Crítica Cinéfila: Flow

Un gato se despierta en un mundo cubierto de agua, donde la raza humana parece haber desaparecido. Busca refugio en un barco con un grupo de otros animales. Pero llevarse bien con ellos resulta ser un reto aún mayor que superar su miedo al agua. Todos tendrán que aprender a superar sus diferencias y adaptarse a este nuevo mundo en el que se encuentran.

Sin ánimos de exagerar el asunto, hay una pureza en las grandes historias animadas que puede destrozar el corazón y luego volverlo a llenar. El cautivador segundo largometraje del director letón Gints Zilbalodis, "Flow", es ese tipo de maravilla, una aventura de supervivencia vívida y vivencial que se desarrolla en un mundo al borde de la ruina. Contada completamente sin diálogos, esta historia de un gato que evoluciona desde la autopreservación a la solidaridad con un grupo heterogéneo de otras especies es algo bastante especial.

"Flow" es una pieza de la aclamada ópera prima de Zilbalodis de 2019, "Away"; ambas son esencialmente películas mudas y ambas tienen una deuda con los lienzos pictóricos del maestro de la animación Hayao Miyazaki. La nueva obra coloca personajes diseñados en un estilo de dibujos animados clásicos en deslumbrantes entornos fotorrealistas, que a veces recuerdan los paisajes boscosos del artista danés Peder Mørk Mønsted. Las imágenes de la naturaleza brillan con luz y color, aunque la sombra del peligro nunca está lejos.

El gato que protagoniza la historia es un felino gris de género indeterminado que parece estar en algún punto entre la etapa de cachorroz y la madurez completa. Es inteligente y resistente, pero también asustadizo, una criatura pequeña en un bosque grande y aterrador, extrañamente salpicado de esculturas de gatos a gran escala, incluido un gato gigante que se eleva por encima de las copas de los árboles. Los andamios indican que es una obra que quedó sin terminar, una de las muchas señales a lo largo de la película de que la vida humana ha desaparecido.

Tras burlar a cinco perros que lo perseguían durante una persecución llena de suspenso, el gato descubre el origen de esas obras de arte en una cabaña aislada con un taller de tallado de madera. El animal entra por una ventana rota y rápidamente se acurruca en una cama para dormir.

Más tarde, el gato se aventura de nuevo al bosque y escapa por poco de ser pisoteado por una estampida de ciervos. A esto le sigue, segundos después, una inundación torrencial que arrasa el bosque con una fuerza devastadora. A medida que las aguas siguen subiendo, el gato sigue trepando a terrenos más altos y finalmente escala la escultura que domina el horizonte, trepando hasta la parte superior de la cabeza y luego hasta la punta de una oreja.

Lo que sigue es un viaje lleno de acontecimientos, con un ritmo acelerado y sin prisas, incluso en sus rápidos 86 minutos, que da espacio tanto para interludios emocionantes como para momentos más conmovedores. El gato se sube a un velero destartalado y navega por un río crecido, adaptándose gradualmente a los desafíos de este nuevo mundo acuático.

Los expresivos ojos de platillo del animal se abren con cada nuevo encuentro: un capibara que ladra una vez y luego se deja caer para dormir, sin representar ninguna amenaza; un lémur adquisitivo que recolecta afanosamente una serie de objetos brillantes en una canasta que guarda con irritación; un labrador dulce y no demasiado brillante separado de la jauría de perros; y un pájaro secretario que inicialmente parece una amenaza pero pronto se posa en la proa del bote, ocupándose principalmente de sus propios asuntos.

A medida que los bosques dan paso a una vegetación más tropical, los animales pasan por ruinas de lo que parece ser una gran ciudad antigua con un enorme anfiteatro que alberga una colonia de lémures, cada uno de ellos luciendo sus propios tesoros encontrados como accesorios.

Todos los animales del barco han cambiado a raíz de sus experiencias, con la excepción del capibara, que sigue siendo prácticamente el mismo grandulón y tranquilo durante todo el viaje. Incluso el labrador, que se desentiende de la mentalidad de manada de los otros perros, se vuelve más inteligente y más atento a la seguridad de sus compañeros de viaje.

Ninguno cambia más perceptiblemente que el gato; sus encuentros con la muerte probablemente superan en número a las nueve vidas estándar y su cohabitación con las otras especies fomenta un espíritu comunitario a diferencia de su comportamiento más distante y circunspecto anterior en la historia.

