Crítica Cinéfila: Weapons

Cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su desaparición.

A medida que pasan los años, y a pesar de ser uno de mis géneros favoritos, el terror se ha convertido en una experiencia monótona y redundante. Así que, cuando una película como "Weapons" surge de las sombras y me hace gritarle a la pantalla, reírme nerviosamente y sentirme genuinamente estresada de principio a fin, no puedo evitar considerarla una especie de milagro.

Al igual que la película anterior del cineasta Zach Cregger, "Barbarian", "Weapons" es felizmente cruel, constantemente sorprendente, brutalmente divertida y completamente maldita. Sin embargo, mientras que "Barbarian" parecía tres películas unidas, esta está impresionantemente unificada. Incluso con una narrativa familiar basada en capítulos, logra ofrecer una pesadilla única y coherente. Esta estructura podría haber resultado exagerada en manos menos expertas, pero Cregger la utiliza con precisión para amplificar el terror, la tensión y la carga emocional, segmento por segmento, cuidadosamente calibrado.

"Weapons" ofrece una narrativa de terror multiperspectiva que gira en torno a un misterio central escalofriante: la repentina desaparición de 17 niños de una misma clase escolar en un tranquilo pueblo estadounidense, los cuales se levantaron exactamente a las 2:17 a.m. y salieron de sus casas. Mientras el dolor, la sospecha y la paranoia se extienden por la comunidad, la película sigue a una serie de personajes aparentemente inconexos cuyas historias revelan gradualmente una verdad siniestra e interconectada. Con cada capítulo, el terror se profundiza, llegando a un clímax impactante y que desafía el género, como nunca antes había visto en pantalla.

Justine, interpretada por Julia Garner ("Ozark"), se encuentra en el centro de la enloquecedora tragedia del pueblo. Cada uno de los niños desaparecidos era parte de su aula, dejándola con la ira de padres confundidos y una comunidad que lucha por dar sentido a las piezas. Archer, interpretado por un Josh Brolin ("No Country for Old Men") perfectamente desconcertado, es el padre de uno de los niños desaparecidos y está ciegamente dedicado a descubrir la verdad, sin importar el costo. Alden Ehrenreich ("Solo") y Benedict Wong ("Doctor Strange") también interpretan a ciudadanos clave de Maybrook: un policía y un director de escuela, respectivamente.

A la sombra desgarbada de "Barbarian", uno se adentra a "Weapons" esperando giros bruscos. Y se obtienen. Pero lo que no se espera es lo emocionalmente destrozada que uno se siente al final de la trama. La historia encuentra su equilibrio a través de las vidas entrecruzadas de personajes como Justine y Archer, pero es la dinámica entre el joven Alex y su grotesca tía Gladys lo que realmente eleva esta película a dimensiones nunca antes vistas. Sus escenas son eléctricas, desconcertantes y sádicamente juguetonas. Cary Christopher, como Alex, es simplemente fenomenal. Su actuación incluso conmueve hasta las lágrimas durante un momento tranquilo pero poderoso de reconciliación. Cada vez es más raro que una película de terror aborde el trauma infantil con tanta originalidad, eficacia y autenticidad.

Todos los años, determinar cuál o cuáles han sido las mejores películas de terror se vuelve una tarea aún más compleka; sin embargo, "Weapons" es exactamente todo el menú de arquetipos clásicos del terror: confianza, crueldad y una rotunda negativa a tomar de la mano. No hay explicaciones excesivas. No hay exposiciones interminables. Simplemente un cineasta que confía en que su público le siga el ritmo. Una deliciosa noche de terror de un director que promete. Cregger entra en la estimada compañía de maestros del terror moderno como Ari Aster, Robert Eggers y Jordan Peele. 

Es importante que haga una pausa aquí, específicamente, para mencionar que Amy Madigan como Gladys es absolutamente aterradora. Ofrece una actuación curiosamente clásica, como si hubiera escapado de un grotesco cuento de hadas de los hermanos Grimm y se hubiera adentrado directamente en el mundo de Cregger. Es pícara y operística, pero nunca exagerada. Cary Christopher, de nuevo, está asombroso junto a ella en su camino compartido al infierno. 

Esta es una película perfecta o casi perfecta. Sus escenas de muerte se encuentran, con diferencia, entre los actos de violencia más grotescos y prolongados de la película. Aun así: brutal, impactante, original y grotescamente divertida a la vez, "Weapons" es un regalo de oro para el cine. Cregger se ha consolidado como una de las voces más emocionantes de la narrativa de género actual con esta película. Es original. Es una locura. Y es un don excepcional seguir sorprendiéndose como periodista de género hoy en día. 

