Crítica Cinéfila: The Room next Door

Ingrid y Martha fueron muy amigas en su juventud. Ambas trabajaban en la misma revista, pero Ingrid acabó convertida en novelista de autoficción y Martha en reportera de guerra. Las circunstancias de la vida las separaron y, después de muchos años sin tener contacto, vuelven a encontrarse en una situación extrema, pero extrañamente dulce. 

Todos los días mueren personajes en las películas. Ya sea que estés viendo un thriller violento o un drama sobre el lecho de muerte como “Steel Magnolias” o alguna de las meditaciones más macabras de Ingmar Bergman, podría decirse que las películas, en un sentido colectivo grandioso, no son nada menos que un ensayo sobre la muerte. Sin embargo, todavía es raro encontrar un drama en la pantalla grande que tome a la muerte por los cuernos, la mire a los ojos, y nos pida enfrentarnos a su abrumadora realidad en todos los niveles como lo hace la lírica y conmovedora “The Room next Door” de Pedro Almodóvar.

La película, en su forma, es bastante simple. Trata de dos mujeres, ambas de sesenta y tantos años, que son amigas desde hace mucho tiempo pero que no se han visto desde hace unos años: Ingrid (Julianne Moore), una autora del mundo del arte que vive en la ciudad de Nueva York, y Martha (Tilda Swinton), una ex corresponsal de guerra del New York Times que viaja por el mundo y con la que Ingrid se reencuentra cuando se entera de que Martha está en el hospital luchando contra el cáncer. Su enfermedad es grave: es un cáncer de cuello uterino en etapa tres y se está sometiendo a un tratamiento de inmunoterapia altamente experimental, que es la única posibilidad que tiene.

Algunas personas en esta situación podrían no optar por expresar sus sentimientos, pero Martha no es así. Sabe que puede morir y es franca, abierta y filosófica al respecto. Pero eso no significa que sea fácil. Ella e Ingrid, alguna vez, fueron cercanas, y después de algunos encuentros, todavía lo son. La película, si bien tiene algunos personajes más (como el hombre con el que ambas salieron, un pesimista del cambio climático interpretado por John Turturro), es esencialmente una película de dos personajes, una serie de conversaciones entre las dos mujeres que casi podrían estar sucediendo en un escenario.

Al adaptar la novela estadounidense de 2020 de Sigrid Núñez, “What Are You Going Through?”, en su primer largometraje en inglés, Almodóvar ha hecho una película llena de diálogos con un fervor expositivo maduro. “The Room next Door” no es una parodia de la telenovela de Almodóvar, pero sí muestra su amor por la comunicación elocuaz, y por los sentimientos extravagantes. Los personajes explican quiénes son y se exponen por completo. Al principio, Martha cuenta la historia de cómo terminó distanciada de su hija, Michelle, a quien había criado como una joven madre soltera, y este desgarrador flashback (ambientado en la era de Vietnam) es como una minipelícula en sí misma. 

La trama está filmada de forma vibrante (por Eduard Grau), en particular cuando los personajes se mudan a una lujosa casa de vacaciones de estilo modernista en alquiler, cerca de Woodstock, Nueva York. Sin embargo, en su mayor parte es una película en la que Martha e Ingrid hablan sobre la muerte, y Martha finalmente descubre qué va a hacer al respecto. No ha dejado de querer vivir, pero se ha cansado de luchar contra el miedo a morir.

Tilda Swinton siempre ha tenido un rostro tan característico que sentimos como si conociéramos ese rostro como si fuera el nuestro. En “The Room Next Door”, el rostro de Swinton, junto con sus palabras, se convierte en un asombroso instrumento de indagación. Ofrece una actuación monumental, una que en su emoción cruda, su poder reflexivo, es digna de comparación con el espíritu y el virtuosismo de Vanessa Redgrave. Hace de Martha una mujer con los pies en la tierra que se conoce a sí misma y sabe lo que quiere, pero que ha aterrizado en un territorio desconocido. No está preparada para esto. ¿Quién lo está, en realidad? Pero emprenderá el viaje y nos llevará con ella.

En un momento dado, Martha decide que ya ha tenido suficiente y que va a tomar el control de su destino. Va a decidir cuándo morir. “The Room Next Door” no es una película “temática” (aunque se inclina mucho por la eutanasia). Es un viaje engañosamente sencillo pero ingenioso al río de emociones que acompaña al impulso de terminar con la propia vida. Martha tiene un plan, y es relativamente simple, aunque implica una pastilla que tuvo que obtener, con cierta dificultad, en el dark-web. Y el desafío no termina allí. Mientras ella e Ingrid se mudan a la casa en el norte del estado, surge un cronograma que infunde a la película un suspenso basado en la realidad. ¿Ingrid se despertará y encontrará la puerta del dormitorio de Martha cerrada? Ese es el código que acordaron para el día del ajuste de cuentas de Martha. La Ingrid de Moore, cálida y empática, hará lo que sea necesario para apoyar a su amiga, lo que la convierte en parte de una ecuación espiritual-ética. Está allí para proteger a Martha, aunque ella también necesita protección (de la ley).

Pedro Almodóvar, a sus 74 años, no es un fatalista español, pero sus películas están cada vez más obsesionadas por la muerte. Por eso, en su mayoría, la comedia ha desaparecido. Sin embargo, esto no lo ha convertido en un artista pesimista. “The Room Next Door”, impulsada por la humanidad abrasadora de la interpretación de Swinton, te eleva y te ofrece una catarsis. La película trata sobre la muerte, pero en la honestidad sin pestañear con la que enfrenta ese tema, se posiciona poderosamente del lado de la vida.

Crítica Cinéfila: Zero Day

Tras un ciberataque devastador, encomiendan a George Mullen, aclamado expresidente de los Estados Unidos, la misión de encabezar un comité para intentar descubrir a los autores y sacar la verdad a la luz antes de que ataquen de nuevo, pero, entonces, surge la duda: ¿La amenaza proviene de una potencia extranjera o de un enemigo interno?

Después de décadas de ser un actor de cine, Robert De Niro se ha abierto camino en el mundo de las series por primera vez con "Zero Day" de Netflix, que lamentablemente desperdicia el trabajo sólido del dos veces ganador del Oscar y su impresionante elenco de reparto. En los últimos años, De Niro se ha abierto gradualmente a proyectos de pantalla chica, comenzando con la película de HBO centrada en Bernie Madoff, "The Wizard of Lies", y el drama argentino "Nada", aunque el thriller político es su primer papel protagónico en una serie.

Dado su odio hacia Donald Trump, no sorprenderá saber que el personaje de De Niro, George Mullen, no es un presidente al estilo de Trump. Mullen es un veterano de Vietnam, firme como una roca. Reconocido por todos como un buen tipo, que regresa a la política a regañadientes como jefe de una comisión que investiga un ciberataque que ha dejado miles de estadounidenses muertos. Todas las señales apuntan a Moscú, pero Mullen recomienda cautela: “¿queremos a alguien a quien culpar o queremos la verdad?”, pregunta.

El thriller está coescrito por Michael S. Schmidt, un periodista político del New York Times, y explora temas de seguridad nacional versus libertad individual. La comisión de Mullen ha recibido poderes extraordinarios de vigilancia, búsqueda e incautación, y la suspensión del habeas corpus si es necesario. Mientras tanto, los teóricos de la conspiración están haciendo de las suyas, un magnate tecnológico multimillonario se entromete en asuntos y un fanfarrón influencer en línea incita a sus seguidores a la rebelión. Todo parece dolorosamente actual.

Por desgracia, tiene un guión pésimo. “George, si nos equivocamos, el mundo entero se irá al infierno”, gruñe un personaje. Cuando Mullen reprende a los manifestantes por creer en “tonterías conspirativas, no se están comportando como estadounidenses ni como patriotas”, inmediatamente se callan. Bassett, que tiene dos nominaciones al Oscar en su haber, dice sus líneas de una forma vergonzosamente cursi. Tras ver los seis episodios, uno solo llega a la conclusión que el planteamiento es mucho mejor que el desenlace. La razón principal para seguir viéndolo es De Niro, cuyo poder estelar impulsa la serie.

Si bien un mayor enfoque en el efecto de los ataques ciberterroristas sobre los personajes podría haber ayudado a diferenciar la serie de un género abarrotado, los personajes de Zero Day conforman sus aspectos más decepcionantes. Al tener dos de sus creadores y escritores que son ex periodistas políticos, a menudo se esfuerza por lograr una sensación de realismo con sus personajes, ya sea el comentarista político abrasivo de Dan Stevens o el multimillonario tecnológico de Gaby Hoffman que intenta abrirse camino a codazos para involucrarse en el gobierno.

Está claro que Newman, Oppenheim y Schmidt están desatando cierta rabia relacionada con el panorama político actual a través de los personajes de Zero Day y, en cierto sentido, es un enfoque que debería funcionar. Hay infinitas oportunidades para explotar estas personalidades para la narración ficticia y, sin embargo, muchas series como esta se conforman con las representaciones más simplistas de ellas.

El Evan Green de Stevens recibe una pizca de dimensión extra con un breve vistazo a su familia y a su personalidad fuera de cámara con su equipo, todo lo cual es mucho más reflexivo de lo que su personaje en pantalla sumamente crítico esconde. De manera similar, Monica Kidder de Hoffman es ciertamente mucho más reservada que el infame gigante tecnológico en el que claramente está basada, y sin embargo, ya sea que intente promocionar frases históricas para impulsar su agenda o alardear de su riqueza y de que sus diversas empresas supervisan la vida de las personas, Kidder nunca se siente tan lejos de su inspiración del mundo real.

