Crítica Cinéfila: Number 24

Durante la II Guerra Mundial, el joven noruego Gunnar Sønsteby decide unirse a la resistencia noruega tras la invasión de su país por la Alemania nazi, comenzando una lucha que le llevó a convertirse más tarde en el líder de la "banda de Oslo", llevando a cabo innumerables y audaces actos de sabotaje que le convirtieron en el mayor héroe de guerra de la historia de Noruega.

Basada en la historia real de Gunnar Sønsteby, un combatiente de la resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, la película “Number 24” del director noruego John Andreas Andersen es una pieza de época sólida y elegante que describe el costo emocional que requiere la libertad. Comienza con un anciano Sønsteby (Erik Hivju) preparándose para hablar ante un grupo de jóvenes estudiantes en Rjukan. La cámara de Andersen adopta un enfoque documental, apoyándose en zooms evocadores para capturar a un nervioso Sønsteby mordiendo ansiosamente un palo antes de aparecer en el escenario. Ha dado este discurso muchas veces, pero está claro que el acceso a estos recuerdos difíciles —“el quinto cajón de su mente”, como él lo llama— todavía le causa una angustia inconmensurable. 

El recurso que utiliza Sønsteby para enmarcar la película es obvio, pero no por ello menos eficaz: durante la conferencia de Sønsteby saltamos de su presentación a sus recuerdos y retrocedemos hasta Rjukan en 1937. Sønsteby (Sjur Vatne Brean) está de excursión por las montañas con su mejor amigo Erling Solheim (Jakob Maanum Trulsen). En otro lugar, los nazis están quemando libros, pero sólo uno de estos hombres está asustado. Solheim cree que los nazis no son tan malos; sólo tienen como objetivo a los comunistas. Sønsteby, como se puede suponer, tiene otros pensamientos al respecto. La división ideológica entre amigos pasará a un segundo plano, pero se sentirá en cada escena de este drama angustioso.

A pesar del tono intenso de la película y de su escena inicial, el joven Sønsteby rara vez se pone nervioso. Es un planificador meticuloso y de mente cerrada cuya tenacidad silenciosa lo convierte en un recluta atractivo para la resistencia heterogénea de Noruega. Sønsteby se convierte en parte del ejército, luego en editor de panfletos antinazis, antes de finalmente encontrar su lugar como espía con el nombre en código "Número 24". Pronto, las misiones de alto perfil de Sønsteby lo ponen en la mira de los nazis. Pero Sønsteby es demasiado ágil para ser atrapado; posee múltiples nombres, múltiples pasaportes y documentos de identificación e innumerables apartamentos. Es un bonito juego del gato y el ratón que Andersen no exagera. Sønsteby no es una figura carismática cuyas escapadas apuradas nos deleitan. De hecho, se burla de sus camaradas por sucumbir a distracciones como las mujeres y la bebida. En pocas palabras: la naturaleza aparentemente anodino de Sønsteby le permite realizar actos notables. 

A primera vista, el tema de un taciturno combatiente rebelde puede parecer extraño para Andersen. El director es más conocido por dirigir extravagantes películas de catástrofes como “El mar en llamas” y “El terremoto”. Pero el noruego Roland Emmerich sabe cómo generar tensión a través de escenas magistralmente elaboradas que ponen a prueba la voluntad de sus personajes. En este caso, hay varias secuencias de espionaje en las que Sønsteby y sus camaradas tienen la tarea de colocar explosivos en objetivos de alto riesgo, como fábricas de armas. En estas escenas, el montaje rápido empuja al espectador entre las múltiples piezas que deben unirse para completar estas misiones. 

Un tipo diferente de aprensión afecta las escenas ambientadas en la época moderna. La relación de Sønsteby con estos estudiantes no es una calle de un solo sentido en la que él les habla. También le hacen preguntas, sondeando la moralidad de sus operaciones en tiempos de guerra, especialmente los abundantes asesinatos en los que participó. Sønsteby no se echa atrás. Para él, la situación es blanco o negro: es libertad u opresión. Pero una joven mujer pone a prueba su determinación, haciéndole una pregunta que casi abre todos los compartimentos mentales y emocionales que ha encerrado durante décadas. Andersen recurre a una audaz canción de Radiohead, “Exit Music (For a Film)”, que en cierto modo funciona (es emocionalmente apasionante), pero también parece tonalmente inadecuada (la música anacrónica está fuera de lugar en una pieza de época tan detallada). 

En otras partes de la película, Andersen logra equilibrar la naturaleza metódica de esta figura histórica (el pausado Trulsen es indispensable) con la carga temática. Hay momentos sombríos de tortura y traiciones, y algo de humor sorprendente. Cuando un estudiante le pregunta a Sønsteby por qué él y sus compañeros no siguieron las enseñanzas no violentas de Gandhi en lugar de recurrir al asesinato, Sønsteby responde con franqueza: "Gandhi no se enfrentó a los nazis". Eso es lo más cerca que Andersen llega a cuestionar las acciones de Sønsteby o su personalidad. En cambio, el director crea una imagen principalmente patriótica de un hombre dedicado exclusivamente al deber. Es un enfoque inflexible que a menudo hace que la película sea emocionante incluso a través de una lente estrecha.

Crítica Cinéfila: American Primeval

Año 1857. En el salvaje territorio de Utah, el ejército de los Estados Unidos, la milicia de los mormones, los indios nativos americanos y los pioneros libran una dura batalla por la supervivencia. En ese contexto una madre y su hijo huyen de su pasado mientras se enfrentan a un duro panorama de libertad y crueldad en el viejo Oeste. 

En la nueva miniserie de Netflix, “ American Primeval ”, escrita por Mark L. Smith, guionista de “The Revenant”, el público se adentra en la crueldad del Oeste americano, específicamente en el Territorio de Utah en 1857. Contada a través del peligroso viaje de una madre y su hijo, desesperados por empezar de nuevo, la serie examina a varios grupos de estadounidenses (pioneros, indígenas, militares y mormones), todos luchando por sobrevivir en un mundo profundamente volátil y lleno de miedo. Los seis episodios eluden a la brutalidad y fascinación de una cultura y un país que aún no ha superado sus predilecciones más violentas. 

Este western comienza en medio de la Guerra de Utah, un conflicto cada vez más sangriento entre la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (también conocidos como mormones, liderados por el gobernador de Utah Brigham Young (una irreconocible Kim Coates)) y el Ejército de los EE. UU. Una mujer recatada y formal, pero agobiada, Sara Rowell (Betty Gilpin), llega a una estación de tren con su hijo, Devin (Preston Mota). A miles de kilómetros de su hogar en Filadelfia, Sara está decidida a seguir rumbo al oeste para encontrarse con el padre de Devin en la ciudad californiana de Crook Springs. Desafortunadamente, después de haber llegado con tres semanas de retraso debido a horarios de trenes poco fiables, la pareja se entera de que la escolta que habían acordado se ha ido. Además, cuando llegan a Fort Bridger, dirigido por el alpinista Jim Bridger (Shea Whigham), Sara no puede encontrar a nadie dispuesto a acompañarlos hasta su destino. 

La caminata a Crook Springs, que consiste en un paso de montaña nevado, un conflicto cada vez mayor entre los mormones y la tribu Shoshone, vastas áreas de vida salvaje impredecible y forajidos, no es algo con lo que la mayoría de los hombres estén dispuestos a lidiar, a pesar del generoso incentivo financiero de Sara. Resuelta a continuar su viaje por el bien de su hijo, Sara se encuentra en una situación peligrosa y se ve obligada a apoyarse en el escurridizo Issac Reed (Taylor Kitsch), un recluso brusco que vive en las afueras de Ft. Bridger. Issac es un enigma de un hombre con un profundo conocimiento de la región y sus habitantes. A pesar de su hostilidad inicial, el misterio de su pasado se revela lentamente a medida que avanza la historia. 

Dirigida por Peter Berg, “American Primeval” es una experiencia verdaderamente inmersiva. A través de planos bajos, travellings y una excepcional fotografía en exteriores dirigida por Jacques Jouffret, se muestran al público varios puntos de vista. Cada escena es profundamente detallada e intensa. Se ve sangre brotando de animales degollados, la crueldad casi constante de los diferentes climas del estado es evidente y los seres humanos despiadados y asesinos impulsados ​​por el capitalismo y el colonialismo son letales. También está claro que casi todos, incluida Sara, tienen algún motivo oculto. 

Aunque el viaje de Sara es el foco central, la serie presenta a otros personajes en sus propios viajes distintos. Mercurio, vengativo y obsesionado con la creación de un espacio seguro para los mormones, Brigham Young no se detiene ante nada para ver su sueño hecho realidad. Jacob (Dane DeHaan) y Abish Pratt (Saura Lightfoot Leon), una pareja mormona recién casada que se dirige a Salt Lake City, se cruzan con Sara y Devin. Además, la narrativa destaca a la tribu Shoshone, que ha visto su tierra y su gente ser devastadas por colonos blancos que la reclaman como suya sin tener en cuenta siglos de cultura y tradición. Dirigidos por Julie O'Keefe, la directora del Departamento Cultural Indígena, los artesanos detrás de "American Primeval" muestran las diferencias entre las tribus. Está la tribu Paiute, que tiene una perspectiva diferente de los colonizadores que los Shoshone. El público también conoce a Red Feather (Derek Hinkey), que lidera una facción más radical de los Shoshone llamada el Clan del Lobo. Está obsesionado con vengarse tanto de los militares como de los mormones.