Se trata de una película maravillosa para niños, un ejemplo de la relación de intercambio que existe entre la amistad y la importancia de la confianza mutua, que se integra de forma orgánica en la narrativa con claridad pero sin exagerar. No es menos una película para adultos, con sus cautivadoras imágenes y personajes llenos de encanto e individualidad. Hay un encantador elemento espiritual sutil, una emotividad que resuena profundamente con el destino de una gigantesca criatura marina o la salida celestial de un miembro del grupo del barco.

Zilbalodis y el director de animación Léo Silly-Pélissier evocan un mundo de libro ilustrado, prácticamente aniquilado por un desastre natural y ensombrecido por el espectro de la muerte, pero aún repleto de imágenes de una belleza impresionante. La animación en 3D reproduce los fondos forestales con texturas increíblemente vibrantes y las escenas submarinas son encantadoras, incluso cuando se teme por la vida del gato, un novato acuático. La estética visual está pulida, pero la película de alguna manera se las arregla para parecer a la vez técnicamente lograda y hecha a mano.

La atención al movimiento es extraordinaria, captada con una cámara elegante y controlada mientras el gato se desplaza a toda velocidad por el bosque. El detalle de los personajes es claramente el resultado de un estudio exhaustivo del comportamiento y la fisicalidad de cada animal; parece especialmente seguro asumir que el equipo creativo pasó incontables horas viendo videos de gatos, sin duda el mayor regalo de la era de Internet.

La banda sonora de Zilbalodis y Rihards Zal pasa de pasajes magníficos de melodías percusivas a pasajes de cuerdas conmovedoras, al mismo tiempo que la narrativa entrelaza observaciones humorísticas con momentos de gran ansiedad o tragedia. "Flow" es una experiencia placentera, pero también una historia profundamente conmovedora, obra de un talento único que merece estar entre los grandes artistas de animación del mundo.

Crítica Cinéfila: Moana 2

Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes. Secuela de "Moana".

Walt Disney ha tenido una relación extraña con las secuelas. Durante mucho tiempo, las secuelas de sus clásicos animados se subcontrataban en gran medida como producciones en baja escala presupuestal para televisión digital. Por otro lado, su película más exitosa hasta la fecha es Frozen II, que recaudó mil millones de dólares. Inside Out 2 también tuvo un gran logro durante su estreno de verano, recaudando casi 2 billones. Moana 2 ha tenido una travesía antes de llegar a la pantalla grande: comenzó como una propuesta de serie de televisión, antes de finalmente cambiar de rumbo y dar el salto a las salas.

Y gracias a Dios que lo hizo, porque esta calidad de animación merece cada centímetro de una pantalla de cine. Moana 2 es una nueva versión que va a lo seguro, y aunque mantiene la misma fórmula que la original, sigue siendo igual de encantadora y hermosa a la vista. El nuevo trío de directores David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller se mantiene fiel a la integridad de la historia de 2016: una aventura en el mar con la adolescente polinesia Moana (Auliʻi Cravalho) y su amigo semidiós tatuado que cambia de forma, Maui (Dwayne Johnson).

Ambientada años después de los eventos de la primera película, nos encontramos, como era de esperar, con una canción explicativa que nos hace mover los pies. Nos enteramos de que el pueblo ahora es exuberante y próspero después de que Moana lo rescatara de la perdición, y ella ahora es una celebridad, una "buscadora de caminos marinos" cuyo característico movimiento de cabello es imitado por sus superfans, entre ellos su escandalosamente adorable hermana pequeña, Simea (Khaleesi Lambert-Tsuda). Pero los ancestros siguen llamándola: su comunidad aislada necesita encontrar otros pueblos más allá del horizonte. Así que zarpa en un nuevo rumbo.

Moana sigue siendo una heroína muy atractiva, especialmente para las niñas, y Cravalho todavía tiene un impresionante conjunto de voces, especialmente en su nueva canción insignia 'Beyond'. El Maui de Dwayne Johnson deja un poco menos de impresión: su canción, 'Can I Get A Chee Hoo', no es exactamente la melodía pegadiza y agradable de 'You're Welcome' (esto quizás se debe a que Lin-Manuel Miranda, quien fue el compositor principal de la primera película, no regresó para la segunda película). Pero Maui y su anzuelo mágico siguen siendo el arma secreta de la franquicia: tan pronto que aparece en cámara como un tiburón de medio cuerpo, te estás divirtiendo. Sigue siendo el mejor papel de Johnson.

