the Planet of the Apes

Best Animated Feature

Flow

Inside Out 2

Memoir of a Snail

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl

The Wild Robot

Best Comedy

A Real Pain

Deadpool & Wolverine

Hit Man

My Old Ass

Saturday Night

Thelma

Best Foreign Language Film

All We Imagine as Light

Emilia Pérez

Flow

I’m Still Here

Kneecap

The Seed of the Sacred Fig

Best Song

“Beautiful That Way” – The Last Showgirl – Miley Cyrus

“Compress / Repress” – Challengers – Trent Reznor, Atticus Ross

“El Mal” – Emilia Pérez – Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Camille

“Harper and Will Go West” – Will & Harper – Kristen Wiig

“Kiss the Sky” – The Wild Robot – Maren Morris

“Mi Camino” – Emilia Pérez – Selena Gomez

Best Score

Volker Bertelmann – Conclave

Daniel Blumberg – The Brutalist

Kris Bowers – The Wild Robot

Clément Ducol & Camille – Emilia Pérez

Trent Reznor & Atticus Ross – Challengers

Hans Zimmer – Dune: Part Two

CATEGORÍA TELEVISIÓN

Best Drama Series

The Day of the Jackal (Peacock)

The Diplomat (Netflix)

Evil (Paramount+)

Industry (HBO | Max)

Interview with the Vampire (AMC)

The Old Man (FX)

Shōgun (FX / Hulu)

Slow Horses (Apple TV+)

Best Actor in a Drama Series

Jeff Bridges – The Old Man (FX)

Ncuti Gatwa – Doctor Who (Disney+)

Eddie Redmayne – The Day of the Jackal (Peacock)

Hiroyuki Sanada – Shōgun (FX / Hulu)

Rufus Sewell – The Diplomat (Netflix)

Antony Starr – The Boys (Prime Video)

Best Actress in a Drama Series

Caitriona Balfe – Outlander (Starz)

Kathy Bates – Matlock (CBS)

Shanola Hampton – Found (NBC)

Keira Knightley – Black Doves (Netflix)

Keri Russell – The Diplomat (Netflix)

Anna Sawai – Shōgun (FX / Hulu)

Best Supporting Actor in a Drama Series

Tadanobu Asano – Shōgun (FX / Hulu)

Michael Emerson – Evil (Paramount+)

Mark-Paul Gosselaar – Found (NBC)

Takehiro Hira – Shōgun (FX / Hulu)

John Lithgow – The Old Man (FX)

Sam Reid – Interview with the Vampire (AMC)

Best Supporting Actress in a Drama Series

Moeka Hoshi – Shōgun (FX / Hulu)

Allison Janney – The Diplomat (Netflix)

Nicole Kidman – Special Ops: Lioness (Paramount+)

Skye P. Marshall – Matlock (CBS)

Anna Sawai – Pachinko (Apple TV+)

Fiona Shaw – Bad Sisters (Apple TV+)

Best Comedy Series

Abbott Elementary (ABC)

English Teacher (FX)

Hacks (HBO | Max)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

Somebody Somewhere (HBO | Max)

St. Denis Medical (NBC)

What We Do in the Shadows (FX)

Best Actor in a Comedy Series

Brian Jordan Alvarez – English Teacher (FX)

Adam Brody – Nobody Wants This (Netflix)

David Alan Grier – St. Denis Medical (NBC)

Steve Martin – Only Murders in the Building (Hulu)

Kayvan Novak – What We Do in the Shadows (FX)

Martin Short – Only Murders in the Building (Hulu)

Best Actress in a Comedy Series

Kristen Bell – Nobody Wants This (Netflix)

Quinta Brunson – Abbott Elementary (ABC)

Natasia Demetriou – What We Do in the Shadows (FX)

Bridget Everett – Somebody Somewhere (HBO | Max)

Jean Smart – Hacks (HBO | Max)

Kristen Wiig – Palm Royale (Apple TV+)

Best Supporting Actor in a Comedy Series

Paul W. Downs – Hacks (HBO | Max)

Asher Grodman – Ghosts (CBS)

Harvey Guillén – What We Do in the Shadows (FX)

Brandon Scott Jones – Ghosts (CBS)

Michael Urie – Shrinking (Apple TV+)

Tyler James Williams – Abbott Elementary (ABC)