Estados Unidos no tiene todavía dos siglos y medio de existencia. Como todavía está en su infancia, los dolores de crecimiento del país son continuamente evidentes y los ecos de la historia siguen estando siempre presentes. Los westerns suelen presentarse desde la perspectiva de los hombres, y esas perspectivas son evidentes aquí. Sin embargo, al situar a Sara en el centro de esta narrativa, así como al presentar los puntos de vista de Two Moons (Shawnee Pourier), una niña indígena no verbal, y Abish, que se vio obligada a casarse con Jacob solo después de que muriera su hermana, “American Primeval” identifica que el destino de las mujeres durante esta época está ligado a los caprichos, errores y deseos de los hombres que las rodean. Además, la amenaza constante de violencia sexual (aunque afortunadamente no se muestra explícitamente aquí) muestra otro elemento más del terror que padecen. 

La historia de “American Primeval” se desarrolla en menos de dos semanas. Aun así, las consecuencias para quienes vivieron y se mudaron a través del territorio de Utah durante este tiempo resuenan a lo largo de la historia estadounidense. La serie ofrece un puñado de perspectivas, pero muchas más permanecen enterradas y desconocidas. Lo que sí suena cierto hasta el último fragmento de la serie y en nuestras vidas actuales es que la civilización y lo civilizado rara vez ocupan el mismo espacio. 

Temporada de Premios: Nominados a la 97ma entrega de los Premios de la Academia

"Emilia Pérez" lidera las nominaciones al Oscar 2025 , las cuales fueron reveladas la mañana de este jueves.

"Emilia Pérez" obtuvo un total de 13 nominaciones, lo que supone un récord para una película en un idioma distinto del inglés. Eso supera a los poseedores de récords anteriores, "El tigre y el dragón" y "Roma", que obtuvieron 10 nominaciones cada una.

Después de "Emilia Pérez" se situaron "The Brutalist" y "Wicked", que empataron con 10 nominaciones cada una. Le siguieron "A Complete Unknown" y "Conclave", con ocho menciones cada una.

Las cinco películas competirán por el premio a la mejor película junto con "Anora", "Dune: Part Two", "I'm Still Here", "Nickel Boys" y "The Substance". Coralie Fargeat, que dirigió esta última película, fue la única mujer nominada en la categoría de mejor dirección y también obtuvo una nominación a mejor guión, mientras que la estrella Demi Moore obtuvo la primera nominación al Oscar de su carrera, al igual que Isabella Rossellini por "Conclave".

El anuncio de los nominados a los Premios Oscar 2025, originalmente programado para el viernes 17 de enero, se retrasó dos veces en medio de los incendios forestales de Los Ángeles, que han dejado al menos 28 personas muertas con más de 14.000 estructuras destruidas y casi 40.000 acres quemados.

Mientras los incendios arrasaban Los Ángeles el 8 de enero, el día en que se abrió la votación para los nominados de este año, la Academia de Cine extendió el período de votación hasta el 14 de enero con el plan de anunciar los nominados de este año el 19 de enero. Pero como la devastación causada por los incendios continuó desarrollándose la semana siguiente, el 13 de enero, la Academia nuevamente extendió el período de votación de las nominaciones hasta el 17 de enero y fijó el 23 de enero como la fecha para el anuncio de este año.

La Academia también ha donado un millón de dólares a las iniciativas de ayuda a los afectados por los incendios forestales del Motion Picture & Television Fund, incluidos $250,000 dólares que habría gastado en el almuerzo de los nominados al Oscar del 10 de febrero, que ha sido cancelado. Aun así, la Academia planea seguir adelante con los Oscar de este año, pero reveló el miércoles que la ceremonia de premios de este año también "honrará a Los Ángeles".

La 97.ª edición de los Premios Óscar, presentada por Conan O'Brien, se transmitirá en vivo de costa a costa el domingo 2 de marzo desde el Teatro Dolby en Hollywood, a partir de las 4 p.m., hora del Pacífico/7 p.m., hora del Este, continuando con el horario de inicio más temprano en que debutó el programa el año pasado, en ABC y Hulu.

A continuación una lista completa de los nominados al Oscar 2025:

Best Picture

Anora (Alex Coco, Samantha Quan and Sean Baker, Producers)

The Brutalist (Nominees to be determined)

A Complete Unknown (Fred Berger, James Mangold and Alex Heineman, Producers)

Conclave (Tessa Ross, Juliette Howell and Michael A. Jackman, Producers)

Dune: Part Two (Mary Parent, Cale Boyter, Tanya Lapointe and Denis Villeneuve, Producers)

Emilia Pérez (Nominees to be determined)

I’m Still Here (Nominees to be determined)

Nickel Boys (Nominees to be determined)

The Substance (Nominees to be determined)

Wicked (Marc Platt, Producer)

Best Directing

Jacques Audiard, Emilia Pérez

Sean Baker, Anora

Brady Corbet, The Brutalist

Coralie Fargeat, The Substance

James Mangold, A Complete Unknown

Best Actor in a Leading Role

Adrien Brody, The Brutalist

Timothée Chalamet, A Complete Unknown

Colman Domingo, Sing Sing

Ralph Fiennes, Conclave

Sebastian Stan, The Apprentice

Best Actress in a Leading Role

Cynthia Erivo, Wicked

Karla Sofía Gascón, Emilia Pérez

Mikey Madison, Anora

Demi Moore, The Substance

Fernanda Torres, I’m Still Here

Best Actor in a Supporting Role

Yura Borisov, Anora

Kieran Culkin, A Real Pain

Edward Norton, A Complete Unknown

Guy Pearce, The Brutalist

Jeremy Strong, The Apprentice

Best Actress in a Supporting Role

Monica Barbaro, A Complete Unknown

Ariana Grande, Wicked

Felicity Jones, The Brutalist

Isabella Rossellini, Conclave

Zoe Saldaña, Emilia Pérez

Best Adapted Screenplay

A Complete Unknown (Screenplay by James Mangold and Jay Cocks)

Conclave (Screenplay by Peter Straughan)

Emilia Pérez (Screenplay by Jacques Audiard; In collaboration with Thomas Bidegain, Léa Mysius and Nicolas Livecchi)

Nickel Boys (Screenplay by RaMell Ross & Joslyn Barnes)

Sing Sing (Screenplay by Clint Bentley, Greg Kwedar; Story by Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence Maclin, John “Divine G” Whitfield)

Best Original Screenplay

Anora (Written by Sean Baker)

The Brutalist (Written by Brady Corbet, Mona Fastvold)

A Real Pain (Written by Jesse Eisenberg)

September 5 (Written by Moritz Binder, Tim Fehlbaum; Co-Written by Alex David)

The Substance (Written by Coralie Fargeat)

Best Cinematography

The Brutalist (Lol Crawley)

Dune: Part Two (Greig Fraser)

Emilia Pérez (Paul Guilhaume)

Maria (Ed Lachman)

Nosferatu (Jarin Blaschke)

Best Film Editing

Anora (Sean Baker)

The Brutalist (David Jancso)

Conclave (Nick Emerson)

Emilia Pérez (Juliette Welfling)

Wicked (Myron Kerstein)

Best Live-Action Short Film

A Lien (Sam Cutler-Kreutz and David Cutler-Kreutz)

Anuja (Adam J. Graves and Suchitra Mattai)

I’m Not a Robot (Victoria Warmerdam and Trent)

The Last Ranger (Cindy Lee and Darwin Shaw)

The Man Who Could Not Remain Silent (Nebojša Slijepčević and Danijel Pek)

Best Documentary Feature Film

Black Box Diaries (Shiori Ito, Eric Nyari and Hanna Aqvilin)

No Other Land (Basel Adra, Rachel Szor, Hamdan Ballal and Yuval Abraham)

Porcelain War (Brendan Bellomo, Slava Leontyev, Aniela Sidorska and Paula DuPre’ Pesmen)

Soundtrack to a Coup d’Etat (Johan Grimonprez, Daan Milius and Rémi Grellety)

Sugarcane (Nominees to be determined)

Best Documentary Short Film

Death by Numbers (Kim A. Snyder and Janique L. Robillard)

I Am Ready, Warden (Smriti Mundhra and Maya Gnyp)

Incident (Bill Morrison and Jamie Kalven)

Instruments of a Beating Heart (Ema Ryan Yamazaki and Eric Nyari)

The Only Girl in the Orchestra (Molly O’Brien and Lisa Remington)

Best Animated Feature Film

Flow (Nominees to be determined)

Inside Out 2 (Kelsey Mann and Mark Nielsen)

Memoir of a Snail (Adam Elliot and Liz Kearney)

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl (Nominees to be determined)

The Wild Robot (Chris Sanders and Jeff Hermann)