Esta vez Moana cuenta con mucha ayuda: además de viejos amigos (entre ellos su cerdo Pua, su gallo Heihei roba-escenas y un espíritu del océano antropomórfico, al estilo de Abyss), también se le une una nueva tripulación. Uno siente que estos personajes podrían haber tenido más que hacer en un formato televisivo, pero siguen siendo muy divertidos. Como la extravagante ingeniera de barcos Loto, la comediante Rose Matafeo en particular tiene un solo rápido, al estilo de Miranda, mientras que David Fane, habitual de Taika Waititi, tiene un buen papel como un granjero gruñón que no sabe nadar y odia las canciones. Incluso los Kakamora, con cabeza de coco, disfrutan de un arco emocional propio.

La canción sobre trabajar juntos, estar a la altura de la responsabilidad y el destino en movimiento como "What Could Be Better Than This?" y "Get Lost", son típicas de las películas modernas de Disney, al igual que la sensación de peligro estrafalario. Sin embargo, a pesar del peligro constante, no hay un antagonista directo aquí, aparte de una tormenta maldita; de hecho, el verdadero villano aquí es el mal tiempo y la constante necesidad de irse por lo seguro. Lo cual está bien, en realidad: deja más espacio para deleitarse con la mitología de fantasía oceánica increíblemente representada.

Se trata de una diversión animada de un estándar muy alto y una narración que se apoya en la fórmula sin depender de ella. Y, como en la primera película, hay una sensación de que Disney no busca repetir los errores del pasado, celebrando la cultura polinesia con sus rituales, bailes, cantos e historias arraigadas en la autenticidad. No se convertirá en mi película favorita de todos los tiempos, como lo logró la original, pero es repetible.

Crítica Cinéfila: Inside Out 2

Riley entra en la adolescencia y el Cuartel General sufre una repentina reforma para hacerle hueco a algo totalmente inesperado: ¡Nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco, con años de impecable gestión a sus espaldas (según ellos...), no saben muy bien qué sentir cuando aparece Ansiedad. Y parece que no viene sola. 

En "Inside Out 2", Riley ya tiene 13 años, lo que significa que está al borde de un cambio total en compañía de un nuevo conjunto de emociones. En la sede de su cerebro, suena una sirena (es la que vimos al final de la película anterior titulada Pubertad), lo que significa que es hora de que los trabajadores de renovación irrumpan en el lugar, derriben las paredes e instalen una nueva consola que pueda acomodar los incipientes sentimientos adolescentes de Riley. El quinteto original de Anger (Lewis Black), Sadness (Phyllis Smith), Fear (Tony Hale), Disgust (Liza Lapira) y Joy ( Amy Poehler ) todavía existen, pero ahora son "emociones reprimidas" empujadas al fondo de su mente. 

Personalmente, “Inside Out” fue la última gran película de Pixar. Me encantó “Toy Story 4” (2019) y “Buscando a Dory” (2016) fue irresistible de una manera que evocaba la magia de “Buscando a Nemo”, pero “Inside Out”, estrenada en 2015, fue posiblemente la última película en ser digno del nombre de Pixar en su pico visionario, deslumbrante y vertiginoso. Tuvo la audacia de construir un mundo entero dentro de la mente de Riley y convertir ese mundo (las emociones en conflicto, los buenos y malos recuerdos almacenados en canicas coleccionables) en una especie de parque de diversiones filosófico. “Inside Out” fue un entretenimiento deslumbrante, pero la película fue más allá de eso. Al deconstruir cómo funciona la personalidad humana, contó una historia conmovedora y profunda. La película no se trataba sólo de sacar a Riley de su depresión y nostalgia. Se trataba de lo que nos sucede a todos cuando dejamos atrás la infancia: la forma en que las ilusiones y la inocencia, el hermoso jardín de quienes éramos, deben desaparecer.  

“Inside Out 2” es igualmente de audaz en su imaginación innovadora como lo hizo “Inside Out”. Pero el director de la película, el veterano de la animación de Pixar Kelsey Mann (que hace su debut cinematográfico), y los guionistas, Meg LeFauve y Dave Holstein, aprovechan la brillantez lúdica de la película anterior y se acercan lo más que podríamos haber esperado a igualarla.