Best Supporting Actress in a Comedy Series

Liza Colón-Zayas – The Bear (FX / Hulu)

Hannah Einbinder – Hacks (HBO | Max)

Janelle James – Abbott Elementary (ABC)

Stephanie Koenig – English Teacher (FX)

Patti LuPone – Agatha All Along (Disney+)

Annie Potts – Young Sheldon (CBS)

Best Limited Series

Baby Reindeer (Netflix)

Disclaimer (Apple TV+)

Masters of the Air (Apple TV+)

Mr Bates vs the Post Office (PBS)

The Penguin (HBO | Max)

Ripley (Netflix)

True Detective: Night Country (HBO | Max)

We Were the Lucky Ones (Hulu)

Best Movie Made for Television

The Great Lillian Hall (HBO | Max)

It’s What’s Inside (Netflix)

Música (Prime Video)

Out of My Mind (Disney+)

Rebel Ridge (Netflix)

V/H/S/Beyond (Shudder)

Best Actor in a Limited Series or Movie Made for Television

Colin Farrell – The Penguin (HBO | Max)

Richard Gadd – Baby Reindeer (Netflix)

Tom Hollander – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Kevin Kline – Disclaimer (Apple TV+)

Ewan McGregor – A Gentleman in Moscow (Paramount+)

Andrew Scott – Ripley (Netflix)

Best Actress in a Limited Series or Movie Made for Television

Cate Blanchett – Disclaimer (Apple TV+)

Jodie Foster – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Jessica Lange – The Great Lillian Hall (HBO | Max)

Cristin Milioti – The Penguin (HBO | Max)

Phoebe-Rae Taylor – Out of My Mind (Disney+)

Naomi Watts – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actor in a Limited Series or Movie Made for Television

Robert Downey Jr. – The Sympathizer (HBO | Max)

Hugh Grant – The Regime (HBO | Max)

Ron Cephas Jones – Genius: MLK/X (National Geographic)

Logan Lerman – We Were the Lucky Ones (Hulu)

Liev Schreiber – The Perfect Couple (Netflix)

Treat Williams – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actress in a Limited Series or Movie Made for Television

Dakota Fanning – Ripley (Netflix)

Leila George – Disclaimer (Apple TV+)

Betty Gilpin – Three Women (Starz)

Jessica Gunning – Baby Reindeer (Netflix)

Deirdre O’Connell – The Penguin (HBO | Max)

Kali Reis – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Best Foreign Language Series

Acapulco (Apple TV+)

Citadel: Honey Bunny (Prime Video)

La Máquina (Hulu)

The Law According to Lidia Poët (Netflix)

My Brilliant Friend (HBO | Max)

Pachinko (Apple TV+)

Senna (Netflix)

Squid Game (Netflix)

Best Animated Series

Batman: Caped Crusader (Prime Video)

Bluey (Disney+)

Bob’s Burgers (Fox)

Invincible (Prime Video)

The Simpsons (Fox)

X-Men ’97 (Disney+)

Best Talk Show

Hot Ones (YouTube)

The Daily Show (Comedy Central)

The Graham Norton Show (BBC America)

John Mulaney Presents: Everybody’s in L.A. (Netflix)

The Kelly Clarkson Show (NBC/Syndicated)

The Late Show with Stephen Colbert (CBS)

Best Comedy Special

Ali Wong: Single Lady (Netflix)

Jim Gaffigan: The Skinny (Hulu)

Kevin James: Irregardless (Prime Video)

Nikki Glaser: Someday You’ll Die (HBO | Max)

Rachel Bloom: Death, Let Me Do My Special (Netflix)

Ramy Youssef: More Feelings (HBO | Max)

Crítica Cinéfila: A Real Pain

Dos primos viajan a Polonia tras la muerte de su abuela para ver dónde vivió ella antes de la II Guerra Mundial y comprender de dónde viene su familia, incorporándose ambos a un tour sobre el Holocausto.

El delicado segundo largometraje de Jesse Eisenberg, "A Real Pain", se describe como una reflexión sobre el “dolor épico frente al dolor más moderno” y cómo reconciliar este último con algo tan monumental como el genocidio o el trauma histórico. Lo sorprendente es que lo logra con una hábil ligereza de toque en una película de viaje por carretera de una extraña pareja de primos que a menudo te hace reír a carcajadas y cuyo impacto emocional te sorprende y te deja sin aliento.