Best Animated Short Film

Beautiful Men (Nicolas Keppens and Brecht Van Elslande)

In the Shadow of the Cypress (Shirin Sohani and Hossein Molayemi)

Magic Candies (Daisuke Nishio and Takashi Washio)

Wander to Wonder (Nina Gantz and Stienette Bosklopper)

Yuck! (Loïc Espuche and Juliette Marquet)

Best International Feature Film

I’m Still Here (Brazil)

The Girl With the Needle (Denmark)

Emilia Pérez (France)

The Seed of the Sacred Fig (Germany)

Flow (Latvia)

Best Production Design

The Brutalist (Production Design: Judy Becker; Set Decoration: Patricia Cuccia)

Conclave (Production Design: Suzie Davies; Set Decoration: Cynthia Sleiter)

Dune: Part Two (Production Design: Patrice Vermette; Set Decoration: Shane Vieau)

Nosferatu (Production Design: Craig Lathrop; Set Decoration: Beatrice Brentnerová)

Wicked (Production Design: Nathan Crowley; Set Decoration: Lee Sandales)

Best Costume Design

A Complete Unknown (Arianne Phillips)

Conclave (Lisy Christl)

Gladiator II (Janty Yates and Dave Crossman)

Nosferatu (Linda Muir)

Wicked (Paul Tazewell)

Best Makeup and Hairstyling

A Different Man (Mike Marino, David Presto and Crystal Jurado)

Emilia Pérez (Julia Floch Carbonel, Emmanuel Janvier and Jean-Christophe Spadaccini)

Nosferatu (David White, Traci Loader and Suzanne Stokes-Munton)

The Substance (Pierre-Olivier Persin, Stéphanie Guillon and Marilyne Scarselli)

Wicked (Frances Hannon, Laura Blount and Sarah Nuth)

Best Sound

A Complete Unknown (Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey and David Giammarco)

Dune: Part Two (Gareth John, Richard King, Ron Bartlett and Doug Hemphill)

Emilia Pérez (Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz and Niels Barletta)

Wicked (Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson and John Marquis)

The Wild Robot (Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo and Leff Lefferts)

Best Original Score

The Brutalist (Daniel Blumberg)

Conclave (Volker Bertelmann)

Emilia Pérez (Clément Ducol and Camille)

Wicked (John Powell and Stephen Schwartz)

The Wild Robot (Kris Bowers)

Best Original Song

“El Mal” from Emilia Pérez (Music by Clément Ducol and Camille; Lyric by Clément Ducol, Camille and Jacques Audiard)

“The Journey” from The Six Triple Eight (Music and Lyric by Diane Warren)

“Like a Bird” from Sing Sing (Music and Lyric by Abraham Alexander and Adrian Quesada)

“Mi Camino” from Emilia Pérez (Music and Lyric by Camille and Clément Ducol)

“Never Too Late” from Elton John: Never Too Late (Music and Lyric by Elton John, Brandi Carlile, Andrew Watt and Bernie Taupin)

Best Visual Effects

Alien: Romulus (Eric Barba, Nelson Sepulveda-Fauser, Daniel Macarin and Shane Mahan)

Better Man (Luke Millar, David Clayton, Keith Herft and Peter Stubbs)

Dune: Part Two (Paul Lambert, Stephen James, Rhys Salcombe and Gerd Nefzer)

Kingdom of the Planet of the Apes (Erik Winquist, Stephen Unterfranz, Paul Story and Rodney Burke)

Wicked (Pablo Helman, Jonathan Fawkner, David Shirk and Paul Corbould)

Crítica Cinéfila: Flow

Un gato se despierta en un mundo cubierto de agua, donde la raza humana parece haber desaparecido. Busca refugio en un barco con un grupo de otros animales. Pero llevarse bien con ellos resulta ser un reto aún mayor que superar su miedo al agua. Todos tendrán que aprender a superar sus diferencias y adaptarse a este nuevo mundo en el que se encuentran.

Sin ánimos de exagerar el asunto, hay una pureza en las grandes historias animadas que puede destrozar el corazón y luego volverlo a llenar. El cautivador segundo largometraje del director letón Gints Zilbalodis, "Flow", es ese tipo de maravilla, una aventura de supervivencia vívida y vivencial que se desarrolla en un mundo al borde de la ruina. Contada completamente sin diálogos, esta historia de un gato que evoluciona desde la autopreservación a la solidaridad con un grupo heterogéneo de otras especies es algo bastante especial.

"Flow" es una pieza de la aclamada ópera prima de Zilbalodis de 2019, "Away"; ambas son esencialmente películas mudas y ambas tienen una deuda con los lienzos pictóricos del maestro de la animación Hayao Miyazaki. La nueva obra coloca personajes diseñados en un estilo de dibujos animados clásicos en deslumbrantes entornos fotorrealistas, que a veces recuerdan los paisajes boscosos del artista danés Peder Mørk Mønsted. Las imágenes de la naturaleza brillan con luz y color, aunque la sombra del peligro nunca está lejos.

El gato que protagoniza la historia es un felino gris de género indeterminado que parece estar en algún punto entre la etapa de cachorroz y la madurez completa. Es inteligente y resistente, pero también asustadizo, una criatura pequeña en un bosque grande y aterrador, extrañamente salpicado de esculturas de gatos a gran escala, incluido un gato gigante que se eleva por encima de las copas de los árboles. Los andamios indican que es una obra que quedó sin terminar, una de las muchas señales a lo largo de la película de que la vida humana ha desaparecido.

Tras burlar a cinco perros que lo perseguían durante una persecución llena de suspenso, el gato descubre el origen de esas obras de arte en una cabaña aislada con un taller de tallado de madera. El animal entra por una ventana rota y rápidamente se acurruca en una cama para dormir.

Más tarde, el gato se aventura de nuevo al bosque y escapa por poco de ser pisoteado por una estampida de ciervos. A esto le sigue, segundos después, una inundación torrencial que arrasa el bosque con una fuerza devastadora. A medida que las aguas siguen subiendo, el gato sigue trepando a terrenos más altos y finalmente escala la escultura que domina el horizonte, trepando hasta la parte superior de la cabeza y luego hasta la punta de una oreja.

Lo que sigue es un viaje lleno de acontecimientos, con un ritmo acelerado y sin prisas, incluso en sus rápidos 86 minutos, que da espacio tanto para interludios emocionantes como para momentos más conmovedores. El gato se sube a un velero destartalado y navega por un río crecido, adaptándose gradualmente a los desafíos de este nuevo mundo acuático.

Los expresivos ojos de platillo del animal se abren con cada nuevo encuentro: un capibara que ladra una vez y luego se deja caer para dormir, sin representar ninguna amenaza; un lémur adquisitivo que recolecta afanosamente una serie de objetos brillantes en una canasta que guarda con irritación; un labrador dulce y no demasiado brillante separado de la jauría de perros; y un pájaro secretario que inicialmente parece una amenaza pero pronto se posa en la proa del bote, ocupándose principalmente de sus propios asuntos.

A medida que los bosques dan paso a una vegetación más tropical, los animales pasan por ruinas de lo que parece ser una gran ciudad antigua con un enorme anfiteatro que alberga una colonia de lémures, cada uno de ellos luciendo sus propios tesoros encontrados como accesorios.

Todos los animales del barco han cambiado a raíz de sus experiencias, con la excepción del capibara, que sigue siendo prácticamente el mismo grandulón y tranquilo durante todo el viaje. Incluso el labrador, que se desentiende de la mentalidad de manada de los otros perros, se vuelve más inteligente y más atento a la seguridad de sus compañeros de viaje.

Ninguno cambia más perceptiblemente que el gato; sus encuentros con la muerte probablemente superan en número a las nueve vidas estándar y su cohabitación con las otras especies fomenta un espíritu comunitario a diferencia de su comportamiento más distante y circunspecto anterior en la historia.

Se trata de una película maravillosa para niños, un ejemplo de la relación de intercambio que existe entre la amistad y la importancia de la confianza mutua, que se integra de forma orgánica en la narrativa con claridad pero sin exagerar. No es menos una película para adultos, con sus cautivadoras imágenes y personajes llenos de encanto e individualidad. Hay un encantador elemento espiritual sutil, una emotividad que resuena profundamente con el destino de una gigantesca criatura marina o la salida celestial de un miembro del grupo del barco.

Zilbalodis y el director de animación Léo Silly-Pélissier evocan un mundo de libro ilustrado, prácticamente aniquilado por un desastre natural y ensombrecido por el espectro de la muerte, pero aún repleto de imágenes de una belleza impresionante. La animación en 3D reproduce los fondos forestales con texturas increíblemente vibrantes y las escenas submarinas son encantadoras, incluso cuando se teme por la vida del gato, un novato acuático. La estética visual está pulida, pero la película de alguna manera se las arregla para parecer a la vez técnicamente lograda y hecha a mano.

La atención al movimiento es extraordinaria, captada con una cámara elegante y controlada mientras el gato se desplaza a toda velocidad por el bosque. El detalle de los personajes es claramente el resultado de un estudio exhaustivo del comportamiento y la fisicalidad de cada animal; parece especialmente seguro asumir que el equipo creativo pasó incontables horas viendo videos de gatos, sin duda el mayor regalo de la era de Internet.