Las nuevas emociones del bloque son un equipo increíblemente divertido, desde la maliciosa Envy (Ayo Edebiri) hasta el resoplando Embarrassment (Paul Walter Hauser) y Ennui (con la voz de Adèle Exarchopoulos) como si fuera el Nico de la angustia adolescente. Pero la recién llegada clave, tan fundamental para “Inside Out 2” como lo fue Joy para la primera película, es Anxiety (Maya Hawke). Al principio, no sorprende ver que se la visualiza como un manojo de nervios andante, con un plumero de cabello naranja, ojos saltones, cejas que se mueven en el aire y una boca alargada y llena de dientes. Pero resulta que la ansiedad no es un manojo de nervios. Ciertamente es un manojo de nervios a flor de piel, pero lo único que hace es usar la ansiedad para hacer las cosas.

Es el verano previo a la escuela secundaria y Riley, que acaba de llevar al campeonato a su equipo de hockey de la escuela primaria, está a punto de pasar tres días en un campamento de hockey. Se sorprende cuando se entera de que sus dos mejores amigas, Bree (Sumayyah Nuriddin-Green) y Grace (Grae Lu), no asistirán a la misma escuela secundaria que ella el próximo año escolar. Pero el verdadero factor que está a punto de apoderarse de Riley es su deseo de formar parte de los Fire Hawks, el equipo de hockey de la escuela secundaria. La entrenadora del equipo dirige el campamento, por lo que es como una audición. Riley idolatra a la líder de los Fire Hawks, Valentina (Lilimar), con su actitud de estrella de rock y su mecha de pelo ardiente, y hará cualquier cosa para entrar en su favor.

En el campamento de hockey, la necesidad de Riley de impresionar a Valentina y a las demás chicas del equipo, a expensas de cualquier otra cosa (como abandonar a sus buenas amigas que, erróneamente, cree que la están abandonando), se convierte en el impulso que define su existencia. Y ahí es donde entra en juego la ansiedad. El personaje, expresado con estilo juguetón por Maya Hawke, bien podría haberse llamado Cálculo con cafeína o Deseo de pertenecer o FOMO de escalada social obsesivo-compulsivo. En “Inside Out 2”, la forma que adopta Anxiety (las cosas que ella empuja a Riley a hacer) equivale a un estado de existencia basado enteramente en salir adelante, en decir las cosas que crees que los demás quieren escuchar, en reemplazar la alegría del momento con miedo al futuro (o en lo que podría convertirse si no prestas atención a tu ansiedad y no planificas para ello).

Mientras todo esto sucede, lo que está sucediendo en el cerebro de Riley es que la Anxiety, enfrentándose a Joy y las otras cuatro emociones primarias, está involucrada en nada menos que una guerra por el sentido de sí mismo de Riley. Como adolescente, Riley no sólo tiene emociones o islas de identidad (La Isla de la Familia se ha vuelto notablemente más pequeña) sino todo un Sistema de Creencias, que consiste en pensamientos en su mayoría reverentes (“Soy una muy buena amiga”, “Soy una ganadora”) que se representan como rayos de luz que se disparan hacia el cielo. Es por eso que Anxiety, para montar su toma hostil de la personalidad de Riley, tiene que hacer algo más que simplemente transportar a Joy y su tripulación a la Bóveda en el fondo de la mente. Tiene que reemplazar un sentido de sí misma por otro. Las creencias de Riley ahora tienen que ser cosas como "¡Si soy un Fire Hawk, habré ganado!" o "¡Mientras nos guste lo que a ellas les gusta, tendremos todos los amigos que necesitamos!". La batalla emocional gira en torno a una pregunta a la vez actual y metafísica: ¿Riley quiere ser ella misma o quiere ser quien los demás quieren que sea?    

“Inside Out 2” es una fábula transportadora sobre el deseo de encajar, de ser validado por el Cool Culture que es, cada vez más, el sello colectivo de aprobación y éxito. Y si bien la película es un encantador viaje animado del espíritu (esté preparado para ayudar a salvar el verano en la taquilla), también puede ser la historia más perspicaz sobre los enigmas de la adolescencia temprana desde “Eighth Grade”.