El perspicaz guión de Eisenberg, arraigado en la historia de su familia, comparte cierto territorio temático con la segunda obra del multifacético actor, "The Revisionist", en la que actuó en el off-Broadway con Vanessa Redgrave en 2013. Se trata del conflicto de los estadounidenses que lidian con sus propios problemas, por menores que sean, mientras intentan ser conscientes de la dura experiencia que sufrieron sus antepasados ​​de culturas traumatizadas: una película sobre el Holocausto con una perspectiva nueva.

En una película que trata, entre otras cosas, del legado del dolor, la pérdida y el sufrimiento, hasta la selección musical para cada fragmento impactan profundamente. Nunca deja de sumergir a su audiencia por completo, desde en los momentos íntimos hasta en los suaves cambios tonales de la película de Eisenberg, mientras se adentra en una existencia común de sus personajes con su cuota de dificultades y recompensas. Se necesita agudeza emocional y generosidad de espíritu para que un cineasta explore una historia dolorosa y al mismo tiempo proporcione vías de acceso sutiles para que audiencias de orígenes completamente diferentes encuentren su camino. Reconociendo la universalidad de sus temas subyacentes, Eisenberg lo hace con una madurez emotiva.

El guionista y director se presenta como David, un neoyorquino moderadamente tenso pero exitoso vendedor de publicidad digital con una bella esposa y un adorable hijo pequeño. Meses después de la muerte de su abuela, quien milagrosamente sobrevivió al internamiento en un campo de concentración, emigró a los EEUU y rehízo una vida formidable, David financia un viaje a su tierra natal, Polonia, para él y su primo Benji (Kieran Culkin), quien la adoraba. David y Benji alguna vez fueron cercanos, pero se distanciaron, no solo porque Benji se mudó de la ciudad sino por otros aspectos que se van dando a conocer en la medida que la película avanza.

La dinámica entre los primos, que son polos opuestos, se clava en las divertidas escenas iniciales en el aeropuerto. David es un tipo nervioso, ligeramente neurótico y necesita tener el control de cada situación. Benji es un extrovertido tranquilo y sin filtros; se niega a autocensurarse incluso en los comentarios inapropiados. Ambos actores son maravillosos, pero Culkin es una auténtica delicia. No podría haber elegido un papel mejor con el que mostrar su alcance después de "Succession", en particular a medida que avanza la historia y obtenemos una mayor exposición del lado melancólico de Benji.

El itinerario de los primos comienza con una reunión del grupo en Varsovia y continúa durante una semana, con tiempo en la pintoresca ciudad histórica de Lublin, seguida de una visita al campo de concentración de Majdanek. David y Benji se desviarán durante los dos últimos días para ir a la casa donde vivió su abuela por última vez antes de irse de Polonia.

El recorrido está diseñado específicamente para judíos estadounidenses, aunque el guía turístico británico James (Will Sharpe), un erudito en historia de Oxford, señala con frialdad que "no es judío, pero está obsesionado con la experiencia judía". El encuentro sirve como una forma esclarecedora de presentar a los distintos personajes que componen el pequeño grupo. Entre ellos se encuentran la divorciada Marcia (Jennifer Grey), la pareja mayor Diane (Liza Sadovy) y Mark (Daniel Oreskes, que también apareció en The Revisionist ) y Eloge (Kurt Egyiawan), que huyó del genocidio de Ruanda y más tarde se convirtió al judaísmo.

Las interacciones de Benji con todos ellos son hilarantes precisamente porque es tan indiferente a cualquier incomodidad. El personaje parece diseñado para avergonzar a David y fastidiar a todos los demás. Pero desde el primer día, cuando empieza a posar en escena para las fotos frente al monumento a los insurgentes del Levantamiento de Varsovia y luego, uno por uno, consigue que los demás se sumen, queda claro que su función será más compleja. Tener un grupo tan dinámico en una gira que puede ser un desencadenante pero que también sirve como una celebración de la resiliencia humana cambia la dinámica del grupo e incluso tiene un impacto en James.

