Crítica Cinéfila: Chespirito, Sin Querer Queriendo

'Chespirito: Sin querer queriendo' es la historia de un hombre que lo sacrificó todo en la búsqueda por ser amado y reconocido y convertirse en un éxito del entretenimiento. Esta bioserie permite conocer a lo largo de más de tres décadas (desde los años 50’s hasta principio de los 80’s) la magia e inspiración de donde surgen los personajes icónicos de las series El Chavo y El Chapulín Colorado. 

Chavo, Chapulín, Chespirito... no importa cómo lo haya conocido, el sentimiento de cariño, nostalgia y hasta tristeza le invaden a cualquier persona que vea la serie de HBO Max "Chespirito" y que haya crecido viendo a los personajes de Roberto Gómez Bolaños. Por 50 años, este genio estuvo activamente creando múltiples proyectos con el principal objetivo de hacer reír a su público. Esto resultó en 690 episodios de televisión, 20 películas, 3 obras de teatro, 3 telenovelas y 3 libros. Más allá de los chismes que ha ocasionado la bioserie sobre su vida, la serie sirve como un análisis de un personaje fundamental para la cultura popular de la segunda mitad del siglo XX en el continente americano.

"Chespirito: Sin querer queriendo" es una miniserie basada en la vida personal y profesional de uno de los más grandes creativos de la televisión mexicana. Roberto Gómez Bolaños (interpretados por Dante Aguilar, Iván Aragón y Pablo Cruz respectivamente) pasó su juventud soñando con escribir e interpretar comedia física como Charlie Chaplin y Buster Keaton. Pero su madre (Karina Gidi) no le apoyó, temiendo que su futuro fuera tan difícil como el de su difunto padre y artista Francisco Linares (Roberto Gómez Fernández). No obstante, en la década de 1950, el compromiso de Gómez Bolaños con el oficio y su disposición a correr riesgos lo ayudaron a pasar de ser un trabajador de fábrica y el fundador de un club de actuación local a convertirse en redactor publicitario para un medio relativamente nuevo llamado televisión. 

Pronto hizo la transición a la escritura de guiones, lo que le valió lograr su nombre artístico de 'Chespirito' (un juego de palabras con el nombre 'Little Shakespeare') gracias a su talento e ingenio rápido. Mientras Chespirito forjaba una carrera como guionista y productor, también presentaba ideas originales para programas basados en personajes que creaba a sus jefes con la esperanza de que fueran elegidas, lo que le daba la oportunidad de tener mayor control creativo y ganar más dinero para mantener a su paciente esposa Graciela Fernández (Paulina Dávila) y a sus seis hijos. Hubo muchas decepciones en el camino, pero para 1973, Chespirito creó y protagonizó con éxito las ahora clásicas series El Chapulín Colorado (1973-1979) y El Chavo (1973-1980), convirtiéndolo a él y a sus compañeros actores en figuras reconocidas. El éxito profesional es maravilloso, pero la presión constante por crear nuevas ideas para historias y mantener a los talentos contentos requiere muchas horas de trabajo y crea situaciones que pueden descarrilar las relaciones fuera del estudio. Sin embargo, Chespirito nunca perdió su espíritu creativo y dejó un legado espectacular en el mundo del entretenimiento mexicano.

Roberto Gómez Bolaños y el fenómeno que representa trasciende lo supuestamente poco intelectual que representa y se eleva con sus situaciones filosóficas y autoanálisis sociales que posee. Como personaje mediático fue uno de los pilares de exportación en la industria mexicana. Un ejemplo en el que se puede ver reflejado lo que a nivel colectivo representó “Chespirito” y de manera especial su personaje del “Chavo del Ocho”, es la mirada social, la psique que como país y ciudadanos se tiene de uno mismo, incluso de forma individual. De algún modo representa un espejo de la madurez colectiva sin afán de sobre interpretar. La serie, con la producción de Roberto Gómez Fernández y de Bruce Boren, también es un reflejo de cómo funcionaba la industria de la televisión en décadas anteriores. Un medio siempre vinculado con el poder establecido. 

Por supuesto, no es una sorpresa que parte fundamental de la historia sea el triángulo amoroso del Chespirito con su esposa Graciela y su compañera de serie Florinda. Lo que sí es sorpresa es cómo los hijos de Roberto Gómez no mostraron sentimentalismo ni debilidad para mostrar el verdadero rostro imperfecto de su padre, obligando a la audiencia a separar el querido personaje del Chavo de su intérprete/autor. En adición a esto, cuentan la historia desde tres líneas de tiempo distintas: la historia detrás de cómo Chespirito se convirtió en quién hoy es y cómo creó sus famosas series, la producción del programa especial del Chavo en Acapulco, y los flashbacks de la niñez de Chespirito para entender de donde venían sus ideas.

Protagoniza la bioserie Pablo Cruz Guerrero, que está excepcional en el papel de “Chespirito”, Bárbara López en el rol de Florinda-Margarita Ruiz, Andrea Noli, Eugenio Bartilotti y sí, un gran elenco enfundado sobre todo en el cuadro de actores de Gómez Bolaños. Destaca el antagonista Juan Lecanda, como Marcos Barragán, pues sí en el inefable “Quico”. Las actuaciones son un punto fuerte de la serie, tanto por la exactitud en la selección de los talentos (no se puede negar el parecido sorprendente de Pablo Cruz con Roberto Gómez) como por sus interpretaciones y el trabajo de retratarlos en sus distintas formas y caracteres. 

Otro aspecto a destacar es todo el trabajo técnico que, no solo tenía la ardua tarea de retratar una época a través de la dirección de arte, vestuario y maquillaje, sino también debía mostrar los aspectos de cómo se veía trabajar detrás de cámara en un estudio, cómo se construían los escenarios que crean la magia de las producciones.

“Sin querer queriendo”, es una radiografía de una sociedad que desmitifica a sus ídolos populares y de una industria del entretenimiento que está lejos de tener la jugada de hace algunos años con novelas históricas, que tenían una razón política, toma historias de ídolos mediáticos y les saca jugo. Si usted no era fan de la serie que duró más de dos décadas en la televisión mexicana, seguro que hasta tendrá curiosidad de verla; es una manera de ver una época, cómo era la televisión antes y cómo lo es ahora.