A pesar de que el guión no es del todo convincente, durante la mayor parte de la serie, De Niro hace lo que mejor sabe hacer: hacer muecas frente a la cámara y fruncir el ceño a los demás personajes. Sin embargo, hay momentos en los que infunde una sensación de empatía y vulnerabilidad en Mullen, ya sea en medio de su estado mental en deterioro o de sus dolorosas reflexiones sobre la muerte de su hijo.

Mientras tanto, Caplan demuestra ser una especie de comodín interesante a lo largo de la serie "Zero Day". En el papel de Alexandra Mullen, su personaje es otra figura desafortunadamente rutinaria, interpretando a la hija distanciada de su prominente padre que entierra la nariz en su trabajo y otras cosas para evitar hablar con él. Y, sin embargo, incluso antes de que avance la serie y podamos ver nuevos aspectos intrigantes de ella, Caplan desbloquea capas más profundas de Alex que nos mantienen interesados ​​en su evolución, incluso si termina sintiéndose desafortunadamente apresurada en los sobrecargados dos episodios finales.

Pero a pesar de los mejores esfuerzos de De Niro, Caplan y el resto del elenco sorprendentemente completo, "Zero Day" nunca puede escapar del hecho de que no es lo suficientemente completa como para justificar la duración de la serie. Los dos episodios intermedios optan por reducir su enfoque en el misterio principal de la serie para introducir uno secundario y centrarse en sus personajes, dos decisiones que son malas. Para cuando volvemos al detonante, de repente estamos en el final y nos quedamos con la mayoría de nuestras preguntas sin respuesta y con la sensación de tiempo desperdiciado.

Temporada de Premios: Ganadores de la 31ra entrega de los Screen Actors Guild Awards

El domingo por la noche se entregaron la 31ra entrega de los Premios del Sindicato de Actores de Cine.

En las categorías de películas, Conclave ganó el premio a la mejor interpretación de un elenco. Timothée Chalamet fue nombrado mejor actor principal por "A Complete Unknown", y Demi Moore ganó el premio a la mejor actriz en un papel principal por "The Substance". Kieran Culkin ganó el premio al mejor actor de reparto en una película por "A Real Pain", y Zoe Saldaña ganó el premio a la mejor actriz de reparto por "Emilia Pérez".

En el apartado televisivo, Shogun se llevó tres premios, incluido el de mejor elenco de una serie dramática. Además, Anna Sawai ganó el premio a la mejor actriz de una serie dramática, mientras que Hiroyuki Sanada fue nombrado mejor actor de una serie dramática.

"Only Murders in the Building" ganó el premio al mejor elenco de una serie de comedia, mientras que Martin Short fue nombrado mejor actor en una serie de comedia por su papel en la serie. Jean Smart fue nombrada mejor actriz en una serie de comedia por "Hacks".

Jessica Gunning ganó el premio a la mejor actriz en una película para televisión o miniserie por "Baby Reindeer", un día después de llevarse a casa un premio Independent Spirit por su papel en la serie. Colin Farrell fue nombrado mejor actor en una película para televisión o miniserie por "The Penguin".

Durante la presentación previa, se revelaron los ganadores en las categorías de conjuntos de stunts, con "The Fall Guy" y "Shogun" obteniendo las victorias en cine y televisión, respectivamente.

La premiación fue presentada por Kristen Bell, quien también está nominada a mejor interpretación femenina en una serie de comedia por "Nobody Wants This".

También durante los Premios SAG, Jane Fonda recibió el Premio a la Trayectoria.

El mes pasado, el gremio canceló el anuncio en vivo y en persona de los nominados debido a los incendios forestales que azotan Los Ángeles y, en su lugar, compartió las nominaciones a través de un comunicado de prensa. El gremio también instó a las personas a donar a una organización benéfica para ayudar a los necesitados, y señaló que se pueden realizar donaciones al fondo de ayuda para desastres naturales de la Fundación SAG-AFTRA para ayudar a la comunidad SAG-AFTRA.

La ceremonia de los Premios SAG se transmitió en vivo por Netflix desde el Shrine Auditorium y Expo Hall en Los Ángeles.

A continuación se muestra la lista completa de ganadores:

Outstanding Performance by a Cast in a Motion Picture: CONCLAVE

A COMPLETE UNKNOWN

ANORA

EMILIA PÉREZ

WICKED

Outstanding Performance by a Female Actor in a Leading Role: DEMI MOORE / Elisabeth – “THE SUBSTANCE”

PAMELA ANDERSON / Shelly – “THE LAST SHOWGIRL”

CYNTHIA ERIVO / Elphaba – “WICKED”

KARLA SOFÍA GASCÓN / Emilia/Manitas – “EMILIA PÉREZ”

MIKEY MADISON / Ani – “ANORA”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role: TIMOTHÉE CHALAMET / Bob Dylan – “A COMPLETE UNKNOWN”

ADRIEN BRODY / László Tóth – “THE BRUTALIST”

DANIEL CRAIG / William Lee – “QUEER”

COLMAN DOMINGO / Divine G – “SING SING”

RALPH FIENNES / Lawrence – “CONCLAVE”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Supporting Role: ZOE SALDAÑA / Rita – “EMILIA PÉREZ”

MONICA BARBARO / Joan Baez – “A COMPLETE UNKNOWN”

JAMIE LEE CURTIS / Annette – “THE LAST SHOWGIRL”

DANIELLE DEADWYLER / Berniece – “THE PIANO LESSON”

ARIANA GRANDE / Galinda/Glinda – “WICKED”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Supporting Role: KIERAN CULKIN / Benji Kaplan – “A REAL PAIN”

JONATHAN BAILEY / Fiyero – “WICKED”

YURA BORISOV / Igor – “ANORA”

EDWARD NORTON / Pete Seeger – “A COMPLETE UNKNOWN”

JEREMY STRONG / Roy Cohn – “THE APPRENTICE”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Motion Picture: THE FALL GUY

DEADPOOL & WOLVERINE

DUNE: PART TWO

GLADIATOR II

WICKED

Outstanding Performance by an Ensemble in a Drama Series: SHOGUN

BRIDGERTON

THE DAY OF THE JACKAL

THE DIPLOMAT

SLOW HORSES

Outstanding Performance by a Female Actor in a Drama Series: ANNA SAWAI / Toda Mariko – “SHOGUN”

KATHY BATES / Madeline Matlock – “MATLOCK”

NICOLA COUGHLAN / Penelope Featherington – “BRIDGERTON”

ALLISON JANNEY / Vice President Grace Penn – “THE DIPLOMAT”

KERI RUSSELL / Kate Wyler – “THE DIPLOMAT”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Drama Series: HIROYUKI SANADA / Yoshii Toranaga – “SHOGUN”

TADANOBU ASANO / Kashigi Yabushige – “SHOGUN”

JEFF BRIDGES / Dan Chase – “THE OLD MAN”

GARY OLDMAN / Jackson Lamb – “SLOW HORSES”

EDDIE REDMAYNE / The Jackal – “THE DAY OF THE JACKAL”

Outstanding Performance by an Ensemble in a Comedy Series: ONLY MURDERS IN THE BUILDING

ABBOTT ELEMENTARY

THE BEAR

HACKS

SHRINKING

Outstanding Performance by a Female Actor in a Comedy Series: JEAN SMART / Deborah Vance – “HACKS”

KRISTEN BELL / Joanne – “NOBODY WANTS THIS”

QUINTA BRUNSON / Janine Teagues – “ABBOTT ELEMENTARY”

LIZA COLÓN-ZAYAS / Tina – “THE BEAR”

AYO EDEBIRI / Sydney Adamu – “THE BEAR”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Comedy Series: MARTIN SHORT / Oliver Putnam – “ONLY MURDERS IN THE BUILDING”

ADAM BRODY / Noah Roklov – “NOBODY WANTS THIS”

TED DANSON / Charles Nieuwendyk – “A MAN ON THE INSIDE”

HARRISON FORD / Paul – “SHRINKING”

JEREMY ALLEN WHITE / Carmen “Carmy” Berzatto – “THE BEAR”

Outstanding Performance by a Female Actor in a Television Movie or Limited Series: JESSICA GUNNING / Martha – “BABY REINDEER”

KATHY BATES / Edith Wilson – “THE GREAT LILLIAN HALL”

CATE BLANCHETT / Catherine Ravenscroft – “DISCLAIMER”

JODIE FOSTER / Det. Elizabeth Danvers – “TRUE DETECTIVE: NIGHT COUNTRY”

LILY GLADSTONE / Cam Bentland – “UNDER THE BRIDGE”

CRISTIN MILIOTI / Sofia Falcone – “THE PENGUIN”

Outstanding Performance by a Male Actor in a Television Movie or Limited Series: COLIN FARRELL / Oz Cobb – “THE PENGUIN”

JAVIER BARDEM / Jose Menendez – “MONSTERS: THE LYLE AND ERIK MENENDEZ STORY”

RICHARD GADD / Donny – “BABY REINDEER”

KEVIN KLINE / Stephen Brigstocke – “DISCLAIMER”

ANDREW SCOTT / Tom Ripley – “RIPLEY”

Outstanding Action Performance by a Stunt Ensemble in a Television Series: SHOGUN 

THE BOYS

FALLOUT

HOUSE OF THE DRAGON

THE PENGUIN

Crítica Cinéfila: Sing Sing

Un pequeño grupo de presos encarcelados en el Centro Correccional Sing Sing, una de las prisiones de máxima seguridad más famosas del mundo, se propone montar su propia obra teatral como parte de un taller de teatro. A través de las artes escénicas, estos hombres consiguen ver el mundo como un lugar por el que luchar.