El aspecto exterior de Benji es extraño (ha enviado un paquete de marihuana desde Nueva York a su hotel en Varsovia), pero nunca deja de reflexionar sobre los lugares que visita y su importancia histórica. Esto puede estallar en un repentino cambio de humor, como su problema ético con los judíos que viajan en primera clase en un tren interurbano cuando sus antepasados ​​habrían ido hacinados en el último vagón. 

En otra escena espectacular, interrumpe a James a mitad de camino para cuestionar el "bombardeo constante de estadísticas" mientras el guía proporciona contexto histórico en un cementerio judío. Esto da como resultado un reinicio rápido que da lugar a uno de los muchos interludios conmovedores. Mientras que todos están conmocionados por la visita a Majdanek en el último día de la gira de los primos, Benji está destrozado. Pero su estado de ánimo se repara instantáneamente con las amables palabras de despedida de James, interpretadas con verdadera sensibilidad por Sharpe, quien muestra un conjunto de habilidades diferentes a su trabajo en la segunda temporada de "The White Lotus".

Grey también tiene momentos como el miembro del grupo que establece el vínculo más sorprendente con Benji. Cuando ella comparte que su hija se casó con un hombre muy rico y ya no parece capaz de tener una conversación real, Benji responde: "Sí, el dinero es como la heroína para la gente aburrida". Todo el reparto es sólido, pero Egyiawan merece una mención especial por ser alguien que siempre escucha, observa, está dispuesto a mostrar calidez y compasión de una manera muy diferente a la de los estadounidenses de nacimiento.

Por supuesto, el tema principal es la cambiante relación entre David y Benji, con la frecuente exasperación, incluso la ira, del primero, a menudo en conflicto con el afecto que siente toda su vida por su primo. La revelación de un incidente preocupante en el pasado reciente de Benji se maneja con gracia, sin jugar con el sentimentalismo. Y la tensión que surge entre ellos llega a un punto crítico en una hermosa escena en la que comparten un porro en la azotea de un hotel. David admite que envidia el encanto natural de Benji, pero también que le molesta la forma en que su primo apaga la luz de repente y trata de detener su propia vida.

El director de fotografía Michal Dymek, que rodó la embriagadora película "EO" de Jerzy Skolimowski, realiza una elegante transición desde las composiciones de los escenarios de la ciudad hasta el verde campo abierto de camino a la antigua casa de la abuela del primo. Ese cambio también parece cimentar un nuevo entendimiento entre ellos, que resuena a lo largo de la finalización de su peregrinación y en su conmovedora despedida en el aeropuerto de Nueva York.

El primer largometraje de Eisenberg como director, "When You Finish Saving the World", tuvo una recepción mixta pero mostró ser prometedor. Con "A Real Pain", demuestra un criterio impecable y una gran habilidad para equilibrar el ingenio sardónico con una solemnidad penetrante en una película llena de sentimiento, en la que ninguna emoción es inmerecida.

Crítica Cinéfila: Nightbitch

Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. 

Como no veo trailers ni leo sinopsis antes de ver una película, realmente no sé que esperaba de "Nightbitch". Sabía que no la catalogaban como drama, pero la imagen de Amy Adams corriendo con un grupo de caninos no me daba ni una mínima idea. Lo que más sorprendió de este dulce, sabio y brillante homenaje a las madres de todo el mundo, es lo realista que es. Es divertida, conmovedora y muy real a pesar del aspecto metafísico del personaje de la madre de Adams, que piensa que su cuerpo se ha deteriorado tanto después del parto y que su mente/cuerpo asume la depresión posparto convirtiéndola básicamente en una canina (para no llamarla de la otra manera). La película requiere que ella cave y husmee por el jardín en modo Lassie. Adams también trabaja frente a ocho perros para brindarle al público la experiencia visual completa de este sentimiento. Pero aún así... eso no es lo que "Nightbitch" es en el fondo.

La madre (Amy Adams) ha abandonado su carrera artística y sus sueños tras el nacimiento de su hijo, un niño revoltoso de dos años (interpretado por los gemelos Arleigh Patrick y Emmett James Snowden) que causa estragos en cualquier momento, mientras que el esposo tiende a ser ciego a todo eso. La madre lo hace todo hasta el punto del agotamiento absoluto. 