Crítica Cinéfila: Materialists

El lucrativo negocio de una casamentera se complica cuando cae en un tóxico triángulo amoroso que amenaza a sus clientes.

¿Cómo habría sido "Sex and the City" si se hubiera presentado, a veces, como una comedia menos desenfrenada y un poco más realista? “ Materialists”, una encantadora y suntuosa historia neoyorquina de amor, dinero y citas, es la película que finalmente responde a esa pregunta. Es el segundo largometraje escrito y dirigido por Céline Song, autora de la melancólica y sublime “Past Lives”, y está protagonizada por Dakota Johnson como una matchmaker profesional, elegante y con un gran poder, y Chris Evans y Pedro Pascal como los hombres entre los que termina atrapada.

“Materialists” suena a comedia romántica, y sin duda la vende como tal. Sin embargo, la película es más bien una contradicción cautivadora: una comedia romántica con un toque de seriedad. Si bien es muy fácil imaginar la versión desenfadada de los 90 de esta película, “Materialists” no es para nada esa película. Es un drama romántico social, agudo y serio, lleno de observaciones reveladoras sobre cómo vivimos ahora y sobre cuán conectado está (o no) con cómo hemos vivido siempre. Y tiene un lado oscuro.  

La película se ambienta en la élite de la sociedad neoyorquina, donde la gente busca pareja que lo tenga todo: belleza, personalidad, buen gusto, altura (y eso es fundamental), ingresos anuales superiores a la media de seis cifras. Y la razón por la que este ambiente enrarecido libera la película, en lugar de encerrarla en un mundo pretencioso y detestable, es que permite que "Materalists" trate realmente sobre el dinero y las transacciones matrimoniales, o, mejor dicho, sobre cómo el amor y el dinero han llegado a bailar juntos.

Lucy (Dakota Johnson) es consultora de citas para Adore, una empresa que promete a cada uno de sus clientes: "Te casarás con el amor de tu vida". El servicio intenta cumplir esa promesa respetando la exigencia de los clientes y mimando su perfeccionismo. Después de cada cita, Lucy llama por teléfono a cada uno para ver cómo les fue, para calmar sus egos y para evaluar si es posible una segunda cita. Es un emparejamiento científico con un toque de terapia para sentirse bien. 

Adore no es una app de citas online, pero el servicio que ofrece refleja el cambio de conciencia que supuso este tipo de citas, que convirtió el paradigma del "romance" en un centro comercial interminable. Convirtió la búsqueda del amor en compras. Podría decirse que siempre fue así, pero quienes recordamos las citas antes de internet podemos dar fe de ello: no, no lo era (no como ahora). Sin embargo, aunque los clientes de Lucy, hombres y mujeres por igual, son prima donnas con estándares imposibles (los vemos en ingeniosos montajes) que intentan reunir sus "rasgos" ideales en un solo ser humano, hay una forma en que la película también mira hacia atrás: al espíritu de Jane Austen, que impulsó gran parte del género del "teatro de obras maestras" que prevaleció antes de la llegada de Internet, y a Edith Wharton, esa suprema cronista del amor y el dinero que es la novelista más importante de Estados Unidos debido a la profundidad con la que exploró la complejidad de los deseos de las mujeres.

Los diálogos de Celine Song rebosan ingenio y perspicacia, pero también fluyen; si se pudiera embotellar esa habilidad, Hollywood estaría a salvo. Y Dakota Johnson ofrece la actuación más contundente de su carrera. Lucy conecta de lleno con sus clientes (es una maestra de frases como «No eres feo, simplemente no tienes dinero»), pero el misterio de la película reside en lo que ella realmente cree y desea. En cierto modo, ella misma parece una trepadora materialista. Pero solo gana 80,000 dólares al año y sigue siendo buena amiga de su ex, el actor John (Chris Evans), quien sobrevive trabajando de camarero a tiempo parcial en un catering y aún tiene dos compañeros de piso que son unos fracasados. Suena cómico (y da lugar a una escena mordaz), pero Song no se deja llevar por los golpes bajos ni las risas fáciles. La falta de éxito de John es muy real, y también lo es el hecho de por qué se terminó su relación con Lucy. Vemos un flashback de su cita del quinto aniversario, y es un desastre vivido de mala planificación y tacañería. El mensaje es molesto pero contundente: en el romance, el dinero importa.

Evans está completamente despierto aquí, con una ira que hace que su ternura sea aún más atractiva. Y Pedro Pascal está impecable como un personaje que resulta ser el equivalente cinematográfico del Sr. Big de Chris Noth. Pascal, con un aspecto similar al de Burt Reynolds en sus días de bigote sexy, triunfa sin esfuerzo como el jefe de finanzas que milagrosamente parece ser tan bueno como se merece. Es lo que Lucy y el equipo de Adore lo llaman un unicornio: el hombre "perfecto" que toda mujer busca.

