Crítica Cinéfila: Emilia Pérez

Sobrecualificada e infravalorada, Rita es una abogada de un gran bufete que un día recibe una oferta inesperada: ayudar al temido jefe de un cartel a retirarse de su negocio y desaparecer para siempre convirtiéndose en la mujer que él siempre ha soñado ser.

Como una rosa que florece en medio de un campo minado de bombas, es un milagro que exista “Emilia Pérez” de Jacques Audiard: una ópera pop del sur de la frontera sobre una metamorfosis muy improbable y la redención personal que despierta en un criminal de sangre fría. Con un Palma de Oro entre sus piernas y el atrevimiento para abordar su tercera película en una cultura y un idioma que no son los suyos (después de “Dheepan” y “The Sisters Brothers”), el director de “A Prophet” lleva a la audiencia al reino machista de los cárteles mexicanos, donde Manitas del Monte, un temible capo de la droga con una parrilla plateada y una voz agravada, quiere salir, no porque haya tenido una crisis de conciencia, sino porque ha decidido abrazar su verdadero yo: quiere ser mujer.

La deslumbrante y divisiva película de Audiard —protagonizada por Zoe Saldaña como la abogada que ayuda a Manitas en su transición y Selena Gomez como la madre de sus dos hijos— no se adhiere estrictamente a los códigos establecidos por GLAAD y otros defensores de los derechos LGBTQ, y sin embargo, “Emilia Pérez” surge como un retrato poderoso y sin filtros de alguien que desafía varios estereotipos a la vez. Eso es un testimonio de la protagonista Karla Sofía Gascón (que interpreta a Manitas/Emilia) y la audacia de Audiard, que tuvo el buen sentido de incorporar la experiencia personal de Gascón al personaje.

El cineasta tomó la idea de la novela “Écoute” del editor de Le Monde, Boris Razon, en la que la misión del personaje es solo una de las innumerables preguntas que se plantean sobre la identidad. Pero “Emilia Pérez”, en su mayoría en español, no es tanto una adaptación, sino una interpretación totalmente diferente de esa idea extravagante: ¿qué pasaría si tomaras al chico del cartel de la masculinidad tóxica y lo convirtieras en una mujer, no a la Griselda Blanco (“La madrina de la cocaína”), sino de tal manera que eclipsara el personaje original agresivo?

Una de las observaciones útiles que la comunidad trans ha compartido sobre películas como “Girl” y “The Danish Girl” es que el público en general tiende a estar más preocupado por la transición en sí que por las personas que se sienten realizadas por ese proceso. En “Emilia Pérez”, es fundamental para el viaje del personaje, pero eso es solo el primer acto de una historia mucho más grande. Quién sabe cómo juzgará la sociedad la representación de Audiard dentro de dos años o dos décadas, aunque el proyecto es coherente con una carrera dedicada a imaginar entornos alejados del suyo y sumergir al público en esos mundos, sin psicología reduccionista ni juicios.

Audiard comienza presentando al personaje de Saldaña, Rita, una abogada defensora que ayuda a los sinvergüenzas a salir libres, justificando sus dudas a través de una canción. Sobreestresada y subestimada, Rita acepta la propuesta sospechosa de un cliente potencial, lo que significa que la llevarán a quién sabe dónde con una capucha sobre la cabeza. Ultra cuidadosa para evitar un posible asesinato, Manitas le hace jurar a Rita que guardará el secreto antes de decirle por qué la han convocado: "Quiero ser una mujer", gruñe un hombre que parece que no dudaría en hacer que la maten. Y luego Manitas se abre la camisa y revela su compromiso con Rita (pero no ante la cámara).

Al principio, todas las referencias a Manitas son masculinas, lo que es cierto incluso entre los médicos de reasignación de género a los que Rita viaja por todo el mundo para entrevistar. “Cambiar el cuerpo cambia la sociedad”, canta Rita al cirujano en Tel Aviv (interpretado por Mark Ivanir), quien finalmente acepta realizar el procedimiento, lo que indica hacia dónde se dirige la historia. No es como si Manitas pudiera contarle a alguien lo que está haciendo, ya que cuenta con que Rita finja su muerte y reubique a su familia en Suiza. De hecho, cuando el ex capo se reúne con Rita unos años después en Londres —ahora radiante, imberbe y rebautizada como Emilia— la abogada se pone tensa, temerosa de que haya venido a borrar el último rastro de su pasado. En cambio, Emilia le pide a Rita que traiga a su esposa/viuda Jessi (Gómez) y a sus hijos de regreso a México. Según notas de prensa, Gascón (que interpreta a Emilia) todavía vive con la madre de su hija, y aquí surge una dinámica similar, ya que Emilia se presenta como una tía perdida hace mucho tiempo.

La escena que mejor se vio en Cannes muestra a Rita observando con cautela esta reunión, mientras Emilia da la bienvenida a Jessi y a los niños a su vida. ¿La reconocerán? “Hueles a papá”, le dice uno de sus hijos a Emilia en una hermosa canción de cuna (al revés). “Emilia Pérez” habría sido una película muy diferente si Manitas hubiera encontrado el coraje de confiar en la familia. No hacerlo establece las apuestas para el resto de la película: ¿Podrá Emilia seguir siendo su tutora? ¿Qué sucede si Jessi, que la cree muerta, se escapa con su nuevo amor, Gustavo (Édgar Ramírez)?

La subtrama de Jessi-Gustavo justifica lo que seguramente se convertirá en el himno de la película, el ardiente “El Camino” de Selena Gomez, cuya letra se traduce como “Quiero amarme completamente” (Clément Ducol y Camille coescribieron las canciones de la película con Audiard). ¿Y dónde encaja la vida personal de Rita en todo esto? Si “Emilia Pérez” no fuera un musical, el público podría no aceptar un descuido tan evidente, y sin embargo, la forma permite a Audiard excluir grandes franjas de la historia de fondo, como casi la totalidad del pasado criminal de Emilia. Renunciar a su identidad como jefa de un cártel no significa que no fuera responsable de innumerables asesinatos en su vida anterior. Emilia quiere restablecer selectivamente lo que hubo antes, gastando el dinero sucio ganado antes de su transición y prodigando atención a sus hijos mientras ignora casi por completo a la madre.

Estos dobles estándares añaden dimensiones fascinantes a la segunda mitad de la película, especialmente después de que Emilia decide fundar La Lucecita, una ONG diseñada para ayudar a los familiares en duelo a encontrar a sus parientes "desaparecidos". En el proceso, Emilia también encuentra el amor. Aparte de una escena en la que Rita se preocupa de que la pareja de Emilia (Adriana Paz) haya descubierto las cosas, Audiard no se distrae con ese viejo arquetipo. Una vez más, habría sido bueno ver a Emilia confesarse con otros, pero la película no trata el miedo a ser descubierto como un punto de suspenso. En cambio, Audiard se pregunta cuánto cambian realmente las personas cuando hacen ese tipo transición. En el caso de Emilia, menos de lo que le gustaría, pero lo suficiente como para inspirar un cambio positivo en la sociedad.