La madre no recuerda la última vez que durmió bien. Da de comer al niño, limpia sus excrementos y lo acompaña al parque y a la biblioteca, donde apenas puede relacionarse con las otras madres, lo cual es extraño, ya que tres de ellas (Zoë Chao, Archana Rajan y Mary Holland) son bastante amigables y se comunican con miradas cómplices, como si la maternidad las hubiera inducido a todas a la misma secta. Pero el personaje de Adams no disfruta mucho de su compañía, lo que solo hace que su aislamiento sea mucho más agudo. 

Cuando interactúa con otras mamás, la madre inmediatamente pasa a temas de los que “nadie habla” (por ejemplo, “nadie habla del cambio que ocurre a nivel celular”). ¿Es eso realmente un secreto o simplemente está aislada de la conversación? Las noches en que papá no está, ni siquiera habla con él por teléfono. Y nunca se acerca a una computadora. Cuando llega el momento de investigar, la bibliotecaria Norma (Jessica Harper) le da una copia de "The Field Guide To Mystical Women", un libro que explicará muchas de las respuestas a las preguntas más urgentes que tiene, solo para pasar el día haciendo varias cosas a la vez y sin obtener gloria de ello.

Como era de esperar, este niño de dos años es un auténtico reto y la madre ya no puede soportarlo más, hasta considerar que debe separarse de su esposo, que no ha sido de mucha ayuda. A partir de ahí, la historia continúa, pero la guionista y directora Marielle Heller nunca pierde de vista la magia o la dulzura inherentes a la historia. No se trata de una de esas películas melodramáticas en las que la madre sufre un colapso nervioso después de que el esposo, incapaz de soportar la presión de los niños, se va con su asistente personal. Está mucho más arraigada en la realidad que ese tipo de escenario.

Adams, que también es productora, simplemente se entra en lo más profundo de este papel, completamente creíble y convincente como una madre al límite. Sabe como salpicar en lo absurdo sin que se sienta así; sabe exactamente cómo hacer que todo funcione, y lo hace espléndidamente. Adams encarna con valentía la exasperación de la madre, encontrando la comedia en cada revés. En manos de Adams, la madre convierte su crisis de identidad (la forma en que la mujer que era antes “murió en el parto”, dejando a alguien a quien ni siquiera ella reconoce en su lugar) en un acto de reinvención magistral.

Scoot McNairy está perplejo, pero en última instancia es comprensivo como el desventurado esposo, pero sigue interponiéndose en su camino. Es probable que los momentos más importantes de McNairy generen lágrimas, especialmente del contingente femenino que es el público objetivo aquí. Zoe Chao, Mary Holland y Archana Rajan, el trío de mujeres ansiosas por darle la bienvenida a Adams a su “Baby Pack”, son el trío perfecto, pero tampoco son caricaturas como se suele ver en estas comedias, aunque ninguna de ellas puede pensar en un inconveniente de pasar todo el día cuidando niños de dos años. Harper es realmente mística y no deja ver el hecho de que hay más en ella de lo que se ve a simple vista.

Aunque siempre es entretenida, “Nightbitch” prácticamente demuestra su propio punto (sobre cuán limitante es ahora la existencia de la madre) al restringir tan estrictamente la trama. No todas las culturas son tan insensibles al sacrificio de las mujeres embarazadas, aunque eso es precisamente lo que frustra a esta víctima particular del patriarcado. La madre articula todo lo que ella —que solía ser artista y curadora en la ciudad, reducida a pintar con los dedos con un niño de cuatro años en los suburbios— considera injusto en cuanto a la maternidad en sí: “¿Cuántos hombres han retrasado su grandeza mientras sus mujeres no sabían qué hacer con la suya?”. Aquí, la narración de Heller es obvia y incontrovertible, y aún así necesita urgentemente ser dicha.

Sencillamente, no hay forma de que esta película hubiera sido escrita o realizada por un hombre, al menos para conseguir el tipo de efecto estelar que logra esta divertida y conmovedora película para mamás. Heller hace un trabajo excepcional guiándola detrás de la cámara. Puede que incluso te haga llorar.

Crítica Cinéfila: The Piano Lesson

La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién define el legado familiar. 