La película no siempre es tan tremendamente divertida como la primera “Inside Out”, porque carece de ese factor sorpresa primordial. Sin embargo, está lleno de momentos de delicioso descaro. Hay una gran escena en la que Valentina le pregunta a Riley cuál es su banda favorita, y después de que ella comete el error de mencionar la banda de chicos poco modernos Get Up and Glow, Ennui se acerca a la consola de Riley para crear una nueva característica geológica del cerebro: un "Sar-chasm". Hay un personaje de televisión chiflado de la juventud de Riley, el Bloofy (Ron Funches) dibujado a mano, que tiene una riñonera que agrada al público llamada Pouchy (James Austin Johnson) que salva el día, y está la aparición ocasional de una emoción que Riley todavía es demasiado joven para experimentarla, Nostalgia (June Squibb), hilarantemente imaginada como una delicada viuda con una taza de té.

“Inside Out 2” marca un regreso creativo triunfante para Pixar, logrando lo que este estudio, en sus mejores momentos, ha hecho mejor que nadie: encontrar el punto óptimo que fusiona la mirada de niños y adultos. La película trata realmente sobre las microdecisiones que todos tomamos para esculpir nuestra personalidad. ¿Permitiremos que nuestra ansiedad sea mayor que nuestra alegría? ¿Permitiremos que nuestra necesidad de pertenencia abrume lo que somos? La película responde a eso de una manera lo suficientemente embriagadora como para dejarte ansioso por otra secuela, una que registre la tormenta dentro de Riley a medida que crece.

Crítica Cinéfila: Scoob!

Scooby y la pandilla enfrentan su misterio más complicado: un complot para liberar al perro fantasma Cerbero contra el mundo. Mientras corren para detener el apocalipsis perruno, el grupo descubre que Scooby tiene un épico destino que nadie sospechó nunca.

Poco más de 50 años después de su debut en la televisión del sábado por la mañana en Scooby-Doo, Where Are You!, los cuatro detectives adolescentes de Mystery Inc. y su compañero canino gran danés regresan con otra misión llena de acción para combatir el crimen. Scoob!, recientemente renovado con animación digital, reinicia la propiedad venerable al expandir su universo cinematográfico, uniendo una variedad de caricaturas de la extensa biblioteca Hanna-Barbera, ahora propiedad de Warner Bros.

La decisión del estudio de cambiar el lanzamiento de la película de los cines con pandemia cerrada a video premium puede representar en parte una estrategia para capitalizar el deseo del público confinado en el hogar de nuevos contenidos con una franquicia familiar. Cualquiera que sea el cálculo, Scoob! ofrece una distracción atractiva para las familias que todavía están atrapadas en el hogar (aunque algunas de las escenas pueden ser un poco intensas para los más pequeños), incluso cuando plantea otra prueba para la resistencia de las ventanas teatrales.

Después de innumerables episodios de dibujos animados, casi tres docenas de películas directas en DVD y dos películas de acción en vivo, los orígenes de la amistad entre el comelón Norville "Shaggy" Rogers (Will Forte) y su mejor amigo canino Scooby-Doo (Frank Welker) pueden haberse vuelto un poco confusos. De modo que este último reinicio ofrece una breve recapitulación, retrocediendo cuando el cachorro perdido Scooby apenas escapa de un roce con la ley después de robar comida de un café de Venice Beach, California.

Afortunadamente, encuentra al joven Shaggy, lo que desencadena una amistad de por vida basada en gran parte en su apetito compartido sin fondo. Un encuentro de Halloween más tarde esa noche con Fred (Zac Efron), Daphne (Amanda Seyfried) y Velma (Gina Rodríguez) presenta a los amigos recién unidos la emoción de la investigación después de descubrir una casa supuestamente embrujada que es solo el frente de un ladrón del vecindario (director Tony Cervone en un breve cameo). Su éxito inicial motiva a los niños a crear Mystery Inc. y lanzar sus carreras como detectives aficionados.