La banda sonora de Zilbalodis y Rihards Zal pasa de pasajes magníficos de melodías percusivas a pasajes de cuerdas conmovedoras, al mismo tiempo que la narrativa entrelaza observaciones humorísticas con momentos de gran ansiedad o tragedia. "Flow" es una experiencia placentera, pero también una historia profundamente conmovedora, obra de un talento único que merece estar entre los grandes artistas de animación del mundo.

Temporada de Premios: Nominados a la 78va entrega de los Premios del cine BAFTA

La Academia Británica reveló todos los contendientes para sus honores de 2025 en Londres.

Edward Berger y drama del vaticano "Conclave" son ahora el favorito en las nominaciones a los Premios del BAFTA de este año. La película protagonizada por Ralph Fiennes y Stanley Tucci, basada en la novela de Robert Harris, lidera el ranking con 12 nominaciones a los premios, por delante de las 11 de "Emilia Pérez" y las nueve de "The Brutalist". Entre otras, Conclave compite por los premios a mejor película, mejor película británica, mejor dirección para Berger, actor principal para Fiennes y guión adaptado para Peter Straughan. Isabella Rossellini también está nominada en la categoría de actriz de reparto.

En 2023, el drama de la Primera Guerra Mundial de Berger "All Quiet on the Western Front" obtuvo 14 nominaciones a los premios BAFTA. También terminó con siete victorias, incluida la de mejor película.

Es el año con mayor diversidad de géneros en la historia de los Premios BAFTA, ya que las películas de terror "Heretic" y "The Substance", películas musicales (o inspiradas en la música) como "Wicked" y "A Complete Unknown", epopeyas históricas como "Blitz" de Steve McQueen y películas de acción de gran presupuesto como "Dune: Part Two" y "Gladiator II".

A continuación, la lista completa de los nominados a estos premios:

Best Film: 

ANORA

THE BRUTALIST

A COMPLETE UNKNOWN

CONCLAVE

EMILIA PÉREZ

Outstanding British Film: 

BIRD

BLITZ

CONCLAVE

GLADIATOR II

HARD TRUTHS

KNEECAP

LEE

LOVE LIES BLEEDING

THE OUTRUN

WALLACE AND GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL

Best Director:

ANORA Sean Baker

THE BRUTALIST Brady Corbet

CONCLAVE Edward Berger

DUNE: PART TWO Denis Villeneuve

EMILIA PÉREZ Jacques Audiard

THE SUBSTANCE Coralie Fargeat

Best Leading Actress: 

CYNTHIA ERIVO Wicked

KARLA SOFÍA GASCÓN Emilia Pérez

MARIANNE JEAN-BAPTISTE Hard Truths

MIKEY MADISON Anora

DEMI MOORE The Substance

SAOIRSE RONAN The Outrun

Best Leading Actor: 

ADRIEN BRODY The Brutalist

TIMOTHÉE CHALAMET A Complete Unknown

COLMAN DOMINGO Sing Sing

RALPH FIENNES Conclave

HUGH GRANT Heretic

SEBASTIAN STAN The Apprentice

Best Supporting Actress:

SELENA GOMEZ Emilia Pérez

ARIANA GRANDE Wicked

FELICITY JONES The Brutalist

JAMIE LEE CURTIS The Last Showgirl

ISABELLA ROSSELLINI Conclave

ZOE SALDAÑA Emilia Pérez

Best Supporting Actor: 

YURA BORISOV Anora

KIERAN CULKIN A Real Pain

CLARENCE MACLIN Sing Sing

EDWARD NORTON A Complete Unknown

GUY PEARCE The Brutalist

JEREMY STRONG The Apprentice

Original Original Screenplay:

ANORA Written by Sean Baker

THE BRUTALIST Written by Brady Corbet & Mona Fastvold

KNEECAP Writer Rich Peppiatt, Story by Rich Peppiatt, Naoise Ó Cairealláin, Liam Óg Ó Hannaidh, JJ Ó Dochartaigh

A REAL PAIN Written by Jesse Eisenberg

THE SUBSTANCE Written by Coralie Fargeat

Best Adapted Screenplay:

A COMPLETE UNKNOWN Screenplay by James Mangold and Jay Cocks

CONCLAVE Screenplay by Peter Straughan

EMILIA PÉREZ Written by Jacques Audiard

NICKEL BOYS Screenplay by RaMell Ross & Joslyn Barnes

SING SING Screenplay by Clint Bentley, Greg Kwedar, Story by Clint Bentley, Greg Kwedar, Clarence

‘Divine Eye’ Maclin, John ‘Divine G’ Whitfield

Best Original Score

THE BRUTALIST - Daniel Blumberg

CONCLAVE - Volker Bertelmann

EMILIA PÉREZ - Camille, Clément Ducol

NOSFERATU - Robin Carolan

THE WILD ROBOT - Kris Bowers

Best Casting:

ANORA

THE APPRENTICE

A COMPLETE UNKNOWN

CONCLAVE

KNEECAP

Best Cinematography:

THE BRUTALIST

CONCLAVE

DUNE: PART TWO

EMILIA PÉREZ

NOSFERATU

Best Costume Design:

BLITZ

A COMPLETE UNKNOWN

CONCLAVE

NOSFERATU

WICKED

Best Editing: 

ANORA

CONCLAVE

DUNE: PART TWO

EMILIA PÉREZ

KNEECAP

Best Production Design:

THE BRUTALIST

CONCLAVE

DUNE: PART TWO

NOSFERATU

WICKED

Best Make-up and Hair:

DUNE: PART TWO

EMILIA PÉREZ

NOSFERATU

THE SUBSTANCE

WICKED

Best Sound:

BLITZ

DUNE: PART TWO

GLADIATOR II

THE SUBSTANCE

WICKED

Best Special/Visual Effects:

BETTER MAN

DUNE: PART TWO

GLADIATOR II

KINGDOM OF THE PLANET OF THE APES

WICKED

Best British Short Film:

THE FLOWERS STAND SILENTLY, WITNESSING

MARION

MILK

ROCK, PAPER, SCISSORS

STOMACH BUG

British Short Animation:

ADIÓS

MOG'S CHRISTMAS

WANDER TO WONDER

Best Film Not in the English Language:

ALL WE IMAGINE AS LIGHT Payal Kapadia, Thomas Hakim

EMILIA PÉREZ Jacques Audiard, TBD

I’M STILL HERE (AINDA ESTOU AQUI) Walter Salles, TBD

KNEECAP Rich Peppiatt, Trevor Birney

THE SEED OF THE SACRED FIG Mohammad Rasoulof, Amin Sadraei

Best Documentary:

BLACK BOX DIARIES

DAUGHTERS

NO OTHER LAND

SUPER/MAN: THE CHRISTOPHER REEVE STORY

WILL & HARPER

Best Animated Film:

FLOW

INSIDE OUT 2

WALLACE AND GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL

THE WILD ROBOT

Best Children's and Family Film:

FLOW

KENSUKE'S KINGDOM

WALLACE AND GROMIT: VENGEANCE MOST FOWL

THE WILD ROBOT

EE BAFTA Rising Star Award:

Marisa Abela

Jharrel Jerome

David Jonsson

Mikey Madison

Nabhaan Rizwan

Outstanding Debut by a British Writer, Director or Producer: 

HOARD Luna Carmoon (Director, Writer)

KNEECAP Rich Peppiatt (Director, Writer)

MONKEY MAN Dev Patel (Director)

SANTOSH Sandhya Suri (Director, Writer), James Bowsher (Producer), Balthazar de Ganay (Producer)

[also produced by Alan McAlex, Mike Goodridge]

SISTER MIDNIGHT Karan Kandhari (Director, Writer)

Crítica Cinéfila: Squid Game, 2da temporada

Tres años después de su victoria, el jugador 456 decide no viajar a Estados Unidos y regresa con un nuevo objetivo. Para conseguirlo, Gi-hun compite una vez más en el misterioso juego de supervivencia donde tendrá que superar situaciones de vida o muerte con nuevos participantes que sueñan con llevarse el premio de 45,600 millones de wons.

Para una serie a la que se le atribuye el inicio de una revolución televisiva internacional, la segunda temporada de “Squid Game” se siente como la secuela estándar de un éxito de taquilla de Hollywood. La historia refleja las ideas del proyecto original, siguiendo a un nuevo grupo de desesperados desposeídos que compiten en juegos de la escuela primaria con una fortuna considerable para los ganadores y una ejecución despiadada para los perdedores. La segunda temporada también está protagonizada por el mismo personaje principal, o personajes, ya que Gi-hun (Lee Jung-jae) guía la trama A dentro del juego, y Jun-ho (Wi Ha-joon) conduce la trama B detrás de escena. El creador Hwang Dong-hyuk también está de regreso, escribiendo y dirigiendo cada episodio, y la producción, ya de por sí sorprendente, está impregnada del estilo más grande y audaz que tiende a venir con recursos adicionales.