En el debut de Malcolm Washington, una adaptación reverencial de "The Piano Lesson" de August Wilson producida por su padre Denzel Washington, la actriz Danielle Deadwyler es el centro alrededor del cual giran todas las demás actuaciones. En el papel de Berniece, la coprotagonista devota y sensata del vigorizante drama de Wilson sobre el trauma generacional y la herencia, como en muchos otros, Deadwyler se somete por completo a la voluntad de su personaje; se mete en su piel con una tranquila facilidad y, una vez unida, encuentra y revela su verdad. Los resultados suelen ser electrizantes.

Con Berniece, Deadwyler evoca una fuerza que vincula la obra de Wilson de 1987, la cuarta del Ciclo del Siglo del escritor, con su fuente. En entrevistas, Wilson citó como inspiración la litografía en color homónima de Romare Bearden de 1983. En esa imagen, un profesor de música mira por encima del hombro de una alumna que toca el piano. Sus ojos transmiten un alto nivel de concentración con indicios de melancolía. Tocar parece a la vez un acto de deber y de placer. ¿Qué hay de su relación? ¿Quiénes son estas personas entre sí? Wilson las imaginó como madre e hija y "The Piano Lesson" crea las condiciones que podrían haber conducido a ese momento y haber surgido de él. En la adaptación de Washington, Berniece, cuando finalmente se sienta al piano, tiene una mirada similar de intensa concentración, como si se convirtiera en madre e hija a la vez.

Sin embargo, antes de que ocurra cualquier transformación, Washington ofrece una historia de fondo. "The Piano Lesson" comienza el 4 de julio de 1911. Mientras una familia blanca se reúne en el jardín para ver los fuegos artificiales, un trío de hombres negros trabaja en las sombras para llevarse un piano de una casa. El instrumento es una obra de arte: grabado en los paneles superiores hay un tríptico que representa la historia de la familia Charles. Los retratos de una madre y un hijo flanquean la imagen central, que está poblada de antepasados ​​significativos y sus hitos. Veinticinco años después, en el verano de 1936, el piano se encuentra intacto en la casa de Doaker Charles (Samuel L. Jackson), donde su sobrina Berniece vive con su hija, Maretha (Skylar Smith).

Nadie ha pensado seriamente en el piano desde hace tiempo, hasta que el sobrino de Doaker, Boy Willie (John David Washington), regresa a Pittsburgh con un nuevo plan. Quiere vender el piano para poder comprar parte de la plantación de la familia Sutter en Mississippi. La compra sería un acto de arraigo y recuperación. La familia Sutter esclavizó a la familia Charles y desarrolló una separación violenta vendiendo a miembros de la familia para comprar el piano. Si Boy Willie pudiera poseer parte de la tierra, podría volver a inscribirla, convirtiendo un lugar de terror en uno de prosperidad personal. Cuando llega a Pittsburgh con su amigo Lymon (Ray Fisher), irrumpe en la casa de los Charles entusiasmado con su plan.

Pero Berniece no quiere vender el piano. Todavía está resentida con Boy Willie por la muerte de su esposo Crawley (Matrell Smith) y ve a su hermano como un hombre que habla y da problemas. La obra narra las tensiones entre los hermanos mientras debaten el futuro de su única reliquia familiar. Para Berniece, el instrumento representa los años más solitarios con su madre, que nunca se recuperó de la angustia después de que los Sutter asesinaran al padre de Boy Willie y Berniece por robar el piano. Boy Willie solo puede considerar el piano en términos de pérdida y recuerdos dolorosos. Mejor venderlo y crear algo nuevo.

Washington resalta las diferencias entre la relación de Berniece y Boy Willie con el piano con flashbacks a la infancia de ambos. Estas son algunas de las pocas escenas en las que el director se relaja y se deshace de la postura obediente que puede surgir al adaptar un texto canónico. El director también intenta hacer más cambios, y algunos tienen más éxito que otros. Acentúa las notas espirituales y sobrenaturales de la obra de Wilson. Los elementos del realismo mágico aparecen de forma más prominente cerca del final, y cuando funcionan es en gran parte gracias a Deadwyler. La actriz planta las semillas para el encuentro crucial y culminante de su personaje con el piano desde el momento en que Berniece ve a Boy Willie. Su personaje es una visión de fuerza maternal y responsabilidad fraternal, pero Deadwyler busca y se deleita en sentimientos más confusos como la rabia, la tristeza y la vulnerabilidad.