Crítica Cinéfila: Wicked

Ambientada en la Tierra de Oz, mucho antes de la llegada de Dorothy Gale desde Kansas, la trama abarca los acontecimientos del primer acto del musical. Elphaba (Cynthia Erivo) es una joven incomprendida por su inusual color verde de piel que aún no ha descubierto su verdadero poder. Glinda (Ariana Grande) es una popular joven marcada por sus privilegios y su ambición que aún no ha descubierto su verdadera pasión. Las dos se conocen como estudiantes de la Universidad Shiz, en la fantástica tierra de Oz, y forjan una insólita pero profunda amistad.

Visto por más de 65 millones de personas, los temas del musical "Wicked" sobre la amistad femenina, el empoderamiento y la discriminación claramente tocaron una fibra sensible en toda la audiencia, impulsando casi $1,7 mil millones en ingresos brutos en Broadway y alrededor de $6 mil millones en todo el mundo. Los productores no han tenido prisa por llevar la propiedad teatral a la pantalla, y su paciencia ahora da sus frutos generosamente en la deslumbrante versión cinematográfica de Jon M. Chu, que enriquece el material original al tiempo que rinde homenaje a la Edad de Oro de los musicales en Technicolor de MGM, entre ellos "Wizard of Oz".

Universal puede contar con una gigantesca audiencia incorporada formada por dos décadas de superfans que han adquirido apodos colectivos como “Los Ozianos” o “Los Wickhards”. Es fácil imaginarlos poniéndose de pie y aplaudiendo después de escuchar sus canciones favoritas cuando el estreno llegó a todos los cines (las proyecciones para cantar a coro parecen inevitables) y un par de cameos prolongados al final de la acción harán estallar a muchos fanáticos. Los cineastas saben exactamente lo que quiere su público principal y se lo entregan, a lo grande.

Una de las críticas que recibió la obra cuando se estrenó fue que su narrativa era sobrecargada. Cuando se anunció que la película sería un evento de dos partes (la Parte 2 está programada para noviembre de 2025), la reacción de muchos fue "¿Por qué?". Con la Parte 1 que dura dos horas y 40 minutos, no se la puede acusar de desafiar la brevedad. Pero la expansión de la pantalla le da al material más espacio para respirar, lo que produce recompensas especialmente en términos de acceso íntimo a los personajes y emoción. Puede que Chu no sea Vincente Minnelli, pero logra dar en el clavo con lo que más importa: los afectos cambiantes entre dos jóvenes brujas. Una es una princesa rubia alegre, vanidosa que se da el permiso de hacer lo que se le antoje y que aún no ha descubierto su tierno corazón; la otra es una forastera defensiva, considerada un monstruo porque nació con la piel verde brillante pero posee poderes formidables.

El reparto de los papeles —Ariana Grande como la estudiante de brujería con un mínimo talento que luego se convertirá en Glinda, la Bruja Buena del Norte, y Cynthia Erivo como Elphaba, la futura Bruja Mala del Oeste— es la clave del éxito de la película. Sus voces son claras, fuertes y ágiles en un grado que muchos de nosotros ya pensamos que nunca esperaremos después de tantas películas musicales que eligen cantantes apenas adecuados y luego los autotunean hasta el cansancio. Grande y Erivo le dan a las canciones de Stephen Schwartz una espontaneidad sin esfuerzo. Nos ayudan a aceptar la idea musical intrínseca de que estos personajes se ponen a cantar para expresar sentimientos demasiado grandes para las palabras habladas, no solo para pronunciar letras y melodías que alguien pasó semanas limpiando en un estudio. La decisión de grabar las canciones en vivo en el set siempre que sea posible es una gran ventaja. 

Ambas actrices tienen profundas raíces en el teatro musical, lo que les permite mantener fluidas las transiciones entre las escenas de diálogo y las canciones. Integran por completo una parte con la otra, sin ninguno de esos momentos incómodos en los que algunas estrellas parecen hacer una pausa y recomponerse, casi anunciando: "Voy a cantar para ti ahora". Si bien la suspensión de la incredulidad puede ser difícil de lograr en los musicales cinematográficos contemporáneos, Grande y, especialmente, Erivo (que hace su mejor trabajo en pantalla hasta la fecha, convirtiendo a Elphaba en el corazón herido y palpitante de la película con una actuación de impresionante vulnerabilidad cruda y matices emocionales) nos atraen hacia la historia y las experiencias de los personajes a un grado que nos permite olvidar la artificialidad inherente del género.

La vibrante creación de mundos de Chu es una parte importante de eso. Trabaja con el excelente equipo formado por la directora de fotografía Alice Brooks, el diseñador de producción Nathan Crowley y el diseñador de vestuario Paul Tazewell para crear un entorno de fantasía totalmente dimensional e inmersivo. Los efectos visuales se emplean en todas partes, pero a diferencia de tantas películas que se limitan por el peso de los efectos visuales generados por computadora, la tecnología digital se utiliza menos como un atajo que como un potenciador, o para propósitos específicos como incluir personajes animales que hablan y unir tomas compuestas. 

Crowley ha hecho maravillas al evocar el mundo mágico de Oz con construcciones a gran escala en platós y sets de rodaje, y las actuaciones del elenco se benefician de estar en escenarios tangibles en lugar de estar atrapados frente a fondos de pantalla verde. Lugares como la Universidad Shiz, donde Galinda, como se la llama originalmente, y Elphaba son estudiantes de primer año, o los bosques circundantes, o Ciudad Esmeralda, donde van a conocer al "Gran y Poderoso Oz" (Jeff Goldblum) están representados con encanto e imaginación. La creación más encantadora es, sin duda, Munchkinland, un pueblo de casas de formas extrañas y techos de paja enclavado entre campos ondulados prolijamente rayados con hileras de tulipanes de tonos deslumbrantes. Últimamente, muchas películas parecen filmadas a través de lentes manchadas de barro, lo que hace que el color luminoso y la luz de "Wicked" sean placenteros en sí mismos.

Al adaptar el material del libro de Winnie Holzman y las canciones de Schwartz para el musical, que a su vez se basó en la novela homónima de Gregory Maguire, las guionistas Holzman y Dana Fox ("Cruella") se apegan al modelo de la obra mientras desarrollan la historia y los personajes de maneras gratificantes. Chu también mantiene un ritmo rápido para que no haya sensación de relleno narrativo. La historia revisionista de "El maravilloso mago de Oz", la clásica novela infantil de L. Frank Baum de 1900, comienza como en el escenario, con los ciudadanos de Oz celebrando la supuesta muerte de la Mala Bruja del Oeste, sobre la cual se revelará más en la Parte 2.