Las breves escenas iniciales enseñan una especie de retroceso a algunos de sus casos más populares, las primeras caricaturas de Hanna-Barbera Scooby-Doo, que a menudo presentan a los niños como investigadores paranormales, luego de sus improbables hazañas que desacreditan una variedad de engaños sobrenaturales perpetrados por delincuentes menores. Gran parte de la comedia era situacional, derivada de estas circunstancias a menudo tensas, así como los rasgos de personalidad específicos del equipo: la respuesta confiablemente cobarde de Shaggy y Scooby a cualquier amenaza percibida, los pasos en falso al peligro de Daphne o el análisis demasiado intelectual de Velma sobre sus adversarios. Sin embargo, en episodios posteriores, las historias se centraron cada vez más en apuestas más altas y villanos más amenazantes, confiando en gran medida en el humor verbal en lugar del físico para conducir la trama.

Scoob! se ajusta a este último patrón, que rápidamente se hace evidente a medida que los miembros de Mystery Inc. se reúnen para considerar convertirse en profesionales después de casi 10 años de investigación. Afortunadamente, la siempre ingeniosa Velma ha identificado a un posible inversionista: el empresario Simon Cowell. Parece que Simon tiene una alta opinión de los talentos del grupo, con la excepción de Shaggy y Scooby, a quienes insiste en cortar el trato, obligándolos a separarse de sus socios de toda la vida.

Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que sean recogidos por otro equipo de lucha contra el crimen cuando su ídolo de larga vida, el Halcón Azul (Mark Wahlberg) los arroja a bordo de su impresionante aeronave, apenas salvándolos de un enjambre de robots escorpiones malvados. Los peligrosos drones están al servicio del archi villano Dick Dastardly (Jason Isaacs), le explican el piloto de Falcon Fury Dee Dee (Kiersey Clemons) y el sabueso cibernético Dynomutt (Ken Jeong), quien también revela que su líder de superhéroes es en realidad Brian, el hijo del Halcón Azul original, ahora retirado. La tripulación recluta ansiosamente a Shaggy y Scooby para ayudarlos en una misión para evitar que Dastardly resucite el espíritu de Cerberus, el sabueso de tres cabezas que custodia el inframundo y obtener el legendario tesoro perdido de Alejandro Magno.

Fusionando hábilmente la historia de origen de la película con una aventura típicamente orientada a la acción, su guión incluye previsiblemente la característica con un exceso de incidentes. El poco tiempo de inactividad restante se dedica al conflicto de personajes que lucha por el humor, particularmente a expensas de Shaggy, Fred y el Halcón Azul. Sin embargo, la dinámica entre los miembros del equipo de Mystery Inc. permanece bastante intacta, y los roles femeninos en particular se registran con mayor claridad y confianza que en las interacciones pasadas. En parte, eso se debe a la creación de secuencias de comandos más dimensionales, así como a las actuaciones puntuales del elenco de voces, con Rodríguez sacudiendo la geek sin complejos de Velma y Seyfried encarnando a una Daphne suavemente genial. Como resultado, los chicos terminan pareciendo un poco cojos en comparación, particularmente considerando la interpretación bastante genérica de Zac Efron como Fred. Aunque Forte se apega a la caracterización clásica de Shaggy, incluso a su chillona vocalización, falta una cierta energía maníaca en la actuación. Como el único miembro del reparto que regresa de las entregas anteriores, Welker definitivamente cumple al evocar sin esfuerzo la lealtad y (des)confianza de Scooby-Doo, incluso si su enunciado a veces confuso puede ser difícil de seguir.

Como siempre, y recuperando la típica temática de "qué tan duradera es una amistad de infancia", Scoob! revive esos viejos sentimientos de niñez y se adaptan a nuestros tiempos. Es divertida, nostálgica e inteligente. Sirve para traer personajes añorados con la misma calidad, y demostrándonos que no todas las secuelas son innecesarias. Esta supo valorar cada segundo invertido. 

Crítica Cinéfila: Onward

Ambientado en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo. 

Erase una vez, Disney jugaba con los sentimientos de su audiencia. Pero aún así la gente sentía poca originalidad. Dedicó sus últimos dos años a revivir viejas historias, trayendo Toy Story 4 , Increíbles 2 y Buscando a Dory, y de vez en cuando creando historias originales, como Coco. De repente, llegó el 2020 y consigo trajo a Onward, reviviendo la vieja pregunta confiable: ¿todavía se mantiene la magia? La respuesta es muy satisfactoria.

El escenario de Onward es un reino de criaturas míticas que viven tanto como los humanos de hoy en día: la magia se ha ido prácticamente. Los unicornios se alimentan a través de contenedores de basura suburbanos, y aunque pueden galopar a 70 mph, el policía centauro conduce un automóvil, por poco práctico que sea.