Otras interpretaciones se ven realzadas por la Berniece de Deadwyler, que se encuentra continuamente en desacuerdo con un grupo de hombres aparentemente indiferentes a la difícil situación de las mujeres Charles. Es una versión de "The Piano Lesson" que partiera de su perspectiva y avanzara hacia afuera, considerando el hilo maternal con tanta urgencia como el paternal. La dirección desigual de Washington parece más segura cuando observa a los hombres, vinculando sus represiones enredadas actuales con los traumas violentos y racistas de su pasado. Escenas como aquella en la que Doaker, Boy Willie, Lymon y Wining Boy (un excelente Michael Potts) intercambian historias sobre su tiempo en la Granja de la Prisión de Parchman capturan la catarsis emocional de un tipo particular de comunión.

Washington (actor e igualmente hijo de Denzel) ofrece una interpretación sólida del personaje Boy Willie, un personaje cuya energía y habla rápida ocultan capas de dolor. Está sintonizado con las payasadas de este personaje astuto y canaliza con confianza su hambre de ganar dinero rápido, pero es menos convincente cuando se le pide que se ponga a tono con registros más sutiles.

Aun así, Deadwyler y Washington se complementan bien. Sus actuaciones son particularmente dinámicas cuando Boy Willie y Berniece negocian los detalles del legado familiar. En una escena sorprendente, la estruendosa banda sonora de Alexandre Desplat resalta lo que está en juego en estas peleas verbales. También hay que reconocerle el mérito a Corey Hawkins, que brilla como Avery, el predicador que corteja a Berniece y tiene la tarea de expulsar a los fantasmas de la casa de los Charles.

Está claro que Washington se toma muy en serio la tarea de adaptar a Wilson, y hay mucho que admirar en "The Piano Lesson". El director ha reunido un reparto sólido, cuyas actuaciones comprometidas hacen justicia al famoso drama del dramaturgo. Pero la tarea también puede ser limitante, y hay momentos en los que es demasiado fiel y lucha por sacudirse el espectro del escenario.  

Crítica Cinéfila: Como Agua para Chocolate, 1ra temporada

Tita de la Garza y Pedro Muzquiz, son dos almas enamoradas que no pueden estar juntas debido a las arraigadas costumbres familiares, la cuales obligarán a nuestra protagonista a navegar con tintes y sabores mágicos entre el destino dictaminado por su familia y la lucha por su amor mientras la acompañamos en su mayor refugio: la cocina.

Al igual que un buen mole, el realismo mágico requiere una complejidad increíble para que el resultado se perciba como bastante simple. Cincuenta tipos diferentes de chiles se convierten en algo que se describe en términos generales como una salsa de chocolate. El sentimiento, la extravagancia, el romance, lo sobrenatural y una cierta dosis de fundamento se combinan en una mezcla que simplemente funciona. Y dos personas que perciben una mezcla idéntica de elementos pueden responder a los perfiles de sabor de maneras completamente diferentes.

La adaptación de Alfonso Arau de "Como agua para chocolate", de Laura Esquivel, que en 1992 ya fue un éxito de taquilla en su época y que desde entonces parece que ha crecido, es simplemente imposible de criticar, tanto en el compromiso tonal de Arau o la suntuosa fotografía de Steven Bernstein. Pero al inclinar su realismo mágico tan firmemente hacia lo “mágico”, se convierte en una historia de amor sin personajes desarrollados ni mucha química, especialmente en la destrozada versión estadounidense. A lo largo de los episodios, la nueva adaptación de HBO/ HBO Latino /Max es una versión de la historia que funciona mejor porque le da aire a todos esos sabores de los que no degustó su primera adaptación.

Sin abandonar por completo la magia, el drama aprovecha su duración de seis episodios para desarrollar mejor sus aspectos realistas. La contextualización de los personajes y las bases de clase en un contexto específico de la Revolución Mexicana enfatiza los temas de la narrativa de una manera que hace mucho más fácil involucrarse en el romance, anclado por la encantadora protagonista Azul Guaita.