Crítica Cinéfila: The Sandman, 2da temporada (1ra parte)

Destino convoca una reunión familiar de los Infinitos, incluyendo a Sueño, Muerte, Deseo, Desesperación y Delirio (con la notable ausencia de Destrucción). Delirio convence a Sueño para que la ayude a encontrar a Destrucción, lo que lleva a un reencuentro con su hijo Orfeo, de quien se había distanciado, y a una confrontación con los tabúes más profundos de los Infinitos. La primera parte también explora nuevos reinos, presenta una secuencia de comedia negra y terror con criaturas del reino de Sueño y se centra en la lucha de Sueño por el control y la evolución. Finalmente, Sueño se enfrenta a una serie de decisiones imposibles mientras intenta salvarse a sí mismo, a su reino y al mundo de la vigilia de las consecuencias de su pasado. 

“The Sandman” regresa a Netflix para una fracción de segundo y una última temporada; seis episodios se estrenan el 3 de julio y los seis posteriores se lanzan más adelante en el mes. Esto puede resultar un poco frustrante para los fanáticos de las maratones, pero esta nueva temporada posee temas profundos, desarrollos de personajes y rarezas increíbles más que suficientes para saborear y reflexionar durante las próximas semanas.

El semidiós Morfeo, del cómic de Neil Gaiman, también conocido como el Sueño del Infinito, es interpretado nuevamente con una profunda conmoción por Tom Sturridge. Tras recuperar sus atavíos mágicos y su místico reino onírico tras un largo encarcelamiento en la primera temporada, el amo de todos nuestros estados de sueño pasa gran parte de su tiempo dándose cuenta de que nunca ha sido una buena persona. En la segunda temporada, descubrimos cómo, a lo largo de milenios, ha decepcionado a sus hermanos, al amor de su vida, a su hijo y a su esposa con comportamientos que van desde la negligencia hasta lo atroz.

Morfeo lo intenta, pero no está preparado para hacerlo mejor. Tom Sturridge hace un excelente trabajo al mostrar cómo este ser distante, en general, no logra compensar sus deficiencias interpersonales, pareciendo constantemente al borde del llanto mientras lucha por mantener un espíritu que antes era complaciente. Es una interpretación minimalista y mesurada, como todo lo que el actor ha hecho con el personaje, y por ello aún más conmovedora.

Pero convertirse en un mejor hombre (de arena) es solo uno de los objetivos de Morfeo en estos episodios. Debe decidir quién gobernará el segundo reino más importante del universo entre contingentes rivales de dioses, demonios, hadas y conceptos personificados como el Caos. Si bien esta temporada se desarrolla más que la anterior en reinos imaginarios, Morpheo organiza operaciones reales en la Inglaterra shakespeariana, la Francia revolucionaria y un sórdido club de striptease de Filadelfia. Cada incidente tiene un tono distinto, lo que añade un agradable sabor a los sucesos de alta fantasía.

Como muchos mortales, los conflictos más persistentes de Morbius son con sus familiares. La inesperadamente cálida Muerte (Kirby Howell-Baptiste), el andrógino y siempre desagradable Deseo (Mason Alexander Park) y la alegre y miserable Desesperación (Donna Preston) regresan de la primera temporada. Los otros hermanos Infinitos que conocemos esta vez son el estoico y primogénito Destino (Adrian Lester); la excéntrica y quizás loca hermana menor Delirio (Esmé Creed-Miles); y Destrucción (Barry Sloane), cuyo gran corazón lo lleva a ausentarse de su reino y sus responsabilidades metafísicas.

Delirio convence a Sueño para que ayude a buscar a su hermano desaparecido. Esto ofrece lo más cercano a una trama dinámica en el Volumen 1, que se desarrolla en el Capítulo Seis, un resumen de las lecciones filosóficas, emocionales y morales de la narrativa que, como diría la cansada señora del Infierno, Lucifer Morningstar (Gwendoline Christy, maravillosamente tímida), son legión. El deber, el mito, qué es el amor, si la inmortalidad es una maldición, si Dios es un cretino o no… Si lo piensas, "The Sandman" aborda todas las cuestionantes filosóficas de maneras extrañas y maravillosas, a veces audazmente subversivas.

Al igual que con el protagonista, un sentimiento de arrepentimiento impregna todo el proceso. Pero no nos apresuremos a interpretar esta temporada como una especie de disculpa alegórica por el caso de conducta sexual inapropiada de Gaiman, creador de la propiedad intelectual, que ha sido noticia el año pasado. Los cómics originales, a los que la serie se aferra con relativa fidelidad, tienen tres décadas de antigüedad. Esta temporada estaba en plena producción cuando surgieron las acusaciones de agresión, y el cocreador de la serie, David S. Goyer, ha declarado que Gaiman no estuvo tan involucrado creativamente en la segunda temporada como lo estuvo en la primera. Además, el autor no se ha mostrado precisamente arrepentido en sus últimas declaraciones públicas.

Probablemente sea más seguro decir que esta generación es fruto del trabajo del showrunner Allan Heinberg y el director Jamie Childs, quienes dirigieron los 12 episodios, una rareza absoluta en la televisión. Realizan un trabajo impresionante al trasladar la fantasía, repleta de referencias, de los libros a acción real, conservando intacta toda su aterradora inteligencia. La belleza pesadillesca de las novelas gráficas también se aproxima y se nutre de un profundo sentido de la historia del arte. Hay influencias barrocas, góticas y surrealistas, por supuesto, con guiños específicos a los interiores de la Edad de Oro holandesa y los cielos de Munch. Desde Doré hasta Dalí, es probable que encuentres a tu artista misterioso favorito representado aquí.

Quizás las contribuciones más impactantes de Heinberg y Childs residan en el reparto. Los nuevos personajes, magistralmente encarnados y fantásticos, no solo incluyen las personificaciones de los Infinitos. Entre mis favoritos está el hijo de Dream, que resulta ser el legendario Orfeo, redobla la apuesta por el trágico destino que le asignaron los antiguos griegos. El actor irlandés Ruairi O'Connor domina lo que sin duda es el mayor reto actoral de la temporada, y fiel a los clásicos, posee la voz más hermosa de la serie. Entre los traviesos se encuentran el dios nórdico Loki (Freddie Francis, más viscoso e insidioso que la versión de Tom Hiddleston en Marvel) y Azazel (Will Coban), un despiadado señor demonio que literalmente contiene multitud de maldad dentro de sí; los efectos especiales de este personaje atormentarán a muchos. Puck se manifiesta tanto en versiones folclóricas británicas como en "Sueño de una noche de verano"; interpretado por el niño de "Juego de Tronos", Jack Gleeson.