Gran parte de la superposición es una consecuencia inevitable de seguir una sensación mundial que no exigía una continuación, pero hay diversión entre la repetición agotadora y los arcos argumentales alargados: la temporada 2 es más como media temporada, completada con un final de suspenso. Para cualquiera que esté satisfecho con la primera competencia, es probable que los siete nuevos episodios sigan proporcionando suficiente entretenimiento visceral o emociones indirectas como para merecer un viaje de regreso. La temporada 2 continúa capitalizando una premisa que es instintivamente absorbente: quién ganará y quién perderá, quién jugará con honor y quién se degradará, con quién nos identificaremos y a quién vilipendiaremos. Las preguntas un poco más complicadas, las que duran un poco más que la duración de cada juego: ¿Cuándo un personaje cruza una línea? ¿Por qué la cruza? ¿Y podemos empatizar con sus justificaciones para hacerlo?

Mientras que la primera temporada prosperó gracias al descubrimiento (no solo la gran revelación de cada juego nuevo, incluidas sus reglas y costumbres, sino también un éxito inesperado que se hizo popular de boca en boca en lugar de por el entusiasmo previo al lanzamiento), la segunda temporada sobrevive sabiendo que hay menos por descubrir. Se apoya en nuestra anticipación y, ocasionalmente, juega con ella, desplegando un giro aquí y otro allá, pero la mayoría de las veces satisface hábilmente nuestras expectativas. Además, como un medio para que Hwang corrija parte de la desigualdad de riqueza entre el creador y el distribuidor (haciendo una segunda temporada que se haga eco de la primera como su único recurso para ver una parte de lo que Netflix ganó con su trabajo original), es, francamente, mucho más fácil de disfrutar.

"Squid Game" nunca fue sutil, prefiriendo combinar su indignación por la desigualdad de riqueza impulsada por el capitalismo con una violencia física tan brutal y gráfica como la dolorosa y penosa rutina de vivir de un sueldo a otro. Semejante carnicería fue comprensiblemente desagradable para algunos espectadores, incluso para aquellos que simpatizan con la actitud de "comerse a los ricos" de la serie, y la segunda temporada sigue optando por la violencia.

A estas alturas, tal vez se den cuenta de que es un poco complicado hablar de lo que sucede en la segunda temporada de "Squid Game" sin dar spoilers. La historia más amplia sigue tan de cerca de lo que vino antes, que cada pequeña alteración y pequeño desarrollo ayuda a tener muchas más consecuencias. Dos años después de que Gi-hun abandonara su vuelo a Los Ángeles, donde se reuniría con su hija, el único superviviente de los últimos Juegos del calamar no está viviendo la vida de un multimillonario coreano. Está escondido en un hotel sucio, planeando su venganza y tratando de encontrar al Reclutador (Gong Yoo). Tiene a todo un equipo recorriendo el metro en busca de un hombre alto, flacucho y de traje que desafía a desconocidos desafortunados a un ddakji uno a uno. Durante años, Gi-hun no ha encontrado nada y, durante años, sigue invirtiendo cada vez más dinero en la búsqueda.

Por supuesto, el dinero no le importa. Gi-hun lo ve como una maldición, un recordatorio de todas las vidas perdidas por codicia e interés propio. Necesita el dinero para llevar a cabo su misión, pero su antipatía hacia el dinero (y en lo que podría convertirlo) refleja su antipatía por el Juego del Calamar, que no ha hecho más que crecer desde que ganó. “No lo entiendes”, dice. “No podrías saber cómo fue estar allí, lo que hice para salir. No tienes ni idea de cómo es realmente el juego”.

Y, sin embargo, ya sea que Gi-hun encuentre al Reclutador o no, no hay duda de que volverá a jugar el juego. Hwang hace un buen trabajo al justificar el regreso del Jugador 456 a la arena, pero tiene dificultades para justificar cómo Gi-hun pone fin a estas batallas campales. Como una trama secundaria sobre la búsqueda de la isla, las férreas convicciones de Gi-hun sobre el Juego del Calamar van y vienen con las necesidades de "Squid Game": los espectadores quieren ver los juegos y, por un tiempo, Gi-hun tiene que callarse y jugar.

Una vez que lo hace, la segunda temporada cae en los patrones familiares pero atractivos de su predecesora. Los nuevos jugadores se sorprenden al enterarse de las apuestas de vida o muerte y rápidamente se dividen en dos grupos: los que quieren quedarse y seguir compitiendo, y los que quieren cobrar y marcharse. A partir de ahí surgen más facciones, a medida que la gente empieza a jugar dentro del Juego del Calamar, formando grupos de amistades y alianzas, reales y falsas. El nuevo grupo de arquetipos amplios (que incluye una madre y un hijo muy unidos, una mujer embarazada en secreto y un ex-multimillonario mandón) también presenta a algunos bichos raros intrigantes, como el subcampeón de un reality show de rap llamado Thanos (con el pelo morado y las uñas pintadas en el tono de las Gemas del Infinito) y un agente de bitcoin que se arruinó.

En general, el nuevo elenco se une sin problemas (en parte porque se adaptan a una dinámica similar a la del equipo de la temporada 1), y la temporada 2 encuentra sus mejores momentos cuando se sienta con estos personajes y sus elecciones. También da un vistazo tentador a las vidas de los guardias, y los jugadores más arrogantes y aduladores no solo son villanos satíricos, sino que también crean un trasfondo de comedia negro en el que la temporada puede apoyarse cuando necesita un impulso. La temporada 2 no es más ligera (Gi-hun todavía está "en el infierno", después de todo), pero es más divertida, lo que tiene su propio sentido peculiar. Los juegos ya no son nuevos (lo que no quiere decir que no haya juegos nuevos) y los entornos se han vuelto familiares, para nosotros y para nuestro protagonista. Entonces, en lugar de intentar superar la intensidad de no saber qué horror aguarda detrás de cada puerta, la temporada 2 combina su sensación de fatalidad con una inevitabilidad de "qué horror" que se siente demasiado familiar.

Sí, la segunda temporada de “Squid Game” sin duda generará una cantidad desmesurada analizando diversos paralelismos modernos, pero en realidad no tiene nada que decir que no se haya dicho ya la primera temporada. Tal vez eso cambie cuando llegue la tercera temporada (que, de nuevo, es más como la segunda mitad de la segunda), pero por ahora, “Squid Game” se conforma con existir como entretenimiento instintivo.

Si hay una razón por la que existe la segunda temporada más allá de la responsabilidad fiduciaria de Netflix es por el conflicto entre los jugadores que resienten a sus señores multimillonarios y los jugadores que los sirven conscientemente. Al principio, alguien menciona "Matrix" con bastante franqueza, tal vez para subrayar mejor que, en esta temporada, Neo/Gi-hun no está luchando contra el Arquitecto/Oh Il-nam (O Yeong-su), que creó el Juego del Calamar y que derrotó en la temporada 1. Está luchando contra los Agentes Smith/Front Men que mantienen los juegos en funcionamiento. Después de todo, en este punto de la sociedad, no importa cómo comenzó el capitalismo. Lo que importa es si podemos encontrar una salida sin perdernos a nosotros mismos, nuestras vidas y a los demás.

Crítica Cinéfila: Juror #2

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Imagine que usted es una persona cumpliendo con ser jurado de un juicio por primera vez, y de repente, el primer día, descubre que el acusado ha sido acusado de un crimen terrible del que usted es, de hecho, responsable. Ése es el detonante de la última película de Clint Eastwood, “Juror #2”, una extensión ligeramente absurda pero sumamente atractiva de la fascinación que ha sentido durante toda su carrera alrededor de las temáticas de la culpa, la justicia y las limitaciones de la ley.

En las películas en las que Eastwood actúa, las armas son de gran ayuda para resolver problemas que el sistema no puede resolver. Pero el director no aparece en “Juror #2”, un drama judicial de corte moral en el que Nicholas Hoult interpreta al único que se resiste en un juicio por asesinato. La película puede comenzar con una nota de idealismo, pero rápidamente se vuelve cínica cuando el personaje de Hoult, el esposo “perfecto” y ciudadano honrado Justin Kemp, honra su citación al jurado, aunque preferiría quedarse en casa con su esposa embarazada, Ally (Zoey Deutch).

En el momento que la fiscal Faith Killebrew (Toni Collette) describe el asesinato (un claro caso de violencia doméstica, en su opinión), Justin se da cuenta de que estaba en el bar de la carretera la noche en cuestión. Lo que es aún más inquietante es que, según los flashbacks de Justin, parece claro que el ciervo al que atropelló de camino a casa no era un ciervo, sino la víctima, Kendall Carter (Francesca Eastwood).

¿Cuáles son las probabilidades? Es mejor no cuestionarlo. O estás de acuerdo con la premisa o no estás en una película que se toma en serio la situación resultante, invitando al público a reflexionar sobre lo que harían en el lugar de Justin. Para complicar las cosas, el futuro padre es un alcohólico en recuperación, y su padrino (Kiefer Sutherland) —que también es abogado— le advierte que si confiesa, nadie creerá que estaba sobrio en la fatídica noche.