La serie, adaptada por el guionista principal Francisco Javier Royo Fernández (acreditado como “Curro Royo”), comienza de manera muy similar a las iteraciones anteriores. Empieza en el estado mexicano de Coahuila con Elena (Irene Azuela) dando a luz a Tita en un diluvio de lágrimas, provocadas por cebollas y por una miseria que no se explicará por un tiempo. Dieciséis años después, Tita (Guaita) pasa la mayor parte de su tiempo en la cocina, aprendiendo bajo la supervisión de la cariñosa cocinera de la familia, Nacha (Ángeles Cruz). Tita siente que Elena tiene menos afecto por ella que por sus hermanas mayores, Rosaura (Ana Valeria Becerril), que es un poco simple y amargada, y Gertrudis (Andrea Chaparro), que es una activista en ciernes.

La frialdad de Elena llega a su punto más elevado cuando Tita recibe una propuesta de matrimonio de Pedro (Andrés Baida), un vecino heredero de una estancia que está enamorado de ella desde la infancia, y Elena le deja claro que esa unión está fuera de cuestión. En la película y en el libro se establece de inmediato que existe una tradición familiar en la que la hija menor no puede casarse y debe dedicar su vida a su madre. Aquí, sin embargo, se presenta inicialmente como una mezquindad más maternal. Entonces Pedro toma una decisión: se casará con Rosaura, porque es la única manera de seguir cerca de Tita.

Por su parte, Tita sigue perfeccionando sus habilidades culinarias, con un pequeño detalle: comer la comida de Tita es sentir lo que ella siente. Literalmente, no en sentido figurado; en el sentido de que eso es cierto para la comida de cualquier chef. “Ya fuera alegría o tristeza, todo estaba impregnado de ella. Era como si Tita fuera un ingrediente más”, explica una voz en off. 

Aunque no alcanza el nivel de impecabilidad de Lubezki, como lo fue la película visualmente deslumbrante de Arau, "Como agua para chocolate" es bastante hermosa. La serie obtiene un gran valor de sus locaciones de la época mexicana, y ciertas secuencias son realmente impresionantes. La gramática de la pornografía culinaria ha evolucionado drásticamente en la última década, y la influencia del estilo de presentación es evidente en toda la serie, hasta en la cuidadosa identificación en pantalla de los platos fundamentales en su forma final.

En torno a la comida, se hace un esfuerzo por reconstruir el mundo del México de la década de 1910, incluidos los enfrentamientos entre los terratenientes y sus siervos indígenas, la creciente frustración pública con la administración del general Porfirio Díaz y la creciente corriente subyacente de varias fuerzas revolucionarias convergentes. Todo esto está en el trasfondo del libro, y puede que también esté en la versión completa del director de la película de Arau. 

El hecho de que Pedro sea un progresista en ciernes y partidario de Francisco Madero le da un detalle secundario además de su amor por Tita, y como resultado, toda la serie es más interesante. Se puede ver cómo su interés en romper con los constructos sociales basados ​​en la clase complementa lo que Tita está haciendo en términos de constructos basados ​​en el género. Le da a su conexión una profundidad que va más allá del hecho básico de que ambos son lindos, que es todo lo que Pedro y Tita realmente tienen a su favor en la película.

Ayuda que Guaita surja rápidamente como el tipo de actriz que probablemente tendría química con cualquier persona. Como corresponde a un personaje que llega al mundo en un mar de lágrimas, Guaita es especialmente hábil para dejar que cualquier extremo de emoción salga a la superficie. Al igual que Tita con sus recetas, infunde alegría, tristeza o añoranza en cada escena, pero no en el estilo casi de pantomima que la mayoría de los actores utilizaron en la película de Arau. 

Aunque Elena y Rosaura son presentadas como madre y hermana malvadas en una historia que tiene mucho de Cenicienta, tanto Azuela como Becerril encuentran suficiente fragilidad en sus actuaciones para evitar que los personajes actúen como una mera oposición a la bondad general de Tita. Y el arco de Gertrudis va surgiendo en la medida que avanza la temporada, Chaparro sembrando una energía que da frutos sorprendentes.

Este es un buen ejemplo de una narrativa mejorada al expandir el tiempo en pantalla. Los personajes ya son más complejos y el mundo ya está más plenamente desarrollado. Cuando se trata de "Como agua para chocolate", ¿quieres que tenga sentido lógico o simplemente quieres que se sienta bien? Creo que esta versión hace lo suficiente de cada cosa para hacer que valga la pena volver a contar una historia familiar, concluyendo en una escena de cliffhanger que solo se le permitiría al realismo mágico.