Si los cómics sirven de indicio, algunos de estos personajes desempeñarán papeles importantes en los próximos episodios. Sin embargo, la mayoría de los arcos argumentales y temáticos iniciales se resuelven gratamente al final del episodio 6. El epílogo de la última hora, lleno de Destinos, nos recuerda que, sí, habrá problemas por aquello que hizo Dream. Quienes lo saben, lo saben, solo diré que hay razones de peso para que "Sandman" termine con la segunda temporada, que no tienen nada que ver con los escándalos de Gaiman.

Por ahora, disfrutemos de seis horas de una creación de mitos de primera categoría, llevada del cómic a la pantalla, que rivaliza con "Watchmen" o "The Boys" en complejidad, inteligencia y capacidad para capturar la imaginación. Es fascinante en el mejor sentido de la palabra, un sueño oscuro que satisface tanto que detestas llamarlo una pesadilla.

Crítica Cinéfila: Superman

En un mundo cínico que ha perdido la fe en la bondad, Superman lucha por reconciliar su herencia kryptoniana con su crianza humana en Smallville como Clark Kent. Mientras protege a la humanidad, encarna la verdad, la justicia y el estilo americano, desafiando una era que considera estos valores obsoletos. 

Las películas de cómics de James Gunn están llenas de humor irreverente y peculiares cambios de tono, pero en esencia residen en una sinceridad cautivadora y en la creencia en el poder de las personas para mejorar el mundo. Por eso, tiene sentido que el guionista y director de Guardianes de la Galaxia quisiera centrar su atención en el Hombre de Acero, el superhéroe más sincero y bondadoso de todos. El resultado es un personaje recargado e irregular que combina lo que resultaban sus atributos más admirables (tanto del personaje como del director) pero aquí se convierten en una película ambiciosa, a veces conmovedora, más extraña, nerviosa y reflexiva que la mayoría de las superproducciones.

Estrenándose el 11 de julio en todo el mundo, este lanzamiento de Warner Bros no es simplemente otro intento audaz de reiniciar la propiedad, que fue relanzada en "Man of Steel" de 2013 (670 millones de dólares), con Henry Cavill y, antes de eso, en "Superman Returns" de 2006 (391 millones de dólares), protagonizada por Brandon Routh. "Superman" también sirve como el primer capítulo en una nueva entrega del Universo DC del estudio que está siendo supervisado por Gunn y su socio productor Peter Safran. Claramente, mucho está en juego comercialmente, y el reinicio no cuenta con grandes nombres en el elenco, con el relativamente desconocido David Corenswet ahora interpretando al poderoso kriptoniano.

En esta versión de la historia, Superman (Corenswet) lleva tres años combatiendo el crimen en Metrópolis, convirtiéndose en una figura local venerada. Pero nadie sabe que también es Clark Kent, un reportero del Daily Planet que sale en secreto con su compañera de trabajo Lois Lane (Rachel Brosnahan), quien es la única que conoce su verdadera identidad. Sin embargo, este floreciente romance se ve interrumpido por la continua batalla de Superman con el multimillonario tecnológico Lex Luthor (un Nicholas Hoult, apropiadamente ególatra), quien no se detendrá ante nada para convencer al gobierno estadounidense de que este extraterrestre es una amenaza que debe ser erradicada.

Gunn tuvo un gran éxito con las tres películas de Guardianes , que recaudaron aproximadamente 2.500 millones de dólares en todo el mundo y celebraron a un adorable grupo de inadaptados que se convierten en una familia de facto. Con esa trilogía —y la infravalorada, sangrienta y vulgar "Suicide Squad" de 2021— Gunn logró aportar una sensibilidad de autor al cine de superhéroes, combinando un sentimiento sincero con un espectáculo magnífico y un impresionante sentido de lo bizarro.

Estas cualidades también aparecen en "Superman", pero a Gunn le falta la mano segura que trajo a esas películas anteriores. Parte del problema es que este reinicio arriesgado tiene una trama demasiado complicada que involucra un enfrentamiento mortal entre dos naciones ficticias, la belicista Boravia y la pacífica y superada en armamento Jarhanpur, y el plan de Luthor para desacreditar a Superman y poner al mundo en su contra. Además, Gunn presenta a varios superhéroes secundarios, incluido el arrogante Green Lantern (Nathan Fillion) y el irónicamente hilarante Mister Terrific (Edi Gathegi), quienes, inicialmente, desvían la atención de la historia de Superman, pero se vuelven cruciales para la narrativa central en los carretes finales. Al final, la atención de la película se aleja totalmente de Superman mientras que todos a su alrededor, hasta la mismísima Lois Lane, están tratando de salvar a Metrópolis.

Corenswet luce una modesta dulzura de niño como Superman, a quien Gunn imagina como un superhéroe modesto que carece de la infantilidad cautivadora que Christopher Reeve exudaba con cariño hace casi 50 años. Sin el carisma de Cavill en el papel, Corenswet interpreta al Hombre de Acero como un diligente luchador contra el crimen que quiere asegurarse de que ningún transeúnte salga herido durante sus épicas luchas. El recién llegado bajo el traje azul no es del todo cautivador, y los espectadores podrán entender por qué este Superman es algo que Metropolis da por sentado, es decir, hasta que atraviesa una serie de pruebas que desafiarán su imagen de sí mismo, para finalmente emerger como un héroe más seguro y asertivo. Para ello, Superman introduce un giro importante en los antecedentes del personaje, que no debería revelarse. Pero si bien la sorpresa es, al principio, manejada con torpeza, al final resulta bastante conmovedora. Gunn se especializa en marginados y fracasados y, de manera refrescante, encuentra una forma de ver a Superman a través de ese lente similar, pero aunque el director lo sabe manejar bastante bien, Corenswet no termina de llenar los zapatos del superhéroe.

El humor jocoso de la película es decididamente impredecible, y el énfasis en el revoltoso y adorable perro de Superman, Krypto, solo tiene resultados dispares. Pero donde otras películas de superhéroes parecen construidas por un comité, Superman lleva la huella de Gunn. Se puede apreciar en las extrañas y hermosas bestias que aparecen aleatoriamente, por no mencionar los magníficos estallidos de color de las imágenes y los psicodélicos mundos alternativos de la historia. Pero, lo más importante, se percibe en la inversión de Gunn en la bondad de Superman, que se convierte en un grito de guerra para los más cínicos que lo rodean, como la encantadora pero infrautilizada Lois Lane de Brosnahan.