“Materialists” es una historia de amor en la era de la elección infinita y el control obsesivo, cuando las personas han llegado a creer que pueden escribir y diseñar sus propias vidas. La cirugía estética está presente en los intercambios pícaros de la película, y también en su trama (hay un procedimiento extremo, que cuesta varios cientos de miles de dólares, que existe en la vida real - para que el público reflexione). En el fondo, la película reconoce, sin decirlo abiertamente, que en la nueva era dorada de la aspiración, con el dinero cada vez más concentrado en la cima, el “romance”, para demasiadas personas, se está convirtiendo en una competencia por entrar en los estratos superiores (Cuando organizan una fiesta ritual en las oficinas de Adore para celebrar el noveno matrimonio de Lucy de dos de sus clientes, es como si estuvieran celebrando un experimento exitoso). Cada vez más, la percepción es que es todo o nada. Y que es su propia forma de corrupción.

En una comedia romántica clásica, la situación de Lucy se resolvería de una manera efervescente y un poco loca, y ese sería el placer del champán de todo. Pero "Materialists", en sus giros y vueltas culminantes, en realidad se topa con un pequeño dilema debido a su tono realista directo. Vemos con qué hombre pertenece Lucy y sentimos el tirón romántico entre ellos. Sin embargo, no hay esa loca carga de descubrimiento, y la película de hecho tiene que engañar un poco la situación del dinero. La película no te da una sobredosis de carga romántica. 

Crítica Cinéfila: The Sandman, 2da temporada (2da parte)

Dream intenta evitar su muerte inminente a manos de las Bondadosas, a la vez que lidia con las consecuencias de sus acciones pasadas, en particular hacia su hijo, Orfeo. 

Desde sus inicios, The Sandman ha sido una serie de televisión sobre dioses y leyendas que viven para siempre, o al menos mientras los mortales contemos sus historias; terminar una serie sobre "lo Infinito" no es tarea fácil. Por eso, es un logro impresionante que The Sandman concluya con algunos de los episodios más impactantes de toda su trayectoria, dando un cierre digno a una saga extensa y centenaria. Todos los coloridos reinos de fantasía y las extrañas criaturas que hacen de esta serie un deleite visual siguen presentes. Pero también hay momentos de serena reflexión, mientras humanos, demonios y deidades se preguntan: ¿Puede un dios morir de verdad?

El dios en cuestión es Dream (Tom Sturridge), quien terminó la primera parte de la segunda temporada tomando una decisión crucial: arriesgarse a la ira de las Furias mitológicas asesinando por piedad a su hijo, Orfeo. En la amalgama de mitología, religión y folclore de "The Sandman", existen reglas inquebrantables contra el derramamiento de sangre familiar. La segunda parte de la segunda temporada se basa en gran medida en la posibilidad real de que los días de Dream estén contados, ya que las diosas griegas de la venganza, conocidas eufemísticamente como "las Bondadosas", pretenden hacerle pagar por lo que ha hecho.

Los cinco episodios evitan en su mayoría los flashbacks y digresiones prolongadas que han sido un elemento básico de Sandman hasta ahora. La trama está más centrada y posee una fascinación oscura, similar a observar un desastre que se desarrolla lenta e inevitablemente. Una vez Dream se da cuenta de que las imparables Bondadosas están decididas a matarlo, empieza a hacer planes para defender su reino etéreo, "el Ensueño", mientras se prepara para la probabilidad de su muerte. Irónicamente, casi todas las decisiones que toma para intentar evitar la fatalidad la acercan a su puerta.

El reparto secundario de Sandman disfruta de muchos momentos juguetones en esta media temporada. Freddie Fox, como el caótico dios nórdico Loki, y Jack Gleeson, como el hada malcriada Puck, cobran protagonismo desde el principio, ya que sus personajes se unen para secuestrar a Daniel, un bebé nacido en el Sueño y elegido por Dream para ser su posible sucesor. Más adelante en la temporada, Jenna Coleman, como la cínica detective sobrenatural Johanna Constantine, y Boyd Holbrook, como la pesadilla ambulante Corinthian, colaboran para encontrar a Daniel y frustrar los planes de Loki y Puck. Su inesperada química romántica aporta un toque de dulzura a episodios que, de otro modo, estarían llenos de muerte y destrucción. Ann Skelly también destaca como Nuala, un hada modesta pero valiente que se esfuerza por reunir a diversas criaturas mágicas en defensa de Dream. El rico universo que The Sandman ha construido cuidadosamente a lo largo de sus dos temporadas realmente empieza a dar frutos en estos episodios, a medida que convergen las diversas historias y personajes.