No es casualidad que la película esté ambientada en Georgia, donde el homicidio vehicular en primer grado se considera un delito grave. La ubicación le da a Collette (y a nadie más del elenco) la oportunidad de hacer un marcado acento sureño, ya que su personaje alterna entre los tribunales y la campaña electoral. Faith se postula para fiscal de distrito con una plataforma dura contra el abuso doméstico, y este caso podría llevarla a la victoria, lo que hace que la verdad sea tan incómoda para ella como lo es para Justin. 

Una vez que el juicio termina y comienzan las deliberaciones, Eastwood parece contar con que haya visto “12 Angry Men” (1957), y plantea la posibilidad de que Justin pueda convencer al resto del jurado para que se absuelva, o bien empujarlos hacia un veredicto de culpabilidad, dejando que el novio de Kendall, James Sythe (Gabriel Basso), cargue con la culpa. Pero el guión de Jonathan Abrams tiene algunos giros bajo la manga que parecen encajar con la visión más escéptica de Eastwood sobre el proceso legal.

Al principio, Justin da un breve discurso digno tipo Frank Capra sobre cómo el acusado merece el beneficio de la duda, pero está claro que es su conciencia la que habla. Diez de los jurados están dispuestos a condenar, mientras que Justin encuentra un aliado en Harold (JK Simmons), un ex detective de policía cuyo instinto le dice que el acusado es inocente.

Justin se da cuenta de que el problema de influir en los demás es que actúan con base en prejuicios, lo que supone una crítica bastante dura del sistema de “pares” con el que funcionan los jurados. Al igual que la policía y el fiscal, estos civiles son susceptibles a los prejuicios, ya que solo consideran las pruebas que respaldan las conclusiones a las que llegaron apresuradamente. Por supuesto, todo podría resolverse bastante rápido si Justin dijera la verdad.

El editor Joel Cox y su hijo David siguen haciendo cortes para mostrar primeros planos del rostro de Justin, mientras Hoult transmite su confusión a través de ojos furtivos y miradas nerviosas, emociones que seguramente mantendría ocultas en la vida real. No es el único personaje que enfrenta una crisis de conciencia: Faith finalmente comienza a cuestionar su caso, lo que podría poner en peligro sus ambiciones políticas, al tiempo que le da a Collette la oportunidad de redimir a un personaje que antes parecía un obstáculo moralista a la justicia y ahora parece su defensor más digno de Eastwood.

Después de centrarse en la culpabilidad de Justin durante la mayor parte de la película, el guion de Abrams juega una mala pasada hacia el final, saltándose el voto final del jurado para sorprendernos cuando se lee el veredicto en el tribunal: una trampa eficaz, dramáticamente hablando, que deja la decisión más importante de Justin fuera de la pantalla. Si bien hay mucho que analizar a lo largo de la película, la última escena de la película nos deja a nosotros como jueces.

Como siempre, Eastwood respeta nuestra inteligencia. Y, sin embargo, “Juror #2” es una anomalía en su obra: se encuentra entre sus películas más serenas a nivel de acciones, en las que se renuncia al espectáculo en favor de la autorreflexión. Se podría decir que todo el sistema está siendo juzgado, y, sin embargo, el único hombre enojado aquí es Eastwood, no los jurados, ya que Harry el sucio no termina con una explosión, sino con un susurro ambivalente.

Crítica Cinéfila: La Semilla de la Higuera Sagrada

El juez de instrucción Iman se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan. 

“La Semilla de la Higuera Sagrada” es un grito angustiado que surge del corazón de Mohammad Rasoulof, el cineasta iraní que acaba de huir de su país natal a Europa tras cumplir una condena de ocho años de prisión en la República Islámica. Este no es el primer roce con la ley teocrática para el director disidente, que lleva dos décadas trabajando de forma constante fuera de Irán.

Así, aunque Irán jamás presentará su última obra maestra como se ha hecho en festivales (que suele ser el único espacio de películas antisistema de Oriente Medio que llegan a Estados Unidos), este desgarrador thriller nacional merece la mayor audiencia posible. Con el brutal asesinato de Mahsa Amini a manos del gobierno en 2022 como punto de partida, Rasoulof crea una alegoría extraordinariamente apasionante sobre los costos corruptores del poder y la supresión de las mujeres bajo un patriarcado religioso que aplasta a las mismas personas que dice proteger.

“Sacred Fig” surgió del encarcelamiento de Rasoulof en 2022, justo en la cúspide del levantamiento de "Mujer, Vida, Libertad" inspirado por la muerte de Amini, en la prisión de Evin en Teherán, donde fue encarcelado por hablar en contra del gobierno iraní. Rasoulof, que también escribió el guion y filmó esta película completamente en secreto y poniendo en riesgo la vida del elenco, comienza esta historia con Iman (Misagh Zare, actualmente prohibido de salir de Irán). Es padre de dos hijas, profundamente arraigado en su fe y lealtad al gobierno, ya que acaba de ser designado para el mismo Tribunal Revolucionario que recientemente condenó al propio Rasoulof. Su esposa Najmeh (Soheila Golestani, también prohibida de salir de Irán y encarcelada hace dos años en medio de las protestas de "Mujeres, Vida, Libertad") se somete a la palabra de Iman y es fiel a todo lo que impone en su hogar. Las hijas de Iman, Rezvan y Sana (Mahsa Rostami y Setareh Maleki, respectivamente), están menos atadas a la tradición y al equilibrio doméstico.

Aunque “Sacred Fig” nunca nombra explícitamente a la joven que muere, como se muestra en los noticieros y en las imágenes reales de las protestas, ella es una sustituta de Amini. Rezvan y Sana, que comparten una litera en el abarrotado apartamento de la familia en Teherán, participan en las protestas a su manera: ofreciendo refugio a una compañera de clase, Sadaf (Niousha Akhshi), que fue golpeada en medio de un revuelta. Najmeh, que está ansiosa por mantener en secreto su presencia en su casa para Iman en vísperas de su ascenso, atiende las heridas de la niña después de que la policía la atacara brutalmente en medio del caos.

Rasoulof, que trabaja con el director de fotografía Pooyan Aghababaei para crear el estilo panorámico de la película, acerca la cámara al rostro destrozado de Sadaf, con el ojo izquierdo amoratado, ensangrentado e hinchado. Rasoulof nos muestra en términos viscerales lo que probablemente le ocurrió a la propia Amini, cuya muerte las autoridades atribuyeron a un derrame cerebral mientras estaba en el hospital. La película también menciona esto, lo cual solo son mentiras alimentadas por el autoritarismo que Najmeh está ansiosa por creer.

Mientras tanto, Iman es el blanco de sus propios manifestantes después de firmar acusaciones de muerte contra supuestos disidentes, encabezados por sus empleadores de la Corte Revolucionaria. Pero las presiones aumentan cuando su arma reglamentaria desaparece. No está en la mesilla de noche, donde la dejó Najmeh, ni en una pila de ropa sucia, donde la esconde en un momento dado. La ubicación incorrecta del arma se castiga con hasta al menos tres años de prisión, y obviamente pone en peligro el nombramiento de Iman en la Corte. Esta pistola de Rasoulof, por así decirlo (disparada una sola vez mucho más adelante en la película) se convierte en un símbolo del poder que pasa de mano en mano, y una herramienta que deja al descubierto la discordia ya arraigada bajo la superficie de la familia de Iman. Su desaparición comienza lentamente a hacer que toda la familia se descontrole. "Perdón por no haberme despertado para prepararte el desayuno", dice Najmeh en un momento dado. Pero sus antiguas costumbres ya se estaban desmoronando de todos modos.

La desaparición del arma provoca en Iman un pánico paranoico, obligando primero a sus hijas y a su esposa a someterse a un interrogatorio angustiosamente escenificado y con los ojos vendados para descubrir al culpable. Y después, a algo peor. A medida que avanza la película, que te cautiva durante sus casi tres horas de metraje, se adentra más en el terreno del thriller doméstico. Aquí, una familia se enfrenta a su patriarca y a los demás mientras él se desmorona, llevándolos a su remoto hogar de la infancia y tomando medidas extremas para hacer que alguien, cualquiera, confiese haber robado el arma. En el camino, su coche es seguido por dos manifestantes que persiguen a Iman, y es impactante la forma en que Rasoulof se desvía tan imprudentemente como el coche se sale de la carretera, mostrando hasta qué punto está dispuesta a llegar Najmeh para incitar la ira de su marido.

Cada una de las actuaciones, discretas y nunca melodramáticas, es inherentemente valiente por la forma en que los actores arriesgaron sus vidas para participar en la película. Hay otros actos de valentía, como la forma en que Rasoulof muestra a mujeres en espacios cerrados sin velo, por una vez. Otras películas iraníes, menos resistentes políticamente, a menudo muestran a mujeres en espacios cerrados con hijab, lo que es muy poco realista y probablemente una forma de apaciguar a los censores.

“La semilla de la Higuera Sagrada” se convierte, incluso cuando termina en un desenlace demoledor en el que se sabe que no le espera nada bueno a nadie después del último corte a negro, en una alegoría finalmente esperanzadora a pesar de su falta de resolución. Irán nunca va a apoyar esta película. Depende del resto del mundo hacerlo.