Las rejas no pueden contener la enorme cantidad de imaginación que ofrece “Sing Sing”, no solo por la forma en que el director Greg Kwedar y su coguionista Clint Bentley concibieron el drama ambientado en la prisión, sino también por la fuerza esperanzadora entre sus personajes. Aparte de Colman Domingo y algunos otros, la mayoría del elenco son ex-encarcelados del programa Rehabilitation Through the Arts, que presenta producciones teatrales en el Centro Correccional Sing Sing de Nueva York. Mientras están dentro de los muros de una penitenciaría, los actores aficionados tienen la oportunidad de salir de sus peores delitos y simplemente habitar otro personaje para variar, alguien que probablemente sea más revelador de quiénes son realmente de lo que les permite su uniforme de trabajo de la cárcel.

A partir de su experiencia como profesores voluntarios en centros penitenciarios, Kwedar y Bentley son conscientes del poder que supone ver a estos hombres transformarse ante nuestros ojos de prisioneros endurecidos en artistas juguetones. Es posible que algunas escenas duren un poco más de lo debido pero no la hace más pesada, considerando la mirada profundamente empática y sumamente cautivadora que ofrece “Sing Sing” del sistema penitenciario, donde nadie debería ser definido por su pasado ni descartado por la sociedad.

El dúo creativo, que alterna proyectos en la silla del director, se basa en el enfoque que adoptaron en “Jockey”, la colaboración de 2021 dirigida por Bentley que colocó a Clifton Collins Jr. entre los miembros de la comunidad de las carreras de caballos. En “Sing Sing”, la pareja ha ideado una historia con un anclaje claro en el personaje de Domingo, Divine G, uno de los fundadores en la vida real del programa RTA, que cumple una condena por un asesinato que jura no haber cometido. Dado el énfasis de la película en la imaginación, el objetivo final de montar una producción es mucho menos importante que los ejercicios de actuación que hacen a lo largo del camino. El público comparte una sensación palpable de catarsis con los prisioneros en los momentos en que surge una verdad emocional profundamente enterrada, normalmente bajo el manto de interpretar un personaje.

Paul Raci, que aportó una integridad y un sentimiento similar a “Sound of Metal”, también contribuye a la obra. En esta ocasión, interpreta a Brent, un director de teatro contratado para dirigir estos ejercicios y, finalmente, tratar de poner en forma una producción poco ortodoxa. Como los prisioneros no se ponen de acuerdo sobre qué obra representar, Brent diseña una extravagante comedia de viajes en el tiempo con papeles para todos, desde un príncipe egipcio hasta Hamlet y Freddy Krueger, además de enormes batallas de gladiadores y números musicales para todo el elenco.

El director de fotografía Patrick Scola no es el único que encuentra ángulos interesantes dentro de los confines industriales de “Sing Sing”. A medida que la película avanza diligentemente hacia el gran día del espectáculo, encuentra una tensión fascinante entre Divine G y otro prisionero, Divine Eye (Clarence “Divine Eye” Maclin), que se resigna a “ser un gánster cuando eso es lo que funciona”, aunque claramente es capaz de más. Divine G no habría iniciado la RTA si no creyera en el potencial reformador de personas como Divine Eye, pero su generosidad se pone a prueba cuando el nuevo recluta hace una audición para el papel que quería. De esta pequeña amenaza a su ego surge una amistad tentativa, ya que Divine G anima a Divine Eye a buscar una audiencia de libertad condicional, incluso cuando su propia apelación llega a un callejón sin salida.

Domingo ofrece una actuación imponente. Ver cómo la luz en los ojos de Divine G se apaga aunque sea un poquito es una tragedia que “Sing Sing” no necesita exagerar. Aunque Divine G se ve a sí mismo como una figura de autoridad entre los prisioneros, el actor también es cautivador cuando simplemente absorbe información, reconociendo instintivamente cuándo ceder el protagonismo a sus coprotagonistas no profesionales. Hay una energía viva en las escenas en las que participa todo el elenco, acentuada por el trabajo de cámara vertiginoso de Scola y la ágil y enérgica banda sonora de piano y cuerdas de Bryce Dessner durante las escenas de ensayo. A medida que estos actores poco convencionales desaparecen en sus papeles asignados en el escenario, “Sing Sing” demuestra que a menudo no están en el lugar adecuado para sus propias vidas.

Temporada de Premios: Ganadores de la 78va entrega de los British Academy Film Awards

Los premios de cine BAFTA se repartieron este pasado domingo por la noche, con el drama del Vaticano "Conclave" obteniendo cuatro victorias, incluyendo mejor película y película británica destacada, la misma cantidad de honores que "The Brutalist" de Brady Corbet, que obtuvo los premios a mejor director y mejor actor para Corbet y Adrien Brody, respectivamente.

Por su parte, Mikey Madison recibió el BAFTA a mejor actriz principal por su papel en "Anora", que también fue distinguida con el premio de casting para Sean Baker y Samantha Quan, mientras que Zoe Saldaña obtuvo la estatuilla a mejor actriz de reparto por su trabajo en "Emilia Pérez". Por esta última, el director Jacques Audiard y Pascal Caucheteux también ganaron el premio a mejor película de habla no inglesa.

Saldaña calificó a "Emilia Pérez" como “un desafío creativo de toda una vida”. Y dijo: “Se supone que las películas deben cambiar corazones y desafiar mentes, y espero haber hecho algo así. Las voces necesitan ser escuchadas”.

Un momento destacado de los premios BAFTA de cine fue la aparición de las leyendas de la música británica Take That con una interpretación de su exitosa canción "Greatest Day", que aparece en "Anora". Y Jeff Goldblum también hizo una contribución musical, tocando "As Time Goes By" al piano durante el segmento In Memoriam de los BAFTA.

Aquí la lista completa de ganadores del premio BAFTA en cada categoría:

Best Film: CONCLAVE; Tessa Ross, Juliette Howell, Michael A. Jackman

ANORA; Alex Coco, Samantha Quan, Sean Baker

THE BRUTALIST; Nick Gordon, Brian Young, Andrew Morrison, D.J. Gugenheim, Brady Corbet

A COMPLETE UNKNOWN; Fred Berger, Alex Heineman, James Mangold

EMILIA PÉREZ; Pascal Caucheteux, Jacques Audiard

Rising Star: DAVID JONSSON

MARISA ABELA

JHARREL JEROME

MIKEY MADISON

NABHAAN RIZWAN

Outstanding British Film: CONCLAVE; Edward Berger, Tessa Ross, Juliette Howell, Michael A. Jackman, Peter Straughan

BIRD; Andrea Arnold, Tessa Ross, Juliette Howell, Lee Groombridge

BLITZ; Steve McQueen, Tim Bevan, Eric Fellner, Anita Overland

GLADIATOR II; Ridley Scott, Douglas Wick, Lucy Fisher, Michael Pruss, David Scarpa, Peter Craig

HARD TRUTHS; Mike Leigh, Georgina Lowe

KNEECAP; Rich Peppiatt, Trevor Birney, Jack Tarling, Naoise Ó Cairealláin, Liam Óg Ó Hannaidh, JJ Ó Dochartaigh

LEE; Ellen Kuras, Kate Solomon, Kate Winslet, Liz Hannah, Marion Hume, John Collee, Lem Dobbs

LOVE LIES BLEEDING; Rose Glass, Andrea Cornwell, Oliver Kassman, Wereonika Tofilska

THE OUTRUN; Nora Fingscheidt, Sarah Brocklehurst, Dominic Norris, Jack Lowden, Saoirse Ronan, Amy Liptrot

WALLACE & GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL; Nick Park, Merlin Crossingham, Richard Beek, Mark Burton

Leading Actress: MIKEY MADISON; Anora

CYNTHIA ERIVO; Wicked

KARLA SOFÍA GASCÓN; Emilia Pérez

MARIANNE JEAN-BAPTISTE; Hard Truths

DEMI MOORE; The Substance

SAOIRSE RONAN; The Outrun

Supporting Actress: ZOE SALDAÑA; Emilia Pérez

SELENA GOMEZ; Emilia Pérez

ARIANA GRANDE; Wicked

FELICITY JONES; The Brutalist

JAMIE LEE CURTIS; The Last Showgirl

ISABELLA ROSSELLINI; Conclave

Supporting Actor: KIERAN CULKIN; A Real Pain

YURA BORISOV; Anora

CLARENCE MACLIN; Sing Sing

EDWARD NORTON; A Complete Unknown

GUY PEARCE; The Brutalist

JEREMY STRONG; The Apprentice

Original Screenplay: A REAL PAIN; Written by Jesse Eisenberg

ANORA; Written by Sean Baker

THE BRUTALIST; Written by Brady Corbet & Mona Fastvold

KNEECAP; Writer Rich Peppiatt, Story by Rich Peppiatt, Naoise Ó Cairealláin, Liam Óg Ó Hannaidh, JJ Ó Dochartaigh

THE SUBSTANCE; Written by Coralie Fargeat

Adapted Screenplay: CONCLAVE; Screenplay by Peter Straughan

A COMPLETE UNKNOWN; Screenplay by James Mangold and Jay Cocks

EMILIA PÉREZ; Written by Jacques Audiard

NICKEL BOYS; Screenplay by RaMell Ross & Joslyn Barnes

SING SING; Screenplay by Clint Bentley, Greg Kwedar, Story by Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence

‘Divine Eye’ Maclin, John ‘Divine G’ Whitfield

Casting: ANORA; Sean Baker, Samantha Quan

THE APPRENTICE; Stephanie Gorin, Carmen Cuba

A COMPLETE UNKNOWN; Yesi Ramirez

CONCLAVE; Nina Gold, Martin Ware

KNEECAP; Carla Stronge

Cinematography: THE BRUTALIST; Lol Crawley

CONCLAVE; Stéphane Fontaine

DUNE: PART TWO; Greig Fraser

EMILIA PÉREZ; Paul Guilhaume

NOSFERATU; Jarin Blaschke

Production Design: WICKED; Nathan Crowley, Lee Sandales

THE BRUTALIST; Judy Becker, Patricia Cuccia

CONCLAVE; Suzie Davies, Cynthia Sleiter

DUNE: PART TWO; Patrice Vermette, Shane Vieau

NOSFERATU; Craig Lathrop

Costume Design: WICKED; Paul Tazewell

BLITZ; Jacqueline Durran

A COMPLETE UNKNOWN; Arianne Phillips

CONCLAVE; Lisy Christl

NOSFERATU; Linda Muir

Make Up & Hair: THE SUBSTANCE; Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon, Frédérique Arguello, Marilyne Scarselli

DUNE: PART TWO; Love Larson, Eva Von Bahr

EMILIA PÉREZ; Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier, Jean-Christophe Spadaccini, Romain Marietti

NOSFERATU; David White, Traci Loader, Suzanne Stokes-Munton

WICKED; Frances Hannon, Laura Blount, Sarah Nuth

Editing: CONCLAVE; Nick Emerson

ANORA; Sean Baker

DUNE: PART TWO; Joe Walker

EMILIA PÉREZ; Juliette Welfling

KNEECAP; Julian Ulrichs, Chris Gill

Original Score: THE BRUTALIST; Daniel Blumberg

CONCLAVE; Volker Bertelmann

EMILIA PÉREZ; Camille, Clément Ducol

NOSFERATU; Robin Carolan

THE WILD ROBOT; Kris Bowers

Sound: DUNE: PART TWO; Ron Bartlett, Doug Hemphill, Gareth John, Richard King

BLITZ; John Casali, Paul Cotterell, James Harrison

GLADIATOR II; Stéphane Bucher, Matthew Collinge, Paul Massey Danny Sheehan

The Substance Valérie Deloof, Victor Fleurant, Victor Praud, Stéphane Thiébaut, Emmanuelle Villard

WICKED; Robin Baynton, Simon Hayes, John Marquis, Andy Nelson, Nancy Nugent Title

Animated Film: WALLACE & GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL; Nick Park, Merlin Crossingham, Richard Beek

FLOW; Gints Siibalodis, Matīss Kaža

INSIDE OUT 2; Kelsey Mann, Mark Nielsen

THE WILD ROBOT; Chris Sanders, Jeff Hermann

Film Not in the English Language: EMILIA PÉREZ; Jacques Audiard, Pascal Caucheteux

ALL WE IMAGINE AS LIGHT; Payal Kapadia, Thomas Hakim

I’M STILL HERE (AINDA ESTOU AQUI); Walter Salles, Maria Carlota Bruno, Rodrigo Teixeira

KNEECAP; Rich Peppiatt, Trevor Birney, Jack Tarling

THE SEED OF THE SACRED FIG; Mohammad Rasoulof, Amin Sadraei

Special Visual Effects: DUNE: PART TWO; Paul Lambert, Stephen James, Gerd Nefzer, Rhys Salcombe

BETTER MAN; Luke Millar, David Clayton, Keith Herft, Peter Stubbs

GLADIATOR II; Mark Bakowski, Neil Corbould, Nikki Penny, Pietro Ponti

KINGDOM OF THE PLANET OF THE APES; Erik Winquist, Rodney Burke, Paul Story, Stephen Unterfranz

WICKED; Pablo Helman, Paul Corbould, Jonathan Fawkner, Anthony Smith

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer: KNEECAP; Rich Peppiatt (Director, Writer)

HOARD; Luna Carmoon (Director, Writer)

MONKEY MAN; Dev Patel (Director)

SANTOSH; Sandhya Suri (Director, Writer), James Bowsher (Producer), Balthazar de Ganay (Producer)

[also produced by Alan McAlex, Mike Goodridge]

SISTER MIDNIGHT; Karan Kandhari (Director, Writer)

British Short Animation: WANDER TO WONDER; Nina Gantz, Stienette Bosklopper, Simon Cartwright, Maarten Swar 

ADIÓS José Prats, Natalia Kyriacou, Bernardo Angeletti

MOG’S CHRISTMAS Robin Shaw, Joanna Harrison, Camilla Deakin, Ruth Fielding

British Short Film: ROCK, PAPER, SCISSORS; Franz Böhm, Ivan, Hayder Rothschild Hoozeer

THE FLOWERS STAND SILENTLY, WITNESSING Theo Panagopoulos, Marissa Keating

MARION Joe Weiland, Finn Constantine, Marija Djikic

MILK Miranda Stern, Ashionye Ogene

STOMACH BUG Matty Crawford, Karima Sammout-Kanellopoulou

Documentary: SUPER/MAN: THE CHRISTOPHER REEVE STORY; Ian Bonhôte, Peter Ettedgui, Lizzie Gilliett, Robert Ford

BLACK BOX DIARIES Shiori Ito, Hanna Aqvilin, Eric Nyari

DAUGHTERS Natalie Rae, Angela Patton

NO OTHER LAND Yuval Abraham, Basel Adra, Hamdan Ballal, Rachel Szor

WILL & HARPER Josh Greenbaum, Rafael Marmor, Christopher Leggett, Will Ferrell, Jessica Elbaum

Children’s and Family Film: WALLACE & GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL; Nick Park, Merlin Crossingham, Richard Beek

FLOW; Gints Siibalodis, Matīss Kaža

KENSUKE’S KINGDOM; Kirk Hendry, Neil Boyle, Camilla Deakin

THE WILD ROBOT; Chris Sanders, Jeff Hermann

Crítica Cinéfila: September 5

Durante los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, el equipo de periodistas deportivos estadounidenses de la ABC que cubrían los juegos se vieron de repente obligados a cubrir la crisis de los rehenes de los atletas israelíes secuestrados por un grupo terrorista.

Una historia que no parece nueva (y que ya se exploró en “Munich” de Steven Spielberg) puede ser una barrera de entrada para algunos espectadores. Pero “September 5” del director suizo Tim Fehlbaum, que lleva al público al interior de la sala de control de ABC News, hermética y con poco aire acondicionado, mientras los terroristas se apoderaban de los Juegos Olímpicos de Verano de 1972 a escasos metros de distancia, es una representación cautivadora y singular que se sostiene por sí misma.

En 94 minutos, Fehlbaum pasa del caos que se desata en el exterior a centrarse únicamente en el puñado de productores y técnicos deportivos que se ven obligados a improvisar mientras ocho militantes palestinos, conocidos como Septiembre Negro, toman como rehenes al equipo olímpico israelí. Los 11 rehenes son asesinados. Sin embargo, abordar la película con esa perspectiva histórica no impide la tensión en pantalla, aunque la indagación psicológica de “September 5” sobre la crisis y cómo transformó las noticias de televisión, y cómo esa misma cobertura televisiva puede haber impulsado una pesadilla hacia su peor horizonte posible, es ocasionalmente superficial y menos penetrante.

El argumento principal es la actuación convincente y acertada del incondicional John Magaro como Geoff Mason, un productor advenedizo que de repente se encuentra al mando de toda la cobertura de una cadena, y mucho más allá de su nivel salarial. En otro lugar del equipo de noticias estadounidense está Peter Sarsgaard como Roone Arledge, que moviliza a su personal una vez que se escuchan disparos mientras los Juegos Olímpicos de Múnich entran en su segunda semana. La toma de rehenes ocurrió el 5 y 6 de septiembre, cuando los juegos comenzaban el 26 de agosto, y en un momento en el que Alemania todavía estaba tratando de renovar su imagen global después de las secuelas persistentes de la Segunda Guerra Mundial.

Leonie Benesch, la maravillosa actriz que dirigió la nominada al Oscar al mejor largometraje internacional de 2024, “The Teachers' Lounge”, interpreta a la única miembro del equipo que habla alemán, asignada para actuar como traductora, pero que sus colegas masculinos la dejan de lado repetidamente. En un momento dado, le piden que traiga café para los muchachos, mucho después de que ya se haya establecido como una presencia esencial en la sala. “September 5”, escrita por Fehlbaum con el escritor alemán Moritz Binder, roza apenas ligeramente la dinámica de género regresiva en retrospectiva que era de rigor en la sala de redacción y más allá. Sin embargo, Marianne (Benesch) nunca se derrumba bajo las fuerzas de una olla a presión mientras un equipo de noticias dominado por hombres grita las órdenes.

De arriba a abajo, “September 5” es una proeza técnicamente impresionante, con el director de fotografía Markus Förderer filmando en lo que parece ser un celuloide que se empalma casi a la perfección con el metraje de archivo real en 16 mm del presentador de Wide World of Sports Jim McKay y de la propia crisis de los rehenes. La parte inferior del realismo fabricado solo desaparece en los momentos en que la cámara de mano de Förderer hace un zoom rápido y brusco sobre los rostros en primer plano; llamémoslo el estilo de filmación de docudrama de Adam McKay que definió series como “Succession”, colocándonos directamente en el punto de vista de los personajes y, al mismo tiempo, aunque sin intención, resaltando su artificio debido a ello.