Las estrellas invitadas del Volumen 2 aparecen principalmente en escenas donde se despiden conmovedoras, en una de dos circunstancias. O reciben la visita de Dream, quien intenta cerrar viejos asuntos por si acaso ocurre lo peor, o reciben la visita de las Bondadosas, quienes los masacran. No importa cuántas veces muera un personaje favorito de los fans de Sandman en estos episodios (y sucede con frecuencia), las muertes son impactantes.

Cada vez que el Rey del Sueño y sus hermanos, cada vez más enfrentados, intentan resolver viejos rencores y compensar errores pasados, la serie se vuelve emocionante y conmovedora. Ver a Dream viajar a través de múltiples reinos y eras, terrenales y de otras épocas, mientras interactúa con otros seres sobrenaturales que conocen la vida durante miles de años, le da peso a esta imaginativa y fantástica historia de terror. 

Las debilidades que plagaron la primera temporada y media siguen siendo evidentes hasta el final. Incluso mientras brujas ancestrales arrasan el Ensueño y varios mortales e inmortales con superpoderes siembran el caos en la Tierra, el tono de El Hombre de Arena permanece extrañamente apagado. La interpretación de Sturridge de Dream —de voz suave y pausada— tiende a marcar el ritmo de los actores que lo rodean, de maneras que pueden drenar la energía de una escena. Esta cualidad apagada se acentúa especialmente en el primer episodio de este volumen, "Tiempo y Noche", en el que Dream reacciona al darse cuenta de que su vida corre peligro inminente con largas, lentas y susurrantes conversaciones con sus padres, Padre Tiempo (Rufus Sewell) y Madre Noche (Tanya Moodie).

Aun así, la quietud del Hombre de Arena siempre tiene un propósito, por frustrante que pueda ser. Dream visita a Time y Night para lidiar con sus sentimientos sobre la muerte de Orfeo y con la forma en que su familia parece esforzarse por evitar mostrar afecto o compasión por los suyos. A medida que Sueño conversa con familiares y amigos como su hermana Despair (Donna Preston), su bibliotecaria Lucienne (Vivienne Acheampong) y su viejo conocido Hob Gadling (Ferdinand Kingsley), comienza a comprender que estar vivo conlleva responsabilidades que van más allá de las reglas que sigue; que las conexiones personales importan. Aunque estas escenas carecen de hechizos mágicos y monstruos gruñones, son emocionantes a su manera, porque las ideas que exploran tienen una verdadera resonancia, tanto en este mundo de fantasía como en el nuestro. Como mínimo, es reconfortante ver que incluso el distante y oficioso rey de los sueños puede empezar a ablandarse y cambiar.

Con una gran reunión en el penúltimo episodio, The Sandman completa apropiadamente la historia que ha contado desde el estreno de la serie. Comenzó con Dream en una jaula, aprisionado por humanos que esperaban explotar su poder. Tras escapar, Dream intentó restaurar su vida a como era antes, pero encontró poca satisfacción. A lo largo de estas dos temporadas, ha estado tratando de derivar un significado más profundo de su trabajo como creador de sueños, y todo este tiempo ha estado trabajando hacia la hermosa y profunda comprensión que alcanza aquí al final. Si los dioses perduran porque los humanos creen que los necesitan, tal vez la mejor manera de que entidades como Dream sean útiles sea aprovechar las fortalezas infravaloradas de la humanidad. Esa es una nota agradable y sutil para un final de serie tan lujoso y ambicioso.

Crítica Cinéfila: The Fantastic Four, First Steps

Ambientada en el vibrante telón de fondo de un mundo retro-futurista inspirado en los años 60, presenta a la Primera Familia de Marvel mientras se enfrentan a su desafío más terrorífico hasta la fecha. Obligados a equilibrar sus roles como héroes con la fortaleza de su vínculo familiar, deben defender la Tierra de un dios espacial voraz llamado Galactus y su enigmático Heraldo, Silver Surfer. Y si el plan de Galactus de devorar todo el planeta y a todos en él no fuera lo suficientemente malo, de repente se vuelve muy personal. 

Puede que aún falten años o décadas para un verano sin películas de superhéroes, pero al menos Hollywood parece dispuesto a lograr la Historia de Origen Cero. A pesar de un título que anticipa el debut de los personajes en el Universo Cinematográfico de Marvel, "The Fantastic Four: First Steps" se une a Superman y Thunderbolts de esta temporada como historias de superhéroes que cautivan al público, al menos en comparación con las versiones de los Cuatro Fantásticos de décadas pasadas. 