La noticia es confirmada por Glinda, que flota en Munchkinland dentro de una burbuja, luciendo un vestido de tul rosa. No ha habido tanto rosa en una protagonista desde "Legally Blonde". Un Munchkin pregunta si es verdad que Glinda y Elphaba alguna vez fueron amigas, lo que da lugar a un salto al principio de la historia para reflexionar sobre la pregunta definitoria de si una persona nace malvada o si la maldad le es impuesta. 

Suceden muchas cosas antes de que aparezca el título principal, sobre todo un resumen del nacimiento de Elphaba. Atendida por su niñera osa Dulcibear y un obstetra cabrío, la llegada de Elphaba al mundo es recibida con sorpresa. Cuando su padre, el gobernador Thropp (Andy Nyman), ve la piel verde del bebé, grita: "¡Llévensela!". En un momento ingenioso sacado de Carrie, Elphaba demuestra sus poderes instintivos incluso cuando es recién nacida con los instrumentos quirúrgicos volando hacia el techo. El rechazo del gobernador hacia su hija se agrava cuando aparece su hermana menor, Nessarose (Marissa Bode). Más tarde nos enteramos de que las precauciones a base de hierbas que le administraron a su madre (Courtney Mae-Briggs) durante el embarazo para asegurarse de que Nessarose no fuera verde hicieron que naciera con paraplejia, la fuente de la culpa injustificada de Elphaba.

Es Nessarose, no Elphaba, quien está inscrita en Shiz. Pero la hermana mayor protectora la acompaña el día de la mudanza, y cuando percibe una amenaza para su hermana menor, involuntariamente desata una exhibición de brujería amenazante. El poder de Elphaba es observado por Madame Morrible (Michelle Yeoh), famosa Decana de Estudios de Hechicería, quien insiste en inscribirla en Shiz y darle clases particulares. Hay una clara atmósfera de Hogwarts en esta escena introductoria, en la que los excéntricos cortes de los uniformes de género fluido de Tazewell parecen una colección perdida de Thom Browne. La supremacía naturalmente asumida de Glinda es evidente desde su llamativa llegada a lo largo de los canales en una góndola cargada con equipaje rosa. Inmediatamente atrae a un par de aduladores chismosos en Pfannee (Bowen Yang) y ShenShen (Bronwyn James), así como la adoración instantánea del dulce Munchkin Boq (Ethan Slater), cuyos afectos Glinda manipulará a sabiendas.

Al mismo tiempo, Elphaba es presentada como una paria cruelmente ridiculizada, y su relación con Glinda comienza con un resentimiento mutuo cuando se ven obligadas a compartir una habitación. En el divertido dueto "What is this feeling", las dos protagonistas cantan sobre su odio, mostrando una química en pantalla que evolucionará y se profundizará a medida que cambie el vínculo de los personajes.

Elphaba, que reconoce a los forasteros, se solidariza con ellos cuando se entera de que el amable profesor de historia Dr. Dillamond (una cabra erudita con la voz de Peter Dinklage) es uno de los últimos animales a los que se les permite enseñar. Más tarde, escucha a escondidas una reunión en las dependencias de Dillamond con otros animales de la fauna. Hablan de la marginación sistemática de los no humanos en todo Oz, y prevén un futuro cercano en el que los animales serán completamente apartados de las posiciones de influencia, privados del derecho a hablar y posiblemente encarcelados. Si bien esta subtrama de discriminación está incorporada en el material, el ejemplo de una minoría que es demonizada, silenciada y efectivamente neutralizada por la sociedad adquiere una relevancia que sin duda no se esperaba a la luz del reciente ciclo electoral y el candente tema de la inmigración. 

Mientras tanto, bajo la guía aparentemente benévola de la señora Morrible, Elphaba comienza por primera vez a pensar en su "extraña peculiaridad" como un talento, no como una desventaja, y comienza a aprender a controlar sus poderes. Se convierte en la perdedora en las primeras etapas de un triángulo romántico con Glinda (su hostilidad inicial para entonces se ha suavizado hasta convertirse en amistad) y el estudiante de ensueño Fiyero (Jonathan Bailey), que comparte su credo de búsqueda de placer en "Dancing Through Life". Ese exuberante número se interpreta en la biblioteca Shiz, una de las muchas maravillas del diseño de Crowley, con sus estanterías cilíndricas giratorias y escaleras móviles. Pero Fiyero podría no ser tan superficial y egocéntrico como parece.

Mientras Morrible plantea la idea de que los poderes de Elphaba podrían convertirse algún día en su boleto a Ciudad Esmeralda, Erivo obtiene la primera de sus pocas canciones sensacionales, “The Wizard and I”, un título de canción que ha vuelto locos a los nerds de la gramática durante más de 20 años. Comienza como una reflexiva canción de deseo de una chica que nunca se ha atrevido a querer nada, y se desarrolla hasta una entusiasta declaración de autoafirmación en el gran final. Chu calcula hábilmente el crescendo para colocar a Elphaba en lo alto de un espectacular acantilado, una imagen que evoca tanto los cuentos de hadas como los musicales de películas antiguas. Cuando Elphaba es convocada para encontrarse con el Mago, insiste en que Glinda la acompañe a bordo de un reluciente tren expreso a Ciudad Esmeralda impulsado por un mecanismo de relojería, otra maravilla de Crowley. Pero su experiencia allí, si bien intensifica los poderes de Elphaba, trae consigo una desilusión estrepitosa y provoca una acción decisiva, amplificada en la interpretación espectacular de Erivo de “Defying Gravity”. Esa canción característica cerró el Acto I en el escenario y ocupa la misma posición destacada en la película de dos partes.

El guión de Holzman y Fox extrae mucho humor de las peculiaridades lingüísticas de Oz y especialmente de la presuntuosa condescendencia de Glinda. Grande, encantadora en su papel más importante en una película hasta la fecha, encarna esa cualidad con una generosa pizca de azúcar y atractivos instintos cómicos. Su vertiginosa interpretación de “Popular” mientras intenta darle un cambio de imagen a Elphaba es una delicia. Pero el guión también realza los temas dramáticos de la injusticia, la persecución y el concepto del mal como una útil herramienta para encontrar chivos expiatorios. Al interpretar una versión más desdentada de dúos antagónicos, Yang y James son ligeramente divertidos pero poco utilizados, y en última instancia sirven para poco. Bailey, Slater y Bode son más efectivos, sentando las bases para desarrollos significativos con sus personajes en la Parte 2 (al menos en la narrativa del musical), mientras que Yeoh y Goldblum revelan poco a poco las intenciones más oscuras ocultas bajo el manto de la autoridad. 