Reeve sigue siendo el Superman por excelencia y Cavill seguirá siendo el rostro de toda una nueva generación; Corenswet ofrece al público una versión simpática y hasta ahí. Y además de los defectos de la película, él y Gunn tratan de humanizar al Hombre de Acero, sin negar la inquebrantable decencia y heroísmo que lo han mantenido en la memoria colectiva. Al final resulta una película que seguro entretendrá a los grandes fanáticos de su estilo cinematográfico, pero que no se convertirá en la referencia de superhéroe que quisiera llegar a ser.

Temporada de premios: Nominados a la VI Edición del Premio de la Crítica

 La Asociación Dominicana de Prensa y Crítica Cinematográfica (Adopresci) anunció los títulos postulados a la VI edición del Premio de la Crítica Cinematográfica, cuya ceremonia se celebrará el 7 de agosto de 2025 en el Centro Cultural Banreservas. Este evento cuenta con el respaldo de Banreservas, EGEDA Dominicana, la empresa Logomarca, la Dirección General de Cine y DBC Network & Studios.

Este galardón se ha consolidado como una referencia dentro de la industria cinematográfica local, otorgando a la crítica un espacio significativo por sus aportes tanto en el reconocimiento anual a lo mejor del cine dominicano como en las actividades de formación de públicos que realiza Adopresci, incluyendo cinefórums y conversatorios en colaboración con la Dirección General de Cine, la Cinemateca Dominicana, el Centro Cultural Banreservas y el Centro Cultural de España.

Esta premiación representa también el cierre de un año de intenso trabajo en la difusión de la cinematografía nacional. Desde nuestras plataformas y medios, así como en estrecha colaboración con nuestros aliados institucionales, hemos acompañado al cine dominicano en su recorrido, promoviendo la reflexión crítica y el reconocimiento de sus creadores.

La selección de los finalistas fue realizada por los miembros de Adopresci, quienes evaluaron todas las producciones dominicanas de ficción y documental estrenadas comercialmente durante el año 2024 en salas del país.

En la categoría Mejor Película de Ficción compiten Pérez Rodríguez de Humberto Tavárez, Boca Chica de Gabriela Moses, Insular de Héctor Valdez, La Grande de Tito Rodríguez y La Familia de Yasser Michelén.

En Mejor Documental, las obras candidatas son: El Fotógrafo de la 40 de Orlando Barría y Erica Santelices, Morena(s) de Vicky Apolinario e Iván de Lara, y Por eso vengo al río de Fernando Blanco.

Los aspirantes a Mejor Dirección son: Humberto Tavárez (Pérez Rodríguez), Gabriela Moses (Boca Chica), Héctor Valdez (Insular), Tito Rodríguez (La Grande) y Yasser Michelén (La Familia).

En Mejor Guion figuran como contendientes: Pérez Rodríguez de Humberto Tavárez, Boca Chica de Mariana Rondón y Marié Ugás, Aire de Leticia Tonos, Junior Rosario y Rodolfo Báez, La Familia de José Ramón Alama y La Cigüeña de Alejandro Andújar.

Los actores que optan por el galardón al Mejor Actor son: Joshua Wagner (Pérez Rodríguez), Alexis Díaz de Villegas (Insular), Richardson Díaz (Boca Chica), Héctor Aníbal (Las pequeñas cosas) y Vicente Santos (La Familia).

En Mejor Actriz se reconocen las interpretaciones de: Lizbeth Santos (Pérez Rodríguez), Andrea Doimeadiós (La Cigüeña), Paloma Palacios (Insular), Mariela Pichardo (La Grande) y Stephany Liriano (Pérez Rodríguez).

Los créditos en Dirección de Fotografía incluyen a: Sebastián Cabrera por Pérez Rodríguez, Insular y La Familia; Micaela Cajahuaringa por Boca Chica y Luis Enrique Carrión por Aire.

En Edición, figuran: Nacho Ruíz Capillas (Pérez Rodríguez y La Familia); Cecilia Delgado (Boca Chica), Nathalia Lafuente (Morena[s]), Rocío Gattinoni (El Fotógrafo de la 40).

Los trabajos destacados en Diseño de Producción corresponden a: Mónica de Moya (Pérez Rodríguez), Betty de la Cruz (La Grande), Jenn Calcaño (Boca Chica), Cristóbal Valecillos (Aire) y Giselle Madera (La Familia).

En Sonido, están en competencia: Fede Pajaro (Aire), Samuel Muñoz (La Grande), Gisela Fulla-Silvestre (Boca Chica), Sebastián Schumacher (Pérez Rodríguez) y Franklin Hernández (La Cigüeña). Los que integran la categoría de Musicalización son: José Torres (La Grande), Pablo Mondragón (Aire), Alex Mansilla, Axel Mansilla y Ernesto Paredano (Pérez Rodríguez), Adolfo Guerrero y Aliosha Michelén (La Familia), José Torres, Cresencio 'El Prodigio' García y Aneudy Lara (Boca Chica).

Para Mejor Elenco, las producciones destacadas son: Pérez Rodríguez, Boca Chica, El Trayecto, La Familia y La Grande.

Finalmente, Adopresci otorgará en esta edición un Reconocimiento Especial al Personaje de la Industria Cinematográfica, en este caso y de manera póstuma, al cineasta Agliberto Meléndez, por su inestimable aporte al desarrollo del cine nacional como director de Un pasaje de ida y figura pionera de nuestra cinematografía.

Aquí la lista completa de los nominados:

MEJOR DOCUMENTAL

EL FOTOGRÁFO DE LA 40 

 Orlando Barría y Erica Santelices

MORENA (S) 

Vicky Apolinario e Iván de Lara

POR ESO VENGO AL RÍO 

 Fernando Blanco

MEJOR PELÍCULA DE FICCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Gabriela Moses

INSULAR 

Héctor Valdez

LA GRANDE 

Tito Rodríguez

LA FAMILIA 

Yasser Michelén

MEJOR DIRECCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Gabriela Moses

LA GRANDE 

Tito Rodríguez

INSULAR 

Héctor Valdez

LA FAMILIA 

Yasser Michelén

MEJOR GUION

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Humberto Tavárez

BOCA CHICA 

Mariana Rondón y Marié Ugás

AIRE 

Leticia Tonos, Junior Rosario, Rodolfo Báez

LA FAMILIA

 José Ramón Alama

LA CIGUEÑA

 Alejandro Andújar

MEJOR ACTOR

Joshua Wagner – Pérez Rodríguez

Alexis Díaz de Villegas – Insular

Richarson Díaz – Boca Chica

Héctor Aníbal – Las pequeñas cosas

Vicente Santos – La Familia

MEJOR ACTRIZ

Lizbeth Santos – Pérez Rodríguez

Andrea Doimeadiós – La cigüeña

Paloma Palacios – Insular

Mariela Pichardo – La Grande

Stephany Liriano – Pérez Rodríguez

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Sebastián Cabrera

INSULAR 

Sebastián Cabrera

BOCA CHICA 

Micaela Cajahuaringa

AIRE 

 Luis Enrique Carrión

LA FAMILIA 

Sebastián Cabrera

MEJOR SONIDO

AIRE 

Fede Pajaro

LA GRANDE 

Samuel Muñoz

BOCA CHICA 

Gisela Fulla-Silvestre

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Sebastián Schumacher

LA CIGUEÑA 

Franklin Hernández

MEJOR EDICIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ

 Nacho Ruíz Capillas

BOCA CHICA 

Cecilia Delgado

LA FAMILIA 

Nacho Ruíz Capillas

MORENA (S) 