“September 5” plantea un intrigante problema ético sobre la complicidad involuntaria de ABC News en lo que sucedió, ya que finalmente se revela que los terroristas de Septiembre Negro estaban viendo la transmisión de ABC desde la habitación del hotel donde habían atrapado a los atletas israelíes. ¿Geoff y Roone están ayudando o perjudicando la causa al enfocar sus cámaras al terror, exigiendo la siguiente gran toma?

Como revelan los títulos de cierre, 900 millones de personas vieron la cobertura informativa de la situación de los rehenes de 1972, que terminó en una masacre en Fürstenfeldbruck, la base aérea de la OTAN en Alemania Occidental, incluso después de que informes de noticias falsas y editados por Alemania sugirieran lo contrario. “Munich” de Steven Spielberg de 2005, su drama protagonizado por Eric Bana como el agente judío alemán del Mossad asignado para liderar la carga para acabar con los terroristas, se sumergió en el derramamiento de sangre visceral y moral en el terreno. “September 5” apenas sale de la sala de control, que se convierte en un microcosmos de las responsabilidades éticas de la cobertura informativa del tipo “si sangra, lidera” contra un reloj que corre.

En un momento dado, Geoff prácticamente se encarga de la dirección artística de la cobertura, y uno de sus colegas lo califica en broma de “Kubrick”. Pero, ¿cuán lejos está eso de la realidad cuando Geoff es el director de la colocación de las cámaras y de los cortes? Magaro, que se pudre bajo el calor de su propio cuello bien abotonado, es un protagonista cautivador, aunque por lo demás un enigma más allá de quién es en esta misma sala. Fehlbaum te invita a replantear estos acontecimientos, y el conocimiento que aportas a ellos, a través de los acontecimientos que actualmente han tomado lugar en Gaza por cuestiones que parecen muy similares: aquí, la causa de Septiembre Negro es exigir que la nación israelí libere a 200 de sus propios rehenes palestinos, o de lo contrario asesinan a un rehén israelí por cada hora que no se les paga su rescate. Al igual que la película en sí, la investigación de Fehlbaum sobre la crisis israelí-palestina no sale de esta sala, y “September 5” es mejor por ello.

Lo más cautivador son los fragmentos de noticias reales capturados por ABC (ganadores de un Emmy), que el editor Hansjörg Weißbrich combina en la recreación dramática. Una imagen de un terrorista enmascarado asomándose desde el balcón del hotel es tan inquietante como cualquier otra puesta en escena en esta película. El actor Benjamin Walker interviene para interpretar al presentador de noticias Peter Jennings, quien observó la situación de los rehenes de cerca incluso cuando la policía alemana amenazó con detenerlo y finalmente cerró todo el equipo de noticias. Los fragmentos de la voz real de Jennings, junto con la de Jim McKay, se suman al realismo de la película. Lo que hace que los eventos actuales que ya están en primer plano desde el primer cuadro sean aún más escalofriantes.

No hay mucho que “September 5” pueda lograr en una sala, en un metraje tan (inteligentemente) económico. Los espectadores que esperan declaraciones grandilocuentes sobre los medios y cómo la cobertura puede distorsionar o contextualizar una tragedia (y a menudo nunca sabríamos las diferencias) se quedarán con las manos vacías, o al menos con su propia tarea moral que hacer. En cambio, “September 5” funciona más poderosamente como un thriller a puerta cerrada en una sola sala, incluso cuando lo que vemos en una pared de monitores es casi demasiado irreal para creerlo. En un momento, las imágenes se cortan de los Juegos Olímpicos que aún se están desarrollando, sus atletas lo ignoran, a la escena de los rehenes en cuestión, con Jim McKay comentando: “Ahora volvamos al mundo real, aunque esto parezca irreal”. Lo que estábamos viendo era real, y eso no se puede inventar, incluso con todo el complicado trabajo de cámara vérité en mano del mundo que busca dramatizarlo.

Crítica Cinéfila: A Complete Unknown

Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Sus canciones y su mística se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su rompedora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

Si tienes más de 60 años, es probable que algunos capítulos de tu vida hayan sido influenciados por la música de Bob. Si tienes menos de 30, seguro lo escuchaste gracias a ese miembro cool de tu familia. La historia de la vida de un hombre nacido como Robert Zimmerman tiene que servir de inspiración para alguien, pero ¿a quién? Hay que tomar decisiones, comprimir los plazos, sopesar los hechos frente a la leyenda.

Adaptando la excelente historia de Elijah Wald de 2015 “Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan, and the Night That Split the Sixties”, “A Complete Unknown” opta por la leyenda, y lo hace de manera bastante hábil para los que desconocen su historia y que nunca entenderán por qué hubo tanto alboroto. Dirigida por James Mangold (“Walk the Line”), es una película biográfica de dos horas y 20 minutos, ágil, melodiosa y muy entretenida, con un chico popular y talentoso como protagonista para atraer a la Generación Z.

¿Y cómo está el chico? Está bastante bien, aunque su interpretación no tiene arco, por loque será la segunda mejor de la película. La historia sigue a un joven Bob Dylan durante cinco años de su vida, tocando la guitarra y la armónica, y trabajando duro para conseguir esa voz tan particular que aún hoy lo caracteriza. El esfuerzo técnico ha dado sus frutos, pero, lo que es más importante, Chalamet transmite la presencia de este jovencito folkie advenedizo: la seguridad y el mal humor, el oído que escucha más los cantos de sirena en su cabeza que a cualquiera de los presentes en la sala. La ética de trabajo y el desprecio, la inquietud y las máscaras, las letras ardientes y la voz de un joven profeta malhumorado: todo está ahí, excepto por la ligereza y la picardía que poseía Dylan en sus primeros años, antes de que todos lo confundieran con Dios.

"A Complete Unknown" abarca desde su llegada a Greenwich Village en 1961 como un don nadie de Minnesota de 19 años hasta su traición al resurgimiento del folk en Newport '65, coloca al cantante en el centro de una contracultura joven, seria y harta. La música se ve como una conexión con una versión más antigua y oprimida de los Estados Unidos: es una música de protesta contra la proliferación nuclear y en apoyo de los derechos civiles, y al principio Dylan encaja perfectamente.

El guión de Mangold y Jay Cocks muestra a Bob apareciendo junto a la cama del hospital de Nueva Jersey de Woody Guthrie (interpretado por Scoot McNairy), que está en cama debido a la enfermedad de Huntington. Pete Seeger (Edward Norton) también está allí, y el chico canta a los hombres mayores una canción —“Song for Woody”— que conmueve tanto a Seeger que lleva a Dylan a casa con su esposa, Toshi (Eriko Hatsune), y su familia para pasar la noche. 

Los meses de aprendizaje de Dylan, perfeccionando su personalidad y sus habilidades, se resumen en una aparición en el café del Village en la que cuatro personas importantes para la historia están convenientemente presentes: Robert Shelton, el escritor del New York Times cuyo artículo de septiembre de 1961 sobre Dylan impulsó su carrera; el poderoso productor discográfico John Hammond (David Alan Basche); Albert Grossman (Dan Fogler), que se convertirá en el manager de Dylan; y Joan Baez (Monica Barbaro), que se convertirá en su amante y rival.

“A Complete Unknown” transmite dos ideas importantes: que el resurgimiento del folk fue una reelaboración sobria y bastante privilegiada de material, y que Dylan revolucionó todo al escribir sus propias canciones. La película transmite el impacto electrizante que “Blowin' in the Wind” y “Masters of War” tuvieron en sus primeras audiencias; para cuando Dylan presenta “The Times They Are a-Changin'” en Newport '64, el público la ha adoptado como himno incluso antes de que llegue a la segunda estrofa. Para mucha gente, Dylan era un salvador; para la vieja guardia de la escena folk, era cada vez más una amenaza. La trama refleja con precisión el respeto que sentían por el joven Dylan personas como Seeger y Alan Lomax (Norbert Leo Butz), el legendario músico de campo y pilar del Newport Folk Festival. Y dramatiza con precisión su preocupación cuando el joven Jeremiah, entre ellos, siguió desafiante su propio camino.

“¿Qué quieres ser?”, pregunta Bobby Neuwirth (Will Harrison), uno de los pocos en el círculo de Dylan que lo trataba simplemente como un amigo. “Lo que sea que no quieren que sea”, espeta Dylan. Como su ídolo Marlon Brando, rechazó la fama, y ​​en ese rechazo parecía más glamoroso, más necesario que nunca. 

Enfrentado a una multitud que persigue a su nuevo gurú por la calle exigiéndole la verdad, el Dylan de Chalamet se esconde tras unas gafas de sol, una mueca de desprecio y un rock and roll que, para los folkies de clase media, era la música de los matones. Aparece en el estudio de grabación con un grupo de chicos malos, entre ellos el guitarrista Mike Bloomfield (Eli Brown) y Al Kooper (Charlie Tahan), que se sienta al órgano en “Like a Rolling Stone” porque los productores le han dicho expresamente que no lo haga. La música es cruda y eléctrica, y sumamente enfadada. 

En esta película, el jefe es Pete Seeger. Un Norton perfecto convierte esa traición en el aspecto más inesperadamente trágico de “A Complete Unknown”. Seeger —el dulce, santurrón y nada irónico Pete— fue indispensable para llevar la música folk y su conciencia socialmente progresista a las masas de jóvenes nacidos en el baby boom. En la actuación de Norton, se ve cómo la tristeza se apodera de los ojos del hombre mayor cuando Dylan abandona su talento por algo que Seeger no puede entender que es mayor: la fusión de folk y rock, pop y poesía, la conexión con las masas y un sentido de rebelión mucho más profundo. Disfruté la actuación de Chalamet, pero la de Norton me afectó en el mejor de los sentidos, tan perfectamente captura la generosidad, la piedad y la incomprensión casi total de Pete ante lo que está sucediendo: toda su generación se volvió obsoleta de la noche a la mañana.