Pero "Wicked" pertenece a Erivo. Elphaba siempre fue el papel más importante y el arco del personaje tiene aún más peso en esta adaptación. O tal vez sea porque Erivo aporta una inversión personal tan conmovedora a su actuación, una cualidad que recuerda el papel ganador del Tony que la puso en el mapa, en la reposición de Broadway de 2015 de "The Color Purple". Sus ojos son una ventana expresiva a una vida de dolor, exclusión, orgullo desafiante y rabia, que a veces abarca ese rango y más en una escena o canción o lectura de una sola línea. Su Elphaba es una heroína marginada por la que vale la pena apoyar.

Sin duda, "Wicked" es una experiencia completa, demostrando que un musical es capaz de traspasarse a la pantalla, manteniendo la esencia del material original y agregándole su propio toque, siendo este uno de los musicales cinematográficos mejor elaborados hasta la fecha. Esperamos que la 2da Parte mantenga ese toque narrativo y teatral, y que la espera no se haga tan larga.

Crítica Cinéfila: Gladiator II

Años después de la muerte del admirado héroe Maximus, un esclavo convertido en Gladiador se ve forzado a entrar en el Coliseo tras ser testigo de la conquista de su hogar por parte de los tiránicos emperadores que dirigen Roma con puño de hierro. Con un corazón desbordante de furia y el futuro del imperio en juego, este debe rememorar su pasado en busca de la fuerza y el honor que devuelvan al pueblo la gloria perdida de Roma.

Sir Ridley Scott no hizo su primer largometraje ("The Duellists", de 1977) hasta que tenía 40 años. El director, que cumplirá 87 años este mes, no ha perdido el tiempo seguir añadiendo títulos a su filmografía con una notable selección de películas emblemáticas, entre las que se incluyen "Blade Runner", "Alien", "Thelma y Louise" y muchas más.

Después de "Napoleon", se lanzó a otro proyecto épico con una secuela 24 años después de que Gladiator (2000) se convirtiera en su única película ganadora del Oscar a la mejor película. Scott generalmente se ha resistido a seguir el camino de las secuelas de sus películas, con "Prometheus" (2012) y "Alien: Covenant" (2017) como excepciones, aunque esas dos películas que completan su llamada trilogía Alien llegaron respectivamente 33 y 38 años después de su éxito de 1979. Entretanto, dejó que otros, incluido James Cameron, se encargaran de las secuelas antes de volver a visitar ese mundo en particular.

El regreso al Imperio Romano en "Gladiator II" necesitaba un cuarto de siglo para llegar a la pantalla, hacerlo bien y no decepcionar al creciente grupo de fanáticos de la primera, y al mismo tiempo que se forjaba su propia razón de ser, además de ganar un montón de dinero. Todo esto sin mencionar que hacer una secuela de un espectáculo muy querido que ganó el Oscar a la Mejor Película y recaudó casi 500 millones de dólares en todo el mundo en su momento es un desafío para cualquiera, y mucho menos para un cineasta en el punto de vida de Scott. Demuestra, como siempre, que la edad es solo un número con este fascinante regreso a uno de los géneros de Hollywood largamente apreciados pero generalmente abandonados . Esta es la película que se inventó para mostrar en IMAX.

Es importante destacar que Scott, que parece prosperar con secuencias de batallas gigantescas, sabe que las emociones visuales no son suficientes, hay que tener una historia convincente. Y tiene una con el viaje de Hanno (Paul Mescal), un joven, a la deriva y enojado, bárbaro que lucha contra el ejército romano pero que finalmente es esclavizado y convertido en Gladiador como una atracción estrella para alimentar las necesidades de entretenimiento del público sediento de sangre liderado por los repulsivos emperadores gemelos Caracalla y Geta (Fred Hechinger y Joseph Quinn). La multitud exige más violencia enfermiza que nunca, y los líderes romanos se la entregan. En muchos sentidos, este colapso social es tan pertinente como siempre para el mundo en el que "Gladiator II" se desarrolla.

En cuanto al tiempo, han transcurrido 16 años después de la brutal muerte de Maximus (interpretado en la por Russell Crowe, que ganó el Oscar al mejor actor), que, por supuesto, era un líder del ejército romano que luchaba contra los bárbaros. Maximus se convirtió en gladiador, pero no se opuso al emperador. Eso lo convirtió en un polo opuesto a nuestro nuevo protagonista, Hanno, que se parece más a la frustración de una generación más joven que al orden de cosas que definió a Maximus. La venganza para él es personal.

Todo comienza en Numidia, donde Hanno ha vivido la mayor parte de su vida, solo para ser interrumpido cuando el ejército romano aparece preparado para el primer combate de espadas espectacular y la muerte de su esposa a manos del general Acacio (Pedro Pascal), quien dirigió el ejercito romano.

Capturado y transportado a Roma, sabemos que este es un hombre que estará dispuesto a igualar el puntaje y arrojado a los lobos, por así decirlo. Comenzará con Acacio, que está casado con Lucilla (Connie Nielsen), la hija del difunto emperador Marco Aurelio y cuyo hermano Cómodo y amante Maximus fueron asesinados al final de Gladiador. Ella es astuta en medio de toda la locura que ha envuelto al Imperio Romano, no solo el vínculo con su pasado sino quizás su futuro. Puede ser divertido para los espectadores en las gradas verlo, pero lo es mucho más para Hanno, quien es llevado al establo de gladiadores dirigido por el astuto ex esclavo Macrinus (Denzel Washington), un amo que ha surgido de la nada para convertirse en un exitoso hombre de negocios y astuto emprendedor, no como emperador o político, sino incluso mejor como un personaje antagónico que anhela el control del juego. Él satisface las necesidades de Lucilla, pero también ve a Hanno como una atracción estrella emergente en su establo para ser manipulada. Washington está soberbio, claramente se lo está pasando genial como este complejo villano que busca poder a cualquier precio.

La trama, tal como la ideó el guionista David Scarpa, contiene algunos giros que se adentran en el melodrama que involucra personajes clave y revelaciones que es mejor dejar que la audiencia descubra, pero se puede adivinar que todo se complica emocionalmente.

Uno no se imaginaba a Mescal siguiendo a Crowe en este ring en particular, pero su musculoso y convincente papel como Hanno es lo máximo, tan feroz en todo el manejo de la espada como humano en su interpretación. Hubo momentos en los que incluso hace referencia a Kirk Douglas de la era de Spartacus. Nielsen, uno de los dos únicos actores que vuelven de la primera película (Derek Jacobi, que repite su papel de Graco, es el otro), está espléndida aquí, un ancla importante para la historia familiar detrás de toda la acción, el pegamento que lo mantiene todo unido. Pascal camina por una línea gris y demuestra su valor no solo en las escenas de acción, sino también como un hombre que intenta equilibrar su papel en esta sociedad y lo que se espera de un general, pero también su propia humanidad. No es un truco fácil. Hechinger y Quinn son invaluables como los emperadores gemelos locos que se comen cualquier escenario que puedan encontrar.