Crítica Cinéfila: Cien Años de Soledad, 1ra parte

En la intemporal población de Macondo, siete generaciones de la familia Buendía navegan entre el amor, el olvido y lo ineludible de su pasado... y de su destino.

La obra magna de 1967 del ganador del Premio Nobel Gabriel García Márquez , “ Cien años de soledad ”, ha sido considerada durante mucho tiempo como una de las mayores obras de la literatura moderna. Sin embargo, Gabo se negó toda su vida a vender los derechos de la novela porque sintió que una adaptación cinematográfica no se acercaría ni por asomo a la superficie de este relato tan narrativamente cargado, sin olvidar que tiene una duración de casi un siglo. Ahora, con la bendición de sus hijos Rodrigo García y Gonzalo García Barcha, quienes se desempeñan como productores ejecutivos, Netflix ha adaptado la obra maestra en una serie limitada de dos partes que abarca más de 16 horas. Con los directores Alex García López y Laura Mora a la cabeza de la primera parte, “Cien años de soledad” es exquisitamente detallada y está llena de simbolismo intrincado. La serie es una de las adaptaciones de libro a pantalla más fieles de los últimos años. 

"Cien años de Soledad", una historia de familia, destino, poder y las fragilidades de la humanidad, comienza a mediados del siglo XIX con un amor prohibido. En medio de una boda eufórica, el público conoce a los jóvenes enamorados, José Arcadio Buendía (Marco Antonio González) y Úrsula Iguarán (Susana Morales). Desafortunadamente, sus familiares no disfrutan de la alegría de los recién casados. Como José Arcadio y Úrsula son primos hermanos, los temores de la familia sobre las aberraciones de sus descendientes interfieren en la celebración. La madre de Úrsula aterroriza a su hija con siniestras predicciones de que dará a luz bebés monstruosos con cola de cerdo. Enfurecido por la constante desaprobación, José mata a un conocido gallero por burlarse de su matrimonio aún no consumado. Una vez absuelto del asesinato, él y Úrsula hacen sus maletas y se disponen a buscar un lugar para vivir lejos de las miradas y las burlas. Sin embargo, antes de que la pareja comience su búsqueda, la madre de Úrsula le recuerda: “No importa hacia dónde corras, nunca podrás escapar del verdadero destino”.

A lo largo del primer episodio, “Macondo”, la pareja y los amigos que los siguen deambulan por Colombia durante años antes de establecerse y construir un pequeño pueblo en medio de un pantano. José Arcadio nombra rápidamente el pueblo Macondo. En este lugar, nadie decide por los demás. Justo y centrado, José Arcadio se asegura de que cada pintoresca casa reciba la misma luz solar y agua. Con el tiempo, Úrsula da a luz a tres niños sanos, José Arcadio (Thiago Padilla), Aureliano (Jerónimo Echeverría) y Amaranta (Luna Ruíz), todos con traseros perfectamente humanos. Sin embargo, como aprenden rápidamente los Buendía, no existe una verdadera utopía en la que los humanos tengan libre albedrío, ambiciones personales y lujuria. 

“Cien años de soledad”, parte 1, consta de ocho episodios envueltos en imágenes inquietantes. Los directores de fotografía Paulo Pérez y María Sarasvati revelan una familia y Macondo en expansión y secuencias que hacen eco del pasado, presente y futuro de los Buendía. Bajo la visión de los diseñadores de producción Bárbara Enríquez y Eugenio Caballero, la serie muestra elementos como la exuberante pero traicionera ladera de las montañas colombianas hasta segmentos de realismo mágico, incluyendo una niña sangrando en una bañera en el río y el fantasma de un hombre muerto que acecha a los vivos. A diferencia de la mayoría de las adaptaciones de libros a la pantalla, los aspectos de esta narrativa no son apresurados ni se pasan por alto. Mientras el público pasa mucho tiempo en el diálogo de los personajes principales, la cámara también se detiene en todo, desde los diversos escenarios de un Macondo en rápida expansión hasta los panes y las sopas en la cocina de Úrsula. 

A medida que la serie avanza en el tiempo, las políticas de respetabilidad, los hijos ilegítimos, las rivalidades entre hermanos, las autolesiones, el incesto y las enfermedades mentales van desviando y desplazando a los Buendía, expulsando a algunos miembros de la familia y atrayendo a otros. Con el paso de los años, su hogar se transforma de una pintoresca posada a una enorme mansión. Sin embargo, la dinámica familiar es solo un segmento de esta historia. Previamente aislado del resto de la civilización, el crecimiento masivo de Macondo abre las puertas a la interferencia del gobierno. En el episodio 6, "El coronel Aureliano Buendía", también hay una representación cruel y sangrienta de la Guerra de los Mil Días de Colombia, que enfrentó a conservadores y liberales entre sí. 

Las actuaciones son excepcionales. Marleyda Soto, que interpreta a una Úrsula mayor, es práctica con una vena viciosa. Claudio Cataño, que interpreta a Aureliano adulto, es atormentado por premoniciones y deseos nefastos. Mientras tanto, Nicole Montenegro y Laura Grueso —la versión joven y la versión mayor de Rebeca, respectivamente— atormentan cada escena en la que aparecen, desde el momento en que la pequeña Rebeca aparece en la puerta de los Buendía sosteniendo una bolsa de huesos hasta la mujer audaz y deslumbrante impulsada por su sexualidad. Aun así, ningún personaje se transforma más que José Arcadio (interpretado por Diego Vásquez en episodios posteriores), quien se concentra demasiado en sus inventos y su alquimia en lugar de la satisfacción de su esposa e hijos. 

Aunque el ritmo de la serie a veces parece demasiado lento, la belleza de “Cien años de soledad” permite al espectador absorber cada fotograma y momento cuidadosamente seleccionados. Como resultado, el pasado de los Buendía es un eco continuo sin importar en qué generación se encuentre la historia. Es un recordatorio de cuánto influye la historia en el presente y por qué los seres humanos están tan a menudo condenados a repetir los errores de su pasado. Además, la narrativa sugiere que el aislamiento y la languidez en pos del propio interés con frecuencia engendran la podredumbre de la moralidad. 

Una obra monumental que desentraña cada capa de la novela de Gabo, la serie a veces resulta un poco densa, permitiendo que cada secuencia se ventile, incluso cuando parece dolorosa o innecesaria. Si se hubiera controlado la trama para una audiencia televisiva moderna, se habría logrado una adaptación más emocionante. Sin embargo, al permitir que los espectadores deambulen por la historia, “Cien años de soledad” se presenta tal como la escribió el novelista, con una gran cantidad de detalles y una profunda elocuencia. 

Temporada de Premios: Ganadores de la 82da entrega de los Golden Globe Awards

"Emilia Pérez", "The Brutalist", "Shogun", "Hacks" y "Baby Reindeer" estuvieron entre los grandes triunfadores, mientras que Zoe Saldaña, Fernanda Torres, Adrien Brody, Kieran Culkin, Jean Smart, Jeremy Allen White, Colin Farrell, Anna Sawai, Sebastian Stan, Demi Moore, Jodie Foster y Ali Wong estuvieron entre los ganadores individuales.

Los Globos de Oro 2025 se entregaron este pasado domingo por la noche.

"Emilia Pérez" fue nombrada mejor película musical o de comedia y mejor película de habla no inglesa, mientras que Zoe Saldaña se llevó el premio a la mejor actriz de reparto por su actuación. La canción de la película “El Mal” ganó el premio a la mejor canción original. Mientras tanto, "The Brutalist" fue nombrada mejor película dramática. Brady Corbet también fue nombrado mejor director por esta última, mientras que su estrella Adrien Brody fue nombrado mejor actor en un drama.

"Flow" ganó el premio a la mejor película de animación. "Wicked" ganó el premio a la mejor película cinematográfica y de taquilla.

"Shogun" fue nombrada mejor serie dramática, con Anna Sawai, Hiroyuki Sanada y Tadanobu Asano ganando por sus actuaciones en el programa.

"Hacks" fue nombrada mejor serie de televisión, musical o comedia, y Jean Smart se llevó un premio por su actuación. "Baby Reindeer" fue la ganadora en la categoría de mejor miniserie, serie antológica o película hecha para televisión, mientras que Jessica Gunning ganó un premio por su actuación.

Entre los ganadores individuales también se encontraban Fernanda Torres, Kieran Culkin, Jeremy Allen White, Colin Farrell, Sebastian Stan, Demi Moore y Jodie Foster. Ali Wong ganó el premio a la mejor actuación de comedia en televisión.

Nikki Glaser fue la anfitriona de la ceremonia, en la que se entregaron premios en 27 categorías de cine y televisión. El viernes por la noche, Viola Davis recibió el premio Cecil B. DeMille y Ted Danson aceptó el premio Carol Burnett en la Gala inaugural de los Globos de Oro. Estos dos premios ya se habían entregado durante la transmisión en vivo, pero este año se entregaron en una ceremonia especial a la que asistieron estrellas como Jane Fonda, Meryl Streep, Mary Steenburgen, Carol Burnett, Anthony Anderson y Babyface.