¿Qué le falta a “A Complete Unknown”? La adicción de la época y una inmersión más profunda en la escena folk. Me habría gustado que Joe Tippett apareciera más de dos veces brevemente como el cantante folk Dave Van Ronk, y digamos que una película sobre un hombre que escribió más (y mejores) canciones de despedida que canciones de amor no va a dar mucho espacio a las mujeres de su historia. Suze Rotolo, la novia que se aferra a Dylan en la portada de su segundo álbum, “The Freewheelin' Bob Dylan”, la han cambiado (aparentemente a petición del cantante) como Sylvie Russo (Elle Fanning); ella y Baez luchan una batalla perdida por la atención del cantante y de la película.

Más evidente aún es el clímax del Newport Folk Festival de 1965, cuando la multitud de folkies responde a la explosión sónica de “Maggie's Farm” con abucheos y casi disturbios. ¿Importa que gran parte del problema fuera que el sistema de sonido de un festival acústico no estaba a la altura del desafío y que redujo la revolución del rock de Dylan a un fango sonoro? ¿O que un miembro del público que gritara “¡Judas!” no se produjera hasta un año después y en otro país? La ironía es que la gran película biográfica de Bob Dylan ya existe: “I'm Not There” de Todd Haynes de 2007, una película tan desafiante como cualquier canción de Dylan y que responde a los trucos de toda su carrera al elegir a seis actores para interpretarlo, entre ellos Cate Blanchett y un joven negro.

Esa película, el libro de Wald y el documental de Martin Scorsese de 2005 “No Direction Home” son todo lo que se necesita si se quieren conocer los hechos y los restos, las joyas y los binoculares de la ascensión de Dylan. “A Complete Unknown” sólo cuenta la historia. Pero tal vez eso sea suficiente para que una nueva generación sienta la alegría de su apostasía en un momento en que el mundo parece estar una vez más al borde del precipicio de la artimaña, la traición y el desastre. Si es así, ¿qué siente al ver esta trama?

Temporada de Premios: Ganadores de la 30va entrega de los Critics Choice Awards

Anora ganó el premio principal a mejor película en los Critics Choice Awards de 2025, mientras que "Emilia Pérez", "Wicked" y "The Substance" obtuvieron tres galardones cada una.

La estrella de "The Brutalist", Adrien Brody, ganó el premio al mejor actor; Demi Moore ganó el premio a la mejor actriz por su trabajo en "The Substance"; la actriz de "Emilia Pérez", Zoe Saldaña, ganó el premio a la mejor actriz de reparto y Kieran Culkin de "A Real Pain", que no estuvo presente, ganó el premio al mejor actor de reparto.

"Emilia Pérez", quien actualmente lidia con las consecuencias de los polémicos y recientemente resurgidos tuits de la estrella y nominada al Oscar a mejor actriz Karla Sofía Gascón, ganó otros dos premios en la ceremonia, cuya votación cerró el 10 de enero, mucho antes de que aparecieran las publicaciones anteriores de Gascón. El estado de ánimo en el Barker Hangar de Santa Mónica, donde se llevaron a cabo los premios, fue relativamente sombrío con cada victoria del musical de Netflix. Aún así, la película se llevó a casa los premios a mejor película en lengua extranjera y mejor canción, además del trofeo de Saldaña.

En cambio, lo que sonó como uno de los aplausos más fuertes de la noche, al menos para una película ganadora, se produjo cuando el director de "Wicked", Jon M. Chu, se llevó una victoria sorpresa como mejor director. Chu quedó notablemente fuera de los nominados al Oscar al mejor director y bromeó desde el escenario de Critics Choice: "Voy a ganar ese Oscar".

"Wicked" también ganó premios por diseño de producción y diseño de vestuario.

Además de la victoria de Moore, "The Substance" se llevó los premios al mejor guion original y al mejor peinado y maquillaje. El premio al mejor guion adaptado fue para Conclave , que también ganó el premio al mejor reparto. "Challengers", notablemente ignorada por los Oscar, y "A Real Pain", ganaron dos premios cada una, pero uno de los honores de "A Real Pain" fue un empate por el premio a la mejor comedia con "Deadpool & Wolverine".

En las categorías de televisión, "Shogun" ganó cuatro premios, incluyendo mejor serie dramática, seguida por Hacks , con tres premios, incluyendo mejor serie de comedia. El premio a la miniserie fue para "Baby Reindeer".

Chelsea Handler presentó los Critics Choice Awards, que tuvieron un carácter festivo y incluyeron varias referencias a los recientes incendios forestales de Los Ángeles. Handler comenzó la velada con seriedad, hablando de la devastación causada por los incendios y agradeciendo a los socorristas por su trabajo en la lucha contra las llamas. De pie en el salón de baile, cerca de una mesa de los socorristas de Los Ángeles, Handler se ganó rápidamente una ovación de pie cuando les agradeció por sus esfuerzos.

Aquí les comparto la lista completa de ganadores en sus respectivas categorías:

CATEGORÍAS DE CINE

Best Picture: Anora

A Complete Unknown

The Brutalist

Conclave

Dune: Part Two

Emilia Pérez

Nickel Boys

Sing Sing

The Substance

Wicked

Best Actor: Adrien Brody – The Brutalist

Timothée Chalamet – A Complete Unknown

Daniel Craig – Queer

Colman Domingo – Sing Sing

Ralph Fiennes – Conclave

Hugh Grant – Heretic

Best Actress: Demi Moore – The Substance

Cynthia Erivo – Wicked

Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez

Marianne Jean-Baptiste – Hard Truths

Angelina Jolie – Maria

Mikey Madison – Anora

Best Supporting Actor: Kieran Culkin – A Real Pain

Yura Borisov – Anora

Clarence Maclin – Sing Sing

Edward Norton – A Complete Unknown

Guy Pearce – The Brutalist

Denzel Washington – Gladiator II

Best Supporting Actress: Zoe Saldaña – Emilia Pérez

Danielle Deadwyler – The Piano Lesson

Aunjanue Ellis-Taylor – Nickel Boys

Ariana Grande – Wicked

Margaret Qualley – The Substance

Isabella Rossellini – Conclave

Best Young Actor / Actress: Maisy Stella – My Old Ass

Alyla Browne – Furiosa: A Mad Max Saga

Elliott Heffernan – Blitz

Izaac Wang – Didi

Alisha Weir – Abigail

Zoe Ziegler – Janet Planet

Best Acting Ensemble: Conclave

Anora

Emilia Pérez

Saturday Night

Sing Sing

Wicked

Best Director: Jon M. Chu – Wicked

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Sean Baker – Anora

Edward Berger – Conclave

Brady Corbet – The Brutalist

Coralie Fargeat – The Substance

RaMell Ross – Nickel Boys

Denis Villeneuve – Dune: Part Two

Best Original Screenplay: Coralie Fargeat – The Substance

Sean Baker – Anora

Moritz Binder, Tim Fehlbaum, Alex David – September 5

Brady Corbet, Mona Fastvold – The Brutalist

Jesse Eisenberg – A Real Pain

Justin Kuritzkes – Challengers

Best Adapted Screenplay: Peter Straughan – Conclave

Jacques Audiard – Emilia Pérez

Winnie Holzman, Dana Fox – Wicked

Greg Kwedar, Clint Bentley – Sing Sing

RaMell Ross & Joslyn Barnes – Nickel Boys

Denis Villeneuve, Jon Spaihts – Dune: Part Two

Best Cinematography: Jarin Blaschke – Nosferatu

Alice Brooks – Wicked

Lol Crawley – The Brutalist

Stéphane Fontaine – Conclave

Greig Fraser – Dune: Part Two

Jomo Fray – Nickel Boys

Best Production Design: Nathan Crowley, Lee Sandales – Wicked

Judy Becker, Patricia Cuccia – The Brutalist

Suzie Davies – Conclave

Craig Lathrop – Nosferatu

Arthur Max, Jille Azis, Elli Griff – Gladiator II

Patrice Vermette, Shane Vieau – Dune: Part Two

Best Editing: Marco Costa – Challengers

Sean Baker – Anora

Nick Emerson – Conclave

David Jancso – The Brutalist

Joe Walker – Dune: Part Two

Hansjörg Weißbrich – September 5

Best Costume Design: Paul Tazewell – Wicked

Lisy Christl – Conclave

Linda Muir – Nosferatu

Massimo Cantini Parrini – Maria

Jacqueline West – Dune: Part Two

Janty Yates, Dave Crossman – Gladiator II

Best Hair and Makeup: Hair and Makeup Team – The Substance

Christine Blundell, Lesa Warrener, Neal Scanlan – Beetlejuice Beetlejuice

Hair and Makeup Team – Dune: Part Two

Frances Hannon, Sarah Nuth, Laura Blount – Wicked

Traci Loader, Suzanne Stokes-Munton, David White – Nosferatu

Mike Marino, Sarah Graalman, Aaron Saucier – A Different Man

Best Visual Effects: Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe, Gerd Nefzer – Dune: Part Two

Mark Bakowski, Pietro Ponti, Nikki Penny, Neil Corbould – Gladiator II

Pablo Helman, Jonathan Fawkner, Paul Corbould, David Shirk – Wicked

Luke Millar, David Clayton, Keith Herft, Peter Stubbs – Better Man

Visual Effects Team – The Substance

Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story, Rodney Burke – Kingdom of the Planet of the Apes