Y hablando de escenografía, Scott tiene un equipo de primera en esta película, con algunos artesanos de confianza trabajando con él nuevamente desde Gladiator (2000), incluyendo al diseñador de producción nominado al Oscar Arthur Max y al director de fotografía John Mathieson y a la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar Janty Yates, todos nuevamente en el equipo. Un agradecimiento a los equipos de efectos visuales especiales y al compositor Harry Gregson-Williams por su conmovedora banda sonora.

Gladiator es una película difícil de igualar, pero Sir Ridley Scott demuestra ser un maestro en la creación de una orgía romana de excitación que resulta ser una digna sucesora en todos los sentidos.

Crítica Cinéfila: The Apprentice

La historia que forjó la relación entre un antiguo tiburón, el poderoso abogado Roy Cohn junto a un tiburón aún mayor: el joven empresario y futuro presidente de los EE.UU. Donald Trump. Un joven Trump (Sebastian Stan), ansioso por hacerse un nombre como segundo hijo de una familia adinerada en el Nueva York de los años 70, cae bajo el hechizo de Roy Cohn (Jeremy Strong), el despiadado abogado que ayudaría a crear al Donald Trump que conocemos hoy. Cohn ve en Trump al protegido perfecto: alguien con una ambición desmedida, sed de éxito y dispuesto a hacer lo que haga falta para ganar. 

Una historia rutinaria y nada sorprendente sobre un loco que pierde el control del monstruo que ha creado, “The Apprentice” de Ali Abbasi hace exactamente una cosa que ninguna otra película ha hecho antes (ni creo volverá a hacer): te hace sentir simpatía por Roy Cohn. Eso no es necesariamente un cumplido, pero es una especie de testimonio del talento del actor que lo interpreta (Jeremy Strong), y también un estilo muy diferente de testimonio de la falta de alma sin igual del futuro líder mundial que Cohn ayudó a inventar. 

Cuando este drama sórdido comienza a finales de los años 70, el personaje de Sebastian Stan es Donald J. Trump (en aquel entonces un inseguro bebé de Manhattan que va a tientas por la ciudad en busca del inexistente afecto de su padre), cuya humanidad menguante todavía es lo suficientemente visible como para inspirar la misma tierna compasión que alguna vez evocó Michael Corleone, o al menos su hermano Fredo, antes de que se hiciera cargo del negocio familiar. Cuando “The Apprentice” llega a la escena final del guión punzante pero poco esclarecedor de Gabriel Sherman (que termina con el primer encuentro del magnate inmobiliario con el escritor fantasma contratado para escribir sus automitificantes memorias de 1987), Trump ha dejado de devolverle las llamadas telefónicas y Cohn ha muerto de VIH Sida. 

De hecho, la secuencia más audaz de esta película intenta comparar sus dimensiones al estilo de "The Godfather" con una versión apropiadamente vanidosa y sociópata donde Abbasi intercala el funeral de Cohn con imágenes de Trump pasando por el quirófano para una liposucción. “The Apprentice” no hace nada para sugerir que el fiscal más notorio de la historia estadounidense no era un demonio que se odiaba a sí mismo cuyo deseo de dominar un mundo que no lo amaba hizo de su país un lugar peor para todos los que han tenido que vivir en él desde entonces, simplemente plantea el argumento de que el protegido que moldeó a su propia imagen, solo que más alto, más rico y más recto, era de alguna manera peor. Cohn puede haberse odiado a sí mismo, pero Trump no. 

A veces con pinceladas amplias y a veces con brutal especificidad, “The Apprentice” hace lo que puede para dramatizar cómo el estudiante se convirtió en su maestro (y lo superó) al encarnar con demasiada perfección todas sus lecciones. Si esos esfuerzos no son ni de lejos suficientes para que esta película arroje una nueva luz significativa sobre el hombre más sobreexpuesto que haya vivido, es en gran medida porque no puede obviar el hecho de que Trump es demasiado vil y patológico para ser de mucho interés dramático. El tipo tiene un kilómetro de ancho y una pulgada de profundidad, y ninguna cantidad de psicoanálisis del tipo “papá no me ama” va a arreglar eso. 

El hecho de que “The Apprentice” no haya alcanzado su objetivo es particularmente lamentable, porque Abbasi parece el candidato perfecto para dirigir la primera película importante sobre Trump. Abbasi, un provocador nacido en Irán que se siente más vivo cuando su trabajo está en la tercera fila, apenas tenía una ligera conciencia de la existencia de Trump hasta que un día en 2015. Y es cierto que la película no parece en absoluto una trama financiada por los demócratas, sino más bien un relato directo de cómo el peor neoyorquino del siglo XX esculpió al peor floridano del siglo XXI. Teniendo en cuenta lo que el público sabe -y no entiende- sobre Trump hoy en día, incluso la escena brutal en la que viola a Ivana en el suelo de su casa de Manhattan se ajusta a nuestra comprensión de su personaje. Abbasi no se detiene en ella, ni su película traiciona la sensación autoimpuesta de que nos está impactando con algo que no sabemos ya. 

El problema es que Abbasi sigue interesado por una curiosidad morbosa sobre un tema que la mayoría de los estadounidenses han conocido lo suficiente después de pasar ocho años estudiando una caricatura de una persona en Times Square más de cerca que cualquier pintura del Louvre. Si no nos molestamos en preocuparnos por el primer juicio penal de un expresidente de los Estados Unidos, no hay nada que “The Apprentice” pueda hacer para despertar nuestra atención. Como calamidad geopolítica, Trump es una figura interesante. Como ser humano, es de lo más aburrido. 

Sea como fuere, Stan hace un intento impresionante de convencernos de lo contrario. Comienza por evitar la simple imitación a favor de centrarse en el patetismo que finalmente llevó a Trump a la política. El Trump de Stan está muy lejos de la increíble imitación de alguien como la estrella de “SNL” James Austin Johnson (sin duda el mejor que lo ha hecho). Unas prótesis sutiles ayudan a salvar la enorme brecha que separa a Bucky Barnes de la persona menos regia que haya crecido en Queens. 