Nathalia Lafuente

EL FOTÓGRAFO DE LA 40 

 Rocío Gattinoni

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Mónica de Moya

LA GRANDE

 Betty de la Cruz

BOCA CHICA 

Jenn Calcaño

AIRE 

Cristóbal Valecillos

LA FAMILIA 

Giselle Madera

MEJOR MUSICALIZACIÓN

LA GRANDE

José Torres

AIRE

Pablo Mondragón

PÉREZ RODRÍGUEZ 

Alex, Axel Mansilla y Ernesto Paredano 

LA FAMILIA

Adolfo Guerrero y Aliosha Michelén

BOCA CHICA

José Torres, Cresencio 'El Prodigio' García y Aneudy Lara 

MEJOR ELENCO

PÉREZ RODRÍGUEZ  

BOCA CHICA  

EL TRAYECTO

LA FAMILIA

LA GRANDE

Crítica Cinéfila: Squid Game, 3ra temporada

Tras perder a su mejor amigo en el juego y quedarse sin esperanza por culpa del Líder, que ha ocultado su verdadera identidad para infiltrarse en el juego. Gi-hun continúa empeñado en poner fin al juego, pero el Líder planea su siguiente movimiento y las decisiones de los supervivientes derivan en consecuencias cada vez peores a medida que avanzan las rondas.

¿Qué tan sombrío puede ser “Squid Game” ? Al concluir la segunda temporada del sensacional drama de Netflix, nuestro héroe, Seong Gi-hun (Lee Jung-jae), se vio envuelto en su mayor fracaso. Tras reunir a sus compañeros contra las fuerzas que controlan los juegos, el líder (Lee Byung-hun) cambió el guion, llevando a Gi-hun a presenciar el asesinato de su mejor amigo ante sus propios ojos. Fue una decisión del creador de la serie, Hwang Dong-hyuk, que recordó a los espectadores que, a pesar de conocer lo que estaba en juego, Gi-hun está tan atrapado ahora como lo estuvo en su primera participación en los juegos. "Abandonen toda esperanza, los que entran aquí".

La temporada 3 dedica gran parte de sus episodios a la devastación, lo que hace que los primeros compases de la temporada final sean apropiadamente sombríos. Si bien la temporada 2 incluyó mucha preparación, esta nueva entrega se adentra en las consecuencias inmediatas de la rebelión fallida. Gi-hun y los demás protagonistas, como Lee Myung-gi (Im Si-wan), Kim Jun-hee (Jo Yu-ri), Dae-ho (Kang Ha-neul), Cho Hyun-ju (Park Sung-hoon), Jang Geum-ja (Kang Ae-shim), Park Yong-sik (Yang Dong-geun), entre otros, se ven arrastrados de nuevo al meollo del asunto. 

Si bien las frustraciones por un final en suspenso pueden haber molestado a la audiencia al final de la segunda temporada, el enfoque dividido y el aumento general en el número de episodios dan sus frutos. De forma similar a cómo el comienzo de la temporada pasada subvirtió las expectativas de la audiencia sobre los juegos que podrían jugarse, este bloque de episodios se beneficia una vez más de que el espectador no sepa qué está por venir. Cada interacción entre los personajes adquiere un tono significativamente más serio a medida que "Squid Game" se acerca a su conclusión, un impacto que se hace aún más poderoso por el hecho de que Dong-hyuk deja de lado activamente a Gi-hun durante las primeras horas para dedicarse al reparto secundario. Es una decisión muy efectiva, que encaja a la perfección con las crecientes apuestas de los juegos de las últimas rondas. El efecto infunde a la serie una nueva sensación de desesperanza. ¿Recuerdan lo aplastante que fue el juego de canicas en la primera temporada ? Un episodio temprano de la tercera temporada logra superar eso, con un efecto absolutamente desgarrador.

Sin embargo, hay algo de luz; después de todo, esto es la serie al final de este oscuro túnel. A medida que avanza la temporada, Dong-hyuk explora las relaciones familiares con un efecto sorprendentemente emotivo. Este elemento siempre ha estado presente en la serie, pero el concepto de lo que padres e hijos se deben mutuamente se convierte en una parte crucial de la trama y, por ello, enriquece aún más la serie. Parte de esa elevación se debe a la actuación de Lee Jung-jae. El recuerdo de su fracaso como padre siempre ha sido una gran preocupación para Gi-hun, y sin revelar mucho, la posibilidad de cierto nivel de redención personal ayuda a elevar la ya superlativa actuación de Lee Jung-jae a otro nivel. Su trabajo, especialmente en el quinto episodio, es mágico.

Lo que sigue siendo menos convincente son las tramas de Hwang Jun-ho (Wi Ha-joon) y Kang No-eul (Park Gyu-young), que no ofrecen a ninguno de los personajes mucho que hacer más allá de sus tramas existentes de la primera mitad de la temporada. Ambos se encuentran prácticamente atrapados en la misma rutina: intentar escapar en el caso de No-eul o encontrar la isla en el caso de Jun-ho. El resultado final es que estas tramas se estancan hasta el episodio final, resolviéndose de maneras que no son ni de lejos tan impactantes como la narrativa principal. Además, entrelazar sus tramas diluye la fuerza y ​​el impulso de los juegos, estancando la tensión en lugar de aumentarla. Lo mismo ocurre con la inclusión de una nueva ronda de VIP, cuya naturaleza, similar a un coro griego, se convierte en un vehículo para reiterar lo obvio en lugar de ofrecer algo nuevo o revelador a los procedimientos.