Un título informa a los nerds que todo esto ocurre en la Tierra-828, lo que explica el estilo retrofuturista de los años 60 y la ausencia de otros superhéroes visibles del UCM. Luego nos adentramos en un montaje de noticiero con aires expositivos que narra las muchas aventuras del científico elástico Reed Richards (Pedro Pascal), su esposa invisible Sue Storm (Vanessa Kirby), su fogoso hermano Johnny (Joseph Quinn) y su amigo de la familia, el monstruo de roca Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach), menos caritativamente conocido como La Cosa.

En general, sus apodos de superhéroes no tienen mucho protagonismo en esta historia, tan centrada en la familia que se vuelve casi extrañamente insular, con pocos personajes de los que hablar, y aún menos que no sean generados por computadora. Además de La Mole, una creación de efectos visuales maravillosamente impecable, y el asistente robot HERBIE (Matthew Wood), igualmente bien representado, los héroes se encuentran con un alienígena brillante conocido como Silver Surfer (Julia Garner), que llega a la Tierra para anunciar la llegada de Galactus (Ralph Ineson), una criatura enorme, divina y devoradora de mundos. 

Aunque Silver Surfer muestra cierta decencia cósmica oblicua bajo su brillante exterior metálico, Galactus parece ser una fuerza imparable e incognoscible, y el cerebrito Reed debe descubrir cómo proteger a su familia y al resto de la Tierra de esta amenaza inimaginablemente masiva. Cabe decir que algunos de los planes que idea no parecen obra de un genio de verdad.

Parecen, de hecho, restos de películas más pequeñas que precedieron a esta, anunciando el olvido. Específicamente, a pesar de un viaje al espacio y a través de algunos portales que dilatan el tiempo, en el papel First Steps es más o menos una nueva versión de "Fantastic Four: Rise Of The Silver Surfer" de 2007. Esa secuela de bajo costo gasta una cantidad considerable de sus 87 minutos sin créditos en una espantosa secuencia de baile de Mr. Fantastic y una escena en la que los superhéroes más famosos del mundo irritan a los pasajeros de una aerolínea comercial. 

First Steps no tiene tales payasadas, y aunque la nueva película es mejor que la especie de serie dirigida por Tim Story, que ya lleva dos años, por un factor que puede alcanzar los tres dígitos, tal vez un poco más de extravagancia habría sido útil. Una extraña melancolía se apodera de la película en su segunda mitad, principalmente debido a un dilema moral que aumenta las apuestas. Dado, sorprendentemente, cuánto se extrae material de la primera media hora de la publicidad, este giro probablemente se considere un spoiler. Debido a esa cuestión moral profunda, casi al estilo de Star Trek, la película, en última instancia, parece incapaz de tomar en serio.

Del mismo modo, y como es natural de las películas de acción de estos tiempos, esta se auxilia en momentos claves del CGI para proyectar las grandes hazañas de los superhéroes, pero hay un personaje que claramente necesitaba más trabajo de postproducción. Franklin Richards, el bebé superpoderoso de Mr. Fantástico y la Mujer Invisible, es interpretado por un grupo de bebés reales. Sin embargo, en varias escenas, el pequeño se representa mediante CGI. Dados los poderes cósmicos del niño y las escenas más impactantes en las que participa, tiene sentido que Marvel necesitara un bebé al que ambos pudieran hacer lo que necesitaran para una toma y mimetizarse con otros personajes generados por computadora como The Thing y Galactus. Sin embargo, sigue habiendo algo extraño en ver a un pequeño humano hecho completamente de CGI en una película de acción real, y solo ha mejorado marginalmente en la última década aproximadamente.

Cualquier ruptura con el estilo ligero de peleas de Marvel es bienvenida, pero "The Fantastic 4: First Steps" aún encuentra espacio para un montón de diálogos malos. Las infinitas posibilidades de un universo alternativo retrofuturista se utilizan, en parte, para imaginar que la pereza de escribir en choques de puños o frases y afectaciones aburridas y contemporáneas puede escapar del estado de anacronismo por un tecnicismo. 

La primera escena donde Sue anuncia su embarazo es una lección mortal sobre la camaradería forzada de múltiples borradores, inspirando pensamientos nostálgicos sobre cómo aparentemente le advirtieron a Pascal que no hiciera un acento del Atlántico Medio. Los trajes elegantes son una cosa; la actuación estilizada es, al parecer, otra muy distinta. Durante gran parte de la película, todo el elenco evita cortésmente meterse en problemas.