Eso es bueno para la película, ya que libera instantáneamente a Stan de tener que vendernos la apariencia de ese bicho raro y lo libera para enfatizar la necesidad y la impresionabilidad de Trump. La forma en que sus ojos se iluminan cuando Cohn le cuenta por primera vez sobre sus "reglas para ganar", la forma en que realiza un simulacro barato de carisma cuando corteja a su futura esposa Ivana (Maria Bakalova), la forma en que se pasea por el Nueva York anterior a Koch como el malo de una película de Blaxploitation, una vibra realzada por la cinematografía descolorida de Kasper Tuxen, que hace que toda la película parezca un infomercial llamativo con banda sonora disco para el sueño americano.

Y luego, por supuesto, se estremece ante el "amor duro" de su padre, al que fantasea con recompensar con la misma moneda (Fred Trump es interpretado por Martin Donovan). “The Apprentice” nunca nos dice nada sobre Trump que no podamos deducir del póster de "Citizen Kane" que cuelga en la pared de su dormitorio, pero eso no impide que Stan busque grietas ocultas en el alma de su personaje, o al menos el vacío oscuro donde cualquier otro personaje podría haberlo tenido. 

Incluso hay algo que se parece vagamente a una visión en el celo de Trump por rescatar a la ciudad de Nueva York de sus problemas financieros, o al menos en su celo por explotarlos. Pero el detalle más llamativo de la transformación gradual de Trump es el orgullo que Stan le permite sentir por su tutela; incluso cuando Trump rechaza a su hermano mayor desobediente y le da la espalda a Cohn en el momento más bajo de su vida, uno siente que se siente completo, no vacío, debido a la profundidad con la que ha sido capaz de encarnar los principios de éxito de su mentor.

No hace falta decir que la interpretación de Roy Cohn de Strong es un digno complemento para el Trump de esta película, hasta el punto de que la trama podría haberse beneficiado de centrarse en el mentor y no tanto en el estudiante. Strong hace más con sus párpados medio desencajados de lo que la mayoría de los actores podrían hacer con todo su cuerpo; empapa una indiferencia diabólica en líneas de diálogo sobre desgravaciones fiscales y esconde profundidades de dolor al estilo de “Inferno” detrás de un rostro que es tan plácido e inmóvil. 

Sin ponerlo en palabras que confundan a su nuevo mejor amigo, Cohn moldea a Trump para que se convierta en la versión de sí mismo que la vida nunca le permitiría ser. Cohn no quiere que Trump sea su cliente, quiere que Trump sea el reflejo que siempre ha soñado ver cuando se mira al espejo. Por desgracia, no hay cura para ninguno de los virus que pasan por el cuerpo de Cohn, y él es tan impotente para impedir que su hijo adoptivo se vuelva contra él. 

La sorpresa de Cohn por su propia traición es lo más humanizador de él: incluso uno de los mayores monstruos de la historia llega a un punto en el que se sorprende por la abyecta falta de humanidad de alguien. Y si Trump le hizo algo así a su propio héroe personal, imagínense lo que podría hacerle a sus peones. O a sus enemigos. O a su país. Cohn no vive para verlo con sus propios ojos, pero nosotros ya lo hemos visto. Cortada desde el principio y cada vez más incierta en cuanto a su propósito a medida que avanza a tientas hacia el Trump que conocemos, esta historia de origen ciertamente no es tan dolorosa de ver como el futuro que presagia que ha tenido que soportar, pero es igualmente banal e innecesaria. 

Crítica Cinéfila: We Live in Time

Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década.

La belleza de las películas de John Crowley es su grandiosidad en cómo cuenta una buena historia de amor. Su obra maestra nominada al Oscar en 2015, "Brooklyn", convirtió la decisión de estar con alguien en una elección que, a sabiendas, definiría el futuro de la vida de su personaje principal, mientras que su adaptación de 2019 de "The Goldfinch" fue un ejemplo defectuoso pero ambicioso del poder que altera la vida del amor de una madre. La última película de Crowley, "We live in Time", también convierte una historia de amor poderosa pero relativamente simple, con todos sus giros, vueltas y la imprevisibilidad que nos trae la vida, en una gran pieza de romance. No hay nada más atrevido que entregarse por completo a otra persona, y Crowley lo demuestra en todo su desgarrador esplendor con su última película.

Desde los primeros minutos de "We live in Time" ya empezamos a ver el alcance de esta relación entre Almut (Florence Pugh) y Tobias (Andrew Garfield). Almut, una chef de renombre y emprendedora, despierta a Tobias para compartir su última creación. Hay una alegría pura en ella compartiendo lo que ama con él, y antes de que él abra los ojos, Tobias tiene una sonrisa en su rostro por la presencia de Almut. El guión de Nick Payne nos lleva luego al embarazo de Almut, luego nos lleva a los dos descubriendo que Almut tiene cáncer. Después de esto, volvemos de nuevo a cuando estos dos se conocieron. "We live in Time" sigue tres líneas temporales diferentes: su comienzo, su embarazo y la pareja luchando contra el cáncer. Al centrarse en estos tres períodos, Crowley y Payne nos dan un amor en su mejor y peor momento, y al final, realmente sentimos que hemos visto una vida compartida y plenamente realizada.

La audaz estructuración de la historia por parte de Payne nunca es una lucha. Crowley hace un excelente trabajo al asegurarse de que siempre sepamos en qué período nos encontramos con estos dos, pero también juega con las posibilidades de esta estructura que mejoran enormemente esta relación. Al principio del proceso de cortejo, Tobias aborda la idea de tener un hijo con Almut. Sabe que se está enamorando profundamente de ella, pero la forma en que plantea la conversación molesta a Almut. Tobias quiere tener un hijo y Almut no cree que tener un hijo sea necesariamente para ella, lo que conduce a su primera pelea importante.

Y, sin embargo, ya sabemos que esta historia termina con estos dos teniendo un hijo juntos. Pero aún más importante es que Crowley poco después nos muestra un momento en el que Tobias tiene que darle una gran noticia a Almut, y en lugar de improvisar como lo hizo con la conversación sobre el bebé, ahora sabe que es importante para él tener un plan cuando habla de cosas tan importantes con Almut, ya que planea una gran muestra de su afecto y toma una gran cantidad de notas para lidiar con la situación. Es un pequeño detalle, pero hermoso. La forma inusual de contar esta historia de amor nos permite ver la evolución de esta relación de maneras encantadoras que no tendrían el mismo impacto en una historia de amor más directa o lineal.

Pero también, esta historia de amor triunfa gracias a las excelentes actuaciones de Florence Pugh y Andrew Garfield. Rara vez vemos a estos dos antes de conocerse, cuando Almut accidentalmente atropella a Tobias con su auto mientras él intenta finalizar su divorcio, pero eso se debe a que esta no es una historia sobre ninguno de ellos por separado, sino sobre la vida de toda esta relación. Sabemos que Almut vivió una vida impresionante antes de conocer a Tobias, mientras que Tobias ya tuvo que luchar en una relación, y la historia de Crowley y Payne prioriza inteligentemente sus momentos juntos y poco más. Todo lo que importa es este vínculo y en quién los convirtió, no quiénes eran antes de conocerse.