Esta fue la segunda ceremonia de los Globos de Oro desde que su patrocinador de toda la vida, la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood, fue reemplazada tras la adquisición de todos los activos, derechos y propiedades de la HFPA por Dick Clark Productions y Eldridge. En lugar de la HFPA, un grupo de votantes racial y étnicamente diverso, compuesto por periodistas que representamos a países de todo el mundo, seleccionamos a los nominados y ganadores.

A continuación se muestra la lista completa de los ganadores de los Globos de Oro 2025:

CATEGORÍA PELÍCULAS

Best Motion Picture – Musical or Comedy: Emilia Pérez (Netflix)

Anora (Neon)

Challengers (Amazon MGM Studios)

A Real Pain (Searchlight Pictures)

The Substance (Mubi)

Wicked (Universal Pictures)

Best Motion Picture – Drama: The Brutalist (A24)

A Complete Unknown (Searchlight Pictures)

Conclave (Focus Features)

Dune: Part Two (Warner Bros. Pictures)

Nickel Boys (Orion Pictures/Amazon Mgm Studios)

September 5 (Paramount Pictures)

Best Motion Picture – Animated: Flow (Sideshow/Janus Films) 

Inside Out 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Memoir of a Snail (IFC Films)

Moana 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl (Netflix)

The Wild Robot (Universal Pictures)

Cinematic and Box Office Achievement: Wicked (Universal Pictures)

Alien: Romulus (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Beetlejuice Beetlejuice (Warner Bros. Pictures)

Deadpool & Wolverine (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Gladiator II (Paramount Pictures)

Inside Out 2 (Walt Disney Studios Motion Pictures)

Twisters (Universal Pictures)

The Wild Robot (Universal Pictures)

Best Motion Picture – Non-English Language: Emilia Pérez (Netflix) – Francia

All We Imagine as Light (Sideshow / Janus Films) – Francia / India / Luxemburgo / Países Bajos

The Girl With the Needle (Mubi) – Polonia / Suecia / Dinamarca

I’m Still Here (Sony Pictures Classics) – Brasil

The Seed of the Sacred Fig (Neon) – Alemania / Francia / Irán

Vermiglio (Sideshow / Janus Films) – Italia

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Drama: Fernanda Torres (I’m Still Here)

Pamela Anderson (The Last Showgirl)

Angelina Jolie (Maria)

Nicole Kidman (Babygirl)

Tilda Swinton (The Room Next Door)

Kate Winslet (Lee)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Drama: Adrien Brody (The Brutalist)

Timothée Chalamet (A Complete Unknown)

Daniel Craig (Queer)

Colman Domingo (Sing Sing)

Ralph Fiennes (Conclave)

Sebastian Stan (The Apprentice)

Best Performance by a Female Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy: Demi Moore (The Substance) 

Amy Adams (Nightbitch)

Cynthia Erivo (Wicked)

Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez)

Mikey Madison (Anora)

Zendaya (Challengers)

Best Performance by a Male Actor in a Motion Picture – Musical or Comedy: Sebastian Stan (A Different Man)

Jesse Eisenberg (A Real Pain)

Hugh Grant (Heretic)

Gabriel LaBelle (Saturday Night)

Jesse Plemons (Kinds of Kindness)

Glen Powell (Hit Man)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture: Zoe Saldaña (Emilia Pérez) 

Selena Gomez (Emilia Pérez)

Ariana Grande (Wicked)

Felicity Jones (The Brutalist)

Margaret Qualley (The Substance)

Isabella Rossellini (Conclave)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role in Any Motion Picture: Kieran Culkin (A Real Pain)

Yura Borisov (Anora)

Edward Norton (A Complete Unknown)

Guy Pearce (The Brutalist)

Jeremy Strong (The Apprentice)

Denzel Washington (Gladiator II)

Best Director – Motion Picture: Brady Corbet (The Brutalist)

Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Sean Baker (Anora)

Edward Berger (Conclave)

Coralie Fargeat (The Substance)

Payal Kapadia (All We Imagine as Light)

Best Screenplay – Motion Picture: Peter Straughan (Conclave)

Jacques Audiard (Emilia Pérez)

Sean Baker (Anora)

Brady Corbet, Mona Fastvold (The Brutalist)

Jesse Eisenberg (A Real Pain)

Coralie Fargeat (The Substance)

Best Original Score – Motion Picture: Trent Reznor, Atticus Ross (Challengers)

Volker Bertelmann (Conclave)

Daniel Blumberg (The Brutalist)

Kris Bowers (The Wild Robot)

Clément Ducol, Camille (Emilia Pérez)

Hans Zimmer (Dune: Part Two)

Best Original Song – Motion Picture: El Mal” – Emilia Pérez; Music & Lyrics By: Clément Ducol, Camille, Jacques Audiard

“Beautiful That Way” – The Last Showgirl; Music & Lyrics By: Andrew Wyatt, Miley Cyrus, Lykke Zachrisson

“Compress / Repress” – Challengers; Music & Lyrics By: Trent Reznor, Atticus Ross, Luca Guadagnino

“Forbidden Road” – Better Man; Music & Lyrics By: Robbie Williams, Freddy Wexler, Sacha Skarbek

“Kiss the Sky” – The Wild Robot; Music & Lyrics By: Delacey, Jordan K. Johnson, Stefan Johnson, Maren Morris, Michael Pollack, Ali Tamposi

“Mi Camino” – Emilia Pérez; Music & Lyrics By: Clément Ducol, Camille

CATEGORÍA SERIES

Best Television Series – Drama: Shogun (FX/Hulu)

The Day of the Jackal (Peacock)

The Diplomat (Netflix)

Mr. & Mrs. Smith (Prime Video)

Slow Horses (Apple TV+)

Squid Game (Netflix)

Best Television Series – Musical or Comedy: Hacks (HBO/Max)

Abbott Elementary (ABC)

The Bear (FX/Hulu)

The Gentlemen (Netflix)

Nobody Wants This (Netflix)

Only Murders in the Building (Hulu)

Best Television Limited Series, Anthology Series or Motion Picture Made for Television: Baby Reindeer (Netflix)

Disclaimer (Apple TV+)

Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story (Netflix)

The Penguin (HBO/Max)

Ripley (Netflix)

True Detective: Night Country (HBO/Max)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Drama: Anna Sawai (Shogun)

Kathy Bates (Matlock)

Emma D’Arcy (House of the Dragon)

Maya Erskine (Mr. & Mrs. Smith)

Keira Knightley (Black Doves)

Keri Russell (The Diplomat)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Drama: Hiroyuki Sanada (Shogun) 

Donald Glover (Mr. & Mrs. Smith)

Jake Gyllenhaal (Presumed Innocent)

Gary Oldman (Slow Horses)

Eddie Redmayne (The Day of the Jackal)

Billy Bob Thornton (Landman)

Best Performance by a Female Actor in a Television Series – Musical or Comedy: Jean Smart (Hacks)

Kristen Bell (Nobody Wants This)

Quinta Brunson (Abbott Elementary)

Ayo Edebiri (The Bear)

Selena Gomez (Only Murders in the Building)

Kathryn Hahn (Agatha All Along)

Best Performance by a Male Actor in a Television Series – Musical or Comedy: Jeremy Allen White (The Bear)

Adam Brody (Nobody Wants This)

Ted Danson (A Man on the Inside)

Steve Martin (Only Murders in the Building)

Jason Segel (Shrinking)

Martin Short (Only Murders in the Building)

Best Performance by a Female Actor in a Limited Series, Anthology Series or Motion Picture Made for Television: Jodie Foster (True Detective: Night Country)

Cate Blanchett (Disclaimer)

Cristin Milioti (The Penguin)

Sofía Vergara (Griselda)

Naomi Watts (Feud: Capote Vs. The Swans)

Kate Winslet (The Regime)

Best Performance by a Male Actor in a Limited Series, Anthology Series or Motion Picture Made for Television: Colin Farrell (The Penguin)

Richard Gadd (Baby Reindeer)

Kevin Kline (Disclaimer)

Cooper Koch (Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story)

Ewan McGregor (A Gentleman in Moscow)

Andrew Scott (Ripley)

Best Performance by a Female Actor in a Supporting Role on Television: Jessica Gunning (Baby Reindeer)

Liza Colón-Zayas (The Bear)

Hannah Einbinder (Hacks)

Dakota Fanning (Ripley)

Allison Janney (The Diplomat)

Kali Reis (True Detective: Night Country)

Best Performance by a Male Actor in a Supporting Role on Television: Tadanobu Asano (Shogun)

Javier Bardem (Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story)

Harrison Ford (Shrinking)

Jack Lowden (Slow Horses)

Diego Luna (La Máquina)

Ebon Moss-Bachrach (The Bear)

Best Performance in Stand-Up Comedy on Television: Ali Wong (Ali Wong: Single Lady)

Jamie Foxx (Jamie Foxx: What Had Happened Was)

Nikki Glaser (Nikki Glaser: Someday You’ll Die)

Seth Meyers (Seth Meyers: Dad Man Walking)

Adam Sandler (Adam Sandler: Love You)

Ramy Youssef (Ramy Youssef: More Feelings)