Cuando "Squid Game" profundiza en sus momentos intensos, la serie demuestra que aún es más que capaz de crear una historia trágicamente cautivadora que logra entretener y conectar emocionalmente con sus personajes. La serie de Dong-hyuk reinventó y revitalizó el género Battle Royale con resultados extraordinarios. Claro, la intensidad es una característica, no un defecto, pero se combina con personajes fuertes y visuales cautivadores que perduran. La tercera temporada continúa esta tradición, ofreciendo un final especialmente impactante.

"Squid Game", en sus momentos finales, dice que mientras la vida continúa, encontrar la manera de mejorar las vidas que nos rodean en el contexto de la gran máquina en la que estamos atrapados vale los sacrificios necesarios para hacerlo posible. La serie logra encontrar un rayo de luz en medio de tanta desolación. En una realidad tan difícil, esa victoria vale todo el dinero del mundo.

Crítica Cinéfila: F1

Sonny Hayes fue el fenómeno más prometedor de la Fórmula 1 en la década de 1990, hasta que un accidente en la pista acabó prácticamente con su carrera. Treinta años después es un piloto nómada a sueldo al que contacta su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes, propietario de un equipo de Fórmula 1 al borde de la quiebra. Rubén convence a Sonny para volver a la categoría reina del automovilismo y tener una última oportunidad para salvar al equipo. Su compañero será el novato Joshua Pearce, el piloto estrella del equipo, que está decidido a imponer su propio ritmo.

Hace unos años, una serie de telerrealidad tensa y bien hecha llamada "Drive to Survive" sumergió a los espectadores en el mundo altamente competitivo y sorprendentemente dramático de las carreras de Fórmula 1. La serie, que se estrenó en Netflix en 2019, pero cobró gran impulso durante los primeros años de la pandemia de COVID-19, ayudó a popularizar el automovilismo en Estados Unidos. Ferrari, Mercedes y Red Bull no eran solo marcas de coches de lujo y bebidas con cafeína, sino equipos que competían agresivamente por los títulos de Grand Prix en todo el mundo. Mónaco, Silverstone, Bakú y Singapur no eran ciudades, sino formas de medir el progreso dentro de una temporada, que consistió en 24 carreras entre marzo y diciembre. Y Lewis Hamilton, Max Verstappen, George Russell y Charles Leclerc no eran solo personas, sino pilotos cuyos nombres cobraron mucho más significado a medida que los confinados hablaban con entusiasmo de sus vidas dentro y fuera de la pista. 

Parte de lo que hizo a "Drive to Survive" tan cautivador fue la profunda inmersión de los espectadores en este mundo desconocido y la representación del conflicto entre la búsqueda individual de la gloria y el éxito del equipo. Basta con unos pocos episodios para darse cuenta de que los pilotos no solo compiten con atletas de otros equipos; luchan con sus compañeros por distancias de apenas una décima de segundo. Joseph Kosinki comprende la emoción de esta tensión, y eso es lo que hace que "F1" sea tan emocionante. La película es una excelente incorporación a una sólida tradición de películas de automovilismo, desde "Rush" y "Gran Turismo" hasta "Ford vs. Ferrari" y, más recientemente, "Ferrari". 

Pero lo que distingue a "F1" de esas otras ofertas es la manera impresionante en que Kosinki entrelaza las realidades de la Fórmula 1 en su narrativa ficticia. Colaborando nuevamente con su guionista de "Top Gun: Maverick", Ehren Kruger, y el director de fotografía Claudio Miranda, el director da forma a una aventura de alto octanaje sobre el retorno de un piloto de deportes de primer nivel que alguna vez fue prometedor. El formidable elenco, liderado por un excelente Brad Pitt y un convincente Damson Idris, el equipo filmaron durante 18 meses en más de una docena de Grand Prix reales. Los protagonistas condujeron autos de carrera de F1 reales y, como en "Top Gun", Miranda y Kosinki experimentaron con qué tan lejos podían llevar la cámara para capturar con precisión la energía adictiva de vivir al límite. Hay escenas en F1 que colocan a los espectadores en el auto para traducir los sentimientos evocados por tal proximidad. 

Sonny Hayes, interpretado con una actitud despreocupada por Pitt, vive para conducir. Cuando conocemos al expiloto profesional, compite en las 24 Horas de Daytona, una carrera de resistencia en Florida. Tras asegurar el liderato, ayudando al equipo a alcanzar la victoria, Sonny, sin interés en el glamour ni la gloria, toma su sueldo y traza una ruta a Ensenada, donde una empresa busca pilotos.

Pero los planes de viaje por carretera del discreto piloto se ven frustrados al encontrarse con su viejo amigo y excompañero de equipo, ahora dueño de un equipo de Fórmula 1 en apuros. Reuben (Javier Bardem) le ruega a Sonny que sea el segundo piloto de su novato Joshua Pearce (un excelente Damson Idris) para que APXGP pueda ganar una carrera. Si no lo hacen, la junta directiva despedirá a Reuben y disolverá el equipo. 

Por supuesto, Sonny no está seguro de todo esto. Aún se recupera de un accidente casi fatal que puso fin a su carrera hace 30 años. Los recuerdos de aquella desastrosa carrera en España, evocados al azar y vívidamente por la ágil técnica de Stephen Mirrone, aún lo persiguen. Reuben recuerda ese momento, pero anima a su amigo diciéndole que aún lo tiene. A diferencia de Joshua, quien representa a una generación más joven de pilotos de F1, Sonny es maduro y posee una disciplina que podría serle útil. Tras un poco de insistencia, convincente y juguetona, Sonny acepta ayudar a Reuben. 

F1 sigue las experiencias de Sonny como piloto veterano que intenta recuperar su posición en un deporte muy diferente a lo que era en su época dorada. Además de la representación de las carreras por parte de Kosinki, algunos de los elementos más emocionantes de la F1 abordan las diferencias intergeneracionales entre Sonny y Joshua, a la vez que exploran la evolución del deporte. La Fórmula 1 siempre se ha basado en el dinero (los equipos suelen pagar medio millón de dólares a los pilotos para que compitan en carreras), pero como en muchos deportes, sus atletas también deben ser encantadores fuera de la pista para mantener su relevancia. A Sonny no le importa nada de eso, pero Josh no puede permitirse la misma actitud. 

Hamilton, el primer y único piloto negro de la Fórmula 1, ayudó a producir la F1 y aparece interpretándose a sí mismo en la película. Hay un momento conmovedor cerca del final, donde su personaje cruza brevemente la mirada con Joshua antes de una carrera, abordando sutilmente un tema clave de diversidad en el deporte. También parece un guiño al futuro, donde el acceso a la Fórmula 1 se vuelve menos prohibitivamente costoso y, por lo tanto, más inclusivo. 