Gran parte de lo que necesitamos saber sobre esta pareja se refleja en esa escena inicial. Almut va a su jardín y elige sus ingredientes, creando un plato inesperado antes de que Tobias se despierte. Mientras tanto, Tobias encuentra consuelo y propósito en estar allí con Almut, siempre allí para apoyarla en sus esfuerzos y decisiones. Pugh y Garfield son fenomenales al mostrar esta relación en estos tres períodos distintos. Su energía y conexión son eléctricas, y está claro desde sus primeras interacciones que hay algo especial allí.

También es maravilloso tener a estos dos actores nominados al Oscar mostrando sus capacidades en una película que es simplemente un romance encantador. Hemos visto fragmentos de romances de estos dos antes, con Pugh en "Little Women", y aquí y allá para Garfield a lo largo de su carrera, pero nunca a esta escala para ninguno de ellos. Tener a estos dos actores de calidad asumiendo lo que podría haber sido poco más que un romance extremadamente emocional hace toda la diferencia, y sus talentos hacen que esto se sienta más como una relación romántica desarrollada de lo que hubiera sido manejada por dos actores menores.

Otra parte hermosa de lo que hace que "We Live in Time" funcione tan bien es la presentación de todo lo que puede ser una relación fuerte. Pugh y Garfield son adorables y sexys juntos cuando necesitan serlo, y verlos ser juguetones y tontos juntos solo nos hace querer más este vínculo. Quizás lo más importante es cómo la película muestra cuál es la escala de amor verdadero al que todo ser humano debería aspirar. Cuando las cosas se ponen difíciles y el futuro es incierto, Tobias sabe cómo estructurar sus conversaciones de manera práctica para aliviar la preocupación con la que deben lidiar. Mientras tanto, parte del arco de Almut es tratar de lidiar con sus propias ambiciones personales mientras existe dentro del marco de esta pareja. Como alguien que ha sido mucho más independiente que Tobias, a menudo lucha por ser parte de una sociedad. La forma en que estos dos equilibran las fortalezas y debilidades de cada uno es irresistible en cómo Pugh y Garfield manejan esta dinámica.

A pesar de la tragedia que sabemos que se avecina para Almut y Tobias, "We Live in Time" nunca cae en las trampas de la historia de amor más convencional y empalagosa, rogando al público por sus lágrimas. En lugar de intentar hacer llorar a su audiencia, Crowley nos muestra el poder y la belleza de una vida compartida, e incluso si esto se les pudiera quitar, se trata de cómo usan el tiempo que tienen juntos que es espectacular. Poco después de su diagnóstico, mientras Almut lucha con cómo quiere continuar con el tratamiento, le dice a Tobias que preferiría tener seis grandes meses con él, creando recuerdos y siendo proactiva, que tener un año de sufrimiento que podría llevarla a la muerte. 

En esencia, "We Live in Time" trata sobre cómo aprovechamos al máximo el precioso tiempo que nos queda en esta Tierra, con quién lo pasamos y creando esos recuerdos que perduran mucho después de que nos desvanecemos de este mundo. Al igual que con sus películas anteriores, Crowley sabe cómo presentar perfectamente la idea de que el amor puede alterar el futuro. Aunque sabemos hacia dónde se dirige esta historia desde el principio, es pura alegría. Incluso en los peores momentos, la película de Crowley logra ser divertida, inesperada y encantadora en cada paso del camino. Esta no es una película sobre el duelo por una pérdida, se trata de celebrar la vida. Con Pugh y Garfield liderando esta tremenda historia de amor, se convierte en uno de los mejores romances cinematográficos en años y demuestra que pocos cineastas pueden presentar el poder del amor como Crowley.

Crítica Cinéfila: Never Let Go

Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos gemelos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno. Necesitan estar conectados en todo momento, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero, cuando uno de los niños se pregunta si el mal es real, los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia.

Algo anda mal en el bosque otra vez; solo unos meses después de un asesino trastornado, algunas hadas trastornadas y un intento trastornado de resucitar extraños nos recordaran nuevamente que debemos mantenernos alejados de este lugar. En la nueva película de terror intrigante pero excesivamente derivada de Alexandre Aja, "Never Let Go", Halle Berry es una madre que intenta mantener a sus hijos mellizos a salvo en un paisaje infernal postapocalíptico, ocultos de lo que queda del mundo exterior. Hay reglas exhaustivas contadas de manera agotadora, la más importante de las cuales es nunca salir de su choza remota sin una cuerda atada, manteniendo una conexión con la santidad del hogar en todo momento. Si se encuentran sin ataduras, estarán a merced de un mal malévolo que los consumirá.

Pero es un mal que sólo ella parece ver, y les dice a los chicos que sólo lo verán cuando sean mayores, una advertencia que empieza a generar sospechas en la mente de Nolan (Percy Daggs IV), el menos incuestionablemente leal de los dos, que se enfrenta a la oposición de su hermano Samuel (Anthony B Jenkins). A medida que la comida empieza a escasear y las tensiones empiezan a aumentar, la tensa dinámica familiar se pone a prueba.

Es fácil distraerse mientras se ve "Never Let Go", y el instinto de enumerar las muchas películas que recuerda se vuelve cada vez más difícil de reprimir. Hay fragmentos de "Bird Box", "10 Cloverfield Lane", "The Babadook", "The Village", "Goodnight Mommy" y "A Quiet Place", entre muchas otras, y la película existe tanto en la tendencia reciente de los thrillers de aislamiento en la era de la pandemia como en el subgénero de los horrores que son sutilmente alegóricos. Es una película sobre una madre que intenta evitar que sus hijos se vayan de casa, protegiéndolos de los monstruos que existen afuera y, al mismo tiempo, poniéndolos en riesgo de ser lastimados por los que viven dentro también. Posiblemente se trate de varias cosas: la maldición de la enfermedad mental hereditaria, la asfixia de la crianza sobreprotectora, el miedo a liberar a los hijos negros en un mundo brutal y racista; un caldo de ideas que burbujea y que nos lleva a creer que esto no es solo un vago retroceso.