Best Animated Feature: The Wild Robot

Flow

Inside Out 2

Memoir of a Snail

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl

Best Comedy: A Real Pain / Deadpool & Wolverine

Hit Man

My Old Ass

Saturday Night

Thelma

Best Foreign Language Film: Emilia Pérez

All We Imagine as Light

Flow

I’m Still Here

Kneecap

The Seed of the Sacred Fig

Best Song: “El Mal” – Emilia Pérez – Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón, Camille

“Beautiful That Way” – The Last Showgirl – Miley Cyrus

“Compress / Repress” – Challengers – Trent Reznor, Atticus Ross

“Harper and Will Go West” – Will & Harper – Kristen Wiig

“Kiss the Sky” – The Wild Robot – Maren Morris

“Mi Camino” – Emilia Pérez – Selena Gomez

Best Score: Trent Reznor & Atticus Ross – Challengers

Volker Bertelmann – Conclave

Daniel Blumberg – The Brutalist

Kris Bowers – The Wild Robot

Clément Ducol & Camille – Emilia Pérez

Hans Zimmer – Dune: Part Two

CATEGORÍAS DE SERIES

Best Drama Series: Shogun (FX / Hulu)

The Day of the Jackal (Peacock)

The Diplomat (Netflix)

Evil (Paramount+)

Industry (HBO | Max)

Interview with the Vampire (AMC)

The Old Man (FX)

Slow Horses (Apple TV+)

Best Actor in a Drama Series: Hiroyuki Sanada – Shogun (FX / Hulu)

Jeff Bridges – The Old Man (FX)

Ncuti Gatwa – Doctor Who (Disney+)

Eddie Redmayne – The Day of the Jackal (Peacock)

Rufus Sewell – The Diplomat (Netflix)

Antony Starr – The Boys (Prime Video)

Best Actress in a Drama Series: Kathy Bates – Matlock (CBS)

Caitriona Balfe – Outlander (Starz)

Shanola Hampton – Found (NBC)

Keira Knightley – Black Doves (Netflix)

Keri Russell – The Diplomat (Netflix)

Anna Sawai – Shogun (FX / Hulu)

Best Supporting Actor in a Drama Series: Tadanobu Asano – Shogun (FX / Hulu)

Michael Emerson – Evil (Paramount+)

Mark-Paul Gosselaar – Found (NBC)

Takehiro Hira – Shogun (FX / Hulu)

John Lithgow – The Old Man (FX)

Sam Reid – Interview with the Vampire (AMC)

Best Supporting Actress in a Drama Series: Moeka Hoshi – Shogun (FX / Hulu) 

Allison Janney – The Diplomat (Netflix)

Nicole Kidman – Special Ops: Lioness (Paramount+)

Skye P. Marshall – Matlock (CBS)

Anna Sawai – Pachinko (Apple TV+)

Fiona Shaw – Bad Sisters (Apple TV+)

Best Comedy Series: Hacks (HBO | Max)

Abbott Elementary (ABC)

English Teacher (FX)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

Somebody Somewhere (HBO | Max)

St. Denis Medical (NBC)

What We Do in the Shadows (FX)

Best Actor in a Comedy Series: Adam Brody – Nobody Wants This (Netflix)

Brian Jordan Alvarez – English Teacher (FX)

David Alan Grier – St. Denis Medical (NBC)

Steve Martin – Only Murders in the Building (Hulu)

Kayvan Novak – What We Do in the Shadows (FX)

Martin Short – Only Murders in the Building (Hulu)

Best Actress in a Comedy Series: Jean Smart – Hacks (HBO | Max)

Kristen Bell – Nobody Wants This (Netflix)

Quinta Brunson – Abbott Elementary (ABC)

Natasia Demetriou – What We Do in the Shadows (FX)

Bridget Everett – Somebody Somewhere (HBO | Max)

Kristen Wiig – Palm Royale (Apple TV+)

Best Supporting Actor in a Comedy Series: Michael Urie – Shrinking (Apple TV+)

Paul W. Downs – Hacks (HBO | Max)

Asher Grodman – Ghosts (CBS)

Harvey Guillén – What We Do in the Shadows (FX)

Brandon Scott Jones – Ghosts (CBS)

Tyler James Williams – Abbott Elementary (ABC)

Best Supporting Actress in a Comedy Series: Hannah Einbinder – Hacks (HBO | Max)

Liza Colón-Zayas – The Bear (FX / Hulu)

Janelle James – Abbott Elementary (ABC)

Stephanie Koenig – English Teacher (FX)

Patti LuPone – Agatha All Along (Disney+)

Annie Potts – Young Sheldon (CBS)

Best Limited Series: Baby Reindeer (Netflix) 

Disclaimer (Apple TV+)

Masters of the Air (Apple TV+)

Mr Bates vs the Post Office (PBS)

The Penguin (HBO | Max)

Ripley (Netflix)

True Detective: Night Country (HBO | Max)

We Were the Lucky Ones (Hulu)

Best Movie Made for Television: Rebel Ridge (Netflix)

The Great Lillian Hall (HBO | Max)

It’s What’s Inside (Netflix)

Música (Prime Video)

Out of My Mind (Disney+)

V/H/S/Beyond (Shudder)

Best Actor in a Limited Series or Movie Made for Television: Colin Farrell – The Penguin (HBO | Max)

Richard Gadd – Baby Reindeer (Netflix)

Tom Hollander – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Kevin Kline – Disclaimer (Apple TV+)

Ewan McGregor – A Gentleman in Moscow (Paramount+)

Andrew Scott – Ripley (Netflix)

Best Actress in a Limited Series or Movie Made for Television: Cristin Milioti – The Penguin (HBO | Max)

Cate Blanchett – Disclaimer (Apple TV+)

Jodie Foster – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Jessica Lange – The Great Lillian Hall (HBO | Max)

Phoebe-Rae Taylor – Out of My Mind (Disney+)

Naomi Watts – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actor in a Limited Series or Movie Made for Television: Liev Schreiber – The Perfect Couple (Netflix)

Robert Downey Jr. – The Sympathizer (HBO | Max)

Hugh Grant – The Regime (HBO | Max)

Ron Cephas Jones – Genius: MLK/X (National Geographic)

Logan Lerman – We Were the Lucky Ones (Hulu)

Treat Williams – FEUD: Capote vs. The Swans (FX)

Best Supporting Actress in a Limited Series or Movie Made for Television: Jessica Gunning – Baby Reindeer (Netflix)

Dakota Fanning – Ripley (Netflix)

Leila George – Disclaimer (Apple TV+)

Betty Gilpin – Three Women (Starz)

Deirdre O’Connell – The Penguin (HBO | Max)

Kali Reis – True Detective: Night Country (HBO | Max)

Best Foreign Language Series: Squid Game (Netflix)

Acapulco (Apple TV+)

Citadel: Honey Bunny (Prime Video)

La Máquina (Hulu)

The Law According to Lidia Poët (Netflix)

My Brilliant Friend (HBO | Max)

Pachinko (Apple TV+)

Senna (Netflix)

Best Animated Series: X-Men ’97 (Disney+)

Batman: Caped Crusader (Prime Video)

Bluey (Disney+)

Bob’s Burgers (Fox)

Invincible (Prime Video)

The Simpsons (Fox)

Best Talk Show: John Mulaney Presents: Everybody’s in L.A. (Netflix)

Hot Ones (YouTube)

The Daily Show (Comedy Central)

The Graham Norton Show (BBC America)

The Kelly Clarkson Show (NBC/Syndicated)

The Late Show with Stephen Colbert (CBS)

Best Comedy Special: Ali Wong: Single Lady (Netflix)

Jim Gaffigan: The Skinny (Hulu)

Kevin James: Irregardless (Prime Video)

Nikki Glaser: Someday You’ll Die (HBO | Max)

Rachel Bloom: Death, Let Me Do My Special (Netflix)

Ramy Youssef: More Feelings (HBO | Max)

Crítica Cinéfila: The Brutalist

Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Toth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio...

El pasado cobra vida como un mundo envolvente en "The Brutalist", el tercer largometraje de Brady Corbet como director, de estilo novelesco y visual granuloso, sobre un hombre de genio que llega a probar el sueño americano, pero también siente la dolorosa humillación de una bienvenida condicional que se vuelve áspera. Esta extensa historia de un brillante arquitecto judío húngaro formado en la Bauhaus que sobrevive a la Segunda Guerra Mundial y comienza una nueva vida en Pensilvania es una originalidad provocativa.

Escrita por Corbet con su compañera y colaboradora habitual Mona Fastvold, "The Brutalist" se acerca más a las ideas agitadas de una mente que ha pasado por un sinnúmero de traumas y representa un gran salto de alcance, contemplando temas tan sustanciosos como la creatividad y el compromiso, la identidad judía, la integridad arquitectónica, la experiencia de los inmigrantes, la insularidad arrogante del privilegio y el largo alcance del pasado. Con una duración de tres horas y media repleta de acción, incluido un intermedio con entreacto, esta cautivadora película le ofrece a Adrien Brody su mejor papel en años, como el talentoso arquitecto László Tóth, llevado a través de la puerta de la fortuna por un magnate rico ansioso que financia el proyecto de sus sueños y luego brutalmente reducido a la nada cuando su patrón está disgustado.