El guion de Kruger aborda estos problemas. Reconocer y cuestionar esto habría aportado más matices a la relación entre Joshua y Sonny, que en cierto punto se inclina hacia arquetipos convencionales para mantener la historia. ¿Qué significa para esta pareja intergeneracional de desfavorecidos —el británico negro y el estadounidense, ambos ajenos a un deporte mayoritariamente europeo— trabajar juntos?

Aun así, Joshua cuenta con una sólida caracterización y hay escenas memorables entre el joven conductor y su madre, Bernadette. Ella protege ferozmente a su hijo, pero también reconoce cómo el ego de Joshua lleva a momentos inapropiados de discriminación por edad. A veces parece estar imitando a Deloris Jordan, interpretada por Viola Davis, en "Air". En una de las primeras escenas humorísticas, Bernadette obliga a Joshua a disculparse con Sonny por faltarle el respeto al conductor durante una conferencia de prensa. 

Sonny y Joshua chocan desde el principio porque sus similitudes son más profundas de lo que ninguno de los dos está dispuesto a admitir. Joshua posee una confianza que puede rozar la desfachatez. Ha trabajado duro para abrirse camino en este mundo, y parte de su actitud arrogante es autoprotectora. Idris canaliza estos elementos más sutiles de la personalidad de su personaje con una actuación que se basa en una fisicalidad discreta y una expresión facial más suave. Mientras Joshua despliega comentarios sarcásticos, sus ojos cuentan una historia marcada por el miedo. Sonny lo comprende, y a medida que los dos conductores se conocen, y él aprende a interpretar a Joshua. En general, Pitt interpreta al protagonista curtido como un vaquero rudo en el Salvaje Oeste de este deporte de lujo. Mientras que Joshua luce looks impecables de telas mixtas, como si acabara de salir de una pasarela, Sonny opta por diversas combinaciones de jeans rotos (vestuario de Julian Day). 

La mayor parte de "F1" narra cómo Sonny y Joshua transforman su hostilidad mutua en un sano espíritu competitivo. Su relación personal se desarrolla a través de hitos profesionales. Kosinki usa cada Grand Prix para avanzar en esta improbable amistad, así como para ayudar a los espectadores a comprender diferentes partes de la Fórmula 1. Las primeras carreras se tratan de los autos, la velocidad y el dinero. Sonny se familiariza con su vehículo y la ingeniera principal que lo construyó, Kate McKenna. Ella es la primera y única mujer en su puesto, y hay mucho en juego en el éxito o el fracaso de APXGP para ella porque, con razón, quiere demostrar que cualquiera que dude de ella está equivocado. También conoce al director del equipo, Kaspar, y a Peter Banning, un miembro de la junta entusiasta pero escurridizo.

Las carreras posteriores cambian el enfoque de lo mecánico a lo emocional, mostrando cómo cada miembro del equipo, desde los pilotos hasta los mecánicos, debe autorregularse y colaborar para obtener la mayor ventaja posible. En palabras de un personaje: «Lo lento es suave, y lo suave es rápido». Las escenas más impactantes de "F1", que cuenta con dos horas y media de duración, son estos momentos durante los fines de semana de carreras, cuando Kosinki integra su equipo ficticio con el real. Los aficionados reconocerán las apariciones de Verstappen, Leclerc, Carlos Sainz, Lando Norris y muchos otros pilotos. La emocionante banda sonora de Hans Zimmer sube la apuesta, añadiendo tensión a momentos ya de por sí emocionantes, como un piloto que toma una curva peligrosa en una pista resbaladiza o los mecánicos en boxes con apenas segundos para cambiar los neumáticos.

La impresionante maestría de estas escenas se extiende a la exploración de Kosinki de las diversas tecnologías, como los simuladores de carretera, utilizadas para ayudar a los pilotos a obtener ventaja. Claro que hay algunos elementos irreales en "F1", fragmentos que podrían sorprender a los más exigentes, pero la película no resulta menos dramática que la realidad.

Crítica Cinéfila: Elio

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra.

Si no has notado una tendencia particularmente molesta que se está apoderando de la industria cinematográfica últimamente, ten por seguro que los padres sí: ¿a dónde se han ido las películas infantiles? Algunos querrán camuflajear esta realidad con la excusa de películas como "Una película de Minecraft", remakes como "Lilo y Stitch" e incluso la reciente "Cómo entrenar a tu dragón", pero la cantidad no es su ficiente para el público. Estos ejemplos parecen mucho más orientados a los jóvenes adultos nostálgicos que a cualquier otro grupo demográfico. Claro, los niños podrían, en última instancia, conformar uno de esos cuatro cuadrantes tan importantes. Pero ¿ realmente están siendo tomados en cuenta suficiente a la hora de las realizaciones cinematográficas?

Ahí es donde Pixar suele intervenir, salvando el día tanto para padres como para niños. Aquellos de mi edad que prácticamente crecimos con estas películas, alimentados con una dieta constante de historias originales y emotivas que transformaron instantáneamente nuestra forma de ver el mundo que nos rodeaba, siempre encontramos alivio en este estudio. En nuestro momento más formativo de la vida, nada ayudó a definir nuestro gusto por las películas más que las hazañas de Woody y Buzz y la acción de Mr. Increíble. En cuanto a nuestros padres, cada chiste y complejo ritmo narrativo que volaba sobre nuestras cabezas terminaba manteniéndolos tan entretenidos como a nosotros. Aun así, casi exactamente 30 años de largometrajes es mucho tiempo para mantener un estándar imposiblemente alto. Incluso, sería justo preguntarse si quedaba algo más de magia en esa vieja lámpara saltarina.

Si "Elio" sirve de indicio sobre los rumores de la desaparición del estudio así como los de las películas infantiles en general, han sido muy exagerados. Como clásica historia de un desvalido, si alguna vez la hubo, la última película de Pixar viene con un historial accidentado de retrasos, cambios de dirección creativa, y una campaña de marketing (o la ausencia de ella) que podría describirse generosamente como "inexistente". Sin embargo, a pesar de todo lo contrario, esta aventura espacial se inspira en su entrañable personaje principal y exige no ser pasada por alto. En su mejor momento, "Elio" se siente como un Pixar clásico... y posiblemente su mejor película original desde "Coco" de 2017.