De momento ya se sabe que va a ser una película de misiones. Incluso señala cómo no está tomando la ruta directa sino el "camino del peligro". Al igual que con lo mejor de la producción de Pixar, el viaje es tanto hacia adentro como hacia afuera (o hacia adelante). Nuestros héroes son dos elfos de piel azul: Ian, inseguro y maltrecho (con la voz de Tom Holland) y su hermano mayor, el ingenio lento Barley (Chris Pratt), cuyo conocimiento enciclopédico del saber mágico arcano podría ser útil. Su padre murió antes de que Ian naciera, pero dejó a los hermanos un extraño regalo para abrir en el cumpleaños número 16 de Ian: un hechizo para traerlo de vuelta por un día. Como cualquiera que haya visto el avance lo sabrá, el hechizo solo funciona a medias: solo trae la mitad inferior de su cuerpo. Y así los hermanos deciden salir con las piernas de su padre en busca de completar el hechizo y poder pasar las siguientes 24 horas con un padre que no los vio crecer.

Así, salieron a la carretera en la furgoneta de Barley, en una carrera contra el tiempo para encontrar lo que necesitaban: arrastrando las piernas de papá detrás de ellos como una mascota torpe. Inicialmente, lo de las piernas es desagradable; pero en el punto medio de la historia, el padre proporciona un alivio cómico novedoso, especialmente cuando los hermanos crean la mitad superior improvisada. Hay sorpresas y placeres en el camino: algunos surrealmente cómicos, algunos modestamente espectaculares, otros que podrían haber sido engañados de una antigua campaña de Dungeons & Dragons. Pero Onward se revela como algo más que una simple aventura para niños.

La historia se extravía astutamente en asuntos de relaciones masculinas, tanto fraternales como paternales. Los personajes de los hermanos se profundizan considerablemente a medida que descubren y revelan fortalezas y vulnerabilidades. En medio de la inevitable acción climática, la reunión con el padre se resuelve de una manera delicada, inesperada y silenciosa. En lugar de ofrecer lecciones clichosas, Onward se siente sincera y específica, y mucho mejor por ello, Por supuesto, el escritor y director Dan Scanlon perdió a su padre cuando tenía un año y no lo recuerda, y de ahí surge suficiente inspiración para hacer esta historia aún más real y cercana.

Se podría argumentar que aquí hay poco para las niñas y las mujeres, aunque hay papeles secundarios para la madre de los niños (Julia Louis-Dreyfus) y la mantícora afectada por la crisis de Octavia Spencer (una criatura león / dragón / escorpión alada). Pero si bien este tipo de relaciones a menudo se tratan en cuentos de hadas dirigidos por mujeres, para los personajes masculinos esto todavía es un territorio relativamente poco explorado. 

Debajo de los adornos de arte de fantasía amigables con los hermanos, Onward encuentra esa vieja magia de Pixar. El fin.

Crítica Cinéfila: Klaus

Un cartero es enviado a una ciudad congelada en el norte, donde descubre que Papá Noel está escondido. 

Muchos han hablado sobre el origen de la leyenda de Santa Claus. Recientemente, Sergio Pablos se inventó su propia versión con una historia inesperada y muy agradable para el hombre barbudo que entrega juguetes cada nochebuena. Sacudiendo la mayoría de los clichés en favor de una historia desde cero sobre cómo incluso la generosidad dudosamente motivada puede conducir a la alegría, contiene ecos de otros favoritos de temporada (como Grinch del Dr. Seuss) mientras está parado completamente por sí mismo. La animación bellamente diseñada llega en un buen momento  para Netflix, justo cuando el imperio de Disney comienza a trasladar todas sus creaciones animadas a su propio reino exclusivo: decir adiós a los clásicos para niños no será tan doloroso si Netflix puede encontrar y apoyar talento de animación de este calibre.