Brody se vuelca en el personaje con una inteligencia desbordante y un fuego interior, sin guardarse nada mientras transmite visceralmente tanto los momentos de júbilo como las tristezas desgarradoras. Su exigente trabajo de acento por sí solo es una medida de su compromiso con el audaz proyecto. 

El comienzo nos sacude de inmediato y nos sumerge en una atmósfera de ansiedad mientras László es empujado de un lado a otro en un vagón de barco abarrotado de gente; el diseño de sonido estremecedor sugiere la pesadilla de su terrible experiencia. Sobre las turbulentas notas de la poderosa banda sonora de Daniel Blumberg, se escuchan en off cartas de la esposa del arquitecto, Erzsébet (Felicity Jones), de quien se separó durante el internamiento, que detallan su situación en un campo de desplazados en Hungría con la sobrina de László, Zsófia (Raffey Cassidy). László se encuentra a bordo de un barco con destino a Estados Unidos, con planes para que Erzsébet y Zsófia lo sigan.

Las escenas de llegada a Ellis Island son un elemento básico de los dramas sobre inmigración, pero los desconcertantes ángulos desde los que la directora de fotografía Lol Crawley filma la Estatua de la Libertad cuando aparece ante sus ojos parecen presagiar tanto la euforia de la liberación como los desafíos que se avecinan. Las miradas vacías de los pasajeros reunidos, que apenas pueden seguir las instrucciones en inglés de los funcionarios del puerto, brindan una imagen inquietante de personas para quienes la libertad conlleva miedo.

Después de un encuentro rápido y notablemente gráfico con una trabajadora sexual inmigrante, László viaja a Pensilvania, la capital de la industria. Allí se reencuentra cálidamente con su primo Attila, interpretado por Alessandro Nivola, con sutiles indicios de una generosidad fraternal que tiene límites. El olvido del viejo mundo es evidente en su acento moderado, su esposa Audrey (Emma Laird) y en el nombre de la tienda de muebles de la pareja, Miller & Sons: "Aquí a la gente le gusta un negocio familiar". Incluso se convirtió al catolicismo antes de casarse.

Harry (Joe Alwyn), un nuevo cliente potencialmente importante, contrata a Miller & Sons para rediseñar la lúgubre biblioteca de la mansión de su familia como una sorpresa para su padre, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), que está de viaje de negocios. Attila confía el proyecto a László, y el arquitecto contrata a Gordon (Isaach De Bankolé), un joven padre soltero negro a quien conoció en una fila en busca de ayuda humanitaria, como ayudante de construcción. El perfeccionismo del arquitecto causa retrasos, pero la transformación resultante crea un refugio de serenidad y luz, con la valiosa colección de primeras ediciones de la habitación inteligentemente protegida de daños. La reacción de Van Buren Sr. no es la sorpresa que su hijo pretendía. No le impresiona la nueva biblioteca y se enfurece al encontrar su casa patas arriba y a “un hombre negro” en su propiedad, y despide a los contratistas en un ataque de furia.

Cuando Harry se niega a pagar debido a los daños en el techo, Attila culpa a su primo. Audrey ya ha estado presionando a László para que se vaya desde una supuesta transgresión durante una noche de borrachera en su casa. Attila usa esa tensión como una justificación adicional para echarlo. Aterriza en un refugio con Gordon, aceptando trabajos de construcción para sobrevivir y usando opio para adormecer el dolor de sus heridas de guerra.

László se sorprende cuando Harrison aparece en una obra en construcción con un ejemplar de la revista Look con una serie de fotografías que describen la biblioteca como un triunfo del diseño minimalista. El millonario tiene una carpeta con información sobre el arquitecto, incluidas fotos de notables edificios proto-brutalistas que diseñó antes de la guerra. Dado que el Reich consideró que el trabajo de László y sus colegas era “no germánico”, se emociona hasta las lágrimas, ya que dio por sentado que todas las fotografías fueron destruidas.

Esa escena es una de las muchas en las que la respuesta emocional de László a la arquitectura indica la pasión afín del director por esta forma de arte en relación con su época. El protagonista ficticio se inspiró en parte en la vida de Marcel Breuer, y Louis Kahn y Mies van der Rohe también figuran entre las referencias de Corbet y Fastvold.

Harrison envía un coche para László el domingo siguiente, cuando éste se tambalea de regreso a casa después de una noche de excesos. Se encuentra en un almuerzo formal, donde un abogado judío se ofrece a ayudar a Erzsébet y Zsófia a llegar a Estados Unidos. Los invitados reciben instrucciones de seguir a Harrison mientras los conduce en un frío abrasador hasta la cima de una colina desde la que se puede ver todo Doylestown. Él comparte su visión de un gran centro comunitario que será diseñado por László, que se instalará en una casa de huéspedes en la propiedad mientras se lleva a cabo la construcción.

La compensación económica y la oportunidad artística marcan un punto de inflexión en la historia, al igual que la llegada de Erzsébet y Zsófia, la primera físicamente destrozada por la guerra y el hambre, y la segunda inicialmente muda por los horrores que vivió. Pero casi desde el principio, el proyecto soñado de László está plagado de dificultades, cada una de las cuales socava su sentido de control y su ego.

Al principio, el hecho de que Harry supervise el trabajo y no se esfuerce por disimular su desagrado por László no es más que una molestia. Pero cuando se contrata a un contratista y a otro arquitecto para evaluar los costes y los representantes de planificación urbana empiezan a plantear exigencias, László se siente obligado a cubrir los excedentes presupuestarios con sus propios honorarios. El proyecto se ve paralizado por un accidente ferroviario en el que se ve involucrado un tren que transportaba materiales, lo que hace que nos acordemos de la ira que mostró Harrison en su primera reunión.

La tensión en el matrimonio del arquitecto se alivia, pero no se resuelve, en una escena espectacular en la cama, durante la cual Erzsébet, en quizás el momento más fuerte de Jones, hace llorar a László al expresar lo bien que lo entiende. Lo apoya, pero no lo somete, y se enoja por la forma en que él la excluye de las decisiones que los afectan a los tres. Como dice más adelante, “László solo rinde culto en el altar de sí mismo”. Aunque un incidente degradante entre Harry y Zsófia se desarrolla fuera de la pantalla, a László no se le escapa y, aunque nunca se habla del asunto, presagia un acontecimiento impactante que ocurrirá años después, cuando se haya reanudado el trabajo en el proyecto. Ese momento culminante ocurre en Italia, donde Harrison acompaña a László a las canteras de mármol en las montañas de Carrera.

En un pasaje de una extraordinaria belleza, Orazio (Salvatore Sansone), un amigo y compañero de antes de la guerra, comparte sus profundos sentimientos sobre el mármol y su importancia para su época como combatiente de la Resistencia, sobre el peso del milagro geológico tanto en la historia europea como en la América fundacional. El hecho de que una declaración tan conmovedora preceda a la brutal degradación de László no hace más que amplificar su impacto demoledor. Los Van Buren son la quinta esencia de la corrupción moral engendrada por la riqueza y el poder; sólo la hermana gemela de Harry, Maggie (Stacy Martin), parece valorar la bondad genuina. 

"The Brutalist" se convierte en una crítica mordaz de las formas en que la clase adinerada y privilegiada de Estados Unidos gana prestigio a través del trabajo y la creatividad de los inmigrantes, pero nunca los considerará iguales. A pesar de las grandes declaraciones de Harrison sobre la responsabilidad de los ricos de cuidar a los grandes artistas de su tiempo, es un guardián cultural en un club excluyente. Despreciando la debilidad, termina por reducir a László a su mínima expresión con una crueldad que, en retrospectiva, parece predestinada desde ese primer encuentro. Pocas veces Brody ha estado mejor, pues aporta una tremenda seriedad, pero también un dolor que corroe el orgulloso sentido de sí mismo de László, su sentido de propósito y destino. Es una actuación imponente; ver al arquitecto tratado como basura es aplastante.

El papel de Jones parece casi marginal al principio, pero el personaje crece en estatura y fuerza a medida que la clarividente Erzsébet (solitaria, no bienvenida y trabajando arduamente en un trabajo que está por debajo de ella) hace una evaluación condenatoria de los Estados Unidos y su lugar en el país mientras su esposo se derrumba bajo presión. Alwyn hace uno de sus mejores trabajos, haciendo que Harry sea despreciable sin caer en la caricatura. Pero el verdadero protagonista del elenco secundario es Pearce en su forma imponentemente fría. Harrison es un visionario como László, pero su encanto practicado se ve socavado por una ausencia de humanidad.

La película está dedicada a la memoria del compositor Scott Walker, que murió en 2019 y compuso la música de las películas anteriores de Corbet. La conmovedora obra de Blumberg lo honra con ecos sutiles, evocando también comparaciones a veces con los bordes irregulares de Mica Levi o la solemne grandeza de Terence Blanchard. El editor David Jancso teje la extensa historia con un hilo conductor que nos lleva a lo largo del tiempo, incorporando material de archivo para el contexto histórico. Y la fotografía de Crawley es magnífica, más aún cuando se recorren los pasillos que parecen mausoleos del proyecto inacabado o los túneles de Carrera. Junto con la diseñadora de producción Judy Becker y la diseñadora de vestuario Kate Forbes, el director de fotografía muestra un ojo atento para los detalles, evocando el aspecto de los Estados Unidos de mediados de siglo con una verosimilitud de la época que parece viva, nunca congelada en ámbar.

"The Brutalist" es una película enorme en todos los sentidos, que cierra con un epílogo resonante que ilustra cómo el arte y la belleza surgen del pasado, trascendiendo el espacio y el tiempo para revelar una libertad de pensamiento e identidad a menudo negada a sus creadores.