Cuando la película se sitúa en el espacio entre la suposición y el conocimiento, hay un verdadero atractivo. Una vez que la falta de elegancia de la ambientación ha pasado, hay una tensión genuina al intentar averiguar de dónde viene el verdadero peligro y ver a los niños obligados a pensar como adultos. Aja, cuyas películas de Hollywood han tendido a ser más fracasos (Mirrors, Horns, The Hills Have Eyes, The 9th Life of Louis Drax) que éxitos (Craw, Piranha), se inclina hacia una maldad eficientemente pesadillesca, mostrándonos desde el principio que los monstruos que plagan a Berry encuentran formas tortuosas de atormentarla. Ella ve una versión grotesca de su madre muerta o una visión de sus hijos muertos o una serpiente gigante que da vueltas y, al límite, Berry es feroz y persuasiva como una madre que intenta equilibrar su miedo personal con su necesidad de mantenerse fuerte frente a sus hijos.

Una escena que va aumentando de intensidad y que involucra al perro de la familia ofrece un verdadero suspenso que te mantiene en vilo, pero también señala el punto en el que la película comienza a desmoronarse. Le sigue una gran sorpresa que te deja sin aliento y que, lamentablemente, le quita el aire al acto final, dejando un final caótico con piezas de rompecabezas que caen en cascada y no encajan en su lugar. Lo que parecía intrigante se vuelve completamente confuso y uno comienza a lamentar el apogeo de Shyamalan, cuando podía crear un final de género que se ganaba la vida y explicaba lo suficiente como para convencernos.

Aja no encuentra la manera de equilibrar la cruda seriedad de la película con los elementos más ridículos y sombríos de las películas de monstruos. Nunca está muy seguro de si quiere engañarnos con un susto repentino o hacernos reflexionar sobre cuestiones más importantes y, al no poder hacer ambas cosas de manera eficiente, la película se pierde en la oscuridad intermedia. Berry es, como siempre, un ancla fuerte, pero cuando aparecen los créditos finales, estamos listos para soltar la película en su totalidad.

Crítica Cinéfila: Don't Move

Un asesino experimentado inyecta un potente agente paralizante a una mujer afligida. Ella debe correr, luchar y esconderse antes de que su cuerpo se apague.

He aquí una hipótesis suicida que sólo se le ocurriría a un cineasta de películas de terror: ¿qué pasaría si en el momento en que una joven profundamente perturbada (Kelsey Asbille) estuviera a punto de acabar con su vida, apareciese un asesino en serie (Finn Wittrock), la convenciera de que no lo hiciera y luego la secuestrara con un propósito mucho más espantoso? ¿El plan del asesino seguiría contando como asesinato o, dado que esta víctima ya había decidido morir, contaría como un favor?

Una de las más recientes obras de Netflix, "Don't Move", comienza con ese recurso y luego añade otro: una vez que la mujer recupera la conciencia, su captor revela que le ha inyectado un "relajante especial" que comenzará a hacer efecto en cualquier momento. A partir del momento en que lo haga, el sedante tardará 20 minutos en paralizarla completamente. ¿Qué harías en su situación?

Cuando comienza Don't Move, la historia gira en torno a una mujer afligida que solo quiere que la dejen en paz. Se va de excursión a lo profundo de un bosque aislado donde los recuerdos la persiguen cuando se encuentra con un extraño. Encantador y amable al principio, se convierte rápidamente en el villano de la película cuando le inyecta un agente paralizante. La droga hará que su cuerpo se apague gradualmente, por lo que necesita alejarse lo más posible de él antes de que ya no pueda moverse.

El objetivo, por supuesto, es observar a una mujer que quiere (o quería) terminar con su vida y encuentra la voluntad de luchar por ella. Pero hay algo tan esquemático en la situación de Iris que parece un insulto para quienes tienen pensamientos reales de autolesión. Eso no significa que no sea interesante de ver, ya que Iris hace todo lo posible por superar su inmovilidad. Lo mejor es tomar la película como una prueba de un puñado de jóvenes cineastas que piden favores y centrarse en las sorpresas. Un nombre conocido entre los créditos es Sam Raimi, para quien los directores Adam Schindler y Brian Netto dirigieron los capítulos de Minnesota de la serie de Quibi “50 States of Fright”. Ambientada en lo profundo de los bosques y a lo largo de caminos de tierra lejos de la civilización, “Don't Move” se siente como otra película soñada durante la pandemia que un pequeño equipo podría ejecutar. Pero esa restricción no es nada comparada con la que se le impone a Asbille, que pasa la mitad de la película inmóvil.

El día infernal de Iris incluye enfrentarse a un río de aguas rápidas, comunicarse con un amable extraño y escapar de un incendio que crece, y aunque las reglas sobre qué parte de su cuerpo funciona y qué no en un momento dado a menudo pueden parecer laxas, es difícil no dejarse llevar por la escalada de pesadilla de todo ello. Hay un verdadero suspenso y el ritmo rara vez decae. La película alcanza su máximo potencial cuando las palabras pasan a un segundo plano frente a la acción.

Aunque la protagonista de “Yellowstone” se limita a sus ojos y al movimiento de su dedo índice, estamos junto a ella en estos momentos. En una escena, rescatada temporalmente por un ermitaño bien intencionado (Moray Treadwell), aprende a comunicarse parpadeando, enviando un “SOS” de pánico cuando aparece el personaje de Wittrock (aparece como “Richard” en los créditos finales, pero se presenta con diferentes nombres, según quién pregunte). Tanto aquí como en una escena posterior con un policía (Daniel Francis), la mujer silenciosa es fácilmente acallada por su manipulador.

Kelsey Asbille es  perfecta como Iris y debería ser una heroína para muchas mujeres, mientras que los hombres seguramente esperarán que las mujeres en sus vidas reaccionen como ella lo hace. Como villano, que también es un personaje con matices pero muy definido, tenemos a Finn Wittrock. Este es un gran papel para él y ofrece exactamente lo que se necesita.

Nuestra identificación con Iris es tan fuerte que es una pena que la película esté limitada al streaming, ya que podría ser divertida verla en un cine con una multitud, donde la gente le gritaría a la pantalla palabras de motivación. En ese sentido, el título parece una orden falsa, ya que Iris no puede moverse, pero lo haría con gusto si pudiera. Esto crea un tipo de suspenso impotente y muy efectivo, ya que Iris debe confiar en que su torturador se equivoque, al menos hasta que sus extremidades comiencen a responder nuevamente.

Este dilema recuerda a la escena central de la historia de fantasmas hitchcockiana de Robert Zemeckis, “What Lies Beneath”, cuando el personaje de Michelle Pfeiffer yace consciente pero incapacitada en una bañera que se llena poco a poco. Ese es el tipo de emoción que existe en “Don't Move”, incluso en su escena más cercana, donde Iris debe encontrar una manera de atraer la atención de su posible asesino antes de que un incendio voraz la queme viva. ¿Es eso realmente suficiente para curar sus impulsos suicidas? O, en una interpretación completamente diferente, ¿Wittrock no está realmente allí en absoluto, sino que es la manifestación del dolor y el trauma que la han estado atormentando y que debe vencer para seguir adelante?