Escrito por Zach Lewis y Jim Mahoney de una historia original de Pablos, quien también escribió la historia que se convirtió en Despicable Me y Smallfoot. La película comienza en un lugar inesperado: la Royal Postal Academy en Noruega. Allí conocemos a Jesper (Jason Schwartzman), un niño mimado que solo es un cadete solo de nombre: su padre, que está a cargo del servicio postal de la nación, ha insistido en que aprenda el oficio familiar, pero es un fracaso absoluto en el trabajo. Como último recurso, su papá le da un ultimátum a Jesper. Lo está enviando a la remota aldea de Smeerenburg (en la isla de Svalbard, a medio camino entre el continente y el Polo Norte) para poner en marcha la oficina de correos desaparecida de la ciudad. Hasta que el joven no logre mover 6,000 cartas a través de su estación, no podrá regresar al lujo que ama.

Smeerenburg resulta peor incluso de lo que este joven protegido podría imaginar: es un páramo cuyos residentes se odian entre sí, donde las peleas violentas son la única forma de interacción social. Es una especie de infierno que Grinch apenas podría haber imaginado para Whoville, y a los dos clanes principales de la ciudad (Krums y Ellingboes) les gusta de esa manera.

Los forasteros con buenas intenciones se marchitan aquí, como la antigua maestra de escuela Alva (Rashida Jones), quien finalmente convirtió su aula en una pescadería con la esperanza de ganar suficiente dinero para regresar a casa. La ahora cínica Alva hace un buen papel instruyendo a Jesper, cuya autocompasión es de una variedad enérgica e inteligente que debería jugar especialmente bien con precoces preadolescentes. Pero también le lleva poco tiempo volverse desesperado: en ninguna parte de esta isla de perros guardianes amenazantes y sabotaje de vecinos puede encontrar a alguien que quiera enviar una carta a alguien más. Lo más cercano que puede encontrar es el triste dibujo de un niño de sí mismo en un ático solitario, que se ha volado por su ventana, es una misiva enviada involuntariamente, sin destinatario.

Pablos y compañía disfrutan el viaje, y, sin disimular, se mueven lo suficientemente deliberadamente como para que los espectadores se deleiten al ver cómo encajan las piezas. Aprendemos que hay un hombre en el bosque (JK Simmons), un carpintero cuyas cuchillas afiladas asustan al joven Jesper. Parece que no hace juguetes para nadie, solo perfecciona sus habilidades de carpintería, o tal vez el pasatiempo es una forma de superar un viejo dolor. Antes de que Jesper aprenda alguno de los secretos del Sr. Klaus, tiene que inventar una razón para que cientos de niños escriban las cartas que les permitirá ganarse sus juguetes.

La versión suavemente revisionista de la película sobre la leyenda de Santa Claus se complementa perfectamente con su estilo visual, que combina personajes y escenarios que podrían haber sido diseñados hace medio siglo con técnicas modernas. Los animadores aprovechan la capacidad de las computadoras para convencer la profundidad y el movimiento, pero mantienen una apariencia dibujada a mano en todo momento. Los diseños tienen una sensación universal de libro de cuentos, pero el ambiente de la ciudad sombría se ilumina considerablemente con la introducción de un elemento muy específico: un niño de una comunidad sami cercana usa los colores primarios de la ropa tradicional de esa cultura, y su gente tendrá una gran parte para jugar una vez que el carpintero toma en serio su operación de entrega de regalos.

Además de uno o dos momentos en el tercer acto donde, comprensiblemente, la película aterriza más de lo necesario en puntos emocionales, los mayores pasos en falso de Klaus están en las tres escenas donde la música de los géneros contemporáneos enturbia la atmósfera intemporal. Aunque nunca distraen mucho, estas señales musicales serán dolorosas si, como podría suceder, Klaus se convierte en algo que las familias se encuentran viendo en décadas.

Pero lo que realmente les ganará el corazón de todos es cómo la historia toma todas las leyendas y detalles sobre el místico personaje y lo adecúan a las aventuras de la película. Está tan bien contada que solo nos queda disfrutar cada segundo, reír con las locuras de los personajes y sus líneas tan irónicas, y llorar de nostalgia al recordar una buena niñez que ya no será.

La película se enfoca mucho en dejar atrás los problemas del pasado para dar apertura a las oportunidades del futuro, pero a la vez, también se enfoca en el perdón, la compasión y el dar sin pensar en que recibir, sobretodo en las escenas cuando se ven los dos bandos cediendo poco a poco al cariño mutuo. La magia no faltará pero lo que estaremos esperando con ansias es esa gran frase al final donde cae la tímida lágrima sobre la amistad y el diferenciar entre las inocencias infantiles y las nostalgias de adultos.