Puede que "Elio" tenga la mirada puesta en las estrellas, pero su comienzo es tan realista como cualquier película de Pixar anterior. Conocemos a nuestro protagonista de 11 años, con la voz del increíblemente emotivo joven actor Yonas Kibreab, en su punto más bajo. Encogido bajo una mesa de la cafetería de un museo aeroespacial local, Elio está claramente afectado por la muerte de sus padres fuera de la pantalla. Como un pequeño globo de ira y dolor sin procesar, hace lo que cualquier niño haría en su situación: aislarse de quienes lo rodean, obsesionarse excesivamente con sus obsesiones y saltar de un extremo emocional al siguiente. "Cohete" es la palabra clave, para eterno disgusto de su nueva cuidadora, la tía Olga (Zoe Saldaña), ya que su incesante pasión por el espacio se siente como una cuña que lo separa de una vida normal y equilibrada. Elio no tiene amigos, ha perdido a las dos únicas personas en el mundo que realmente lo entendían, y el vasto vacío del cosmos sólo parece recordarle lo profundamente solo que realmente está.

Todo este planteamiento podría parecer un poco torpe durante un primer acto ajetreado, pero las directoras Madeline Sharafian y Domee Shi (sustituyendo al director original Adrian Molina, quien aún conserva los créditos de codirección) hacen un trabajo excelente para mantener el rumbo. Al igual que "Buscando a Nemo" o "Up", "Elio" encuentra una forma desgarradora de abrir una ventana a la mente de Elio. Pronto se topa con una exposición sin abrir sobre la sonda espacial Voyager y se queda boquiabierto ante la idea de que tal vez realmente exista vida ahí fuera; y, de hecho, quizás un lugar al que realmente pertenece. La única lágrima de esperanza que corre por su mejilla dice mucho más que cualquier diálogo directo, y el primero de muchos montajes lo presenta rápidamente como el tipo de bicho raro adorable que solo desea ser abducido por extraterrestres y alejado de la miseria que conoció a tan temprana edad. Para entonces, estamos totalmente de su lado para lo que venga después.

Resulta ser una odisea espacial extravagante, visualmente deslumbrante y descaradamente loca hasta la médula. No pasa mucho tiempo antes de que Elio finalmente sea abducido (confundido con el líder de la Tierra) y arrastrado al Comuniverso, una colección, al estilo de las Naciones Unidas, de las mentes más brillantes y los embajadores extraterrestres más tolerantes de la galaxia, con excepción de un caudillo problemático, el temible Lord Grigon (un Brad Garrett con un papel perfecto). Inspirándose en una amalgama de influencias de la ciencia ficción, desde clásicos como "Encuentros en la Tercera Fase" y "ET, el Extraterrestre" hasta clásicos como "El Vuelo del Navegante" y "Contacto", "Elio" no tiene problemas para encontrar la alegría y el humor inherentes a ese asombro infantil. Pero al esforzarse por mostrar toda la complejidad emocional de Elio (al menos se sugiere implícitamente que podría estar en el espectro), la película demuestra ser capaz de abordar algunas de las secuencias de Pixar más emocionalmente desafiantes desde películas como "Finding Nemo", "Up" y "Inside Out". Solo al explorar con audacia algunos aspectos oscuros, "Elio" brilla con más fuerza.

Si la maravillosa y vívida concepción del universo de la película no basta para mantener a los niños entretenidos, con un auténtico caleidoscopio de colores y visuales futuristas, entonces la verdadera esencia de "Elio" casi seguro lo hará. El Comuniverso bien podría ser justo lo que Elio ha estado buscando desesperadamente desde siempre, y los ingenuosos extraterrestres que lo reciben como a uno de los suyos contrastan marcadamente con los niños que lo acosan a cada paso en el colegio o el campamento. Los intentos de Elio por convencer a los embajadores extraterrestres Helix (Brandon Moon), Tegman (Matthias Schweighöfer), Turais (Ana de la Reguera) y Questa (Jameela Jamil) de que es el ser humano más influyente de la Tierra bien valen el precio de la entrada y con frecuencia provocan algunas de las risas más fuertes de la película. Pero una vez que se le asigna la tarea de pacificar a Lord Grigon en una negociación diplomática para la historia, realizada a cambio de la membresía en el Communiverso, el tema central de "Elio" cobra protagonismo.

Por mucho que la película tenga en mente (y es mucho, ya que gran parte de "Elio" comparte la mentalidad de su protagonista), es la dinámica entre Elio y Glordon, el inocente hijo de Grigon, con aspecto de oruga, lo que se roba el espectáculo. Algunos de los mejores momentos de los 99 minutos de duración de la película provienen de la oportunidad que Elio y Glordon tienen de simplemente existir como niños, encontrándose en el entorno más genial posible, disfrutando de una camaradería y un afecto que solo puede desarrollarse entre quienes han tenido una crianza igualmente dolorosa. El guion, de alguna manera, encuentra tiempo y espacio para las aventuras cómicas de Elio y Glordon, una subtrama hilarante e inesperadamente ingeniosa entre Olga y un Elio clonado en la Tierra, e incluso algunas verdades contundentes sobre niños que lidian con las abrumadoras expectativas de sus figuras paternas. Antes de que nos demos cuenta, "Elio" ha alcanzado un crescendo apasionante sobre lo que "hogar" realmente significa para personas sin hogar como Elio y, como sucede con lo mejor de Pixar, sirve de desafío a cualquiera que salga de la película con un solo ojo seco.

Para cuando todo arranca a la perfección, ni siquiera las grietas más evidentes pueden desbaratar demasiado "Elio". Como ocurre con cualquier intento de rescate obvio, ciertas subtramas y conceptos previamente introducidos se quedan en el olvido como vestigios de borradores anteriores. (Para un divertido ejercicio después de la película, revisen los primeros avances y vean cuánto ha cambiado con los años). El ritmo frenético puede mantener a los niños enganchados, pero los padres apreciarán las secuencias en las que "Elio" pausa y permite al público disfrutar del silencio: ideas complejas, conversaciones emocionalmente desafiantes y las maravillas que nos rodean, y que a menudo pasamos por alto. No todos los días vemos una película animada con una escena de acción que gira en torno a los peligros de los desechos espaciales orbitales alrededor de la Tierra... pero estas travesuras extravagantes y geek son precisamente lo que distingue a "Elio" de tantas producciones recientes.

¿Han vuelto las películas infantiles? ¿Pixar está a punto de regresar a su época dorada de principios de los 2000? "Elio" opta por una visión del mundo más específica y personal, una que podría dejar a padres e hijos mirando el cielo nocturno con una perspectiva completamente nueva.